Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

Originally posted 2015-02-25 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

The Humane Society premiará al artista más “mono”

The Humane Society of United States, asociación dedicada a la protección animal, organizó un concurso de pintura para chimpancés cuyo premio consiste en la donación de recursos económicos para el mantenimiento del albergue representado por el primate ganador.

En este certamen participan seis chimpancés con talento especial para la pintura, actividad a la que se dedican tras haberse jubilado del mundo del espectáculo o haber formado parte de proyectos de experimentación científica. Actualmente, los primates concursantes viven en santuarios o albergues donde se les brindan cuidados especiales; sin embargo, para que instituciones como estas puedan subsistir y ofrecer lo mejor a sus huéspedes, es necesario un financiamiento y éste lo otorgan asociaciones como The Humane Society por medio de la recaudación de fondos en eventos como el citado.

Los chimpancés participantes son Ripley, Jenny, Patti, Jamie, Brent y Cheetah, entre ellos se encuentran los dos ganadores de la competencia, uno será elegido por votación pública y el otro por la Doctora Jane Goodall, conservacionista y primatóloga. Los triunfadores serán dados a conocer el 29 de agosto del presente año.

Cabe mencionar que todas las pinturas, ganadoras o no, serán subastadas después del concurso; los fondos obtenidos tras esta venta serán donados a la Alianza Americana de Santuarios para Primates.

The Humane Society of United States se autodefine como la organización protectora de animales más efectiva y grande del país; además de realizar eventos en beneficio de albergues para diversas especies, HSUS también se dedica a la investigación de casos de crueldad contra animales, con la finalidad de lanzar campañas para detener el maltrato y luchar por más y mejores leyes en materia de cuidado a estos seres vivos.

De este hecho no sólo destacan los esfuerzos de algunas asociaciones por proteger a los animales, también es admirable el talento de los primates para crear obras de arte, a continuación se muestran las pinturas participantes:

Cheetah.
Jamie.
Jenny.
Patti.
Ripley.

Para más información, consulta www.humanesociety.org

Originally posted 2013-08-29 16:48:28. Republished by Blog Post Promoter

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

Originally posted 2014-09-16 11:30:08. Republished by Blog Post Promoter

#somoscreadores convoca

 

 

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La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

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El barrio del artista, casa de pintores

Sin títuloEl barrio del artista de la Ciudad de Puebla, ubicado en la calle 6 norte y 6 oriente, es la Casa de los pintores. A más de 62 años de la primera exposición de pinturas, sigue siendo la Casa de los pintores en Puebla, pero tras más de medio siglo, la apreciación y el gusto por la pintura ha disminuido en la sociedad, y con ello, el trabajo de los pintores.

La pintura es una expresión que data desde la época de las cavernas con las pinturas rupestres, y ha venido evolucionando a lo largo del tiempo y la historia hasta nuestros días. Desde hace varios siglos, la enseñanza artística ha sido parte de muchas culturas, incluyendo la nuestra, un claro ejemplo es El barrio del artista, que originalmente estaba conformado por un grupo de asesorías conocidas como El Parián, las cuales solían ser visitadas constantemente por alumnos de artes plásticas, hasta que se logró convertir en un hogar para los artistas mexicanos y una sala de exposiciones y apreciación para todo el mundo. Grandes exponentes de la pintura como Diego Rivera, Frida Kalo, David A. Siqueiros, Saturnino Herran, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Fernando Murillo y otros más, expusieron en este lugar

Como muchos saben, el artista vive de su público, el cual, en la actualidad es muy reducido, con la masificación de la televisión y el internet, muchas personas han dejo a un lado la admiración del arte y los fines de semana no hay degustadores paseando por El barrio del artista, admirando y abiertos a la impresión que pudiera generar la creaciones de los pintores.2

Ahora estos pintores se limitan a pintar paisajes, la naturaleza y otras cosas que sólo compran algunas familias para adornar sus salas o comedores, pero con esa pasión y gusto de crear una pieza única nacida de su mente y talento en plena explosión de sus emociones para deleitar la pupila de todos aquellos observadores curiosos que pasean por El Parián, deseosos de contemplar sus obras.

Si la sociedad mexicana continúa ignorando la belleza producida por sus artistas, pronto no habrá pinturas ni obras de arte cultivadas en las mentes de los pintores, pero si todos se dieran la oportunidad de voltear a ver a los rincones donde están las pinturas más bellas creadas por pintores mexicanos, el arte tardará en extinguirse, pudiéndose aún rescatar, visitando las exposiciones de arte, talleres de pintura, y demás técnicas artísticas. Podemos visitar todo esto en un solo lugar,  El barrio del artista, en la Ciudad de Puebla.

Originally posted 2013-06-10 17:46:15. Republished by Blog Post Promoter

Transmisor en el MUNAL

José Guadalupe Posada el grabador, ilustrador y caricaturista oriundo de Aguascalientes, México tuvo en sus trabajos una crítica y evidencia de la desigualdad e injusticia social existentes en la sociedad porfiriana. Todas sus obras se carcterizaban por describir de manera muy original el espíritu del pueblo mexicano en los asuntos políticos, la vida cotidiana, el terror por el fin de siglo y por el fin del mundo; sin dejar de lado la magia, los desastres naturales y las creencias religiosas.

Siempre fue concebido como un artista popular, incluso, Diego Rivera lo consideraba el prototipo del artista del pueblo, así como su defensor. Desde el estallido de la revolución mexicana en 1910, hasta su muerte en 1913, trabajó arduamente en la prensa dirigida a los trabajadores.

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Tenía una especial habilidad en el grabado y una nueva técnica en ese entonces: la litografía. Además desarrolló nuevas técnicas de impresión, pues trabajó y fundó periódicos importantes.

Uno de sus trabajos emblemáticos es “La Catrina” originalmente llamada la “Calavera Garbancera”, mismo que se volvió un ícono debido a que él consolidó la fiesta de los muertos por sus interpretaciones de la vida cotidiana y actitudes del mexicano por medio de calaveras actuando como gente común.

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Por todo lo que llevó a cabo tuvo una gran influencia en artistas que le sucedieron como: José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez, entre otros.

Para conmemorar el centenario de su fallecimiento se llevarán a cabo eventos y exposiciones en diversos museos y centros de cultura en todo el país. Una de las más grandes es “José Guadalupe Posada: Transmisor” en el Museo Nacional de Arte, pues está compuesta por más de 230 obras. Éstas van desde pinturas, grabados y caricaturas hasta el trabajo de artistas posteriores a Posada.

Un grabado de Posada a cargo de Antonio Ruiz “El corcito“, otro de Juan O’Gorman titulado “El pulque“, un dibujo de Lola Cueto rotulado “En ultratumba” y David Alfaro Siqueiros con su “Zapata a caballo”, son algunas de las obras que se presentan en la exposición.

El recorrido está conformado por tres secciones que muestran el tránsito del autor y su obra a través del tiempo; desde sus inicios como grabador en la época porfirista, hasta su consolidación y mitificación dentro de la cultura mexicana.

Como actividad paralela de esta exposición, destaca un ciclo de cine en el que se proyectarán películas que tienen que ver con José Guadalupe Posada, como “Los caifanes” y “El Santo contra el hacha diábolica”.

Hasta el 16 de junio
Tacuba No. 8, Centro Histórico
Más información en el micrositio dentro de la página web del Munal. 

 

 

Originally posted 2013-03-19 19:56:38. Republished by Blog Post Promoter

Memes también influyen el arte

Por: Daniel Martínez

@gibbsteak

Como siempre, los memes de animales dan la vuelta al mundo y de regreso. Hay de pericos, de perros, de osos, etcétera.

Grumpy cat” o “gato gruñón”, es un meme  famoso por la característica expresión en su cara y, aunque ésta así sea la gracia residia en la expresión que daba.

Para el artista Aja Apa-Soura, fue una fuente de inspiración para hacer vibrantes pinturas en aceite y con espátula. En las pinturas hace el retrato de diferentes gatos, sacados de memes de internet. Destacando la imitación de otras pinturas como “La Noche Estrellada” de Van Gogh o “El Grito” de Edvard Munch.

En su trabajo destancan otras pinturas como mujeres desnudas y paisajes abstractos.

Checa todo su trabajo en Sagittarius Gallery.

Originally posted 2013-04-03 23:17:04. Republished by Blog Post Promoter

Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro

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Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.

 La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.

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 RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque menciona “le gustan las chicas con rasgos latinos”.

 Es pasante de la carrera de sociología y lleva  seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.

 Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.

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 Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.

 El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.

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Originally posted 2014-08-05 09:59:01. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: la belleza femenina

El estudio del arte sirve para entender la representación de los ideales, la cultura y el pensamiento de distintas épocas. Es decir, estudiar el arte ayuda a comprender mejor la forma en la que se vivía y se pensaba en el pasado y con ello entender mejor algunas ideas, conceptos y actitudes que tenemos los humanos en el presente.

 El ideal de la belleza, del amor y de lo femenino ha sido un tema ampliamente revisado por artistas, historiadores, antropólogos, sociólogos, entre otros tantos estudiosos de las humanidades y de las ciencias sociales. Sería casi imposible escribir los métodos con los cuales se ha analizado específicamente el tema de la belleza a lo largo de nuestra historia. Sin embargo, es muy importante observar cómo se ha estudiado este tema, es decir, más que hacer énfasis en la belleza misma se trata de observar cómo es que los estudiosos han investigado la belleza a través del arte como fuente para desmenuzar el pensamiento de una época.

 Puede sonar complicado, sobre todo si se introducen conceptos como arte, belleza y pensamiento. Se trata de métodos de análisis de la imagen. Las maneras en las cuales puede ser leída (entiéndase interpretada) una imagen son cuantiosas. En esta ocasión pondré a discusión una obra que es conocida para la mayoría: El nacimiento de Venus del pintor florentino Sandro Botticelli. Daré una muestra pequeña de cómo ha sido interpretada esta obra por historiadores del arte del siglo XX y por el sociólogo francés Gilles Lipovetsky.

 El nacimiento de Venus es una de las obras más representativas de Botticelli junto con La Primavera, en las que muestra temas mitológicos. A pesar de que Botticelli también hizo pinturas con temas religiosos (pues incluso trabajó algunos frescos dentro de la Capilla Sixtina en Roma), su trabajo más representativo es aquel que trata precisamente temas profanos. El nacimiento de Venus es la obra por excelencia con la cual se puede explicar el Renacimiento, en el cual “renacen” los valores de la antigüedad clásica. Los temas religiosos siguieron siendo tema recurrente en la pintura, sin embargo podemos decir que durante esta época se hace una pausa, no total, del tema religioso en el arte para luego volver con más fuerza en el Barroco.

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1485. Actualmente en Galleria degli Uffizi, Florencia.
Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1485. Actualmente en Galleria degli Uffizi, Florencia.

 En cuanto a la técnica pictórica se puede decir que en Quattrocento (siglos XV y XVI) las representaciones humanas se vuelven más realistas, sobre todo si las pensamos en comparación con las figuras humanas del Trecento (siglo XIV) que son más planas. Además en el Quattrocento se empieza a dejar de lado el laminado dorado y la espiritualidad característica de la época.

 En el Renacimiento la figura humana cobra importancia, el cuerpo como creación divina, por lo que tanto en pintura como en escultura vuelve la mirada al arte griego y romano. La perspectiva se hace presente, el cuerpo tiene más movimiento y las escenas representadas son en torno a lo mitológico. ¿Pero qué nos dice el arte renacentista con respecto al pensamiento humano de la época? ¿Qué nos dice del concepto de belleza?

(Izquierda) Cimabue, Virgen con el niño en majestad,  c. 1280- 1290. (Derecha) Botticelli, Virgen con niño y San Juan Butista, 1470- 1475.
(Izquierda) Cimabue, Virgen con el niño en majestad, c. 1280- 1290. (Derecha) Botticelli, Virgen con niño y San Juan Butista, 1470- 1475.

 Las ideas neoplátonicas se hacen presentes en la pintura del Renacimiento. La pintura se acerca a la música lo cual hace que haya un motor filosófico. Para el historiador del arte Erwin Panofsky, la Venus de Botticelli representaba la expansión de la sabiduría, como menciona Alejandra Val Cubero en su artículo “Imágenes en contexto: genealogía, representación social e imaginario pictórico del cuerpo femenino”. Marsilio Ficino, el principal pensador neoplatonico de la Academia de Carreggi, hacía énfasis en el hecho de que la belleza  y el deseo conducían al amor y que este era la forma por la cual se llegaba a Dios.

 Es entonces durante el Renacimiento que se empieza a concebir la belleza como algo agradable y se relaciona ampliamente con la bondad, con la divinidad. En este sentido se rompe la concepción medieval que se tenía de la belleza, en la que aquello que era bello, sobre todo si se trataba de la belleza femenina, conducía al mal. La belleza femenina como provocadora de pecados. En este sentido, las representaciones renacentistas de Venus son importantes para entender el concepto que se tenía de la belleza, del amor, de los valores humanistas.

 El nacimiento de Venus en la historia del arte representa a la Venus Celeste, es decir la belleza celestial que nació por la caída de los testículos de Urano al mar. Por otro lado, La Primavera muestra a la Venus vulgar, aquella que tiene más contacto terrenal por haber nacido de la unión entre Jupiter y Juno. Sea cual sea la representación de Venus, ya sea la celestial o la vulgar, la figura de Venus en el Renacimiento abarca la humanitas. Para Panofsky la humanitas es la reafirmación de la racionalidad y de la libertad, valores humanos. Sin embargo para Gombrich El nacimiento de Venus reafirma la unión del espíritu con la materia a través de la presencia de los elementos: el aire, el agua, el fuego y la tierra. Es decir, para la cultura del siglo XV, la figura de Venus significaba mucho más que una mera representación del cuerpo femenino, según afirma Val Cubero.

(Arriba) Botticelli, El Nacimiento de Venus, 1485. (Abajo) LA primavera, 1482. Ambas pinturas se encuentran en Galleria degli Uffizi.
(Arriba) Botticelli, El Nacimiento de Venus, 1485. (Abajo) La primavera, 1482. Ambas pinturas se encuentran en Galleria degli Uffizi.

Por otra parte, el sociólogo francés Gilles Lipovetsky expone una interpretación de El nacimiento de Venus en su obra La Tercera mujer. Lipovetsky analiza la manera en la que la belleza femenina se empoderó durante el Renacimiento en tanto una nueva significación y la ruptura con la diabolización tradicional.

“A partir del Quattrocento, en los medios florentinos marcados por el humanismo neoplatónico la belleza femenina se libera de su antigua asociación con el pecado.” Giles Lipovetsky.

El nacimiento de Venus es entonces una muestra de esta ruptura, una imagen que, según el sociólogo francés, se acerca más a la figura de María. El Renacimiento invirtió el modelo de belleza en el arte griego en el que normalmente se expresaba por medio de la figura masculina. La mujer aparece como algo “que hay que ver”, afirma Lipovetsky.  Pero al mismo tiempo la figura de la fémina en el Renacimiento, sobre todo en las figuras de Venus tendidas de artistas venecianos, como la Venus dormida de Giorgione, afirma el rol social de la mujer de papel decorativo, ausente de toda acción enérgica, excluida de toda actividad útil.

 El desnudo masculino de Miguel Ángel, por ejemplo, es enérgico, lleno de actividad, dinámico. Las Venus del Renacimientos son mujeres bellas en reposo. Entonces puede observarse la lectura sociológica en la teoría de Lipovetsky, a diferencia de los historiadores del arte, quienes se fijan más en los aspectos estéticos e histórico- culturales de época Renacentista.

Giorgione, Venus dormida, c. 1507- 1510.
Giorgione, Venus dormida, c. 1507- 1510.

Todo esto puede llevar a preguntarnos cómo concebimos la belleza en nuestra época. ¿Sirve este tipo de análisis para el estudio de la fotografía contemporánea? ¿Cómo se muestra la figura de la mujer en la actualidad? Habrá que observar a nuestro alrededor la figura femenina, tanto en las revistas, como en el periódico, como en la publicidad, e incluso en las redes sociales y en proyectos de fotografía artística. Se muestra a la mujer como símbolo de qué, se la concibe en actitudes pasivas o dinámicas, si se resalta la belleza física o sus valores.

Originally posted 2014-08-01 10:41:48. Republished by Blog Post Promoter

Pintando sueños

Francisco, un joven de 26 años dedicado al tatuaje nos cuenta que inició en esta profesión debido a que desde que era pequeño, para ser exactos, desde que cursaba la primaria le llamaba mucho la atención el dibujo, incluso recuerda que él y un amigo suyo les pintaban los brazos a varios compañeros de su salón, además de hacer dibujos de Dragon Ball para venderlos a sus amigos y conocidos, también recuerda que a diferencia de los demás, él prefería dibujar, crear y generar cosas nuevas antes que practicar un deporte o andar correteando a las niñas “pienso que todos de niños siempre dibujamos, no creo que sea algo nato simplemente mejoras cuando encuentras un interés, un motivo, una razón o intención de plasmar algo que sientes, piensas o quieres expresar, en lo particular yo lo comencé a hacer mucho más en forma hace aproximadamente cinco años cuando empecé a tatuarme y al hacerlo me di cuenta de toda la iconografía que hay detrás de este mundo.”

También nos comenta que lo que más le gusta de la pintura es la libertad que existe no sólo de estilos o técnicas, sino que al dejar de querer crear algo nuevo y ser totalmente innovador, las cosas fluyen naturalmente.

Tanto el tatuaje como el dibujo y la pintura están en constante evolución por lo cual siempre hay cosas que aprender, y esto se logra viendo nuevas obras e ideas de personas a las que admiramos.

Nos asegura que todo esto lo considera como un hobbie debido a que nunca ha tenido estudios en específico acerca de la pintura, únicamente ha tomado pequeños cursos y seguido consejos de personas que se dedican a ello, pero si tuviera la oportunidad de nombrarlo pasión por el simple hecho de amar lo que hace, así sería.

Al preguntarle si cree que transmite algún mensaje a la gente a través de la pintura nos respondió lo siguiente: “la verdad es que nunca me cuestiono si transmito algo a la gente con lo que pinto, al menos no un mensaje, ni tengo una intención específica hasta ahora, claro que me encanta la idea de que a la gente le agrade lo que hago, pero mi objetivo principal siempre es pintar algo que me guste, algo que yo vería y pudiera apreciar con mi estilo y mis gustos, si lo que pinto cumple con ese cometido todo lo demás es extra.”

También nos menciona que su artista favorito es Alphonse Mucha, porque todo su trabajo en general le parece impresionante desde la posición de elementos, composición e iconografía que maneja, todo esto lo inspira a plasmar nuevas ideas.

Por último nos cuenta que su principal meta es seguir haciendo lo que hace y día a día mejorar en todos los aspectos, tratar de sobresalir sin hacer menos a los demás, sino luchar por no estancarse.

Francisco Javier Nieto Tovar, un claro ejemplo de que los sueños de la niñez perseveran, crecen y se hacen realidad.

Originally posted 2013-08-07 18:33:44. Republished by Blog Post Promoter

Un brochazo de recuerdos: Frida Kahlo

¿Cómo empezar a escribir sobre un personaje que ha marcado la historia del arte en México? ¿Cómo saber que fue, es y sigue siendo lo más relevante de su carrera? ¿Cómo englobar todo un brochazo de recuerdos?

Frida Kahlo, ¿cuántas ideas, imágenes o frases nos vienen a la mente tan solo de escuchar o leer ese nombre? Que estuvo casada con el famoso muralista Diego Rivera, que pintó miles de obras, que es reconocida a nivel mundial, sí, es algo que todos sabemos, pero contadas son las personas que conocen su verdadera historia.

Frida siempre estuvo marcada por alguna extraña enfermedad a la que se vio obligada a enfrentar en la niñez además de un desafortunado y grave accidente que se atravesó en su juventud, razones por las cuales tuvo que someterse alrededor de 32 operaciones quirúrgicas.

La temática principal de su obra en cuanto a la pintura siempre fue sobre ella misma y el sufrimiento por el que atravesaba constantemente.

Alrededor de 1938 el famoso pintor André Breton la invitó a exponer sus pinturas en Nueva York, tratando de convencerla que su arte era surrealista, sin embargo ella siempre tuvo claro que sus pinturas no expresaban sueños sino su misma realidad; a pesar de dicha excusa artistas de la talla de Pablo Picasso se interesaron y reconocieron sus obras.

En el caso de Kahlo nuevamente nos encontramos con la “herencia de talento” debido a que su padre se dedicó durante muchos años a la fotografía.

Como anteriormente lo mencionamos, Frida siempre llevó al lienzo acontecimientos, vivencias, experiencias y recuerdos sobre su infancia y adolescencia, un claro ejemplo es la obra titulada “Cuatro habitantes de ciudad de México” en donde claramente se muestra una niña triste y abandonada.

Cabe mencionar que Frida comenzó a tener un gran interés por la pintura debido a su incapacidad de realizar algún deporte físico causado por la enfermedad llamada poliomelitis que la atacó alrededor de los seis años.

Los seres humanos desde siempre hemos sido más allegados ya sea a nuestra madre o a nuestro padre, en el caso de Frida la relación familiar siempre fue más estrecha con su progenitor, especialmente después de detectarle la enfermedad antes mencionada ya que él fue el que la acompañó a las diversas terapias a las que tuvo que asistir.

Cuando comenzó a dedicarse de lleno a la pintura fue cuando en su adolescencia sufrió un terrible accidente, razón por la cual quedo incapacitada durante un largo periodo de tiempo, fue entonces cuando decidió que se dedicaría a pintar su propia vida.

Este artículo hemos decidido dedicarlo a la pintura, sin embargo no queremos dejar pasar la gran oportunidad de compartir con ustedes una hermosa frase de la autoría de tan grande artista “¿se pueden inventar verbos? quiero decirte uno: yo te cielo, así mis alas se extienden enormes para amarte sin medida.”

Bien, es así como una vez más nos damos cuenta de que por más grandes que sean los obstáculos siempre hay una manera para alcanzar nuestros más preciados sueños.

Originally posted 2013-08-26 12:54:21. Republished by Blog Post Promoter

Jonni Cheatwood: Creatividad cultiva esperanza

Jonni Cheatwood es un artista que se dedica a la deconstrucción, a buscar la verdad en lo abstracto.

A pesar de su aparente complejidad, su lenguaje gráfico se comunica naturalmente, su propuesta es fresca y su estilo tiene un espíritu propio. Este artista se interesa por la escencia propia de cada obra, misma que se proyecta en las diferentes percepciones que genera en cada persona, es decir,  poder recrear la nada en algo hermoso. Él es idealista, experimental, arriesgado y con fuerte influencia de las subculturas urbanas. Aquí les presentamos un trabajo elaborado de fotografia intervenida con acrílico: “Grace Series”, que centra especial atención en el color y en formas onduladas que le dan movimiento e impacto a las caras derretidas de cada una de las imágenes.

 

 

 

Más de sus obras en su página web.

Originally posted 2013-01-14 22:15:59. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- el surrealismo

El surrealismo es uno de los movimientos artísticos y literarios más interesantes que han existido a lo largo del tiempo. Se originó por mil novecientos veinte; aunque el término en si apareció en mil novecientos diecisiete. Hacer arte surrealista es tomar objetos y por medio de ellos “enriquecerlos” de sentido. Para explicar esto usaré una pintura de Salvador Dalí.

Pintura de Salvador Dalí

 Como pueden apreciar. Vemos un huevo partido que resulta también ser la puesta de sol (yema) y el mar (la clara). Antes de haber visto esta pintura, la mayoría de nosotros jamás hubiéramos asociado ambas cosas ; pero lo hacemos ahora porque nos damos cuenta que, en efecto, la yema de un huevo parece como si fuera el sol en un atardecer.

 Estas pinturas y en sí todo el movimiento artístico nació en Francia con André Breton quien escribió un Manifiesto Surrealista donde podemos ver lo siguiente:

Precursor surrealista André Breton

 “Amada imaginación, lo que más amo de ti es que jamás perdonas. […] No será el miedo a la locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la imaginación. […]

 Todavía vivimos bajo el imperio de la lógica, y precisamente  a eso quería llegar. […] La experiencia está confinada en una jaula, en cuyo interior da vueltas y vueltas sobre sí protegida por el sentido común.”

 Será la opinión de cada quien sobre qué tan extravagante les parece el surrealismo, pero esta rama pretende llegar a la última esencia de la realidad adentrándose en los campos profundos del pensamiento y dejándolo libre a cualquier sentido común. No se preocupa tanto por la estética o la moral, sino por la idea.

 Estos pensamientos llegan a tener planos muy psicológicos porque André Breton había leído los trabajos de Sigmund Freud. Por lo tanto pretendían desentrañar el último sentido de la realidad: el funcionamiento real del pensamiento, con “ausencia de toda vigilancia ejercida por la razón”- decía Breton.

Pintura por Vladimir Kush, artista ruso

 Por lo tanto, las imágenes enriquecidas por el sentido eran algo primordial, porque el artista surrealista no responde a un impulso: para el surrealista su lenguaje acarrea una densa carga humana. Incluso hasta cómica, ya que aquí no hay límites que la definan.

 Llegaron a decir que el surrealismo era una forma de vida. Era dejar de pensar como todo el mundo para ser hombres nuevos. Ya no querían ver el mundo bajo la misma lupa que los demás. Si bien es cierto que todos somos únicos en nuestras mentes, también es cierto que solemos tener ideas parecidas porque nos educan bajo un sistema general y son nuestras experiencias las que nos moldean diferente. Para los surrealistas pensar diferente y ver más allá de lo que había en la realidad era algo hermoso.

 Este tema también será largo, con el cual veremos a fondo los alcances de este movimiento. Lo importante del arte es que no es como la ciencia: la ciencia hace algo nuevo para destruir lo que era viejo y el arte necesita de lo viejo para crear nuevas cosas.

Originally posted 2014-06-19 23:35:04. Republished by Blog Post Promoter

Rembrandt: 438 pinturas, grabados y esbozos en colección online

Considerado como el artista más importante de toda la historia de Holanda, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor, grabador, y dibujante excepcional, es un icono de la cultura en todo el mundo, que trasciende gracias a la sublimidad de su genio y a la originalidad, calidad y cualidad de su obra.

 Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda, y murió un 4 de Octubre de 1669 en Ámsterdam. Su obra se caracteriza por el cuidado en los detalles y por la sensibilidad y profundidad emocional que representan los géneros que cultivó a lo largo de su carrera artística: Retrato, Paisaje y Pintura Narrativa.  A Rembrandt se le recuerda, de hecho,  por sus magistrales retratos de grupo que iban desde los temas bíblicos hasta escenas que curiosamente abordaban la vida intelectual de la ciencia, de cualquier manera lo hacía, absolutamente alejado de los convencionalismos, lo cual le concebía una estética nunca antes vista en el mundo.

 “La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.”

 De igual manera sus retratos (y autorretratos) constataron una característica más de la genialidad del pintor. Ya en la actualidad, por ejemplo, su forma inusual de aproximar la luz al protagonista con su fenomenal manejo de la misma, ha ejercido innegablemente una gran influencia en la fotografía, creando el propio concepto de: “Iluminación de tipo Rembrandt” que consta en definir perfectamente las luces y las sombras en un retrato, cuidando el balance de las mismas hasta obtener una escena perfecta donde predominen las sombras en todo el rostro.

Es bien sabido que para dominar la técnica se requiere un amplio conocimiento de las bases de la iluminación actual de fotografía en interiores, y manejar perfectamente los ángulos, los planos y la composición de las escenas.

 Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos.

 Afortunadamente para nosotros, si gustamos de observar y analizar el trabajo de este gran artista, ya podremos hacerlo a través del catálogo online del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York  (con descargas completamente gratis, por supuesto).  Ya  que desde hace un tiempo atrás varias de las instituciones culturales más prestigiosas del planeta se están animando a publicar una parte de sus colecciones en Internet para que puedan ser disfrutadas por personas de todo el mundo sin necesidad de visitar físicamente las exposiciones.

 Esta vez fue el turno del increíble y asombroso MET Museum que subió alrededor de. 400.000 imágenes en alta resolución de su excepcional colección, de las cuales 438, son exclusivamente de Rembrandt.

 Así que sin más preámbulos aquí va el link ¡Disfrútenlo!

Originally posted 2014-05-26 12:32:15. Republished by Blog Post Promoter

Yo miro, miro todo el tiempo: Rufino Tamayo

“El contacto con el arte prehispánico y con las artes populares me abrió un mundo.

De inmediato descubrí que la fuente para mi trabajo estaba ahí, en mi tradición.”

La universalidad del hombre se encierra en el puño de una mano; el universo se va desintegrando hasta transformarse en materia ajena. El pincel se convierte en una extensión de la mano, da inicio al recorrido no sin antes atravesar el brazo, la mente, y llega a su final con el alma.

HOMENAJE A LA RAZA INDIA, 1952. VINELITA SOBRE MASONITE
HOMENAJE A LA RAZA INDIA, 1952. VINELITA SOBRE MASONITE

 La tierra produce el material necesario para que se pueda engendrar una obra imperfecta, totalmente humana. Esa misma naturaleza no inspira la obra, se prepara para verla nacer: la alimenta, la arrulla, le da un propósito, un nombre para luego, anunciar el deceso –el fruto se convierte en arte-.

 Rufino Tamayo, durante 90 años, experimentó la pureza de dar a luz, de ser madre y padre, hijo  y hermano del oficio artístico. Al igual que sus frutas, en él se resguardaban semillas de colores, de alegrías, ritmos, figuras, de  tiempos no lineales, vacíos…

 Presenciar un cuadro del artista oaxaqueño, consiste en colocarse los ojos del cielo y simplemente mirar la vida junto a sus múltiples orígenes.

 Ediciones Tecolote, en colaboración con el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, la Fundación Rufino y Olga Tamayo y el Museo Rufino Tamayo, rinden un pequeño pero completo homenaje al pintor. El libro Yo miro, miro todo el tiempo: Rufino Tamayo contiene una selección de imágenes de algunas de las obras más representativas, así como pedazos de texto que proporcionan continuidad y coherencia a la recopilación de imágenes.

 El título desglosa cada uno de las imágenes para así, ofrecerle al lector la oportunidad de analizar y experimentar el ritmo, el trazo, el movimiento y el color que utilizaba el artista. Mirar una pintura es una forma de vivir la vida que no nos pertenece. El verdadero reto de la pintura basado en la perspectiva del oaxaqueño, consiste en decir mucho con poco. Por ejemplo, un solo color ofrece vastas posibilidades de tonos o gamas, ese mismo color penetraba la complejidad y se convertía en muchos más colores.

 La geometría –elemento fundamental del artesano-artista- ofrece cierto equilibrio al espacio pero, al mismo tiempo, “el orden debe estar presente, pero también el desorden”. Esta filosofía presenta y erige la personalidad del hombre y su libertad.

 Él, encontró en México su propia universalidad. Encerró en su puño la historia, la muerte, la existencia, la eternidad y las tradujo en obras artísticas. Hizo del ojo humano el componente maestro para expresar lo que el alma no se atreve a decir.

COMEDOR DE SANDÍA, 1949. ÓLEO SOBRE TELA
COMEDOR DE SANDÍA, 1949. ÓLEO SOBRE TELA

 Yo miro, miro todo el tiempo: Rufino Tamayo nos dice que la prudencia del tiempo en nuestro país es infinita; el infinito se apropia de un cuerpo, se convierte en artista y, al final, se le otorgó el nombre: Rufino Tamayo.

“Para mí el mundo, mi mundo, es y ha sido únicamente la pintura…Jamás me retiraré. Es más, yo creo que me moriré pintando.”

 Vivió dos veces, y lo hizo al mismo tiempo. Respiraba mientras pintaba y pintaba para poder respirar. A veces, creo que inventaba su propio aire.

Originally posted 2014-05-15 00:47:54. Republished by Blog Post Promoter

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Originally posted 2014-10-30 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: impresiones sobre Rafael Galván

La primera vez que vi la obra del fotógrafo Rafael Galván fue en la exposición colectiva Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía en la Galería Patricia Conde en Polanco. Recuerdo perfecto su obra porque me atrapó al instante. No es que la fotografía de los demás autores no lograra llamar mi atención, al contrario, el trabajo de todos los fotógrafos ahí reunido me pareció impresionante. La técnica y el concepto de cada uno era diferente, así cada serie tuvo impacto sobre mí. Sin embargo una de las que más me envolvió fue la serie de Rafael Galván. Se trataba de una serie sin nombre que estaba colocada en una sección de la galería que te aísla dentro de tres pequeñas paredes moradas que forman un espacio casi cerrado. Dentro del espacio se encontraban las fotografías que mostraban mujeres desnudas, en tonos sepia o en blanco y negro. Parecían fotografías del siglo XIX.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 Las paredes color lila y los marcos de las fotografías hechos con tela de color morado formaban un contraste bellísimo. Todo parecía tener sentido para mí. Es interesante la manera en la fotografía puede proyectar una idea o un concepto, el mensaje que el fotógrafo transmite o intenta transmitir es una cosa, sin embargo la forma en la que el espectador se apropia de las imágenes es algo muy distinto.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 El trabajo de Rafael Galván se caracteriza por el uso de técnicas de impresión del siglo XIX y principios del XX, es decir, imprime bajo técnicas de cobre, platino paladio, sobre papel de algodón, incluso realiza ambrotipos que él mismo colorea tal como lo hacían los fotógrafos del XIX cuando no existía la fotografía a color. El trabajo de este fotógrafo me parece impresionante por el hecho de retomar estas técnicas para la creación de fotografía en pleno siglo XXI.

 Las fotografías que presentó en la exposición Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía, son ambrotipos que brindan una sensación de antigüedad a la serie. Cuando el historiador y curador de la exposición José Antonio Rodríguez habla de la obra de Galván menciona que este fotógrafo no intenta volver al pasado, sino más bien busca aceptar ese pasado en el presente. Asimismo menciona que la serie fotográfica de Galván hace referencia a fotógrafos franceses del siglo XIX como Charles Negrè o Auguste Belloc.

 Cuando observé las fotografías de Galván no pude mas que sentir una gran emoción, porque normalmente pasa esto cuando veo fotografías que me recuerdan precisamente la segunda mitad del siglo XIX en la historia de la fotografía mexicana; en la que abunda la fotografía de tipo antropológico que solo puede entenderse a través del estudio del colonialismo europeo. De la mano del científico y del naturalista europeo que llega a tierras americanas viene el fotógrafo, que hace uso de su cámara para dar una descripción gráfica del “otro”.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 En su libro Retrato involuntario. El acto fotográfico como forma de violencia, Marina Azahua menciona que  la fotografía etnográfica surge en paralelo justamente del proyecto colonialista y del espíritu científico de la antropología. Así el zoológico humano y la fotografía etnográfica fueron ejemplos de esa curiosidad del europeo por el otro. En este sentido, al momento de ver la serie de Galván, recordé por una parte, tal como lo dijera Rodríguez, a Auguste Belloc con sus fotografías de mujeres desnudas en reposo. Pero también vi en ellas un poco de Charles B. Lang y Carl Lumholtz.

(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía espuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.
(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía expuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.

 Galván muestra las mujeres de manera muy similar a Belloc, es decir, mujeres acostadas o sentadas, el bello sexo descansando. En el retrato se hace uso de telas que aparecen como una reminiscencia del fotógrafo francés. En ambos casos, tanto en el de Galván como en el de Belloc, se exhibe mujeres en su rol decorativo, excluidas de actividad útil, tal como lo haría Giorgione con la Venus dormida.

 Galván retrata mujeres morenas, crea un juego con las telas que cubren o la cabeza de sus modelos o la mitad de sus cuerpos, retrata mujeres con cuerpos naturales, senos grandes y estómagos lo suficientemente abultados. Las mujeres muestran expresiones faciales interesantes: están serias, pero no hay rasgo de angustia, de vergüenza, así como tampoco de orgullo.

 Sin duda ver estas fotografías en la galería fue la cereza del pastel de mi experiencia sensorial durante la visita a la exposición. No sólo el espacio reducido provocaba que entraras a una especie de burbuja del pasado, sino que también se creaba un contraste interesante entre las fotografías en sepia y la pared de color. Contraposición entre el color que nos recuerda que estamos en una galería del siglo XXI y el sepia que nos transporta al siglo XIX. Por supuesto la serie de Galván hizo eco en mí, sobre todo porque la recepción de una obra de arte depende en buena parte del mensaje que el artista imprime en su trabajo, pero también del espectador. La interpretación que esté haga de la obra así como los sentimientos y emociones que ésta pueda provocarle son principio de la historia personal del cada individuo.

Originally posted 2014-09-05 09:00:08. Republished by Blog Post Promoter

De: Doménikos Theotokópoulos, El Greco

el_greco19 Doménikos Theotokópoulos fue un pintor manierista, que para mejores referencias, era un término utilizado para referirse a la imitación de la maniera  de los maestros del Alto renacimiento y después como una reacción contra el ideal de belleza clasicista en lo formal y lo conceptual, un arte intelectualizado y elitista. Es de mencionarse que el estilo fue catalogado de extravagante, decadente y degenerativo cuya elegancia no fue apreciada sino hasta el siglo XX, asunto que afectó por supuesto el arte y la posición  de El Greco en la historia del arte a quien  hasta apenas hace 100 años se le reconoció como uno de los grandes artistas de la civilización occidental. Antes de esto era catalogado de artista excéntrico y marginal.

 Entonces “El Greco” es el apodo por el que mejor se le conoce a Theotokópoulos, por haber nacido en Grecia, para ser más específicos en Creta, en la localidad de Candía en 1541 lugar en que vivió hasta los 26 años. La familia (de la que se sabe poco) perteneció se dice casi con toda certeza a la colonia católica de Candía. Siguiendo con las probabilidades se formó en el taller de Juan Gripiotis pintor, y se le relaciona con Georgios Klontzas. Trabajó Domenikos bajo las dos posibilidades de la pintura cretense: “Alla greca” y “alla latina”.

 Cuando Candía  ya no le alcanzaba para vivir, con necesidad de expandirse, parte a la ciudad de los Canales, se le atribuye una estancia con Tiziano, y se piensa lógico que el hombre se preparara en los más prestigiosos talleres del momento.

 Theotokopoulos alcanzó una bien valorada posición entre los pintores de la época en aquella parte del mundo, y para 1563 era ya nombrado “maistro”. Si se hace necesario y para referencia siendo artista, es claro, cumple con las características del augurio de la grandeza: buena educación, espíritu inquieto, grandes ambiciones y altas aspiraciones.

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 Los 37 años que vivió en Toledo transformaron profundamente su estilo y tal vez lo que aconteció fue una fundición de todo lo antes vivido entregando como resultado un estilo propio, original, dramático y maduro, de acá vienen los ropajes blanquísimos, cabezas pequeñas y el alargamiento de los cuerpos, luz intensa.

 Sus últimos quince años llevó la abstracción hasta límites insospechados. La intensidad se marca claramente cada vez más hacia sus últimas obras. Siendo religiosas las pinturas adquirieron un fuerte impacto espiritual, en escenarios casi teatrales.

La pintura […] es moderadora de todo lo que se ve, y si yo pudiera expresar con palabras lo que es el ver del pintor, la vista parecería como una cosa extraña por lo mucho que concierne a muchas facultades. Pero la pintura, por ser tan universal, se hace especulativa.

 En su evolución fue alargando las figuras haciéndolas más sinuosas buscando posturas retorcidas y complejas.

 Sus retratos son menores que las pinturas religiosas, era capaz de representar los rasgos y todavía más allá, de representar su carácter. Las posibilidades de que se sirvió le entregan un lugar entre los retratistas de alto rango, siendo éstos: Tiziano y Rembrandt.

 La formación del Greco fue compleja, y hay razones para pensar que lo que hizo en los talleres fue de algún modo absorber lo que mejor le parecía como artista. Los tres focos culturales (muy distintos entre sí) que marcaron su obra fueron: La primera formación bizantina, la segunda Veneciana (en especial de Tiziano) de donde aprendió el óleo y la estancia en Roma de donde conoce la obra de Miguel Ángel y el manierismo que fue como ya dijimos el estilo vital que lo caracterizó.

 La obra del Greco está compuesta por grandes lienzos para retablos, cuadros de devoción para instituciones religiosas y retratos. La característica más puntual del arte del Greco son las figuras alargadísimas (más bellas que las naturales según sus escritos) iluminadas por sí mismas, delgadas, fantasmales, expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores en contrastes. La forma ondulante de la llama del fuego para representar la belleza,

 Otra de sus características es la ausencia de naturaleza muerta. No hay profundidad ni paisaje, habitualmente eran aislados por nubes. Las figuras son centrales y el espacio en que se pintan, reducido fuera de sus formas. El sol no brilla, el empleo de la luz que parte de las figuras o una que reflejan no visible hace palpable el antinaturalismo, y la tendencia a la abstracción.

Detalle del San Pedro de la Capilla Oballe (1610-13).

 El poeta Théophile Gautier en su libro sobre su célebre viaje a España formuló su revisión del arte del Greco y también lo tildó como la gran mayoría de extravagante y loco con una connotación positiva y no denigrante. Manet le entregó elogios también Paul Lefort, en su influyente historia de la pintura escribió:

«El Greco no era un loco ni el desaforado extravagante que se pensaba. Era un colorista audaz y entusiasta, probablemente demasiado dado a extrañas yuxtaposiciones y tonos fuera de lo corriente que, sumando osadías, finalmente consiguió primero subordinar y luego sacrificar todo en su búsqueda de efectos. A pesar de sus errores, al Greco solamente puede considerársele como un gran pintor».

 Los comentarios escritos por El Greco  descubiertos hace poco han demostrado que el pintor era un intelectual inmerso en la teoría del siglo XVI En Italia.

 En sus últimos años el Doménikos decoró la Capilla Ovalle, El hospital de Tavera y pintó su Laocoonte y murió a los 73 años, el 7 de abril de 1614. Ya se sentía tocado por la muerte tiempo antes y concedió un poder para que su hijo testara en su nombre a quien dejó como heredero universa. Los restos del Greco reposan en la Iglesia de Santo Domindo el Antiguo.

El almacén de la imagen: Batten y la crítica al modelo de belleza

 La belleza femenina, menciona Giles Lipovetsky en La Tercera mujer, se ha estandarizado a partir de un proceso en el que el desarrollo de la cultura industrial y la mediática han sido fundamentales. Desde inicios del siglo XX, la prensa femenina, el cine, la publicidad y la moda han difundido un modelo de figura femenina idealizada.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Las mujeres hemos crecido viendo y escuchando sobre el ideal físico y mental femenino, la imagen de la mujer bonita, esbelta e inteligente permanece en nuestro imaginario de feminidad y de éxito, aunque esto último pueda ser más subjetivo. Las imágenes que representan ese modelo de belleza nos rebosan la cabeza día con día. La nueva historia del bello sexo tiene lugar en el momento en la que el ideal de belleza entra en la era de las masas.

 Algunos artistas han consumado su obra a partir de una crítica a estos estándares de belleza que promueven el uso excesivo de maquillaje y plantean la cirugía estética como una herramienta para lograr acercarse a ese ideal al que aspira el bello sexo del siglo XXI. El universo de las mujeres se ve compuesto también por ejercicios físicos y dietas para conseguir ser delgada y valorada por ello. El cuerpo de la mujer ya no tiene como fin único agradar a los hombres, sino que también debe embelesar a otras mujeres. En este sentido la fotografía de moda ha mostrado un modelo de belleza, tanto femenino como masculino, que condiciona la naturaleza del cuerpo. Este tipo de fotografía está más bien dirigida a un público femenino que consume los estándares culturales y de hermosura que esta propone.

 Sin embargo, la fotografía también ha fungido como medio de denuncia contra el modelo que se ha venido impuesto a partir de la segunda década del siglo XX.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Un ejemplo de ello es la fotógrafa alemana Julia Fullerton- Batten (que trabajó para la revista Vogue durante algún tiempo), quien realiza una crítica social con respecto a los estándares de belleza en el mundo a través de su serie Unadorned (2012). Es importante mencionar que Fullerton- Batten se desarrolla como fotógrafa surrealista contemporánea, haciendo uso de herramientas de pos producción que le permiten crear paisajes y escenas que podría remitirnos al mundo onírico. Así pues, la serie se centra en una crítica al concepto de belleza manipulada, según expone la fotógrafa al hablar de su serie.

 Lo que quiere mostrar es precisamente todo lo contrario a lo que se observa en las revistas de modas, esto es,  la forma en la que se expone a la mujer en el ideario cultural de hermosura: mujeres frías, plásticas que modelan inmóviles y ligeras. Es decir, dejar de lado aquellos estándares que aprisionan a la mujer. Así pues, exhibe mujeres que normalmente no se muestran en el mercado que va dirigido al cuerpo, a la delgadez: presenta mujeres voluminosas, que parecen no tener miedo a sus cuerpos curvos. Usa la imagen de la mujer corpulenta como medio para criticar a una sociedad que se hace énfasis en la figura y el tamaño del cuerpo de la mujer. Se trata de chicas que aceptan que sus cuerpos son como la naturaleza quiso que fueran.

 A pesar de la crítica social que Julia Fullerton- Batten hace a través de la figura de modelos corpulentas y de su  intento por juzgar ese mundo en el que la idea de belleza ha sido manipulada, es importante observar que su trabajo no se libra de los estándares de belleza femenina que ella misma critica. Fullerton enmarca a sus modelos en un ambiente cálido, eso parece obvio por la paleta de colores que selecciona para la mayor parte de las fotografías de esta serie. El uso de tonos cálidos, entre amarillos y marrones, así como la voluptuosidad de las modelos se contrapone al modelo de mujer plástica y fría que se muestra en las revistas.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 A eso se le añade el uso de muebles de madera con estilo clásico que recuerdan a los retratos del siglo XVIII en los que la figura de la mujer aparece rodeada de objetos propios de las actividades femeninas: instrumentos musicales y libros que exhiben a la mujer culta. La fotografía de Fullerton- Batten sigue exponiendo a la mujer en el escenario de lo privado. Así pues, podemos observar que los ambientes propuestos por esta fotógrafa giran en torno al hogar: aparece una sala, la cocina, salones propios de las actividades de la mujer noble del XVIII en donde se puede observar un piano e incluso libros. También incluye la figura masculina en el entorno de lo femenino, sin embargo los hombres que aparecen en estas fotos se notan ausentes o incluso molestos por ello.

Julia Fullerton- Battern, fotografías de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, fotografías de la serie Unadorned, 2012.

 Los elementos naturales no se hacen ausentes, sino todo lo contrario. La fotógrafa añade flores, plantas y frutas con colores cálidos, tal vez para darle un toque de feminidad a la foto. Algunas veces las flores aparecen un tanto marchitas o en el proceso de marchitarse. Como si aquello femenino que pudieran estar representando estuviera a punto de morir. Algunas fotografías exponen a las mujeres obesas en escenarios de abandono, es decir, dentro de casas o invernaderos desgastados… al igual que sus cuerpos.

Julia Fullerton- Battern, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.
Julia Fullerton- Batten, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.

  ¿Será que la fotógrafa logra su objetivo de criticar a una sociedad que oprime, modela y manipula la belleza? Las mujeres voluptuosas de sus fotografías parecen más bien abrumadas y los escenarios a veces desgastados reafirman el sentimiento de vergüenza ante un cuerpo que no se adecua a los estándares de belleza y esbeltez. De pronto aparece la imagen de una mujer que se asoma al espejo, tal como lo hace Narciso cuando mira su reflejo en el agua, que se observa a sí misma maquillada, peinada, atiborrada de joyas, como queriendo encajar justamente en ese modelo de belleza propuesto por revistas como Vogue. Pero es gorda y su gesto es más de confusión que de aceptación de sí misma. Nos encontramos ante la contraposición entre el lujo y el abandono, la delgadez y la gordura, la felicidad y la tristeza, la aceptación y la negación de un cuerpo que no es como la sociedad plantea que debe ser.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Al final del día se puede observar tanto en las fotografías como en la visión crítica de la fotógrafa  la concepción de la mujer con respecto a su papel en la sociedad del siglo XXI. Es decir, se ve a una mujer que sigue sumergida en lo que Lipovetsky llama la prisión estética, aquella que sucede a la prisión doméstica y que sigue subordinando a la mujer a su rol tradicional estético- narcisista.

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

De Cy Twombly. Expresionismo abstracto

Es Cy twombly (1928-2011) uno de los pintores más confusos de los últimos tiempos y de los más importantes de la posguerra, altamente criticado e incomprendido en la década de los 50s, lo traemos al caso porque el museo Júmex  actualmente da techo a más de 60 obras del expresionista en la exposición que lleva por título: “Cy twombly: Paradise” y que comprende el periodo de su vida trasladado a la obra pictórica que va de 1951 a 2011.

 Es esta la primera vez que se exhibe en Latinoamérica, tengamos en cuenta que hace poco sucedió su muerte; se trata de un artista sobresaliente, al que uno se puede sentir cercano por el hecho mismo de que recientemente compartía en físico el mundo con los que a este tiempo podemos ser testigos de su obra y es esto también lo que lo convierte en un referente cercano para los pintores en camino.

 Se lee en uno de los muros del museo al respecto de la obra de Twombly, que la producción gira en torno a los grandes temas universales: el amor, el arte, la belleza y la muerte, es esto desde una personal perspectiva que debiera estar de más decir, puesto que toda obra es autobiográfica, citando al Divino Dalí. La perspectiva de Twombly por seguir el camino reacciona y anda en contra del expresionismo abstracto, interesantemente reforza el legado de la abstracción gestual de su país acompañándola de la Europea.

 De modo que lo que hace es generar puentes entre la escritura y la pintura, uno puede entre los trazos rescatar fechas, poemas escritos y amoldados, trazos que remontan a la infancia, y pinturas que no pueden dejan indiferente al que mira, hay algo en uno que puede viajar entre los trazos del estadounidense, algo que nos vuelve y nos remonta, algo de la futilidad de la vida, de contraposiciones, de mezclas y de interconexiones.

 Dejar que la obra sea en uno merece sin duda la pena, uno entiende parado frente a su percepción de la vida plasmada en el lienzo mucho de él y de la existencia misma, sea que guste o no, que inspire o no, que genere el aplauso o un dar la vuelta, prestarse en sentidos a un Twombly sin duda dejará alguna emoción distante a la sola indiferencia.

 La obra de Twombly se recorrerá hasta el 12 de Octubre del 2014, 30 pesos público general, 50% descuento a estudiantes. martes a viernes 11 a 8 p.m., sábados 10 a.m. domingos 10 – 7 p.m.

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Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

Entrevista a Ologuagdi, pintor Kuna

“La mejor universidad en la que he estudiado ha sido el útero de mi madre. El amor siembra las mejores banderas y de una de esas banderas plantadas nací yo. Cuando nací ya tenía los pinceles en la mano. Y ahora la única responsabilidad que tengo con todos es el amor. ” Me parece escuchar la voz de Ologuagdi,pintor panameño, serena y anestesiante parlamentar su credo fundamental, como si recitara una elegía a las piedras y a las plantas.

Nacido en la ciudad de Colón,  el 24 de Junio de 1953, Ologuagdi u Ologwagdi, pintor kuna, es hoy por hoy una de las voces más representativas del arte panameño a nivel mundial y también una de las más bonachonas y sinceras.

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“Yo soy un nexo directo con la negritud,” dice con su voz ora determinada y contundente, ora inaudible y pequeña. Vivió su primer infancia, como él la llama, en la ciudad de Colón, ubicada en la costa caribeña de Panamá, donde tuvo sus primeros acercamientos con la raza negra, la pintura y las artes gracias a su abuelo, un ebanista y carpintero, que significó, también, su conexión con la ciudad y la vida urbanizada. Como su padre, él también tomó formación en las artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Panamá.

Gana su primer premio de pintura a los 15 años por vanguardia artística joven, con una pieza hiperrealista: un tazón de cristal con uvas y una botella.El premio lo recibe  de  las  de manos de Carlos Alberto Palomino. Es gracias a esto que desiste en su deseo ser cura y párroco y aquí comienza a extender sus brazos como grandes raizales sobre la pintura panameña para poco a poco, consolidarse como un gran árbol chiriquí bajo el que muchas cabezas toman, ahora, un descanso a la sombra. Aunque a la par de la pintura, durante su juventud no conoció los límites en cuanto a oficios y profesiones, ya que trabajó como mesero, ayudante en un estudio de fotografía, sastre, entre otros para sostener endeblemente sus necesidades.

“Cualquier zaguán es una galería.” Esta frase fue y es, aún ahora, una línea más de su credo fundamental de vida. Y es en función de esto que su trabajo nos ofrece nuevos horizontes, como el primer grupo al que se unió: el “Trópico de Káncer”. Un grupo artístico-anarquista en la década de los 70’s. en  el que podían encontrarse artistas de todo tipo, desde músicos, poetas, pintores, actrices, como Ileana Solís, Ventura Rodríguez, Káncer y Virgilio Ortega, entre algunos otros. Después en 1972 se suma al Programa Bilingüe de Panamá como ilustrador de libros. Y más tarde en 1974, se une a la brigada muralista de José de Jesús “Chucho” Martínez donde pinta algunos murales cerca del Chorrillo, aunque, al día de hoy, muy pocos sobreviven, debido a la represión política y expresiva de aquél momento. En 1975 gana el Concurso de Pintura “Soberanía”.
Muchos años después, en 1985, se une al GECU, el Grupo Experimental de Cine Universitario donde se combate por La Carta de Soberanía y en contra del Tratado del Canal de Panamá. Al mismo tiempo participa en la creación de revistas culturales y de protesta como La Plancha.

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Y para finalizar éste año, consigue después de más de 12 meses de espera, los fondos necesarios para publicar una antilogía de pintores panameños de la época. En 2008 participa en la película más galardonada del cine panameño en su historia, El Viento y el Agua, ganadora de 7 premios hasta el momento.  Actualmente colabora en la “Brigada Muralista de Káncer Ortega Santizo” un colectivo de fotógrafos, pintores y músicos dedicados a promover el arte autóctono de su país.
– Olo, ¿De qué se trata todo éste trabajo acerca del nuevo escudo? ¿Cuáles son las correcciones que le haces al anterior y cuál eran sus problemas?

– Voy a decirlo así. Para como esta la vaina, el objetivo de la pintura debe ser tender uno y mil puentes por el que la humanidad pasee, caminando de la mano, y se conecte. Es por eso que hago esto. Respecto a lo del escudo hay algo que tienes que saber. El escudo anterior era también un trabajo mío, sin embargo no podría decir que fuera el oficial, ya que aquí en Panamá ninguno lo era. Podía venir cualquiera, dibujar un círculo con una cruz en el medio y proclamarlo casi como nueva bandera. No había una ley que defendiera su exclusividad hasta ahora y es por eso que hago el trabajo. Comencé a trazarlo el viernes pasado, le falta un poco para estar terminado. Los cambios que se hicieron fueron el águila arpía, el azadón, una pica o pico, no sé como tú le digas, y el istmo.

 

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– Por último, ¿Qué momento vive la pintura en Panamá?

-Mira, así como el latido fuerte del pueblo panameño debe ser su pintura. Cualquier nostalgia debe expresarse a través de colores y pinceles. Hasta el momento no estamos del todo en orden, así es que creo que le espera un gran momento.

El sol titila en el armazón de sus lentes chuecos y se reproduce en todas las direcciones como un arma de láser disparando a tambor batiente. Y es de ésta misma manera que la pintura panameña se levanta, de su mano, como un mundo en llamas que atraviesa sin problemas las olas y las rompientes.

Los nuevos rostros artísticos merecen un hogar

Las pinturas de los pintores emergentes de nuestro país, muchas veces no tienen un hogar, ni un lugar donde puedan ser expuestas, y con ello, darse a conocer. Al parecer no existen muchos lugares que les den una oportunidad, y los que hay, “o son poco conocidos o son muy elitistas con los pintores,” es lo que ha mencionado Itzel Naomi Meneses, creadora de esta obra llamada Blue.

 

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La pintora comentó “hay muchísimos museos y centros dispuestos a cooperar, sin embargo, o se hacen sumamente selectivos o no se dan a conocer”. Los artistas, por lo regular, se preocupan por expresar sus emociones, pensamientos y demás, pero se deben preocupar también de ser aceptados en museos y centros.

Para los principiantes en el mundo artístico, la tarea de dar a conocer su obra resulta aún más difícil, de acuerdo con las palabras de Itzel, el principal problema es, principalmente, “no saber en qué medios o por dónde empezar a buscar patrocinio o lugares de exposición enfocados al público Target

Las pinturas siempre deberán ser expuestas, pese a que muchos lugares “oficiales” no ofrecen los requisitos adecuados, los pintores siempre buscarán lugares donde exponer sus obras, ya sea en museos o ferias locales, pero el arte siempre indagará la forma de ser conocido, ya sea formal o informal.

Itzel compartió lo que para ella sería el centro expositor ideal y sus características “para mí el centro expositor ideal tendría limpieza, cohesión, amplitud, no estar saturado, accesibilidad, cohesión también con el tipo de obras, continuidad, algún tipo de acomodación estratégica para que toda obra sea vista”.

Aquí algunas de las pinturas de Itzel Naomi Meneses

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naomi.meneses@hotmail.com

 

 

Última semana “In Wonderland”

Por: Abigail Rodríguez

@abigailrhz

El surrealismo fue una de las corrientes artísticas con mayor influencia durante el siglo XX, aunque surgió en Francia se extendió rápidamente a otros países como México y Estados Unidos donde las ideas liberales y de equidad de género ayudaron a varias mujeres artistas a desempeñar un papel muy importante dentro de esta corriente, si dejar a un lado lo
sueños y el inconsciente, fuente creativa del surrealismo.

Las obras surrealistas creadas por mujeres muestran una visión muy personal de su realidad, donde se percibe una liberación de las ideologías patriarcales, los cánones impuestos por la sociedad y sus tragedias personales, para transformarlos en grandes obras de arte, que a través de la pintura, la fotografía y el cine plasman la verdeará personalidad, tanto psicológica como espiritual de cada una de las artistas, provocaban a su vez cierta catarsis que refleja los sentimientos de la autora al crear la obra.

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Tal es el caso de la pintora mexicana Frida Kahlo, quien transmitió a sus obras sus sentimientos y su visión de la vida, hecho que provocó, junto con otras pintoras el surgimiento del movimiento feminista que otorgaría a las mujeres la igualdad de género, y con ello otros derechos que antes eran exclusivos de los hombres, además de transformar la
visión de la mujer hacia ella misma y su posición en la sociedad.

Sin duda las obras surrealistas creadas mujeres artistas tuvieron un gran impacto social y cultural, obras que se pueden apreciar en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en la exposición titulada “In Wonderland Mujeres Surrealistas en México y los Estados Unidos”, la cual está conformada por 45 mujeres artistas que realizaron sus obras entre 1930 y 1970, y que estará presente hasta el próximo 13 de Enero del 2013.

Algunas de las artistas que integran esta exposición se encuentran Maya Deren, Sylvia Fein, Lee Miller, Yayoi Kusama, Dorothea Tanning, Frida Kahlo, Remedios Varo, Rosa Rolanda, Alice Rahon, Kay Sage, Louise Bourgeois y Leonora Carrington, Ruth Bernhard, Lola Álvarez Bravo y Kati Horna, entre otras.

No te puedes perder esta interesante exposición durante su última semana en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, para más información visita el sitio web del Museo de Arte Moderno.