El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter

140 Años 104 Fotografías/104 Fotográfos

Un viaje en el tiempo. Momentos perdurados para la eternidad. Una mirada distinta a la que estamos acostumbrados. Todo esto podrá ser apreciado en la nueva exposición fotográfica 104 Años 140 Fotografías/104Fotográfos que se estará presentando en el Museo Nacional Revolución hasta el 15 de febrero de 2015.

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

 Capturada por fotógrafos mexicanos y extranjeros, profesionales y aficionados, esta recopilación nos muestra a través de 104 fotografías la lucha armada en diferentes puntos geográficos, especialmente en el periodo que va de 1910 a 1924. Con esta exposición se intenta reencontrar el orden perdido en la memoria, así como explicar el papel que jugó la fotografía en la construcción cultural que se vivió durante la revolución política.

 

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

La exposición estará disponible hasta febrero de 2015. El horario de admisión es de martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas y sábados y domingos de 9:00 a 18:30 horas. Entrada general: $25*

*50% de descuento con credencial de estudiante, maestro e INAPAM

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De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

AndrewBorden
“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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Originally posted 2014-11-10 09:00:29. Republished by Blog Post Promoter

Ayotzinapa está presente hasta en el arte: el performance de la ENAT

Desde el pasado 26 de septiembre del año en curso, México ya no es el mismo. Iguala, Guerrero, se convirtió en una trinchera más dentro de la guerra que ha sofocado a nuestro país los últimos años. Una guerra que se ha llevado “entre las patas” a miles de inocentes a causa de ese enorme deseo de poder y control de quienes la han orquestado. Sabemos quienes son. Sabemos y no.

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 La Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos” ha sido, a lo largo de la historia de Guerrero y sus escuelas rurales, un semillero de guerrilleros, una cuna de “libre-pensadores” mexicanos que se han destacado por luchar desde la subalternidad por y para el pueblo. No en vano de ahí salieron importantes personajes como Lucio Cabañas y Genaro Vázquez, quienes impulsaron la guerrilla en el estado de Guerrero en los años 60.

 La disidencia ha permanecido, y es a partir de la misma en que nos podemos explicar los hechos del 26 de septiembre. 43 compañeros de los cuales no sabemos nada, no sabemos si están vivos o muertos. 43 compañeros que habían salido a hacer una colecta, por falta de recursos económicos, para costear un viaje a la Ciudad de México y hoy están desaparecidos. Es una rabia que se ha manifestado en diferentes sectores de la sociedad. Pareciera que el descontento ha llegado más allá de las aulas: señoras, señores, ancianos, niños, trabajadores, transeúntes se han unido al grito de: ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

 En el marco de estas acciones por alzar la voz, tenemos un sinfín de muestras de apoyo, tanto en las marchas, los actos simbólicos en las calles, en los hogares, así como en el arte. Numerosos performances se han realizado como un acto más de protesta e inconformidad por la desaparición forzada de 43 compañeros de la normal de Ayotzinapa. Entre ellos, se encuentra el realizado por los compañeros de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), realizado el pasado 16 de octubre, en la explanada del Museo Nacional de Arte (MUNAL).

 Este performance rescata el testimonio del compañero Omar García, sobreviviente del ataque por parte de la policía federal hacia los compañeros de la normal de Ayotzinapa. Los actores aparecen vestidos con playera o blusa blanca, jeans de mezclilla y un pañuelo o paliacate rojo atado al cuello o la cabeza. En la mitad de la cara llevan pintada una línea con pintura blanca.

 De inicio vemos a los actores caminando sobre la explanada del MUNAL. Es muy interesante cómo empieza, ya que los compañeros van caminando, aparentemente apurados y sin rumbo alguno, mientras van hablando y, lo que se escucha, son los nombres, las edades, los apodos y la forma de ser de los normalistas desaparecidos, como si los estuvieran buscando, ya que algunos dicen “¿alguien lo ha visto?”, “¿alguien sabe dónde está?”. Esas descripciones han estado circulando en línea. Así pues, caminan y hablan, hasta que de pronto los vemos caminar rapidísimo y escuchamos que casi gritan mientras más van apresurando el paso. En ese momento paran de caminar, se quedan en silencio, y un actor grita: “¡Ya dejen de disparar, cabrones!”, haciendo total alusión al ataque. De pronto, todos se concentran al centro de la explanada y se cubren, cual si se resguardaran de las balas. Gimen, tiemblan y es notable que están asustados, temen por sus vidas. Es entonces cuando empiezan a recitar el testimonio de Omar, metiéndose en su papel, como si ellos fueran él durante el ataque.

 Mientras recitan a Omar, los actores corren de un lado a otro, se arrastran, gritan, se empujan, se toman de los brazos. Alrededor de la explanada, empieza a juntarse la gente y podemos observar a otros compañeros sosteniendo mantas que dicen: “¿Por qué nos asesinan? si somos la esperanza”, “México despierta”.

 Así se va desarrollando este performance, donde los actores gritan desesperados, algunos lloran. Casi para cerrar, dos de ellos recitan lo siguiente: “En México y en Guerrero, se mata gente, en esos llamados daños colaterales de su chingada política, que luchan entre ellos. Nosotros no queremos ser eso, queremos un México justo y libre”, tal cual lo dice Omar en el video de su testimonio.

 El performance termina con los compañeros caminando de nuevo, retirándose de la explanada, repitiendo “un México justo y libre”, y también, nuevamente, diciendo los nombres de los compañeros, sus apodos, preguntando sí los han visto. Al final, mientras se van retirando, una participante dice: “Tengo 19 años y me apodan el Chucky. Sólo espero que me regresen con vida para poder enseñarle a los chavitos”.

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Por: Pedro Sosa

 Observar los diversos performances hechos a partir de los ocurrido en Ayotzinapa, así como las muestras de apoyo por parte de diversos sectores de la sociedad en las marchas, los paros, la difusión de la información, la empatía que se ha hecho notable en la población mexicana, nos habla de una suerte de “despertar” de quienes habitamos este país. Un país que ha sido azotado por la violencia de la manera más dolorosa y perversa, lo que ha sembrado el miedo en todos nosotros. Pero no todo está perdido. Que una sociedad se levante en tiempos de odio y egoísmo demuestra que estamos más unidos que nunca, por los 43 y por todos los demás que claman justicia en México y para México. El uso del performance es sólo una muestra más de que las expresiones artísticas también pueden sanar una herida tan grande como esta. ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

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Edgar Allan Poe: el sueño dentro del sueño

Son pocos los escritores que logran trascender el ámbito académico y se colocan entre los referentes populares de los lectores sin importar el género, el momento histórico ni el tiempo transcurrido desde que se publicó su obra. Cuando la producción artística cuenta con la calidad suficiente logra trascender estas limitantes y toma un lugar dentro de la historia como un punto cardinal e, inclusive, piedra fundacional que habrá de influir a otros. Es el caso de Edgar Allan Poe (1809-1849), de quien se cumplió un aniversario luctuoso más el pasado 7 de Octubre.Edgar_Allan_Poe_portrait_B

La influencia de Poe como escritor se percibe en áreas muy diversas: desde su producción poética y de narrativa (donde encontramos sus más famosas historias) hasta la crítica lúcida, su obra es algo que ha permeado más allá de la Literatura: músicos, artistas visuales y el imaginario colectivo son deudores del amplio universo creado por Poe. ¿Qué razón hay detrás de esto? ¿Cómo es que Poe ha logrado colocarse como un escritor tan popular? Podríamos considerar lo más evidente: la temática que maneja, o más bien las diferentes temáticas, ya que Poe no se limitó a un campo único, sino que con su obra se convirtió en uno de los renovadores de la novela gótica y el cuento de terror. En este punto es inevitable mencionar a otros grandes escritores en los que Poe dejó una marca imborrable: personajes como H.P. Lovecraft, Ambrose Bierce, Guy de Maupassant, Charles Baudelaire (quien se encargó de introducir su genial obra en Francia), Thomas Mann o Julio Cortázar son apenas algunos de sus influidos.

Resultan bastantes las áreas en las que Poe mantiene cierto efecto; se trata hoy en día de un escritor ampliamente citado y mencionado entre los lectores más disciplinados y aquellos que son más ocasionales. Con frecuencia es uno de los escritores con el que muchas personas se inician en la lectura. Han pasado 164 años desde su nacimiento, y parece ser claro que su vigencia se mantendrá por algún tiempo más. Con sus creaciones literarias, Poe logró consagrarse como un escritor ascendente, a pesar de la trágica y corta vida que mantuvo.

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Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)

La representación de Steve McCurry. Crédito: Pinterest.

Se podría pensar que hemos sido presa de una formación  de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y  puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.

Crédito: Pinterest.

Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.

La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.

Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.

Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.

¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.

Helen Frankenthaler pintando un cuadro expresionista. Crédito: pinterest

Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma  y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso  en el mundo consumista y tecnológico.

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Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

Batimóvil: El documental

 

Por: Dann

@Gibbsteak

 

Han sido 8 películas, 2 series y  6 animadas las que ha tenido Batman; y por si fuera poco, también ha tenido participación en La Liga de la Justicia. Ahora con el regreso del hombre protector de Ciudad Gótica, ha salido un documental del auto que todos (o casi todos) quisieran tener. Batimóvil: El documental.

Con entrevista con directores de algunas cintas de Batman como Christopher Nolan, Joel Schumacher y Tim Burton, así como con actores que han representado al Caballero de la Noche como Adam West y Christian Bale, el documental muestra que el auto creado en los años 30, es un símbolo de poder y justicia, así cimo un arma sobre ruedas. El documental fue presentado en el Comic-Con (la convención más grande de cómics y artes populares) como homenaje a este gran símbolo que llaman “Justicia sobre ruedas”.

 

 

Originally posted 2012-08-13 10:30:29. Republished by Blog Post Promoter

La muerta que no se fue, pero tampoco regresa

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De cuando hay festejos que por más que quieras, no puedes festejar.

 Sé que podría decirse que los mexicanos esperan con fervor a sus muertos, que les sirven comida, alcohol y demás, sin embargo, la tradición era para mí todo un lujo, dejó de serlo hasta que murió mi sobrina, aunque mucho más que ese parentesco lejano, yo la sentía como a una hermana.

 Ni siquiera quiero hacer la cuenta de los años que han pasado desde que se colgó en el borde de su cama y no lo recuerdo, porque hasta la fecha no había escrito al respecto. Pero las fechas me obligaron a recordarlo y no es que no pueda asumirlo, o aceptarlo o superarlo. El caso es que no le ponemos ofrenda, no podemos, nos duele. Nos aniquila el tema, el poder de la palabra suicidio y su edad (11 años) es suficiente para evitar el tema y casi anular el hecho.

 Veo muchas ofrendas con fotos y guisados deliciosos, lo respeto, me gusta. Pero cuando se trata de “honrar” a la que se fue, el tema se complica. Un sólo año le pusimos un altar con flores naranjas y toda la parafernalia, pero para ser sincera, me retumbaba el interior el sólo pasar por ahí.

 Aunque me gustaría serle fiel a las “tradiciones mexicanas”, hay algo más profundo que me lo prohíbe, ni siquiera quiero ir a su tumba. No es que no quiera recordarla, es que sigue bien presente y no regresa con velas y flores. Vive en mi casa todavía y la herida brota. Duele menos, pero siempre lastima.

Originally posted 2014-11-04 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Originally posted 2015-02-12 10:04:44. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

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Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

Originally posted 2014-11-05 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

Originally posted 2014-10-27 10:17:35. Republished by Blog Post Promoter

Mariana, Milton y la veleidosa fascinación adolescente

Entre pop, rock, folk, dance, punk, jazz, grunge, además de la decena de subgéneros que pudieran derivarse de cada uno de los géneros que conocemos… Sí, vivimos inmersos en un exorbitante y complaciente mundo musical en el que difícilmente habremos de habitar sin tener algún álbum o canción que persista en nuestra cabeza como repiqueteo constante. Bienaventurados sean los melómanos.

 Discos que habremos escuchado hasta el cansancio; canciones que se traducen en personas, momentos y etapas muy específicas de cada individuo; vaya, que hasta los llamados gustos culposos son un deleite total a los oídos de quien (secretamente) los guarda en lo más profundo de la biblioteca musical.

 Uno de los mencionados repiqueteos constantes de quien escribe y que ahora comparte, es una agrupación originaria de Chile. No es novedad hablar de aquella refrescante oleada de proyectos de exportación andina que se ha extendido por Iberoamérica e invadido cada país que recorren con su música de encantadora ligereza, calidad y notable versatilidad, que va desde proyectos como Alex y Daniel, Astro, Cólera Jet y Prehistöricos, hasta nombres mucho más conocidos como Gepe, Francisca Valenzuela y Javiera Mena. México ha sido un habitual consumidor de esa música chilena que desde hace algunos años se exporta en cantidades considerables, al mismo tiempo que nosotros, como público, nos hemos posicionado también como uno de los favoritos de los prolíficos sudamericanos.

 El proyecto en cuestión es, de hecho, un dueto. Dënver: Hombre y mujer, él y ella, que llevan dos emes por iniciales en sus nombres: Mariana Montenegro y Milton Mahan. El proyecto que toma su nombre del libro On the Road, de Jack Kerouac, ha plasmado su sonido clasificado como indie pop en tres álbumes de larga duración y tres EP’s a lo largo de su periodo de actividad que va desde 2004 a la fecha.

 “La gente que viaja equipada, en realidad nunca se va de su casa”: Totoral, de 2008, con un sonido sumamente dulce y con voces sutiles, delicadas y en tonos ligeramente agudos —que habrían de convertirse en una de las peculiaridades distintivas de su música—, entregó singles como Los últimos veranos, Paraíso de menta y Miedo a toparme contigo, ésta última, pieza musical aún rescatada en los gran parte de los setlist de sus presentaciones.

 “Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta […] Y si quieres suicidarte, yo podría dispararte, y también acompañarte al infierno, a cualquier parte… “. Con la salida al mercado de Música, gramática, gimnasia a finales de 2010 —coproducido por el mismo Mahan— es que se catapulta exponencialmente el éxito de la banda, y es durante la extensa promoción de este álbum, que el dúo chileno llega a escenarios mucho más grandes de los que acostumbraba. Como parte de la edición número trece del Festival Vive Latino, Dënver llega a México a presentar su segunda placa discográfica de la que se desprenden tracks como Diane Keaton, Olas gigantes, Cartagena y En medio de una fiesta.

 “Quizás acabamos en un bar […] Tal vez podríamos quedar en ir a la piscina fiscal, juntarnos un día para armar…”. Su tercer álbum llegó en 2013 para hacerse de críticas positivas por parte de los medios acerca de la consolidación de su sonido, y con un cálido y previsible recibimiento por parte de los acérrimos fans que les seguían desde el inicio y los se juntaron al camino. En contraparte, el dúo emitió un comunicado en el que, inesperadamente, anunciaba su separación. Aún después de dicha notificación, Dënver se presentó unas cuantas ocasiones más, entre ellas, en el D.F., y terminaron desistiendo a la ruptura del grupo argumentando que se trataba de diferencias que, finalmente, supieron resolver.

 El álbum titulado Fuera de Campo cuenta con la participación de Cristóbal Briceño, parte de la agrupación Ases Falsos, también de procedencia chilena, y es enteramente producido por Milton Mahan. Se desprende el primer single de nombre Revista de gimnasia, cuyo video fue dirigido por Bernardo Quesney y fue premiado como el Mejor Video Chileno de 2013.

 El pasado domingo dieron a conocer el video del segundo corte del álbum. De la pista número 3, Profundidad de campo, es nuevamente dirigido por Quesney y, además de ameno, resume a gran escala mucho de lo que el concepto de esta banda implica. En el video se perciben reminiscencias a los años ’70, se crea esa ilusión de que se les mira a través de un televisor con imágenes de baja calidad, fondeado con música disco y mientras participan en el programa ficticio ‘Tocando las Estrellas’; eso sin mencionar la fantástica química entre Mariana y Milton, evidente hasta en la pequeña coreografía de baile que se ve en el video —que, bien vale mencionar, replican en cada uno de sus actos en vivo—. Hay, además, una divertida referencia a cierto filme de Brian de Palma.

 A propósito de su reciente visita a México, apenas durante la semana pasada, Dënver en su última presentación en el D.F. antes del viaje de vuelta a Chile.

Mariana Montenegro
Mariana Montenegro
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Milton Mahan

 Además de posicionarse como una de las bandas más populares de Latinoamérica, el dueto de Montenegro y Mahan es responsable del sello discográfico Precordillera, firma que cobija proyectos amigos, como la más reciente producción de Prehistöricos.

 Dënver es un dueto joven que crea música también para jóvenes con temática de fiesta en sus propias palabras—, sintetizada en un pop ameno de letras con algo de coquetería y melodías contagiosas que cobran vida cuando se les echa un vistazo en vivo. No es la banda revelación del año, ni es nuevo hablar de estos dos chicos ya posicionados en el radar musical de miles de oyentes, pero sí es un proyecto sin prejuicios, desinhibido y una propuesta que aún promete bastante, y por la que bien valdría la pena dejarse seducir.

Originally posted 2014-10-21 07:24:17. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Hasta pronto, René Burri

El lunes 20 de octubre algunos diarios y noticieros anunciaron la muerte de quien fuera considerado como uno de los fotógrafos más relevantes del siglo XX: el fotoperiodista suizo René Burri. Medios nacionales e internacionales como Excelsior, El Universal, El Financiero, The Guardian y Lightbox, por mencionar algunos, cubrieron y difundieron la noticia dedicando algunas líneas a mencionar que había muerto, con 81 años de edad, “el fotógrafo que inmortalizó al Che”.

René Burri.
René Burri.

 Al parecer, el trabajo que realizara Burri durante décadas se reduce a esa fotografía icónica del Che fumando un puro habano, a los retratos que realizó de artistas importantes como el pintor español Pablo Picasso o al arquitecto y pintor suizo Le Corbusier. Sin duda, el trabajo de Burri se define, en gran medida, por sus fotografías con temas políticos y sociales, pues como fotoperiodista pudo viajar por todo el mundo retratando a líderes políticos, guerras y conflictos sociales. Sin embargo, sería importante retomar su figura en tanto a sus aportaciones al mundo del fotoperiodismo y de la fotografía documental, sin restringirla a la del mero “fotógrafo que tomó la foto del Che”. Relegar el resto de su obra sería una manera muy cómoda de mitificarlo como fotógrafo a través sus las imágenes icónicas.

 René Burri fue un fotógrafo miembro con pleno derecho de la Magnum Photos desde 1959, cooperativa fotográfica reconocida a nivel mundial fundada en 1947 por los “founding fathers” de la fotoperiodismo del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier- Bresson, George Rodger, William Vandivent y David “chim” Seymour; contando con sedes en París, Nueva York, Tokyo y Londrés. El trabajo de René Burri fue publicado en distintos medios impresos como Life, The New York Times, Sunday Times, Paris- Match y Look. Esto hace que sea por demás considerado como uno de los mejores fotógrafos de la posguerra, sobre todo porque el mayor auge de su trabajo fue realizado a partir la década de 1950. No por nada Martin Parr, actual presidente de la Magnum Photos, se referiría al fallecimiento de Burri como la pérdida de uno de los artistas más poderosos en el mundo de la fotografía. Sin embargo, pienso que René Burri no debe ser recordado únicamente como el fotógrafo de la fotografía icónica del Che Guevara, o que su nombre sea reconocido por ser “el fotógrafo que realizó el retrato de Picasso”, porque como él hubo otros más que fotografiaron a gente reconocida. Creo firmemente que Burri debe ser recordado también por la forma en la que concebía la fotografía, por la manera en la que logró capturar en blanco y negro algunos conflictos sociales alrededor del mundo y por el modo en el que llegó a realizar crítica social a través de su fotografía documental realizada a color.

Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the "forbidden city", Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.
Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the “forbidden city”, Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.

 Burri es ese fotógrafo que creció en el periodo del fotoperiodismo en blanco y negro, tal como lo harían los fundadores de la cooperativa Magnum Photos, y en ese sentido su obra a color cobra mucho más sentido. La publicación del libro Impossible Reminiscences en el 2012 es el resultado de la re- valoración de su trabajo como fotógrafo documental, más que como fotoperiodista. Es decir, del enaltecimiento de su obra como artista, como fotógrafo apasionado de la imagen más que de la noticia.

“[…]that’s the strength of photography, you decide the decisive moment, so to speak, to click the moment on and come up with the picture that never comes back again.” Rene Burri en entrevista para Phaidon.

 Él mismo quiere dejar de ser el fotógrafo que retrató a gente famosa, por eso mismo en Impossible Reminiscences se muestra la otra cara de Burri, aquella que ve a la humanidad con otros ojos, esa que deja de fijar su mirada en pintores, políticos y artistas para contemplar a quienes no tienen nombre. Así pues, intenta, según menciona en la entrevista para Phaidon, que sus fotografías muestren una parte de la realidad, expresar emociones en el resumen de una fotografía, aun en la imposibilidad de poder capturarlo todo.

René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.

 El punto está en que cuando pensemos en René Burri no sólo lo relacionemos directamente con sus imágenes icónicas, porque de esta manera estaríamos creando un mito en torno a este fotógrafo. Algo similar sucedió con el fotoperiodista mexicano Agustín Víctor Casasola, quien ha sido considerado como el fotógrafo de la Revolución mexicana, todo ello como resultado de la gran difusión que se ha hecho de las fotografías del conflicto armado que se encuentran en el Archivo Casasola. La publicación de las Historias gráficas de la Revolución mexicana a cargo de la familia Casasola han contribuido a la mitificación de este fotógrafo, haciendo que el trabajo de otros fotógrafos haya quedado relegado, sobre todo por la confusión que hay en torno a la autoría de las 483, 993 piezas que conforman el archivo. Así pues, las fotografías de la Revolución mexicana que forman parte del imaginario gráfico de los mexicanos, tales como la fotografía de la Adelita y de Emiliano Zapata, se han vuelto icónicas, menciona John Mraz, por su constante re publicación. En ese sentido, la mitificación de René Burri, como se muestra en el discurso de los medios de comunicación, gira en torno a de imagen del Che Guevara. Dejemos que sean las imágenes las que hablen de su autor sin necesidad de definir a éste a través de una sola fotografía. Que la noticia conmovedora del fallecimiento de René Burri sea una forma de enaltecerlo por su quehacer como fotógrafo más que por su fotografía de un personaje.

René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.

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[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Originally posted 2015-02-09 12:43:33. Republished by Blog Post Promoter

Las damas de Trianón

Por Dann

@Gibbsteak

 

El Gran Trianón fue erigido por Jules Hardouin Mansart en 1687 en el emplazamiento del “Trianón de Porcelana” que Luis XIV ordenó construir en 1670 para poder huir de la Corte.

En él, Luis XIV, alojó a su cuñada, la Princesa Palatina, a su yerno, el Duque de Chartres, y a su hija, la Duquesa de Borbón. María Antonieta celebró en él algunas representaciones. Posteriormente, Napoleón ordenó su restauración, y llegó a alojarse varias veces en él con su esposa la Emperatriz María Luisa. Fue hasta 1963 que el General de Gaulle decidió rehabilitar el lugar para recibir en él a los invitados de la República y organizar en el Ala Norte, conocida como “Trianon-sous-bois”, una residencia del Presidente de la República y un sitio popular, visitado por turistas.

Ahora se exhibe en él Las Señoras de Trianón, una exposición que ha recopilado retratos a lo largo de más de 300 años, desde retratos de la reina María Teresa de Austría, – pasando por María Leszczynska y Maria Antonieta-, hasta la emperatriz Eugenia. En la exposición se convoca a todas las mujeres de la familia real o imperial (madres, hermanas, hijas y nietas) además del retrato de la duquesa de Borgoña, madre de Luis XV. Se expondrán el de Paulin Borghèse, hermana de Napoleón, o los de Clèmentine y Marie, hijas de Luis Felipe. También estarán represantadas las favoritas reales, como las Marquesas de Montespan, de Pompadour y Du Barry, y las princesas, tales como la Señora Palatine, cuñada de Luis XIV.

La Marquesa de Montespan

A estas célebres  mujeres se sumarán otras figuras menos conocidas, damas de la corte real o mujeres al servicio de las soberanas, como la Señora de Lamballe, dama de compañía de María Antonieta, o la Señora Campan, su sirvienta.

María Leszczynska

 

María Antonieta

La exposición estará hasta el 7 de octubre, en el que se abordarán más de tres siglos de historia y se podrán apreciar, simultáneamente, la evolución de la moda y la del retrato, gracias a las obras realizadas por Gobert, Rigaud, Nattier, Gérard, Gros y Winterhalter.

 

Originally posted 2012-08-02 16:00:01. Republished by Blog Post Promoter

¿Todos somos moda? Reflexión sobre la moda y las normas sociales

Comme des Garçons, una de tantas marcas que crean micromundos en sus colecciones. Crédito: Les Do It.

En el desfile, las modelos caminan y dan sentido a la colección. Con las luces, la atmósfera envuelve al espectador convirtiéndolo en más que un público,  en un universo interno de la colección. Cada desfile, cada pieza es un micromundo con sus sentidos y sus significados, con su trabajo y con su pertenencia.

 Los hilos son cosidos, pero también se cosen los significados en la ropa. ¿Cuál es significado real de la ropa? ¿cubrir? ¿demostrar? ¿comunicar o incomunicar? Seguro las preguntas filosóficas de la moda se responderán observando y sacando conclusiones con cada conducta de la moda. El qué se pone, y porqué lo hace. Cómo es que el impacto de cualquier movimiento social trae consigo una moda en textil o si esta moda textil causa movimientos sociales. Cómo es que dentro de estos micromundos se crean micropensares que arriesgan y expresan ideas subversivas al sistema.

 Pero, ¿qué sistema? ¿existe un sistema de la moda? ¿los cánones son sistema?¿cómo es este sistema el que rige las reglas de cómo vestir y ser vestido? Rojo con azul, zapatos bajos con faldas o bolsas que combinen con el color del cinturón han sido algunas “reglas” impuestas duran siglos ¿por quiénes? Por los que han tenido el poder de las decisiones.

 La confección de una prenda con base a estos cánones representará una conformidad de cómo está organizada una sociedad. Las faldas cortas en los sesenta implementaron una nueva moda entre las jóvenes, aunada a la liberación sexual femenina. A su vez, la confrontación y revelación de los hombres al traje formal también estuvo presente.  Quizá estos cambios de paradigmas en la moda permitieron a los sujetos cambiar su mentalidad también.

 Sin embargo, pienso que la utilización de cánones y de reglas en la moda solo es para el control de estos micromundos, que de tanto he hablado en entradas anteriores (con Michel Foucault) no obstante es interesante hacer la reflexión de cuándo aparecen estas nuevas modas y si actualmente contamos con una nueva moda que nos lleve a cambiar de mentalidad hacia el mundo y sus sistemas.

Maison Martin Margiela, considerada como una de las marcas antimoda en los 90s y actualmente. Crédito: tumblr.com

 ¿Será lo mainstream? ¿será lo hipster? ¿o el seapunk? Lo cierto es que cada una de estas “categorías” son simples etiquetas para clasificar lo que está fuera de este canon, de este control y por ende de lo “normal”. La antimoda y las diferentes manifestaciones que van en contra de la normatimidad en la moda son considerados diferentes, locos y por ende ajenos. Pensando siempre que  sólo un grupo muy pequeño de individuos puede tener acceso a el.

 Pero, a pesar de tener esta visión de que la moda es exclusiva, y que cierto grupo de personas es extraño a ella y no están inmersos en la industria se equivocan. El uso de ropa definía y clasificaba a la gente según su estatus social. Si una persona se vestía “bien” era considerada persona con una jerarquía social mayor que alguien que vistiera “mal” los términos bien y mal son usados en esta reflexión por el tipo de telas o la calidad de la tela.

 Una vez que el comercio empezó a surgir en la era medieval, los burgueses empezaron a vestirse mejor que los nobles y el clero, lo cual hacía verse mayores (socialmente) a los burgueses. Por esta razón, el clero y toda la clase monárquica empezó a buscar formas para controlar que los burgueses dejasen de vestirse mejor.

 Este control ha estado presente actualmente, si bien no tan marcado como hace cientos de años, las transformaciones en la moda y en los diseños siempre han significado un ajuste social al qué vestir y qué no vestir. Luego vendría la industria, las colecciones y los cambios de ropa por estación. Es así como  todos somos parte de la moda, todos somos parte de un sistema, con sus normas y reglas, con sus cambios cíclicos e industrializados. Y no se puede decir que no se es parte de la moda, pues, al contrario, la moda va mucho más allá que de unos zapatos bonitos. Los microuniversos son universos al final.

Formas de vestir en la Edad Media. Crédito: Arquehistoria

 

Originally posted 2014-10-22 12:16:02. Republished by Blog Post Promoter

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Originally posted 2015-01-01 21:19:59. Republished by Blog Post Promoter

“Unite All Originals” Adidas: arte y cultura juvenil

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Adidas, pendiente de la vanguardia en el desarrollo del arte y como acercamiento e inspiración para su público joven, ha creado una campaña global para este 2013, donde integra a creativos de diversos países, quienes colaboran  con piezas visuales y musicales.

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El concepto es Adidas colisionador, remarcando la mezcla de piezas, de nacionalidades, su conjunción para un resultado conceptual interesante. De manera visual los artistas que conforman el proyecto son Jeoff Lillemon, el esculator Grace Tang, el videasta Colin Solal Cardo, el artista Evan Roth, el rapero Iggy Azalea, el productor musical Daniel Disaster, el pintor Flip y el diseñador Stööki.

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Con su colaboración y sus piezas, desde la música hasta el graffiti. Así mismo, se cuenta con lookboks a dúo con creativos. Los usuarios pueden colaborar con sus piezas a Adidas o compartirlas con el hashtag #adidasoriginals en Twitter, Instagram y Tumblr. Los ganadores serán difundidos a través de la pared digital

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La campaña lanzada el 5 de marzo cuenta con un vídeo de 90 segundos de duración, con la colaboración especial de A-Trak y el artista visual SoMe.

Originally posted 2013-05-27 19:18:35. Republished by Blog Post Promoter

Sobre fotografía y movimientos sociales (segunda parte)

Manifestación en la Ciudad de México, crédito: siempre889

Tal vez el título que he escrito por primera vez, la semana pasada, sobre este tema sea el menos adecuado para este pequeño ensayo de dos partes. Sin embargo, he decidido dejarlo tal y como está por dos simples razones: descubrir que por más que escribamos siempre, haciendo un ejercicio de reflexión, encontraremos fallas. Dos: que las fallas que hayamos descubierto nos permitirán enmendar cierto camino, pero al darles la importancia, nos damos cuenta que la grandiosa estupidez humana seguirá permaneciendo, pues siempre tendremos errores.

Si bien “movimientos sociales” no dice mucho de lo poco que he querido abordar en este pequeño texto, me es pertinente aclarar que la razón por la que quise reflexionar acerca de esto fueron las marchas recientes, la exposición de Yayoi Kusama y el memorial del 68. Pues, en estos tres casos se ha manifestado el uso de la cámara como interpretador social, con múltiples fines, ya sea personales, documentales, periodísticos o quizá intimidatorios.

La selfie en la habitación infinita. Crédito: instagram personal de rebeccataylorny

Quizá en mi ingenuidad he descartado que el movimiento social no sólo son las manifestaciones de protestas, sino también están las modas, las corrientes ideológicas, las vanguardias, y el lenguaje que lleva a la lengua.

La utilización de la cámara como una herramienta viene desde sus inicios. Sus inicios tenían la intención de “atrapar” la realidad en cierta área específica, como cuenta César González Ochoa en sus “Apuntes acerca de la interpretación” donde expone la manera en cómo la cámara inicio con este propósito de atrapar una imagen, delimitarla y retenerla de manera  física.

Las imágenes y los mecanismos de representación han cambiado a lo largo de la historia. La tecnología se actualiza constantemente y se crean nuevas cámaras que permiten nuevas formas de interpretar y representar mas no es la imagen la que no cambia.

Las fotografías de guerra son expuestas como memoria, pues representaron (y ahora representan) que existió la guerra. (Esto quizá podría parecer ambiguo tomando en cuenta que existe ya el montaje y todos estos trucos digitales que hacen que la realidad, como en la pintura, quede a expensas de los humanos) ¿Lo mismo sucede con las marchas, los museos y demás aconteceres masivos?

Estudiantes y policías en el 68. Crédito: caracteres.mx

¿Se necesita tener una imagen para comprobar que se realizó una marcha? ¿Se necesita una selfie en la habitación infinita para uno: recordar que se estuvo ahí; dos: representar que la habitación existe? Pero, más allá de estas preguntas que he pensado a manera de reflexión me hacen suponer el  qué pasaría si las intenciones y el análisis que he apenas expuesto,  va más allá de un campo significante que sólo ve estas posibles formas de interpretar y representar una realidad como tres posibles acciones de saber el porqué la fotografía impacta en movimientos sociales.

La memoria tiene que ver en esto. La memoria humana, que es tan abstracta que imaginamos una pequeña nube que almacena imágenes, letras, lenguas, lenguajes, rostros, números, calles, direcciones, nombres, cumpleaños, experiencias y demás. Pero que en cualquier momento, esa nube podría irse, dejando sólo recuerdos inertes, vacíos o inexistentes.

 La necesidad del humano por guardar y transportar esa memoria en una memoria material se ha visto desde la escritura. El guardar cosas que permitan ser un medio para que el cerebro haga una sinápsis y por ende un recuerdo se adapte a este objeto ha estado presente desde mucho antes de que la fotografía existiera.

La memoria y la fotografía han estado estrechamente ligadas por la significación de lo material. La fotografía recuerda el momento pero es el papel, o donde se haya impreso lo que funciona como recuerdo. Es decir, (Y como diría Susan Sontag) nosotros no recordamos lo acontecido, sino la fotografía de lo acontecido.

Las manifestaciones se pueden dar de todo tipo. Crédito: mobypicture.com

En un mundo sumamente lleno de imágenes, los movimientos sociales, los museos, las fiestas y toda forma de convivencia se mediará por medios de cámaras. Para que la memoria resurga en una pantalla, para que se almacene en un mundo virtual que no es palpable. Las personas se toman fotos en marchas para demostrar que sí fueron y que sí apoyaron pues si no suben su imagen al mundo no podrán comunicar que apoyan al sentido. Las personas, también, suben sus selfies para demostrar al mundo que pueden tomarse fotos. ¿Es quizá que la imagen nos consuma, o nosotros consumimos  imágenes?

Originally posted 2014-11-19 09:02:01. Republished by Blog Post Promoter

Festival de Cine Underground en México

Por: Dann

@Gibbsteak

 

El colectivo 1000 Metros bajo tierra comenzó en Buenos Aires, Argentina en 2005 como un microfestival de cine al exhibir filmes underground. Poco después, este mismo se empezó a expandir por paises como Chile, Brasil, Bolivia, Perú, Ecuádor, Venezuela y España. En 2010 llegó a México, para buscar exhibir el cine subterráneo del país.

El festival mantiene su modalidad de microfestival por difundir filmes desde un punto local, ya que cada colectivo de cada país, sólo exhibe los filmes de ese mismo lugar.

La exhibición será del 18 agosto al 23 de agosto de 2012 en diferentes sedes.

 

Para más información visita http://www.milmetrosbajotierra.com.mx

Originally posted 2012-08-16 16:00:31. Republished by Blog Post Promoter

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: enfermedad mental por Robin Hammond

¿Qué sucede cuando nos plantamos frente a una fotografía en la que se muestra a un joven africano que se encuentra sentado, desnudo y con el pie derecho encadenado al suelo de una habitación en donde las paredes revelan un estado de abandono no sólo del lugar sino también del individuo? ¿Y si nos dijeran que ese hombre se encuentra en asimiento debido a que padece de alguna enfermedad mental? La imagen por sí misma es desgarradora, pero el contexto es aún más inquietante. La fotografía es parte de una serie realizada por el fotógrafo australiano Robin Hammond, quien denuncia  el atropello de los derechos humanos a través de su proyecto a largo plazo Condemned. En él exhibe el tratamiento de las enfermedades mentales en algunos países africanos como Kenia, Ugada, Sudán, Somalia y el Congo.

Robin Hammond, de la serie Condemned, Sudán, 2011.
Robin Hammond, de la serie Condemned, Sudán, 2011.

 Las fotografías del proyecto Condemned documentan la manera en la son tratadas las enfermedades mentales en lugares en los que las crisis políticas, económicas y sociales son el pan de cada día. Hammond hace hincapié en su trabajo como fotógrafo documental cuando menciona que generalmente los fotógrafos y reporteros cubren las guerras, los conflictos sociales y los desplazamientos, pero una vez que las banderas de la paz son izadas y que el asunto se considera terminado entonces los informantes abandonan el lugar. Sin embargo, algunos problemas sociales se quedan sin resolver y el abuso continúa incluso en el desarrollo de las actividades cotidianas de los países en conflicto.

Robin Hammond, de la serie Condemned, sanador khoranic con enfermos mentales, Sudan, 2011.
Robin Hammond, de la serie Condemned, sanador vocifera fragmentos del Corán a enfermos mentales, Sudan, 2011.

 En estos países africanos la locura es un tema que no ha sido suficientemente tratado, tal vez porque no se ha planteado como un problema a nivel social. Aquellos a quienes se considera locos son encarcelados, atados, recluidos y maltratados en un intento por controlarlos. La mayoría de las veces son los familiares quienes los mantienen en estas condiciones. El encadenamiento y la lectura de textos coránicos fungen a modo de terapia curativa. Así, los enfermos mentales se convierten, en palabras de Hammond, en los abusados, los olvidados, los marginados por la sociedad misma que los excluye y que los recluye en su incapacidad de poder lidiar con ellos. Los locos son ese otro que hay que aislar e intentar controlar por ser diferentes.

Robin Hammond, Condemned, 2011.
Robin Hammond, Condemned, 2011.

 A pesar de que las fotografías de Robin Hammond muestran  las pésimas condiciones en las que se mantiene a los enfermos mentales en los países africanos y que sus reportajes gráficos exhiben el asimiento de estos “locos”, también es importante tener en cuenta que el tema de la locura ha sido abordado de diferente manera según cada sociedad en diferentes periodos históricos. El estudio de la locura y de las enfermedades mentales es muy reciente incluso en países que han seguido su desarrollo económico, político y sociocultural en función de la economía capitalista y del desarrollo industrial. El estudio de la microsociología de Erving Goffman es un ejemplo del reciente interés por las enfermedades mentales y las instituciones que las tratan a través del encierro.  La locura es un tema muy complicado que puede llevar a un debate interminable, pues como menciona el historiador Andrés Ríos Molina, el tratamiento de la locura refleja el parámetro propio de cada sociedad para definir lo normal y lo anormal, aquello que es sano de lo que es patológico.

 Por supuesto que el encadenamiento de personas enfermas mentales no se justifica, sobre todo porque se pasa por encima de sus derechos como seres humanos. Sin embargo las fotografías de Robin Hammond dejan mucho que pensar, por un lado sobre la situación del tratamiento de la locura en países africanos que apenas dejaron de ser colonia el siglo pasado y que aun basan su economía en las actividades agrícolas y ganaderas. Pero por otro lado se pone sobre la mesa el debate de cómo se trata este tipo de enfermedades en los países occidentales más avanzados. Pienso que es importante que al observar estas fotografías no veamos el problema como algo ajeno, como un asunto que sólo acontece en África, sino que también pensemos en la situación del tratamiento psiquiátrico en nuestro país. ¿Cómo se está tratando la locura actualmente? ¿Son incluidos en la sociedad o siguen siendo un grupo marginado?

Robin Hammond, Condemned, Somalia, 2011.
Robin Hammond, Condemned, Somalia, 2011.

 Al mirar estas fotografías y pensar en las instituciones que se dedican al tratamiento de la locura en la actualidad me viene a la mente al panóptico referido por Michel Foucault en Vigilar y castigar, nacimiento de la prisión. Es necesario que también nos cuestionemos sobre el funcionamiento de las instituciones que se dedican al control del individuo, entre ellas la prisión y los manicomios, pues estas fungen como herramientas de control de las conductas que amenazan con la estabilidad social. El afianzamiento del Estado moderno, menciona Foucault, trajo consigo nuevas formas en las que la economía del castigo fue redistribuida en Estados Unidos y en Europa. El supliciado deja de ser visto como un signo negativo y su castigo deja de ser un espectáculo en las plazas públicas. Así pues el culpable comienza a ser visto como un objeto de compasión y su castigo se convierte más bien en un proceso penal en el Estado priva al individuo de sus libertades. El supliciado es llevado a prisión, ¿y el loco? El loco también es objeto de compasión, es aquel sujeto que rompe con el equilibrio social y por eso debe ser igualmente privado de su libertad.

Robin Hammond, Condemned, 2011.
Robin Hammond, Condemned, 2011.

 La fotografía de Robin Hammond no solo muestra la forma en la que se violan los derechos humanos de los enfermos mentales en Somalia o en Kenia, sino también refleja la idea que tenemos en occidente sobre la locura y cómo debería ser tratada. Pensamos así en que esta forma de reclusión de los enfermos es represiva, inmoral e injusta, pero ¿qué pasa con los enfermos que se encuentran en las instituciones psiquiátricas en Europa o en América? ¿Acaso el encierro bajo prescripción psiquiátrica exhibe una mejor forma del entendimiento de la locura en nuestros tiempos? El punto está en que estas fotografías nos sirvan no sólo para apuntar los problemas de países extranjeros, sino también para reflexionar en torno a los conflictos sociales internos.

Originally posted 2014-09-26 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

México lindo y querido

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

 

(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.

– Rufino Tamayo

Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro  a través de algunas de mis fotografías.

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Huatulco
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Flor
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Pradera
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Soñador

 

Originally posted 2014-09-19 10:12:03. Republished by Blog Post Promoter

El encanto detrás de un Pelo Malo

Todo transcurre en Venezuela. Marta es una mujer que debe emplearse —bajo las circunstancias que se presenten, por difíciles que éstas resulten—, para mantener a sus dos hijos: un bebé de apenas unos meses, y un pequeño de nombre Junior. El resto del filme nos adentra en el muy particular universo de él.

 Este peculiar personaje de apenas nueve años se hace acompañar de su vecina en las andanzas aventuradas del vivir diario. Comparten algunos juegos, gustos y secretos en la complicidad de los ratos de ocio. Ambos deben tomarse unas fotografías para el colegio: ella aspira a hacerlo con un peinado, vestido y tacones altos, imitando a las misses que aparecen en la televisión, en los concursos de belleza; él, por su parte, desea solamente alaciarse el cabello y vestirse como un cantante.

 El inocente y empecinado afán en cambiar su apariencia física rebasa sus propios límites, al punto de permanecer largos ratos en el baño de casa, frente al espejo y con peine en mano, probando facilitar el proceso con los más extraños brebajes empleados como tratamientos capilares, todo esto a escondidas de su madre, quien conoce ya este comportamiento de Junior y le provoca un profundo rechazo hacia él.

 Junior conoce a su abuela, la madre de su padre —quien fallece de tiempo atrás, dejando viuda a Marta—, y comienza a crear un vínculo especial con ella; ella, amorosa cómplice que descubre en Junior mucho más de lo que su propia madre podría comprender y aceptar, y quien habrá de convertirse en un escape para su tirana realidad.

 Pelo Malo es el tercer largometraje dirigido por Mariana Rondón —precedido por A la media noche y media, de 1999, y Postales de Leningrado, película de 2007 de corte autobiográfico—, cineasta venezolana que también se ha desempeñado como productora y guionista de éste y otros filmes. De la mano de Marité Ugás y con el apoyo de la casa productora Sudaca Films, logra esta cinta en 2013, que ha circulado ya por distintos países y festivales, convirtiéndose a su paso en objeto de debate y polémica.

 Aunque con un motivo argumentativo aparentemente sencillo, como el aspecto del cabello del personaje principal, lo cierto es que la cinta involucra temas mucho más complejos. Atina a una certera descripción del entorno citadino venezolano, a ratos equiparable con el de la ciudad de México —y pudiera afirmarse que con muchas de las ciudades latinoamericanas—, bombardeado por los medios de comunicación masiva, la violencia —de distintos tipos, a diferentes niveles y escalas— adoptada casi como modo de vida, la difícil situación económica, la política, inclusive algo de religión; esto, enmarcado además con la discriminación, la intolerancia y la falta de empatía hacia la homosexualidad.

 Recientemente Mariana Rondón estuvo en México para presentar su más reciente producción en funciones especiales dentro de espacios como Cineteca Nacional y Cinépolis Diana. Previo a la proyección en la Cineteca se declaró feliz de estar en nuestro país presentando el filme, y honrada de hacerlo en un recinto como ése; posteriormente, ya concluida la película, se abrió un espacio de Q&A entre los asistentes y la realizadora.

 Explicó el porqué de centrarse en el tema de los concursos de belleza, tan enraizado en su patria —”allá las niñas aspiran a ser misses, y los hombres, militares”, explica—, además de bromear con el motivo del «pelo malo» —”en Venezuela, la segunda industria más importante, solamente seguida por la petrolera, es la del alaciado de cabello”—. Habló acerca de las aristas que el público encuentra en la trama de Pelo Malo; que a su paso por diferentes países, las distintas audiencias le han visto y recibido de maneras opuestas, y han enfocado su atención en distintos puntos para debatir en torno a múltiples temas que han ido desde la diversidad sexual, a la política y hasta el racismo.

 Ahondó también en la manera en que trabajó con sus actores —digna de destacar la plausible interpretación de Samantha Castillo como Marta, la enternecedora manera de Samuel Lange para dar vida a Junior y la chispa sin igual que Nelly Ramos entrega a la peculiar abuela—, con quienes el proceso de preproducción para trabajar el desarrollo de sus personajes fue de cerca de tres meses, logrando así un ambiente de familiaridad y confianza entre cada elemento del cast, y que, menciona, nunca habían trabajado en cine antes de esta película.

 

A mí no me interesa robarme la vida de un actor; me interesa
construir, con un actor, un personaje.

Mariana Rondón

 

 Hace algunas semanas formó parte del circuito de proyecciones realizado en el marco de MICGénero en su edición de 2014, ahora, la multipremiada Pelo Malo —parte de la selección oficial de festivales como el Toronto International Film Festival, y el Festival de San Sebastián en sus ediciones de 2013, además de situarse como una de las favoritas para representar a Venezuela en la próxima entrega de los Premios Oscar dentro de la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa— regresa a México por un periodo breve gracias a la distribución de Circo 2.12 en algunos recintos de la ciudad como complejos Cinépolis, Cineteca Nacional y Cine Tonalá.

 Te dejamos con material de Sudaca Films que muestra un poco de lo que sucedió durante del rodaje, y con el tráiler oficial de la película.

 

 

| Para más información, puedes consultar el sitio oficial de Pelo Malo.

Originally posted 2014-11-11 11:16:08. Republished by Blog Post Promoter

Wajdi Mouawad en México

Pudiera ser pretenciosa la aseveración de decir que cualquier persona que se da a la tarea de crear un genuino acercamiento con el teatro habría de encontrarse, más tarde que temprano, con —al menos— una obra de este autor, pero nada más lejos de la verdad al señalarle como una de las figuras más grandes e influyentes de la escena contemporánea mundial.

 De infancia en Beirut, adolescencia en París y adultez en Montreal, “libanés de nacimiento, francés de pensamiento y canadiense por su teatro”, es como él mismo se precisa. En su obra se entrevén guiños autobiográficos que definen de manera general los argumentos principales de sus textos. La niñez como cuchillo clavado en la garganta, las vidas ensombrecidas por los conflictos civiles bélicos, la inminente certeza de la muerte, el miedo a la pérdida, la búsqueda incansable de los orígenes de la existencia, los fantasmas siempre presentes, los árboles con sus raíces y sus ramas, la memoria, los sueños y el espíritu.

 Nacido en 1968, Wajdi Mouawad se gradúa de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá en 1991 para comenzar su desempeño profesional en las artes. Encabeza dos compañías teatrales —Au carré de l’hypoténuse en París, y Abé carré cé carré en Montreal— y cuenta con una vasta experiencia en las tablas como escritor, actor y director de distintos montajes. De entre sus títulos, destaca la tetralogía La sangre de las promesas  (Le sang des promesses), compuesta por Bosques (Forêts), Litoral (Littoral), Incendios (Incendies) y Cielos (Ciels); además de Alphonse, Pacamambo y Sedientos (Assoiffés), entre otras.

 Su nombre se disparó en la escena mundial desde hace aproximadamente diez años, ha sido traducido a más de quince idiomas; acreedor de diversos galardones, llevado a escena en muchísimos países, incluyendo México, e incluso adaptado a la pantalla grande.

Escena extraída de Incendies (traducida al español como La mujer que cantaba). Es la adaptación cinematográfica de la obra del mismo nombre, escrita por Wajdi Mouawad. El filme fue dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y le valdría la nominación a Mejor película extranjera en los premios Oscar de 2011.

 El trabajo en conjunto de Humberto Pérez Mortera como traductor de su obra y de Hugo Arrevillaga Serrano como mano maestra para la dirección de los montajes —además de elencos medianamente fijos con actores como Karina Gidi, Arcelia Ramírez, Pedro Mira, Guillermo Villegas, Sonia Franco, Tomás Rojas, Rebeca Trejo y Adrián Vázquez, entre otros—, es la manera en que Mouawad ha sido materializado en teatros mexicanos desde años atrás.

Acompañada de Alejandra Chacón como parte del elenco, en la imagen, Karina Gidi, quien da vida a Nawal, personaje principal de la obra Incendios. Basada en el texto de Wajdi Mouawad y dirigida por Hugo Arrevillaga.

 Hugo practicó una lectura en voz alta de Wilfrid, el personaje principal de Litoral, y sintió la necesidad de montarlo. El resto es historia: desde entonces, muchos son los foros que han visto pasar la obra de este prolífico dramaturgo, y aún mayor el público que, de alguna u otra manera, se ha dejado estremecer por ella.

 

El arte es un tigre dientes de sable, hambriento, que entra sin tocar a la casa. Intente calmarlo. Sólo habrá dos opciones: o él lo devora, o usted lo mata. Ser artista en esta época, en lo que a mí concierne, es aceptar dejarse devorar para volverse en el vientre del tigre, el tigre.

Wajdi Mouawad

 

 Noviembre es el mes elegido para que Wajdi Mouawad visite México por primera vez con motivo de presentar su obra Solos (Seuls) con dos únicas funciones los días 22 y 23 en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, pero hay más actividades como parte de su itinerario a realizar en la ciudad que se extienden por prácticamente las últimas dos semanas del mes en curso:

  • Charla alrededor de la novela Ánima, de Wajdi Mouawad. Modera: Agnès Mérat
    Cuándo: Jueves 20 de noviembre, 19:30 horas
    Dónde: IFAL, Casa de Francia (Havre 15, colonia Juárez)
    *Entrada libre

 

 

  • Taller de Creadores con Wajdi Mouawad
    Cuándo: del 25 al 27 de noviembre, de 11:30 a 15:00 horas
    Dónde: Foro Shakespeare (Zamora 7, colonia Condesa)
    *Más detalles aquí.

 

  • Ventanas. Adaptación libre de la obra Seuls, de Wajdi Mouawad, por Hugo Arrevillaga, seguido por un diálogo de Arcelia Ramírez con Wajdi Mouawad.
    Montaje con la Generación 2010-2014 del Centro Universitario de Teatro (CUT)
    Cuándo: Jueves 27 de noviembre, 17:00 horas
    Dónde: Caja Negra del CUT
    *Entrada libre, cupo limitado

 

 Los apasionados del teatro podrán ratificarlo, y los neófitos entusiastas de las tablas quedarán bajo advertencia: el acercamiento a la obra de este dramaturgo franco-libanés es un viaje revelador, incansable, fecundo y placenteramente desgarrador. Extendemos la invitación a los lectores a atender los eventos mencionados, mientras tanto, compartimos un fragmento de la nueva novela del autor que llevará por nombre Anima. Cortesía de Excélsior, puedes echarle un vistazo aquí.

Originally posted 2014-11-18 10:00:49. Republished by Blog Post Promoter

Perturbador, indecente y pornográfico: Robert Mapplethorpe

El sexo, el homoerotismo, los lirios, las orquídeas y los afroamericanos fueron la fórmula más provocativa que pudo haber conseguido el fotógrafo Robert Mapplethorpe (Nueva York 4 de noviembre de 1946 – 9 de marzo 1989) para generar justamente lo que él quería: lo impensable, lo inesperado.

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 En un principio, Mapplethorpe no se consideraba a sí mismo fotógrafo e incluso incursionó en otras ramas del arte como la pintura y el collage, en el que ya utilizaba fotografías (las cuales no eran de su autoría); tiempo después comenzó a producir sus propias tomas con una cámara Polaroid (cámara instantánea) con la intención de complementar su trabajo, que en su mayoría estaba conformado por autorretratos. Poco después produjo la primera de una serie de retrato de su amiga Patti Smith, reconocida cantante y poetisa.

 Sus fotografías, técnicamente hablando, son exquisitas y reflejan el sumo cuidado con el que fue realizada cada sesión. De contenido excesivamente explícito, tachado de indecente, perturbador y pornográfico resultando en algo hipnotizante por los estilizados cuerpos  desnudos ahí plasmados tanto de hombres como de mujeres, simulando estatuas.

 “Pensé que si lograba trasladar aquel elemento al arte, si conseguía retener de algún modo aquella sensación, estaría haciendo algo único y exclusivamente mío.”

— R.M.

 A lo largo de su trabajo se puede observar el persistente juego del blanco y negro, que muestra el perpetuo limbo en el que vivía el chico homosexual y promiscuo de educación católica de clase media que se convirtió en uno de los más aclamados fotógrafos del siglo XX y el principal documentalista de sexo de sus tiempos, incluyendo su propia sexualidad y sus diversificaciones más escandalosas como el sadomasoquismo y el bondage, todo esto más allá de lo obsceno sino en una constante búsqueda de lo estético.

 No sólo realizaba fotografías de índole sexual sino también de flores en las que el color era un elemento partícipe; ahí destacaban la belleza y delicadeza e incluso lograba cierto erotismo y sensualidad. Trabajó en diversas ocasiones para la revista Vogue y también hizo retratos de celebridades que incluso eran influencias para él, como Andy Warhol (Artista plástico estadounidense).

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 Ante tales temáticas, las críticas y la censura por parte de las personas conservadoras de la sociedad estadounidense no se hicieron esperar, incluso la Corcoran Gallery of Art (la institución cultural privada más grande Washington D.C.) quien ya había autorizado la exposición individual de Mapplethorpe, se negó a exhibir las imágenes en sus instalaciones tras ver su contenido. Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición, la comunidad de artistas de Washington ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de esta institución.

 Lamentablemente Robert Mapplethorpe contrajo el virus del VIH y murió por complicaciones derivadas de SIDA a los 42 años. Aproximadamente un año antes de su muerte creó  Robert Mapplethorpe Foundation con la intención de promover a nivel mundial su patrimonio y ayudar a la lucha contra el VIH y el SIDA.

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2014-11-21 09:00:01. Republished by Blog Post Promoter

#somoscreadores convoca

 

 

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La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

Originally posted 2014-09-19 22:25:24. Republished by Blog Post Promoter

Rompepistas de Kiko Amat

 Rompepistas es el título de la tercer novela del escritor catalán Kiko Amat, caracterizado por su estilo único de narrar la vida de sus personajes y acercarnos a lo más íntimo de las relaciones humanas en sus etapas más duras; es decir, en la adolescencia.

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 La “trilogía de la adolescencia” (como llaman algunos medios a la triada de sus primeras tres obras) se compone de las primeras dos novelas “El día que me vaya no se lo diré a nadie” y “Cosas que hacen BUM” ambas con la editorial Anagrama. La idea central de Rompepistas gira entorno a lo doloroso de las responsabilidades y al tedio en general que produce la pregunta: ¿Y ahora qué haré de mi vida?

“…esto es Todos Contra Todos pero nosotros estamos juntos,
es lo único que tenemos.
Las canciones y a nosotros mismos.”

Rompepistas, KIKO AMAT.

 Cuando tenemos diecisiete años y lo podemos todo, no existe el “no”, no existe el “quizás”, nos subimos a la moto aunque no haya casco porque hay valor, y cuando vas a 180 kph,  te caes en un bache. Lo que no te mata, tarda más tiempo en matarte.

 Rompepistas es la historia de un palurdo de diecisiete años quién se hace llamar así mismo por ese nombre, enfrentando a lo que todos los que nos decimos seres humanos hemos enfrentado en algún momento, nos caemos de la moto y dejamos la cara en el pavimento, sufrimos de disciplina inmoral en el instituto, de amores adolescentes asentados en una frágil base de promesas falsas y de intensas peleas maritales en el hogar.

Y me gustaría redimir las promesas rotas de mi madre, pero bastante tengo con las mías.
Y me doy cuenta, allí, de que quiero a mi madre, de alguna manera.

 Afortunadamente, el siglo XX trajo consigo uno de los mejores inventos que alguien con una guitarra nos pudo regalar: el rock’n’roll, nuestro único sostén para combatir, o al menos intentar ponerse de pie ante la masacre que la vida nos tenía guardada pacientemente y que un día nos quiebra y nos parte la frente.

 Rompepistas sólo tiene la música, sólo se tiene a él mismo, a él mismo y a su tatuaje axiomático, a su banda “Las duelistas”, a su amigo Carnaval, a la pandilla de inadaptados autonombrados Los skinheads por la paz, a su antiguo amor,  Clareana y a un pueblo ubicado en el extrarradio barcelonés, lejos de la policía y más lejos de Dios.

 Nuestro (anti)héroe con botas (a lo skinhead) camina por el sendero a la cirrosis, tropezando y cayendo, cayendo y riendo, siempre riendo, porque las sonrisas nadie las quita ni con una tonelada de detergente en polvo, rasgando cuerdas de guitarras estridentes en un pueblo que poco entiende de punk, que poco sabe de The Clash y que poco soporta a lo diferente y a las desenfrenadas borracheras de los chicos con botas, bolsillos vacíos y cojones llenos.

Los débiles, los humillados, los pisoteados, un día se levantan y dicen Se Acabó.

 Kiko Amat no solo nos cuenta la historia de un chico que bailaba para no llorar, nos cuenta la importancia de la música en cada etapa de nuestras vidas, nos invita a no olvidar de dónde venimos, a nunca arrugarnos ni de miedo ni de viejos, como diría el psicotrópico Aldous Huxley “El secreto de la genialidad es el de conservar el espíritu del niño hasta la vejez, lo cual quiere decir nunca perder el entusiasmo.”

 Si les apetece leer las obras de este autor, les sugiero que lo hagan sin pensarlo pero antes debo hacer una advertencia; tendrán que estar listos a una infinidad de referencias bibliográficas y musicales que forman un estilo de rompecabezas que nos ayudará a comprender mejor a los personajes y a sus sentimientos, eso sin duda, es el estilo único de Kiko.

Originally posted 2014-08-12 12:53:25. Republished by Blog Post Promoter

Una vida bailando: Gloria Contreras celebra sus 80 años

Gloria Contreras, bailarina y coreógrafa mexicana, quiere festejar su cumpleaños contigo, es por eso que este sábado 15 y domingo 16 de noviembre se estará presentando el espectáculo Gloria Contreras: 80 años. Vivir para danzar en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.

Foto de: gloriacontreras.com
Foto de: gloriacontreras.com

 En compañía de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, Gloria estará celebrando ocho décadas de una historia que comenzó cuando era niña y que hasta a la fecha sigue dando de qué hablar. Prueba de ello es Alas para Malala, una de las últimas piezas que aborda temas como derechos humanos y libertad de expresión.

Foto de: tcunam.org
Foto de: tcunam.org

 Danzón, de Arturo Márquez; Concierto en re, de Johann Sebastián Bach; Adagio k. 622, de Amadeus Mozart y el Huapango, de José Pablo Moncayo serán sólo algunas de las interpretaciones que se llevarán a cabo en este evento organizado por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

 Durante su carrera artística, Gloria ha recibido alrededor de 40 premios, en los que destacan el Premio Universidad Nacional en 1995, la Medalla de Oro en el Festival Mundial de Folklore de Guadalajara en 1972 y el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2005, entre otros.

 La cita es este sábado 15 de noviembre a las 19:00 horas y el domingo 16 de noviembre con dos horarios, 12:30 y 18:00 horas en la Sala Miguel Covarrubias del CCU (Insurgentes Sur 3000). El costo general es de $60*

*50% de descuento con credencial vigente de la UNAM, Prepa Sí, INAPAM y Jubilados del ISSSTE e IMSS

Imagen de: danza.unam.mx
Imagen de: danza.unam.mx

 

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El almacén de la imagen: fotografía de interiores de Massimo Listri

No hay mejor forma de engrandecer al hombre sino por medio del pensamiento y del reflejo de sus ideas a través del quehacer artístico y literario. El humanismo fue una corriente de pensamiento cultural y filosófico surgido a finales del siglo XVI, que buscó retomar la figura del hombre como centro de todas las cosas (antropocentrismo), dejando a un lado las creencias religiosas y el teocentrismo con el que se había estado entendiendo el mundo. Al mismo tiempo, el humanismo pugnó por hacer a un lado el servilismo y la ignorancia mantenidos por el dogma religioso y sus máximas incuestionables. Se retoma la antigüedad clásica y los temas mitológicos vuelven a impregnar en la pintura y la escultura.

Massimo Listri, Palazzo Doria Pamphilij, Roma.
Massimo Listri, Palazzo Doria Pamphilij, Roma.

 El hombre y su cuerpo vuelven a ser protagonistas en las representaciones artísticas, aunque esto no significó el fin de las representaciones religiosas en el arte. En la arquitectura se abre paso a la ornamentación más frugal inspirada igualmente en la antigüedad clásica, sobre todo en la cultura romana. Aparecen los grandes palacios, propiedad de familias burguesas que recién aparecían en la escena social con el paso de la Edad Media a la Edad Moderna. Tanto el Renacimiento como el humanismo abren paso al carácter intelectual y artístico del ser humano, abundan los libros plagados de conocimiento, los desnudos masculinos y femeninos se vuelven tema principal de la creación artística, hay una renovación en las técnicas pictóricas, escultóricas y arquitectónicas.

Massimo Listri, Sala delle niobe, Ufizzi, Florencia.
Massimo Listri, Sala delle Niobe, Ufizzi, Florencia.

 La belleza del arte renacentista queda reflejada sobre todo en arquitectura de la Edad Moderna y nada mejor como quien se dedica a enaltecer estos recintos por medio de la fotografía. Tal es el caso del fotógrafo florentino Massimo Listri (1954), un humanista contemporáneo que se dedica a retratar el interior de algunos edificios renacentistas y barrocos, que reflejan los principios humanistas. Normalmente los palacios e iglesias que captura en la actualidad fungen como museos o bibliotecas.

 En una entrevista a Massimo Listri, realizada por Alejandra Ortiz en exclusiva para el periódico La Jornada, el fotógrafo menciona que retoma el interior de edificios que muestran al ser humano como eje principal, como centro, no en tanto su presencia física, sino en tanto su legado. Es decir, Listri expone en su fotografía arquitectónica el interior de lugares que nos muestran que el hombre como expresión de conocimiento, de pensamiento y de espiritualidad, es decir, que nos permiten entender al hombre como centro de todas las cosas. En ese sentido, Listri vuelve a esa búsqueda por retomar al hombre como elemento principal de su obra y es así como vuelve la mirada al antropocentrismo a través de la fotografía arquitectónica.

Massimo Listri, Palazzo Pitti, Florencia.
Massimo Listri, Palazzo Pitti, Florencia.

 Massimo Listri se sirve de su excelente conocimiento del manejo de la luz para fotografiar interiores, tanto con el uso de luz natural como luz artificial. Definitivamente es un cazador de los lugares arquitectónicos que muestran una sola cosa: la capacidad del hombre de crear cosas realmente bellas, espacios majestuosos repletos de elementos artísticos (pinturas, esculturas y obras literarias) que ensalzan su condición de ser humano. Sin embargo es importante que al observar estas fotografías no dejemos de lado el hecho de que los espacios capturados por Listri son representativos de la naciente burguesía de la Edad Moderna o de la nobleza, es decir, no son espacios típicamente concurridos por el campesinado.

Massimo Listri, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florencia.
Massimo Listri, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florencia.

 Entre los espacios que Listri fotografía se encuentra el Palacio Pitti, en Florencia, residencia que en un principio perteneció a Luca Pitti, un banquero florentino. Posteriormente paso a ser propiedad de la familia florentina más influyente durante el Renacimiento: la familia Medici. El lugar además cuenta con los Jardines Boboli, el edén renacentista más bello de Florencia.

 El trabajo de Massimo Listri se enfoca en capturar el interior de los museos, entre ellos los museos florentinos Galleria dell’Academia, en donde se encuentra actualmente El David de Miguel Ángel, o la Galleria Uffizi. Ésta última es una estructura arquitectónica renacentista, iniciada por el arquitecto Giorgio Vasari y continuada por Alfonso Parigi y Bernardo Buontalenti. En un inicio fue construida con el objetivo de que fungiera como un edificio destinado a oficinas de gobierno durante el gobierno Cosimo di Medici , duque de la región toscana.

Massimo Listri, Galleria dell'Accademia, Florencia.
Massimo Listri, Galleria dell’Accademia, Florencia.

 Así pues, este fotógrafo muestra que el arte, la arquitectura y los libros cobran importancia por su carácter de creaciones humanas. No se trata de hacer alusión de las pinturas de los grandes maestros renacentistas y barrocos (Botticelli, Da Vinci, Piero di Cosimo, Michelangelo, Rafael, Caravaggio y Rembrandt), sino más bien poner atención en los recintos que resguardan estas piezas de arte o libros. Entendamos que estos lugares tienen importancia por le hecho de que en ellos se contiene gran parte de la historia de occidente, esto es, en ellos se resguarda la memoria colectiva, el pasado sin el cual nos sería casi imposible poder comprendernos en el momento presente. En este sentido, el trabajo el fotógrafo Massimo Listri es un elogio al hombre, pero más que eso se trata de una apología de la historia.

Massimo Listri, Biblioteca dell'Abbazia, Wiblingen.
Massimo Listri, Biblioteca dell’Abbazia, Wiblingen.
Massimo Listri, Biblioteca di Strahov I, Praga.
Massimo Listri, Biblioteca di Strahov I, Praga.
Retrato de Massimo Listri.
Retrato de Massimo Listri.

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El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

0

Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

1

Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

1

 

Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

3

Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

0

 

El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

0

Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

1

La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

2

Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

3

Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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Originally posted 2014-12-12 18:21:20. Republished by Blog Post Promoter

De: “Casa con desván” Chéjov

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Antón Pávlovich Chéjov, médico, escritor y dramaturgo ruso, maestro del relato corto y autodenominado amante de la literatura, escribió en 1896 “Casa con desván”

 El de Chéjov es un cuento interesante no tanto en sí mismo como por la exposición y referencias que de la estructura social hace, el personaje: Lida, en representación del Gobierno como valor asignado, busca y procura el “bienestar” del pueblo mediante la generación de escuelas y hospitales para sanar y subsanar las principales carencias, acá, la alegoría de la sociedad.

 El protagonista, harto del mal trato que de su persona se hace, vale aclarar que él es  un artista, pintor para ser más específicos, paisajista con precisión; llega a un punto de desasosiego azuzado por la mención que de su falta de interés por “esos asuntos” hace Lida, minimizado, pone sobre la mesa lo que piensa de las labores filantrópicas por las que ella lucha y que son además razones potenciales de su existencia.

 Expone entonces, y es aquí de donde tomaremos tema, que el pueblo no necesita escuelas ni hospitales, no requiere de la alfabetización si esta sirve sólo para leer letreros en las cantinas, ni hospitales que pretenden sólo poner remedio a los daños que la sociedad en sí misma genera, es decir que el trabajo fatiga, dobla las espaldas, genera enfermedad por recaer sólo en unos cuantos, específicamente en la población más afectada y desvalida; sostiene que si el trabajo fuera distribuido equitativamente entre todos los que en el mundo habitan, terminaría en tener una duración no mayor a tres horas, el ser humano entonces, por inclinación natural tomaría partido por la ciencia y las artes, es decir, por el desarrollo y sublimación del espíritu, que es principio lo que realmente tiene valor.

 Entonces (En este orden de cosas) si el hombre requiere de libros para incentivar el intelecto, ha de pagar por ellos, es decir, trabajar más o hacer un sacrificio de dieta alimentaria para conseguirlo y vuelta al trabajo. Entonces termina todo en un ciclo ininterminable de a y b, b y a, que es asumido por las generaciones venideras una y otra y otra vez.

 El personaje entre todo el desahogo cae en la cuenta de que él mismo siendo que es artista forma parte innegable del sistema, haciendo la labor de entretenimiento permitido, vamos pues. Las decisiones tomadas por supuesto por ésta figura representativa que es Lida, afectan incluso y en apariencia, de modo terminante a sus pretensiones de romance con la joven hermana de Lida, Misius.

 El cuento se lee de una sentada, el manejo del paisaje es bello y detenido, Chéjov un escritor de calidad innegable.

 Todo parecido con la realidad, fue seguramente mera coincidencia.

Link: http://www.cuentosinfin.com/casa-con-desvan/

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El almacén de la imagen: Yvonne Venegas

En la actualidad, el ejercicio de la fotografía en México es muy rico y variado, es decir, hay una gran cantidad de fotógrafos ejerciendo su profesión en diversos ámbitos, desde aquellos que se desenvuelven en el medio de la moda, la fotografía de sociales, hasta aquellos que se desarrollan en la fotografía de prensa, el fotoperiodismo y el documentalismo. Del mismo modo, hay un gran número de profesionales dirigiendo su trabajo más bien a proyectos artísticos, todo con el fin de expresar ideas que conciernen a la sociedad del presente. Siempre es buen ejercicio revisar constantemente el trabajo de los fotógrafos contemporáneos para ver qué están haciendo, en función de qué lo están haciendo, en qué están fijando la lente de sus cámaras, cuáles son sus preocupaciones y cómo se traduce eso a nivel social, es decir, cómo es que a través del discurso visual pueden rastrearse las inquietudes de la sociedad mexicana.

Yvonne Venegas, fotografía de Brenda Islas.
Yvonne Venegas, fotografía de Brenda Islas.

 El trabajo del fotógrafo no sólo se reduce al momento en el que este toma las fotografías, es decir, no se puede reducir su función a la de mero operador de la cámara, pues esto sería relegar su papel como hacedor de imágenes. La importancia del trabajo de un fotógrafo no se mide por los recursos tecnológicos de los que hace uso, sino por la idea sobre la cual se sustenta su obra. La concepción de la imagen es parte fundamental del ejercicio creativo del fotógrafo. Un ejemplo de ello es la fotógrafa Yvonne Venegas, quien se desarrolla más en el ámbito de la fotografía documental sosteniendo cada uno de sus proyectos sobre ideas muy fijas en torno temas de clase y género.

 Yvonne Venegas (California, 1970) es una fotógrafa graduada del programa de certificación del International Center of Photography en Nueva York, y actualmente se encuentra estudiando el Master of Fine Arts en la Universidad de California en San Diego. A pesar de que Yvonne nació en Estados Unidos y que ha pasado una parte de su vida allá, es necesario recalcar que creció en Tijuana en una familia en la que resalta la figura de su padre, José Luis Venegas, fotógrafo de eventos y sociales, y una hermana gemela, la cantante Julieta Venegas. Estos dos elementos son de gran importancia, pues su concepción sobre los temas que aborda en su obra está fuertemente influenciada por su historia personal y esto se nota sobre todo en algunas de sus series, como es el caso de El tiempo que pasamos juntas, Las novias más hermosas de Baja California y Gestus (proyecto que se encuentra en proceso).

Yvonne Venegas, fotografía de la serie Gestus.
Yvonne Venegas, fotografía de la serie Gestus.

 Es importante retomar su serie Las novias más hermosas del mundo y Gestus, pues ambas se relacionan en el sentido de que tratan un tema que a veces es poco abordado por los fotógrafos contemporáneos: la construcción de la identidad a partir de la fotografía. Normalmente esta preocupación se da más entre los estudiosos de la fotografía que entre los fotógrafos. La primera serie fue realizada en un lapso de cuatro años, dando inicio en el año 2010, y se trata de un ensayo fotográfico en el que Yvonne muestra a familias de la clase media alta de Tijuana. En ella retoma el tema no sólo de la identidad, al cuestionar los parámetros de la fotografía posada con la que intenta romper en absoluto, sino que además exhibe el papel de la mujer en la familia y su función a nivel social. En principio cuestiona las normas socialmente aceptadas por el grupo que representa, en este caso la élite tijuanense, y que se refleja en las fotos de grupo, en las fotografías de familia que nos reafirman como miembros de un colectivo. Incluso Venegas hace referencia a Pierre Bourdieu para dar fuerza y sentido a esta idea.

Yvonne Venegas, fotografías de la serie Las novias mas hermosas de Baja California, 2010- 2014.
Yvonne Venegas, fotografías de la serie Las novias mas hermosas de Baja California, 2010- 2014.

 Cuando nos postramos ante el fotógrafo creamos una imagen de nosotros mismos, que pretendemos proyectar a través de la pose. Por una parte, la pose nos revela o más bien delata parte de lo que queremos mostrar de nosotros al mundo. Pero por otro lado, la fotografía familiar en la que se hace alusión a una gran ceremonia, como una boda, reafirma la identidad del grupo. La fotografía de las ceremonias (bodas, bautizos y primeras comuniones), menciona Pierre Bourdieu, fija las conductas socialmente aprobadas y reguladas, esto es, aquellas que han sido solemnizadas. Venegas da un nuevo sentido a este tipo de fotografías, retratando a las novias o a los invitados en momentos inesperados, en aquellos momentos en los que los individuos no se están reinventando a través de la pose.

Yvonne Venegas, fotografías de la serie Gestus.
Yvonne Venegas, fotografías de la serie Gestus.

 La serie Gestus retoma el tema de aquello heredado socialmente: los gestos, como su nombre lo menciona. Así pues, hace énfasis en las expresiones faciales y corporales que forman parte de la comunicación no verbal de los seres humanos. Los gestos, al igual que la pose, se construyen a partir de lazos sociales y familiares. Gestus, como lo describe Yvonne, muestra fotos en las que las personas siendo retratadas haciendo énfasis en aquellos momentos “when they are not prepared for the cámera”.

 El trabajo de Yvonne tiene un sustento ideológico bien definido, enfocado principalmente en elementos culturales que pretende exponer tal vez en un intento por revelar la esencia de las personas. En el concepto de sus fotografías se nota la influencia de la figura de su padre como fotógrafo, pues se hace explicita su curiosidad por entender la forma en la que funciona tanto el fotógrafo como el fotografiado dentro del estudio. Venegas observa la función social de la pose, de los gestos y el uso de la fotografía en esa construcción de la identidad de un colectivo.

Yvonne Venegas, de la serie Gestus.
Yvonne Venegas, de la serie Gestus.

Originally posted 2014-10-29 09:00:11. Republished by Blog Post Promoter

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Originally posted 2014-10-15 11:55:17. Republished by Blog Post Promoter

JORDI RINS; DECORACIÓN CON TIPOGRAFÍAS.

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El español Jordi Rins es un diseñador gráfico, director de arte y freelance,  el cual ha creado muchas cosas creativas he innovadoras. En su página de behance se puede encontrar una gran muestra de su trabajo, como la publicidad  de las paletas Chupa Chups y de la marca Adidas, entre otras cosas.

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Uno de los trabajos más llamativos que realizo fue el desarrollado para una tienda de comida vegetariana, la cual decoro únicamente con tipografías, mostrando que basta ser creativos para darle vida a un lugar.

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Jordi Rins utilizo  un fondo negro y plumones blancos para hacer las tipografías. Las palabras que plasmo en esas paredes hacen referencia a la temática de la tienda, es decir, ecología, agroecológia, verduras y productos de temporada. El diseño de Rins provoca voltear, ver y entrar a la tienda y saber de qué se trata. No hace falta una gran cantidad de cosas para poder decorar un lugar, con imaginación, pulso firme y una buena tipografía, cualquier lugar se verá increíble.

 

Para conocer más de su trabajo, da click aquí.

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El almacén de la imagen: el simbolismo de Gregory Crewdson

Probablemente una de las cosas que más me llama la atención de las fotografías de Gregory Crewdson es el recurrente uso de elementos simbólicos en la composición de las escenas. En sus fotografías se pueden encontrar ciertas referencias a las emociones humanas que difícilmente pueden llegar a ser expresadas por medio de las fotografías. Uno de los recursos más utilizados en la fotografía, sobre todo en el retrato, para hacer énfasis en los estados emocionales es el uso de gestos. Los colores también suelen ser una táctica para la representación de distintos estados emocionales. Sin embargo Crewdson logra hacer uso de diversos elementos, espacios, objetos, colores y expresiones faciales, que logra enmarcar en la composición. La coherencia entre todos estos componentes transmite justo la psique americana que él busca al crear sus fotografías. En cierto modo, al ver su obra, los espectadores pueden conectarse con ella, sobre todo si pertenecen a la cultura occidental americanizada gracias a los medios de comunicación a través de los cuales se consume la cultura estadounidense.

Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses
Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses

 En principio, el fotógrafo hace uso del hogar para mostrar, tal vez inconscientemente, que la intimidad que se da al interior de una casa puede compararse al subconsciente, al hogar emocional en el que los humanos resguardan sus afecciones, sus inseguridades e incluso los deseos reprimidos. La memoria alimenta los sentimientos de abandono, de infelicidad, de intranquilidad emocional y mental, de insatisfacción. Los colores azules nos recuerdan el estado depresivo de ese interior cohibido y dominado por los estándares sociales, el color morado que a veces aparece dentro de los hogares muestra la nostalgia que se siente de saberse en un presente melancólico y añorar la felicidad del pasado que ya no existe. El lecho refleja las condiciones emocionales y los secretos más íntimos del individuo, todo aquello que no se muestra cuando el sujeto sale al mundo y se muestra en el espacio público.

Gregory Crewdson, fotografías de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, fotografías de la serie Beneath the roses.

 Tal vez lo que más me atrae de los mundos ficticios creados por Gregory es el uso de las puertas en diferentes estados: ya sea que se encuentren abiertas, entreabiertas o cerradas. Normalmente son puertas abiertas que muestran el interior del baño, el interior de un armario o el interior de otra habitación. En la escena de lo depresivo y melancólico bañado en colores azules y purpuras aparecen puertas abiertas que representan oportunidades, habitaciones o emociones de personas que no se han cerrado del todo, que tienen una esperanza de poder cambiar. Algunas veces las puertas están entreabiertas, como si la persona que se muestra estuviera a la expectativa de una posibilidad amable de poder entrar o salir de su coraza interior. Las puertas a veces son las del armario que puede mostrar ropa limpia y bien doblada o ropa desordenada y sucia, como las emociones mismas, porque la ropa también puede reflejar el estado anímico de una persona.

Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.

 Las mujeres que muestra Crewdson normalmente se encuentran dentro de una habitación, algunas veces desnudas, porque solo ahí recluidas en su propio interior sienten la seguridad suficiente  para desnudar su cuerpo, o quizá su alma llena de insatisfacciones. Algunas de ellas se miran a sí mismas al espejo intentando ver en él su propio reflejo, su propio ser. El espejo como revelador de la personalidad misma, la habitación como representación de las emociones más íntimas, el color azul que denota infelicidad. Incluso se puede ver a una de ellas sentada en la cama rodeada de rosas rojas marchitas, desperdigadas por el suelo, como exhibiendo sus emociones más intimas, como mostrando la desilusión de un falso amor. Le da la espalda al espejo y con ello al reflejo de sí misma.

Gregory Crewdson, de la serie Beneath the Roses
Gregory Crewdson, de la serie Beneath the Roses

 Luego vemos a un hombre joven casi desnudo en un baño. La fotografía está dividida horizontalmente en tres secciones como parte de la composición. La parte superior es color rosa, la parte inferior es color azul, mientras que la parte intermedia mezcla ambos colores entre los azulejos, las toallas de mano y otros elementos. El hombre se encuentra justo en medio, entre aquello que representa el amor y la suavidad superior y la depresión del estado anímico inferior. Sin embargo se encuentra agachado, metiendo la mano por la coladera, alcanzando incluso las tuberías del drenaje, uniéndose con el mundo inferior.

Gregory Crewdson, de la serie Twilight.
Gregory Crewdson, de la serie Twilight.

 La fotografía de Gregory Crewdson nos muestra el excelente uso de elementos representativos de las emociones humanas sin necesidad de hacer uso exclusivo del ya gastado recurso de las expresiones faciales. Su trabajo es un claro ejemplo de las infinitas maneras de de transmitir más que una serie de ideas, una serie de emociones a los espectadores.

Originally posted 2014-09-19 09:54:36. Republished by Blog Post Promoter

Patrones Inculcados

Texto y fotografías: Ale Assad
Instagram: aleassad97

“Todas las personas nacen como original
la mayoría muere como copia”

— Rafael Pintada

Si bien todas las personas nacemos únicas e inigualables, la mayoría morimos siguiendo patrones e ideas que la sociedad nos inculca. Por ello al final de la vida todos terminamos viendo hacia la misma dirección, pero no precisamente con el mismo propósito.

“Sabia Vetustez”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“Sabia Vetustez” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“María del alma”  San Lorenzo. Tlaxcala,  2012
“María del alma” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“inclinación”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“inclinación” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“Cavilando”  San Lorenzo. Tlaxcala , 2012
“Cavilando” San Lorenzo, Tlaxcala;  2012

Originally posted 2014-09-09 18:06:48. Republished by Blog Post Promoter

Si miráramos siempre al cielo

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas”.

– Gustave Flaubert

Una de las principales razones por las que un instante puede llamar toda mi atención y siguiente a ello surja la necesidad de capturarlo en una fotografía, es debido al hermoso cielo que se monta sobre el momento.

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Lago
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José Miguel
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Horizonte
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Coyutla

 

Originally posted 2014-10-02 11:59:04. Republished by Blog Post Promoter

Regresa “La gloria de las prostitutas”

Tras haberse presentado en el 33° Foro Internacional de la Cineteca Nacional, este 25 de Octubre volverá a sus pantallas La gloria de las prostitutas (Whore´s Glory , 2011) de Michael Glawogger.

El director fue ganador de Premio Especial del Jurado durante la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico en Venecia, Italia, durante 2011 y del Premio a la mejor fotografía durante el Festival Internacional de Cine de Viena, Austria, en 2012.

La cinta documental muestra la prostitución en tres zonas de tolerancia de países tan diferentes entre sí: Tailandia, Bangladesh y México. Su obra se caracteriza por no enfocarse en el tema político, sino en un amplio carácter social, retomando el ámbito laboral y la forma en que sobreviven las personas.

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El filme estará disponible a partir del 25 de octubre en Cineteca Nacional, Cinemas Lumiere Reforma, Cine Teresa y Cinemanía Loreto.

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¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

Originally posted 2014-08-12 12:45:24. Republished by Blog Post Promoter

Tengo la sensación

Es por eso que todavía cierro los ojos

para pronunciar tres veces las letras delgadas que forman su nombre

con la sensación de que…

cuando deje entrar un poco de luz

otra vez Juan esté enfrente de mi cuerpo,

atravesado en el aire…

O cuando sólo finjo dormir

y me acuesto para recordar la forma en que lo hacía,

para que cuando mis párpados se junten con la piel,

al asomarse, los ojos que tengo,

vean a Juan con la cara tan cerca de la mía como la ponía entonces

y vuelva a sentir en la piel su respiración pedregosa,

y vuelva a sentirlo mi piel tan encima, tan encima

y tan cerca que se me entierre entre los riñones

y entre el hígado.

Pero todo esto es sólo algo que puedo solamente seguir esperando.

Como espero el fin.

Porque la verdad es que…

aunque se hiciera posible…

aunque Juan encontrara la forma de salir de entre la tierra,

aunque una para salir desde el tártaro,

aunque burlara a Hades,

aunque otra para atravesar a nado el Aqueronte,

y hallara una moneda para pagar a Caronte

el viaje de su regreso,

aunque abrirse una grieta de entre mis recuerdos

y lograra hacerse llegar hasta ésta realidad donde nos encontramos

y desde los hilos de mi rencor lo lograra…

lo encontrara, llegara

Aunque aprendiera…

Aunque pudiera…

…Yo ya no puedo sentir nada

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Memes también influyen el arte

Por: Daniel Martínez

@gibbsteak

Como siempre, los memes de animales dan la vuelta al mundo y de regreso. Hay de pericos, de perros, de osos, etcétera.

Grumpy cat” o “gato gruñón”, es un meme  famoso por la característica expresión en su cara y, aunque ésta así sea la gracia residia en la expresión que daba.

Para el artista Aja Apa-Soura, fue una fuente de inspiración para hacer vibrantes pinturas en aceite y con espátula. En las pinturas hace el retrato de diferentes gatos, sacados de memes de internet. Destacando la imitación de otras pinturas como “La Noche Estrellada” de Van Gogh o “El Grito” de Edvard Munch.

En su trabajo destancan otras pinturas como mujeres desnudas y paisajes abstractos.

Checa todo su trabajo en Sagittarius Gallery.

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Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

Originally posted 2014-09-02 12:19:58. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: la fotografía de Ray Demski

La belleza de la fotografía como arte de reproductibilidad, a mi parecer, radica en el hecho de que transmite ideas, pensamientos y emociones a los espectadores. El arte, en general, tiene esa capacidad de comunicación con el observante, sin embargo con la fotografía, a diferencia por ejemplo de la pintura o de la escultura, el espectador puede cuestionar si lo que observa es la realidad o una ficción hecha por el fotógrafo.

 Nos han enseñado que la fotografía muestra la realidad, o tal vez lo pensamos de este modo porque el artista-fotógrafo usa un dispositivo como medio de representación de la realidad. El uso de la cámara fotográfica hace más objetiva una imagen por copiar “fielmente” la realidad en la que vivimos. En la actualidad nos es cada vez más difícil creer en la veracidad de una fotografía, sobre todo cuando esta intenta ser lo más realista posible, pues el uso de medios de edición permiten una gran manipulación en la imagen.

 El uso de estos medios de edición ha permitido crear imágenes que se alejan cada vez más de lo que observamos en la realidad, pero también ha posibilitado la creación de imágenes que nos permiten ver la realidad de otro modo. Esto sucede con la fotografía del canadiense Ray Demski, quien se dedica básicamente al outdoor photography enfocándose en los deportes de aventura y a todo aquello que conlleve acción a la hora de fotografiar. El uso de procedimientos de edición pareciera más que obvio en las fotografías de Ray Demski, pero no debemos dejar de lado el trabajo de producción que hay detrás de cada material.

Fotografías de deporte de Ray Demski.
Fotografías de deporte de Ray Demski.

 El movimiento aparece como tema principal en el trabajo de Demski. La acción, la actividad física y deportiva son retratadas en una sola imagen. Se puede observar el movimiento no sólo en los humanos que retrata, sino también en la fotografía. Es decir, el fotógrafo logra tanto congelar un momento en la imagen como darle movimiento a la fotografía a través de secuencias fotográficas. Las secuencias tienen el objetivo de contar una historia, sin embargo la forma en la que se haga la secuencia hará que la historia sea más o menos corta.

 Las secuencias fotográficas de Duane Michals nos cuentan una historia que puede durar unos minutos, horas, días o meses, sobre todo por la manera en la que están colocadas las imágenes. En contraposición a esto las secuencias fotográficas de Demski, que además se hacen en un solo cuadro, nos muestran momentos que apenas duran unos segundos. Demski juega con el tiempo, el no cuenta historias, el muestra momentos en movimiento. Así pues, es importante observar que en la fotografía de Ray el concepto del tiempo es inmanente.

Fotografía secuencial de Ray Demski.
Fotografía secuencial de Ray Demski.

 Las fotografías no sólo muestran movimiento, sino también exhiben colores, humanos  haciendo uso de su mejor herramienta: el cuerpo. He ahí el éxito de la fotografía de Ray Demski en el mundo de los deportes y de todo lo que ello conlleve: moda, cotidianidad, naturaleza. Por ello, este fotógrafo ha trabajado con marcas como BMW, Audi, Adidas, Red Bull, Mens Health, Geographic Adventura e incluso con Nikon. Sus fotografías son inspiradoras tanto para aquellos que se mueven en la esfera de lo deportivo como para aquellos que no lo hacen.

Fotografía secuencial de Ray Demski.
Fotografía secuencial de Ray Demski.

 En cuanto al trabajo de Demski es importante observar dos cuestiones: por una parte está el mensaje que Ray nos muestra en sus imágenes, aquello que nos inspira, aquello que interpretamos tras observar detenidamente su trabajo, o sea, aquello que nos transmite. Pero por otra parte se encuentra el enorme trabajo de producción que hay detrás de cada fotografía. No todo lo que vemos es creado en computadoras a base de medios de edición, como normalmente lo pensamos: “es Photoshop”. Sí, el fotógrafo es indispensable, pues es quien tiene la idea, quien se sirve de su equipo para plasmar la imagen primigenia creada en su mente.  Sin embargo también es importante tomar en cuenta el equipo y el trabajo que ello conlleva. Cámaras, luces, escenarios elegidos previamente (scouting), asistencia de fotografía, el retratado (que en este caso es un deportista) y el equipo que el retratado requiere. El proyecto Ice Nights, en el que se retrata a los alpinistas Alex Luger y Hanno Schluge, es el mejor ejemplo de que la fotografía de Desmki requiere de una gran producción.

Ray Demski, Ice Nights.
Ray Demski, Ice Nights.

I wanted to bring a different look to ice climbing, lighting an entire ice fall with high quality light to bring out the magic of the ice to create some stunning images!
Demski en entrevista para Red Bull illumel.

Ray Demski, Ice Nights Proyect.
Ray Demski, Ice Nights Proyect.

 Hace falta voltear a ver a quienes se dedican a la fotografía del deporte, a los fotógrafos viajeros, a quienes también trabajan para la publicidad y la moda. El mundo de la fotografía no sólo engloba a los fotógrafos documentalistas o a los fotógrafos con proyectos artísticos elaborados, sino que también abarca a aquellos que hacen énfasis en la práctica de fotografiar más que en el mero concepto de la fotografía.

 La fotografía de Desmki, independientemente de si es comercial o no, nos muestra el cuerpo como herramienta, el cuerpo como forma de expresión de aquellos que viven a través de él. Intenta mostrar el cuerpo masculino en la naturaleza, el cuerpo en condiciones de riesgo, llevado a condiciones extremas como si intentara demostrarnos fortaleza, sí del cuerpo, pero también de la mente. Practicar deportes no solo conlleva fuerza física, sino también mucha fuerza mental y seguridad en sí mismo. Es justamente eso lo que Demski transmite en sus fotografías. Se trata pues de observar en sus imágenes la capacidad del ser humano de sobrevivir en situaciones extremas.

 

Originally posted 2014-08-29 11:49:32. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Santificarás las fiestas

Mentiría si dijera que recuerdo los diez mandamientos católicos después de años de aquellas pesarosas clases de catequismo de la niñez. Son de esas cosas que eventualmente se olvidan, como los nombres de los niños héroes, creo que no conozco a muchas personas que puedan enunciar la lista completa de sus nombres de un solo jalón. En fin, la cosa es que sí, memoricé algunos pero, salvo la temporada de películas de temática bíblica transmitidas durante la semana santa, la verdad es que muchos de nosotros nunca más acostumbramos hacer evocación de ese Decálogo.

 “Santificarás las fiestas”, sentencia uno de ellos, aunque lo cierto es que en nuestra realidad los días feriados resultan un mero pretexto para reunirnos, y casi todos podríamos testificarlo con base en lo vivido apenas hace unos días en la cena del 15 de septiembre, por ejemplo. Motivos para estar en familia o amigos, celebraciones en grande, mucho alboroto y sobre todo mucha comida. El día de la madre, el del padre y ni qué decir de fechas como Nochebuena, Navidad y Año Nuevo.

 Y puede ser, quizás, que llegue un momento en que el presenciar esas fiestas se cumpla más por mera tradición y obligación moral que por verdadero deseo. Esa parte de la familia que no te agrada o que ni conoces, reuniones tan grandes que pierdan la intimidad que se tendría con un reducido número de invitados, o reuniones tan pequeñas que te hagan creer que se trata de una cena cualquiera en una fecha cualquiera…

 La historia se ubica en la lluviosa noche de un 31 de diciembre. Marisa busca la manera de lograr llegar a la cena, puntual y con un acompañante. Mientras, en casa le esperan Otilia, su hermana menor, encargada de cocinar los manjares a degustar, y tía Felisa, quien ha quedado al cuidado de ambas hermanas luego de la muerte de su hermana, la madre de ellas. A detalle, los personajes se vuelven más particulares y poco menos convencionales: Marisa padece de sobrepeso, Otilia, por el contrario, es bulímica, la tía Felisa fuerza a ambas a “superar” estos complejos muy a su manera, además de hablar a diario con su difunta hermana, y ese acompañante de Marisa resulta un total desconocido con quien coincide accidentalmente horas antes de la cena y a quien le pide fingir ser su novio solamente por esa noche.

Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.
Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.

 Santificarás las fiestas es el nombre de esta puesta en escena basada en un texto de Conchi León que, llena de sentido del humor y de líneas satíricas e hilarantes, presenta en prácticamente un solo acto y haciendo uso de esta fiesta decembrina con pastel de elote, fuegos artificiales y rituales de calzones rojos, un detallado retrato de la disfuncionalidad humana de forma individual y en interacción con otros. Una crítica a los patrones sociales, sujetos a convencionalismos, y en donde, parafraseo una línea de la obra, “sería bueno que vendieran sonrisas falsas junto con las esferas para los árboles de navidad”. Aunque —mencionan, también— de cerca, nadie es normal.

En esta obra nadie come, nadie habla, el vacío se instala en

nuestros platos y la negrura acompaña.

Pero somos cursis y creemos que quizá los fuegos artificiales

que anuncian la llegada del nuevo año (o el amor)

puedan iluminar un poco esta pinche noche oscura.

– Conchi León.

 Esta pieza teatral reúne en un mismo escenario a cuatro destacadas figuras de la escena: Conchi León, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), es autora del texto y también da vida a Marisa. Otilia es representada por Mariana Hartasánchez, galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia en 2014 por la obra El último de los hermanos Salmón. Alfonso Cárcamo, escritor, actor y director de numerosas obras que han sido llevadas a ciudades como Bogotá, Sao Paulo, Nueva York y Buenos Aires, interpreta a ese novio ficticio y por cierto, de oficio poeta— llamado Sergio. Finalmente, la tía Felisa es personificada por Paloma Woolrich, actriz de cine, teatro y televisión activa en el medio desde 1968.

 Con la impecable dirección de Boris Schoemann y producida por Compañía Los Endebles, Santificarás las fiestas fue estrenada apenas el pasado 11 de septiembre y formará parte de la siempre nutrida cartelera del Centro Cultural del Bosque hasta el 19 de octubre, ofreciendo funciones de jueves a domingo.

Originally posted 2014-09-18 10:27:33. Republished by Blog Post Promoter