No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

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Perra Brava

Perro que ladra no muerde, mata. Mata sin saber por qué; quizá es porque le dicen que lo haga. Porque es un animal fiel, leal, incondicional. En cuanto huele sangre, ataca. Mientras más olfatea, descubre que no sólo se trata de sangre, sino también de dinero, mujeres y poder. Deja de ser perro para convertirse en bestia.Scan10083

 Fernanda Salas, protagonista de “Perra brava”, nos muestra que hay dos clases de canes: los que obedecen y los que marcan territorio. Para Fernanda, la vida se trata de cuidar lo que es suyo: su hombre, el más fuerte, el más macho, el dueño de su vida y de tantas otras. Para la “perra”, las cosas son muy distintas. 

 Durante su relación con Julio, capo de Monterrey, se ve atrapada en un mundo que logra comprender (y dominar) muy tarde. A través de la historia, Fernanda deja de ser una chica herida por los golpes del pasado para transformarse en una persona con el alma desangrada. Cuando  era niña,  presenció la muerte de su madre en manos de su padre y, a partir de ese momento, lo único que busca es sentirse protegida en brazos de quien fuera lo suficientemente hombre. Así es como cae ante los pies de Julio.

“Perra brava” se desenvuelve en un mundo que sólo conocemos a través de las noticias y las notas amarillistas; sin embargo, es importante establecer que a pesar de que el narcotráfico es uno de los escenarios más importantes, no es este el hilo conductor de la historia, sino las vidas que dependen de la muerte, la sumisión, la violencia, la sexualidad y el amor.

 Alarcón nos ofrece una lectura  rápida e intensa. El lenguaje es común, e incluso vulgar, pero eso  ayuda a incorporar al lector aún más con los personajes. La novela está bien definida y sobre todo, destaca la importancia de los detalles. Se podría decir que está musicalizada con fragmentos de canciones que aparecen en la historia y que ambientan con más fuerza los capítulos de la novela.

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 “Perra brava” es la primera novela de Alarcón editada en 2010 por Editorial Planeta. Su segunda novela lleva por nombre “BITCH DOLL” publicada en 2013.

 

 

”Si la sangre es la vida como muchos dicen, ¿por qué huele a muerte?”

Originally posted 2014-04-03 11:36:11. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Originally posted 2013-02-20 19:28:47. Republished by Blog Post Promoter

El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación:

 

 

Originally posted 2013-12-12 19:55:32. Republished by Blog Post Promoter

Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

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El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

Originally posted 2013-12-27 14:32:10. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

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Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

Originally posted 2014-01-01 22:49:35. Republished by Blog Post Promoter

P.O.D y su visita sorpresa a México

A lo largo del tiempo, distintas bandas existentes nos han demostrado que México es un lugar lleno de misticismo para que la música fluya de una manera mágica y con muchos misterios. Justo han pasado diez años en que la banda P.O.D (Payable On Death) hizo un largo recorrido desde San Diego, California, para presentarse en el Foro Sol de la Ciudad de México y regalar a nuestros corazones un mensaje lleno de paz y buenos deseos; Pues sus letras hacían una reflexión sobre los distintos problemas del mundo real. Quemando todo prejuicio que pudiera existir en su contra, esta ingeniosa banda de True New Metal, trabajaba día con día implantando delicadamente una pequeña semilla de conciencia dentro de cada alma que abriera su corazón al ritmo de sus sonidos.

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 Los fans esperaban con ansias el regreso de esta banda para el cancelado festival Hell And Heaven, pero debido a la cancelación de este mismo, toda esperanza se iba desvaneciendo para volverlos a escuchar.

 La mañana del domingo bellos cirros dibujados en el cielo traían con el viento una buena noticia, la banda que se encontraba de gira por Sudamérica, tenía que pasar, por cuestiones de logística, por nuestras tierras para su regreso a California, entonces fue cuando sorpresivamente se anunció en sus redes sociales que ofrecerían un concierto gratuito en México, como agradecimiento a sus fans por el apoyo incondicional. Así, todas aquellas personas que crecieron con la banda cantaron de alegría con la noticia, mientras la sangre hervía dentro de sus cuerpos.

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Una vez reunidos en el Snake de Lomas verdes, apenas empezaron a sonar los riffs llenos de poder, la multitud empezó a gritar con una energía que sólo encontraba razón de ser entre ese mar de vidas al cual Sonny (Vocalista de la banda) se acerco a saludar y a estrechar sus manos.

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El sonido que hacía reventar Traa (Bajista de la banda) hacia que entrara y saliera del cuerpo de los asistentes mientras que Marcos (Guitarrista) lo seguía junto con un bello solo de guitarra para que al finalizar se escucharan en coro miles de voces diciendo  “We are the Youth of the Nation”

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 Después de compartir toneladas de energía con todos los integrantes de la banda, bromas y risas, llego el momento de despedirse, dejando a sus seguidores el recordatorio de que siempre hay una nueva canción para cantar, llenando de energía y amor a su público, cómo si fuera la primera vez.Esperemos que sea pronto un nuevo momento para compartir con esta gran banda.

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Originally posted 2014-03-18 12:06:29. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

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Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

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La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

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Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

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Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

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Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

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Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

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Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Animación Universal: Persepolis

 Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

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 Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros.  No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

 Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

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 No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

 Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

PERSEPOLIS

Originally posted 2014-08-04 10:54:07. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

 Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen.  Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

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 Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

 La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

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 La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

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México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

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El épico debut de Gary Clark Jr

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Sin duda, el álbum debut de cualquier banda o artista es un momento definitorio. Ese primer material servirá -en la mayoría de los casos- como carta de presentación, como un manifiesto sonoro que -idealmente- dejará en claro el discurso artístico que se irá persiguiendo en adelante. A veces este inicio es discreto, quizá mesurado; pero en el caso de Gary Clark Jr., el álbum Blak and Blu -su primera producción de larga duración- es un comienzo extraordinario.

Gary es originario de Austin, Texas, lugar que ha visto crecer a otras leyendas de las seis cuerdas y con sólo 28 años de edad, ya cuenta con un lenguaje musical propio, como si los intervalos y sus frases melódicas fueran una extensión de su voz natural.

El sonido de las canciones contenidas en Blak and Blu se puede rastrear con facilidad hasta el origen. Casi se pueden escuchar los cantos marginales y los gemidos desgarradores de los esclavos viajando en algún tren, en una embarcación corroída. Se perciben la voces trabajando en el campo de algodón, la atmósfera pantanosa y a lo lejos resonando una guitarra con la encordadura incompleta.

Pero lo más interesante es que Gary no se queda varado en este pasado, sino que hace el viaje completo hasta llegar a nuestros días. En este disco está bien presente la influencia del hip hop contemporáneo, el R&B moderno, la nostalgia por la guitarra de Hendrix, la oscuridad y la fuerza de Stevie Ray Vaughan, la sutileza de Marvin Gaye, el ingenio y la libertad de Chuck Berry, el recuerdo en lo-fi de Robert Johnson…

A lo largo de catorce tracks -mas dos bonus tracks en la versión deluxe– Gary llena el espectro estéreo con guitarras escandalosas llenas de overdive, distorsiones análogas que rugen, riffs pesados y directos; los solos de guitarra son expresivos, apabullantes, completamente emocionales. Las baterías en cuatro cuartos golpean directo y sin aviso, son crudas y muy simples. Ocasionalmente se escucha una sección de metales llena de soul y voces sumergidas en slap delay. Muchos de los temas tienen bien marcadas las regiones tónica, subdominante y dominante del blues tradicional, pero se mueven libremente hacia cualquier género imaginable.

Blak and Blu es un disco denso -en el mejor sentido de la expresión-, perfectamente logrado, orgánico, nostálgico, emotivo, en resumen: ¡les va a volar la cabeza! Y probablemente lo más destacado en este disco es el hecho de que va en contra de la mayoría de la música que suena últimamente. Es una declaratoria abierta y una afrenta directa a la música plástica/prefabricada, ¿cuántos discos actualmente tienen canciones de más de nueve minutos de duración?

Este disco es épico y encamina a Clark hacia la categoría de leyenda. Como él mismo dice:

“I don’t believe in competition, ain’t nobody else like me around. I don’t need your imposition, It ain’t that hard to figure it out…”.

Blak and Blu se compra aquí. Más de Gary Clark Jr. en su sitio oficial, Twitter, YouTube y Facebook.

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El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

 La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

  Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.
Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

 Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.
Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

 La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.
Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

 Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

 La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

 Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

Originally posted 2014-10-17 13:10:28. Republished by Blog Post Promoter

El regreso de las bestias: Omar Rodríguez y Bixler-Zavala en México

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 Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala regresarán a tierras mexicanas con un nuevo proyecto musical: Antemasque. Los también fundadores y ex-integrantes de The Mars Volta y At The Drive-In planean visitar nuestro país a finales de octubre y principios de noviembre para ofrecer dos fechas en dos ciudades:

  • 31 de octubre – Pa’l Norte Music Fest en Monterrey, Nuevo León
  • 3 de noviembre – Circo Volador en el Distrito Federal

 Antemasque se presentó al mundo el 9 de abril del año en curso con un sencillo titulado “4 AM”:

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 En este proyecto también participan los músicos Flea (de Red Hot Chilli Peppers) en el bajo y Dave Elitch en la batería El grupo está en proceso de finalizar su disco debut, mismo que planean lanzar en el mes de octubre bajo el sello Nadie Sound. 

 La banda que abrirá el show de Atemasque en el DF será Le Butcherettes, proyecto liderado por la tapatía Teri Gender Bender, quien también forma parte de la banda Bosnian Rainbows  junto a Rodríguez-López.

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/17137604″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

 Los boletos para el evento ya están disponibles en Ticketmaster y la taquilla del Circo Volador:

  • Preventa: $500
  • Precio regular a partir del 2 de octubre: $600

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Originally posted 2014-08-27 19:45:54. Republished by Blog Post Promoter

Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que  a muchos, les pareciera que el contacto con la moda  sólo  se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

 ¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que  quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

 Así es, se tratan de los jeans mexicanos de  Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre.  Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Detalle. Crédito: Facebook oficial.

 Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

 A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

 Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

 Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí. 

Campus. Crédito: Facebook Oficial

Originally posted 2014-09-24 15:21:10. Republished by Blog Post Promoter

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

Originally posted 2014-09-16 11:30:08. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

0

Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

1

Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

1

 

Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

3

Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

0

 

El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

0

Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

1

La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

2

Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

3

Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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Originally posted 2014-12-12 18:21:20. Republished by Blog Post Promoter

De: “Casa con desván” Chéjov

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Antón Pávlovich Chéjov, médico, escritor y dramaturgo ruso, maestro del relato corto y autodenominado amante de la literatura, escribió en 1896 “Casa con desván”

 El de Chéjov es un cuento interesante no tanto en sí mismo como por la exposición y referencias que de la estructura social hace, el personaje: Lida, en representación del Gobierno como valor asignado, busca y procura el “bienestar” del pueblo mediante la generación de escuelas y hospitales para sanar y subsanar las principales carencias, acá, la alegoría de la sociedad.

 El protagonista, harto del mal trato que de su persona se hace, vale aclarar que él es  un artista, pintor para ser más específicos, paisajista con precisión; llega a un punto de desasosiego azuzado por la mención que de su falta de interés por “esos asuntos” hace Lida, minimizado, pone sobre la mesa lo que piensa de las labores filantrópicas por las que ella lucha y que son además razones potenciales de su existencia.

 Expone entonces, y es aquí de donde tomaremos tema, que el pueblo no necesita escuelas ni hospitales, no requiere de la alfabetización si esta sirve sólo para leer letreros en las cantinas, ni hospitales que pretenden sólo poner remedio a los daños que la sociedad en sí misma genera, es decir que el trabajo fatiga, dobla las espaldas, genera enfermedad por recaer sólo en unos cuantos, específicamente en la población más afectada y desvalida; sostiene que si el trabajo fuera distribuido equitativamente entre todos los que en el mundo habitan, terminaría en tener una duración no mayor a tres horas, el ser humano entonces, por inclinación natural tomaría partido por la ciencia y las artes, es decir, por el desarrollo y sublimación del espíritu, que es principio lo que realmente tiene valor.

 Entonces (En este orden de cosas) si el hombre requiere de libros para incentivar el intelecto, ha de pagar por ellos, es decir, trabajar más o hacer un sacrificio de dieta alimentaria para conseguirlo y vuelta al trabajo. Entonces termina todo en un ciclo ininterminable de a y b, b y a, que es asumido por las generaciones venideras una y otra y otra vez.

 El personaje entre todo el desahogo cae en la cuenta de que él mismo siendo que es artista forma parte innegable del sistema, haciendo la labor de entretenimiento permitido, vamos pues. Las decisiones tomadas por supuesto por ésta figura representativa que es Lida, afectan incluso y en apariencia, de modo terminante a sus pretensiones de romance con la joven hermana de Lida, Misius.

 El cuento se lee de una sentada, el manejo del paisaje es bello y detenido, Chéjov un escritor de calidad innegable.

 Todo parecido con la realidad, fue seguramente mera coincidencia.

Link: http://www.cuentosinfin.com/casa-con-desvan/

Originally posted 2014-09-12 10:14:27. Republished by Blog Post Promoter

Paul Banks, solo otra vez

Por Daniel Martínez

@Gibbsteak

 

 

A veces pensamos que el compositor o líder de una banda puede ser el reflejo de su banda, que al emprender un proyecto solista éste se escucharía como el de su banda, o viceversa.

No es el caso de Paul Banks quien, cuando desarrolló su proyecto solista Julian Plenti -alter ego de Paul Banks-, incluyó la influencia de Interpol pero trabajó en otorgarle un sonido propio.

Ahora, ya sin el pseudónimo, lanza su nuevo esfuerzo como solista, titulado sencillamente Banks.

Todo inicia con “The Base” muchos bajos y sonidos vibrantes, las guitarras dando profundidad a la canción y creando una atmósfera que recuerda a Turn On The Bright Lights. “Lisbon” continúa con un sonido que nos similar al new wave  de los 80 como Talk Talk. En la hermosa balada “Arise, Awake” figura una voz contrastante y es aquí cuando la música de Banks tiene la capacidad de transmutar de compleja a complicada, aunque parece complacerse en sus experimentos.

Por momentos el sonido de Banks puede ser amigable, otras veces más denso y difícil de digerir. El polifacético músico ha logrado ser cada vez menos predecible.  Ahora, sin alter -egos, sin banda, Paul muestra lo que tiene que decir, y lo dice sin titubeos.

El jueves salió el primer sencillo de Banks, a continuación lo puedes ver.

Originally posted 2012-10-29 18:00:21. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- El show más visto en la historia de internet

 Hay veces en las que alguien me pasa un video que me gusta. Ocurrió hace unos dos días cuando mi amigo Xavy “El Twisted” Becker de ESports Latinoamerica, hizo que viera esta serie de Rap en YouTube.

 Epic Rap Battles of History por Peter Shukoff es, un duelo de rap entre chavos que fingen ser personajes históricos o ficticios. Luego le piden al público que decida a los “competidores” para el siguiente video.

 Lo pongo aquí porque no estoy totalmente segura si es arte y quiero ver qué opinan ustedes que nos leen. Tengo sentimientos encontrados con este show por las siguientes razones:

  1. Los raperos necesitan un vocabulario extenso para poder hacer lo que hacen y ellos tienen que leer, en teoría, sobre el personaje que están representando.
  2. La información que dan es inexacta, de hecho hay personajes que no deberían de competir. Se supone que son históricos y ponen a Darth Vader contra Adolf Hitler.

3. Es una idea que a nadie se le había ocurrido, no nació con fines de lucro, sino como una sátira. Aunque no sé si ellos sabían que estaban haciendo sátira en ese momento, pero lo es.

 Sátira es ese tipo de burla malintencionada y exagerada que se hace acerca de alguna situación o de alguien, que en este caso aparece en TODOS LOS VIDEOS.

 La peor parte puede ser que los artistas si sepan todo lo que están haciendo, pero  su público es el que pide cosas tan absurdas. Ya mencioné arriba que son los viewers los que eligen quien compite en el siguiente episodio, por lo tanto la tontería y risotada puede venir de ahí.

 Según TheFineBros, Epic Rap Battles of History es el show más visto en la historia del Internet. Lo que hace el canal de TheFineBros es enseñarle videos de distintos tipos a un grupo de adolescentes, o de gente mayor y preguntarles su opinión así como darles datos importantes de este show.

 No me malentiendan, yo me reí como nunca cuando vi a Mozart contra Skrillex  y el genio musical le gritaba el significado de “Fortissimo” al Dj, un concepto musical para la música estruendosa.

 Yo creo que este es uno de esos casos donde nace algo que podría llegar a ser arte, pero no lo es.

 Y se preguntarán ¿Arte que no es arte? Es un punto extraño, pero esto me parece original, inexacto y posiblemente está creciendo. De cualquier manera dudo mucho que Peter Shukoff supiera lo que estaba haciendo cuando creó todo esto.

https://www.youtube.com/watch?v=UQx1sqPHTrk

 Lo dejo a la consideración de cada quien y me encantaría que vieran los videos que he puesto aquí para que me den su opinión del tema porque yo lo disfruté mucho, pero no sé y no creo que sea arte aunque tiene tintes de un verdadero esfuerzo por detrás. Está bien hecho, alguien se esforzó por las canciones, la producción, los trajes ¡Todo!

https://www.youtube.com/watch?v=UQx1sqPHTrk

 Y para todos aquellos que digan “¿Es enserio?”: Sí, lo es. La sátira es desde la antigua Grecia y no porque de risa y sea tonto significa que no es arte. De hecho, hacer comedia en cualquier estilo es de las cosas más complicadas del mundo ¿Por qué creen que Robin Williams era un genio?

 Y de aquí voy a tocar el tema del Rap, porque no me refiero a Eminem, Snoop Dog, sino al verdadero género que tenía un sentido fuerte detrás. Que ahora veamos con los artistas un peyorativo del Rap no quiere decir que la buena música de este género haya muerto, ya lo van a ver.

Originally posted 2014-08-28 14:47:23. Republished by Blog Post Promoter

Impresiones francesas sobre: el Día de la Independencia

En ce mois de Septembre, le Mexique fête son 204ème anniversaire d’indépendance. Cette célébration n’a pas seulement lieu au Mexique : elle est aussi perpétuée par chaque communauté mexicaine dans le monde, comme à Paris par exemple. Les fêtes d’indépendance se prolongent sur deux jours, commençant le 15 Septembre jusqu’au 16 Septembre de chaque année. Le 16 Septembre 1810, le prêtre Miguel Hidalgo prononça un discours appelant le peuple à se soulever contre le régime de la couronne espagnole. Ce discours fédérateur a réussi à rallier les foules et est répété, de nouveau, dorénavant chaque 15 Septembre par le président de la République. Il est appelé le « Grito de Dolores », littéralement « le cri de Dolores » en référence à la ville où il a été prononcé.

dia independencia - paris mexico retouchée

La fête de l’indépendance mexicaine célébrée à Paris.

  Cet événement historique commence par le discours du Président, suivi d’un triple «¡Viva México!» déjà scandé par la foule en 1810 et crié de nos jours. La foule rassemblée se compose de jeunes et de familles, venus tout exprès au zocalo, la place centrale de chaque ville. Le lendemain, au 16 Septembre a lieu un défilé militaire. A cette occasion, il est commun de raviver des éléments de la tradition mexicaine, notamment gastronomique en dinant de plats typiques tels : le pozole (une soupe à base de maïs et viande de porc ou poulet), le chile en nogada, ou encore en savourant des dulces (sucreries). Le  chile en nogada se compose de  chile poblano (un type de poivron doux) farcis à la viande de porc et aux légumes, couverts d’une sauce blanche crémeuse et parsemée de grains de grenade. L’histoire veut que ce plat ait été créé tout exprès par des sœurs d’un couvent de la ville de Puebla en 1821, lorsqu’elles surent l’arrivée de généraux ayant combattu pour l’indépendance. Ce plat porte d’ailleurs les couleurs du pays : le vert du chile, le blanc de la crème et le rouge des grenades.

chile en nogada

Le fameux chile en nogada

  Outre la préparation de plats typiques, les mexicains s’accordent aux couleurs de la bandera, le drapeau mexicain. A cette occasion, le mexicain porte : maquillage, chapeaux, tee-shirts et autres goodies verts, blancs, et rouges. Ainsi il se sentira mexicain et prêt à festoyer au zocalo. J’ai été étonnée par cette vague de couleurs, et d’autant plus par l’enthousiasme des jeunes notamment sur les réseaux sociaux. Comme tout évènement politisé il entraine des débats sur la véracité de participer à cet acte patriotique. La communauté mexicaine à Paris n’était pas en reste : discours de l’ambassadeur, cris du ¡Viva México!, et un concert de mariachis –musiciens traditionnels- venus du Mexique exprès pour la soirée.

14 juillet - paris - 2014

La Tour Eiffel devant les feux d’artifices du 14 Juillet 2014

 J’ai, évidemment fait un parallèle avec notre fête nationale commémorée en France chaque 14 Juillet. Nous célébrons la Révolution Française, la fin de la monarchie absolue et la Première République. Nous avons aussi nos spectacles de feux d’artifice, le bal, un discours du Président assorti d’un défilé militaire et aérien. En revanche, je n’ai pas encore assisté à une jeunesse peinte de bleue, blanc et rouge le jour du 14 Juillet. Nos enthousiasmes les jours de ces commémorations ne se traduisent pas de la même manière.

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Radio Skandalo: de la locura musical como un estilo de vida

skandalo

 

El 27 de julio de 1998 comenzaría el primer programa de radio especializado en el ska y todas sus diversificaciones, y el cual cambiaría la historia de este ritmo en este país.

Los responsables de crear este proyecto fueron los hermanos Oscar “El magnífico” Serrano en la producción, y en la locución José Serrano, quien más tarde sería el mundialmente conocido Pp SKA.

Si bien no es hasta 1998 que obtienen un espacio propio para poder llevar a cabo su programa, desde 1996 ya realizaban pequeñas cápsulas informativas sobre este ritmo musical en Radio 620.

Aquel 27 de julio en punto de las 10:00 p.m. en el Politécnico en Radio 95.7 f.m. iniciaría formalmente Radio Ska bajo el lema “un paso adelante”, referencia a aquel clásico “one step beyond” de la banda inglesa Madness, pero sobre todo para tener siempre esa convicción de dar lo mejor de sí al proyecto.

Radio Ska contó con el apadrinamiento de la banda venezolana Desorden Público, los cuales fueron los primeros invitados al programa, pero con su visita iniciaría una larga lista de invitados, tanto nacionales como internacionales, tales como: Save Ferris, Bim Skala Bim, o el mismo Nevile Staple de The Specials.

Con el paso del tiempo Radio Ska evolucionó y cambió tanto de nombres como Radiskal, Skandalo, y finalmente Radio Skandalo, asi como de estaciones, pasando por Oxido 1180, W Radical, U.F.M Alterna 106.1 de Cuernavaca, Orbita 105.7, Horizonte, entre otras más.

A partir del 2006 el programa se realizó bajo el formato de podcast, el cual podía descargarse desde su página de internet y el cual, debido a su calidad, llego a ser transmitido en Venezuela en El Inspector, otro programa especializado en ska y demás música jamaiquina.

Lamentablemente, el 11 de octubre de 2011 Pp SKA falleció, no sin antes haber realizado ese infinito apoyo la escena ska nacional e internacional. Uno de sus mayores logros fue haber sido intermediario para que dos de las bandas más importantes del mundo hayan tocado por primera vez en México: Tokyo Ska Paradise Orchestra y Madness.

Además de sus proyectos, Pp Ska siempre trato de hacer sonar al ska en lugares donde jamás lo había hecho, desde conciertos y eventos donde nada tenía que ver el ska, hasta estaciones de radio como Horizonte, especializada en el jazz y cuya audiencia es exigente en cuanto a sus gustos musicales y que supo adoptar al ska como propio.

Si bien actualmente el programa no ha finalizado oficialmente, por obvias razones se encuentra en un “receso” y solamente en ocasiones especiales “El Magnífico” Serrano produce algunos podcast.

Han pasado 2 años del fallecimiento del mas importante difusor y promotor del Ska en este pais, y para aquellos gustosos del ska no queda más que continuar con lo que algún día él inició: difundir la buena música y quitar aquellos estigmas que en nada se relacionan con el ska, o como el mismo Pp SKA decía: “la definición de la locura musical como un estilo de vida”.

pp

 

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Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Originally posted 2014-08-13 11:23:11. Republished by Blog Post Promoter

La cinematografía mexicana en camino a 2015

Comedia, terror, ciencia ficción, drama o acción. Sea cual sea el género cinematográfico que se pretenda poner sobre la mesa como objeto de discusión, resultará por arrojarnos, casi invariablemente, un mismo resultado: la oferta que extiende la cartelera comercial de la industria se reduce a un puñado de producciones estadounidenses con un bosquejo de línea argumentativa que, al paso, se llena con distintos recursos pero, salvo contadas ocasiones, entrega productos genéricos prescindibles.

 Es imposible que las producciones mexicanas intenten, siquiera, seguir el ritmo de la maquinaria vecina. No es ningún secreto el lugar que tienen éstas con respecto a las otras; que, pese al reducido número de salas que se les asignan a lo largo del país, o bien, en el Distrito Federal y el área metropolitana, deben hacerse de una taquilla importante desde su primer fin de semana de exhibición para defender su lugar en estos grandes complejos

 Sin embargo, de hace algunos años y hasta ahora, hemos sido testigos de un crecimiento importante de la industria local, de una mejora considerable en la calidad de algunas de las producciones exportadas con sello mexicano. Dentro del gremio cinematográfico han destacado nombres de realizadores connacionales y de cintas gestadas en este país y, aunque nos encontramos todavía ante un caso de mexicanos en el extranjero, donde éstas entregas parecen ser mejor apreciadas por foráneos, es grato saber de películas que rompen este estigma con que carga el cine nacional y que son ejemplares de producciones sólidas, limpias, concisas, pensadas y bien logradas.

 Como muestra de ello, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematofráficas (AMACC) ha dado a conocer la lista de cintas que podrían representar a México en la 29 entrega de los Premios Goya, y en la 89 entrega de los Premios Oscar, ambas a llevarse a cabo en 2015. A continuación te la presentamos:

Cantinflas

Dirigida por Sebastián del Amo, fue estrenada apenas hace unas semanas en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Es una biopic del actor Mario Moreno vista desde los ojos de su alterego, este personaje que acaparó el género de comedia de la cinematografía mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Se ubica en el tiempo en que estaba por realizarse la cinta La vuelta al mundo en ochenta días (1965), durante el encuentro que su realizador, Mike Todd, tiene en con aquel pintoresco personaje tan arraigado en nuestra cultura, ícono hasta hoy día.

 Oscar Jaenada será quien dará vida al también llamado 'Mimo de México'.

Güeros

Road movie de 106 minutos de duración. Le valió a su realizador, Alonso Ruizpalacios, el premio a Mejor Ópera Prima en el marco del Festival de Cine de Berlín en el pasado mes de febrero, así como su proyección en el Festival de cine de Tribeca, de Nueva York. Recientemente se anunció que llegará a salas mexicanas en los primeros meses de 2015 gracias a la distribuidora Cine Caníbal.

 La cinta 'Güeros' se filmó en formato blanco y negro.

Guten Tag, Ramón

Trata una temática recurrente en el plano nacional: la migración. Esta coproducción germano-mexicana nos presenta a Ramón, interpretado por Kristyan Ferrer (Las Horas Muertas, 2013) y sus desventuras vividas del otro lado del mundo. La entrañable cinta de Jorge Ramírez-Suárez se encuentra actualmente en exhibición, y llegará a pantallas internacionales durante la segunda mitad del año y hasta 2015, distribuida por 20th Century Fox.

Kristyan Ferrer da vida a Ramón.

∙ La dictadura perfecta

Luego de lo que parecía terminar en una trilogía compuesta por La Ley de Herodes (1999), Un Mundo Maravilloso (2006) y El Infierno (2010), Luis Estrada volvió a aparecerse en el mapa con una nueva producción llena de humor negro, con personajes y situaciones que podrían parecernos extrañamente familiares. Caras conocidas, queridas y que han sido partícipes en las tres cintas anteriores, como Joaquín Cosío y Damián Alcázar, son parte de esta producción, aunque también se suman personalidades que quizá nunca pensamos ver en proyectos de éste tipo, tal como Osvaldo Benavides, Alfonso Herrera o Silvia Navarro. Incluso Sergio Mayer

De Luis Estrada.

Mi amiga Bety

Documental dirigido por Diana Garay, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Basado en una historia real, cuenta la vida de Bety, amiga de la infancia de la propia Garay, quien fue resuelta como culpable del asesinato de su madre y condenada a treina años de prisión a la edad de diecinueve. Aunque se encuentra en rotación nacional e internacional desde 2012, fue apenas en este año que llegó a las pantallas de la Cineteca.

 Documental de Diana Garay, basado en una historia real.

Quebranto

Parte del circuito de proyecciones de la gira de documentales de Ambulante, y del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) —esto en 2013—, y acreedora de premios como el Ariel a Mejor Documental, en 2014. Aquí, Roberto Fiesco desmitifica el tabú de la homosexualidad y de la condición transgénero: presenta a Fernando García y nos lleva por lo que vivió durante la transición a convertirse en quien ahora es, Coral Bonelli. Dentro de su labor de acercamiento con el público, ha sido proyectada en recintos como Cine Tonalá, la Casa del Lago y recientemente dentro de la programación de Canal 22.

Coral Bonelli.

 Los títulos restantes de la lista son El Incidente (dir. Isaac Ezban, 2013), González (dir. Christian Díaz Pardo, 2013), H2Omx (dir. José Cohen/Lorenzo Hagerman, 2013), Huérfanos (dir. Guita Schyfter, 2013), Inercia (dir. Isabel Muñóz Cota Callejas, 2012), La revolución de los alcatraces (dir. Luciana Kaplan, 2013), Mi universo en minúsculas (dir. Hatuey Viveros, 2013), La Obediencia Perfecta (dir. Luiz Urquiza, 2014), Paraíso (dir. Mariana Chenillo, 2014), Purgatorio: viaje a corazón de la frontera (dir. Rodrigo Reyes, 2012), ¿Qué sueñan las cabras? (dir. Jorge Prior, 2011), Volando bajo (dir. Beto Gómez, 2014) y Workers (dir. José Luis Valle, 2013).

 Sí, la oferta es muy amplia, y es alentador saber que se vislumbra un panorama viable y competitivo en la industria nacional. Quedaremos en espera de ver estos títulos en salas comerciales nacionales, y seguir la evolución del posicionamiento de nuestro país como potencial productor referente de la industria cinematográfica.

Originally posted 2014-08-25 23:20:39. Republished by Blog Post Promoter

The Bluebeaters regresan a los escenarios

blubeaters

Después de varios meses de inactividad y algunos años sin sacar alguna producción discográfica, la banda italiana The Bluebeaters volverá a los escenarios para este fin de año, esta vez sin su cantante Giuliano Palma, quien actualmente se encuentra enfocado en su proyecto como solista.

La banda se formó en 1994 por músicos integrantes de distintas bandas de la escena musical italiana y ha acompañado al cantante Giuliano Palma (ex-vocalista de Casino Royal) durante estos últimos 19 años, además de haber publicado 5 álbumes bajo el nombre de Giuliano Palma & The Bluebeaters y lograr convertirse en uno de los grupos con más reconocimiento a nivel internacional.

Con algunas fechas ya confirmadas para diciembre y enero en su natal Italia, The Bluebeaters comenzarán una pequeña gira llamada “The reTOURn” y la cual contará con la alineación original de la banda.

retourn

Como un plus para esta gira, acompañarán a la banda cantantes como Lady Soul Maya de la Soulful Orchestra y Pat Cosmo de Casino Royale, y como cantante especial (ya que solo estará presente en algunas fechas) Bunna, vocalista de Africa Unite, quien en un principio se desempeñó como bajista de Giuliano Palma & The Bluebeaters además de también cantar algunos temas.

live

Pues será cuestión de esperar las fechas para ver cómo le va a esta banda italiana que durante varios años ha sabido deleitar a su público. Seguramente, esta vez, no será la excepción.

 

Originally posted 2013-12-19 15:17:42. Republished by Blog Post Promoter

Crónica FIL Zócalo 2012 parte 4

Por Hernán Flores

(Cuarta y última entrega)

[Domingo 28 de Octubre 2012]

4:30 p.m. El “Emperador de Xochimilco” golpeaba su bajo con furia mientras toda la gente a sus pies brincaba y coreaba el “Guachuguachea”, dejando ir hasta sus últimas reservas de aliento. “Los Bábara” sonaban en el escenario mientras yo brincaba y sonreía estúpidamente. ¿Por qué sonreía? No lo sé. Hacía mucho tiempo que no escuchaba un ska de esta calidad. Las trompetas revolvían en un vortex de notas el aire denso que flotaba en el escenario. La bandera colombiana ondeaba libremente como el papalote que tiende al viento un niño pequeño mientras corre por las calles. Los tambores eran aporreados y la gente sólo sabía pedir más y más. El escenario estaba repleto de gente que brincaba, bailaba y gritaba: “¡México dice no a la guerra, oe, oe!” Después de tocar un par de canciones más, porque el público no les permitiría irse dejando así las cosas, se despidieron calurosamente del Zócalo y prometieron que volverían pronto. Por si las dudas yo compré su disco y vengan pronto o no, yo los tendré sonando caprichosamente en mi biblioteca de iTunes.

 

5:00 p.m. Era el último día de la feria y yo no había comprado más que tres libros, “Arte y Poesía” de Heidegger editado por el FCE y un par de “Los Bastardos de la Uva”. Decidí sacrificar una hora de trabajo por una de placer y dedicarme a husmear en todos los puestos que pudiera, seguro algo me encontraría. Pasé por Hiperión, que era como una torre custodiada por un par de dragones sigilosos y cuidadosos poniendo los ojos encima de cualquier fardero que quisiera hurtar una de sus preciosas doncellas. Me fui. Encontré muchas cosas interesantes, “Celestino Antes del alba” de Reinaldo Arenas, que Héctor tanto me había recomendado, “La Conjura de los Necios” de Toole, uno de los suicidas más célebres que he conocido. Me encontré con Hesse, Lipovetsky, Capote, Gelman, una infinidad de libros de los cuales no me animé por ninguno.

 

6:00 p.m. Una serie de rechiflas al viento me hicieron caminar de nuevo hacia “Macondo”, mi escenario preferido. Iban y venían chicos cargando cables, conectando aquí y desconectando allá, mientras tanto las rechiflas no conocían el descanso. La presentadora intercedió por el equipo de staff, intentando detener las silbatinas pero lo único que logró con eso fue enardecer más al público y el huracán de chiflidos volvió con el doble de fuerza. Después de un largo rato logré conseguir una silla. Me senté e incrédulo y juicioso comencé a escuchar lo que comenzaba a sonar por el momento. Renee Mooi era el nombre del proyecto y al principio no los pude calificar más que como un intento de The Mars Volta, pero con menos vitaminas, sin la enjundia que los caracteriza. Sin embargo, el tiempo pasó, escuché “Snail”, “Apple”, un par de covers y “Libélula”, y los ladrillos de mi mente fueron derrumbándose poco a poco. Una gran banda después de todo, que mezcla el experimental, una pizca de elementos electrónicos y rock progresivo de una manera única. En la última canción un niño pequeño avistó unos cuantos globos de cantoya y rápidamente se lo hizo saber a todo el público, que dejando un poco de lado el espectáculo volteó simultáneamente como una única y gran cabeza que miraba pequeñas luciérnagas que subían al cielo y una que otra se consumía en llamas.

 

7:00 p.m. Todos empacaban ya sus libros haciendo cuidadosos conteos de cajas, libros, mesas, sillas, entre algunas otras cosas para dar por terminada su labor en ésta décimo segunda feria del libro en el Zócalo. Ya que no había nada más que buscar en los puestos, decidí visitar el único lugar al que no había ido en todos mis días de visita a la feria: el “Espacio Reguilete”. No me importaba qué hubiera, simplemente quería visitarlo y ver cómo funcionaba ese espacio. Tomé asiento en las últimas filas y comencé a escuchar a un lector recitar un poema que decía algo así como: “Hoy me dejas cual hoja al viento en silencio. Hoy estoy como árbol caído, como ave sin viento.” Y sencillamente decidí quedarme, ahora un poco más interesado, a ver de qué iba todo eso. Los recitales estaban acompañados de una guitarra acústica que solfeaba según la cadencia del poema y el aliento del poeta que lo recitaba. También apareció una melódica ocasional y un violín que tocó a la par que la guitarra. Proyectaron un video-poema titulado “El Hombre que Dijo Ser el Mar”. Una animación muy nostálgica y lenta que cerró con broche de oro esta noche. Me detuve en el puesto después de escuchar que habrían rebajas y compré tres libros de poesía y una botella de píldoras de “Pasiflora Poética”, como ellos las llamaban. Era un sencillo juego en el que desde tu interior debías hacerte una pregunta, fuera la que fuera, y una de las pequeñas píldoras rellenas con una frase literaria te la resolvería. Ingenioso, pensé. Terminó la presentación y los aplausos inundaron el escenario como la noche nos inundó a nosotros. Como dos largos y fuertes brazos tendidos que nos mandaba con una sencilla orden a nuestras casas.

 

8:00 p.m. La parte más fácil del trabajo ya está hecha. Espero no dejar todo hasta el final como siempre me pasa y poder volver a las andadas lo más pronto posible. Abordé en el metro junto con una que otra pequeña familia que fue de paseo dominical a la feria en vez de a la iglesia y me senté para descansar la espalda y leer un rato. Ahora sí, ¿En dónde me había guardado ese librito de Arenas?

 

Originally posted 2012-11-05 18:00:12. Republished by Blog Post Promoter

¡Ya vamos a la mitad del XXXVI Foro Internacional de Música Nueva!

Hay muy pocas oportunidades en esta ciudad de asistir a conciertos de música contemporánea, y es por eso que el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez es un evento cultural sumamente importante. En este festival, que dura poco más de dos semanas (de las cuales ya llevamos una y media), se dan cita muchos (o prácticamente todos) de los ensambles mexicanos especializados en música contemporánea para darnos una probadita de las tendencias que se están gestando en nuestros días.

 Dado que hay conciertos todos los días (y que por alguna razón macabra son justo mientras los estudiantes estamos en las últimas batallas de fin de semestre), es muy difícil asistir a todos, pero vale la pena hacer un esfuerzo, dado que las experiencias musicales que tenemos la oportunidad de tener, son realmente difíciles de encontrar en este país.

Kaija Saariaho
Kaija Saariaho

 Intérpretes y compositores de todos los estilos posibles, desde los más conservadores hasta los más radicales, hacen su mayor esfuerzo por convencer a un público que muy lentamente va acrecentándose. En el primer concierto de la temporada (el cual ya reseñé anteriormente) sobresalió ampliamente el concierto para flauta de Kaija Saariaho L’aile su songe (2001), interpretado por el maravilloso Alejandro Escuer, que por cierto se presenta este fin de semana en el teatro de la ciudad con su proyecto Lumínico, para flauta, música electrónica, video, cello, percusión e iluminación. ¡Promete ser un espectáculo espléndido! (Para más información entren aquí)

 El concierto del Ensamble Ónix también me parece digno de mención. No sólo por la selección bastante acertada de obras, sino por la experiencia y madurez que este ensamble demuestra en sus presentaciones en vivo. No sólo son muy precisos, sino que desbordan vitalidad. Su versión de Eleven Echoes of Autumn (1965), de George Crumb, fue tremendamente disfrutable. La poesía y el misterio de la música de este compositor gringo fueron expresadas bellamente. También su Michael Nyman, Vuestro Secreto Rompí (2009), fue impecable: un torrente de energía minimalista llena de contrastes.

George Crumb
George Crumb

 Otro concierto admirable fue el que dio el Cepromusic el sábado pasado. Tocaron obras de compositores bastante jóvenes (Jae-moon Lee, Wong Chun-Wai y Kenta Masuda) que, sin embargo, mostraron tener buena madera y un futuro prometedor. Fue curioso comparar las primeras obras (pues pareciera que a propósito el programa iba por edades) con las de compositores más experimentados, pues es notorio el nivel de claridad que el artista va consiguiendo con el paso del tiempo. Las piezas de Martin Loridan y Gabriela Ortiz tenían más fuerza y una voz más original.

 A pesar de que la música contemporánea es un poco difícil de digerir para la mayor parte de la gente, por experiencia propia les puedo asegurar que es solamente cuestión de acostumbrar al oído. Es realmente triste que una porción tan gigantesca de la música que existe en nuestro mundo llegue a tan pocos escuchas, sobre todo siendo una música creada por compositores tan sumamente preparados, esforzados y talentosos. La clave para aprender a apreciarla es liberarse de todos los prejuicios y atender al sonido como lo que es: una experiencia sensorial. Sí, la música contemporánea no tiene coros pegajosos, ni solos de guitarra eléctrica (aunque últimamente ya hay algunos ejemplos de esto), ni chicas sensuales bailando al ritmo de la música; pero lo que sí tiene, y en abundancia, es expresividad emocional, sutilezas auditivas, contrastes pavorosos, ritmos desconcertantes, sentimientos encontrados, fuerza en abundancia. Aprender a escuchar la música contemporánea lleva un esfuerzo, es cierto, pero es un esfuerzo que vale la pena: vivir como ser humano sin ser capaz de apreciar una de las más bellas formas de arte es inadmisible. ¡Nos perdemos de tantas experiencias!

 Ha habido más conciertos en el Foro que han sido bastante valiosos, y aún quedan otros más por descubrir. Y es por eso que los aliento a que asistan a los que faltan: sin público, estos esfuerzos no tienen ningún sentido. Para enterarse de más, acá está el link: aquí.

Originally posted 2014-05-31 01:07:04. Republished by Blog Post Promoter

Pasaje coyuntural de Franz Liszt

Pintura de Franz Liszt.

Rapsodia y musicalidad, describen el célebre sentimiento de perpetuidad que envuelve al gran maestro de origen húngaro; alabado y materializado a través del tiempo. Caracterizado por la sincronía de sus acordes, de sus pasos y obstinados cambios en cada una de sus obras temáticas.

 La trascendencia del gran compositor ha tenido un sinfín de valores sincronizados en la historia de la música clásica de finales del siglo XIX y comienzos del XX. París fue el lugar idóneo para su desenvolvimiento ancestral en cada una de sus interpretaciones sobre sus grandes contexturas armónicas.

 Olvidándose de la banalidad que imperaba en la zona europea, él sólo presentó su singularidad para componer y admirar cada una de las tonalidades de la época que dio su gran paso hacia la musicalidad.

 Teniendo como precedente al majestuoso Niccoló Paganini; reconocido por la destreza para manejar el violín, se acompañaba del recuerdo de la fragancia de las melodías, de los retoques sincronizados de par en par y en conjunto con la suntuosa magia del alma; mientras que a lo lejos se escuchaba el eco inadmisible de los corazones desquebrajados y el reflejo proteico de anhelar una y otra pieza.

 Gran parte de su legado, se debe a las reflexiones en torno a grandes compositores como Schubert y Beethoven, de quienes haría sus mejores aliados para construir la pieza más conocida de éste, conocida como sueño de amor. Dicha pieza, fue la apertura central para su gran repertorio musical que impera en situaciones como una velada romántica hasta una película pintoresca sobre las emociones de la predilección del querer.

 ¿Quién no ha escuchado en una película alguna tonada perpetua del gran Franz Liszt? ¿No ha curado más de un lloriqueo en pleno siglo XXI?

Portada de la cinta autobiográfica del compositor.

 Versiones autobiográficas como la cinta de 1960, que también se titula con el mismo nombre y que trata la vida enigmática de Liszt, triunfando en 1961 con el Globo de Oro; trae consigo una mezcla aborigen de querer saciar el dolor y la frustración de la emoción sensorial, a raíz de la confabulación de nuestros días.

 Liszt nos transporta a lo inimaginable, a una conmoción, al acompañamiento de la palpitación cardíaca fuera de orden, a palabras inauditas imperceptibles y fugaces deseos; quebrantándonos en un solo destello de cinco minutos.

 Paradójicamente, además del amor; Liszt nos brinda la oportunidad de viajar a través de la melancolía, de ese sentimiento inaudito y persuasivo, como se hace entrever en la triste pero penetrante sinfonía de Fausto.

 ¿Cómo olvidar la majestuosidad de la sinfonía del desdichado e intransigente Fausto? Goethe supo blasfemar , además de admitir de una singular forma la cadena que envuelve al hombre y, metafóricamente se refiere al personaje de Fausto y al fatuo destino que le aguarda con el maléfico Mefistófeles.

fausto 3
Caracterización de la obra de Goethe.

 Minuto ocho y los vellos de punta, los ojos desorbitados, la lámpara encendida tenuemente, la terquedad del viento azota contra la ventana y la cautela desaparece; para dar paso al anárquico meneo del brazo.

“Yo soy una parte de aquella parte que al principio era todo; una parte de las tinieblas, de las cuales nació la luz, la orgullosa luz que ahora disputa su antiguo lugar, el espacio a su madre noche”

“Plática entre Richard Wagner y Franz Liszt”           Crédito: The Muslim Times.

 Cumplidos sus 36 años; sentimientos como jubilo, serenidad y esperanza acechaban esa vida que auguraba más éxito y notoriedad entre los más afables a la apreciación de la música, pasó a convertirse en uno de los guías de las obras maestras de Richard Wagner, memorias que constituían una mágica e inigualable intensidad.

 Lo anterior se retrata en la frustración e ironía que refleja la ópera titulada La muerte de amor de Isolda, que muestra el retrato de una relación desalmada y siniestra entre dos seres que han vivido para amarse plenamente, a pesar de la crueldad y de la incipiente negación por no querer avanzar el resto de sus días.

 Del amor al odio, del rencor a la reconciliación; son sentimientos antagónicos que sólo la sonoridad a la Liszt nos brinda al caer la noche o al acercarse el ocaso de cualquier día de la semana que se avecine.

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Sus ojos son fuego

   “El fuego vuelve hermosos los cuerpos que devora. Nunca antes la ciudad de México se había visto tan majestuosa.”

Migrando a las grandes urbes, todos llegan con la promesa de una vida “mejor”. Cada vez somos más; cada vez es más fastidioso vernos a los ojos, retarnos y seguir nuestro camino. Nos apoderamos de todo lo que encontramos a nuestro paso, tanto así, que cimentamos una ciudad encima de un lago.

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 No hay palabras para la violencia, el salvajismo al que ya nos acostumbramos a ver de lejos y a la vez tan cerca: mientras no me pase a mi, todo se queda detrás de una noticia, un periódico o la historia de alguien. ¿Será acaso que el aire que respiramos ya no es suficiente? , ¿O acaso nos está intoxicando?

 Gonzalo Soltero, nacido en el Distrito Federal, es el autor de “Sus ojos son fuego”, su primera novela por la cual ganó el Premio Nacional de Novela Jorge Ibargüengoitia 2003. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el rubro de Novela. Se dedica principalmente a la difusión cultural entre México e Inglaterra.

 Por medio del Dr. Adrián Ustoria, se relatan los últimos tres días que marcan el principio del fin de la humanidad. Buscando siempre refugiarse del fastidio citadino dentro de su oficina, ubicada en un instituto de investigación, podemos ver a través de los ojos del protagonista que las grandes ciudades funcionan como un laboratorio donde los humanos experimentan con los mismos hombres.

 La contaminación, la sobrepoblación, la basura, la delincuencia, la violencia, el tránsito, las ratas…en conjunto, todos estos elementos nos aproximan más al desenlace.

 Es de aquí que nace una pregunta: ¿algún día seremos capaces de adaptarnos a un entorno sádico y brutal?

 De a ratos, pareciera que se está leyendo la conclusión de una investigación con fines científicos, rompiendo esta línea con la sencillez de la prosa de una novela rápida, dinámica que mantiene al lector en total suspenso.

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Siendo la Ciudad de México el escenario, Soltero nos sitúa en los lugares y las avenidas más importantes de la metrópoli para así, envolver al lector en una historia que tantea entre la vida real y la fantasía.

 Con “Sus ojos son fuego”, Soltero brinda un lenguaje impecable y cultivado. El ejercicio creativo que el autor emprendió al escribir esta novela es maravilloso, ya que la dedicación a los detalles facilita la mejor comprensión del texto.

Originally posted 2014-04-07 10:32:14. Republished by Blog Post Promoter

Polet: Música es crecimiento y evolución

Hoy más que nunca, existe una infinidad de propuestas musicales en nuestro país. Tan sólo la Ciudad de México ofrece una gama interminable de bandas, de cualquier cantidad de géneros y con un número ilimitado de discursos musicales. Pero dentro de este universo tan vasto ocasionalmente surgen proyectos cuya originalidad va mucho más allá de lo establecido, definiendo así, un nuevo rumbo dentro de la escena local y con algo de suerte, marcando la pauta para bandas consecuentes.

Allá por el año 2008 se creo, en la capital de nuestro país, una banda llamada Polet. Con influencias post rock de bandas principalmente del noreste europeo, este proyecto se ha mantenido en un constante proceso evolutivo, logrando definirse por sus propios méritos como resultado del trabajo constante y la incesante búsqueda dentro de las emociones más profundas del ser humano.

La música de Polet es sumamente emocional, fina y perfectamente lograda. Con el paso del tiempo la banda ha adquirido una madurez envidiable en todos los niveles: composición, ejecución, calidad, estilo, armonía y melodía. Sus estructuras son precisas, nos les falta ni un solo compás, no les sobra ni una sola nota. Sus composiciones envuelven por completo, se pueden comparar con un sueño muy lúcido, con atmósferas apacibles que a la vez están cargadas de energía. Las letras son un viaje introspectivo hacia rincones inexplorados de la naturaleza humana.

Es cuestión de tiempo para que Polet surja como lo que es, como una promesa original y consistente que tiene la capacidad de escribir su propio capítulo en la historia. Escuchen con atención, existe algo auténtico en cada una de las capas de sonido que emanan de esta banda.

 

En SoundCloud se puede escuchar el primer material de la banda y a continuación, pueden ver un video recién salido del horno -tiene solo unos días de haberse estrenado-, que formará parte de una nueva producción a estrenarse de forma oficial el próximo año.

 

Aquí el SoundCloud, YouTube, Facebook y Twitter de la banda. Y recuerden, lo mejor de Polet aún está por verse…

Originally posted 2012-12-06 22:13:46. Republished by Blog Post Promoter

Review: Ninfomanía Volumen 1 (Lars von Trier… lo has hecho de nuevo)

Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol. 1, 2013), última y controversial creación del cineasta danés Lars von Trier, se estrenó en México en el marco de la 56 Muestra Internacional de la Cineteca Nacional. Los boletos para esta película se terminaron días antes de la primera función (en parte porque von Trier es un director consagrado, en gran parte porque el morbo que se condensó alrededor de la película fue inmenso), pero para alegría de todos los fans de el director y de todos los morbosos de clóset, la cinta se estrenará de nuevo el 15 de mayo en el cine comercial.

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Cast de Nymphomaniac

 Previo a su estreno, la película comenzó a generar mucha expectativa debido al tema que iba a tratar: la vida sexual de una ninfómana (interpretada por Charlotte Gainsbourg) desde su adolescencia hasta sus 50 años. von Trier aumentó la expectativa cuando retrasó la producción de la película para seguir entrevistando mujeres acerca de sus vidas sexuales (sí, quién no lo hubiera hecho). Además, es fácil imaginar que cuando una película tiene el nombre que ésta tiene y una publicidad con todos los protagonistas desnudos en una explosión orgásmica, no necesitarás un gran esfuerzo para que la gente quiera ir a verla. No contento con esto, el director (que fue llamado varias veces un “genio” de la mercadotecnia), fue sacando poco a poco a la luz pequeños fragmentos de cada uno de los capítulos que conforman esta primera parte, ocasionando la salivación mental (y por qué no, física) de aquéllos que los vieron.

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Los pósters orgásmicos de Joe y K

 Joe (Charlotte Gainsbourg) es encontrada por Seligman (Stellan Skarsgård)  golpeada e inconsciente en una calle. Después de llevarla a su casa para ofrecerle té y pastelillos judíos, ella comienza a contarle la historia de su vida: la historia (según ella) de una pecadora. Ella se detesta a sí misma, él trata de convencerla de que no ha hecho nada malo. Su plática navega entre el sexo, la pesca, Edgar Allan Poe, la religión, el sexo, Bach, los números de Fibonacci y el sexo (sí, casi siempre es algo relacionado con el sexo). Seligman es culto, y encuentra analogías muy poéticas de todo lo que le cuenta Joe, buscando siempre sublimar acciones que para los ojos de ella resultan horripilantes. Es un relato emocional, duro, confrontativo, muy bello, que sólo podría haber sido logrado por la genialidad de von Trier. Algunas escenas son tan perfectas y emocionantes que lo único que queda es agradecer de rodillas y con lágrimas en los ojos al dios del cine (no puedo dar spoilers, pero cuando vean la película, lo discutimos).

 Ahora, es importante aclarar una cosa: Pese a todo lo dicho, es altamente probable que una persona que asista a la película con la sola intención de echarse un taco de ojo y no de regocijarse con el arte del maestro responsable de Melancolía (Mencholia, 2011), salga decepcionado de la sala. Lo importante no es de lo que trata la película, sino cómo está hecha. Algunos reseñistas de revistas renombradas (cuyo nombre mantendré en el anonimato) critican a la película por no ser lo suficientemente “retadora”. Pues si “retador” significa para ellos un torrente de salvajismo y sadomasoquismo vulgar sin censura, definitivamente no fueron al lugar apropiado.

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Lars von Trier

 Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol 1, 2013) es una maravilla por su cinematografía, desarrollo de los personajes, simbolismos y analogías, referencias a la ciencias y a las artes y finalmente por su humor negro. Predominan las tomas hechas cámara en mano, una de las fuertísimas reminiscencias  del movimiento Dogma 95, del cual von Trier fue co-fundador (si quieren saber más de Dogma 95, una revolución fílmica de los 90’s que buscaba luchar contra las tendencias ilusionistas, superficiales y tecnológicas de la época, entren aquí). Este tipo de tomas, así como la crudeza de los diálogos y los escenarios, son la manera en la que este director busca dotar de realismo a su cine, diferenciándose de la falsedad imperante del cine comercial.

 Lars von Trier es un director sin pelos en los ojos (sí, ojos), que no teme mostrarnos las profundidades más obscuras de la psique humana. En sus películas, los personajes son capaces de cualquier cosa (así como en la vida real, pues). De alguna manera, su arte es un reflejo de la crudeza con la que puede funcionar el mundo, donde no hay espacio para el “vivirán felices para siempre”. Recomiendo mucho que vayan a ver esta película en mayo, les aseguro que es una experiencia que sin duda los amantes del buen cine disfrutarán inmensamente.

Originally posted 2014-04-22 01:32:10. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard

Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.

Adela Goldbard, Lobo. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.
Adela Goldbard, Lobo, 2013. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.

 Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Sainttienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.

Adela Goldbard
Adela Goldbard

 Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.

 En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.

Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.
Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.

 En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.

“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.

— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.

 Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.

 La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es en mi opinión una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.

Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.

Originally posted 2014-10-24 09:00:04. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: la fotografía de Rodrigo Maawad

Una de las ventajas del advenimiento de los programas de pos producción en la fotografía es que se pueden crear escenarios fantásticos, adaptaciones ambientales y escenas que generalmente producimos en nuestra mente a través del ensueño. Sin embargo, no todo en la fotografía, sobre todo en la que abarca el género del surrealismo, puede ser producido en su totalidad por medio de recursos de pos producción. El trabajo del fotógrafo, artista contemporáneo, se desarrolla tanto en la experiencia de la materialización de una idea al momento de hacer el montaje para una fotografía, así como también de la labor realizada en tanto la edición de su obra.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 Cuando vemos una fotografía es necesario observar el discurso visual que se está presentando, por un lado está la idea o el concepto que el fotógrafo pretende mostrar con su trabajo, es decir, qué está queriendo decirnos con una serie o con una fotografía. Podemos entender, de manera intelectual, aquello que el fotógrafo está representando, si se trata de una crítica social, si es más bien documental o si se trata de una propuesta a nivel artístico. Lo que intenta exponer el artista se puede volver aun más fácil de interpretar si tenemos como apoyo un texto curatorial. Sin embargo, a veces sólo observamos el resultado final del trabajo, la fotografía como producto final que se expone a nosotros como consumidores. En ese sentido, cuando nos detenemos a ver una fotografía podemos llegar a olvidarnos de pensar en el proceso de producción previa a la toma, es decir, qué hizo el fotógrafo para poder llegar a esa imagen que exhibe.

 Los fotógrafos mentalizan la imagen que van a crear a través del recurso de la fotografía. Para la realización de una toma fotográfica se parte primero de una idea, se eligen los escenarios, los personajes que aparecerán en ella, los elementos que ayudaran a la representación de aquello que quieren transmitir.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 El trabajo del fotógrafo mexicano Rodrigo Maawad (1982) es un ejemplo perfecto de que el trabajo del fotógrafo toma forma desde la producción del escenario, de los personajes, y de la selección de elementos de los que se servirá para realizar su obra. Al ver las fotografías de Maawad se piensa en el uso de programas de posproducción, pero también es importante observar la preproducción.

Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.
Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.

 Rodrigo Maawad es un fotógrafo que se distingue por realizar casi por completo la producción de sus imágenes. La caracterización de sus personajes, hecha a partir del uso de máscaras y otros elementos, está a su cargo. Además elige meticulosamente los escenarios para crear cuadros alucinantes y fantásticos que reflejan una sola cosa: crítica social. Esto sucede con su serie Homo videns, en la que según comenta el fotógrafo, intenta mostrar una crítica a ese ser humano que consume la cultura a través de los medios, que imponen comportamientos sociales. El hombre homo sapiens que reflexiona, comenta en una entrevista para CONACULTA, se vuelve homo videns, esto es, un ser que ve pero que no entiende. Se siente la influencia del investigador italiano Giovanni Sartori en el discurso visual de Maawad. La serie fotográfica Homo videns muestra esta crítica social a las telecomunicaciones.

Hasta la llegada de la televisión a mediados de nuestro sigo, la acción de “ver” del hombre se había desarrollado en dos direcciones: sabíamos engrandecer lo más pequeño (con el microscopio), y sabíamos ver a lo lejos (con el binóculo y aún más con el telescopio). Pero la televisión nos permite verlo todo sin tener que movernos: lo visible nos llega a casa, prácticamente gratis, desde cualquier lugar.

– Giovannni Sartori. Homo videns. La sociedad teledirigida.

 Así pues, vemos en esta serie a personajes en situaciones de encierro, paredes blancas que aluden a un estado de inconsciencia. Observamos personajes masculinos en el espacio de lo privado, aquel que solo permite al hombre experimentar todo aquello que hay afuera a través de los medios: la televisión, la radio. El espacio privado recluye y obliga, de cierto modo, a conocer el mundo a través del consumo de programas televisivos que plantean una visión manipulada de la realidad. Las fotografías nos muestran a seres humanos que no piensan, que solo ven, con la televisión tan incrustada en la cabeza que se ha vuelto parte de sus cuerpos.

Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.
Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.

 Por otro lado, Maawad muestra a otro tipo de humanos con cuerpos igualmente transformados, pero los vemos protagonizando escenas en el espacio de lo exterior. El mundo en el que aparecen estos seres antropomorfos no es el espacio del hombre moderno, es decir, un espacio urbano en el que se desenvuelve el hombre citadino, típicamente el homo videns. Sino que más bien se observan espacios agrestes. Algunas de las escenas pueden llegar a ser un tanto terroríficas, sobre todo por el énfasis que hace el fotógrafo por transformar la cara de sus personajes. Pero al mismo tiempo el horror se muestra en el efecto psicológico de miedo que puede causar en los espectadores. Este tipo de escenas pueden tener lugar incluso en la mente de cualquier persona, son ambientes recurrentes en pesadillas en las que el sin- sentido puede horrorizar a cualquiera.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

 La transformación del cuerpo es indispensable en el trabajo del fotógrafo hidalguense Rodrigo Maawad, así como la selección meticulosa de los espacios en los que representa su crítica social. Este fotógrafo es el caso de un artista completo, un individuo comprometido más que con el consumo de cultura, como él mismo lo menciona, con la creación de cultura.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

Originally posted 2014-09-12 10:10:44. Republished by Blog Post Promoter

Silverio en el Atlántico

 

El reloj marca la hora: pasa de la 1 AM y la noche sigue fresca. Dentro del Club Atlántico, las personas esperan el momento en que Su Majestad Imperial Silverio suba al escenario. Las luces parecen listas, el equipo de audio es revisado una y otra vez: cables se conectan, otros se quitan. Las manos del personal técnico apuntan con su pulgar hacia arriba mientras los invitados (algunos con disfraz improvisado) comienzan a perder la paciencia. La cita era a las 10 PM, dando tiempo suficiente para ingerir alguna bebida espirituosa que dé alivio a decenas de gargantas secas. La música que se toca para amenizar la espera produce emociones en no pocos de los presentes: casi todos bailan, la mayoría grita y lanza las primeras mentadas de madre contra Su Majestad. El ambiente festivo se presta para emitir la opinión de los asistentes.

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¿Quién es Silverio? ¿Por qué hay tantas personas que le esperan dentro del Club Atlántico? Este personaje (nacido en Chilpancingo, Guerrero) tiene ya cierta fama: sus espectáculos en vivo son una fiesta cercana al bacanal donde las bebidas fluyen y fluyen tratando de apaciguar el calor tan intenso emanado de los cuerpos pegados de los asistentes; su música (con tintes de highenergy ) llena de gritos y gemidos provoca al público que desea verlo, ya no escucharlo sino eso: verlo. Esto porque sus presentaciones son todo un show bien preparado, donde pareciera que la anarquía se hace presente: las personas hacen gala de su mejor lenguaje soez y arrojan diversos objetos, como vasos y botellas, a Su Majestad Imperial (con mentadas de madre de por medio). Pero todo esto parece no más que complacer a la estrella de la noche: Silverio se divierte y responde con mejores palabras llenas de insolencia y vulgaridad que provocan e, incluso, emocionan al público que pide más y más.

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Llegado el momento, aparece Silverio: traje azul de satín y corte a la Rick James son lo que define al dj de Guerrero. Comienza a pinchar discos y muestra lo más aceptado de su catálogo musical. Rola tras rola, los asistentes no dejan de bailar y lanzar mentadas. A pesar de una repentina falla en el audio, el show continuó hasta que no se pudo más. La mezcla de espectáculo insolente, lenguaje vulgar y música con aire ochentero no parecen decepcionar a nadie. El show de este dj lleno de teatralidad, música y una aparente falta de autoridad con la interacción de su público parecen ser el atractivo principal. A pesar del incidente en Oaxaca a principios de año, donde las autoridades locales lo arrestaron, Silverio ha salido adelante llevando sus presentaciones a otros lugares de la república. Mientras las personas no paren de bailar, habrá Silverio para rato.

Originally posted 2013-11-03 15:39:04. Republished by Blog Post Promoter

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

Originally posted 2014-10-14 12:17:56. Republished by Blog Post Promoter

Cloud Nothings en México: un derroche de sudor asegurado

Cloud Nothings, la energética banda procedente de Cleveland, Ohio, visitará por primera vez la capital del país el próximo 18 de octubre. Después del lanzamiento de un aclamado “Hear and Nowhere Else”, tercer disco de larga duración del grupo, los liderados por el vocalista Dylan Blandi pisaran la tarima del Pasagüero en un sábado que promete derroche de sudor tanto de la banda como de los asistentes.

Flyer-Final

A continuación les compartimos un par de temas de la banda para que se adentren a su sonido que por momentos remite a Fugazi y a Sonic Youth:

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Fecha: sábado 18 de octubre

Hora: 21 horas

Lugar: Pasagüero (Motolinea #33, colonia Centro)

Precio: $280

Redes sociales de la banda:

Facebook

Sitio web

 

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Más de 43

Fue el 26 de septiembre, a principios de otoño. Esa noche, el sonido de las balas ensordeció muchos corazones, muchas esperanzas, muchos sueños. El aire tropical guerrerense dejó de exhalar brisa templada cuando todos supimos la noticia: eran 43, un número sordo, un número impar. Cuarenta y tres, 40+3, 4-3…43 puede ser un número pequeño, pero pesado: cargaba con tantos anhelos…

 43 anhelos que han permanecido amordazados, maniatados, sino es que dormidos, quemados, enterrados. Llanto por doquier, llanto de la madre de Jorge Aníbal, del padre de Felipe, de la hermana de Antonio… de la esposa e hija de Julio César, a quien le arrebataron el rostro en su intento por huir de las balas. Su cuerpo mutilado es el reflejo de la más dolorosa indiferencia, del sadismo de los que todo lo tienen, de la desesperanza, la miseria y el despojo.

 Ellos eran (no, no eran, son)… Ellos son esos chavos que provienen de familias campesinas, pero quieren superarse. Son quienes tienen el interés de compartir sus conocimientos, de enseñarles a leer a niños indígenas de la montaña que no hablan español. Caminaban de dos a cuatro kilómetros de sus casas a las escuelas cercanas a su comunidad. Por eso decidieron ir a la Normal, donde podrían comer y dormir para así aligerar los gastos familiares y valerse por sí mismos. Aunque fuera entre cucarachas, aunque tuvieran que dormir 10 en el mismo cuarto, no importaba, el fin justifica los medios.

 “¿Quiénes son esos pinches indios revoltosos?”, se leía y se escuchaba por ahí…quizás no lo sabemos, porque no son nuestros Emilianos, Israeles o Alexanders, porque sólo los hemos visto en las fotos que andan circulando. No les conocemos el rostro, pero sabemos que somos nosotros. Te das cuenta de que eres tú porque también eres estudiante, porque también corres el peligro de que te arranquen la vida por el simple hecho de ser joven y cuestionar lo que te rodea. Porque también te persiguen por pensar que puedes sacar del atraso a tu comunidad, porque te indigna nadar en la mierda y quieres salir de ella…

 Da rabia y coraje que los sueños de Abel y José Ángel “estén” enterrados en fosas clandestinas. Da terror imaginar el miedo y la incertidumbre de sus padres, de las madres campesinas que apenas hablan español, que no pueden entender por qué… ”¿Por qué nuestro muchacho? si él sólo venía a estudiar y superarse, ¿por qué me lo quitaron?”

A relative of one of the missing students from Ayotzinapa Teacher Training College "Raul Isidro Burgos" cries during prayers at the basketball court in the school at a private mass in Tixtla

 Iguala ya no será la misma. Iguala está salpicada de la sangre de David Josué, quien con apenas 15 años sólo sabía de amigos y fútbol. Se los arrebataron. Las huellas dactilares del odio son la única y más palpable evidencia de esta soledad infinita que recorre los huesos de todos y cada uno de nosotros, quienes les lloramos. Y su cadáver está repleto de ellas.

 El rostro de Julio César vive en nosotros, no nos lo arrancaron. Aún tenemos ojos para mirar y boca para gritar que vivos se los llevaron y vivios los queremos. Y mientras “ellos” buscan a 43 muertos, aquí esperamos a 43 vivos, para gritar con esta misma rabia que queremos justicia. Juntos y vivos o que todo arda. Somos más de 43.

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Imágenes tomadas de internet, la última del facebook de Semanca Huitzilin https://www.facebook.com/temixoch

Originally posted 2014-10-17 13:05:16. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

#FIC2014 Acción y transformación ciudadana: Proyecto Ruelas

 

Estamos cada vez más próximos a la cuadragésima segunda edición del Festival Internacional Cervantino, uno de los entes culturales más importantes a nivel nacional e incluso con reconocimiento a nivel internacional, por lo que nos hemos dado a la tarea de profundizar en algunos de los eventos y actividades de su programa para hacer más accesibles los atractivos que trae consigo.

 Rescatando el prestigio y resonancia que tiene el Festival a distintas escalas, hace uso de ello de la mejor manera, incluyendo entre sus principales objetivos no solamente el entretenimiento y la distracción de los asistentes, sino también la inclusión de los propios guanajuatenses en jornadas de esparcimiento apegadas al fin cultural de sus actividades.

 En alianza con la Universidad de Guanajuato y los gobiernos estatal y federal, en esta ocasión se dará inicio a un espacio nuevo de aproximación a la cultura para distintas comunidades, con la finalidad de la vinculación ciudadana entre los habitantes mediante formas de convivencia colectiva en relación con las artes.

 Se trata del Proyecto Ruelas, nombrado así a raíz del Mtro. Enrique Ruelas, académico reconocido, notable figura de gran significación para la Universidad, para Guanajuato y para la dramaturgia, pionero del teatro y creador de los llamados Entremeses Cervantinos —escenificaciones teatrales callejeras de tradición en el marco del Festival—. Esta iniciativa no tiene más propósito que retomar la concepción que se tenía del teatro en la antigüedad: una actividad al alcance de todos, realizada en espacios públicos y abiertos, y siempre con un mensaje a transmitir.

Maetro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)
Maestro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)

 Tomando como modelo los mencionados Entremeses del Mtro. Enrique —montados con miembros de la Universidad y habitantes de la ciudad—, el Proyecto Ruelas se llevará a cabo en cuatro comunidades de los municipios de León, Salamanca y San José de Iturbide, elegidas por sus altos índices de pobreza y bajos niveles educativos.

 Encabezadas por los artistas Sara Pinedo, Raquel Araujo, Javier Sánchez Urbina y Luis Martín Solís, en cada uno de estos sitios se mostrará como proyecto final el montaje de las obras El mercader de Venecia, Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta, El Rey Lear, Hamlet y Los dos hidalgos de Verona, todas de la autoría del dramaturgo William Shakespeare como parte de la conmemoración del aniversario 450 de su natalicio, también parte de este Festival Cervantino.

 Aunque los montajes finales se representarán a la comunidad en este mes de septiembre, y en el mes de octubre como parte del programa Cervantino para Todos, este proyecto viene gestándose desde junio, mes en el que los citados dramaturgos comenzaron su residencia en la comunidad en la que desarrollarían este trabajo, con la finalidad de integrar a los participantes y comenzar a involucrarse personalmente con las labores.

De inicio a fin, nacimiento, maduración y conclusión, los vecinos se involucrarán en todos los puestos requeridos, haciendo de actores, técnicos, productores, asistentes de vestuario, tramoya y todo lo que sea requerido en cada producción.

Proyecto Ruelas, 2014

Este proyecto de acción y transformación ciudadana será, por primera vez, parte del FIC en su edición de 2014, a dar inicio este próximo 8 de octubre y hasta el día 26. Puedes consultar más información aquí, y el programa completo en el sitio oficial del Festival.

AL ABISMO, A LA INCERTIDUMBRE Y AL DESEMPLEO


Corría la noche y se sentía el frío bajo la Ciudad de México; las luces penetraban por los cristales del transporte público… las voces graves de unos chicos se escuchaban maldiciendo el tráfico, música de Universal Stereo, personas somnolientas y apesadumbradas; y algo en común compartían todas: El rostro desquebrajado.

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Crédito:Animal político.

 De lado derecho yacían preocupadas dos señoras que trataban de olvidarse del bullicio, pensando en sus problemas (regreso al laberinto); desempleo e infortunio fueron los temas que platicaban, cuestión que las hacía ver más demacradas y  desilusionadas de la vida misma.

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Crédito:El Universal.

 El desempleo, según datos recientes de la Organización para la Cooperación y Desarrollo Económica (OCDE) vincula a México en el ámbito más catastrófico: Dos millones 681 mil personas corrían para que no les alcanzase y sin embargo, la nulidad de empleo  les otorgó su dictamen: Fuera, que ahora desempleo es su rey.

 –Cómo te fue mana? ¿Ya te pagan mejor? Porque la neta, así no vale la pena. Mejor ve buscándole, por lo menos un lugar donde no te prohíban que puedes comer y que no-exclamó la señora de cabello corto con tono apesadumbrado y benevolente, aunque no podía ni siquiera sostenerle la mirada.

 Pues qué te digo, me pagan $150.00 y no me alcanza para nada; pero al menos el patrón me regala cerveza Tecate de vez en cuando. Por eso no me quejo, es medio codo el wey  pero tiene sus detalles… a ver dime, ¿Qué patrón hace eso? Debemos ser agradecidas, total nadie me regala nada.

 Deambulaban entre esperanzas, sueños y un poco de desosiego, mientras que el señor que estaba a lado de la señora rubia babeaba de sueño sobre su hombro. Baches, mentadas de madre y el claxon a todo lo que da. Frases como no me alcanza el billete, mugre codo, pero no me ha corrido a pesar de mi tatuaje, estoy bien cansada, la comida es una friega; se escuchaban de par en par, mientras que el chofer balbuceaba un quítate idiota que tengo prisa.

 La preocupación del desempleo no sólo abate a un sector de la población, pero si alarma de sobremanera a los que más le chingan, a los que menos tienen, a los que doblan horas, a los que no tienen seguro…a los más jodidos.

 Si el pueblo hambre tiene, que busque chamba se dice, y que no encuentre resulta ser la bomba que constantemente hace su aparición. Desemplear, desechar es lo que padecen los que más necesidad de alimento tienen, porque señora desocupación no nos dice adiós, sólo da una patada y cierra la puerta para no abrirla por mucho tiempo.

 Rugía el motor de la combi, el señor ya había despertado con la boca seca y se oía el eco de Creedence Clearwater Revival y mientras las luces neón abrumaban el ambiente más de la cuenta, señora rubia canturreaba y hacía muecas constantemente.

 Pero el jefe, me dijo que trabajaría el Domingo y me pagaría el doble, a ver si es cierto…que yo ya no aguanto el olor a pescado y el caldo gallego que todos los días hago, me sabe a miados— platicaba con voz ilusionada.

 Pos, lo que tú quieras mana. Pero no te dejes engañar, ese señor ya te ha prometido que te subirá el sueldo desde hace cinco año— -reclamaba doña cabello corto, que ya empezaba a sentir calor y abría la ventana.

 Es que, las broncas en la casa no dan pa´ que me mueva; ya sabes puras broncas, a veces ya ni quisiera regresar y solamente irme muy a la fregada— decía con una mezcla de dolor y ansiedad.

 La tendencia en torno al desempleo, promete un futuro desolador y  oscuro, tan sólo en el mes de Julio se registró un aumento del 5.7% de personas que no tienen acceso al mercado laboral. Se ofrece mucho trabajo, se demanda poco y mientras los precios suben drásticamente al igual que las necesidades, mientras que los que más tienen no les preocupa la situación; guardan silencio y el descontento se escucha aquí y allá…la alarma en cada sector de la población se deja entrever.

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Crédito:Tumblr.

 La combi se iba desocupando y solamente estaban las señoras, con mirada perdida y sosegada. La de cabello rubio (la más apesadumbrada) masticaba chicle ferozmente y rascaba su mano, mientras que trataba de jalar la manga de la chamarra para tapar su tatuaje de la mano izquierda.

 El clima se mostraba un poco fatídico y nauseabundo, el malestar se había apoderado de todo el espacio y solamente, veía bajo su delgada ceja los ojos perdidos en quién sabe dónde, tramando como olvidar al mundo y ser solamente el pensamiento que tanto le inquietaba: Una persona que contara con seguridad en el empleo.

 Por segundos, deambulé en la inmortalidad del cangrejo y pensé que la conocía, tal vez porque era el rechazo al no querer ser pero someterse a, tal vez la vi pasar y hasta ahora encuentro a doña Mary (supe que se llamaba así porque doña cabello corto así la nombró).

 Pienso en desempleo y en el salario mínimo, y veo a mi alrededor personas que se inquietan por el desamparo laboral que persiste, garantizándoles y garantizándome dolores de cabeza seguros en los próximos meses, quizá hasta en los próximos años.

 Quejas y más quejas, y parece que todos nos hacemos los sordos entre sí, para olvidar el profundo abatimiento que nos corroe, pero mientras exista desempleo; nos patearán la nalga varias veces para decir  “Ey tú, sáquese que el otro es más apto, usted no por bruto”

pfff
Crédito:Ibero 90.9

 $67.29 diarios que representan el salario mínimo, no equivale a mantener en casa una buena comida, ni siquiera un buen caldo de pollo podría hacerle frente a la necesidad de toda una familia; hace falta y más falta…mientras que hambre y necesidad se conjuntan para requerir más ingreso. Según datos recientes presentados en la Alianza del Pacífico, México ocupa el primer lugar a nivel Latinoamérica como el país con el nivel más bajo de salario mínimo. Y mientras más necesidad tenemos de salir del hoyo…el ritmo es más elevado y el empleo se va de nuestras manos, mientras que la preocupación se apodera por quién sabe cuánto tiempo más…

 Y por eso, sólo quedaba doña Mary, inmersa en sus propios deseos, en el deseo de buscar otro empleo porque el hijo de don César era un tonto que solamente se aprovechaba de la necesidad; sin importar que tan lejos viviesen, porque capear mariscos todo el día quemaba las manos y por ese maldito tatuaje, por culpa de ése, no podía salir a buscar otra chamba.