Licor de Lete

Licor de Lete, ¿Una canción? ¿Una banda musical? ¿Una bebida? Un título así puede ser interpretado de mil y un maneras, sin embargo en este caso nos referimos a una extraordinaria puesta en escena a la cual asistimos el pasado Sábado 21 de Septiembre del año en curso.

“En Licor del Lete, una especie de Thriller, varios personajes mitológicos coinciden en el bar de Tiresias, en el contexto de un conflicto bélico estilo siglo XX. Sísifo, el más astuto de todos los hombres, ha escapado del Hades llevándose consigo un poco de las aguas del olvido mientras que Proteido, quien posee la habilidad de transformase en otros, tiene el encargo de recuperarlas; ambos coinciden en el bar de Tiresias, el famoso adivino ciego de Tebas quien duda entre beber esas aguas o confrontar su destino.

El objetivo de la obra teatral consiste en escenificar una resignificación de algunos mitos griegos, en un contexto más cercano: una guerra que lo consume todo. Se trata de un juego de apariencias y confusiones, de ideales traicionados y deseos insatisfechos donde el olvido, que causa beber el Licor del Lete, parece ser la única respuesta para los sobrevivientes de este apocalipsis.”

Como se menciona anteriormente, esta es una obra basada en la mitología griega pero llevada a la época actual, aspecto que realmente valoramos por el hecho de que muchas de las personas, ya sean jóvenes o adultos, suelen quejarse de que el teatro y/o la historia siempre resultan un tema aburrido, es por eso que el grupo teatral Imaginartes decide salir de la cotidianidad y hacer las cosas diferentes e innovadoras, comparadas con el resto de muchos trabajos actuales.

La historia se desarrolla en un lugar pequeño, lo cual por ningún motivo es impedimento para que los actores saquen a relucir su talento y dejen al público con un excelente sabor de boca, ya que los personajes tienen constante interacción con el público, además de tenerlos siempre a la expectativa de que en cualquier momento algo interesante sucederá.

Licor de Lete o el caso de las aguas del olvido, dirigida por Francisco Tabris Berges en co-dirección con Rodrigo Canchola nos transportará a un lugar totalmente diferente en el que cada hecho, cada acción, cada movimiento y cada personaje nos sorprenderá minuto a minuto.

En Chulavista Art House A.C. una vez más nos enorgullece saber que aún existe teatro de calidad y personas que saben apreciarlo, personas por las cuales este grandioso arte sigue con vida.

Originally posted 2013-09-23 14:39:20. Republished by Blog Post Promoter

The blue man group

En la década de 1980 surge una idea algo descabellada por parte de Phil Stanton, Chris Wink y Matt Golman. Buscan crear un espectáculo en el cual intervengan la música, el teatro y las artes plásticas. De esta idea surge The Blue Man Group, un trío de mimos pintados completamente de azul con ropa negra, que se hacen llamar “los hombre azules”, estos personajes son los protagonistas y parte de los músicos en toda la presentación.

 Durante el espectáculo se desarrolla una temática en la cual intervienen muchos momentos musicales y teatrales en un escenario muy peculiar. Estos escenarios tienden a cambiar en cada función pero se caracterizan por las luces de muchos colores, pantallas y estructuras. La música en los actos tiende en su mayoría a ser rock, con un énfasis en las percusiones. Muchas de estas percusiones son creadas y diseñadas por ellos ocupando diversos materiales, en su mayoría tubos de PVC, buscando sonidos distintos, con los cuales llegan a hacer melodías interesantes.

 En sus actos también están presentes los momentos mímicos graciosos con una interacción con el público, en el que incluso llega a haber participación del mismo en el escenario. Además de eso, no podemos darle poca importancia a la mezcla de música, luces y colores, que generan una experiencia inolvidable, una integración de diversas artes muy bien ensambladas y coordinadas apoyadas con tecnología. Es difícil poder describir un espectáculo en el cual intervienen muchos factores y aún más difícil describir la sensación de verlo de cerca. Así que descúbranlo con los pequeños vídeos que les mostramos y si algún día vienen a México no duden en ir a verlos.

Originally posted 2014-03-07 23:09:06. Republished by Blog Post Promoter

Wajdi Mouawad en México

Pudiera ser pretenciosa la aseveración de decir que cualquier persona que se da a la tarea de crear un genuino acercamiento con el teatro habría de encontrarse, más tarde que temprano, con —al menos— una obra de este autor, pero nada más lejos de la verdad al señalarle como una de las figuras más grandes e influyentes de la escena contemporánea mundial.

 De infancia en Beirut, adolescencia en París y adultez en Montreal, “libanés de nacimiento, francés de pensamiento y canadiense por su teatro”, es como él mismo se precisa. En su obra se entrevén guiños autobiográficos que definen de manera general los argumentos principales de sus textos. La niñez como cuchillo clavado en la garganta, las vidas ensombrecidas por los conflictos civiles bélicos, la inminente certeza de la muerte, el miedo a la pérdida, la búsqueda incansable de los orígenes de la existencia, los fantasmas siempre presentes, los árboles con sus raíces y sus ramas, la memoria, los sueños y el espíritu.

 Nacido en 1968, Wajdi Mouawad se gradúa de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá en 1991 para comenzar su desempeño profesional en las artes. Encabeza dos compañías teatrales —Au carré de l’hypoténuse en París, y Abé carré cé carré en Montreal— y cuenta con una vasta experiencia en las tablas como escritor, actor y director de distintos montajes. De entre sus títulos, destaca la tetralogía La sangre de las promesas  (Le sang des promesses), compuesta por Bosques (Forêts), Litoral (Littoral), Incendios (Incendies) y Cielos (Ciels); además de Alphonse, Pacamambo y Sedientos (Assoiffés), entre otras.

 Su nombre se disparó en la escena mundial desde hace aproximadamente diez años, ha sido traducido a más de quince idiomas; acreedor de diversos galardones, llevado a escena en muchísimos países, incluyendo México, e incluso adaptado a la pantalla grande.

Escena extraída de Incendies (traducida al español como La mujer que cantaba). Es la adaptación cinematográfica de la obra del mismo nombre, escrita por Wajdi Mouawad. El filme fue dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y le valdría la nominación a Mejor película extranjera en los premios Oscar de 2011.

 El trabajo en conjunto de Humberto Pérez Mortera como traductor de su obra y de Hugo Arrevillaga Serrano como mano maestra para la dirección de los montajes —además de elencos medianamente fijos con actores como Karina Gidi, Arcelia Ramírez, Pedro Mira, Guillermo Villegas, Sonia Franco, Tomás Rojas, Rebeca Trejo y Adrián Vázquez, entre otros—, es la manera en que Mouawad ha sido materializado en teatros mexicanos desde años atrás.

Acompañada de Alejandra Chacón como parte del elenco, en la imagen, Karina Gidi, quien da vida a Nawal, personaje principal de la obra Incendios. Basada en el texto de Wajdi Mouawad y dirigida por Hugo Arrevillaga.

 Hugo practicó una lectura en voz alta de Wilfrid, el personaje principal de Litoral, y sintió la necesidad de montarlo. El resto es historia: desde entonces, muchos son los foros que han visto pasar la obra de este prolífico dramaturgo, y aún mayor el público que, de alguna u otra manera, se ha dejado estremecer por ella.

 

El arte es un tigre dientes de sable, hambriento, que entra sin tocar a la casa. Intente calmarlo. Sólo habrá dos opciones: o él lo devora, o usted lo mata. Ser artista en esta época, en lo que a mí concierne, es aceptar dejarse devorar para volverse en el vientre del tigre, el tigre.

Wajdi Mouawad

 

 Noviembre es el mes elegido para que Wajdi Mouawad visite México por primera vez con motivo de presentar su obra Solos (Seuls) con dos únicas funciones los días 22 y 23 en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, pero hay más actividades como parte de su itinerario a realizar en la ciudad que se extienden por prácticamente las últimas dos semanas del mes en curso:

  • Charla alrededor de la novela Ánima, de Wajdi Mouawad. Modera: Agnès Mérat
    Cuándo: Jueves 20 de noviembre, 19:30 horas
    Dónde: IFAL, Casa de Francia (Havre 15, colonia Juárez)
    *Entrada libre

 

 

  • Taller de Creadores con Wajdi Mouawad
    Cuándo: del 25 al 27 de noviembre, de 11:30 a 15:00 horas
    Dónde: Foro Shakespeare (Zamora 7, colonia Condesa)
    *Más detalles aquí.

 

  • Ventanas. Adaptación libre de la obra Seuls, de Wajdi Mouawad, por Hugo Arrevillaga, seguido por un diálogo de Arcelia Ramírez con Wajdi Mouawad.
    Montaje con la Generación 2010-2014 del Centro Universitario de Teatro (CUT)
    Cuándo: Jueves 27 de noviembre, 17:00 horas
    Dónde: Caja Negra del CUT
    *Entrada libre, cupo limitado

 

 Los apasionados del teatro podrán ratificarlo, y los neófitos entusiastas de las tablas quedarán bajo advertencia: el acercamiento a la obra de este dramaturgo franco-libanés es un viaje revelador, incansable, fecundo y placenteramente desgarrador. Extendemos la invitación a los lectores a atender los eventos mencionados, mientras tanto, compartimos un fragmento de la nueva novela del autor que llevará por nombre Anima. Cortesía de Excélsior, puedes echarle un vistazo aquí.

Originally posted 2014-11-18 10:00:49. Republished by Blog Post Promoter

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Originally posted 2013-08-19 12:32:06. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

AndrewBorden
“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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Originally posted 2014-11-10 09:00:29. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

Originally posted 2014-08-07 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

SOMBRA AQUÍ, SOMBRA ALLÁ. U HONOR A QUIEN MERECE.

Ya sé queridos lectores, apenas en mayo pasado les hablé de la puesta en escena para México de Hoy No Me Puedo Levantar, si por algún motivo del destino no la leyeron hagan clic aquí pues les ayudará más a entender este texto. Pero toco el tema de nueva cuenta porque hay nuevas cartas que en verdad necesito poner sobre la mesa, así que breves y concisos, ¡a darle!

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 Como comenté en su momento, para mí el único gran detalle de la obra era la participación de María León en el personaje de Ana, comenté mis porqués y varios fans me apedrearon por dar mi crítica sobre dicha interpretación. Pues bien, tuve el placer de asistir a la presentación de la cantante ahora en el personaje principal, María. Señoras y señores: María León está finalmente en el papel que debía llevar desde un inicio. 

 María es el papel que da sentido y guía a la feminidad de la trama, una mujer entregada al amor y que ha sufrido mucho por él. En su resguardo están temas de suma importancia como “Lía”, “El 7 De Septiembre” e “Hijo De La Luna”, a los cuales León impregna de su característico sello vocal lleno de adornos breves con franqueza, ritmo, energía y fuerza.

 Resaltaré en especial la ligereza y limpieza de las líneas que emplea en sus coreografías. Sin duda una bailarina nata con un talento enorme. En el rango actoral finalmente se siente en confianza, fresca y empática al personaje, con los tonos correctos, tiempo y astucia. Sin querer se roba el foco y los aplausos del público al delimitar cuadros bien ejecutados, además de lograr la transmisión de emociones acertada a la audiencia con cada escena.

 En verdad me emociona poder escribir esto acerca de una persona que denota perseverancia, carisma, sencillez y talento desde la posición que ocupa en el escenario. Me da mucho gusto como simple espectador el poder asistir de nueva cuenta y ver que las cosas han caído ya donde deben estar y que los dones que cada miembro del elenco tiene son aprovechados.

 Pero no solo León me sorprendió querido lector, oh no. Carmen Sarahí esta vez como Ana, simplemente deja con la boca abierta. Ella es una actriz fantástica y con una voz poderosa, basta recordar que es la de la Reina Elsa en Frozen (ya saben: “Libre soy”)  para asegurarles que el trabajo que desempeña tiene una sensibilidad auténtica, vive la desesperación, la tristeza y la melancolía de Ana en cada nota a manera tal que uno podría desmoronarse en lágrimas tras escucharle interpretar “El Fallo Positivo”.

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 Otra sorpresa: Regina Blandón como Patricia, no sé de dónde saca tanto dinamismo y chispa esta actriz, pero es apabullante y llena el foro con su simple presencia. Sigo destacando con Jorge Anzaldo, Omar Hernández y Diosnini Hondares como Las Pepas, estos actores brillan y arrancan carcajadas cada que aparecen con los simpáticos personajes travestis, ejecutan las coreografías con maestría, naturalidad y agilidad.

 Solo me quedó un pero al final y se llama Diego Amozurrutia y es que el actor se queda bastante corto al interpretar a Colate. Actoralmente, la degradación a causa de las drogas y el VIH que exige el rol no se da orgánicamente, es más bien un salto notorio  por el maquillaje. Vocalmente se esfuerza pero a veces por la colocación, otras por la respiración y otras por la dicción, las canciones que ejecuta no alcanzan a conectar tanto y eso le resta el peso de debe imponer al total.

 No diré más que no haya dicho en mi texto anterior, simplemente me era necesario darle la relevancia que merecen estas intervenciones en la obra y destacar de nueva cuenta que Hoy No Me Puedo Levantar es y seguirá siendo de las mejores opciones que la cartelera teatral – musical específicamente- ofrece hoy por hoy.

Originally posted 2014-08-18 02:05:05. Republished by Blog Post Promoter

Abrir ventanas en el espíritu

Catarsis, plenitud alcanzable con la transformación interior. Permite liberar ataduras, remover emociones encontradas, equilibrar. Cuando en el teatro se logra esto a través de una obra poderosa tanto en texto como en dirección, escenografía, iluminación, vestuario, musicalización, etc., el público lo recibe con el corazón, porque  encuentra la magia que posee la experiencia teatral y deja una parte de sí en el producto generado a manera de intercambio con los responsables. Hacer teatro debe ser un ritual solemne, donde se honre a la vida desde cualquier arista posible, comunicando un mensaje íntegro, sólido. No importa el género elegido para contar la historia, sino que la historia misma sea contada con efectividad.

 Harwan es estudiante de teatro, está a punto de presentar la tesis con la que se graduará, para terminarla debe entrevistarse con el autor que lo ha inspirado a formularse la cuestión de la necesidad del teatro en el mundo actual. A pesar de tener la cita pactada desde hace meses, los planes han cambiado y le han ofrecido una residencia artística, pero para ella necesita el título, por lo tanto entrevistar al autor, entregar la tesis así como argumentar su defensa en un tiempo menor al que tenía planeado. Harwan deberá alcanzar al artista en Rusia, país donde se encuentra montando su nueva puesta, deberá realizar un viaje para descubrir si está listo para dedicar su vida al teatro, encontrando lo que había olvidado de si mismo en el camino.

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“Las grandes obras de arte guardan un secreto”

 Hugo Arrevillaga toma dos textos de su autor de cabecera, Wajdi Mouawad, para cruzarlos en una sola historia. Solos y Sueños se funden en Ventanas. El resultado es una dramaturgia que suma la ambición de enmarcar al arte como respuesta a la identidad humana de Mouawad, sobre la delicada y vertiginosa técnica de Arrevillaga a la perfección. Esta fantástica obra teatral toma forma en la Caja Negra del Centro Universitario de Teatro.

 Dentro del discurso propone viajar hacia el ser, enfrentarse a la realidad en una aventura que lleva el tiempo medido, sabiendo que aquello que se busca es precisamente lo que no se va a encontrar, además de que se pueden perder muchas cosas en el trayecto, de las cuales uno nunca está consciente pero que ahí están, aferradas. Empero, existe un peligro más grande al decidir no actuar: volverse común. La esencia de Mouawad parte la narrativa desde un lugar común para explotar al máximo la idea de los nexos que guarda todo autor con su obra. Por medio de la belleza de las palabras en poesía absoluta y equilibrio, transporta un problema a un mundo amplio y complejo.

 Casi se puede tocar la sensibilidad que produce hablar de las decisiones que tomamos en la vida, en esperanza de alcanzar aquello que nos proponemos, desear a través de las órdenes mientras intentamos sostenernos frente al mundo. Aquí la meta es el autoconocimiento mediante la vía teatral, como un espacio para expiar, nutrir o perdonar. El mensaje del autor original orilla a transformar todos los sentimientos que aparecen durante toda la puesta en un factor común, del cual forman parte y a la vez generan: la vida.

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“Nadie puede ser tu amor y tu jaula al mismo tiempo”

 La dirección sujeta esta visión sobre un desfile de imágenes tan ambicioso como efectivo, en el que cada elemento que aparece brilla y justifica su existencia. El ritmo es persistente, aprovecha en muchos momentos la sabiduría de la inmovilidad, combinada en un trazo que refleja una batalla contra el dolor de saberse incompleto. Puede ir de la fuerza a la suavidad tanto en el diálogo como las acciones con entera ligereza, pues hay una constante en la construcción: franqueza y amor, sólo así se puede hablar de la pérdida para comenzar de nuevo. Amén de la genialidad encerrada en los giros de tuerca de la trama.

 Esta es una obra hecha para todo el público, pero en especial para aquellos que se quieren dedicar, se están preparando o son ya gente de teatro, a cualquier nivel. Si bien la base de Mouawad convoca a no renunciar a los sueños por más incoherencia que puedan tener (sino luchar por darles forma y que lleven un cauce correcto) al unirse con el sentido de Arrevillaga el mensaje es claro para decirnos que la única forma en la que las metas se alcanzan es con la ayuda de otro, porque los seres humanos tenemos la necesidad de ser gregarios para poder sorprendernos constantemente y no ahogarnos en la monotonía.

 El director convoca a 14 actores -estudiantes en la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM–  para darles la oportunidad de formar un mismo personaje, dividido en todas las formas con las que se concibe, un ser que se refleja de manera constante pero no puede reconocerse en ese reflejo, tan solo percibe un espectro de color que logra entender que posee un alma. Así, Tania Sofía Álvarez Núñez, Iván Caldera, Eduardo Carranza, Elena Del Río, Liliana Durazo, Xóchitl Galindres, Kevin M. García Gallardo, Alejandro Guerrero S, David Illescas, Daniela Luque, Geovanna Moo Caamal, Arantza Muñoz Montemayor, Eduardo Orozco y Nicolasa Ortiz Monasterio entregan un trabajo de calidad y firmeza que deja ganas de seguir presenciando más de estos jóvenes, verlos brillar en más y más puestas gracias a la muestra de talento y dedicación que ejecutan.

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“La existencia se fue, me abandonó”

 Arrevillaga deja una lección a estos alumnos como a todo creador teatral en general: el teatro tiene el poder de tocar para dejar algo en la audiencia, expresar críticamente los aspectos sociales de repercusión contemporánea. Contar historias desde un espacio escénico no es tan solo un ejercicio de entretenimiento, es la posibilidad de formar mejores personas a través de la narración, apartados de la cuestión moral, más bien cultural, o bien simplemente estar ahí con las palabras precisas para quien necesita contactar con su humanidad tan perdida en una sociedad de avaricia entre tecnologías reemplazantes. Ahí está la belleza de esta profesión, a la cual más que lealtad o respeto hay que darle orgullo y forma de ventana.

 Pero sobre todo, concluye como un acto de demanda social pertinente y muy justo. Algo que desgraciadamente necesitamos con desesperación en estos tiempos violentos que enfrentamos en México es reconocer y actuar por un cambio. No son 43 normalistas desaparecidos, ni tampoco las más de 700 muertas de Juárez o las víctimas sin justicia resuelta del caso de la guardería ABC, es la de existencia impunidad ante los delitos que existen sumada a la incompetencia para su esclarecimiento. Cuando el sistema reacciona en contra de aquellos para los que debería trabajar, es momento de alzar la voz, contagiar la rabia y mostrar una oposición efectiva, sostenida en hechos, no en simbolismos. De nueva cuenta el teatro es una respuesta que demuestra como el arte nunca será ajeno al terreno en el que se manifiesta.

 Ventanas es sencillamente uno de los trabajos más enternecedores y válidos de la cartelera mexicana. El método para identificar la autenticidad y la pertenencia. La oportunidad de entender como el teatro cambia la vida. 

“El arte es una ventana en medio de un muro”

Originally posted 2014-11-03 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Ayotzinapa está presente hasta en el arte: el performance de la ENAT

Desde el pasado 26 de septiembre del año en curso, México ya no es el mismo. Iguala, Guerrero, se convirtió en una trinchera más dentro de la guerra que ha sofocado a nuestro país los últimos años. Una guerra que se ha llevado “entre las patas” a miles de inocentes a causa de ese enorme deseo de poder y control de quienes la han orquestado. Sabemos quienes son. Sabemos y no.

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 La Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos” ha sido, a lo largo de la historia de Guerrero y sus escuelas rurales, un semillero de guerrilleros, una cuna de “libre-pensadores” mexicanos que se han destacado por luchar desde la subalternidad por y para el pueblo. No en vano de ahí salieron importantes personajes como Lucio Cabañas y Genaro Vázquez, quienes impulsaron la guerrilla en el estado de Guerrero en los años 60.

 La disidencia ha permanecido, y es a partir de la misma en que nos podemos explicar los hechos del 26 de septiembre. 43 compañeros de los cuales no sabemos nada, no sabemos si están vivos o muertos. 43 compañeros que habían salido a hacer una colecta, por falta de recursos económicos, para costear un viaje a la Ciudad de México y hoy están desaparecidos. Es una rabia que se ha manifestado en diferentes sectores de la sociedad. Pareciera que el descontento ha llegado más allá de las aulas: señoras, señores, ancianos, niños, trabajadores, transeúntes se han unido al grito de: ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

 En el marco de estas acciones por alzar la voz, tenemos un sinfín de muestras de apoyo, tanto en las marchas, los actos simbólicos en las calles, en los hogares, así como en el arte. Numerosos performances se han realizado como un acto más de protesta e inconformidad por la desaparición forzada de 43 compañeros de la normal de Ayotzinapa. Entre ellos, se encuentra el realizado por los compañeros de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), realizado el pasado 16 de octubre, en la explanada del Museo Nacional de Arte (MUNAL).

 Este performance rescata el testimonio del compañero Omar García, sobreviviente del ataque por parte de la policía federal hacia los compañeros de la normal de Ayotzinapa. Los actores aparecen vestidos con playera o blusa blanca, jeans de mezclilla y un pañuelo o paliacate rojo atado al cuello o la cabeza. En la mitad de la cara llevan pintada una línea con pintura blanca.

 De inicio vemos a los actores caminando sobre la explanada del MUNAL. Es muy interesante cómo empieza, ya que los compañeros van caminando, aparentemente apurados y sin rumbo alguno, mientras van hablando y, lo que se escucha, son los nombres, las edades, los apodos y la forma de ser de los normalistas desaparecidos, como si los estuvieran buscando, ya que algunos dicen “¿alguien lo ha visto?”, “¿alguien sabe dónde está?”. Esas descripciones han estado circulando en línea. Así pues, caminan y hablan, hasta que de pronto los vemos caminar rapidísimo y escuchamos que casi gritan mientras más van apresurando el paso. En ese momento paran de caminar, se quedan en silencio, y un actor grita: “¡Ya dejen de disparar, cabrones!”, haciendo total alusión al ataque. De pronto, todos se concentran al centro de la explanada y se cubren, cual si se resguardaran de las balas. Gimen, tiemblan y es notable que están asustados, temen por sus vidas. Es entonces cuando empiezan a recitar el testimonio de Omar, metiéndose en su papel, como si ellos fueran él durante el ataque.

 Mientras recitan a Omar, los actores corren de un lado a otro, se arrastran, gritan, se empujan, se toman de los brazos. Alrededor de la explanada, empieza a juntarse la gente y podemos observar a otros compañeros sosteniendo mantas que dicen: “¿Por qué nos asesinan? si somos la esperanza”, “México despierta”.

 Así se va desarrollando este performance, donde los actores gritan desesperados, algunos lloran. Casi para cerrar, dos de ellos recitan lo siguiente: “En México y en Guerrero, se mata gente, en esos llamados daños colaterales de su chingada política, que luchan entre ellos. Nosotros no queremos ser eso, queremos un México justo y libre”, tal cual lo dice Omar en el video de su testimonio.

 El performance termina con los compañeros caminando de nuevo, retirándose de la explanada, repitiendo “un México justo y libre”, y también, nuevamente, diciendo los nombres de los compañeros, sus apodos, preguntando sí los han visto. Al final, mientras se van retirando, una participante dice: “Tengo 19 años y me apodan el Chucky. Sólo espero que me regresen con vida para poder enseñarle a los chavitos”.

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Por: Pedro Sosa

 Observar los diversos performances hechos a partir de los ocurrido en Ayotzinapa, así como las muestras de apoyo por parte de diversos sectores de la sociedad en las marchas, los paros, la difusión de la información, la empatía que se ha hecho notable en la población mexicana, nos habla de una suerte de “despertar” de quienes habitamos este país. Un país que ha sido azotado por la violencia de la manera más dolorosa y perversa, lo que ha sembrado el miedo en todos nosotros. Pero no todo está perdido. Que una sociedad se levante en tiempos de odio y egoísmo demuestra que estamos más unidos que nunca, por los 43 y por todos los demás que claman justicia en México y para México. El uso del performance es sólo una muestra más de que las expresiones artísticas también pueden sanar una herida tan grande como esta. ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

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Sobre la paz prometida al pasar el temporal

“NO PUEDES ENCONTRAR LA PAZ AL EVADIR LA VIDA”

Virginia Woolf

Siempre he pensado que el verdadero teatro debe ser capaz de acercarse a las raíces griegas que tenían como meta principal la catarsis. No sentencio que todo el teatro deba tener esta intención, pero sí debe de pasar en algún momento por dicho paraje. Encontrar al espectador aunque sea en una línea, gesto, o tono que lo ubique como parte de y facilite la experiencia teatral al conectar en pleno. Por supuesto, no todas las obras son para todos los públicos, los textos son diferentes, las visiones de la dirección, etc. Pero si acarician ese aspecto, entonces tendrán una calidad asegurada.

 En su cuarta temporada, Nuevas directrices para los tiempos de paz, despide el año los martes en Centro Cultural Carretera 45. Escrita por Bosco Brasil, dirigida por Gabriel Figueroa Pacheco, la obra se monta en un contexto histórico actual que la vuelve no solo importante, sino además franca. Necesaria y cruda.

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 1945, Brasil. La segunda guerra mundial ha terminado. Un inmigrante Polaco aguarda en la oficina del encargado de los asuntos migratorios para poder obtener la preciada oportunidad de una residencia. Comenzar de nuevo en un país nuevo del cual conoce únicamente el idioma junto al oficio al que busca consagrarse, la agricultura. Sin embargo, antes será necesario pasar por el cruel e indolente interrogatorio del agente, quien buscará tentar el temple del individuo, que era actor en su país natal, recordándole aquello que ha vivido. El teatro será la principal arma para quemar las naves, entre las cuales está la de la memoria. 

 Bosco Brasil explora con una efectividad magistral los horrores de la guerra en un argumento que lejos de rodear lugares comunes que asienten la brutalidad de los actos, pretende definir a la esperanza de un futuro mejor como la salida idónea ante los desperfectos mundanos. En los personajes del autor se define una incredulidad que se demuestra a través de la descalificación a través de las circunstancias reales.

 Perfilados están la víctima y el victimario, sin embargo el autor propone cambiar los roles acercando como responsables a factores externos, dejando a ambos seres en la desnudez de cada historia tratando de esquivar el dolor y la maldad de sus propios actos, tan solo para chocar violentamente con las del mundo. A través de un llanto honesto critica la ambición consumista de los sentimientos impuros. La sociedad será una hoguera que devora la paz, la tolerancia, se aviva.

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“casi me olvidaba de la guerra, casi me olvidaba de la maldad”

 Ante la sensibilidad del texto, la dirección de Gabriel Figueroa apuntala sencillez en todo elemento de producción para explotar la voz de los parlamentos en sus actores. Rescata la idea de que las palabras carecen de sentido si no conllevan la verdad, acentuando la fatal condición de la libertad como atadura principal de la libertad sobre un escenario de atmósfera oscura prácticamente limpia de principio a fin.

 Cuando la pausada coreografía retrata la utilidad de la vida, queda por sentado que solo es necesario conocer la misma para saber que es útil, porque crea acciones que permitirán el desarrollo de quienes la viven, el cual será escuela para las generaciones que procedan ya sea por sus logros o por sus errores. Conecta de nuevo con el autor, la promesa de la esperanza existe.

 Más al desarrollarse el producto, no es la monstruosa serie de atrocidades que aquellos que vivieron e hicieron la guerra ejecutaron o presenciaron la que hiere, conmueve e indigna, sino la  cercanía a la realidad de nuestro México. La temible actualidad en la cual los problemas se solventan con violencia, represión; en dónde la gente no participa hasta que se ve afectada, entre aquellos que protestan argumentados  en contra y se estrellan frente al estado opresor.

 Catarsis es purificar mediante compasión y el miedo en pleno. Lo mismo aquí, el relato se transforma dejando ver la necesidad de unificación social teniendo como antorcha la petición del cese a la tortura, a la mutilación de la humanidad en su condición. No es pretensión. Es un reclamo orgánico.

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 Los dos actores convocados ejecutan con delicada precisión esta labor. Un justo  José Antonio Falconi, medido  en su accionamiento se adhiere a la esencia del funcionario de inmigración que antes de ocupar tal labor tuviera que obedecer ante la empresa bélica en el papel de torturador. Permite descubrir los claroscuros con un trabajo sólido, empero, es en su trabajo como traductor dónde realmente brilla al generar un texto de fácil acceso y recepción que conserve sus tintes de origen.

 Hay una presencia equilibrada entre la dulzura y la desesperación que imprime Julien Le Gargasson a su actuación desde el momento en que pone un pie en el escenario. Poéticamente traza una ruta emocional genial que trasciende apresuradamente. El actor logra que una simple mirada encierre la belleza de la desolación de su alma, ganándose totalmente al público que adopta al polaco afectado por la guerra, dándole un cobijo acertado.

 Inexplicable, efímero, vital. Son solo adjetivos breves que no alcanzan a describir ni una parte mínima de lo que es el teatro, aquí es un espejo invitante y violento al reflejo, pero acciona al que haga uso del mismo, da impulso a la justicia marcando efectivamente nuevas directrices para los tiempos de paz, solo falta seguir el camino.

Originally posted 2014-12-05 16:58:23. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

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Mucho limón y mucha azúcar

Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas

“¡Que cursi!” pensé, apenas había visto la imagen gráfica oficial de esta nueva reposición de Crímenes Del Corazón. “¡De por sí el título es muy rosa!”, sí, ese era yo realizando prejuicios sobre una de las verdaderas imperdibles de esta temporada, yo pecador, me arrepiento profundamente.

 Afortunado es quien pudo ver la primera versión de esta obra, en ese entonces bajo la dirección de la leyenda Héctor Mendoza, actuada por las maestras Margarita Sanz, Julieta Egurrola, Margarita Isabel y Christian Bach. Ahora lo será quien la vea en su temporada en el Teatro Helénico.

Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas
Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas

 Hoy es cumpleaños de Lenny Magrath, entre los pormenores: su hermana menor Babe irá a la cárcel por un supuesto crimen que acaba de cometer y del cual ella misma se ha declarado culpable, su hermana Meg (que se ha dedicado a su carrera como cantante en Hollywood los últimos años) viene en camino para enterarse de lo sucedido; La prima Chick es una molestia que se avergüenza de sus parientes y hace presencia solo por aparentar ser quien lleva el honor de en la familia, además el viejo abuelo está agonizante en el hospital, para cerrar, la propia Lenny atraviesa (gracias a su cumpleaños en gran parte) por una crisis existencial.

 Más o menos esta es la entrada a la historia de estas tres hermanas, quienes se reunirán por azares del destino a exorcizar viejos demonios. Beth Henley escribió la puesta en los 70’s (época en la que se ambienta la obra), fue un hit instantáneo, incluso nominado al Tony, pues el guion es una joya, donde la autora no solo sabe guiar directo a la sensibilidad la trama, sino que aprovecha para efectuar una comedia fastuosa en un melodrama intenso.

 Henley propone tres personajes que son tan iguales como diferentes (como buenas hermanas al fin) y las confronta para tratar de encontrar el alma y la autenticidad en cada una de ellas en un punto de quiebre general para esta familia, que precisamente nunca ha tenido un buen manejo de los puntos de quiebre. Al tiempo que presenta simbolismos geniales (que se explican solos con el pasar de la trama) en cada personaje para exteriorizar sus pensamientos y sentimientos reales.

 Por su parte, la dirección de Enrique Singer transporta a sus protagonistas a un plano dónde cada una podría ser muy egoísta, pero al mismo tiempo necesita urgentemente de alguien que la escuche, lo cual crea una empatía automática con los espectadores sin duda alguna. Desde el primer momento delimita a los personajes con exactitud para entender los modos y formas distintivos que nos hagan identificar la psicología de los personajes, más allá de lo que sus acciones hablan.

Consulte cartelera
Consulte cartelera

 Y a pesar de que la trama sí podría ser muy pesada, el estilo de escritura la hace fresca, esto junto al excelente ritmo que lleva la obra (sin perder el hilo jamás o el timing entre actores) hace que en verdad las dos horas de duración se pasen volando sin darse cuenta.

 Singer expone a su talento sobre una escenografía que conceptualiza una vieja casa, con azulejos desgastados y todo, un diseño tan agradable como dinámico por parte de  Erika Krayer, que despide una sensación de derrumbe y calidez al mismo tiempo. Se le suma una justa iluminación de Víctor Zapatero, un vestuario bastante ad hoc con la época a revivir diseñado por Amanda Cárcamo, además de una muy buena musicalización de Alejandro Gicomán, que entra exacta a las necesidades que los elementos escénicos piden.

 El elemento clave sería el reparto que es el sueño de  cualquier director: Marina de Tavira, Irene Azuela, Ilse Salas, Martin Altomaro, Jana Raluy y Pedro de Tavira Egurrola. ¿Por qué es un sueño? ¡Porque es un cast perfectamente equilibrado! Todos actores con una preparación basta y trabajos previos que hablan por sí solos de la calidad de la que cada uno está hecho, en general un marco de actuaciones convincentes, francas, que se van tornando en conmovedoras y  necesarias. Definitivamente no hay alguien más sobresaliente que otro, son en verdad una delicia: La poderosa inocencia que transmite Salas, la inevitable compasión que crea De Tavira, el carisma y naturalidad de Azuela, la irritabilidad instantánea que imprime Raluy, en fin, la lista de detalles actorales a percibir sigue y sigue.

 El discurso que propone la puesta  en general, acerca de la importancia de los lazos familiares y el estar presentes siempre para nuestros seres queridos, si bien sí puede ser muy rosa, viene directo del corazón, por ende su franqueza logra enternecer y en verdad afectar para reflexionar. Es bastante importante esta obra, puesto que es el tipo de puesta que cualquiera puede ver y salir con una buena cara al día a día, ideal para ver en familia, amigos, solos, el efecto es el mismo, una sensación de bienestar. Definitivamente imperdible.

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Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

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Entre la pistola, el violín y los demonios

Las ideas no son responsables de lo que los hombres hacen de ellas.

Werner Karl Heisenberg

El Foro Shakespeare abre puertas en sus martes a Sturm Ruger, obra original y dirección de Josué Almanza. Es complicado, por un lado me alegra a sobre manera encontrarme con autores/ directores de teatro nuevos pues refrescan el panorama y muchos vienen con ideas fenomenales e invitantes, pero no siempre pasa así, a veces se generan productos con los que uno dice: “No está del todo bien, pero es su primera obra” y al instante cancelamos este amparo con la racionalidad justa acerca de si el resultado inicial mediocre podrá deslindarse a futuro y justificar su naturaleza. He aquí una confesión acerca de una situación similar y cercana a mi parecer.

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 Honestamente no tenía idea de que Sturm, Ruger fuera una compañía de armas de fuego, en gran parte quizás por mi lejanía al tema. Pero el nombre me llamó la atención junto a dos de los actores anunciados en cartel, Amanda Schmelz y Christian Diez, puesto que tenía fresca la experiencia de Simulacro de Idilio (en la que Schmelz participaba) y Quisiera ser un rockstar (original de Diez, que recordaba en su temporada en el Teatro La Capilla) así que me adentré esperando lo mejor.

 La obra da la bienvenida con un ensamble de seres fácilmente confundibles con bestias o demonios que al ritmo de un violín desafinado se retuercen, carcajean, danzan y gritan alrededor de un cuerpo frágil al centro de ellos, la estampa es netamente fascinante y el primer gancho hace contacto con el espectador. Tras esto la historia va acerca de Sam, una adolescente que vive con sus padres (distanciados gracias a la infidelidad) en algún pueblo con un pasado que hiere y se presenta en cada momento. Vera, la madre infiel, Walter, el padre actor de comerciales y papeles secundarios. El fracaso es el panorama para juntar los cristales rotos del espejo de la realidad.

 El texto de Almanza de conduce con desdobles interesantes, permite exteriorizar el sentir de cada personaje en su subconsciente para poder lograr un análisis más detallado de cada uno y en su dirección ejecuta dicho elemento mediante la violencia explícita, coreografiada a juego con la iluminación, que separa la realidad del imaginario. Todo pinta muy bien hasta aquí, pero lamentablemente parece ser que dicho elemento no pudo resolverse en otra forma cada que hace intervención. He aquí que al cuarto grito uno ya siente que ha sido demasiado y que dejó de tener justificación.

 Lo que al principio invita a una reflexión acerca del modelo familiar sustentado en una sociedad violenta que prácticamente pone un arma en la mano de cada uno de sus habitantes, pasa a segundo plano para comenzar a soltar clichés a diestra y siniestra: la adolescente incomprendida y de comportamiento antisocial, la madre con problemas para criar a su hija y además infiel, el padre fracasado y tal vez principal víctima de la ingratitud de su familia, la violencia, la paternidad (en amplio espectro), la estabilidad mental, el noviazgo juvenil. Todos y cada uno de los temas que hemos visto de mil y un formas, ejecutados sobre lugares comunes y vacíos al final.

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 A este punto me detengo a pensar en la propuesta: la trama gira en torno a un crimen ejecutado en el pasado y que ha sido sombra de la familia en cuestión, pero dicha sombra afecta en su radio de dispersión a más habitantes. Si bien el director se preocupa por mostrar las conexiones de maneras ingeniosas y propositivas, haciendo gala de un despliegue de intervenciones de iluminación y escenográficas (obra de Arnoldo Alemán) con alta calidad, pareciera que se desvive en esta atención y deja en la soledad los aspectos positivos de la narrativa de su libreto para lucir más el cuadro y no perder foco.

 Tal vez lo que más me preocupó y en lo personal disgustó de esta puesta en escena es definitivamente el reparto, y es que solo hay dos personas en el mismo plano: Amanda Schmelz y Christian Diez (vaya ironía ¿no?), de ahí en adelante Regina Flores Ribot, Rocío Ramírez Suárez y Raúl Rodríguez de la Peña se conducen con los personajes principales denotando la falta de trabajo de construcción que hay. Cada quien corre a su ritmo, tono y forma, dando como resultado un mix heterogéneo de actuaciones que vacilan entre lo plano y lo inverosímil a lo largo de dos horas (con todo e intermedio) que bien pudieron resumirse con una visión más poética en el trazo que aunque ágil es sinuoso.

 Ni en el intermedio o al final de la obra uno no sabe que esperar o cómo reaccionar. El discurso de la violencia social se opaca al nivel que nadie entiende que buscaba el director además de marear a la audiencia y hacer creer a toda costa que es una gran obra gracias a la lista de elementos que explota. Schmelz y Diez son los dos únicos motivos interesantes para ver la puesta ya que sus intervenciones son en verdad magistrales, limpias y ubicadas, pero al final da tristeza notar lo desaprovechados que ambos están, tal vez hasta incómodos, pero profesionales.

 Véala si se atreve, juzgue y aquí nos leemos.

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Originally posted 2014-07-14 23:53:42. Republished by Blog Post Promoter

Lo que puede pasar en una semana y no más

“La amistad es más difícil y más rara que el amor. Por eso hay que salvarla como sea.”

Alberto Moravia

En México, Clément Michel ya es un viejo conocido. Su texto La Caja, fue traducido y montado por Ocesa Teatro en 2012, dentro del Teatro Renacimiento, durando más de un año en cartelera, convirtiéndose así en un gran éxito. Precisamente el éxito que representó La Caja, se debía a que la obra de este autor y director francés, era una simple comedia de vaudeville escrita sin más intenciones que hacer reír de una manera inteligente con acciones simples bien equilibradas. Ahora, Ocesa Teatro repite con un título del mismo autor, para integrarse al grupo de obras de cámara ejecutadas por la compañía,  Una semana ¡nada más! 

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 Paul se acaba de mudar hace un mes a su nuevo departamento con Sofía, su novia. En realidad no hay más elementos en el departamento que pertenezcan a Paul que una silla. Éste será otro más de los factores en la lista de motivos para deshacerse de esa relación lo antes posible. Él sabe que no es normal, o sano, que día a día sueñe la horrible muerte de su novia ni que ya no aguante el siquiera verla despertar por las mañanas,  es como si todo el encanto que encontraba en Sofía se hubiera desvanecido en cuestión de unas semanas. Por ello, su desesperación lo llevará a pedirle a Martín, su mejor amigo,  que lo ayude a terminar con su relación, bajo un plan infalible de una semana de duración, en la cual Martín deberá mudarse al departamento hasta que Sofía explote y termine por irse, pero ¿pasará eso realmente?

 Bajo ésta simple premisa, Michel crea una puesta en escena genial, que conjunta entre los temas a tratar a la tolerancia, la vida en pareja, la honestidad y preponderantemente la amistad verdadera. Un libreto bastante flexible que permite darle lectura en muchos sentidos, en éste caso, el director Mauricio Galaz (por cierto, director residente de La Caja), toma el hilo cómico y lo sujeta a un ritmo ágil y práctico que permite el fluir de las acciones cómicas de forma ejemplar.

 3 personajes con actitudes comunes: Sofía es una novia dulce y amorosa pero con una carácter explosivo, Martín es algo así como el hombre perfecto que trabaja y atiende su hogar y Paul es la versión de Martín en fachas; dado el hecho de que son personajes totalmente identificables con la población de este país, es fácil identificarse con los personajes y adoptarlos desde el primer momento gracias a la atinada traducción y tropicalización implementadas, permitiendo sellos de la comedia francesa sí, pero con el toque mexicano que Galaz sabe orquestar a lo largo de la trama. Algo que puede distinguir a ésta producción sobre otras comedias en cartelera es que en realidad: es tan simple que da risa desde el primer apunte. Los personajes tienen una evolución balanceada y el planteamiento de las situaciones es atrapante.

 unnamedEstelarizando la puesta, nos encontramos a 4 actores de la familia de Ocesa, Violeta Isfel (Cheka tu mail), Ricardo Margaleff (Spamalot, coproducción de Gou Producciones y Ocesa Teatro) y Ricardo Fastlicht (Toc,Toc) alternando con Enrique Chi (Jesucristo Súper Estrella, Claudia:Mequieren volver loca, Cheka Tu Mail) en el rol de Paul. Un elenco que aunque podría pensarse no es sólido, en realidad tiene un equilibrio bastante idóneo y complementario, denotando química evidente que permite una mayor trascendencia al público. Siendo Margaleff, en quien se carga el peso por tener una capacidad de desdoble cómico nata y evidente, lo cual lo convierte en automático en el actor con el papel más memorable y persistente.

 Los actores se mueven en una coreografía práctica sobre el pequeño escenario del Teatro del Hotel NH, con una escenografía sencilla y una limpia iluminación que emula la sala y comedor del departamento de la pareja protagónica. Pero hasta aquí seguimos en el meollo del asunto ¿Por qué es tan buena?

 Del odio al amor sólo hay un paso, ¡pero del amor al odio sólo hay un mes! Y es ahí cuando todos nos identificamos con Paul, todos hemos querido alguna vez mucho a alguien (ó algo) y después su presencia comienza a ser aborrecedora. Para fortuna todos hemos tenido un Martín, un amigo incondicional dispuesto a apoyarnos y a quedarse con nosotros hasta el final y que aunque tenga que sacrificar algo, no dudará en hacerlo para ayudarnos. Un amigo fiel.

 Sobre esto versa el discurso primordial, la importancia de la amistan ante todas las situaciones diversas que se puedan general a su derredor, pero no dramatiza o crea paradojas psicológicas alrededor del conflicto, si bien podrían existir y hacer al texto algo muy rico, valioso y enternecedor tal vez, la obra como tal lleva un mensaje y cumple con su único objetivo: divertir y hacer pasar un rato sumamente agradable en cerca de 1 hora con 45 minutos que se pasan como el agua en el río. Pese a que en realidad no tiene un trasfondo que culturalmente la vuelva destacable o innovadora; empero, nos ofrece una oportunidad para ver a la división de teatro de Ocesa  probando nuevas direcciones sobre sus proyectos con resultados positivos.

Altamente recomendable.

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Originally posted 2014-04-22 13:47:43. Republished by Blog Post Promoter

Cenando con el pasado o Navidad con amigos 3.0

“YA LO PASADO, PASADO, NO ME INTERESA”

JOSÉ JOSÉ

Es curioso tener que enfrentar al pasado y sus historias que impiden la felicidad al presente, en especial cuando nos damos cuenta que en realidad nunca formamos parte activa de él. Algo así sucede con Ana, su familia no ha sido más que una tumba que resguarda secretos de todo tipo, color o sabor, de los cuales ella no goza conocimiento alguno, sin embargo están presentes en su vida llenando vacíos de información que le permitan conocer la realidad. Porque el ideal sería que ella pudiera saber la verdad, el problema es que la verdad varía siempre, según quien la cuente.

 Por una breve temporada (situación lamentable dada su buena factura) que corre hasta diciembre 14, la compañía Puño de tierra presenta Ex…El pasado ya no es lo que era  en el Teatro Benito Juárez del autor uruguayo Gabriel Calderón y el director Fernando Bonilla.

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 Como menciono anteriormente, esta historia va sobre una mujer en búsqueda de descubrir que ha habido tras de ella en todo el tiempo que lleva existiendo dentro de su entorno familiar, desgraciadamente todos sus familiares, excepto su abuela a la cual no le habla, se encuentran en la tumba por motivos diversos. En buena fortuna, durante la víspera de la navidad, su novio ha diseñado un plan para reunir a cada relato frente al pavo servido a la mesa. Sólo que los planes que parten de lo inexplorado siempre tienen efectos que uno nunca espera.

 Al desarrollarse, el texto de Calderón denota dos aspectos seguros y valiosos: la  fuerza dramática además de contemporaneidad. Nos dice que no basta ver el pasado mediante la belleza rescatada, olvidar el sufrimiento cuidando sacar solo la felicidad de los recuerdos, aquí hay una búsqueda frenética por recuperar cuantos tonos sean posibles para armar una paleta de colores completa que pinte un marco de sentido u orden. Pero aun así, no descuida otro mensaje, no por necesitar saber del pasado para entender el presente y prevenir el futuro, significa que debamos vivir de este.

 Sería deshonesto decir que una obra que hable del ser humano en búsqueda de la felicidad es atrayente en la actualidad. No solo es algo que nos cuentan en repetidas ocasiones, sino algo más bien común, tan obsoleto como barato. Empero, Calderón sabe encontrar la carne adherida al hueso, explorando una propuesta ácida en su comicidad y firme en su discurso duro, lo cual  estabiliza el terreno. Sitúa su desarrollo en una danza a través del tiempo que convence y apremia.

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“lAS COSAS SON ASÍ, ASIMILENLAS Y AVANCEMOS” 

 Tomando el timón llega un director que sabe tratar la tragedia para convertirla en un festín entrañable, Fernando Bonilla adapta y manipula la obra consiguiendo una fluidez total de las palabras, así como un entendimiento pleno de las situaciones. Logra un equilibrio que explota al máximo la hilarante base para entretener a su audiencia, sin dejar aparte la reflexión. Esta construcción expone a la monotonía del amor como el principal asesino del mismo, al igual que la importancia de tomar responsabilidad de las acciones que hacemos, ser francos con las decisiones, planificar su uso.

 La puesta inicia con un ritmo lento, se recupera, luego aterriza en un bache del cual se pensaría no saldrá ya que fue arrastrado por una coreografía torpe, además la falta de equilibrio de la actriz con el foco al momento (inserte aquí a Regina Flores Ribot), tan solo para levantarse y alcanzar una estabilidad envidiable hasta el final que atrapa por completo y sumerge dentro.

 Práctica y sencilla se presenta la escenografía, más cada cuadro tiene un enemigo acérrimo en el diseño de iluminación, que expone totalmente descuidando sectores que podrían lucir mejor. Por ejemplo, existe una conceptualización de fotografías al fondo, que al iluminarse denota los saltos temporales, pero esta solo encuentra correcta ejecución en 1 escena, lo que  frustra en verdad al dejar con la sensación de que  si as {i hubiese sido el resto, la representación podría presumir de un trabajo loable.

 Grandioso es el elenco que juega en el escenario (con la excepción ya mencionada), Pedro de Tavira, Mario Monroy, José Carlos Rodríguez y Valentina Sierra trabajan en un equipo homogéneo, produciendo buenas actuaciones de complicidad total, junto a Sergio Bonilla que demuestra una vez más su talento en una gama de sensaciones plena. 

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 Falta mencionar a un miembro importantísimo del cuerpo actoral, que sin lugar a duda se lleva la obra gracias a la astucia, agilidad y naturalidad impresas  en su trabajo, Gabriela Murray es una antorcha encendida en escena, arranca carcajadas sonoras e imparables al tiempo que goza su papel, divirtiéndose a todo lo que da contagiando a la sala entera. He aquí el ejemplo perfecto del oficio actoral. La cómica violencia del lenguaje de su personaje deja ganas de verla en cabaret y musical, Matilda, como Tronchatoro por ejemplo.

 Retomemos el total. Hay un círculo alrededor de la puesta que la eleva a un lugar desdichadamente privilegiado, su cercanía al contexto sociopolítico de la nación mexicana. En la obra se toca el tema de la represión, la desaparición ¿Cuan fantástico sería poder aseverar estas apariciones únicamente en el mundo de la ficción y no en nuestro real? A esta llamada, se contesta con la misma desesperación y hartazgo que refleja cada elemento de la sociedad. Hay una promesa de risa loca, pero el sello de interiorización permanece.

Originally posted 2014-11-25 11:33:28. Republished by Blog Post Promoter

Al margen de la vida, la litoral del corazón

La magia de Wadji Mouwad reside en la tersura de sus textos, el autor ahonda en la problemática de su sociedad para intentar esclarecer los objetívales de su existencia y pasiones. En el tenor de encontrarse a si mismo junto a la guía que redefiniera sus pasos elabora (tal vez sin planificación previa) 4 grandes obras que a la fecha son recordadas en  nuestro país con gran aclamo y fervor. Litoral, Bosques, Incendios y Cielos conforman la tetralogía de “La sangre de las promesas” dirigida por Hugo Arrevillaga, en honor del reestreno de Litoral  es tiempo de hablar de este montaje que vuelve al Foro Shakespeare.

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 Wilfrid ha perdido a su padre y está en busca de encontrar un sitio dónde darle correcta sepultura. Poco sabe en realidad de la correcta historia de amor de sus padres, empero el destino le preparará una amplia exposición de la misma que le permita juzgar a los intérpretes con exactitud. Al cruce de caminos aguarda una mujer que canta con furia las injusticias de la sociedad y que no teme clamar junto a el por un espacio de tierra dónde depositar los restos de su padre. La aventura del joven se rodeará de la horripilante realidad y los destellos de la vida misma, a la aventura la llamaremos: vida.

 Como tal, el autor nacido en Líbano desarrolla  una poética concepción de la necesidad de encontrar las raíces a las que pertenecemos para dar sentido y dirección al camino, buscar los mismos y dejar a un lado aquello que impida continuar el viaje ya sea por su estado putrefacto o por su inutilidad, cuidando el mantener en alto los sueños sin alejarlos de la realidad  histórica.

 Mouwad se permite acercarse a la condición social de su tierra natal para explorar las aristas de la violencia que acaece con la guerra y ligarlas a la inferioridad del ser humano, exterioriza pues el campo de batalla de las emociones, les da forma y armamento y les indica la estrategia de ataque; El objetivo es claro, ganar la justa, pero si al final todos son dueños de una porción del campo de batalla arrendado ¿cuál es la aspiración lógica? ¿Conseguir el dominio total dejando a un lado al prestamista? ¿Pueden las emociones, los sueños o los ideales existir sin aquel que les concibió? La respuesta es un rotundamente negativa, es más, exige al creador tomar el orden y ubicar en tierra a cada elemento. Pide al humano entender su condición, aceptarla y tenerle apego.

 Bajo la dirección de Arrevillaga 8 personas dan vida al texto que oscila entre 3 estados temporales: aquí, allá y ayer. Busca desde el primer momento distinguir al personaje principal y cuidar que la intromisión de los demás sea precisa, delicada y fieramente necesaria. El director hace ahínco en la ceguera social pactada ante la violencia, las falsas apariencias de la sociedad y los pensamientos cabales que son seducidos por la perfidia, contra la tesis de la fuerza absoluta del amor como principio y generador de la vida misma y su sentido.

 En el trazo que propone la dirección la interacción es fundamental y absoluta, esconde elementos para destacar a los que están en primer plano haciendo complicidad con la iluminación para marcar las necesidades inmediatas y jugando con la intromisión de la musicalización para acentuar los momentos de tensión.

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 El personaje central se desenvuelve ante el juzgado del público, es un testigo de sus propios actos declarando ante el juez con la ayuda de sus recuerdos. El vestuario de Lisette Barrios ayudará con la distinción con una barrera de colores opacos que permiten destacar al principal y ubicarnos en el contexto temporal y social de manera efectiva.

 La historia se va armando en una escenografía conceptual concebida por plataformas de embalaje (Diseño escenográfico de Auda Carraza y Atenea Sánchez) que se mueven y orientan para construir diversos espacios, lugares y territorios. Sin duda uno de los puntos más valiosos pues otorga un movimiento constante y único a la trama que va apoyando en las coreografías actorales y escenográficas su ritmo, además ¿quién no ama cuando la transformación de los objetos llama a la imaginación para darles forma y nombre?

 El discurso del texto es un canto que viene desde el corazón y que se recibe con lágrimas en los ojos. No sólo por su honestidad, sino por su posición desafiante, así es, confronta a aquel que lo escuche a encontrarse dentro de la narrativa y pide a la muerte y al miedo que le hace sombra entregar cuentas de vida.

unnamed Pero sin duda, no podría detenerme a contar lo maravilloso de este acto sin destacar el gran trabajo del reparto. Guillermo Villegas, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Alejandra Chacón, Miguel Romero, Adrián Vázquez, Sonia Franco y Tomás Rojas son el ejemplo del casting consciente, pues cada actor se encuentra justo para ubicar a sus personajes en el diapasón actoral propio. Es imposible en pensar el destacar a algún elemento cuando la compañía es tan homogénea y precisa. Actores que viven la puesta y entregan pasión a cada línea, no más.

 Tal vez usted llegue a el final de esto pensando: “¡Cuántas flores!, suena a que está bien cursi”, pero no, Litoral es una gran pieza que incita a encontrar la belleza de la felicidad, y esta puesta es pues una búsqueda de la felicidad que se siente propia y reinventa la tragedia sin ser moralina o truculenta, solo es fiel y contestataria.

Originally posted 2014-06-09 18:10:01. Republished by Blog Post Promoter

De las voces que relatan acciones calladas

Es tiempo de la  Revolución Mexicana, en un pueblo dónde nunca pasa nada interesante. Una maestra ha sido encarcelada y condenada a muerte. La hija de un hombre lleva rato lejos de su hogar por irse (de voluntad propia) junto al ejército zapatista. Una mujer adinerada no ve la hora de sentirse tan libre y pueblerina como ella desearía. En medio  de todas las historias, el pueblo es el punto de cruce involuntario de los ejércitos de Emiliano Zapata y Porfirio Díaz, ambos liderados por los dobles comisionados de los dirigentes originales. El supuesto Díaz ofrecerá una tregua al Zapata de los martes, pero la muerte ha despertado con el alba de aquel día, y está lista para pasearse por el pueblo.

El Teatro La Capilla abre sus puertas los sábados por la tarde a  Los Equilibristas, obra original de David Gaitán, dirigida por Damián Cervantes y nueva producción de la compañía Vaca 35 Teatro. Este autoproclamado “Falso documental de la revolución mexicana”, estará presentándose hasta diciembre 14.

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Tal vez lo que es necesario resaltar primero es la figura de David Gaitán como uno de los creadores teatrales jóvenes más importantes de nuestra época. Responsable de otros geniales títulos como Simulacro de idilio o La velocidad del zoom del horizonte, Gaitán sabe manejarse entre la ficción, el análisis y la crítica social con ingenio y sumo cuidado para que sus textos tengan apertura a un público general (en la mayoría de los casos) que pueda entender de lleno e inmiscuirse en la trama. Un dramaturgo al cual no hay que perderle la pista.

En esta ocasión, el texto nos habla de la necesidad de pertenencia de los seres humanos;  Sabernos parte de algo o de un todo ha sido desde siempre una necesidad básica para descubrir quiénes somos, cual si no pudiésemos existir sin formar parte de algo más grande, ahí es donde Gaitán introduce la empresa de la guerra, ubicándose en un hecho ficticio de la Revolución Mexicana que invita a mirar el pensamiento social de 1910 a través de la narración de diversas posturas que lo acercan inevitablemente a la modernidad.

14 de los habitantes, del pueblo en el que nos sitúa el autor, se unen para relatarnos los hechos del día en que los ejércitos revolucionarios se encontraron. Vemos una evolución radical de las necesidades personales de cada personaje, cada uno busca alcanzar una realización diferente en el movimiento que se alza, en la situación de sus vidas. Algunos quieren estelarizar y vanagloriarse, otros tan solo buscarán la libertad u expiar algunos pecados, pero en general hay un común: todos quieren vivir.

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Gaitán otorga el mismo peso a la voz de cada personaje, en una narrativa bastante cercana a la estructura postmoderna, cada relato va hilando el panorama lleno de colores que tiñen de sátira, crítica, compasión, poesía, humor y dulzura a la historia. Todos aportan información de manera orquestal, a un tempo que va creciendo y amarrando al público a su paso. Generando una arcada dramática bastante poderosa que provoca entrañarse de inmediato hacia aquello que nos están contando.

La visión de Cervantes como director vuelve aún más franca y honesta a la obra. Pone a sus personajes sin más elementos que sillas, veladoras, algunas macetas con flor de nube y vestuario de tonos, adecuado de la época. Les da a sus actores la posibilidad de explorar con profundidad los detalles de sus líneas, adentrarse en la piel de cada personaje y exteriorizarlo en gestos y movimientos marcados con sumo cuidado en el discurso. Guarda bastante limpieza en sus trazos, para que toda la audiencia pueda recibir lo que se está provocando de desde dentro de cada palabra y acción contada, hacia la resolución externa que hay en cada cuadro.

La delicadeza de Cervantes, sumada a la fuerza dramática de Gaitán, generan un producto que engancha de manera total al espectador y culmina siendo enternecedor, contestatario. Los protagonistas de la obra están envueltos en un proceso del cual realmente no forman parte directa, pero se ven afectados, ¿Cuan familiar puede sonar esto?

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Esta puesta dice ser una historia que quizás no sería jamás contada puesto que solo 14 personas fueron víctimas de ella. En nuestro México actual tenemos otra historia protagonizada por 43 normalistas desaparecidos en Ayotzinapa, Guerrero, y la respuesta de nuestras autoridades ha sido tan indiferente que tal pareciera que su localización es otra historia que no valiera la pena contar por el número que representan. Estos nexos – involuntarios tal vez- a la contemporaneidad del país hacen de la puesta entera una maravillosa acción de respuesta y sensibilización.

José Concepción Macías , Iyasú Torruco, Marco Vidal, Daniela Baltazar, Carlos Kumukai, Sol Sánchez, Gabriela Ambriz,Francia Castañeda, Mari Carmen Ruiz,  Diana Magallón, Elizabeth Pedrosa,José Rafael Flores, Enrique AguilaryVerónica Bravo, estelarizan siendo un reparto homogéneo, entregado al ejercicio teatral con el corazón. Actuaciones frescas y amables que denotan entereza.

Hágase un favor y asista a someterse a la prueba del equilibrio, puedo asegurar que no se arrepentirá.

Originally posted 2014-10-17 11:12:15. Republished by Blog Post Promoter

Cuando Dios usó el diván

“Dios: lo más evidente y lo más misterioso.”

J. B. Henri Lacordaire

El Teatro Helénico es garantía de calidad teatral, me da gusto confirmar este enunciado de nueva cuenta con el siguiente escrito acerca de la puesta en escena La última sesión de Freud, dueña del espacio de fin de semana del recinto principal. Habiendo anunciado el tema es justo adentrarnos en materia.

 Haciendo un ejercicio rápido de reflexión a la ley de causa y efecto, aplicada a nuestra cotidianidad, la existencia de los seres humanos, como de todo lo que podemos conocer, proviene en directo de una acción mayor, la cual la ciencia ha apodado desde nuestra infancia como el Big Bang, la partícula que explotó y se expandió formando todo a su paso.

 Podemos quedarnos hasta ahí, o jugar al pequeño inquisidor de primaria, frente a una confusa educadora ante la pregunta de ¿Quién puso esa partícula?, ¿Quién la creo?, ¿Por qué? y ¿Para qué?

 A partir de aquí, nos topamos con la pregunta central: ¿Dios existe? Para los grandes pensadores dicha inquisitiva es compleja de responder, hay palabras tanto a favor como en contra de una presencia divina superior.

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 Se le han dado mil nombres, y tiene demasiados argumentos en prueba y contraste, empero, al final es innegable que hay algo o alguien con un nivel más alto que el nuestro, probablemente diseñando nuestro camino de tal forma que no podemos comprender. ¿O no es así?

  La aparición de la interrogante tuvo a nutritiva forma el toparse con un rotundo no, por parte del padre del psicoanálisis, el propio Sigmund Freud, quien afirmaba que la creencia religiosa era simplemente una proyección de necesidades humanas.

 La palabra de Freud ha sido ley para muchos filósofos, además de objeto de contraste y debate. Sin duda uno de los más pronunciados fue el que Armand Nicholi propone en su libro “La Cuestión de Dios”. Dónde los argumentos de Freud hallan respuesta inversa con los del escritor católico C.S. Lewis (Las crónicas de Narnia).

 Mark St. Germain toma el escrito para desarrollar uno de los textos teatrales contemporáneos más poderosos y ricos, La última sesión de Freud, basado en el encuentro supuesto que Nicholi marca entre Freud y Lewis para argumentar el sistema de creencias de cada uno.

 C.S. Lewis era ateo, harto de los sermones forzosos de su infancia, golpeado por la experiencia de la Primera Guerra Mundial. Pero al pasar los años, dicha lejanía a Dios se vio terminada con un escritor visiblemente feliz de profesar su creencia en la religión. Al ser ateo usaba los argumentos del propio Freud para desmentir al Dios al que después afirmaría contrastando dichas posturas. ¿Puede un hombre recobrar así la fe, sin más ni más? Freud ha citado a Lewis para averiguar esto, en una disertación mezclada entre las señalizaciones duras y el humor inteligente.

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 El texto de St. Germain da honores a ambos autores, analiza a fondo los sistemas de creencias y adaptabilidad del ser humano teniendo como vía dos personajes con ideologías opuestas, pero con demasiadas áreas en común. Uno de ellos se aproxima a su final y luchará por ser fiel a sus ideales. El otro tratará de invalidar sus argumentos tan solo para cancelar los propios. Cada frase pronunciada despide inteligencia, sustancia, ritmo en una batalla campal entre la teología y el racionamiento científico.

 Bajo la dirección de José Caballero nos topamos de frente a una conceptualización exquisita en el escenario, a través de la escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez Arriaga, Freud y Lewis deliberarán dentro de la pirámide del Ego, Yo y Superyó, al tanto que  la mirada de una colección de deidades atestiguan el acto.

 El director nos permite identificarnos con ambos personajes, ser objetivos al tema, para después sacudirnos y adentrarnos completamente al encuentro con la necesidad de tomar una postura a favor o en contra desde el propio juicio analítico. Finos detalles bajo un ritmo que se cocina lento pero con trazos fuertes y un drama que va creciendo, topa un límite y crece de nuevo para alcanzar otro constantemente, generando una arcada dramática que reta tanto a sus actores como al espectador ante la fiereza del diálogo.

 El maestro Sergio Klainer da una absoluta cátedra de actuación, encarnando a una versión de Freud en la línea media del desprecio y la compasión. Absolutamente correcto en tono y forma, Klainer se dirige con una presencia que inunda el recinto y deja anonadado al público. La intención de cada línea de su personaje penetra como navaja directo al intelecto, pretendiendo activar la razón bajo un ataque disfrazado de comicidad autómata. Amén de la genial caracterización de Mario Zarazúa que acerca al actor a un parecido innegable al psicoanalista. 

 Por su parte, Dario T. Pié genera un apoyo constante a Klainer con una actuación justa y plausible que enmarca una apertura más al diapasón actoral del también comediante.

 Esta es  pues una de las propuestas actorales más completas de la temporada. Un montaje imperdible queabandona en cada asistente la confusa necesidad de llegar a casa para rezar un padre nuestro, mezclada con tener que encerrar el rosario en un cajón. No hay pretensión ni sentimentalismos inducidos hacia una desvalijada modernidad, solo se colocan las cartas sobre la mesa para jugarlas con tiento y prevención.

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Originally posted 2014-09-29 12:12:13. Republished by Blog Post Promoter

De: Teatro. Verónica Maldonado

Un buen artista es antes un buen ser humano: Verónica Maldonado, dramaturga, actriz, profesora, guionista y directora de teatro egresada de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México cabalmente cumple con la regla. Es una mujer fuerte con un corazón que desde fuera se siente y al que ni ella misma es capaz de obstruir, se le asoma por los ojos, se le escapa por la pluma, es, poniendo claridad, una mujer a la que dan ganas de querer.

 Es esto importante, porque sabido es que “todo arte es autobiográfico”, no ya en un sentido estricto y corriente, sino en el modo en que todo lo que uno es, todo lo que uno conoce, prueba, lee, escucha y todo lo que no, inevitablemente es colocado en las acciones como en una vitrolera,  para un artista las acciones, los frutos, son el arte que crea y le recrea, que forja  y viceversa; este corazón de Verónica se siente en el alma de sus textos y en sus puestas en escena.

 Es creadora y no sencilla ejecutante, como toda alma con afanes de libertad y portentosas necesidades de entregar, de crear y de ganar terreno en la expresión pero sobretodo de “darse” a lo que se sirva prestarle el oído, el corazón y la razón, ella es una artista diversificada, porque no puede ser de otro modo, ha ganado premios de instituciones convocantes diversas: SEP, UNIVERSITAS, TV UNAM, IMCINE, INBA, Gobierno de Yucatán entre otros en las áreas de dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Nos habla esto por fuerza de una creadora sin egoísmos, que explora en sí misma y en los territorios de fuera buscando terreno para alojar la semilla de su arte.

 Entre sus obras más recientes se encuentran: Segiz o la historia del príncipe dormido (Est. Aguascalientes, 2009), Máquina 30000 (Est.Tlaxcala, 2010) Las batallas en el desierto, (Est. México D.F. 2012) De cómo el épico negrito y el valiente monsieur epicé evitaron otra guerra de los pasteles(Est. Puebla, 2012) Tutoriales (Est. México D.F, 2012), Looper (Est, México D.F., 2012) Rojos puntos de vista(Paso de Gato, Antología) y Un teatro Xico (Est, Tlaxcala 2013).

 Verónica es también docente y ha impartido talleres de dramaturgia, presentación de proyectos y escritura creativa, en el programa Arte por todas partes del Instituto de Cultura de la Ciudad de México, PADID, Centro Nacional de las Artes, INBA-ENAT y para IDARTES, Bogotá, Colombia.

 En teatro infantil ha escrito las obras: “El Yeitotol ” (Corunda-Conaculta,colección “el mejor teatro para niños”, CONACULTA- SEP “Hacia un país de lectores”), El viaje de Ulises ( Encuentro Iberoamericano de danza y teatro para niños, Colombia 2013). y  Valentina y la sombra del diablo (Editorial Paso de Gato), esta última ha ganado el Primer lugar del I Festival de teatro de títeres para adultos, Perú (2012) Y Mejor texto dramático, Festival de teatro da Rua, Brasil (2013). Además de múltiples representaciones montada por distintas compañías de teatro en diversos escenarios de la República Mexicana.

 “Valentina y la sombra del diablo” que habla de los secretos que duelen y que no tienen derecho de permanecer como tales, a los que hay que soplarles el polvo del encierro, de lo que lastima, de lo que no debe permanecer en el encierro  ahora bajo la dirección de Verónica, está en una breve temporada en el Foro de las Artes, en el Centro Nacional de las Artes, los días: 4,5, 11 y 12 de Octubre  a las 13:30 Hrs. Entrada General $80 pesos. Hay que verla, apoyar al teatro en México con mensaje, con discurso, con magia y metáfora que salva.

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Originally posted 2014-09-29 10:38:42. Republished by Blog Post Promoter

Ápeiron Teatro en palabras de Monroy

Ápeiron Teatro

Fernando Martínez Monroy es el director y cofundador de Ápeiron Teatro. En esta entrevista nos habla de la compañía, su pasión por lo que hace y nos da su opinión con respecto a la situación actual del teatro en México.

Monroy

¿Qué es Ápeiron Teatro?

 “Una compañía de teatro con 16 años de trayectoria…comenzó como un grupo de estudio, convoqué a los alumnos para ir trabajando fuera de clase. A esas reuniones llegaron 3. Fue a los 3 años que el mismo trabajo sobre las obras nos llevó a la escena Descubrimos que teníamos ya un trabajo en conjunto, una ideología similar y queríamos una compañía

Necesitábamos un nombre…

 Ápeiron es el término con el que Anaximandro nombraba a lo indeterminado. Es la sustancia primigenia de donde surge todo. Está formado de cuatro elementos esenciales (agua, aire, tierra y fuego) y curiosamente, los fundadores éramos uno de cada elemento, según la astrología. Por eso Ápeiron Teatro, los cuatro elementos son los que uniéndose y jugando generan todo lo que hay en el Universo.

 Como Asociación Civil buscamos tener los pies sobre la tierra, pues para que algo ocurra a nivel cultural, uno tiene que constituirse.

Yo te puedo decir lo que yo creo, lo que sé y lo que es….es una estructura que no tiene nada que ver con un proyecto artístico.

 Un proyecto artístico se gesta desde una propia necesidad que es la verdad y una serie de valores. La Asociación Civil es como la parte corporal que conecta el proyecto con una realidad social, económica, cultural, estatal y administrativa. Hay A.C. que funcionan muy bien porque desde su fundación tienen gente con mente administrativa, yo te puedo decir que tenemos mente artística y académica, y no sabemos qué hacer con la A.C. Son dos estructuras muy distintas.

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    ¿TEATRO infantil PARA niños o adultos?

 Nosotros hacemos teatro para todo público, porque (en las obras infantiles) los niños no van solos, van con los adultos. Entonces tengo que hacer una obra para adultos que sea clara y divertida para los niños. No es cierto que sea una obra dirigida sólo para niños, quienes más la disfrutan, son los adultos.

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 Los talleres son parte de nuestra esencia, porque esto empezó con las clases. A partir de su desarrollo es que la materia misma te va llevando a ser probado en escena.

 México es un país privilegiado porque en la universidad está el trabajo de Luisa Josefina Hernandez con la teoría del drama. Yo soy continuador de su trabajo, fui su profesor adjunto y soy el heredero de la cátedra. En resumidas cuentas, habla del teatro no como cosa teórica, sino práctica, pero para llegar a la práctica uno tiene que estar años, y años, y años trabajando, es como tocar un instrumento. El poder comprender lo que se está haciendo, no es de un momento, lleva toda una formación. En la compañía, todos somos de alguna forma maestros, pues los cursos son una manera de COMPROBAR. Las clases son como un laboratorio y la escena es un lugar de comprobación, no van desligadas. Es por eso que todos nosotros somos directores, músicos o actores, pero somos profesores también.

¿Por qué teatro?

 El arte es necesario porque somos seres vivos, pensamos y tenemos espíritu. El arte es una reflexión del espíritu sobre el mundo. Por eso el arte, es necesario para conocerse, es la consecuencia de conocerse.

 Teatro, porque es lo que nos gusta, así de sencillo…uno quiere estar bajo la luz, ver su nombre en el programa, porque todos nosotros somos vanidosos y egocéntricos; pero además de eso, tenemos una necesidad vital muy grande de entender las cosas. Es decir, de entender que todo tiene consecuencias y una vez que uno lo ha entendido, lo ha asumido, lo ha gritado, lo ha llorado, lo ha reído, tenemos el afán de compartirlo con la gente.

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El actor y el público

 Un artista de teatro, es un artista que tiene una relación muy directa y muy intima con un montón de gente a la que no va a conocer. Entonces, se es profesor o se es artista de teatro porque hay una necesidad tremenda de expresar algo que se tiene, hacerse responsable de algo que se tiene que decir y que hacer y  que es necesario compartir con los demás entonces nuestro afán en la compañía es hacer un trabajo serio, un trabajo bien hecho que conmueva a los demás. El teatro es un arte que te conmueve y uno es testigo de esa conmoción, aunque luego no conozca a la gente y no sepa a quién. De repente uno se topa con gente que vio Electra,  y dice, después de eso decidió estudiar teatro.

 Si es una necesidad vanidosa y egocéntrica, pero hay mucha gente vanidosa y egocéntrica que no hace arte, no tiene capacidad de reflexión o búsqueda. Por eso teatro y por eso arte.

¿Por qué ir al teatro?

 Dice Luisa Josefina Hernández en una obra que se llama Zona Templada y es hermana de Las Bodas, “LA GENTE VIENE AL TEATRO A VERNOS VIVIR”.

 Acercarse al teatro es reflexionar, ver desde otro punto de vista nuestra propia vida. El teatro lo que va ha estar adoptando es otra posición. Los géneros de teatro son posiciones, lugares distintos desde donde se está mirando la existencia. Ser creativo implica saber qué se quiere hacer con la vida. así como se es creativo para deprimirse, se es creativo para encontrar veredas y soluciones para estar bien y encontrar la alegría y para motivarse uno y para motivar a los demás.

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 Vivir es difícil porque no sabemos de dónde vinimos, a dónde vamos o para qué existe la vida.

 Entonces una de las cosas que no se puede dejar de hacer, es reflexionar sobre ello. Sobre todo teniendo en cuenta que existen siglos y siglos de autores sabios a los que uno puede aspirar. Cuando uno siente que está conmovido por la obra, está un poco más cerca de Sófocles y de Eurípides, y de Sheakespeare y de Ibsen y de Miller, por eso vale la pena ir al teatro.

Teatro en México hoy en día

 Estamos en un momento de mal teatro, en un momento que se ha institucionalizado el error. A los dramaturgos actuales, muchos de ellos, no todos, están trabajando en una cuestión de vaciarse, de desahogo, no de construcción técnica. Muchas de las obras mexicanas que triunfan en el extranjero y en México y en las escuelas, son obras que en un momento de decencia hubieran pasado por malas obras. En este momento está de moda ser originales y de que cualquiera tiene su derecho a hablar porque tiene boca. Bueno, tener derecho a hablar implica que además de boca tiene  inteligencia y tiene espíritu elevado. Entonces, si todo es teatro, nada termina siendo teatro. Teatro sin acción…si la esencia del teatro es la acción y se la quitamos para ver que sale, estamos jugando a otra cosa.

El traje nuevo del emperador

 Yo pienso muy seriamente que todo lo que está pasando en teatro en México en este momento se parece mucho al cuento de Andersen del Traje Nuevo del Emperador, que todo mundo hace que lo ve para no pasar por estúpido.

 Eso es lo que yo creo del teatro en México.”

“El teatro es divertido, antes que otra cosa el teatro esta para divertir, y si aparte uno puede pensar conmover a los demás empieza a ser un acto generoso y deja de ser ególatra.”

Encuéntralos en Monterrey 319 Col. Roma

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De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.…

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

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Originally posted 2014-08-08 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Día Mundial del Títere en Coyoacán

El pasado domingo, me interné en coyoacán con la intensión de vivir una aventura titiritera…

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Conforme me iba aproximando al centro, podía ver todo tipo de familias en los locales, vecinos disfrutando de un domingo particular. Niños por todos lados, unos tranquilos, algunos llorando, otros tantos con una pequeña marioneta en la mano. Gran diversidad de personajes saltarines de madera: pinochos voladores, orugas viviendo su etapa de mariposa (sin siquiera haberse convertido en crisalida), moviéndose con gran libertad en una frecuencia arrítmica de patrones de vuelo provenientes de la mano de los pequeños infantes.

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 El Quiosco de Coyoacán fue el espacio determinado para celebrar el día mundial del Títere, transformado en un escenario donde sólo los pedazos de trapo más valientes hacen de aquel público tan diverso, su eterno confidente.

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 Tan pronto se cierra el telón, las marionetas intentan lo inimaginable, se infiltran cual dobles agentes entre la jovial audiencia, saludándolos afectuosamente e invitándoles a revivir la dramaturgia de papel maché el próximo domingo. UNIMA (Unión Internacional de la Marioneta) estará presente nuevamente, esta vez se celebrará el Día Mundial del Teatro. Con breves escenificaciónes, abriendo una brecha transdimensional procurando la convivencia de actores tanto de carne y hueso como de tela e hilos reflejando la esencia del teatro en cada ademán, en cada maniobra.

Bazar Artesanal

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 De igual manera, celebran la recién inaugurada Feria Nacional Artesanal con un bazar de gran surtido a lo largo de 23 estados de la república. Infinidad de artesanías propias de las regiones mexicanas y su mosaico cultural se exponen en el Bazar Artesanal Mexicano de Coyoacán. Continuará hasta el 23 de marzo.

El día a día en Coyoacán

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Mimos, músicos y gigantes, algo de cada domingo en esta pintoresca delegación.

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

Originally posted 2014-03-25 15:12:19. Republished by Blog Post Promoter

Sueños rosas, realidades mexicanas

“A los ídolos no hay que tocarlos: se queda el dorado en las manos.”

Gustave Flaubert

Rosa Mexicano, drama original del siempre contrastante Luis Ayhllón (La extinción de los dinosaurios), llega  debutante y flamante a la cartelera mexicana bajo la dirección de Martín Acosta, dispuesta a apoderarse de los fines de semana del Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque hasta noviembre.

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 Aquí hay una propuesta bastante cruda, envolvente, fiera y fuerte. Esta es la historia de una mujer que despierta en la oscuridad del bosque, rodeada de la nocturna atmósfera donde emergen varios personajes con aptitudes fantásticas y mágicas que ponen a prueba la veracidad de la realidad. Ella solo quiere llegar a la ciudad para volver a casa. Al tiempo, la historia de la misma mujer, una adolescente que espera paciente afuera de la más grande televisora del país para conocer a su actor favorito, hasta el día en que conoce a un productor que le promete presentarle al galán en cuestión. ¿Cómo ambas estancias extremas podrán hallar conexión?

 Comenzando por la calidad dramática que el autor propone, dónde las metáforas danzan al ritmo de la fantasía y los hechos de crítica social contemporánea rompen con toda alegoría, esta es una obra cautivadora, estremecedora y hasta tétrica.

 Ayhllón no teme en usar todas las figuras que brotan de su mente para reflejar una cruel panorámica del star system residente en nuestro país, bajo el influjo televisivo. El autor monta situaciones llenas de cotidianeidad que aterran por su esencia al saberse ciertas. La fragilidad de una adolescente siendo tergiversada por una persona con poder que le promete maravillas a cambio de la entrega carnal; La tragedia deviene y frente a esto la mente exige formar otra historia que satisfaga más sus necesidades, aunque ya sea vano cualquier ejercicio para borrar los hechos.

 Para fortuna del producto, Martín Acosta entiende a la perfección la narración del autor, que se construye por  partes sin unión constante y las va poniendo sobre la mesa a un ritmo creciente y con tiento. Acosta encierra en una habitación  con muchas puertas a la soñadora y al sueño color rosa, intenso, rosa mexicano vaya. Es la misma tonalidad de la ensoñación la que indica que el viaje será encendido, cargado de emociones violentas y pasionales que se presentan ante el espectador con enigmas incomprensibles, los cuales al armarse en total develan una situación que deja caer la quijada en un silencio sepulcral.

 La puesta se antoja compleja e inteligente, resultando ambas al final. Empero, no hay insinuaciones pretenciosas para decirle al público que necesita una capacidad de análisis ejercitada para llevarle el paso a la acción, al contrario, el director cuida los balances para permitirle al respetable apreciar cada detalle y gozarlo. Enmarca los giros en la trama tensando más el arco dramático y libera tensiones con  solidez inmediata.

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 Un discurso que exige dejar de dar validez a los falsos iconos, notar la corrupción y confrontar la integridad tanto de la ética como de la moral, teniendo raciocinio sobre los grupos vulnerables, apoyando una formación crítica que forje individuos, no blancos de tiro.

 Precisamente lo anterior engloba la importancia de este montaje. Vivimos una actualidad tan violenta que se ha vuelto costumbre para cualquier nivel social. No es permisible tachar como usual un atropello humanitario. Así este título se suma a otras producciones tan exponenciales como Medea Material en pos de encender antorcha, al menos dentro de cada mente.

 Rodrigo Virago, Francisco Cardoso y la siempre genial Aída López acompañan a Gimena Gómez como la protagonista de esta historia. Un elenco homogéneo, dónde cada actor luce en el rango que se le delimita, permitiendo además que Gómez se alce con una interpretación precisa y enternecedora, tan emblemática sin duda para su carrera como su Dora en Feliz Nuevo Siglo Doktor Freud.

 No se puede ver solo una vez este montaje, es un producto que se tarda en digerir y necesita bastante atención. Hay  influencias de A Través De El Espejo, Mullholland Drive y hasta Dancer In The Dark, pero lo impactante, es la influencia de la contemporaneidad mexicana. Imperdible.

Originally posted 2014-10-11 01:35:49. Republished by Blog Post Promoter

De lo tóxico y la familia en convergencia indefinida

“La gente te inspira o te desangra, elige sabiamente”

HANS F. HANSEN

Una mujer, esposa y madre de familia, ha sido víctima de una especie de ataque terrorista suscitado dentro de un autobús; no se sabe con certeza que ha pasado pero ella siente cómo su cuerpo ha recibido el impacto de una toxina que la va deteriorando tras haber notado a un individuo de piel oscura sospechoso a bordo de la unidad móvil en la que viajaba; mientras quita de ella cualquier voluntad para seguir adelante. Sus hijos han vuelto a casa luego del suceso, su esposo toma de su mano a cada instante. El camino comienza para afrontar los hechos o sumirse en el traumatismo.

 Foro Lucerna abre su siempre cálida puerta a Tóxico, de Greg MacArthur, dirigida por Hugo Arrevillaga Serrano, para permitir la exploración de una historia que se construye a través de la percepción individual sobre un suceso posible a resolverse en terrorismo, histeria, paranoia racial, esquizofrenia o sencillos infortunios sumados en la realidad de una familia chocando ante la vulnerabilidad.

 Aplicable a una sociedad actual que se trabaja dentro y a partir de la incertidumbre en todos los aspectos que la componen, la aparición de esta pieza resulta valiosa para dar un espejo  la desesperación colectiva que pueda mostrar la crudeza de la propagación de la negatividad.

 El relato de McArthur devela  los límites de la percepción psicológica hacia lo que acontece en el mundo exterior, partiendo del quiebre del pilar del modelo familiar tradicional. Al deshabilitar y deteriorar a la madre la familia, esta última entra en una reacción natural de protegerle, sin embargo ¿Qué aspectos aborda la posición natural cuando el esquema de avance se estanca iniciando el retroceso?

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 La dramaturgia amplía el reto de la percepción de la realidad hacia la necesidad de resolver los verdaderos valores que conforman al estado egoísta en el ser humano, cómo este se logra diferenciar de la asimilación, del  avance. Al presentar al cuadro de personajes que acompañarán a la mujer sobre  las asperezas del momento, el autor brinda a cada uno la individualidad dentro de un círculo que aparentemente debe ser homogéneo. El conflicto existe, pero más que reunirse para tratarlo habrá quien, sin darse cuenta, se envuelva con él o busque  la puerta de salida para respirar.

 Valorando íntegramente el discurso del dramaturgo, Humberto Pérez Mortera traduce el texto con cuidado de hacer totalmente asimilable el lenguaje sin perder el contexto de los traumatismos sociales producidos tras aparatosos incidentes terroristas en el mundo, de entre los cuales destacan notablemente como influencias, la caída del World Trade Center en EUA y los atentados del 11-M.

 Trasladando la necesidad del autor por tratar la propagación de los sentimientos tóxicos entre las personas, Hugo Arrevillaga acerca a la obra dentro de un tono realista que apunta con precisión las palabras clave para entender no solo las cualidades y psicología de los elementos a juego, sino también aquello que no se está diciendo.

 Lo último descrito se alcanza en primera vía mediante la  idealización del espacio. La dirección toma el concepto de la mesa familiar como eje para narrar las formas en la que cada integrante de conduce. Este código bellamente planeado y coreografiado aporta las imágenes más crudas  igual que potentes de la puesta a partir de la simpleza resolutiva en escenografía (de Auda Caraza y Atenea Sánchez) para lucir el acompañamiento de la palabra.

 Es aquí donde uno comprende la importancia que conlleva el legado de Arrevillaga, el director no solo se aleja una vez más de la línea melodramática para presentar un concepto mayormente crudo, de una factura difícil al espectador pues no conlleva amabilidad para tratar las dificultades eventuales de la historia (Aquí y ahora, Antes Te Gustaba La Lluvia, Clausura Del Amor). Esta capacidad de dar vida a los textos que maneja de una forma estética, orgánica, honesta y directa es la verdadera característica que podría hacer a alguien aseverar que la manufactura viene de Hugo Arrevillaga, no su complicidad a autores específicos.

 A nivel de iluminación la obra destaca por generar espacios definidos y con sustancia a través de movimientos claros y ligeros, que avanzan junto al buen ritmo planeado, amalgamando la circularidad que la puesta alcanza en sí misma.

 Dentro de el cuerpo actoral, Gabriela Murray logra un trabajo muy bien construído para externar la rabia, desesperación, molestia e incertidumbre que Elena, la madre afectada, sufre. La interpretación captura la fragilidad necesaria como autodefensa incrementando a la par el dañino sistema de creencias que la va convenciendo de estar envenenada. Aquí hay una mujer afectada y este es solo el primer cuadro. Uno puede convertirse en su propio veneno, Murray proyecta con suma posición dicha sentencia.

 Para dar soporte a la actriz, Víctor Huggo Martín edifica al personaje del esposo como un punto de inflexión en medio del caos. El desenvolvimiento del actor permite apreciar la auténtica destrucción mental que provoca estar en contacto con una problemática de manera directa. María Gelia Crespo apoya a la trama con 3 actuaciones fuertes y de sustento valioso. Ana González Bello da una grata actuación, mientras que Andrés Torres Orozco simplemente transporta a su personaje en Sedientos de obra, he aquí el único detalle de dirección-cast.

 Tóxico representa una de las propuestas más valiosas de la cartelera actual. Un llamado a la fuerza interior y a la individualidad aceptada dentro de un núcleo compartido, asegurando desde la taquilla su valor monetario.

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Originally posted 2015-04-01 08:50:50. Republished by Blog Post Promoter

Madre Coraje y sus Hijos al estilo revolucionario

Si eres amante del teatro y aún no has ido a ver Madre Coraje y sus Hijos de Bertolt Brecht, aún tienes una semana para asistir al Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario y disfrutar de una magnifica puesta en escena.

Foto de: jornada.unam.mx
Foto de: jornada.unam.mx

Bajo la dirección de Iona Weissberg y Aline De la Cruz, la famosa obra berlinesa de 1949 llega a México para retratar una época llena de conflictos sociales: la Revolución Mexicana. En esta versión, “Madre Coraje” cría y mantiene a sus tres hijos dentro de un régimen priista que, aunque no lo parezca, le ayuda, pues de otra manera no podría llevar a cabo su negocio.

 El elenco artístico está conformado por Alejandra Ley, Rodrigo Murray, Artús Chávez, Eugenio Bartilotti, Alondra Hidalgo, Emmanuel Cortés, Lorena Martínez, Alberto Carlos López, Larissa Urbina, Joana Camacho y Omar Saavedra.

 Para la musicalización, a partir de las partituras de Paul Dessau se compusieron corridos, rancheras y chotises, entre otros.

 Recuerda que tienes hasta el 7 de diciembre para poder asistir al CCU (Insurgentes Sur 3000) en los siguientes horarios: jueves, viernes y sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas.

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 El costo, de viernes, sábado y domingo es de $150 *50% de descuento a estudiantes con credencial vigente, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS Jueves de teatro: $30 al público en general sin ningún tipo de credencial.

Originally posted 2014-11-28 12:41:56. Republished by Blog Post Promoter

DRAMATURGIA DE BATALLAS PERDIDAS

“Si fuera un copo de nieve, por lo menos tu y mamá se detendrían a ver mi caída”

“Si fuera un copo de nieve, por lo menos tu y mamá se detendrían a ver mi caída”

 

 

 Tendríamos que reconsiderar y reivindicar las posturas por demás necesarias del arte. La dramaturgia tiene ya varias batallas perdidas ante la indiferencia de un público consumidor, es un oficio por demás olvidado y con  “por demás” nos referimos a: por muchos ni siquiera conocido, y eso que es antiquísimo. Es este el modo de vida de algunos de los talentosos artistas dedicados al teatro. Según la Real Academia Española: la dramaturgia es la Concepción escénica para la representación de un texto dramático. Es, en realidad, siguiendo modos tradicionales, de donde surge la concepción primera: El dar a luz al fenómeno dramático, el lugar en que los demonios convergen y susurran al oído del dramaturgo la historia, el fin, el pacto. El lugar en que todo nace. Después el texto se someterá a otros hierros, que por hoy no abordaremos.

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 Es necesario a la par reconsiderar a sus hacedores. Luis Santillán es un dramaturgo mexicano conocido sólo entre los creadores de teatro y alguno que otro fugado de la sociedad, y es aquí donde la vergüenza debiera amodorrarse. Son ellos, los hacedores, los que debieran ganar terreno en el fenómeno social y no actrices de Telenovelas ni los productores de televisoras, son batallas perdidas, sin moralismos.

 Los dramaturgos viven, no del mejor modo, de colarse por los resquicios del arte a partir del escrito. Santillán es ganador del Premio: Primer Concurso de Dramaturgia Pasión por el Teatro UAM-Xochimilco 2004- con la obra La historia ridícula del oso polar que se quedo encerrado en el baño del restaurante, el mismo año fue Finalista del Cuarto Concurso Palabra de Teatro con la obra Reflejos, entre otros premios.

 Tal vez lo más atípico de Luis Santillán será que tiene un lado femenino por demás desarrollado, que es en realidad, el mismo que lo ha llevado a escribir textos sólo con, y para, personajes femeninos. Es, incluso, a la vista un personaje femenino por sí mismo. Nos habla todo su ser a través del estilo, de una sensibilidad portentosa para entender y descifrar, por ejemplo, lados humanos de personajes de la historia que hasta hoy han sido deshumanizados sólo para ser colocados en extremos artificiosos. Léase: Malintzin (mención honorífica del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera, 2008) o Juana de Arco en Abdicación; lo mismo delinea con precisión problemas de disfuncionalidad que terminan en la fractura del hilo de la vida de una niña Autopsia a un copo de nieve (Premio nacional de dramaturgia INBA- Baja California 2005) que como funámbulo va por el hilo de una vida que se desmorona y como un sino, dejará tras ella el vacío Polvo de hadas (finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo).

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 Luis Santillán no es sólo un dramaturgo escribiendo problemáticas que aquejan a la sociedad hoy día; es capaz de hallar lados humanos sensitivos que fungen de hilo conductor entre las emociones humanas del espectador-lector y las de los personajes. Vale la pena prestar los sentidos a los resultados finales de su dramaturgia y a la dramaturgia en sí misma de un personaje fresco, innovador y sensible al servicio del arte.

 Puedes conocer su  dramaturgia en la obra De batallas perdidas  a estrenarse en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico, del 30 de Junio al 10 de septiembre del 2014, miércoles 20:30. Hrs. $ 150

Puedes consultar sus obras en:

http://espanol.dramaturgiamexicana.com/index.php/profile/574-luis-santillan

Originally posted 2014-07-21 11:05:27. Republished by Blog Post Promoter

¿Cuándo es aquí? ¿Estamos ahora?

“Algunos están dispuestos a
cualquier cosa, menos a vivir aquí y ahora.” 
John Lennon

Se abre un nuevo foro teatral en esta ciudad, ubicado en la calle de Lucerna, el Foro Lucerna, es un espacio acondicionado dentro del complejo formado por el Teatro Milán, el mencionado foro y el Liceo Milán Lucerna. Propiedad de los actores (y teatreros en general) Mariana Garza y Pablo Perroni, encontramos un grato espacio para el desarrollo del teatro de cámara. Para inaugurar este espacio, la puesta elegida es Aquí y ahora. SONY DSC

 La historia ubica a una pareja que se acaba de mudar a su nuevo departamento hace apenas 6 meses, tiempo en el que sus vecinos de enfrente estuvieron en un viaje bastante prolongado. Alicia y Benito (la pareja) habrían sufrido una gran pérdida justo al mudarse y lo que más desean es recuperar la tranquilidad en sus ritmos de vida. Cuando un día los vecinos de enfrente, los Izquierdo,  deciden ir  a visitarlos para conocerse mejor, poco a poco la situación se irá tornando entre densa y familiar, será como si lentamente invadieran sus vidas, hasta ponerlos a cuestionar si sus vidas son realmente las que estaban viviendo.

 Original de Catherine-Anne Toupin, traducida por Humberto Pérez Mortera, quien curiosamente es uno de los traductores de cabecera del director: Hugo Arrevillaga, este thriller es simplemente sensacional. Planteando desde el primer momento un aura de irrealidad danzante entre las situaciones, encontramos un discurso que nos habla acerca de la perversidad existencialista que se oculta tras la moral, tras el buen decir y el bien obrar, las decisiones, las costumbres, la verdad.

 Alicia y Benito serán los conectores para mostrar una imagen confusa, fuerte y directa. El texto comienza situándonos en un espacio y tiempo, para consecuentemente llevarnos por una pendiente en la que comenzamos a dudar de lo que acontece, es decir, vemos que está pasando pero ¿Está pasando?, o será simplemente una muestra de lo que a los personajes les gustaría que pasara.

 Los Izquierdo son una familia poco ortodoxa, conformada por Julieta y Gil, matrimonio de una edad ya avanzada, que viven en compañía a su hijo de 35 años Francisco. Cuando Julieta invade el apartamento de Alicia junto a Francisco, una frase retumba en la conversación, “Estarías muy bien aquí”, dice Julieta a su hijo, frente a la estupefacta impresión de Alicia que no entiende la referencia de la frase. Es así como Arrevillaga comienza a armar un rompecabezas propuesto por la autora, dónde las situaciones del presente están llenas de detalles que causarán una reacción directa al futuro y los verdaderos deseos serán la llave para desencadenar la ubicación de los seres.

 Arrevillaga logra implementar un ritmo ágil, con ya clásicos acentos de su dirección, como el señalar gráficamente el paso de las escenas para guiar notoriamente al espectador(En Estrellas por ejemplo, los personajes van mencionando en que escena van, aquí se proyecta el número de  la misma, como hace en Antes Te Gustaba La Lluvia) y el uso de un lenguaje bastante franco y directo, que va redondeando el conjunto en el que ubica a sus personajes, los cuales son delineados a mano, con detalles específicos, ademanes, movimientos de voz y psicologías complicadas. 

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 El espacio en el que ocurre la acción será  el departamento de la pareja, una escenografía bastante simple, funcional y conceptual de Auda Carraza & Atenea Sánchez, que se une a la perfección al buen diseño de vestuario de Jerildy Bosch. El director juega con su espacio cual si fuese una partida  de ajedrez, donde las blancas serán la pareja, y serán acorraladas poco a poco por las negras, moviéndose con inteligencia por el tablero, sin desaprovechar el espacio, poniendo atención minuciosa a la iluminación y los efectos de la misma y orquestando con suma delicadeza la inclusión de la música (la cual es una selección bastante adecuada); Así el público es testigo de este perverso juego mental.

 El elenco es simplemente una delicia, de las que pocas veces ocurren. Empatados totalmente en el tono necesario (y calibre actoral para llevar con maestría un drama construido en el suspenso, con un pesado humor en sus cimientos), Mariana Garza, Pablo Perroni, Concepción Márquez, Marco Antonio Silva y Antón Araiza dan vida a la puesta, ofreciendo una auténtica batalla de honestas y seductoras actuaciones, de la cual es muy difícil escoger a un ganador.

 Tensión, divertimento, impacto, catarsis, reflexión. Todo esto y más logra provocar el viajar con el titán teatral que es Aquí y ahora. Es inevitable pensar en cómo este equipo podría dar vida a más y más textos, de una manera tan interesante como lo hacen en esta ocasión;  por ejemplo, Agosto: Condado de Osage, Las 33 Variaciones o El Testamento de Mary. Amén por lo que venga Milán-Lucerna.

 

 

Originally posted 2014-04-14 01:00:29. Republished by Blog Post Promoter

Bienaventuradas las sombrillas, pues resguardarán al amor verdadero

¡Ay la cotidianidad de la vida!, al despertar nos topamos con diversas posturas ofuscadas a tratar de confrontar nuestra existencia golpe a golpe: un espejo, de frente a alguna prenda que ya no nos queda, dado el crecimiento de nuestra masa grasa corporal quizás y que ridículamente trata de abrirse paso entre la carne para verse fallida al final. Sumemos el descubrir una cana más en nuestro cabello, la ingrata se asoma a la vista de los ojos enmarcados en bolsas que más bien son del supermercado y cargan la despensa de un mes. Con desánimo nos damos cuenta de la ausencia de nuestra jovial actitud y caminamos a la puerta con decisión mezclado con desánimo, para afrontar un día más.

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 En víspera del año nuevo una lluvia torrencial cae sobre las calles de la ciudad. Un hombre espera en la esquina bajo un paraguas grande, una mujer baja apresurada de un taxi con una sombrilla pequeña solo para descubrir que ha olvidado sus pertenencias en el vehículo que se aleja. Él le ofrece intercambiar sombrillas, pero ella se niega, fría y violenta en su discurso. Al final accede, tras un rato ella lo acepta de acompañante a la cena familiar junto a su religiosa tía y su anoréxica hermana. Ella es Marissa, él es Sergio y tal vez realmente no estaban tan solos.

 La Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque presenta  una comedia deliciosa para reír de principio a fin sin dejar de reflexionar a cada momento. Santificarás las fiestas de  Conchi León, dirigida por Boris Schoemann aparece como una solución eficaz al divertimento, empero de una proposición de análisis a las relaciones humanas fuera del estereotipo familiar. Dentro del marco de una familia disfuncional la historia se desarrolla con detenimiento y agilidad.

 Para configurar la estructura de esta obra, la autora navega entre los efectos de la perdida para exprimir los tintes cómicos que pueda ofrecer. Marissa, su hermana Otilia y su Tía Felisa han perdido un año atrás a la madre de las muchachas, suicidio. El espíritu de su madre ronda la casa, toma asiento en la mesa, platica con la tía, pero aun así está ausente para sus hijas. Tres personajes que cargan problemas anímicos fuertes pero deciden esconder sus dolencias bajo una careta de autonomía que reacciona violenta al contacto. Tres tristes tigres tragaban trigo en el trigal, pero aquí solo observan el trigal y se guardan el hambre.

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 La tía aparece en la vida de las sobrinas para unir su soledad a la de ellas en espera de sentirse acompañada de un imaginario calor familiar, Marissa vive con la pesadez de ser ella misma refugiándose en la comida tras una decepción amorosa, Otilia busca sacar el miedo de su sistema sacándose la comida en el esfuerzo. Ninguna quiere caer en el fondo que llevó a la muerte a la desaparecida madre, pero al unirse se esfuerzan sin querer en empujarse mutuamente a tal extremo. De pronto un extraño propone admirar dicho cuadro en vez de reprocharlo, sacar sus virtudes y hasta aprender de ellas ¿Cuál desesperante o  encantador sería que alguien amara nuestros enormes defectos a primera impresión?

 León escribe en contra del convencionalismo, busca romper el esquema familiar y la rutina de las celebraciones decembrinas con un trago amargo que  posee un humor muy negro. No teme en brindarle a sus personajes rasgos delicados o un lenguaje soez, conoce muy bien la expresividad que esto proyectará y aprovecha cada palmo. Sirve una mesa con un banquete posiblemente suculento, del cual nadie come o bebe porque no hay sentido en el acto, el mismo es obsoleto, el festín es precario y perverso desde la mira objetiva pues la reunión ha dejado de tener un valor. Convoca a la carcajada plena pero con la reflexión de por medio.

 La dirección de Boris Schoemann aparece para complementar el pensamiento, situando a estos seres entre el sentimentalismo y un recoveco de soledad. Schoemann comprende las necesidades del diálogo agresivo e instala un tono de tal calibre en una familia que debiera ser cariñosa, pero no puede fingir o celebrar una partida. A pesar de esto se les propone afrontar la tormenta debajo de un paraguas, para poder avanzar bajo el agua, unidos, protegidos. No propone víctimas ni victimarios, sino la esperanza a sobrevivir.

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 Para despedir al año viejo  y tratar de comenzar una vez más, Schoemann convoca a la propia Conchi a darle vida al papel principal, exquisita en su interpretación, siendo dura y frágil al mismo tiempo logra cautivar y ser entrañable. Paloma Woolrich se torna en un elemento de fuga para la tensión ser la tía católica, entre ocurrencias y momentos de total debilidad la actriz se entiende altamente necesaria.

 Mariana Hartasánchez como la nefasta hermana provoca sentir compasión, enojo y frustración por dicho personaje, es esa persona tóxica con la cual no puedes vivir pero tampoco puedes dejar de vivir sin. Finalmente Alfonso Cárcamo aparece como Sergio, el nuevo “novio” de Marissa, y audiencia del embrollo familiar, siendo genial con sus intenciones y tonos. Este elenco se siente sólido, con una química eminente. La transformación de todos en la familia que recibe a un extraño o el extraño que experimenta la sensación e una familia es grata, genial y altamente disfrutable.

 No cualquier elenco puede sentarse a agredirse verbalmente y hacer reír al público sin hacerlo sentir incómodo o ajeno a los sentimientos que portan las palabras; Al contrario, tocan al espectador y transmiten la intención del título mismo en valorar una celebración por el concepto mismo o por la simple valía que lleva escuchar y apreciar la existencia de alguien más sentado a la mesa, sea o no de forma física. Santificarás las fiestas es inteligente, sensible y bella.

 No es malo permitirse experimentar una compañía que nos enseñe a valorarnos, lo malo sería no permitírselo. Así como no llenar la Villaurrutia con esta imperdible puesta.

Originally posted 2014-09-18 19:45:05. Republished by Blog Post Promoter

De Flores y Cerdos: Henry Miller y Anaïs Nin

¿Qué tienen en común los escritores Henry Miller y Anaïs Nin?

 Podríamos decir, fácilmente y en primer lugar, que sus textos formaron las bases de toda una generación que luchó abiertamente contra el puritanismo en la mayoría de los países occidentales con la llamada “Revolución Sexual” desde los años 50’s hasta nuestra actualidad.  También se puede hacer una relación entre sus estilos narrativos que conjugan, casi en su totalidad, un erotismo manchado de perversiones transgresoras…Pero con estos dos escritores, cualquier aproximación puramente literaria parece siempre quedarse corta, ya que justamente ambos se relacionarían de manera personal, rayando en lo excepcional y casi abrupto, que ocasionó una etapa precisa en sus vidas y que más tarde el mundo tendría libre acceso a la intimidad que plasmarían en papel.

Miller y Nin

 Curiosamente, tanto Miller que siempre se catalogó como autobiográfico en la mayoría de sus obras, y Nin, que obtuvo su éxito básicamente con los diarios personales donde relataba su vida, ambos escritores consagraron su lugar entre la historia, gracias a la realidad de sus pasiones que no tenían cabida sólo en su imaginación.

 Se encontraron por allá de los años 30´s donde su relación pasó de ser puramente profesional, a constatar un triángulo amoroso que protagonizaba a Nin como la amante, entre el matrimonio de Miller y June. (Véase el primer volumen de las versiones sin censura de los diarios de Anaïs Nin: Henry, su mujer y yo).

 Así, ambos escritores se formarían a través de las excéntricas realidades con las que se caracterizaban sus vidas. Y lo harían de tal forma que la mayoría de sus obras, en el caso de Miller, serían tachadas de obscenas, pujantes y hasta pornográficas.

 En este contexto surge la puesta en escena de la compañía Teatro del Vacío llamada De Flores y Cerdos, que es una versión libre de Luis Rodríguez Leal sobre los textos de estos dos autores.

 “Mediante una imaginaria terapia de grupo llevamos al escenario la voz y la narrativa de dos extraordinarios escritores de amplio reconocimiento, Henry Miller y Anaïs Nin, caracterizados por su poder de transgresión, su beligerante erotismo y su capacidad para el escándalo”

de flores y cerdos

 De Flores y Cerdos es dirigida por Alejandro Ainslie quien estudió Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.  Y  que posteriormente tomó seminarios de Dirección con Héctor Mendoza y Ludwik Margules. Es director de escena en teatro y en televisión, actor, iluminador, adaptador y traductor.

 El elenco lo conforman Susana Ugalde y Luis Rodríguez Leal; la música original es de Vladimir Sagaydo, interpretada en vivo por él mismo y Alejandro M. Xolalpa; y la escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez.

 “Pretendemos presentar una lectura contemporánea de esos textos ya clásicos. Una lectura no exenta de ironía, que subraye el carácter lúdico. Por eso, proponemos crear un teatro dentro del teatro, para subrayar el carácter ‘de espectáculo del sexo’ que tiene la obra de estos autores. La idea es presentar una concepción teatralizada del mundo de la sexualidad a través de los textos y relatos de estos autores. Crear un pequeño circo de la sexualidad, donde las osadas aventuras del Henry y la Anaïs de la leyenda se conviertan en materia de reflexión”, comentó Luis Rodríguez Leal en entrevista para Bellas Artes.

 La obra se estará presentando hasta el 25 de Mayo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural Del Bosque. Con funciones los jueves y viernes a las 20:00 hrs. Los sábados a las 19:00 hrs. Y los domingos a las 18:00 hrs. Aquí la cartelera

 Ésta puesta en escena sirve como una especie de introducción hacia la literatura de ambos autores, y aunque funciona de manera superficial, logra aproximar al espectador a un interés por las historias que se cuentan a manera de terapia de grupo, y que exponen “el terreno minado de las fantasías sexuales y sentimentales de hombres y mujeres” en la actualidad.

Originally posted 2014-05-12 00:00:03. Republished by Blog Post Promoter

La nostalgia del tiempo en Austria

El matrimonio es una barca que lleva a dos personas por un mar tormentoso; si uno de los dos hace algún movimiento brusco, la barca se hunde. Leon Tolstoi

El arte, la escenografía, la vestimenta. Al sonar del primer beat, temí empezar a sumergirme en una puesta pretenciosa de aire indie y maliciosa. Afortunadamente, Heimweh Estaciones, en el Teatro La Capilla no fue así.

 Sol es mexicana, Jakob austriaco, son un matrimonio joven que ha intentado vivir en varios lugares y ahora se han estacionado en el país natal de él, dónde la economía fluye (al menos para él) y son felices. Pero Sol ha comenzado a sentirse ajena a ella misma, las cosas no marchan para ella ni para bien ni para mal, solo no lo hacen, se quedan atascadas en un sitio temporal indefinido dónde sus emociones la orillan a la creencia de que tal vez esta aventura no fue la mejor idea, si bien encontró en Jakob un cómplice y además quiso ver en él a la pareja para compartir y disfrutar del resto de sus días, ahora parece una idea romántica sumergida en las costumbres de un país más liberal al natal y más frio que el mismo.

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 Del invierno al otoño, la autora Myriam Orva expone un poderoso discurso de la soledad en la pareja y la imposibilidad de lograr una al querer ser la alianza de dos seres que no están del todo completos consigo mismos. Orva deconstruye el idilio amoroso y lo somete a la rutina de lo absurdo y el silencio. Si bien logra condensar un espectro dramático que construye seres enteramente humanos y con la capacidad de comunicación nata, al tiempo marca la inestabilidad que representan las barreras comunicacionales, deja al lado el lenguaje para juzgar la proxémica, los tonos, las posturas y la intensidad en la pareja al compás del transcurrir de las estaciones del año.

 Los personajes podrían llegar a lucir frívolos consigo mismos, podríamos pensar que Sol es injusta al no sentirse plena frente al hombre que se entrega en cuerpo y alma a ella, pero podríamos pensar que Jakob es un desalmado que no quiere lo suficiente a su mujer para entender que no es plena en el espacio y tiempo que está viviendo. Al final, la dirección de Isael Almanza levanta la postura del acto de amar como una experiencia intransferible que depende  de muchos factores para surgir en común. Ambos seres se aman, se unen y al mismo tiempo se separan cada vez más estando en la misma casa, la misma habitación o compartiendo el mismo diálogo, simplemente habitan un espacio pero no habitan sus propios cuerpos, necesitan de ese impulso que solo les podría dar el encontrarse a sí mismos.

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 Almanza delimita a sus actores y propone reconstruir los momentos clave de la historia de la pareja que crea Orva con la firme misión de ser sincero. Para ello, la escenografía de Anabel Altamirano propone resolver con plataformas de embalaje y un armatoste plástico reflector la sensación de existencia y al mismo tiempo ausencia en el conjunto general,  hay vacios en el espacio tal cual como en los personajes y su intento de compenetrar y justamente ambos tratan de resolver esta desdicha a partir de elementos materiales: una maceta se desdoblará a una propuesta, una mantel será la despedida y un automóvil una apertura. Interesante, estética, logra ser ligera y aprovechar los espacios de manera útil, sin embargo roba foco en momentos.

 Esta es una puesta en escena circular, dónde los personajes inician buscando encontrarse en la misma dirección sin algún éxito y concluyen en la misma situación. Confronta el papel de la tecnología como un aislante más que como un vaso comunicante. Podríamos decir que incluso es una obra rosa, pero lleva delicadamente el sentido reflexivo, haciendo imposible el no percibir la franqueza de las situaciones y la volatilidad a la que se amarra la condición humana cuando se juzgan sus fundamentos, apoyándose en una coreografía enérgica y contenida.

 Paulina Sabugal y Gonzalo Guzmán dan vida a la obra, si bien son buenas actuaciones, se sienten muy medidas, pareciera que el director les hubiese pedido quedarse en la zona de confort y no buscar zonas de riesgo que conecten aún más con la audiencia. No obstante, son efectivas y disfrutables, sin embargo, es inevitable tratar de imaginar la misma obra con un elenco más maduro que precisamente de el extra de energía necesario, como Pedro de Tavira y Karina Díaz o tal vez Marina de Tavira. Insisto, no son comparaciones negativas, sino un ejemplo en pro de exaltar el talento de los actores que ya están arriba del escenario y que pueden (en verdad) lograr creaciones enternecedoras.

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 La iluminación jugará el negrito en el arroz, la dirección busca atreverse a delimitar espacios y recrear sin tanta necesidad de un juego, pero se siente perdida a ratos, y deja necesidades de verla interactuar más con la selección musical fría y directa.

 Heimweh Estaciones es pensar en uno para no hacerle mal al otro, pero primero, para no serle infiel a sí mismo. Un ensayo sobre la imposibilidad de responder a un sentimiento que no se siente pleno de expresarse. Una propuesta valiosa y que necesita ser vista.

Originally posted 2014-05-21 00:00:23. Republished by Blog Post Promoter

En la ceniza, el ideal se cae: Madre Coraje y sus hijos en escena nacional

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“No dejaré que me hablen mal de la guerra.

Dicen que destruye a los débiles,

pero ésos revientan también en la paz.

Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos“

Madre coraje y sus hijos –obra original de Bertolt Brecht –, deambulan entre las cenizas y el dolor que fue dejando la guerra, situación que conjuga la mezcla de frustración y agonía hacia ella misma, hacia sus propios ideales.

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Crédito:Arte y cultura.com

 Destruye su esperanza, haciendo un negocio que parecería altamente beneficioso para su necesidad, pero que a la larga, le cobraría con creces sus malas decisiones y acciones. La gran consecuencia de su abandono ante sí misma, radicó en el perturbador hecho de perder a sus tres hijos… secuela que la dejó más sola de lo que ya se sentía.

 El vacío no le permite seguir con su “ideal” y trata de huir, siguiendo el mismo camino que se impuso a la hora de vacilar; entre el sí y el no.

 Entre los niveles de desasosiego y perturbación, Madre Coraje ya no encuentra sentido a nada, ni siquiera a su vínculo de sobrevivencia; corrompe su delirio con su desconocimiento total hacia su situación. Nada, absolutamente nada parece afectarle a esa mujer aguerrida, dura, tenaz y fuerte que no se desmaya con el sonido de la revolución en su cara; todo estaba perdido, pudo más la codicia que la lucha.

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Crédito:Danludens.com

 La adaptación nacional –dirigida por Iona Weissberg y Aline de la Cruz– , trata como contexto histórico la Revolución mexicana en aras de reflejar la situación de pertenencia que tiene el mexicano con sus respectivas formas de exigencia y de lucha.

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Crédito: Angular en línea

 Una obra que retrata la neurosis de un contexto social turbio y siniestro, la yuxtaposición de intereses, la ambivalencia para ver la vida y sobre todo; la inequidad hacia si mismo.

 Las funciones se estarán presentando en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón; los días Jueves , Viernes y Sábados a las 19:00 hrs. La entrada general tiene un costo de $150.00, otorgando descuento con credencial a maestros de la UNAM,entre otros. Los días Jueves ,  el costo de la entrada en general, será de $30.00.

Originally posted 2014-09-19 10:07:42. Republished by Blog Post Promoter

Destrucción con olor a tomate

Cuando quedas atrapado en la destrucción, debes abrir una puerta a la creación.
Anais Nin

Ocurre que los jueves, el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, alberga a Taladro, montaje escrito y dirigido por José Alberto Gallardo. Sucede también que el simple nombre es inquietante, motiva y deja la semilla de las ganas (o necesidad) de encontrarle el sentido, es una palabra fuerte que implica la construcción de la destrucción, aquí entra la duda, ¿Qué representa este artefacto?

Damián Cordero
Damián Cordero

 La puesta es un cuadro presencial y físico que rompe de tajo con la cuarta pared. A través del análisis de la presencia radiofónica, un locutor transmitirá un programa de radio que entona ritmos de música experimental, acompañada con la narración del hombre acerca de como fracasó su última relación, con la que será la mujer que más ha amado. Las posturas de ambos aparecerán, para permitir a la audiencia hilar y dar lectura con diferentes perspectivas a la historia. ¿Quién derrumbó la unión?

 Él es un muro aparentemente sólido, pero que presenta cuarteaduras profundas. Ella es la imagen en movimiento, que ejecuta una danza violenta para acabar con los nexos que los sujetan a los fantasmas del pasado. Mediante una coreografía (de Dionisia Fandiño & Adriana Butoi) llena de fuerza, rabia y desgastante delicadeza, la mujer se construye en un eje que oscila entre la realidad y la fantasía, sin derogar sus complicaciones existenciales a otro espacio y tiempo que no sea el presente.

 Gallardo crea una historia que recurre a diversos elementos para transmitirnos la imagen de lo efímero que es el amor. La violencia, la impotencia, la frustración ante la falta de respuesta por parte del otro, son entre otros los factores que desatarán el caos entre la pareja protagonista. No sólo el hombre trata de suprimir sus recuerdos y de alzar la voz para cubrir la presencia de los argumentos en su contra, sino que el caos se torna audiovisual, los dos manejan discursos independientes en su expresión corporal y vocal. Una pareja que se desdobla en 4 elementos en conjunto. Es por demás intrigante.

 Conforme la trama se desarrolla, la música nos sumerge en una atmósfera perfecta para orquestar una demolición interior, los asistentes somos partícipes de una catarsis contra la autoviolación de la integridad humana. Veremos el otoño de un romance que busca desesperadamente recuperar los fragmentos de la estabilidad que algún día pudieron compartir, en la comida  por ejemplo y se consumió en los silencios y las ausencias.

Adriana Butoi
Adriana Butoi

 Las actuaciones van a cargo de Damián Cordero y Adriana Butoi. Ambos realizan un muy buen trabajo dando vida a este desorden que se cocina en salsa de tomate. La limpieza coreográfica que manejan es sumamente valiosa, así como la carga interpretativa, que aunque en momentos (por exigencia de libreto tal vez) se siente plana, va creciendo como una vorágine incontenible.

 El autor y director nos presenta un texto con heterogeneidad en sus estilos y situaciones que aletargan el ritmo, pero que se desvanecen para dar volumen a la tormenta de emociones requerida. Expone la capacidad de los humanos para volverse ajenos a su entorno, primero como una habilidad importante, que evoluciona para ser la principal debilidad.

 Dentro de los puntos negativos que podrían pesar en el espectador, es ese dejo de presuntuosidad que puede arrojar el conjunto, pero finalmente, es necesaria. De cierta forma, Gallardo logra generar una situación, que si bien podría ser en verdad presuntuosa, tira más hacia la franqueza y la honestidad de dos seres humanos expuestos ante el amor. Esta tesis, sumada a los trazos actorales, que pueden bien ser un performance independiente, conjunta una puesta cruda, sensible, caótica, intrigante y absorbente.

 Detestaría hacer la división de “este es teatro cultural”, pues todo el teatro es cultural. Tal vez, la forma de describir a Taladro, es como una inquietante pieza escénica acerca de la inmaterialidad de las relaciones humanas, que exige al espectador dar diferentes significados a sus componentes, así como seguir atentamente las acciones, para cada uno formular una perspectiva, que aunque distinta, toma la fuerza como eje común. Imperdible.

Consulte cartelera
Consulte cartelera

Originally posted 2014-05-07 11:27:58. Republished by Blog Post Promoter

Por amor al teatro

Yo no creía en el Microteatro. Seré honesto, fui una vez en sus primeras temporadas a un ciclo llamado Por tus vecinos y me dije “Esto no es para ti”. No creía en la propuesta, no vi calidad en lo que se representaba. Así que me alejé.

 Sin embargo he vuelto a esa casa ubicada en Buenavista para ser presente de la que es quizás la temporada más fuerte en la historia de este concepto en México: Por amor. Y he de confesar que me ha atrapado por completo; no solo puedo asegurar que es una experiencia de una valía palpable, sino que es tan poderosa en varios niveles que resulta apabullante.

 Bastan solo 15 minutos, tres obras lograron capturar una postura diferente del amor en emotivas puestas que constataban su solidez y autenticidad. ¿Quién puede describir factiblemente el amor de una manera sencilla y acertada en tan solo 15 minutos? ¡No nos da la vida!, describir al amor sería una tesis interminable sobre la condición humana. Aquí, la cercanía a ese producto deja en shock al más resistente.

Sala-6

 En la sala 6, una mancuerna exquisita entre director y dramaturgo convocan a la que podría firmar como la mejor obra de la temporada: ¿Qué pasó?, de Juan Carlos Araujo, dirigida por Andrés Tena. Araujo nos adentra en una relación marital asimilada en la forma del hogar que pretende ser, sin embargo, esta es una casa que se resquebraja, a la que hay que entrar con un casco para evitar ser golpeado por un pedazo de la estructura dañada.

 Bajo esta metáfora deliciosamente representada en una escenografía a cargo de Salvador Núñez, el texto del dramaturgo avanza en medio de ataques y resoluciones íntimas que forman una ventana a la desilusión, una auténtica devaluación del sentimiento más fuerte que pueda sentir una pareja que se ama. El director transporta ese poderoso discurso a un plano que se divide en interiorizaciones,  deteniendo por un momento el derrumbe, en búsqueda de que para evitar la autodestrucción las partes de la bomba acuerden desmantelarse mutuamente.

 Sosa, Beto Torres, Rosendo Gázpel y una fantástica Luz María Meza (prácticamente perfecta en su interpretación, empatía y tono) esperan dentro de esa habitación, para averiguar ¿Qué pasó?

 Captura-de-pantalla-2015-01-21-a-las-19.43.16Ahora, en la sala 10 aguarda una de las obras más impactantes que este escritor ha tenido oportunidad de ver en su vida. Las Paridoras, de Karla Rico e Iván Tula, traen a la escena la historia de un mundo futurista, sistematizado, donde la maternidad se ve reducida a un oficio que destaja la forma materna y resume su labor a parir productos.

 Un encuentro entre una vieja paridora ante una novata –que tiene una idea completamente diferente del trabajo que desempeñará el resto de sus días– se convierte en un discurso poético transgresor, profundo, tan denso como desgarrador sobre el amor que debe conllevar el dar la vida.

 La dureza del texto es proyectada por el propio Tula dentro de un espacio sombrío, tétrico. Aquí no hay esperanzas, la soledad se consume en las comisuras de los labios resecos de esas mujeres cuya labor es ser cargadas de futuros ciudadanos que solo sobrevivirán de ser funcionales. Tula lleva a su audiencia al rincón más oscuro y opresor de la concepción. Amén del genial trabajo de maquillaje por Ángel Caballero.

 Finalmente, la sala 13. Solo se puede resumir en poesía lo que Eduardo Catañeda arma en Breve elogio sobre la arritmia, de Daniel H. Gómez. La historia de un viejo marinero y una niña enferma del corazón. Ambos recluidos dentro de las paredes de un hospital, convergen en la idea del mundo externo, para él un bello recuerdo, para ella la posibilidad del mañana.

 Castañeda narra por medio de un trazo coreográfico, que se funde en bellas proyecciones animadas, un relato solemne, que busca la redención por medio de la esperanza. Gratamente representado por Bárbara Riquelme y Mario Alberto Monroy, este montaje puede visualizarse como un corazón danzante sobre las olas del mar, flotando hacia una inmensidad indescifrable. Apasionada.

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 Esto es lo que uno halla en Microteatro. Hágase un favor y corra a gozar de estos imperdibles trabajos, hasta Febrero 22.

Originally posted 2015-01-26 21:41:18. Republished by Blog Post Promoter

Amar, con M de México

Estos mayos y abriles se alargan hasta octubre. Todo el Valle de México de colores se cubre y hay en su poesía de otoñal primavera un largo sentimiento de esperanza que espera.
Carlos Pellicer

Los mexicanos tenemos mucho de qué sentirnos orgullosos día con día, de nuestra vasta cultura, de nuestros sabores, colores, en fin. Precisaría de escribir un ensayo entero que enunciara las bondades de esta nación, que si las vemos con esmero, llegan a ser más grandes que sus desdichas.

Rafael Inclán, Juan Ferrara, Rocío Banquells y Socorro Bonilla
Rafael Inclán, Juan Ferrara, Rocío Banquells y Socorro Bonilla

 Cuando la devaluación del peso ocurrió, Marisela y Osvaldo tuvieron que irse de México, sin nada más que el apoyo de sus únicos amigos, Yoli & “El negro”, quienes les dieron hasta el último centavo para que se lanzaran a E.U.A. a encontrar una nueva vida. 30 años después, las cosas han cambiado para bien de la primera pareja, pero parece ser que Yoli y “El negro” se quedaron atrapados en la precariedad en que dijeron adiós a sus amigos. Ahora los matrimonios se reúnen y la invitación está en el aire para los que aún radican en México: cambiar una vida de miserias por el sueño americano.

 Como en muchos hogares mexicanos, con base en el honrado trabajo duro es como se alcanzan las metas, aunque a veces no siempre se alcanzan, a veces uno tiene que conformarse y apechugar. “Aquí nos tocó vivir” y “Así nos tocó vivir”. La autora Nelly Fernandez Tiscornia, originalmente concibió la historia del “Negro” y la Yoli, dentro de su natal Argentina, bajo el nombre de Made In Lanús. Países latinos al fin de cuenta son Argentina y México, precisamente esto les permitirá conectarse bajo la adaptación del también director Manual González Gil y lograr Made In México.

 La escenografía nos sitúa dentro del hogar del matrimonio “Negro”-Yoli, una casa vieja que se conecta a un taller mecánico. Las paredes con la pintura gastada desquebrajándose ante la humedad, entreviendo los ladrillos que cimentaron el inmueble. Cualquier colonia de bajos recursos en el Distrito Federal es el espacio. Adentrarnos a esa casa es vivir alegorías directos a nuestra propia cultura, la persistencia de la vida a través de un pajarillo y de plantas, la instancia de la fe representada con una virgen en bulto, etc.

 Con la ayuda de Rafael Inclán, Manuel González Gil toma el texto argentino para impregnar la esencia mexicana y delimitar personajes totalmente empáticos al espectador y con psicologías muy ricas. Rasgos de la convivencia diaria propios de la cultura mexicana  denotan a diestra y siniestra, como el ingenio para el albur, o la necesidad de celebrar los buenos momentos, de manera orgánica, con una orquestación rítmica que si bien no conecta con todas las edades (dados ciertos guiños generacionales) al primer momento, lo hacen con el deshilar de la trama.

Teatro Jorge Negrete, consulte cartelera
Teatro Jorge Negrete, consulte cartelera

 La historia se complementa con intervenciones musicales, que habrán de expresar los sentimientos de los personajes, mediante el discurso de las melodías. Un movimiento atrevido y que funciona al hacer juego con la iluminación moderada. A través de la selección musical, el director comunica el patriotismo y la búsqueda de la identidad, profundizando en la esencia del texto que expone en su discurso la necesidad de no corromper las raíces con las que uno llega al mundo y de la importancia de la unión familiar ante toda situación. 

 Es protagonizada por Socorro Bonilla, Rafael Inclán, Rocío Banquells y Juan Ferrara. Un cuarteto sólido y complementario que se adentra en las necesidades comunes y propias de sus personajes de forma total. Sin duda, el hilo cómico se tensa gracias a la aparición de Inclán, quien, con una vasta trayectoria en el rango, domina el timing necesario para llegar al espectador, haciéndonos conocer la postura de cualquier padre de familia, dispuesto a sacrificar lo que sea por el bienestar de los suyos.

 Juan Ferrara y Rocío Banquells logran transmitir ambas caras de la moneda ante un caso de inmigración: la necesidad de volver a su patria olvidando el pasado, y el rencor absoluto. Tesis individuales pero ligadas, que tienen una solidez real en parlamento y acción. Generadas en actuaciones honestas y bien trazadas.

 Pero por supuesto, Socorro Bonilla se cuece aparte. La maestría con la que la primera actriz desempeña su rol es impecable. Nos entrega a una mujer en la encrucijada de la esperanza y la oportunidad real. Los matices y acentos que imprime para desenvolver el sentir de su personaje son exactos, aprovechando el coraje aprehendido para liderar el peso dramático con total ligereza y fuerza.

 En general, la dirección atina un espacio que permite la apreciación total de la acción, ubicando bien sus focos y con una coreografía funcional pese a constantes. Si bien, a pesar de lograr verse desapercibidos con el transcurso de la obra, el texto tiene momentos de incongruencia en la narrativa dentro de su primera parte.

 La importancia de este montaje radica en el mensaje central: los problemas deben solucionarse, salir adelante y aprender de la experiencia, no darles la espalda o vivir en la complejidad de su existencia en cualquier tiempo real. Made In México es una crítica de lectura social, política y cultural. Entrañable, conmovedora, empática y de justificación real; que logra sostener una fuerte argumentación con un diálogo natural. Pero lo más importante, que está contada con el corazón. Imperdible

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Originally posted 2014-04-29 13:17:09. Republished by Blog Post Promoter

Murmullos en escena, teatro en Puebla

 murmullos 2 El silencio antes de llegar a ese espacio, el tic tac del reloj solo hace aparentar al tiempo eterno, miradas cruzadas, pasos cortos y una fila larga. Se abren las puertas, el lugar es cómodo y acogedor, elegir una fila al parecer es complicado porque todos quieren el ángulo perfecto para observar lo que el director Mauricio Jiménez ha preparado para deleitar a todo aquel que se atreve a pisar su casa, el punto donde todo se transforma después de una tercera llamada silenciosa.

  La oscuridad se apodera del recinto, los espectadores tienen su mirada fija en el centro esperando que aparezca la primer señal de luz, pero no, la luz no es la primera en llegar, se escuchan pasos fuertes, lamentos, rezos, gritos y el escenario se ilumina con ellos. La obra literaria de un escritor mexicano, que dejó un legado de la literatura post-revolucionaria para todas las generaciones que nazcan en tierra fértil, Pedro Páramo (1955) y El llano en llamas (1953) de Juan Rulfo dotan de inspiración para llevar al escenario del Complejo Cultural Universitario (CCU) la obra de teatro Murmullos.

  murmullos 1Los elementos en escena retratan sin desgaste el pueblo devastado por los acontecimientos que mostraron la otra cara de la moneda, donde los que mandan son pocos y los que obedecen son los resignados. Sin duda alguna, llevar la obra de Rulfo a escena es una tarea ardua, porque no se debe de perder la esencia rulfiana con la complejidad de los diálogos y el hilo de la historia, Mauricio Jiménez junto con su elenco teatral lo logra sin embrollo alguno, desde la primera línea que emite Rubén Reyna, quien interpreta a Juan Preciado, el espectador se pregunta cómo lograrán mantener y dar vida a los personajes que Rulfo creo con la realidad de los años de revolución.

  Cada actor se entrega sin prejuicio al público y es el aplauso la muestra más sincera de reconocimiento que pueden recibir, Murmullos cobró vida gracias a la participación de doce actores y a todos aquellos que están detrás del escenario. La Compañía Titular de Teatro del CCU-BUAP, fue creada en el 2010 y hasta el momento cuenta aproximadamente con catorce obras montadas y todas de excelente calidad.

  La escena final fue inesperada, pero esta vez no hubo silencio, sino una ola de aplausos y el resplandor de las luces que no dejaron de iluminar el rostro desde Rubén Reyna hasta Hussam Nuñez, que desparecieron de escena como las voces de Comala.murmullos 3

Fragmento Pedro Páramo, Juan Rulfo

Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pero Páramo. Mi madre me lo dijo. Y yo le prometí que vendría a verlo en cuanto ella muriera…

Originally posted 2013-08-19 12:35:59. Republished by Blog Post Promoter

Ska Shakesperiano

Una compañía teatral joven se reúne ante el público para manifestar su insatisfacción al trabajo que han preparado, puesto que carece de lo último, preparación. A pesar de todo, la mayoría de los miembros acuerdan presentar el intento de puesta por respeto a la audiencia. Les pidieron Ricardo Tercero de William Shakespeare, no prometen calidad, o sustancia, pero peor es nada.

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Adrián Alarcón

 Cuándo Shakespeare escribió Ricardo Tercero, el fin era hablar de la creación de la casa de los Tudor, en el tenor de analizar la escalada al poder como una búsqueda insaciable del que lo ansía, que deja entrever la naturaleza salvaje del mismo en el bardo paraje que da panorama a su alma.

Evolución(Del lat. evolutĭo, -ōnis).

6. f. Mudanza de conducta, de propósito o de actitud.

7. f. Desarrollo o transformación de las ideas o de las teorías.

 Resulta infame pensar que las metáforas que aplicaba Shakespeare a la ambición política y el juego de poder, lejos de ser propias de un tramo histórico medieval, se conviertan en una realidad histórica contemporánea, aplicable al cien a nuestra propia condición gubernamental mexicana.

 Y entonces David Gaitán, director y escritor de esta nueva adaptación del teatro clásico  titulada Ricardo III 0.1, parte de la teoría de la vigencia y postura del dramaturgo, contrapuestas a la actualidad. Aderezando con múltiples elementos que se orquestan en su propio desorden y dan partida a la carrera por transmitir el mensaje correcto.

 Entonces, la aplicación es una propuesta creativa, diferente y anticonvencional. En esta historia, el elenco que integra a la compañía va tomando fragmentos del original shakesperiano para objetivar su validez y desenmarañar las intenciones ocultas. Es un discurso de reclamo de identidad al propio William y a la “ausencia de dirección” que los  “actores” tuvieron para desempeñar su labor, cada uno de los miembros de la “compañía” buscará a como dé lugar lucirse, con aquello que si tienen “preparado” para escenificar. Cada uno buscará tomar el control de la dirección que “no les dieron” para encaminarlo a lo que consideran mejor y en esa desquiciada carrera por llevar la batuta, la compañía da verdaderamente vida a la esencia de Ricardo III, la compañía “sin darse cuenta” entrega a Shakespeare accidentalmente.

 ¿Y entonces? Pues el ejercicio se ejecuta excelentemente, la comedia de la que  se vuelve presa el escritor y su trabajo original es un reflejo de creatividad y atrevimiento por parte de la dirección, que busca tanto divertir al público como honrar a la memoria clásica.

 El elenco que da pie a estos enredos, se unifica en el tono correcto para transmitir la sensación de inseguridad y desfachatez adecuada. Actores jóvenes que denotan una madurez general y claro entendimiento del contexto y ambiciones del proyecto al que son parte, lo cual es de agradecer y notar, pues sin estos elementos sería simplemente imposible que la propuesta escénica tuviera un resultado positivo.

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Foro Shakespeare, consulte cartelera

 Ricardo III 0.1 toma el ska como pretexto para hilar la trama, permitiendo una concepción musical alterna y equilibrada, que da volumen y fuerza a las acciones. No solo es importante y trascendente que el interesante juego que proponen se pueda transmitir y uno se dé cuenta desde la butaca del espectador de lo que en verdad está sucediendo, sino que aunque no se dé cuenta y en su vida haya leído (u ojeado aunque sea) la tragedia Shakesperiana en la que gira todo, se entiende y funciona, la comedia sale adelante limpia y victoriosa.

 No es solo una obra con guiños y entendibles fabulosos para la gente de teatro, es un acto disfrutable de principio a fin, sólido y con una propuesta cómica que no existe en la cartelera actual. Altamente recomendable.

Originally posted 2014-04-26 15:15:03. Republished by Blog Post Promoter

La historia de una, en un millón

“Entonces los ideales por los que luchamos comienzan a difuminarse, la sombra de nuestro pasado se levanta con vida propia y la mancha del presente corrompe nuestra esencia, nos ha consumido la realidad”

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Juana In A Million existe actualmente en el Foro La Gruta, por ya muy poco tiempo. Un monólogo siempre es la ventana abierta para explorar en plenitud el potencial de un actor, finalmente, no hay nadie más junto a él, no puede apoyar su interpretación en otro elemento más que el mismo, el reto sin lugar a duda se manifiesta fuerte y conciso, transmitir el mensaje, permitir que el código se desenvuelva en la audiencia, sin morir en el intento.

Sin duda, la migración es un tema del cual hay mucha tela para cortar, llena de posturas que hablan a favor, en contra, en protesta, todos estos a la vez tienen subtemas, de los cuales se desprenden ramas que localizan el contexto del espacio y tiempo dónde ocurre la acción ya planteada. Cuando una persona decide abandonar su patria y esta persona responde a un nivel socioeconómico menor, y un ambiente social devastador, generalmente lo hace para buscar un nuevo sitio dónde vivir y que permita el cambio de la situación actual de su vida. Claro que en muchas ocasiones no sucede así.

Juana es una joven mujer michoacana, que abandona su tierra, dónde ha crecido trabajando en el restaurante de su madre y dónde la violencia es pan de cada día. Una amiga de ella se ha ido a Londres, aparentemente le va bien, la sociedad europea es más civilizada, seguramente ahí encontrará un mejor espacio para vivir, seguramente ahí podrá ser ella misma, coexistir, tener ambiciones, cumplir metas, soñar; Pero al llegar  a la Capital del Reino Unido, las cosas no son como debieran ser, las condiciones de los latinos parecen ser incluso aún más duras que las terribles cosas que se escuchan acerca de los inmigrantes en Estados Unidos, ser mujer se reduce a labores domésticas, empleos de baja remuneración o transformarse en objetos de acompañamiento. Limpiara baños, o abrirá las piernas.

La historia de Juana In A Million parte de una pieza de la realidad histórica de la mujer y la sociedad latina vista desde el panorama social de la migración hacia Europa, busca acercarse con el corazón desnudo al espectador, para enternecer y hacer una conexión en busca de respuesta y apoyo, para permitir apreciar desde la manera más humana posible el entorno que genera la desilusión y el fracaso, cuando los mismos llevan un contexto de derrota que data desde años atrás.

A Juana la rodea el fantasma de su pueblo prehispánico sometido ante el yugo español, la sombra de su familia rodeada de la inseguridad asestada por el narcotráfico, la vulnerabilidad de ser mujer ante una sociedad estúpidamente machista, pero sobre todo, las barreras culturales del lenguaje y la imposibilidad de reclamar sus derechos en una nación que no le pertenece por ser una indocumentada, situación a  lo que en vez de responder con apoyo, le responderían con la deportación.

Una vez presenciando el desarrollo de esta puesta, todos nos convertimos en Juana, todos entendemos su frustración, soñamos con ella, buscamos su impulso ante el mundo, pero no podemos evitar imaginar que por más que luche, su situación no depende solo de ella. Vicky Araico y Nir Paldi escriben pues un guión con una solidez y precisión de tal calidad que impacta línea a línea, recrea y familiariza, soltando hilos conectores que danzan al compás que el trazo escénico se desenvuelve. Es teatro físico, que entrega una tormenta de fuerza y delicadeza, semejante a lo que pudiese ser una mariposa dentro de un tornado, Paldi (la directora) busca transmitir esta acción en un movimiento que se apodera del público.

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La actuación de Vicky Araico Casas es en verdad una de las más poderosas muestras de lo que un actor puede lograr al hacerse parte en totalidad de un texto. Araico se transforma en muchos personajes con una maestría impecable, da cátedra de técnica vocal y expresión corporal, al tiempo que construye un canal de comunicación tan bueno que nos va adentrando más y más al mensaje. Impone su presencia que atavía con un sencillo vestido blanco (diseño de Kate Rigby) que guarda rasgos prehispánicos combinados con un corte estilizado que encierra la inocencia y el silencio, ambos elementos se rompen con el discurso dramático al cual la actriz hace digna justicia y representa con liderazgo.

La puesta de la que les hablo es un grito que pide ser escuchado, y debe ser atendido. La historia de Juana es la historia de muchas mujeres en Inglaterra y el mundo, la pérdida de la identidad nos corresponde a todos, no es sólo un asunto de categorías políticas, es una urgente necesidad de atención humana. Desgraciadamente la obra cierra temporada ya en el Foro La Gruta, más la calidad de la misma, que la ha hecho acreedora  al Fringe Firste en el Festival Fringe de Edimburgo (2012) y nominada al Off West Ende a Mejor Actriz (2014), la lleven pronto a otro escenario de este país, dónde será responsabilidad de usted querido lector, el atender el llamado de esta imperdible muestra de la desmaterialización  de un ser.

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Chulavista en la Megaofrenda UNAM 2013

Como cada año, la Universidad Nacional Autónoma de México presentará dentro de las Islas de Ciudad Universitaria su Megaofrenda 2013; este año será dedicada a los cincuenta años que cumple la pintora Remedios Varo de su fallecimiento.

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La intención de organizar este magno evento, como se ha venido realizando desde hace dieciséis años, es mantener vivas las tradiciones de nuestro país, que es reconocido a nivel mundial por conmemorar a sus muertos de forma festiva y colocando altares donde se les recuerda y ofrece alimentos que fueran disfrutados en vida.

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Como  ha sido la tradición durante todo este tiempo, cientos de alumnos, profesores y otros invitados (incluyendo escuelas, facultades e institutos) serán los encargados de colocar ofrendas dentro de las Islas donde, además, se contará con diversas muestras artísticas que incluyen música, danza, teatro y más. Este año, Chulavista Art House La Revista contará con un espacio para participar dentro de dichas festividades.

Danza, teatro y música, las propuestas de Art House son talentos emergentes que buscan su difusión.


Conócelos y disfruta de su trabajo.

Originally posted 2013-10-26 16:43:01. Republished by Blog Post Promoter

Palabras breves: Sandarti se vuelve mago

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Si no han visto Wicked, ya no hay excusa alguna para  dejar de asistir al Teatro Telcel. Están ya en la recta final y para conmemorar dicho suceso arrancan un ciclo de actores invitados a este musical. El primero de ellos es, créanlo o no, Héctor Sandarti como El Maravilloso Mago De Oz.

¿Sandarti? Sí, el conductor estará los jueves en el papel que regularmente ejecuta Paco Morales. Sabemos que el también actor tiene un carisma innegable, lo cual lo ha colocado en el gusto del público desde su primer aparición en TV, conocemos además su capacidad histriónica (Orgasmos, Toc Toc), pero como cantante no tenemos registro alguno de él, al menos no en este país.

Y bien, siendo honestos el personaje del mago no requiere de una potencia vocal específica o un rango amplio, tan solo que pueda cantar pero que tenga una presencia poderosa a la par de un carácter dulce. Por lo cual debo decir que el señor Héctor Sandarti no hace un mal papel dentro de esta obra, es más, resulta agradable y bastante simpático.

Diferente a los magos que interpretan Paco Morales y Beto Castillo, comenzando por el tono de ingenuidad que envuelve su interpretación, esto último me pone en duda de si en verdad interpreta o tal vez es inseguridad denotada; sin embargo, el actor logra sacar adelante sus interpretaciones  y conectar tanto con el resto del ensamble como con el público que lo recibió con aplausos ensordecedores este pasado 25 de septiembre en su primer función.

La puesta sigue tan sólida como cuando inició su exitosa temporada hace ya casi un año. El despliegue de talento mezclado con un libreto y música impecables invitan al espectador noche tras noche a presenciar una calidad que hasta antes de esta puesta no se había visto en nuestro país. Ahí radica la importancia de asistir.

En conclusión, ver Wicked sigue siendo obligación para los amantes del teatro, más aún quienes idolatran los musicales. Héctor Sandarti no decepciona, es más, es una sorpresa agradable.

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De Broadway a México: Los Locos Addams

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Definitivamente no te puedes perder las últimas presentaciones de Los Locos Addams, el exitoso musical de Broadway estrenado en 2010, cuya adaptación en México produce Tina Galindo y Claudio Carrera.

 Con las actuaciones de Susana Zabaleta y Jesús Ochoa en los papeles de Morticia y Homero, y otros 30 actores en escena se revivirá esta aclamada historia que es conocida por chicos y grandes. La música y letras son de Andrew Lippa y el libreto de Marshall Brickman y Rick Elice.

 Tienes hasta el 18 de enero para poder disfrutar de este magnífico evento en compañía de tu familia, ¿dónde?, en el Teatro Insurgentes (Insurgentes Sur #1587), compra tus boletos aquí.

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Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación

En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

Originally posted 2014-09-22 10:03:11. Republished by Blog Post Promoter

El proceso animal

La fuerza y la mente son opuestas. La moralidad termina donde empieza la pistola.

Ayn Rand

Nunca había tenido el tiempo para lograr coincidir y asistir a ver Bola De Carne, texto de Bernardo Gamboa creado escénicamente por el mismo y Micaela Gramajo. Ahora vuelve con una breve temporada al Foro A Poco No. En el aspecto personal solo sé que me urge tener ese texto en mis manos para leerlo una y otra y otra vez hasta que logre asimilar la genialidad obtenida; siendo objetivos, esta es la historia.

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 Ante un juzgado, dos criados relatan lo sucedido cuando una tarde Lavinia, la hija del patrón, accedió a acompañarlos e introducirse en la práctica de la caza de cerdos con cuchillo en mano. La asamblea percibe un crimen que al momento tiene víctima fija, pero tal vez no es así. A partir de la deconstrucción del concepto de la moralidad, dos humanos danzan entre la historia de guía, su naturaleza, el miedo y la disertación filosófica para encontrar una respuesta. No son nadie para indicar un juicio, más tratarán de efectuar un acuerdo, como una sola persona u objeto. Dos bolas de carne que avanzan sin nada más que su naturaleza interpuesta al adestramiento.

 El verdadero teatro logra catarsis, se adhiere al alma, toca, vibra, emociona, y detona. A través de la composición del texto de Bola De Carne, Gamboa nos entrega una estupenda avalancha de sentimientos coordinados bajo la inclinación del racismo y la ensoñación. En un escenario que sólo necesita pocos elementos de utilería como libros, un juego de té, tierra y una cabeza de cerdo, Gamboa y Gramajo aparecen como dos seres sin máscaras que tratan de desenmarañar la existencia de un aparato moral dentro de una sociedad que jerarquiza con la intención neta de degradar su propia raza en tantos tonos como le permitan acercarse a la pureza.

 ¿Los cerdos aparecen como las víctimas o los victimarios? Sabemos que hay alguien que lo consume y para lograrlo debe darle fin a la existencia de su alma, pero al ser objeto meta desencadena una lucha entre los cazadores por obtener la presea, se sabe codiciado, hasta cierto punto es un animal frívolo entonces, pero luego se rompe esta visión para recordarnos algo: es el hombre quien adjetiva la naturaleza, la susodicha existe en su compuesto sin hacer más que un ciclo de vida, pero es el hombre el que intenta darle los matices que  requiere para lograr complementarse.

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Entre el encierro y la muerte prefiero la muerte, tiene más chiste.

 La obra es una historia que nace, se interrumpe y desarrolla en medio de la violencia y el razonamiento del vacío. Es una composición visceral que aísla la interioridad de las pasiones y deseos reprimidos, al tiempo que demanda la existencia de la debilidad de las instituciones  del poder que intentan regir con justicia ciega partiendo de la postura de aquel que salga más dañando en un siniestro. Ese siniestro es la vida misma.

 Nuestros actores serán dos animales salvajes excelentemente coreografiados para insertarse en una civilización dominante en una domesticación que involucra el surgir de las bases de los crímenes de odio. No hay certeza de quien ejecuta el crimen, el verdadero crimen, ¿El cazador?, ¿El animal?, ¿El jurado? Gamboa dirige con astucia las palabras del discurso para tratar de dar al público la última palabra indicando un supuesto importante: nadie es lo suficientemente apto para poder juzgar aquello a lo que es ajeno.

 Tanto Gramajo como Gamboa ejecutan actuaciones sólidas, plenas. Correctas en tono y forma y con deliciosos matices y movimientos que permiten apreciar la integridad de dos seres en su cualidad animal, sexuada, real. No solo son trabajos francos, son entregas que exteriorizan las propias necesidades del alma en búsqueda de una comprensión que vaya más allá de la posición espectador-artista, este ejercicio pide  apertura de mente y alma para reacomodar las piezas de un fundamento inválido que dirige el ritmo de las acciones cotidianas.

 Uno no ve estos maravillosos trabajos y se dirige con ligereza al final rumbo a la puerta, a menos que haya perdido toda sensibilidad dentro de sí. Micaela Gramajo y Bernardo Gamboa buscan mover y acercarse al corazón y a la mente con cuadros tan surrealistas como un cerdo tomando el té, bajo la influencia del espejo social. Todo bajo música delicada y desesperanzada y una iluminación que apunta focos de acción sujetos a la fuerza.

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 El ritmo es preciso, se detiene la palabra para recuperar el movimiento, permite aceptar cada oración. Respira junto con la audiencia. De la misma forma, introduce la tensión dramática en pleno para soltar un poco con movimientos de comedia ingeniosos y disfrutables a carcajada plena que luego se giran y se tornan oscuros. Al final la puesta entrega la soledad y autenticidad de la misma frente a la ideología de la vida humana. Sí, los seres humanos nacen, crecen, se reproducen o solo consuman su apetito y al final mueren. Así la obra, solo que al igual que el ser humano que no acepta las problemáticas de su existencia la obra misma se permite abrir camino ante la muerte directa o la tortura. Y su decisión no es fácil.

 Lo invito plenamente a permitirse ver esta maravilla escénica los martes y miércoles a las 20:30 hrs. Sea testigo del proceso de creación de dos bolas de carne que batallan en el escenario.

Originally posted 2014-07-19 15:13:13. Republished by Blog Post Promoter

De teatro: Perso

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Trece octavos es el nombre que recibe un colectivo formado por algunos egresados del  Diplomado del Centro de Estudios para el Uso de la Voz del INBAL. Eso ya debería decirnos algo… Y algo bueno.

 PERSO es una creación netamente auténtica emergida de las mentes de estos chicos; lo bueno de los colectivos es que uno habla de lo que quiere hablar y no de lo impuesto en innumerables casos por el dramaturgo o por el director, productor o quien se quiera.

 Entendamos también que es un work in progress, esto evoluciona y eso en sí mismo es bueno, si bien es cierto que un trabajo no terminado no debe ser puesto en escena por considerarse una ofensa al espectador, una suerte de tomada de pelo: también es en sí mismo un acto de humildad auténtica, de entrega y de conexión con el público. Implica también bajarse del pedestal de creador impositivo y permitir el moldeo de quienes, al final de cuentas, pagan y dan su tiempo a una puesta en escena.

 La obra gira en torno a la inexplicable y humana búsqueda que marca de muchos modos la existencia, vaivenes emocionales, exilio y sufrimiento auto-impuesto. ¿Cuánto tiempo le toma a un hombre reconocer lo que busca? ¿No es lo que nos pasa a todos los encerrados en el cuerpo? La búsqueda lejana de lo que yacía de principio en el núcleo, dar la vuelta, desandar el camino, volver sobre las huellas todavía frescas, pensar que ya es tarde… y el tormento. La obra habla de un amor, pero entonces piensa uno en que todo es eso: “quiero la casa y el carro” y se entrega a cambio el tiempo (valiosísimo) y con él la salud que luego se entiende era lo preciado, y hay que recuperarla, o la familia, o los hijos. Pero todo: El amor, el idealismo, el humano y lo que sueña, lo que cree que anhela, lo que piensa necesario y el arrojarse al abismo luego  y al final siempre la respuesta en el núcleo, en el nido, en el punto de partida,  en el interior, en el inicio. Pero volver no siempre es sencillo.

 Y es esto lo lindo de este tipo de proyectos: que invitan a la reflexión, que entregan preguntas y no respuestas. Vemos a personajes melosos (con sus demonios) que se regodean en las llagas y se internan en ellas a propósito los dedos ¿Y no es eso lo que hacemos?. Es ponerse enfrente un espejo. Es toparse con las rejas.

 El espacio que los alberga es el foro “Así que pasen cinco años” del que ya había hablado en una anterior nota. Un espacio en el corazón de la condesa que ofrece intimidad y cercanía. Es una caja negra. Está a cooperación voluntaria los sábados a las 19:00 hrs hasta el 4 de abril. El recinto es por demás pequeño y hay que hacer reservación si no se quieren quedar sin lugar.

Originally posted 2015-03-11 13:19:27. Republished by Blog Post Promoter

Al final Piaf si se arrepiente

Cantar es dar vida, pero es imposible sin una buena letra, no importa cual buena sea la música.

Edith Piaf

Tardé en asimilar mi visita al Teatro Fernando Soler tras ver Piaf, Vivir por una voz. Muchas cosas pasaban por mi mente, entre ellas el recuerdo  de la primera vez que escuché una canción de Edith Piaf, tendría yo 10-11 años, no tenía la menor idea de quien era esa mujer, en que idioma hablaba o que querrían decir las palabras que acompañaban la música, sin embargo me hizo vibrar, sentir una tristeza y placer tal vez incomprensibles a esa edad. Pero así es la música de Piaf, toca sin fronteras.

Arianna & Julio Manino
Arianna & Julio Manino

 En Piaf, Vivir Por Una Voz, la autora Beatriz González Rubín nos acerca a la vida de Edith Piaf en el auge de su carrera, precisamente en el momento que su primer y verdadero amor llegó a su vida: el boxeador Marcel Cerdan, a partir de ese momento presenciaremos la trayectoria del pequeño gorrión hasta su día final. Siendo partícipes del proceso de degradación de la diva y las lapidaciones sociales que vivió en la búsqueda de su propia felicidad.

 A partir de este siguiente párrafo procedo con mi crítica a la ya mencionada puesta en escena dirigida por Cecilia Angulo. Como aclaración previa a clubs de fans y lecturas susceptibles: realizar una crítica no es sinónimo de destruir un trabajo o vituperarlo, sino señalar aciertos, flaquezas y dar un panorama que permita aconsejar al crecimiento de los involucrados; no se lo tomen a pecho, en otras palabras.

 La historia se desarrolla con ayuda elementos escenográficos sencillos y 3 cuadros que servirán de proyectores para llevarnos a los espacios que el texto apunta. Una propuesta digital bastante atractiva que casi en toda la obra se mantiene interesante y exitosa pues permite abrir mayor profundidad al contexto histórico en que la vida de la cantante francesa tuvo lugar.

 Todo inicia de maravilla, nos permiten adentrarnos de lleno al alma de la diva en plenitud de su fama y gozo por medio de sus temas. Conocemos a Momone (una desaprovechada Dobrina Cristeva) su fiel amiga y a Louis (Otto Sirgo) su representante. Todos hablan maravillas de Piaf, pero no olvidan su  lado humano. Luego Edith conoce a Marcel (Julio Manino)  y el asunto se va por la borda. Retratar una vida tan compleja no es fácil, claro está, y tal parece que Cecilia Angulo no supo qué hacer con el paquete ¿Por qué? A partir de que el personaje principal se topa de lleno a la experiencia amorosa cada acción y elemento entrante a escena comienza a ser torpe y sobrante.

 La intención de Angulo claramente era mostrarnos el alma gentil y delicada, empero, desafortunadamente lleva a la diva francesa por el camino de histeria y ego que también la caracterizaron, tornándola en una mujer frívola y caprichosa. A la par el texto de  González Rubín busca tomar los grandes momentos de la vida de Piaf tras su consolidación artística y pretende ahondar en todos con astucia, el resultado es evidente, un caos dónde cuestiones entran y salen sin tener mayor profundidad y desperdiciando áreas de carácter y crecimiento.

Dobrina Cristeva & Arianna
Dobrina Cristeva & Arianna

 La dirección atropella cualquier esperanza de ver a Edith Piaf en degradado, todo se mantiene en la misma línea hasta que se cae abruptamente. Resulta inverosímil por ejemplo que una mujer afrontando la muerte del ser al que más ha amado pues le enseñó a amar de nuevo, exprese su dolor de una forma robótica en primer instancia para después solventarlo todo en un número musical.

 Arianna aparece en escena dando vida a Edith con firmeza y convicción, su potente voz rinde homenaje a la intérprete con muy dignas versiones de las canciones que su personaje hiciera clásicas, mezcladas entre su idioma original y el español. Es notorio en todo momento el gran esfuerzo de la cantante por comunicar el sentir del ser humano al que está representado, su trabajo es bueno, mas tristemente se nota confundida en momentos, sin dirección fija y con movimientos acelerados para hacer crecer su personaje en un tiempo récord.

 Desnudos innecesarios que restan calidad al ser insertados por mero morbo, focos abiertos, una coreografía lineal, texto pretencioso lleno de frases pomposas, actuaciones sin réplica, personajes pobres de psicología o con construcción trunca, ritmo intermitente, subtemas que no conectan. Todo lo anterior son los primeros señalamientos que a simple vista se perciben en la primer media hora de la puesta, lamentablemente la lista sigue con el transcurrir de las dos horas de duración total, que por supuesto no se justifican y pudieron haber sido efectuadas en 90 minutos o menos.

 Honestamente este trabajo se siente como una camaradería maquiavélica entre autora y directora por lograr un producto que se vea bien y se venda, pero cuya calidad tal vez no es tan cierta. La obra nunca llega a ningún lado. El peor enemigo de Angulo son sus decisiones contrastantes, por ejemplo mostrar imágenes de la Edith Piaf real en su auténtico deterioro y después poner a su actriz luciendo glamurosa en todo momento sin siquiera un cambio o despeinado de peluca que indique al público signos de depresión o algo. Nada pasa, todo se queda quieto.

 Fallida es la palabra que describe a esta puesta, una lástima que al final  el público solo pueda decir a favor de lo que acaba de ver que Arianna aún interpreta bastante bien y que la selección musical fue muy atinada. La obra es vacía y débil, irónica situación ya que a juzgar por el material con el  que trabajaba tuvo que haber sido fuerte y entrañable. Por ello quise poner primero mi experiencia personal con Piaf, pues al final cualquiera se sentiría tan ofendido como yo de que se halla caricaturizado a un ser humano que aportó tanto a la historia musical.

 Véala bajo su propio riesgo, o mejor espere a que se lance el soundtrack o que Arianna grabe los temas que canta para un material propio, pues es en realidad lo único que mantiene al espectador en su asiento. Bueno, eso y el obvio panorama de que ya pagó su boleto.

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Otto Sirgo & Arianna

Originally posted 2014-07-10 00:32:56. Republished by Blog Post Promoter

¿Ser o no ser? Un Shakespeare más buena onda

Texto y fotografías por Karla Ricalde.

 

A propósito del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare y la conmemoración de dicho acontecimiento como parte de la edición de 2014 del Festival Internacional Cervantino, me cuestionaba acerca de lo que hay alrededor de él y su obra. Es la figura más destacada de las letras inglesas y uno de los más grandes íconos de la literatura universal; con certeza, el autor de cuya obra existen más adaptaciones que de cualquier otro —aunque en muchas ocasiones, aceptémoslo, ese shakespearianismo resulte sumamente pretencioso—, de trascendencia innegable y citado por miles de dramaturgos y escritores como principal influencia y eje inspiracional… pero, ¿acaso todo ese emperifollamiento no provoca que le concibamos como un autor sumamente complejo y casi inalcanzable?

 En su libro Por qué leer los clásicos, Italo Calvino señala algunas de las cualidades que debe tener una obra para considerarse, justamente, un clásico: que son textos a los que tarde o temprano se vuelve; “esos libros de los cuales se suele oír decir ‘Estoy releyendo…’, y nunca ‘Estoy leyendo…'”; que a cada revisita cobran un sentido distinto ante los ojos de los lectores porque “nunca terminan de decir lo que tienen que decir”; que cuanto más se cree conocerlos, más nuevos resultan.

 Eso, cuando se tiene experiencia previa de la obra, pero cuando no, cuando se trata del primer encuentro con cierto libro o cierto autor, Calvino habla de esperar, de darse tiempo para dejar hablar a las letras y entrar en contacto directo con ellas para conocerles personalmente, bajo las condiciones, y de la forma adecuada para cada individuo. De ser cautelosos al descubrir los clásicos, nuestros clásicos.

 Ahora, al tomar en cuenta lo anterior, se comprueba el porqué de la vastedad y solidez del alcance de su legado y se dejan a un lado los cuestionamientos porque, sí, William Shakespeare el más grande de los clásicos.

 Si se hablara de su obra situada en el teatro, al cerrar los ojos, como en automático, la imaginación crearía visiones de actores con atuendos de la época victoriana: tacones de gruesas hebillas,  cuellos altos y mangas abultadas para ellos; y encaje, seda, sombreros y sombrillas para ellas. Tal vez un lenguaje rebuscado, o tramas tan engorrosas que terminarían por adentrar al público en un inminente letargo…

 ¿Y si los personajes de sus obras cobraran vida a través de distintos objetos? ¿Y si se narraran las más grandes obras al estilo en que se detalla el más breve y fresco relato? ¿Y si se incorporan a su narrativa elementos que le simplifiquen, referencias actuales que nos aproximen a aquel prolífico escritor nacido hace siglos?

 Adrián Vázquez encuentra la fórmula precisa para dejar a William Shakespeare al alcance de todos. Como escritor, director y actor del montaje Algo de un tal Shakespeare, nos lleva por un conciso y sagaz recorrido por cuatro de las principales obras del dramaturgo inglés: Romeo y Julieta, Macbeth, Titus Andronicus y  La Tempestad.

 Es de una mesa de cocina de donde nace todo: silencio y apenas una tenue iluminación, unos cuantos sartenes, algunos otros utensilios del arte culinario, y una buena cantidad de frutas y verduras que, más adelante, se convertirán en cada uno de los personajes de los textos a representar. El vestuario de los actores es tan poco convencional como la escenografía misma: prendas de mezclilla y en color negro, y botas, rodilleras y cascos como accesorios.

 Acompañado de la actuación de Sara Pinet, este trabajo de Adrián Vázquez no sólo abarca los aspectos primordiales de los textos clásicos referidos, sino que también brinda datos biográficos del escritor y relata parte de la historia mundial para contextualizar más a fondo la ideología de Shakespeare, esto, mezclado con temas actuales —hacer alusión a la serie televisiva Game of Thrones mientras se hace una retrospectiva por el pasado de Inglaterra, o traer a colación la situación política de México en medio del relato de Romeo y Julieta, por ejemplo— y ambientado con efectos de sonido extraídos de algún videojuego, para una digna adaptación acorde al público meta.

 Lejos de trivializar la obra de Shakespeare o reducirla a insultantes simplezas, Adrián Vázquez se empeña en extender una espléndida invitación a jóvenes y adolescentes para acercarse a conocer a uno de los más grandes exponentes de las artes, y resuelve este propósito entre bromas, una que otra palabra altisonante, y un dinamismo excepcional en escena que deja el espacio vuelto, literalmente, un campo de batalla.

 El entendimiento personal y profesional entre los dos histriones es evidente, y queda enteramente plasmado sobre las tablas. Dos de las figuras actorales más destacadas y consolidadas de la escena nacional. Pinet y Vázquez: ambos tan audaces, ambos tan capaces, ambos con un trabajo tan envolvente y logrando una armonía sumamente mágica y natural que terminan por hacernos parte de su juego desde la primera llamada.

 Como el apresurado resumen de una pequeña y muy poco ortodoxa clase de Literatura con algo de Historia, pero además aderezado con un agudo sentido del humor, Algo de un tal Shakespeare es un trabajo honesto e innovador. Es alocado, es arriesgado. Es creatividad, movimiento, acción, congruencia y autenticidad. Una propuesta como pocas, y una amena y certera aproximación a éste, uno de los más grandes monstruos literarios.

 Además de este montaje, Vázquez se ubica con dos obras más dentro de la cartelera teatral actual de la ciudad: con el unipersonal El hijo de mi padre en el Centro Cultural del Bosque, dirigido y actuado por él mismo; y con Wenses y Lala en el Teatro La Capilla, con un texto también de su autoría y donde actúa al lado de Teté Espinoza.

 Algo de un tal Shakespeare se encuentra en temporada en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, desde el 23 de septiembre y hasta el 16 de diciembre.

Adrián Vázquez: autor, director y actor de Algo de un tal Shakespeare.

| Para más información, ingresa aquí.

Originally posted 2014-11-04 09:56:18. Republished by Blog Post Promoter

Gaarder conoce a Shakespeare o viceversa

¿Si el cerebro del ser humano fuera tan sencillo que lo pudiéramos entender, entonces seríamos tan estúpidos que tampoco lo entenderíamos?
Joestein Gaarder

Entre las grandes obras de William Shakespeare se encuentra una tragedia situada en Verona, Romeo y Julieta; junto a un romance tardío ubicado en el asilamiento de una isla desierta. La Tempestad. Ambas obras convergen en el patrón de personajes románticos con ambiciones y sueños truncados por la maniobra del destino a un fin mejor o equivalente a sus propias intenciones. No es ningún spoiler que al final de Romeo y Julieta la muerte alcanza a ambos para que al menos junto a ella puedan vivir libremente su amor, ni que en La Tempestad, el mago Próspero  termina renunciando a su magia por el amor a su hija. Pero ¿y si la historia hubiese acabado de otra forma?, la visión toma forma en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.

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  José Sanchis Sinesterra (El lector por horas, El cerco de Leningrado) toma el marco Shakesperiano de tomar títulos predecesores para generar uno nuevo, así que sustrae a Próspero y a Julieta de sus respectivas historias para jugar con ellos al último capítulo de El Mundo De Sofía de Joestein Gaader.

 Próspero se encuentra conjurando a las tempestades en un ciclo aparentemente sin fin, su libro no ha terminado, Miranda sigue a su lado; al mismo tiempo, Julieta lleva 20 años encerrada en las criptas de Verona dada su fallida muerte, viendo la vida pasar junto al cadáver de su amado estacionado en la juventud, pero a ella la edad si ha pasado encima. Entonces un día los dos se encuentran, y comienzan a darse cuenta que siempre han estado ahí, en el mismo espacio, pero separados por una categoría quizás, sólo que nunca habían podido verse realmente al creerse fantasmas ajenos.

  Ambos personajes, manteniendo su línea shakesperiana, se muestran como  seres con añoranza de encontrar la estabilidad en sus vidas, cumplir sus objetivos. Los dos reniegan la posición que el destino les ha dado en el presente, más los dos piensan que hay algo más allá de los universos que comparten, ambos podrán descubrir de que se trata al reflexionar juntos y recordando sus historias.

 ¿Por qué la asociación a Gaader?, porque justo como él hace en  El Mundo De Sofía, Sanchis Sinesterra propone enfrentar a dos personajes  en directo a su creador, poniendo en la mesa la posibilidad de abandonar su plano para integrarse en forma espiritual al del ser que les ha dado vida y los ha colocado en tales infortunios.  Se burla de sus absurdos y de su prisa por vivir mediante un discurso circular que entrevé la locura sujeta a ambos caracteres, todo bajo un lenguaje isabelino mezclando en el coloquial contemporáneo.

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 Ignacio Flores de la Lama dirige esta fantasía cómica, poniendo a los personajes sobre un armatoste escenográfico a base de madera que emula cajones, muebles, puertas, escalera y demás elementos sin relación aparente pero en un orden estratégico, todo esto representando la mente del Bardo. Es ahí donde el director propone acercar la reflexión de la verdadera propiedad y validez de los actos que una persona toma en su vida a juzgar por la sombra del designio superior que así lo quiso primero. Un acercamiento incluso muy leve a la cuestión de autenticidad del libre albedrío y sus teorías a favor y en contra.

 Shakespeare es una excusa para imaginar el interior de cualquier persona expuesto a los mandatos de la superioridad que rige al universo y la forma de poder escapar a la orden y construir el propio camino.

 Ausencio Cruz y Daniela Zavala encarnan a los desdichados personajes con una actuación justa y digna. Bajo la batuta de De La Lama, construyen seres si bien sujetos de raíz al ingenio del escritor inglés, cercanos a la realidad de un ser humano de la misma edad que representan y con las mismas limitantes, sin olvidar el sentido de la fantasía. Resultando dos actuaciones que son cercanas y disfrutables, que corren sin tropiezos con la trama e interactúan con gran naturalidad.

 Este desolado páramo, dónde los dos seres unen su desolación para aborrecer sus infames realidades, tiene dos puntos de quiebre: el pausado ritmo que puede llegar a perder la conexión con la audiencia y la iluminación. Esta última bastante simple y que si bien tiene muy buenos momentos, expone en su totalidad el espacio en general y desaprovecha los puntos de atracción fuertes a los elementos destacables. Otro elemento en tela de juicio podría ser el diseño del vestuario, el cual se aleja (en especial con Julieta) del contexto de los personajes y los muestra impecables y radiantes, contradictoria situación al resto de la puesta.

 La puesta en general es altamente disfrutable y recomendable, además logra generar el punto de reflexión en la audiencia y salvar la comicidad isabelina. Sin embargo insisto, para los que podemos relacionarla directamente a la obra de Gaarder no se sentirá tan auténtica, aunque no permeará en el gozo.

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Originally posted 2014-05-14 12:18:31. Republished by Blog Post Promoter

Tierra de Nadie, Baron Negro en Querétaro

El pasado domingo 28 de julio del presente año el grupo de teatro Barón Negro tuvo una participación dentro del Festival Cultural Santiago de Querétaro con motivo del 482 aniversario de dicho estado.

El grupo conformado por MaFer Monroy, Carlos Casas y Fabián Verdín en escena, Roberto Ramírez en musicalización y Jean Paul Carstensen bajo la dirección, tuvo la oportunidad de presentar su ya conocida puesta en escena titulada Tierra de Nadie.

La historia se desarrolla sobre un escenario bastante sencillo compuesto por varias mantas que pueden ser acomodadas de diferentes maneras y de una forma rápida, todo esto para facilitar el trabajo de los actores, de la misma manera la utilería y vestuario son simples, sin dejar de lado la estética de la producción.

La presentación se llevó a cabo en el Cineteatro Rosalío Solano, ubicado en el centro histórico de la ciudad. En punto de las 18:00 horas los asistentes tuvimos acceso al lugar y a las 18:10 horas se dio la tercera llamada con la cual la obra dio inicio.

La historia gira en torno a tres personajes principales, el señor Craw, Leonor y Kame, quienes se encuentran en un lugar llamado “Tierra de Nadie”, un espacio en el que se asegura era muy diferente, lleno de árboles, flores, animales y demás cosas que hacen que un lugar sea bonito y agradable para vivir, sin embargo ahora es una tierra árida, seca y sin vida; Además de todo en dicho lugar los personajes adquieren una personalidad totalmente diferente a la que tenían en vida, sumándole que con frecuencia olvidaban de dónde venían o hacia dónde iban.

El clímax de la obra llega cuando después de una larga caminata, y el encuentro con un gato sabio se descubre que el señor Craw en realidad es el padre de Leonor, el inconveniente de todo esto es que debido a los actos realizados en vida a Leonor no le pertenece estar ahí ya que los dioses la exigen por su buen comportamiento.

El momento más emotivo, en el que incluso hubo personas que llegaron a las lágrimas, se encuentra cuando Leonor y su padre se tienen que despedir.

Al preguntar a Carlos Casas, uno de los actores de dicha obra ¿cuál es el mensaje que buscan transmitir? Nos contestó “Hablar sobre la pérdida cuando se presenta la muerte, además de esto provocar una reflexión sobre los actos que realizamos en vida teniendo en cuenta que tal vez algo o alguien nos lo cobre en una vida posterior.”

Así mismo nos dimos a la tarea de preguntar a varios espectadores, ambos estudiantes de la carrera de comunicación, su opinión acerca de la puesta en escena, nos contestaron lo siguiente:

Paulina Reséndiz nos dice “Fue una buena obra en la que para muchos el mensaje que deja significa bastante, de igual manera la actuación de los chavos fue muy buena.”

Néstor Moya nos comenta “La obra fue muy buena, técnicamente me gustaron mucho los movimientos de los títeres y las emociones que lograban proyectar, como mensaje me deja que aun después de la muerte debemos cumplir con un destino.”

Cabe mencionar que el lugar estuvo lleno de gente, que con sus risas y aplausos enriquecieron de manera sorprendente dicha presentación.

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