Un alarmante rumor se está difundiendo por la red, y aunque aún es algo que ninguno de los involucrados y/o algún otro portal han siquiera mencionado, la sola idea hace temblar a los amantes de la animación y el animé. Con la última película del maestro Hayao Miyazaki en salas de cines comerciales, y con la expectativa de dos nueva producciones circulando por el mundo, el legendario Studio Ghibli podría cerrar sus puertas y detener la creación de largometrajes animados.
Según el sitio de Internet Koi-Nya.net, el estudio ha decidido abandonar la labor realizada por tantos años. Si bien el futuro de la compañía ya era incierto con el retiro de Miyazaki e Isao Takahata, se ha hablado mucho de que aún hay vida después de estos dos genios. Hay que recordar que hace poco se dio el anuncio de una serie animada que ya estaba en proceso de producción y que sería dirigida por Goro Miyazaki, de la cual no se ha hablado nada al respecto.
Personalmente, veo poco probable que eso ocurra, sin embargo tampoco parece ser una noticia tan inverosímil. El reto de mantener la calidad de las películas sin el equipo que creó y levantó el estudio es grande, sin embargo no es imposible.
Ahora, es más factible la razón que este portal explica, y que considera que los altos costos de producción y las bajas ganancias del estudio recientemente los ha llevado a retirarse. Se menciona que la penúltima película ya presentada La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2013) no recaudó el dinero esperado, volviéndose un fracaso y condenando el futuro de la empresa.
Es desconcertante escuchar este tipo de noticias, sobre todo porque sabemos que Ghibli es un estudio que se ha caracterizado por la calidad que maneja, aunque no siempre sea comercial. Pensaríamos que luego de tantos años de proyectos con altas y bajas, los propietarios ya estarían listos para crisis de esta índole. Por lo pronto nos sentimos aliviados de que parece ser un mero rumor y esperamos que resulte serlo.
Mientras se da una confirmación o negación de esta noticia, seguimos en espera de las aventuras de Kaguya y de la más reciente cinta, El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014), la cual reveló hace unos días su más actualizado tráiler, que les compartimos a continuación. La cinta acaba de estrenarse en cines japoneses, así que roguemos por que el éxito que tenga sea lo suficientemente aceptable para salvar el futuro de este extraordinario estudio que nos da más que películas de animé, nos da arte en todos los sentidos.
Originally posted 2014-07-24 01:07:20. Republished by Blog Post Promoter
El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)
La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.
La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.
Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.
En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.
Originally posted 2014-11-10 09:00:52. Republished by Blog Post Promoter
Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.
La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.
En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.
La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.
También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.
Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.
Originally posted 2014-11-06 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter
Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.
Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.
Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.
En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.
La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.
Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.
La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.
Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.
Originally posted 2014-10-27 10:42:19. Republished by Blog Post Promoter
Para algunos quizá el nombre de Studio Ghibli no diga demasiado, sin embargo para los amantes de la animación y el animé definitivamente es uno de los términos más emblemáticos, amados y legendarios del medio. Próximamente podremos disfrutar en cines comerciales la más reciente producción de este estudio, (y curiosamente) uno de los más esperados al ser la obra de despedida de uno de los dos genios detrás de esta maravillosa empresa: Hayao Miyazaki.
¿Pero… ya que él y su compañero, Isao Takahata, junto a otros talentos característicos del estudio están prácticamente en el retiro, la calidad de sus producciones se verá afectada? Si bien es cierto que no todas las cintas han sido dirigidas por estos dos maestros, siendo ejemplos de ello películas como: Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea, 2006), El Regreso del Gato (The Cat Returns, 2002), Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1993), La Colina de las Amapolas (From Up the Poppy Hill, 2011), El Mundo Secreto de Arriety (The Borrower Arriety, 2010) y la queridísima Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995); la verdad es que tanto Miyazaki como Takahata han estado siempre al pendiente de lo que se realiza en sus dominios.
Luego de varios años de intenso trabajo, el estudio finalmente se despide de ambos (al menos eso parece) y algunos pudieran estar preocupados al respecto. No obstante, recientemente se ha revelado el tráiler del que será el primer largometraje hecho enteramente con la ausencia de los antes mencionados. El título del proyecto es When Marnie was There (con una traducción tentativa de “El Recuerdo de Marnie”), estará basado en la novela de la británica Joan G. Robinson y será dirigido por Hiromasa Yonebayashi.
La historia trata sobre Anna, una adolescente solitaria y con serios problemas para relacionarse que pasa una temporada con una familia cerca de la costa. Ahí conoce a Marnie, una extraña muchacha que se volverá su amiga y juntas irán develando varios misterios que las implican a ambas. Como podemos apreciar en el tráiler, el estilo de Ghibli se mantiene muy fiel y de hecho los conocedores de su filmografía podrán encontrar diversas similitudes con cintas anteriores, quizá algunos homenajes a sus fundadores. Sin embargo, el estilo también tiene cierta frescura y promete algunas sorpresas y cambios, se ha mencionado que la cinta será de un tono un poco más oscuro.
Por lo pronto podemos estar tranquilos y expectantes de lo que esta nueva producción nos ofrece, seguramente el estudio está en muy buenas manos y aún seguirá fascinándonos por muchos años más. Lo único malo de todo esto es que aunque la película se estrenará pronto en Japón, aún faltará tiempo para que llegue a México. Mientras tanto, (como mencioné) pronto podremos disfrutar de películas, como: Se Levanta el Viento (The Wind Rises, 2013) y muy posiblemente La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013). Así que otakus, animadores y amantes del buen cine, la espera ha comenzado.
Originally posted 2014-07-10 01:06:57. Republished by Blog Post Promoter
Sin duda alguna, la obra más famosa y conocida (aunque no la más premiada) del maestro Hayao Miyazaki es una cuya elaboración tomó muchos años, pasó por las manos de varios directores —algunos incluso que no eran de la familia Ghibli—, y que muestra la belleza de la música, el arte y las clases sociales en una mezcla de la modernidad con la edad media. Una obra entrañable que no por nada está entre las favoritas del estudio. Un proyecto muy agotador que incluso indirectamente causó conflictos entre Miyazaki y su hijo Goro (asunto que explicaré en otra nota).
El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) está basada en la novela de la escritora inglesa Diana Wynne Jones y nos cuenta la historia de Sophie, una joven bella y dulce, pero con una autoestima y una seguridad deplorables. Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su madre y tiene una vida aparentemente simple hasta el día en que conoce a un extraño joven mago en la calle. La aparición de este mago traerá consigo muchos cambios a la vida de Sophie, siendo el mayor de ellos un hechizo arrojado por la bruja Calamidad que convierte a la muchacha en una mujer anciana.
El mago en cuestión resulta ser Howl, dueño del castillo vagabundo que le sirve de refugio (portátil) para no ser descubierto por la bruja Calamidad ni otros adversarios que están detrás de él. Sophie termina viviendo con Howl y sus ayudantes Mark y el demonio Kaisifer, y juntos emprenden una gran aventura con el fin de ayudar a Howl a conseguir eso que tanto le falta: un corazón, y de paso, romper la maldición que pesa sobre Sophie.
Como podrán ver, es una de las tramas más complejas de la filmografía de este estudio y aunado con la brillante y hermosa música de Joe Hisaishi, más el talento de los animadores Ghibli, los artistas de fondos y la dirección de Hayao, la película es una verdadera joya del anime, la animación y el cine. Tuvo un éxito muy grande siendo una de las películas más fructíferas del estudio, pero no sólo por la genialidad con la cual está elaborada, sino por su contenido.
La construcción de personajes es magistral, resaltando a la adorable Sophie y su transformación a lo largo de la cinta de ser una muchacha tímida a una valiente mujer capaz de arriesgarse a todo con tal de proteger a los que ama. En ocasiones incluso nos recuerda al cuento clásico “La Bella y la Bestia”, donde la hermosa joven ve la belleza en un ser que todo mundo considera un monstruo, y es que literalmente, Howl en ocasiones es un monstruo.
Nos muestra la importancia de cosas como el valor, el amor, la amistad e incluso la piedad. La importancia de apoyar a otros, pero de una forma moderada que no incluya el abandono propio, además de la valía de la gente por su interior dejando de lado la belleza exterior, misma que a veces nos lleva al camino del egoísmo y la vanidad. Es una película brillante que nos ofrece una tierna historia de amor y magia en medio del horror de la guerra por cuestiones banales de ciertos gobiernos.
La cinta ganó diversos reconocimientos alrededor del mundo, incluyendo la segunda nominación al Academy Award por la categoría de película animada, y aunque no logró llevarse la estatuilla, es indiscutiblemente una de las cintas más sobresalientes de aquella premiación. Un regalo a los sentidos, un viaje fantástico del cual nadie debe perderse. Los invito a ver la película y dejarse llevar por ese maravilloso y misterioso castillo, ¿A dónde? A donde su imaginación se los permita.
Originally posted 2014-11-24 09:00:44. Republished by Blog Post Promoter
Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.
Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen. Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.
Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.
La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.
La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.
Originally posted 2014-10-09 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter
Si bien tanto Isao Takahata como Hayao Miyazaki han sido colegas desde hace varios años, así como ambos maestros de la creación de historias y de la animación, es cierto que cada uno tiene un estilo único y especial. Takahata es, sobre todo, un artista con una visión un tanto más centrada e incluso realista, misma que plasma en sus películas. Podría decirse que la filmografía de este hombre es en algunos aspectos la más madura del Studio Ghibli, aún así, su tercera película dentro del estudio verdaderamente dejó volar su imaginación y nos llevó a un mundo donde la fantasía y el surrealismo están al tope, pero eso sí, reflejado en un problema global muy real.
La Guerra de los Mapaches (Pompoko, 1994)es una película muy peculiar, quizá pudiese resultar difícil de entender y disfrutar para ciertos sectores del público, algo confusa debido a la gran cantidad de elementos y estilos que maneja, pero esa misma extrañeza es la que la vuelve una obra maestra. La historia se centra en la tragedia de un grupo de mapaches (O Tanuki) que luchan contra el inmenso problema que el ser humano ha llevado a sus vidas: la expansión del hombre ha ido destruyendo los bosques y espacios naturales, y por consiguiente, elimina el hogar de estos animales. Afortunadamente, ellos no están del todo indefensos, ya que poseen la mágica habilidad de transformarse en todo tipo de objetos y animales (incluso humanos), misma habilidad de la cual hacen uso para combatir esta amenaza a su hábitat.
La historia tiene un evidente y muy importante mensaje de concientización que nos demuestra que el progreso es bueno e importante, pero que aunque nuestras intenciones sean positivas es vital darnos cuenta que a veces ese avance nuestro representa un gran daño para nuestro planeta y las criaturas que en el habitan. En ocasiones la película pudiera parecer un fábula infantil, sin embargo la cinta está llena de momentos dramáticos, trágicos, desgarradores y por supuesto, maduros. En la historia vemos la melancolía de la muerte, el horror y el daño que el odio desenfrenado produce. También temas como el crecimiento, la adolescencia e incluso la vida sexual son tratados en esta película.
Es curioso el hecho de que los tanukis sufren múltiples cambios en su apariencia durante la película; en ocasiones tienen un diseño totalmente realista y como animales que son, pero luego se vuelven antropomorfos y finalmente adoptan apariencias totalmente caricaturescas. Estos cambios son justificados por la habilidad de transformación de los personajes, así como una manera de enfatizar sus estados de ánimo.
Visualmente la historia también es una maravilla y la música es simplemente hermosa. La dirección de Takahata la hacen un éxtasis a los sentidos cuando se está viendo, sin embargo, la película seguramente encontrará un sector del público que la amará y otro que podría no gustar de ella. La narrativa a veces se torna algo confusa, sobre todo por momentos en que se mantienen largas conversaciones filosóficas entre personajes que pudieran desorientar e incluso cansar al espectador.
Así pues, no puedo evitar señalar el principal detalle en la cinta que seguramente nadie pasará por alto y que probablemente incomodará a algunas personas al grado de dejar de ver la película (aunque puede tornarse en un toque muy cómico para otros). Ignoro el motivo por que el director decidió manejar esto, simplemente puedo aventurarme a especular sobre alguna metáfora de los puntos especiales del cuerpo donde guardamos energía (díganse chacras). El punto al cual me refiero es la constante presentación y referencia a los órganos sexuales masculinos presentes en todo momento en los personajes de este género. Y no me refiero sólo a que siempre están visibles, sino que literalmente en varias escenas los testículos son presentados como un punto de poder en los tanukis, inclusive una parte del cuerpo que puede ser usada como arma.
A pesar de este punto tan peculiar, considero que la cinta es apta para toda la familia, requiriendo eso sí algunas explicaciones a los espectadores más pequeños. Al final, el sabor de boca es totalmente agradable, terminamos por sentirnos identificados con los tanukis e incluso quererlos. Como punto adicional, y para los seguidores del estudio, existe un pequeño cameo al personaje de Kiki, la brujita (creada por Miyazaki) durante la cinta. Se trata de una película de apariencia infantil pero que resulta una experiencia muy madura, una excelente cinta de animación que les recomiendo ampliamente.
Originally posted 2014-10-16 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter
Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.
Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.
Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.
Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.
Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.
También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.
Originally posted 2014-08-07 09:00:08. Republished by Blog Post Promoter
Después de que el adorable Totoro hiciera su aparición, Hayao Miyazaki optó por seguir en el camino que había elegido con su anterior producción, el infantil. La siguiente película del estudio y del director en cuestión, es probablemente una de las más débiles en esta filmografía, de hecho es una de las pocas que este escritor ha escuchado decir a algunos un rotundo “no me gustó tanto”. Mencionaba que Totoro no había sido la gran obra de Miyazaki, pero todo indica que el público le tomó más cariño que a esta nueva cinta. Ahora, tampoco digo que sea una mala película y que fue odiada por todos, ya que el Studio Ghibli parece tener ese toque divino del rey midas en el que lo que hace, termina convirtiéndose en cine de culto. Simplemente es una película que no gozó del aprecio de otras producciones.
Kiki: Entregas a Domicilio (Majo no takkyûbin, 1989) nos cuenta una historia sencilla pero cumplidora acerca de una pequeña brujita que llega a una edad en la que, como se acostumbra, debe emprender un viaje de un año lejos de su hogar para entrenar sus habilidades mágicas. Kiki, la brujita, acompañada de su gato parlante, Jiji, viajan hasta una pintoresca ciudad junto al mar en donde se hacen amigos de un matrimonio de panaderos. Ellos les dan asilo en su hogar y no pasa mucho tiempo hasta que Kiki encuentre un uso a su habilidad de volar en escoba, ser repartidora a domicilio. Durante su estancia en dicha ciudad, Kiki conocerá a varios amigos y vivirá diversas aventuras que la ayudarán no solo a desarrollar sus poderes, sino a fortalecer la confianza que tiene en sí misma.
Irónicamente y aunque no sea una de las cintas en las que la gente piensa en primer lugar cuando escucha el nombre de su creador, la película tuvo muy buena recepción en Japón durante su estreno. Así mismo, fue la primera película del estudio que fue distribuida de forma internacional. Y es que aunque no cuenta con una historia tan elaborada como las que acostumbra hacer Miyazaki, resulta ser una película bastante entretenida y disfrutable.
La animación y el manejo artístico son impecables de igual modo y resulta divertida la similitud que tiene la protagonista con Sheeta, personaje de otra cinta del estudio: Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986). Además, los más observadores descubrirán un muy sutil cameo de la brujita en cinta de Isao Takahata, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994) de la cual hablaremos en otra ocasión. Los personajes son carismáticos y en momentos de verdad podemos sentir pena por las situaciones por las que pasan, lo que demuestra un manejo muy adecuado de la cinta en cuanto a inmersión.
Cabe destacar además la banda sonora, ya que la película tiene una de las canciones más pegajosas en la historia del estudio y del anime, es imposible no querer ponerse a bailar mientras la escuchar. Al final de cuentas, la película no es tampoco la obra máxima de Ghibli y Miyazaki, pero es una película en verdad recomendable y que les aseguro, no se arrepentirán de darle una oportunidad.
Originally posted 2014-09-22 09:48:49. Republished by Blog Post Promoter
Volviendo a la silla del director, y presentando una de sus obras más memorables y quizá la que contiene el mensaje más ambientalista, Hayao Miyazaki decidió dedicar su siguiente proyecto a una heroína para algunos similar al personaje de Nausicaä (también creación de Miyazaki) y tomando aspectos de obras como el libro de la selva de Kipling, pero dándole un enfoque más espiritual y hasta bélico.
La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997) está ambientada en la edad medio de Japón, y nos cuenta la historia del príncipe Ashitaka, un joven que luego de enfrentar a un demonio por salvar a su pueblo queda con una lesión que puede acabar con su vida si no la atiende de forma apropiada. En búsqueda de sanación, el príncipe se aventura lejos de su hogar y llega a una ciudad donde el hierro y la industria domina, este lugar es liderado por una ambiciosa mujer que está dispuesta a hacer cualquier cosa por el progreso, incluso destruir el bosque y a los espíritus que lo habitan. Ashitaka es recibido por los pobladores de esta ciudad y no tarda en darse cuenta de los planes de su líder, mismos que son frustrados por una misteriosa muchacha que vive en el bosque y que, se cree, fue criada por los espíritus lobo.
De este modo, Ashitaka se ve involucrado en una guerra entre el mundo natural y espiritual contra la ambición de los humanos y su necesidad de dominarlo todo. La historia para algunos es muy parecida (casi idéntica) a la de Nausicaä, como ya mencioné, sin embargo en esta producción se distingue un avance en la animación y un estilo muy distinto. No es que la anterior película tenga una mala realización, sino que aquí se nota un poco más la mano del director, con una elaboración más pulida y con claros homenajes a las películas de Kurosawa, de quien Miyazaki es un gran admirador.
Esta película es por demás asombrosa, la ambientación es impresionante así como el diseño de las criaturas, desde los simpáticos Kodamas hasta el imponente espíritu del bosque. Tiene un carácter un tanto más maduro e incluso algunas escenas podrían catalogarse en el género de Gore. Aun así, la película es apta para el público de todas las edades. La música corre a cargo de Joe Hisaishi, otro nombre conocido en la filmografía de Ghibli y nos crea una banda sonora que solo se puede catalogar como espiritualmente genial.
Se dice que esta película pudo ser víctima de cierta censura y de una edición ajena a lo que el director había deseado, sin embargo, el estudio se negó rotundamente a aceptar esto, por lo que la cinta no fue tocada en ese sentido. También se comenta que fue un proceso complicado y difícil, con largas y pesadas sesiones de dibujo que provocaron que Miyazaki usara vendajes en su mano en la última etapa de producción.
Se trata de una de las películas más representativas y famosas de Ghibli, una obra con una calidad impecable que aunque no nos muestra el típico final feliz, nos da un desenlace muy apropiado y una historia digna de contarse, y lo más importante, bien elaborada. Un deleite a la vista y el oído que recomiendo totalmente.
Originally posted 2014-10-30 09:00:29. Republished by Blog Post Promoter
En el 2010, el Studio Ghibli nos impactó de nueva cuenta con una gran producción, esta vez tampoco bajo la dirección de Hayao Miyazaki. Basada en la novela de fantasía “Los Incurtores” de Mary Norton, el estudio llevó a cabo la realización de la cinta El Mundo Secreto de Arrietty (Karigurashi no Arietty, 2010) bajo la dirección de, en ese entonces novato, Hiromasa Yonebayashi y cuya labor con esta película le otorgó un lugar importante en el estudio, recientemente terminó su segunda obra, la cual aún no ha llegado a nuestro país.
La película trata sobre un muchacho enfermizo de nombre Shaw que visita la casa de una tía en el campo con la esperanza de mejorar su salud y prepararse para una operación a la que será sometido pronto. En su estancia, Shaw descubre que la casa es habitada por pequeñas personas que se dedican a tomar prestados varios artículos de los humanos para sobrevivir. Una de ellas es Arrietty, una valiente chica que tras ser vista por Shaw entabla una amistad con él que lo llevará a conocer las maravillas de su mundo, y a ella, le mostrará que algunos humanos son peligrosos, pero algunos son confiables.
Hiromasa logró un producto de gran calidad que se convirtió en un gran éxito de taquilla, además del record de ser el director más joven en la historia del estudio. Hayao Miyazaki estuvo muy al pendiente de la producción de la película, de hecho el guion es de su autoría, y permitió que la realización se adaptara al nuevo talento que estaba naciendo. En esta ocasión la música estuvo a cargo de la compositora francesa Cecile Corbel, cuyo trabajo es verdaderamente memorable al entregar piezas musicales llenas de fantasía y un poco de misterio a la vez. Esta compositora, como dato adicional, se dijo fanática del Studio Ghibli e incluso confesó haberse inspirado en varias películas de Miyazaki y Takahata para las canciones.
El éxito fue tal que la película logró superar a Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) en varias regiones y recaudó un aproximado de 110 millones de dólares, representando casi cinco veces el dinero invertido en su creación. No es de extrañar esto, ya que la película es hermosa en todos los sentidos. Desde su animación perfecta hasta sus paisajes tan bien elaborados que nos transportan de un pequeño pero bello jardín oriental desde la perspectiva humana hasta toda una jungla desde la vista de los diminutos.
Si aún no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una de las cintas de Ghibli más disfrutables en todos los sectores del público y una cinta obligada para los amantes de la magia y las historias donde enaltecen el valor de la amistad. Arrietty, una pequeña gigante del mundo de la animación.
Originally posted 2014-12-04 09:00:31. Republished by Blog Post Promoter
Luego del despido de Isao Takahata de Toei Doga, él y su pupilo Hayao Miyazaki decidieron seguir orientando sus talentos a la creación de películas y series animadas. La siguiente creación de este par fue definitivamente la película más infantil e incluso ingenua de su haber. Se trata de dos cortometrajes que unidos forman una cinta de amistad y fantasía, Las Aventuras de Panda y sus Amigos (Panda Kopanda, 1972).
Este fue de los primeros esfuerzos de Miyazaki como escritor y guionista, y de inmediato mostró su amor por las historias orientadas a los niños. Con un relato creado por él mismo y la dirección de Takahata, la cinta se llevó a cabo sin mayores complicaciones y con un éxito aceptable. Es una película muy simple tanto en diseño como en historia y con el único propósito de entretener a los más pequeños. Para algunos, esta película pudiera parecer la más floja del estudio (que aún no existía), sin embargo y a pesar de su aire demasiado ingenuo, también es considerada por muchos como una obra de culto.
La historia sigue las aventuras de Mimiko, una alegre e independiente niña que tras quedarse sola en casa es visitada por un pequeño Panda y su padre, con quienes forja una relación de amistad y un trato un tanto inusual, aunque en cierta manera, conmovedor. Mimiko es una niña que no tiene padres, por lo que Papá Panda decide ser su padre a la vez que ella se vuelva la mamá (¿y hermana?) adoptiva del hijo Pandita. De ese modo y como una familia feliz, pasan toda clase de aventuras con los habitantes de la villa, el personal del zoológico y el circo, siendo este el hogar de otro de sus amigos, un juguetón tigrito.
La película va directo al punto y no se mete en demasiados detalles, por ejemplo, jamás es explicado como alguien puede dejar sola a una niña de menos de 10 años de edad. Sin embargo es una situación entendible considerando que es un planteamiento totalmente fantástico e incluso de fábula. Vamos, todos llegamos a disfrutar de cuentos que no tenían mucho sentido cuando éramos niños, y como he dicho desde el principio, esta película va dirigida totalmente a ellos.
Lamento decir que a diferencia de las otras cintas infantiles de Ghibli, esta sí podría tornarse en un padecimiento al público adulto. La trama es completamente sencilla e inocente, los chistes infantiles y absurdos están en todo momento, hay elementos simpáticos pero algo cursis en la cinta. Por ejemplo: cuando el Pandita y el Tigrito se conocen hay toda una conversación entre ellos que consta de frases tales como “Soy un Pandita”, “Soy un Tigrito”, “¡Qué bien, que bien, un pandita!”, “¡Que bien, que bien, un lindo tigrito para ser nuestro amigo!”. Creo que con este ejemplo ya pueden darse una idea del tono de la cinta.
A pesar de eso, la cinta es bastante entretenida. Si son capaces de apagar su mente por un rato y volver a la infancia (pero en serio volver a ella) la pasarán muy bien. La animación y el arte son simples, pero con un estándar de calidad dentro de esa sencillez muy buena. Todo es visualmente agradable y los amantes del Studio Ghibli encontrarán en la cinta diversos elementos que surgieron ahí y que reconocerán de otras películas de Miyazaki. El parecido de Papá Panda con el personaje Totoro, es sin duda el más representativo de ellos.
No es una cinta para todo público, de hecho pudiera ser que la única manera de que un adulto disfrute de ella totalmente es siendo fan de Ghibli. Aún así es una película que vale mucho la pena y que los niños seguramente adorarán. Como dijeron alguna vez, esos dos “estaban empezando”, pero en verdad fue un inicio bastante bueno.
Originally posted 2014-08-14 09:00:11. Republished by Blog Post Promoter
Finalmente hemos llegado a la última parte de este especial sobre las grandes obras del Studio Ghibli. En esta ocasión hablaré sobre la penúltima película que ha llegado a nuestro país, la última es una de la cual ya hablé con anterioridad y cuya nota pueden leer aquí.
Volviendo al tema, en el 2011 Goro Miyazaki volvió a sentarse en la silla del director, esta vez con una película un tanto menos fantástica en tema, pero más grandiosa en profundidad. La cinta en cuestión es La Colina de las Amapolas (Kokuriko-zaka kar, 2011) , una cinta de romance que nos relata la travesía de un par de jóvenes. Por un lado tenemos a Umi, una jovencita que vive con su abuela y sus hermanos en una casa de huéspedes y cuyo padre falleció tiempo atrás en el mar. Por otro lado está Shun, un muchacho que vive en el puerto y que colabora en el periódico escolar.
Cuando Umi y Shun se conocen rápidamente da inicio una relación en un principio conflictiva, pero poco a poco se vuelve amistad y (adivinaron) amor al final. No obstante, la tierna historia romántica de ambos se ve nublada por la decisión de los adultos de destruir la adorada casa de los clubes donde Shun trabaja, por lo que deberán unir fuerzas con sus amigos para salvar ese recinto tan importante para todos los estudiantes. Así mismo, una desgarradora revelación pondrá el amor de estos chicos en una situación que podría arruinarlo totalmente.
Quizá es la única película de Ghibli que no maneja temas de fantasía en ningún sentido, ni en forma de sueño, sin embargo es una de las películas más entrañables de estudio con una historia de amor que es lo suficientemente emotiva para aquellos románticos empedernidos, pero sin caer en el abismo de lo cursi o exagerado. La animación y el diseño de arte son igual de perfectos que todas las cintas anteriores y al terminar la cinta nos podemos dar cuenta del enorme avance que el hijo Miyazaki logró en su segundo trabajo como director.
Quizá el punto débil de la cinta es su parecido con otras películas de Ghibli (sí, hablamos de ti, Susurros del Corazón), lo que nos hace pensar que vimos la misma historia en otra versión y por definición terminamos comparándola. Y aunque efectivamente hay muchas similitudes y esta nueva cinta no llega al nivel de la antes mencionada, nadie puede negar que se trata de un producto no de gran, sino de enorme calidad en todo sentido.
La magia en esta versión además de la maravillosa ambientación de un Japón en épocas pasadas, es el fuerte lazo que crea el espectador con los personajes. Todo está tan bien logrado que uno puede identificarse con ellos, sentirse parte del grupo de alumnos e incluso añorar visitar esa hermosa (aunque muy destartalada) casa de clubes. Pocas cintas logran este lazo con el público y Ghibli era un estudio que definitivamente podía hacerlo. De esta manera nos quedamos con enormes expectativas de lo que Goro puede aportar a la animación y nos mantiene expectantes a las dos películas hechas por Ghibli que faltan por llegar a México, y desde luego, la noticia de que el estudio ha vuelto a abrir sus puertas.
Luego de todo este especial de cine de animé, que en mi humilde opinión es arte puro, sólo me resta decirles que si no han visto por lo menos una película que tenga este nombre adornando su portada, se están perdiendo de mucho. Studio Ghibli, una verdadera fábrica de sueños para chicos y grandes, hombres y mujeres, orientales y occidentales.
Originally posted 2014-12-08 09:58:06. Republished by Blog Post Promoter
El mismo año en que Isao Takahata hizo llorar al mundo con La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka, 1988), su colega Hayao Miyazaki compensó ese momento de tristeza con la que se convertiría en una de sus obras más icónicas. Se trata de una película orientada al público infantil, cuyo protagonista se volvió tan famoso que no solo se volvió la mascota de Studio Ghibli, sino que incluso tuvo su propio cameo en la cinta americana Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010). El título de la película: Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988).
La historia es aparentemente sencilla, nos cuenta la travesía de dos hermanas que se mudan con su padre al campo, la madre de las niñas sufre una enfermedad que la obliga a estar hospitalizada y lejos de su familia. Ayudados por sus vecinos y en un ambiente de completa paz, la familia parece llevar una vida ordinaria, sin embargo eso cambia cuando hermana mas pequeña descubre a un extraño animal parecido a un conejo enorme que vive en el bosque cerca de su hogar, dicho animal le recuerda a un ogro que aparecía en uno de sus cuentos para niños llamado Totoro, por lo que le da ese nombre a su extraño vecino.
No pasa mucho antes de que su hermana mayor se encuentre también con el gran Totoro y es así como una serie de aventuras dan inicio en un mundo donde la naturaleza va de la mano con la magia. Nuevamente y para variar, estamos ante una película llena de elementos imaginativos y en pro del medio ambiente; Totoro resulta ser una especie de guardián del bosque que enseña a las niñas lo importante que es permitir que todo crezca en la naturaleza, y lo hace de una forma divertida. El personaje resulta fascinante y lleno de carisma a pesar de no contar con diálogo alguno, es fácil ver el porqué Miyazaki lo tomó como su emblema.
Es difícil elegir qué enfoque se le debe dar a la película, ¿las niñas en verdad vivieron una aventura mágica?, ¿o se trata todo de un juego y producto de su imaginación? Sea cual sea la respuesta, es claro otro mensaje que Miyazaki nos pretende dar en esta obra, la infancia es una etapa de la vida realmente hermosa. El conflicto en la historia tiene varios giros que llevan a las niñas desde momentos llenos de ocio con Totoro, hasta ratos donde la preocupación y el miedo de perder a su madre las hacen sufrir demasiado. Es en cierta forma una cinta mística, pero a la vez muy realista y humana.
Como he comentado, la película va dirigida al público infantil y eso es notorio en gran parte de la cinta, aún así, el público adulto puede disfrutarla sin problema. Una película que todo amante de Miyazaki debe conocer y si bien dista de ser la obra más grande del estudio, en definitiva es la más representativa y totalmente digna de verse, y si es en familia, mucho mejor.
Originally posted 2014-09-18 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter
Con motivo de la triste noticia del posible cierre del Studio Ghibli, abro una nueva sección especial homenajeando a esta legendaria empresa de animación. La verdad es que el futuro de esta compañía es incierto y todo parece indicar que no pasará nada que lamentemos, más aún tras declaraciones de sus directivos en el cual anuncian la producción de algunos cortometrajes para ser exhibidos en el museo del estudio, ubicado en Tokyo.
Pero antes de hablar del estudio y sus logros, es importante conocer parte de sus inicios. Es bien sabido que el más famoso director que trabajó en el estudio fue Hayao Miyazaki, cuya fama se volvió tal que incluso ha opacado al genio que fuera su amigo, socio, y maestro, Isao Takahata.
Takahata ya era un nombre relativamente conocido en el mundo de la animación cuando Miyazaki llegó con él. Su amistad surgió cuando Hayao entró a trabajar a la empresa Toei Doga y quedar bajo el liderazgo de Isao, quien se encontraba elaborando la primera obra de este dúo (y quizá una de las más complicadas), Las Aventuras de Hols: El Príncipe del Sol (Horus: Prince of the Sun, 1968), también conocida como La Princesa Encantada.
Con Takahata en la dirección y Miyazaki en el departamento de animación, la película fue uno de los proyectos más escabrosos de la compañía. La falta de recursos, altos costos, tiempos de entrega que no lograban cumplirse y como siempre, choques de visión entre la producción y el director hicieron de esta cinta una verdadera pesadilla en su proceso de elaboración. No obstante y a pesar de más de un momento en los cuales parecía que el proyecto quedaría estancado, la película fue terminada.
Desafortunadamente dicha película costó más de lo que recaudó, de hecho hay quien asegura que fue un fracaso que le costó su empleo a Isao Takahata. Al final, pasaría a la historia en la lista de las cintas que se han vuelto cine de culto cuando en su época fue tan menospreciada. Es una película difícil de conseguir (prácticamente imposible en formato original), pero que se puede encontrar en internet y créanme, es una cinta que no se arrepentirán de ver.
La animación es amateur, la paleta de colores muy sencilla y tiene varios errores de proporciones y continuidad. Se nota que es obra de principiantes, sin embargo, unos principiantes que pusieron gran amor y esfuerzo a su creación y esos detalles son los que hacen de esta película una joya.
Sí, la animación carece de muchas cosas, pero tampoco es una mala animación que no logre transmitir la historia que se pretende contar. Comparándola con los siguientes trabajos de este par, pareciera una obra menor, pero es una digna creación indirecta de Ghibli, que de hecho fue el parte aguas en una enorme faceta del animé.
La historia se desarrolla en la Edad de Hierro en tierras europeas y cuenta la travesía de Hols, un muchacho que a la muerte de su padre queda solo y debe valerse por sí mismo. Antes de morir, su padre le pide que viaje en busca de otros humanos que puedan aceptarlo, tarea que Hols cumple sin dudar. No pasa mucho tiempo antes de encontrar una aldea de pescadores que vive atemorizada por un monstruo marino, mismo que Hols derrota ganándose la simpatía de casi todos.
Las cosas parecen ser perfectas hasta que Hols conoce a Hilda, una niña solitaria con una hermosa voz que cautiva a los hombres cuando canta. Hols y Hilda entablan una bella amistad sin saber que la chica secretamente sirve al malvado Grunwald, un hechicero cuyo único objetivo es destruir a la humanidad.
El tono de la película es en su mayoría infantil, una historia de aventura y fantasía que incluye valores como la amistad, la determinación, el coraje y la importancia de luchar por el prójimo, sin mencionar animales que hablan. Aún así, la película no cae en un género que los adultos no puedan disfrutar, de hecho la cinta es madura y tiene momentos sumamente fuertes que abarcan temas como la muerte, la magia negra, traición, monstruos e incluso una sutil escena de desnudo.
Como mencioné antes, es una película que no está exenta de errores de todo tipo, pero la calidad y la pasión con la que fue hecha, el trabajo y el corazón impregnados en ella a pesar de lo difícil que fue son notorios y al final, el espectador puede percibir eso y el sabor de boca es muy agradable. Es una película que todo fan del animé debería conocer, y si son fans de Studio Ghibli, con mayor razón. Ampliamente recomendable, una cinta para todas las edades y digna de verse sólo por ser la semilla que dio origen a ese inmenso roble de magia animada.
Originally posted 2014-08-11 13:13:34. Republished by Blog Post Promoter
Regresando a las historias infantiles, Hayao Miyazaki decidió recurrir a un relato que escribió basándose en un serie de leyendas orientales, experiencias vividas en sus últimos viajes y quizá el punto clave, el cuento clásico de Hans Christian Andersen, La Sirenita; sin embargo, he de aclarar que su siguiente película no fue una adaptación de este cuento como erróneamente se pudiera pensar debido a su traducción en nuestro país. Más bien es una historia original basada en diversos elementos a modo de homenaje e incluso, ¿Por qué no decirlo?, de fanfiction.
El Secreto de la Sirenita, título en México, o su traducción literal, Ponyo en el Acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) es el nombre de este proyecto. La película es una de las que más distribución ha recibido del Studio Ghibli y es una de las pocas que disfrutó de una temporada en salas de cine mexicanas. Así mismo, la cinta recibió apoyo de distribución de forma más directa por parte de la empresa Disney e incluso ostenta el nombre de John Lasseter como uno de sus productores.
La película nos cuenta la historia de Sosuke, un niño que vive solo con su madre en una casa junto al mar, en un acantilado. Su padre es marinero y constantemente está de viaje, por lo que la vida de Sosuke se encuentra dividida en ese sentido. Su rutina cambia cuando encuentra un extraño pez con cara de niña que habla y gusta de los alimentos humanos. Rápidamente se entabla una tierna amistad entre el niño y su nueva mascota, siendo esta bautizada con el nombre de Ponyo. Lo que Sosuke no sabe, es que Ponyo es en realidad hija de Fujimoto, un hombre con poderes mágicos que vive en el mar y que está decidido a evitar que su hija conviva con el mundo de los humanos y se pierda el equilibrio de la naturaleza, dando así inicio a una gran aventura para ambos, sobre todo para Ponyo, quien cada vez se enamora más de los humanos y de hecho, comienza a convertirse en uno.
La historia es interesante aunque no es tan profunda como otras obras de Miyazaki, de hecho es muy sencilla y más siendo un producto hecho para niños. Sin embargo la película es ampliamente disfrutable, la imaginación de su director desborda en intensas secuencias donde olas convertidas en enormes peces golpean las costas y en otras escenas. El diseño de personajes y el diseño de arte son extraordinarios, así como la música de nueva cuenta compuesta por Joe Hisaishi. Como punto adicional, la canción principal de la película sin duda es de las más pegajosas jamás escuchadas y el que la escuche terminará cantándola el resto del día sin siquiera darse cuenta.
Esta producción nos habla de nueva cuenta de la importancia de mantener el medio ambiente, pero además le da un giro a este concepto cuando choca con otra lección: seguir nuestros sueños. Es interesante pensar en la contradicción que implica querer lograr nuestras metas (en este caso de una niña) y que el hacerlo tenga como consecuencia una gran catástrofe que afecta a todo el mundo. Es en este momento cuando nos enteramos que Ponyo es un cuento para niños, pero también tiene lecciones importantes para los adultos. ¿Una historia simple? Claro que si… tal vez… mejor ustedes decidan eso. Los invito a verla y dar su propio juicio, eso sí les aseguro, pasarán un rato muy agradable como con todo lo que Miyazaki ha logrado hasta ahora.
Como mencioné en la nota anterior, la realización de la cinta El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) fue causa de muchos conflictos para Hayao Miyazaki, incluida una pelea con su hijo. Y es que por hacer esa película, el maestro tuvo que renunciar a un proyecto que se suponía iba a dirigir pronto, mismo que fue tomado por Goro Miyazaki, el hijo en cuestión. Miyazaki padre vio con malos ojos que un proyecto de tal magnitud le fuera encomendado a alguien que no tenía experiencia en la animación y cuya labor actual era la de dirigir el museo Ghibli en Japón, tenía sus dudas con respecto a esta decisión aunque el involucrado fuera de su misma sangre.
A pesar de la negativa, sus colaboradores productores le dieron la oportunidad a Goro y fue así como nació la cinta Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006), basada en el primer volumen de las novelas escritas por la estadounidense Ursula K. Le Guin, misma que ya había negado el proyecto a otros directores (por lo mismo, este proyecto era muy importante). La historia trata sobre la travesía del príncipe Arren, un joven que huye de su hogar tras haber atacado a su padre el rey. En su camino conoce al archimago Gavilán, quien le brinda su apoyo en su camino, y eventualmente a Theru, una joven con quien establece una relación al principio hostil, pero luego de gran amistad. Juntos deben luchar contra el malvado Lord Cob (O Lord Araña, como fue traducido en nuestro país), en un mundo donde la magia y las criaturas legendarias son una realidad, siendo los dragones los más mencionados en la cinta.
Con un equipo de producción de primera, una banda sonora grandiosa hecha por Tamiya Terashima en donde se recurre a instrumentos medievales como la ocarina y la gaita, una de las canciones más recordadas y queridas del estudio y un director con nuevas ideas (y con el nombre de Miyazaki como plus), la película prometía mucho, de hecho en su semana de estreno fue la más taquillera, no obstante, su aceptación en otros sentidos no fueron demasiado espectaculares.
Para empezar, la escritora del libro llegó a comentar que no consideraba que fuera una adaptación fiel a su obra, de hecho y aunque elogió la película y su aspecto gráfico, negó que esa fuera su historia, lo cual denotaba cierto nivel de decepción. Hayao, por su parte, también tuvo sus reservas ante el resultado. Nadie negaba que Goro había hecho una buena película, un proyecto que se notaba hecho con el corazón, con una animación impecable y unos escenarios más que bellos, de hecho están en la lista de los más hermosos de la filmografía del estudio. Sin embargo, todos coincidían en que a pesar de ello, algo había faltado.
Probablemente se debía a la inexperiencia de Goro, tal vez a que muchas partes del libro fueron cortadas y otras quedaron sin explicarse y confundieron a la audiencia, o tal vez la inevitable comparación del padre al hijo fue causa de enormes expectativas que no quedaron satisfechas. La película no está mal, de hecho es muy buena, tiene unas secuencias de acción fascinantes y debo decir que incluso un toque de horror gótico que ya desearían producciones de alto presupuesto. Es maravilloso ver el estilo anime en una historia que parece llevarse a cabo en Inglaterra. Efectivamente no es una película que tenga todo ese sello encantador de Ghibli, pero tampoco es una que pueda ser descartada.
Es una cinta muy aceptable, verdaderamente buena y un excelente primer intento para un director novato. Aunque pudiera ser que no había mucha experiencia, se nota que el talento de su padre está ahí presente. Goro Miyazaki se ha convertido actualmente en una de las más grandes esperanzas del Studio Ghibli, y al ver sus dos obras actuales puedo decirles que la empresa de su padre está en muy buenas manos.
Si bien es cierto que el Studio Ghibli no ha llevado a cabo ninguna secuela de alguna de sus producciones (aunque según rumores, si ha habido interés por hacerlo), lo más cercano a una segunda parte que este estudio nos ha brindado es la siguiente película. Dirigida por otro nuevo talento del estudio, Hiroyuki Morita, El Regreso del Gato, o bien, Haru en el Reino de los Gatos (Neko no ongaeshi, 2002) es mas que una secuela o precuela, un spin off de la cinta Susurros del Corazón (Mimi wo sumaseba, 1995) también de Ghibli.
Según algunos involucrados, esta película estaba pensada para ser la adaptación de la novela que Shisuku escribe en la película antes mencionada, la cual contaba con un elegante gato como protagonista. No obstante, los conocedores de la historia notarán que esta nueva cinta no tiene mucho que ver con aquel relato de fantasía más que sus personajes. La historia nos cuenta la travesía de Haru, una joven que tras quedar comprometida por accidente con un príncipe gato es transportada a un mundo donde ellos gobiernan y desean convertirla en su nueva princesa.
Haru queda atemorizada ante esta situación, ya que a pesar de que le ofrecen una vida de lujos y vacía de conflictos, para un humano resulta prácticamente imposible adaptarse a un mundo de felinos. Por si esto fuera poco, ella misma comienza a convertirse en un gato y dependerá de El Barón, su héroe gatuno, salvarla de ese peculiar destino y llevarla de regreso a su mundo y a su vida normal.
Si bien no es una cinta tan magistral como otras que ha hecho el estudio, resulta ser un proyecto de gran valor y de gran calidad. Más aún considerando que se trata de una película que fue evolucionando de ser un corto para un parte de atracciones hasta todo un largometraje. Ambas historias no están conectadas y quizá eso es lo único que este servidor habría querido agregarle a la trama, pero fuera de eso, es una cinta muy disfrutable.
Con un estilo de arte más colorido, casi al pastel, y una animación maravillosa, la película es muy disfrutable sin llegar a volverse legendaria. Quizá el público infantil la encontrará ligeramente mas disfrutable que los adultos, pero eso no significa que nos sea algo que los mayores no puedan gozar. Recomendaría ver primero su predecesora, más para disfrutar de las múltiples referencias que hay a esa otra película, no obstante, la cinta es tan sólida como para ser entendible y vista de forma independiente. Eso sí, no puedes ver una y perderte la otra. Ambas son excelentes películas, ambas dignas hijas de estudio de Hayao Miyazaki e Isao Takahata.
Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.
Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.
Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.
Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.
También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.
Después de su gran éxito y de crear una de las cintas más tristes y fuertes en la historia del animé, el maestro Isao Takahata optó por llevar a cabo un proyecto mucho más amigable y sencillo en cuanto al tema se refiere, no obstante, con una narrativa un tanto más compleja. En esta ocasión, la película elaborada por Studio Ghibli se orientó más a la nostalgia y las vivencias pasadas con la maravillosa cinta Recuerdos del Ayer (Omohide Poro Poro, 1991).
La historia como tal es sencilla, Taeko es una exitosa mujer que está entrando a la edad de ser una “solterona” y decide pasar sus vacaciones visitando a unos amigos en el campo. En dicho viaje, ella recuerda diversos acontecimientos en su vida cuando iba en cuarto grado. A lo largo de la cinta tenemos una doble narrativa que nos muestra el viaje de Taeko adulta en el campo, aprendiendo de la vida y el trabajo en este difícil pero fascinante medio. Por otro lado, tenemos una serie de flashbacks donde vemos a la pequeña Taeko aprendiendo de la vida durante la escuela, en ese lapso encontramos etapas muy humanas como el primer amor, la aversión a cierto tipo de alimentos, la complicada vida de la hija menor en una tradicional y estricta familia japonesa, los infantiles sueños de estrellato e incluso, la atemorizante revelación de la menstruación para las niñas.
Aunque ciertamente la sinopsis pudiera no ser demasiado atractiva, he de decir que esta es una de las cintas más sólidas (en mi humilde opinión) del estudio. Es apta para verse por público de todas las edades, sin embargo son los adultos los que la disfrutarán más. Es imposible ver la película y no terminar con un agradable sentir nostálgico al mirar al pasado y recordar esos momentos tan mágicos y que a veces quisiéramos que volvieran. También la película nos da una lección de la forma en que nuestro pasado puede repercutir en nuestro presente y nuestro futuro.
Quizá el único punto que no es del todo disfrutable de la película es el diseño de los personajes, los cuales cumplen con creces, pero que tras un intento de Takahata por darles mayor realismo dibujándoles algunas líneas en las mejillas, más bien les da un toque de más viejos. Visualmente no es la película más atractiva en ese sentido, sin embargo el diseño de arte es excelso, destacando los fondos campiranos que no dejan de emocionarnos al vernos.
No es una película para verse cuando se busca entretenimiento puro, acción, emociones fuertes y demás. Es una cinta que indaga en nuestro interior y con la cual es muy fácil sentirse identificado, una obra maestra total y absoluta que de hecho cuenta con una de las secuencias finales más hermosas que se pueden recordar en el animé. La cinta es una aventura al pasado, pero también al presente. No llega al punto de sacarnos unas cuantas lágrimas, pero el sentimiento de nostalgia es tan intenso y puro como cuando volvemos a ver a un buen amigo luego de años de ausencia. A mi parecer, una de las mejores cintas de Ghibli y una película ampliamente recomendable, no se la pueden perder.
Aunque el Studio Ghibli aún no ha presentado una producción oficial para la televisión como tal, más que el proyecto titulado Sansoku no Musume Ronja (dirigido por Goro Miyazaki), la verdad es que los orígenes de la compañía fueron muy de la mano con la pantalla chica. Series que hoy en día se consideran legendarias y clásicos llenos de nostalgia, las famosas “caricaturas bonitas” de antes, varias de ellas son prueba del enorme ingenio de estos artistas. De hecho, algunas personas se han interesado por este estudio con sólo recordar esos títulos que marcaron su infancia.
Fueron diversas las series que llevaron a cabo, algunas como Ana de las Tejas Verdes (Akage no An, 1979), Chie la Gamberra (Jarinko Chie, 1981) y Sherlock Hound (Meitantei Hoomuzu, 1984), que quizá en México no sean demasiado conocidas. También tenemos otras series mucho más representativas como Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978), de la cual hablaremos en la siguiente sección, y también la exitosa Lupin III (Rupan Sansei, 1971), que también dejaremos para otra ocasión.
Como podrán apreciar, hablar de cada una de estas series nos llevaría mucho tiempo y muchas notas, por lo mismo, en esta ocasión hablaré de las dos series que mas destacaron del dúo Takahata/Miyazaki, tanto así que en México ganaron un público sólido y amante de su dulzura. Series que imagino todos conocemos aunque sea de oído. Basadas en famosas historias infantiles, estas series mantuvieron su target infantil, aunque con un toque ligeramente más maduro.
La primera serie es la famosa Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), basada en la obra de Johanna Spyri y que nos cuenta las aventuras de una pequeña niña que vive en los Alpes suizos en compañía de su abuelo, un anciano reservado y enérgico con la gente, pero que guarda un amor y una dedicación ejemplar para con su nieta. La niña también cuenta con la amistad de Pedro el pastor, el único ser humano que parece tener una buena relación con el abuelo y con quien pasa momentos increíbles ante la belleza de las montañas. La vida perfecta de Heidi se ve afectada cuando su tía Dette la lleva por la fuerza a la ciudad Frankfurt, donde se convierte en la mejor y única amiga de Clara, una niña inválida que vive a la sombra de la soledad y el estricto dominio de la señora Rottenmeyer, su institutriz.
Es poco lo que puedo hablar de esta serie y que nadie sepa, se trata de una historia conmovedora en todo sentido. Constó de 52 episodios y es una de las caricaturas más famosas en la televisión mexicana de antaño. Con una animación magnifica (y mas para la época), un diseño de fondos y arte espectacular, obra del mismo Hayao Miyazaki y una gran dirección por parte de Isao Takahata, no es de extrañar que esta caricatura sea tan querida por casi todos los que la han visto.
Cabe mencionar que la serie está llena de buenos mensajes y valores como la importancia de preservar la magia y la inocencia infantil, mantener la esperanza siempre aunque todo parezca en nuestra contra, la amistad, el amor familiar, el no juzgar a una persona sin conocerla antes, y por supuesto, lo maravilloso que puede ser alejarnos de aquello a lo que estamos acostumbrados y probar de repente cosas nuevas.
Sin embargo también hay puntos que para algunos pudieran no ser perfectos, como el hecho de que el personaje principal es una niña adorable y de un corazón noble y agradecido a más no poder, pero a la vez acostumbrada a hacer lo que quiere siempre y cuando esa libertad se ve limitada, termina volviéndose una víctima de los “malvados” adultos que tratan de imponer cierta disciplina. En el mundo de los niños es una visión sin pecados, pero algunos adultos quizá piensen que lo mejor es que los niños vayan aprendiendo la importancia del deber desde que son pequeños.
La segunda serie es una que no tuvo tanto impacto en México, pero eso no significa que no tuvo un muy merecido éxito. Muy similar a Heidi y basada en el libro “Corazón, EL Diario De un Niño” de Edmundo de Amicis, llegó Marco: De los Apeninos a los Andes (Haha wo Tazunete Sanzenri, 1976), también dirigida por Isao Tkahata y que nos cuenta la historia de Marco Rossi, un niño que se ve separado de su madre cuando esta debe viajar a la Argentina en busca de empleo para ayudar a su esposo, un médico bondadoso pero pobre. Por un tiempo, Marco y su familia viven normalmente en la ciudad de Génova, Italia, hasta que el pequeño nota que las cartas de mamá tardan más en llegar y una serie de pensamientos, sueños y eventos le hacen creer que ella está en problemas y necesita de él. De ese modo, Marco emprende una gran aventura hacia el continente Americano en busca de su madre, descubriendo en el camino desde amigos maravillosos como Peppino y su Tropa, hasta obstáculos demasiado fuertes para un niño, y que sin embargo, debe afrontar solo.
Esta serie ha sido comparada e incluso confundida con otra caricatura, Remi, el Niño de Nadie (le Nakki Ko, 1977), por la trama similar y la crudeza de algunos aspectos de la serie; pero no nos equivoquemos, que son dos caricaturas distintas. La serie es igual de conmovedora y bien hecha, con una animación y manejo artístico de primera, lecciones de vida que abarcan la amistad, el valor, la determinación y el porqué los humanos debemos apoyarnos entre nosotros. También muestra aspectos muy fuertes y negativos de la sociedad, gente capaz de robar a un niño indefenso y solo, o dejarlo a su suerte cuando este llega a pedir auxilio. Es una serie que nos muestra las dos caras de la moneda, la buena y la mala, ante la sociedad y en más de una ocasión nos hará reflexionar sobre nuestros actos.
Las dos son caricaturas brillantes y hermosas que todos deberíamos ver por lo menos una vez. Claro que es casi imposible que hoy tengan el impacto que tuvieron y que para algunos resulten series demasiado infantiles y hasta bobas en distintos aspectos. Pero recordemos que son caricaturas hechas para niños y contadas desde la perspectiva de los pequeños. Un rato para imaginar, historias llenas de valentía y problemas adultos que al final son superadas por la mente y alma de los más chicos, y aparentemente, los más vulnerables. Luego de verlas podríamos preguntarnos si el mundo no sería un mejor lugar si esos niños internos que todos tenemos jamás desaparecieran.
