El almacén de la imagen: fotografía de interiores de Massimo Listri

No hay mejor forma de engrandecer al hombre sino por medio del pensamiento y del reflejo de sus ideas a través del quehacer artístico y literario. El humanismo fue una corriente de pensamiento cultural y filosófico surgido a finales del siglo XVI, que buscó retomar la figura del hombre como centro de todas las cosas (antropocentrismo), dejando a un lado las creencias religiosas y el teocentrismo con el que se había estado entendiendo el mundo. Al mismo tiempo, el humanismo pugnó por hacer a un lado el servilismo y la ignorancia mantenidos por el dogma religioso y sus máximas incuestionables. Se retoma la antigüedad clásica y los temas mitológicos vuelven a impregnar en la pintura y la escultura.

Massimo Listri, Palazzo Doria Pamphilij, Roma.
Massimo Listri, Palazzo Doria Pamphilij, Roma.

 El hombre y su cuerpo vuelven a ser protagonistas en las representaciones artísticas, aunque esto no significó el fin de las representaciones religiosas en el arte. En la arquitectura se abre paso a la ornamentación más frugal inspirada igualmente en la antigüedad clásica, sobre todo en la cultura romana. Aparecen los grandes palacios, propiedad de familias burguesas que recién aparecían en la escena social con el paso de la Edad Media a la Edad Moderna. Tanto el Renacimiento como el humanismo abren paso al carácter intelectual y artístico del ser humano, abundan los libros plagados de conocimiento, los desnudos masculinos y femeninos se vuelven tema principal de la creación artística, hay una renovación en las técnicas pictóricas, escultóricas y arquitectónicas.

Massimo Listri, Sala delle niobe, Ufizzi, Florencia.
Massimo Listri, Sala delle Niobe, Ufizzi, Florencia.

 La belleza del arte renacentista queda reflejada sobre todo en arquitectura de la Edad Moderna y nada mejor como quien se dedica a enaltecer estos recintos por medio de la fotografía. Tal es el caso del fotógrafo florentino Massimo Listri (1954), un humanista contemporáneo que se dedica a retratar el interior de algunos edificios renacentistas y barrocos, que reflejan los principios humanistas. Normalmente los palacios e iglesias que captura en la actualidad fungen como museos o bibliotecas.

 En una entrevista a Massimo Listri, realizada por Alejandra Ortiz en exclusiva para el periódico La Jornada, el fotógrafo menciona que retoma el interior de edificios que muestran al ser humano como eje principal, como centro, no en tanto su presencia física, sino en tanto su legado. Es decir, Listri expone en su fotografía arquitectónica el interior de lugares que nos muestran que el hombre como expresión de conocimiento, de pensamiento y de espiritualidad, es decir, que nos permiten entender al hombre como centro de todas las cosas. En ese sentido, Listri vuelve a esa búsqueda por retomar al hombre como elemento principal de su obra y es así como vuelve la mirada al antropocentrismo a través de la fotografía arquitectónica.

Massimo Listri, Palazzo Pitti, Florencia.
Massimo Listri, Palazzo Pitti, Florencia.

 Massimo Listri se sirve de su excelente conocimiento del manejo de la luz para fotografiar interiores, tanto con el uso de luz natural como luz artificial. Definitivamente es un cazador de los lugares arquitectónicos que muestran una sola cosa: la capacidad del hombre de crear cosas realmente bellas, espacios majestuosos repletos de elementos artísticos (pinturas, esculturas y obras literarias) que ensalzan su condición de ser humano. Sin embargo es importante que al observar estas fotografías no dejemos de lado el hecho de que los espacios capturados por Listri son representativos de la naciente burguesía de la Edad Moderna o de la nobleza, es decir, no son espacios típicamente concurridos por el campesinado.

Massimo Listri, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florencia.
Massimo Listri, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florencia.

 Entre los espacios que Listri fotografía se encuentra el Palacio Pitti, en Florencia, residencia que en un principio perteneció a Luca Pitti, un banquero florentino. Posteriormente paso a ser propiedad de la familia florentina más influyente durante el Renacimiento: la familia Medici. El lugar además cuenta con los Jardines Boboli, el edén renacentista más bello de Florencia.

 El trabajo de Massimo Listri se enfoca en capturar el interior de los museos, entre ellos los museos florentinos Galleria dell’Academia, en donde se encuentra actualmente El David de Miguel Ángel, o la Galleria Uffizi. Ésta última es una estructura arquitectónica renacentista, iniciada por el arquitecto Giorgio Vasari y continuada por Alfonso Parigi y Bernardo Buontalenti. En un inicio fue construida con el objetivo de que fungiera como un edificio destinado a oficinas de gobierno durante el gobierno Cosimo di Medici , duque de la región toscana.

Massimo Listri, Galleria dell'Accademia, Florencia.
Massimo Listri, Galleria dell’Accademia, Florencia.

 Así pues, este fotógrafo muestra que el arte, la arquitectura y los libros cobran importancia por su carácter de creaciones humanas. No se trata de hacer alusión de las pinturas de los grandes maestros renacentistas y barrocos (Botticelli, Da Vinci, Piero di Cosimo, Michelangelo, Rafael, Caravaggio y Rembrandt), sino más bien poner atención en los recintos que resguardan estas piezas de arte o libros. Entendamos que estos lugares tienen importancia por le hecho de que en ellos se contiene gran parte de la historia de occidente, esto es, en ellos se resguarda la memoria colectiva, el pasado sin el cual nos sería casi imposible poder comprendernos en el momento presente. En este sentido, el trabajo el fotógrafo Massimo Listri es un elogio al hombre, pero más que eso se trata de una apología de la historia.

Massimo Listri, Biblioteca dell'Abbazia, Wiblingen.
Massimo Listri, Biblioteca dell’Abbazia, Wiblingen.
Massimo Listri, Biblioteca di Strahov I, Praga.
Massimo Listri, Biblioteca di Strahov I, Praga.
Retrato de Massimo Listri.
Retrato de Massimo Listri.

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El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

Originally posted 2014-10-15 11:45:36. Republished by Blog Post Promoter

Sin título, Sophie Calle en el Tamayo

Este fin de semana el Museo Tamayo fue sede para la proyección del documental Sophie Calle, sin título, dirigido por Victoria Clay, el cual es una road movie en la que se muestra la vida de la artista desde su paso por California, donde comenzó su carrera, el sur de Francia, donde trabaja y Camarga, lugar donde creció.

 La directora de este filme compartió tiempo con Calle, la conoce bien y muestra con cierta intimidad una parte de la vida de esta artista francesa. En el trabajo de Sophie se observa un cambio en la percepción de los otros hacia ella misma. Esto se puede apreciar en Ritual de Cumpleaños, en el que durante 13 años Sophie invitó al mismo número de invitados que su edad más uno, dejando los regalos intactos para después ser exhibidos en vitrinas.

Foto de: picnic.co
Foto de: picnic.co

 Actualmente el Museo Tamayo también muestra la instalación Cuídese mucho (Prenez soin de vous), obra que fue realizada para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007. Esta obra es inspirada en el último correo electrónico que envió su entonces pareja a Calle, donde daba por terminada su relación y finalizaba con la frase que da título a la exposición.

 Para la creación de la instalación Sophie reúne a 107 mujeres de diversas profesiones para analizar la carta que llegó a su email. El resulto es una radiografía que disecciona cada posible significado en las frases del mensaje, a través de fotografías, escritos y videos que expresan ideas sobre el amor, sexo, trabajo, dolor e intimidad.

¿Quién es Sophie Calle?

 Calle es una francesa nacida en 1953, reconocida internacionalmente por materializar sus obras en fotografías, video y textos que muestran aspectos de su vida personal planteados de manera única y compleja.

* La exposición estará hasta febrero del 2015 de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. Admisión general $19, entrada libre a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente. *Domingo entrada libre.

 

 

Originally posted 2014-11-24 09:00:02. Republished by Blog Post Promoter

Doisneau, la belleza de lo cotidiano

“Yo no fotografío el mundo tal como es, sino tal como me gustaría que fuera. Toda mi vida yo me divertí, fabriqué mi propio pequeño teatro”

Desde el 11 de abril (y hasta el 29 de junio), ha estado presentándose una exposición en el Palacio de Bellas Artes, sobre el trabajo de Robert Doisneau,  ─artista que se exhibe por primera vez en México─ con una selección exclusiva que estuvo a cargo de sus hijas (Francine Deroudille y Annette Doisneau) de un total de 78 fotografías, donde se pueden ver escenas de la calle y de los suburbios de París , su etapa como fotógrafo profesional en la fábrica Renault, su testimonio gráfico sobre la Segunda Guerra Mundial en Francia, su trabajo para las revistas Vogue y Life, así como retratos de celebridades.

 “Esta exhibición no solo muestra la poesía de su universo fotográfico sino la construcción y evolución técnica de su obra. El visitante podrá apreciar los encuadres escogidos por el fotógrafo, las impresiones originales –hechas la mayoría de las ocasiones por el mismo artista–, los trucajes, montajes y juegos gráficos”. Francine Deroudille.

 Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly. Cursó estudios de artes gráficas y grabado en el École Estienne de París (1926-1929) para dedicarse después a la fotografía industrial y comercial. Entre 1934 y 1939 trabajó para la compañía Renault. Durante la guerra trabajó como falsificador para la Resistencia Francesa. Sus fotos sobre la liberación de París en 1944 fueron publicadas en todo el mundo y poco después fue reportero gráfico para la agencia parisina Rapho y grandes revistas como Life, Vogue y Paris Match, publican regularmente sus trabajos.

 Doisneau registraba espontáneamente la cotidianidad francesa desde una perspectiva poética y humana. Sus temas favoritos eran la pasión, los niños, el humor y la guerra desde una perspectiva urbana. Una de sus fotografías de 1950, una pareja de enamorados besándose en una calle parisina, se ha reproducido en multitud de postales y pósters. Le concedieron en 1947 el premio Kodak, en 1956 el de Niecpce y en 1983 el Gran Premio Nacional de Fotografía. En 1984 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.  Robert Doisneau falleció en Montrouge el 1 de abril de 1994.

 Entre las imágenes que el público podrá observar, a lo largo de esta muestra, se encuentran: Les Pavés (Los adoquines, 1929), misma que realizó a los 17 años y que es catalogada como su primera imagen fotográfica; Le Baiser de I´Hotel de Ville (El beso, 1950), la cual es una de sus fotografías más reproducidas en el mundo; Les frères (Los hermanos, 1936) y Le regard oblique (La mirada oblicua, 1948).

 Aquí les dejamos el link de la página del INBA sobre la muestra. Recuerden que sólo tienen hasta el 29 de Junio para visitar esta magnífica exposición que pone a nuestro alcance (por primera vez) el trabajo de este excelente fotógrafo.  Les aseguro que no se arrepentirán.

 

 

Originally posted 2014-05-31 01:10:34. Republished by Blog Post Promoter

La mejor foto en vista aérea de Manhattan

Nueva York es una ciudad muy pintoresca causa sentimientos que uno a veces no sé explica porqué. En especial Manhattan, una isla que no nos quita esa emoción al recordar en películas, en fotos, e incluso, en canciones.

El fotógrafo Sergey Semenov  ganó el primer lugar en la categoría amateur de los Premios Internacionales de Fotografía Panorámica Epson.

Semenov trabaja para AirPano, viajando por el mundo para crear estas fotos panorámicas aéreas 3D en alta resolución.

Si quieren ver más trabajos de Semenov visiten su sitio web

Originally posted 2013-01-14 18:23:41. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter

140 Años 104 Fotografías/104 Fotográfos

Un viaje en el tiempo. Momentos perdurados para la eternidad. Una mirada distinta a la que estamos acostumbrados. Todo esto podrá ser apreciado en la nueva exposición fotográfica 104 Años 140 Fotografías/104Fotográfos que se estará presentando en el Museo Nacional Revolución hasta el 15 de febrero de 2015.

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

 Capturada por fotógrafos mexicanos y extranjeros, profesionales y aficionados, esta recopilación nos muestra a través de 104 fotografías la lucha armada en diferentes puntos geográficos, especialmente en el periodo que va de 1910 a 1924. Con esta exposición se intenta reencontrar el orden perdido en la memoria, así como explicar el papel que jugó la fotografía en la construcción cultural que se vivió durante la revolución política.

 

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

La exposición estará disponible hasta febrero de 2015. El horario de admisión es de martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas y sábados y domingos de 9:00 a 18:30 horas. Entrada general: $25*

*50% de descuento con credencial de estudiante, maestro e INAPAM

Originally posted 2014-11-21 09:00:30. Republished by Blog Post Promoter

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

Captura de pantalla 2014-12-15 a la(s) 16.56.09

Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

Captura de pantalla 2014-12-15 a la(s) 16.57.36

Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

Originally posted 2014-12-16 12:21:24. Republished by Blog Post Promoter

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

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México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

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Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

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Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)

La representación de Steve McCurry. Crédito: Pinterest.

Se podría pensar que hemos sido presa de una formación  de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y  puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.

Crédito: Pinterest.

Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.

La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.

Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.

Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.

¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.

Helen Frankenthaler pintando un cuadro expresionista. Crédito: pinterest

Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma  y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso  en el mundo consumista y tecnológico.

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Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

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Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Dos puntos

Sedúceme con tus comas, con tus caricias espaciadas, tu aliento respirable y tus atrevimientos continuos; colócame el punto y coma para cambiar las caricias por largos besos y frases susurradas boca a boca. Haz un punto y seguido para desatarte de mí y contemplar mi desnudez sobre tu cama, ahora interrumpe con guiones para soltar un halago sobre mí cuerpo y su huella en el tuyo —recorrer con la mirada el talle y el hundimiento en la cintura, el ascenso en la cadera la larga prolongación de las piernas rematadas por un pie que no resistes besar—. Embísteme sin mí rechazo y tortúrame con la altivez de tu deseo arrastrándome muy lejos (al borde del abismo entre paréntesis y sin comas por favor), ahora desenvaina tus puntos suspensivos… —maldito trío de puntos— ese espacio sin nombre no se alcanza.

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Fotografía tomada de elmanifiestodeversos.wordpress.com

 Un punto y aparte para calmar el temblor de mi cuerpo y sonreírte al tiempo que me das a beber del vino espumoso en una copa. Borro mis interrogaciones. Toda una antesala para retomar tus comas y regalarme la humedad de tu boca y la suavidad de tu respiración en mis orejas, cuello, nuca, hombros. Atacaría con puntos y comas nuevamente para buscar con tu dedo un clítoris congestionado. Pasar tu lengua entre esos labios escondidos y saborear mis secreciones —robármelas entre guiones— y atizar de nuevo en mi centro ardiente ocupándolo, sosteniendo el ascenso ¡inminente! con signos de exclamación, la eyaculación inevitable.., hasta acabar con los puntos suspensivos y vaciarte todo en mí y desplomarte extenuado, aliviado y amoroso en mi cuerpo complacido.

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Fotografía tomada de http://psiqueviva.com

 De nuevo un punto y aparte para dormir sobre mi pecho y poner punto final al entrecomillado “acto” que en este caso es un hecho amoroso sin ningún viso de actuación.Si estoy equivocada, felicito tu dominio de la puntuación. Punto final.

– Dos Puntos, Mónica Lavín

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Fotografía tomada de photoshowroom-mx.blogspot.com

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Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

Gilbert Garcin, talento en blanco y negro.

La mayoría de los jóvenes en todo el mundo tiene contemplado empezar su carrera artística desde una edad  temprana con el fin de tener mas tiempo para probar, experimentar y encontrar el estilo que caracterice su obra. Sin embargo, hay contadas excepciones en que el talento natural surge y desarticula los procesos a los cuales estamos acostumbrados.

Gilbert Garcin es un claro ejemplo. Nació en Ciotat, Francia, en 1929. Estudió en la Escuela Superior de Comercio de Marsella. Cuando se jubiló de su negocio, a los 65 años, decidió  que era tiempo para dedicarse a la fotografia. Hasta este punto de la historia se podría suponer que el plan de Garcin era tomar fotografías a sus nietos, hijos y familia, es decir, fotografías que usualmente la gente toma. Sin embargo, nadie se imaginaba que la cabeza de Gilbert maquinaba un estilo único.

Cuando se dedicó a estudiar el arte de la fotografía, se dio cuenta que era la herramienta perfecta para comunicar experiencias acumuladas a lo largo de su vida. Y el resultado fue piezas irónicas que juegan entre lo cómico y lo inimaginable.

El trabajo del fránces divierte e intriga. Recuerda a la época del cine mudo de Chaplin, blanco y negro, en donde la ironía es una manera de ver  y vivir la vida.

Para disfrutar más del trabajo del artista, da clic aquí.

 

 

 

 

Originally posted 2013-06-17 18:41:21. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

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Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

Originally posted 2014-11-05 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Danza: Emergencia Coreográfica

Programa
Emergencia Coreográfica

Temporada de obras cortas de coreógrafos noveles
Sábado 2 y Domingo 3 de agosto
Teatro de la Danza

Seis coreógrafos jóvenes del país exponen su proyecto artístico este fin de semana en el Centro Cultural del Bosque (a espaldas del Auditorio Nacional) con el principal apoyo del Conaculta.

 La presentación consiste en seis coreografías, que fueron elegidas a través de una convocatoria lanzada por la institución; lo interesante es la visión de los jóvenes que, con una propuesta creativa, muestran en escena su talento.

 La duración máxima de cada coreografía es de quince minutos en el que los bailarines se valen del poder expresivo de su cuerpo, lo anterior acompañado de un diseño de iluminación, musicalización, vestuario, entre otros recursos artísticos que refuerzan el contenido. Hay pequeños descansos entre cada una, lo que permite despejar la mente para cada presentación.

 Desde una situación cómica protagonizada por las piernas de dos chicas con tacones y reforzada por la sincronía expresiva de sus manos o una representación del concepto de ergonomía a través de movimientos erráticos, que integra la relación máquina, humano y ambiente, hacen de esta emergencia una opción interesante para ver este fin de semana.

Programa
Emergecia Coreográfica

 Una Visita, Holografía de un Encierro, Atrozzozobra, Mientras Estoy Siendo, Behemoth y Obesos Soñaron Dragones son los títulos de las propuestas coreográficas que si bien nos dan una noción de lo que tratará cada una, el significado queda abierto al público.

 Dichas manifestaciones hacen pasar de momentos de divertidos a otros de hastío, lo que pudiera ser intención del autor; visualmente puede resultar atractivos que con pocos elementos  se creen ambientes óptimos, pero si gustas de la danza lo disfrutarás más.

 Bien vale la pena asistir para conocer la propuesta coreográfica que el Conaculta reconoce, así como las inquietudes de los jóvenes bailarines expresadas en escena. En general, cada coreografía posee características particulares que te pueden atrapar y hacer reflexionar sobre lo que se está tratando de decir.

Programa
Emergecia coreográfica

Originally posted 2014-08-02 11:51:22. Republished by Blog Post Promoter

P.O.D y su visita sorpresa a México

A lo largo del tiempo, distintas bandas existentes nos han demostrado que México es un lugar lleno de misticismo para que la música fluya de una manera mágica y con muchos misterios. Justo han pasado diez años en que la banda P.O.D (Payable On Death) hizo un largo recorrido desde San Diego, California, para presentarse en el Foro Sol de la Ciudad de México y regalar a nuestros corazones un mensaje lleno de paz y buenos deseos; Pues sus letras hacían una reflexión sobre los distintos problemas del mundo real. Quemando todo prejuicio que pudiera existir en su contra, esta ingeniosa banda de True New Metal, trabajaba día con día implantando delicadamente una pequeña semilla de conciencia dentro de cada alma que abriera su corazón al ritmo de sus sonidos.

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 Los fans esperaban con ansias el regreso de esta banda para el cancelado festival Hell And Heaven, pero debido a la cancelación de este mismo, toda esperanza se iba desvaneciendo para volverlos a escuchar.

 La mañana del domingo bellos cirros dibujados en el cielo traían con el viento una buena noticia, la banda que se encontraba de gira por Sudamérica, tenía que pasar, por cuestiones de logística, por nuestras tierras para su regreso a California, entonces fue cuando sorpresivamente se anunció en sus redes sociales que ofrecerían un concierto gratuito en México, como agradecimiento a sus fans por el apoyo incondicional. Así, todas aquellas personas que crecieron con la banda cantaron de alegría con la noticia, mientras la sangre hervía dentro de sus cuerpos.

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Una vez reunidos en el Snake de Lomas verdes, apenas empezaron a sonar los riffs llenos de poder, la multitud empezó a gritar con una energía que sólo encontraba razón de ser entre ese mar de vidas al cual Sonny (Vocalista de la banda) se acerco a saludar y a estrechar sus manos.

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El sonido que hacía reventar Traa (Bajista de la banda) hacia que entrara y saliera del cuerpo de los asistentes mientras que Marcos (Guitarrista) lo seguía junto con un bello solo de guitarra para que al finalizar se escucharan en coro miles de voces diciendo  “We are the Youth of the Nation”

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 Después de compartir toneladas de energía con todos los integrantes de la banda, bromas y risas, llego el momento de despedirse, dejando a sus seguidores el recordatorio de que siempre hay una nueva canción para cantar, llenando de energía y amor a su público, cómo si fuera la primera vez.Esperemos que sea pronto un nuevo momento para compartir con esta gran banda.

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Originally posted 2014-03-18 12:06:29. Republished by Blog Post Promoter

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Originally posted 2013-08-14 15:38:49. Republished by Blog Post Promoter

El lente de Amy Hildebrand

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz

Amy Hildebrand es una fotógrafa estadounidense que nació con ceguera, como consecuencia de su albinismo. Concluyó recientemente su proyecto titulado “1000 Fotografías en 1000 Días” el cual inició durante 2009 y expuso día a día en el blog With Little Sound (Con poco sonido).

 

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Nació en Cincinnati y aunque los doctores le diagnosticaron ceguera irreversible, alcanzó a ver a 20 centímetros de distancia gracias a un tratamiento experimental que consistió en colocar pequeñas lentillas a sus ojos, logrando que distinguiera colores, formas y sombras.

 

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Fue durante unas vacaciones familiares cuando Amy Hildebrand con tan sólo 15 años de edad descubrió su gran pasión por la fotografía al retratar a su hermano menor en la playa, lo cual la motivó a estudiar fotografía de manera profesional sin importarle su desventaja visual. Durante la carrera conoció a su esposo, también fotógrafo, con quien inició un estudio de fotografía publicitaria.

 

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A pesar de su corta visión, Hildebrand reconstruye su realidad con ayuda de la memoria visual, proceso mental que quizás sea la causa de la atmosfera y la luz que plasma en sus fotografías.

 

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Sin duda al observar una fotografía podemos ver el mundo y su entorno desde los ojos y perspectiva de otro, sin importar la deficiencia que haya en ellos, ya que cada persona ve la vida de una forma totalmente diferente.

 

Para conocer más de esta extraordinaria fotógrafa visita: http://withlittlesound.blogspot.mx/

Originally posted 2012-10-04 14:00:17. Republished by Blog Post Promoter

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

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El almacén de la imagen: el uso de la fotografía en el deporte (Parte I)

El avance de la tecnología en los aparatos de reproducción fotográfica ha ido de la mano de la transformación de las formas en las que se hace uso de la cámara. Esto a su vez ha permitido que la función del fotógrafo se transforme a través de la historia. El cambio en la vida política, económica y sobre todo social y cultural repercuten las formas en las que los fotógrafos crean imágenes. El cambio en nuestro comportamiento y en nuestras actividades como seres humanos genera nuevas necesidades de reproducir aquello que representamos de nuestra llamada realidad. La fotografía muestra la realidad material, el contenido previamente seleccionado muestra solo aquello que el fotógrafo representó de su tiempo.

 Si bien es cierto que el avance tecnológico ha permitido el desarrollo y la mejora de las cámaras fotográficas desde la primera mitad del siglo XX, también es importante recordar que estas transformaciones tecnológicas van de la mano de una serie de nuevas necesidades a nivel social. Recordemos que en principio (mediados del siglo XIX) el retrato se centraba en esta búsqueda de reafirmación social por parte de una burguesía incipiente. A partir de este mismo periodo la fotografía cobró importancia por su uso cientificista como parte del discurso antropológico como validación de la colonización, es decir, como parte del estudio del “otro”. El positivismo de finales del siglo XIX buscaba que el conocimiento se diera a través de la ciencia y la cámara era el instrumento perfecto para tomar muestras reales y objetivas de aquello que se estudia.

Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, llegada de Francisco Villa y Emiliano Zapata a México, 6 de diciembre de 1914.
Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, llegada de Francisco Villa y Emiliano Zapata a México, 6 de diciembre de 1914.

A inicio del siglo XX se dan varios cambios importantes en la historia de la fotografía: las cámaras comenzaron a tener una velocidad de obturación era mucho más rápida, el equipo a su vez era más ligero debido a la implementación de sustratos más sensibles a la luz. A esto se le añadió el hecho de que la fotografía comenzaba a ser usada en la prensa para afianzar mejor el contenido informativo que se ofrecía. La litografía daba paso a la fotografía en el discurso visual de los diarios y las revistas ilustradas. La Revolución mexicana fue un factor importante para hacer que los fotógrafos salieran a las calles a capturar el conflicto político que se estaba viviendo en la república. Lo mismo sucedió en la Ciudad de México, en donde la figura del fotorreportero comenzó a cobrar fuerza.

Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, Gaona toreando, 1913.
Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, Gaona toreando, 1913.

La introducción del medio tono, así como las necesidades informativas de una sociedad más compleja trajeron como consecuencia la incorporación de la imagen a la prensa. El historiador Alberto del Castillo Troncoso ubica el fin del siglo XIX como el momento en el que se da la revolución de la comunicación visual. Al mismo tiempo el progreso la tecnología no se había detenido desde la aparición de la cámara fotográfica en 1839, lo cual permitió cubrir las nuevas necesidades de las propuestas gráficas hechas por algunos diarios. Surge el fotoperiodismo moderno y, tal como lo menciona el historiador Alberto del Castillo, se define por la aparición de nuevos escenarios, de nuevos actores sociales, por un cambio en los planos y por encuadres más arriesgados.

Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, Caballos que empiezan el Derby, 6 de noviembre de 1910. Aunque Sandoval no es fotorreportero logra capturar escenas deportivas realizadas en el Hipodromo de la Condesa.
Fotografía atribuida a Ángel Sandoval, Caballos que empiezan el Derby, 6 de noviembre de 1910. Aunque Sandoval no es fotorreportero logra capturar escenas deportivas realizadas en el Hipodromo de la Condesa.

El conflicto armado forzó al fotógrafo a salir a las calles y a esforzarse por retratar la realidad social que azotaba al país, a hacer tomas más arriesgadas, a dejar la pose del retrato de lado para comenzar a fotografiar a seres humanos en movimiento, a líderes revolucionarios en su caballo como sucedió con la entrada de Madero a la Ciudad de México en 1911 o como lo hicieran Villa y Zapata en 1914. Sin embargo, los avances tecnológicos en las cámaras no sólo permitieron fotografiar a líderes revolucionarios o el conflicto mismo,  sino que también suscitaron que los fotógrafos de prensa, sobre todo aquellos que trabajaban para periódicos oficialistas, se involucraran en la fotografía de deporte. Si, las primeras dos décadas del siglo XX mexicano pueden representar una revolución a nivel visual, un parteaguas de la fotografía en México. Pero también es cuando los fotógrafos de prensa capitalinos se dedicaron a retratar a la élite, los eventos culturales y los encuentros deportivos.

Primera foto a la izquierda. Juego de tennis documentado en el Semanario El Mundo Ilustrado, 4 enero de 1914. Derecha. Corrida de toros publicada en El Mundo Ilustrado, 11 enero de 1914.
Primera foto a la izquierda. Juego de tennis documentado en el Semanario El Mundo Ilustrado, 4 enero de 1914. Derecha. Corrida de toros publicada en El Mundo Ilustrado, 11 enero de 1914.

En este punto me parece importante retomar el tema de la fotografía en el deporte, pues aunque podría parecer un tema irrelevante o que simplemente su análisis puede ser un tanto inútil, en realidad es un asunto de gran relevancia para la historia de la fotografía, para entender un poco de la producción fotográfica de nuestro presente y para observar como las necesidades del ámbito deportivo van requiriendo un tipo de fotógrafo más aventurero y un equipo mucho más especializado. Para entender mejor el presente de la producción fotográfica actual es necesario, sin dudarlo un segundo, hacer un análisis de la creación fotográfica en el pasado.

Entonces ¿se puede entender el surgimiento de cámaras como la GoPro a partir de una revisión histórica del uso de la fotografía del deporte en el pasado?

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Exposición fotográfica colectiva, Galería Transmemoria de la NanaConArte

Chulavista Art House se complace en invitar a la Galería Transmemoria de La Nana, Fábrica de Creación e Innovación presenta la exposición del Colectivo UNO sobre DIEZ, que se inaugura hoy 24 de octubre a las 19:00hrs, y permanecerá abierta hasta el 26 de noviembre de 2013.
Diez jóvenes artistas muestran sus trabajos fotográficos desde diversas estéticas, técnicas y perspectivas y se suman al movimiento colaborativo de jóvenes ayudando a jóvenes que promueve el Hub ConArteMx. La muestra incluye 50 obras en exhibición, acompañadas de una versión digital accesible en la Galería Transmemoria. Más informes @LaNanaconarte

                                                         Montaje creado Bloggif

Originally posted 2013-10-25 11:57:14. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Hasta pronto, René Burri

El lunes 20 de octubre algunos diarios y noticieros anunciaron la muerte de quien fuera considerado como uno de los fotógrafos más relevantes del siglo XX: el fotoperiodista suizo René Burri. Medios nacionales e internacionales como Excelsior, El Universal, El Financiero, The Guardian y Lightbox, por mencionar algunos, cubrieron y difundieron la noticia dedicando algunas líneas a mencionar que había muerto, con 81 años de edad, “el fotógrafo que inmortalizó al Che”.

René Burri.
René Burri.

 Al parecer, el trabajo que realizara Burri durante décadas se reduce a esa fotografía icónica del Che fumando un puro habano, a los retratos que realizó de artistas importantes como el pintor español Pablo Picasso o al arquitecto y pintor suizo Le Corbusier. Sin duda, el trabajo de Burri se define, en gran medida, por sus fotografías con temas políticos y sociales, pues como fotoperiodista pudo viajar por todo el mundo retratando a líderes políticos, guerras y conflictos sociales. Sin embargo, sería importante retomar su figura en tanto a sus aportaciones al mundo del fotoperiodismo y de la fotografía documental, sin restringirla a la del mero “fotógrafo que tomó la foto del Che”. Relegar el resto de su obra sería una manera muy cómoda de mitificarlo como fotógrafo a través sus las imágenes icónicas.

 René Burri fue un fotógrafo miembro con pleno derecho de la Magnum Photos desde 1959, cooperativa fotográfica reconocida a nivel mundial fundada en 1947 por los “founding fathers” de la fotoperiodismo del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier- Bresson, George Rodger, William Vandivent y David “chim” Seymour; contando con sedes en París, Nueva York, Tokyo y Londrés. El trabajo de René Burri fue publicado en distintos medios impresos como Life, The New York Times, Sunday Times, Paris- Match y Look. Esto hace que sea por demás considerado como uno de los mejores fotógrafos de la posguerra, sobre todo porque el mayor auge de su trabajo fue realizado a partir la década de 1950. No por nada Martin Parr, actual presidente de la Magnum Photos, se referiría al fallecimiento de Burri como la pérdida de uno de los artistas más poderosos en el mundo de la fotografía. Sin embargo, pienso que René Burri no debe ser recordado únicamente como el fotógrafo de la fotografía icónica del Che Guevara, o que su nombre sea reconocido por ser “el fotógrafo que realizó el retrato de Picasso”, porque como él hubo otros más que fotografiaron a gente reconocida. Creo firmemente que Burri debe ser recordado también por la forma en la que concebía la fotografía, por la manera en la que logró capturar en blanco y negro algunos conflictos sociales alrededor del mundo y por el modo en el que llegó a realizar crítica social a través de su fotografía documental realizada a color.

Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the "forbidden city", Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.
Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the “forbidden city”, Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.

 Burri es ese fotógrafo que creció en el periodo del fotoperiodismo en blanco y negro, tal como lo harían los fundadores de la cooperativa Magnum Photos, y en ese sentido su obra a color cobra mucho más sentido. La publicación del libro Impossible Reminiscences en el 2012 es el resultado de la re- valoración de su trabajo como fotógrafo documental, más que como fotoperiodista. Es decir, del enaltecimiento de su obra como artista, como fotógrafo apasionado de la imagen más que de la noticia.

“[…]that’s the strength of photography, you decide the decisive moment, so to speak, to click the moment on and come up with the picture that never comes back again.” Rene Burri en entrevista para Phaidon.

 Él mismo quiere dejar de ser el fotógrafo que retrató a gente famosa, por eso mismo en Impossible Reminiscences se muestra la otra cara de Burri, aquella que ve a la humanidad con otros ojos, esa que deja de fijar su mirada en pintores, políticos y artistas para contemplar a quienes no tienen nombre. Así pues, intenta, según menciona en la entrevista para Phaidon, que sus fotografías muestren una parte de la realidad, expresar emociones en el resumen de una fotografía, aun en la imposibilidad de poder capturarlo todo.

René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.

 El punto está en que cuando pensemos en René Burri no sólo lo relacionemos directamente con sus imágenes icónicas, porque de esta manera estaríamos creando un mito en torno a este fotógrafo. Algo similar sucedió con el fotoperiodista mexicano Agustín Víctor Casasola, quien ha sido considerado como el fotógrafo de la Revolución mexicana, todo ello como resultado de la gran difusión que se ha hecho de las fotografías del conflicto armado que se encuentran en el Archivo Casasola. La publicación de las Historias gráficas de la Revolución mexicana a cargo de la familia Casasola han contribuido a la mitificación de este fotógrafo, haciendo que el trabajo de otros fotógrafos haya quedado relegado, sobre todo por la confusión que hay en torno a la autoría de las 483, 993 piezas que conforman el archivo. Así pues, las fotografías de la Revolución mexicana que forman parte del imaginario gráfico de los mexicanos, tales como la fotografía de la Adelita y de Emiliano Zapata, se han vuelto icónicas, menciona John Mraz, por su constante re publicación. En ese sentido, la mitificación de René Burri, como se muestra en el discurso de los medios de comunicación, gira en torno a de imagen del Che Guevara. Dejemos que sean las imágenes las que hablen de su autor sin necesidad de definir a éste a través de una sola fotografía. Que la noticia conmovedora del fallecimiento de René Burri sea una forma de enaltecerlo por su quehacer como fotógrafo más que por su fotografía de un personaje.

René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.

Originally posted 2014-10-22 12:22:30. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo Revólver, muestra fotográfica en el Futurama

El rollo dañado forma una textura estelar sobre la imagen  donde se vislumbra a un muchacho ascender sobre una rampa en su bicicleta, el fondo negro y el flash apuntando hacia la superficie lo hacen parecer como si hubiera alcanzado la luna.

Ésta y otras escenas capturadas son parte de la exposición  fotográfica  que Colectivo Revólver presenta en el Centro de la Juventud, Arte y Cultura,  Futurama, ubicado en la colonia Lindavista.

Inaugurada el pasado primero de Junio, la muestra está conformada por el trabajo de siete fotógrafos de distintas disciplinas, desde un geógrafo,  arquitecto, restaurador y hasta estudiantes de fotografía profesional. Todos ellos trabajaron no sólo en las fotografías sino en la curaduría y el montaje.

La galería nos presenta un recorrido por las distintas caras de nuestro México contemporáneo en más de 30 fotografías: los pasajes bucólicos de la sierra, la vida citadina, el oficio de pescador en contraste con la policía en de la umbría ciudad, peleas callejeras, rostros cansados, jóvenes divirtiéndose, retratos de la gente de nuestro tiempo y globos de cantoya jugando a ser estrellas sobre el firmamento.

En palabras de uno de los integrantes, Claudio Valle, la exposición busca mostrar cuestiones sociales llenas de sensibilidad.

Esta primera exposición de Colectivo Revólver nos devela el gran talento que puede tener un grupo de jóvenes fotógrafos cuando su meta es disparar para dar en el blanco de la sensibilidad del momento y demostrar que si se pone atención, hay grandes historias en lo que pudiera parecer cotidiano.

Ascenso por Gabriela Trejo
Ascenso por Gabriela Trejo

Originally posted 2013-06-11 12:32:09. Republished by Blog Post Promoter

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Originally posted 2015-02-09 12:43:33. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

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El almacén de la imagen: erotismo en la obra de Saudek

Una de las cosas que más sorprendente de la fotografía es su capacidad de transmitir un mensaje en tan solo un instante, la manera en la que el mensaje visual es registrado en la mente humana de manera incluso inconsciente. Sin duda alguna, la belleza de la fotografía radica en la oportunidad que brinda de entender ideas, conceptos y generar sensaciones con tan solo observarla.

Blue angels, 1993
Jan Saudek, Blue angels.

 La primera vez que vi el trabajo de Jan Saudek, en un libro que llegó a mis manos, me pareció que era algo realmente crudo y grotesco, pues todas las fotografías mostraban temas inapropiados, contenidos que transgredían el orden y la norma establecida, aquello que es socialmente aceptado. En cuanto cerré el libro olvidé la relación entre el nombre del fotógrafo con las imágenes, pero no la relación entre las imágenes y las sensaciones que me provocaron. Meses más tarde volví al trabajo de Saudek y las sensaciones que tuve al observar su fotografía volvieron a ser las mismas en una especie de deja vú. Confusión, morbo y fascinación: sensaciones contradictorias que se unían en un coctel emocional indescriptible. La transgresión en el tema de sus fotografías es algo tan inusual y extravagante que termina emanando belleza y convirtiéndose visual y sensitivamente en algo sublime.

 Jan Saudek (1935) es un fotógrafo checoslovaco, nacido en Praga, ahora Republica Checa, que se caracteriza por crear escenas en las que se involucra el erotismo de un modo que cae en lo vulgar y, sin duda alguna, es lo grotesco. Saudek estudió en la escuela de fotografía Industrial de Praga de 1950 a 1952. A partir de ese año comenzó a ser aprendiz de fotógrafo y trabajó en una tienda de impresión fotográfica hasta 1983. Al mismo tiempo siguió experimentando con la fotografía siendo influenciado, según comenta, por el catálogo de la exposición Family of man curada por el fotógrafo Edward Steichen, en el MOMA (Museum o Modern Art, NY). Durante este periodo, Saudek fue fotógrafo freelance y en  1990 el Ministerio de Cultura de Francia lo nombró caballero de las Artes y las Letras.

 En la fotografía se puede encontrar a dos tipos de fotógrafos: los que buscan la escena y capturan el tiempo y el espacio en una o varias imágenes y los que crean escenas en las que la realidad y la imaginación logran fusionarse. Saudek es de esos fotógrafos que crean su obra a través de la teatralización, el uso de fondos y personajes, es decir, a través de la puesta en escena.

 En el trabajo de Jan Saudek puede verse la transgresión en cuanto a lo erótico. En este sentido esta transgresión a lo que es permisible en lo erótico resulta espantoso e indecente, pues como George Bataille afirma, en el tabú en principio no se impone la inteligencia, sino la sensibilidad y bajo el impacto de la emoción negativa debemos obedecer a la prohibición. Se puede decir entonces que la prohibición existe con el objetivo de quitar el carácter más animal al ser humano, para imponer la inteligencia y la razón sobre las sensaciones y sobre aquello que es irracional. La fotografía de Saudek transgrede o sobrepasa esa línea, en la que muestra un erotismo más cerca de lo animal en el que las expresiones denotan muchas veces miedo y en el que las posturas expresan agresión.

Jan Saudek, The kiss.
Jan Saudek, The kiss.

 Jan Saudek suele mostrar mujeres voluptuosas, desnudas que se encuentran en posiciones eróticas; la mayoría de ellas no encaja en el modelo de belleza femenina impuesto por los medios del siglo XX. El espacio en el que se desarrollan las escenas es normalmente privado, en el que las paredes y las telas sobrepuestas forman un atrezzo ideal para mostrarse al desnudo. Así pues, se puede ver una fotografía que lleva por nombre “The kiss”, en la que se muestra a una pareja dándose sexo oral, besándose y mas que besándose comiéndose, devorándose hasta que sus cuerpos se vuelven uno solo formando una figura en la que se ven cuerpos al desnudo: músculos y piel que remiten al mundo sensorial y tangible que puede ser transgredido por medio del acto sexual. No sólo eso, la fotografía en sepia refuerza la idea erótica dejando escapar un ápice de tela de color rojo.

 Aparecen mujeres amamantando a otras mujeres, a hombres viejos, a las hijas que a pesar de ser adultas siguen necesitando de la leche materna. El cuerpo se vuelve el eje principal de la obra de este fotógrafo, y el erotismo cobra forma a través de su contemplación. El erotismo de los cuerpos, menciona George Bataille, tiene de todas maneras algo pesado, algo siniestro. Queda entonces observar que la transgresión sobre el cuerpo transformado en objeto erótico puede generar repulsión y rechazo, sobre todo cuando hasta las pasiones más bajas, las actitudes más naturales y primitivas y el mundo de las sensaciones queda por encima de la razón.

Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, The fly
Jan Saudek, The fly
Jean Saudek, The slavic girl with her father
Jan Saudek, The slavic girl with her father

Originally posted 2014-12-05 10:07:34. Republished by Blog Post Promoter

Las damas de Trianón

Por Dann

@Gibbsteak

 

El Gran Trianón fue erigido por Jules Hardouin Mansart en 1687 en el emplazamiento del “Trianón de Porcelana” que Luis XIV ordenó construir en 1670 para poder huir de la Corte.

En él, Luis XIV, alojó a su cuñada, la Princesa Palatina, a su yerno, el Duque de Chartres, y a su hija, la Duquesa de Borbón. María Antonieta celebró en él algunas representaciones. Posteriormente, Napoleón ordenó su restauración, y llegó a alojarse varias veces en él con su esposa la Emperatriz María Luisa. Fue hasta 1963 que el General de Gaulle decidió rehabilitar el lugar para recibir en él a los invitados de la República y organizar en el Ala Norte, conocida como “Trianon-sous-bois”, una residencia del Presidente de la República y un sitio popular, visitado por turistas.

Ahora se exhibe en él Las Señoras de Trianón, una exposición que ha recopilado retratos a lo largo de más de 300 años, desde retratos de la reina María Teresa de Austría, – pasando por María Leszczynska y Maria Antonieta-, hasta la emperatriz Eugenia. En la exposición se convoca a todas las mujeres de la familia real o imperial (madres, hermanas, hijas y nietas) además del retrato de la duquesa de Borgoña, madre de Luis XV. Se expondrán el de Paulin Borghèse, hermana de Napoleón, o los de Clèmentine y Marie, hijas de Luis Felipe. También estarán represantadas las favoritas reales, como las Marquesas de Montespan, de Pompadour y Du Barry, y las princesas, tales como la Señora Palatine, cuñada de Luis XIV.

La Marquesa de Montespan

A estas célebres  mujeres se sumarán otras figuras menos conocidas, damas de la corte real o mujeres al servicio de las soberanas, como la Señora de Lamballe, dama de compañía de María Antonieta, o la Señora Campan, su sirvienta.

María Leszczynska

 

María Antonieta

La exposición estará hasta el 7 de octubre, en el que se abordarán más de tres siglos de historia y se podrán apreciar, simultáneamente, la evolución de la moda y la del retrato, gracias a las obras realizadas por Gobert, Rigaud, Nattier, Gérard, Gros y Winterhalter.

 

Originally posted 2012-08-02 16:00:01. Republished by Blog Post Promoter

Autodisparo, una exposición para difundir la Sociedad Astronómica Mexicana

autodisparo

 

De un curso básico de fotografía, impartido por el fotógrafo Everardo Baroja, surge Autodisparo, una exposición de autorretratos donde conceptos abstractos como la maldad, la inmensidad, la alegría o la sensualidad fueron materializados con un solo click.

La muestra fue inaugurada el pasado viernes en la Sociedad Astronómica Mexicana, ubicada frente al parque Xicoténcatl en Coyoacán, y montada por los alumnos mismos con la intención de difundir la sociedad que es una asociación civil no lucrativa.

Ocho autorretratos son expuestos en las dos primeras plantas del edificio. Uno del profesor y el resto de los alumnos que pertenecen a distintas instituciones como la UNAM, el IPN y la UAM. Un hombre apuntando con una pistola contra su cabeza, un sujeto degustando un frasco de Nutella, una mirada perdida en las estrellas y unos pies enterrados bajo la espuma del mar son motivos con que los fotógrafos se definen en su trabajo.

Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.
Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.

Aunque no hubo una charla explicativa, en las palabras que dio Everardo, la exposición busca “dar a conocer la sociedad”, pues de llegar a tener hasta 1000 miembros, entre los que figuraron el compositor y astrónomo Francisco Gabilondo Soler (Cri-cri), en la actualidad cuenta con menos de 100.

La Sociedad Astronómica Mexicana, como su lema lo dice, es un espacio hecho “por la divulgación de la astronomía”. Fue fundada en abril de 1902 por el profesor de física Luis G. León y varios profesores de la Escuela Nacional Preparatoria. Entre sus instalaciones destacan un planetario digital, un planetario optomecánico y dos observatorios. La sociedad está abierta a todo aquél interesado por el estudio de la astronomía.

Y si se preguntan ¿Por qué una serie de autorretratos si se trata de una sociedad astronómica? La respuesta es simple, nosotros también somos parte del universo.

Originally posted 2013-05-30 11:56:40. Republished by Blog Post Promoter

Sobre fotografía y movimientos sociales (segunda parte)

Manifestación en la Ciudad de México, crédito: siempre889

Tal vez el título que he escrito por primera vez, la semana pasada, sobre este tema sea el menos adecuado para este pequeño ensayo de dos partes. Sin embargo, he decidido dejarlo tal y como está por dos simples razones: descubrir que por más que escribamos siempre, haciendo un ejercicio de reflexión, encontraremos fallas. Dos: que las fallas que hayamos descubierto nos permitirán enmendar cierto camino, pero al darles la importancia, nos damos cuenta que la grandiosa estupidez humana seguirá permaneciendo, pues siempre tendremos errores.

Si bien “movimientos sociales” no dice mucho de lo poco que he querido abordar en este pequeño texto, me es pertinente aclarar que la razón por la que quise reflexionar acerca de esto fueron las marchas recientes, la exposición de Yayoi Kusama y el memorial del 68. Pues, en estos tres casos se ha manifestado el uso de la cámara como interpretador social, con múltiples fines, ya sea personales, documentales, periodísticos o quizá intimidatorios.

La selfie en la habitación infinita. Crédito: instagram personal de rebeccataylorny

Quizá en mi ingenuidad he descartado que el movimiento social no sólo son las manifestaciones de protestas, sino también están las modas, las corrientes ideológicas, las vanguardias, y el lenguaje que lleva a la lengua.

La utilización de la cámara como una herramienta viene desde sus inicios. Sus inicios tenían la intención de “atrapar” la realidad en cierta área específica, como cuenta César González Ochoa en sus “Apuntes acerca de la interpretación” donde expone la manera en cómo la cámara inicio con este propósito de atrapar una imagen, delimitarla y retenerla de manera  física.

Las imágenes y los mecanismos de representación han cambiado a lo largo de la historia. La tecnología se actualiza constantemente y se crean nuevas cámaras que permiten nuevas formas de interpretar y representar mas no es la imagen la que no cambia.

Las fotografías de guerra son expuestas como memoria, pues representaron (y ahora representan) que existió la guerra. (Esto quizá podría parecer ambiguo tomando en cuenta que existe ya el montaje y todos estos trucos digitales que hacen que la realidad, como en la pintura, quede a expensas de los humanos) ¿Lo mismo sucede con las marchas, los museos y demás aconteceres masivos?

Estudiantes y policías en el 68. Crédito: caracteres.mx

¿Se necesita tener una imagen para comprobar que se realizó una marcha? ¿Se necesita una selfie en la habitación infinita para uno: recordar que se estuvo ahí; dos: representar que la habitación existe? Pero, más allá de estas preguntas que he pensado a manera de reflexión me hacen suponer el  qué pasaría si las intenciones y el análisis que he apenas expuesto,  va más allá de un campo significante que sólo ve estas posibles formas de interpretar y representar una realidad como tres posibles acciones de saber el porqué la fotografía impacta en movimientos sociales.

La memoria tiene que ver en esto. La memoria humana, que es tan abstracta que imaginamos una pequeña nube que almacena imágenes, letras, lenguas, lenguajes, rostros, números, calles, direcciones, nombres, cumpleaños, experiencias y demás. Pero que en cualquier momento, esa nube podría irse, dejando sólo recuerdos inertes, vacíos o inexistentes.

 La necesidad del humano por guardar y transportar esa memoria en una memoria material se ha visto desde la escritura. El guardar cosas que permitan ser un medio para que el cerebro haga una sinápsis y por ende un recuerdo se adapte a este objeto ha estado presente desde mucho antes de que la fotografía existiera.

La memoria y la fotografía han estado estrechamente ligadas por la significación de lo material. La fotografía recuerda el momento pero es el papel, o donde se haya impreso lo que funciona como recuerdo. Es decir, (Y como diría Susan Sontag) nosotros no recordamos lo acontecido, sino la fotografía de lo acontecido.

Las manifestaciones se pueden dar de todo tipo. Crédito: mobypicture.com

En un mundo sumamente lleno de imágenes, los movimientos sociales, los museos, las fiestas y toda forma de convivencia se mediará por medios de cámaras. Para que la memoria resurga en una pantalla, para que se almacene en un mundo virtual que no es palpable. Las personas se toman fotos en marchas para demostrar que sí fueron y que sí apoyaron pues si no suben su imagen al mundo no podrán comunicar que apoyan al sentido. Las personas, también, suben sus selfies para demostrar al mundo que pueden tomarse fotos. ¿Es quizá que la imagen nos consuma, o nosotros consumimos  imágenes?

Originally posted 2014-11-19 09:02:01. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Originally posted 2014-12-12 17:58:26. Republished by Blog Post Promoter

El fotoperiodista y la invasión de la realidad

El trabajo de un fotoperiodista consiste en estar en el lugar y momento correcto, donde fortuitamente se es parte de un instante significativo al registrar una situación clave en la historia. Si bien podemos nombrar varios ejemplos donde la casualidad y el ingenio de los fotógrafos han servido para capturar las imágenes más memorables, no está de más el preguntarnos sobre aquella delgada línea que éstos cruzan al fotografiar tales sucesos, donde se invade la privacidad entre la entidad y su contexto.

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Masacre en el centro comercial de Westgate. Fotografía tomada por Tyler Hicks, para The New York Times, en Nairobi Kenya.

 En una situación tan delicada donde los actores se encuentran en el momento más vulnerable de sus vidas y se toma la decisión de exponerlos al escrutinio publico, el fotógrafo toma la decisión de no intervenir mientras el suceso transcurre. ¿Es acaso el no intervenir considerado una falta? ¿Cómo te separas de ti mismo para llegar a cumplir este importante trabajo? Es uno de las labores más difíciles; cubriendo guerras ajenas y luchando por causas perdidas. El fotoperiodismo nos ha brindado fotografías memorables que nos han transportado a los lugares más sorprendentes sin olvidar lo más trascendental, ellas han hecho que nos invadan recónditas emociones, al poder identificarnos con situaciones las cuales culturalmente seria imposible el poder experimentar, son las emociones humanas como la desesperanza, la indignación o el sufrimiento, las cuales nos hacen conectarnos con personajes tan opuestos a nosotros.

Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.
Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por el mexicano Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.

 El fotoperiodista siente una gran obligación al cubrir eventos fundamentales, es con su cámara con la que hará publica la historia en desarrollo. La arbitrariedad de la situación no recae en si el fotógrafo interviene o no para evitar que algún acto atroz siga en marcha, todo depende del cristal donde se mira. Lo que el fotoperiodista padece es una identificación con los sujetos que viven tales circunstancias, al experimentar las inmoralidades que ellos coexisten. Las mismas injusticias lo llaman a que formen parte de ellas y se unan en una batalla por la búsqueda de los derechos humanos. Sin embargo, hay que rescatar la imparcialidad en el cual el fotoperiodista debe de regirse. La objetividad ayudará a que con las imágenes se creen historias, las cuales el espectador descifrara e interpretará según las opiniones y objeciones personales. Es así como no hay ningún desperfecto en el ejercicio, solo cabe destacar el ingenio visual el cual nos hará ser participes culturales gracias a la valiente labor periodística, un impulso en la defensa de la verdad al exponer la divergencia social y cultural actual.

Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.

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El almacén de la imagen: enfermedad mental por Robin Hammond

¿Qué sucede cuando nos plantamos frente a una fotografía en la que se muestra a un joven africano que se encuentra sentado, desnudo y con el pie derecho encadenado al suelo de una habitación en donde las paredes revelan un estado de abandono no sólo del lugar sino también del individuo? ¿Y si nos dijeran que ese hombre se encuentra en asimiento debido a que padece de alguna enfermedad mental? La imagen por sí misma es desgarradora, pero el contexto es aún más inquietante. La fotografía es parte de una serie realizada por el fotógrafo australiano Robin Hammond, quien denuncia  el atropello de los derechos humanos a través de su proyecto a largo plazo Condemned. En él exhibe el tratamiento de las enfermedades mentales en algunos países africanos como Kenia, Ugada, Sudán, Somalia y el Congo.

Robin Hammond, de la serie Condemned, Sudán, 2011.
Robin Hammond, de la serie Condemned, Sudán, 2011.

 Las fotografías del proyecto Condemned documentan la manera en la son tratadas las enfermedades mentales en lugares en los que las crisis políticas, económicas y sociales son el pan de cada día. Hammond hace hincapié en su trabajo como fotógrafo documental cuando menciona que generalmente los fotógrafos y reporteros cubren las guerras, los conflictos sociales y los desplazamientos, pero una vez que las banderas de la paz son izadas y que el asunto se considera terminado entonces los informantes abandonan el lugar. Sin embargo, algunos problemas sociales se quedan sin resolver y el abuso continúa incluso en el desarrollo de las actividades cotidianas de los países en conflicto.

Robin Hammond, de la serie Condemned, sanador khoranic con enfermos mentales, Sudan, 2011.
Robin Hammond, de la serie Condemned, sanador vocifera fragmentos del Corán a enfermos mentales, Sudan, 2011.

 En estos países africanos la locura es un tema que no ha sido suficientemente tratado, tal vez porque no se ha planteado como un problema a nivel social. Aquellos a quienes se considera locos son encarcelados, atados, recluidos y maltratados en un intento por controlarlos. La mayoría de las veces son los familiares quienes los mantienen en estas condiciones. El encadenamiento y la lectura de textos coránicos fungen a modo de terapia curativa. Así, los enfermos mentales se convierten, en palabras de Hammond, en los abusados, los olvidados, los marginados por la sociedad misma que los excluye y que los recluye en su incapacidad de poder lidiar con ellos. Los locos son ese otro que hay que aislar e intentar controlar por ser diferentes.

Robin Hammond, Condemned, 2011.
Robin Hammond, Condemned, 2011.

 A pesar de que las fotografías de Robin Hammond muestran  las pésimas condiciones en las que se mantiene a los enfermos mentales en los países africanos y que sus reportajes gráficos exhiben el asimiento de estos “locos”, también es importante tener en cuenta que el tema de la locura ha sido abordado de diferente manera según cada sociedad en diferentes periodos históricos. El estudio de la locura y de las enfermedades mentales es muy reciente incluso en países que han seguido su desarrollo económico, político y sociocultural en función de la economía capitalista y del desarrollo industrial. El estudio de la microsociología de Erving Goffman es un ejemplo del reciente interés por las enfermedades mentales y las instituciones que las tratan a través del encierro.  La locura es un tema muy complicado que puede llevar a un debate interminable, pues como menciona el historiador Andrés Ríos Molina, el tratamiento de la locura refleja el parámetro propio de cada sociedad para definir lo normal y lo anormal, aquello que es sano de lo que es patológico.

 Por supuesto que el encadenamiento de personas enfermas mentales no se justifica, sobre todo porque se pasa por encima de sus derechos como seres humanos. Sin embargo las fotografías de Robin Hammond dejan mucho que pensar, por un lado sobre la situación del tratamiento de la locura en países africanos que apenas dejaron de ser colonia el siglo pasado y que aun basan su economía en las actividades agrícolas y ganaderas. Pero por otro lado se pone sobre la mesa el debate de cómo se trata este tipo de enfermedades en los países occidentales más avanzados. Pienso que es importante que al observar estas fotografías no veamos el problema como algo ajeno, como un asunto que sólo acontece en África, sino que también pensemos en la situación del tratamiento psiquiátrico en nuestro país. ¿Cómo se está tratando la locura actualmente? ¿Son incluidos en la sociedad o siguen siendo un grupo marginado?

Robin Hammond, Condemned, Somalia, 2011.
Robin Hammond, Condemned, Somalia, 2011.

 Al mirar estas fotografías y pensar en las instituciones que se dedican al tratamiento de la locura en la actualidad me viene a la mente al panóptico referido por Michel Foucault en Vigilar y castigar, nacimiento de la prisión. Es necesario que también nos cuestionemos sobre el funcionamiento de las instituciones que se dedican al control del individuo, entre ellas la prisión y los manicomios, pues estas fungen como herramientas de control de las conductas que amenazan con la estabilidad social. El afianzamiento del Estado moderno, menciona Foucault, trajo consigo nuevas formas en las que la economía del castigo fue redistribuida en Estados Unidos y en Europa. El supliciado deja de ser visto como un signo negativo y su castigo deja de ser un espectáculo en las plazas públicas. Así pues el culpable comienza a ser visto como un objeto de compasión y su castigo se convierte más bien en un proceso penal en el Estado priva al individuo de sus libertades. El supliciado es llevado a prisión, ¿y el loco? El loco también es objeto de compasión, es aquel sujeto que rompe con el equilibrio social y por eso debe ser igualmente privado de su libertad.

Robin Hammond, Condemned, 2011.
Robin Hammond, Condemned, 2011.

 La fotografía de Robin Hammond no solo muestra la forma en la que se violan los derechos humanos de los enfermos mentales en Somalia o en Kenia, sino también refleja la idea que tenemos en occidente sobre la locura y cómo debería ser tratada. Pensamos así en que esta forma de reclusión de los enfermos es represiva, inmoral e injusta, pero ¿qué pasa con los enfermos que se encuentran en las instituciones psiquiátricas en Europa o en América? ¿Acaso el encierro bajo prescripción psiquiátrica exhibe una mejor forma del entendimiento de la locura en nuestros tiempos? El punto está en que estas fotografías nos sirvan no sólo para apuntar los problemas de países extranjeros, sino también para reflexionar en torno a los conflictos sociales internos.

Originally posted 2014-09-26 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: el uso de la fotografía en el deporte (Parte II)

Las condiciones de vida se habían transformado después de las guerras mundiales en las que la tecnología había tenido un avance impresionante en distintos ámbitos. La producción de automóviles había arrancado desde 1908 con la creación del Ford T, lo que traería consigo una serie de consecuencias a nivel mundial, sobre todo en materia de comunicaciones y transportes. Pero también representaría cambios más sutiles, sobre todo en el quehacer el fotógrafo reportero.

Autor desconocido, Juan Manuel Fangio, 1953.
Autor desconocido, Juan Manuel Fangio, 1953.

 Las primeras carreras de autos tuvieron lugar a partir de la segunda década del siglo XX, así que para mediados de este siglo el automovilismo deportivo ya estaba más que consolidado. La carrera Panamericana celebrada por primera vez en México en 1950 es un claro ejemplo de este afianzamiento. Para cubrir un reportaje de este tipo de eventos ya era necesario un reportero gráfico más especializado. La historiadora Rebeca Monroy Nasr lo afirma en su obra Ases de la cámara, cuando menciona que “La habilidad de los reporteros gráficos se hizo evidente en el ámbito de los deportes: los knock outs del boxeo, las feroces bateadas del béisbol, la velocidad en las carreras de autos, las mortales cornadas de los toreros, etc.” Esto es relevante: el deporte ha puesto a prueba tanto a los fotógrafos como a la fotografía en sí misma.

 ¿Y en qué es significativo saber esto? ¿Cómo logramos ver las consecuencias de esto en nuestro presente? En la actualidad estamos viviendo una revolución en el mundo de la industria fotográfica, así como también de la fotografía, es decir, estamos atravesando por una transformación a nivel tecnológico, en las cámaras fotográficas, así como a nivel social e informativo, en cuanto al contenido de las fotografías.

Autor desconocido, Juan Manuel Fangio, Carrera Panamericana 1953.
Autor desconocido, Juan Manuel Fangio en la carrera Panamericana de 1953.

 Deportes como el BMX, el skateboarding, el paracaidismo deportivo y el rápel que tuvieron gran popularidad a partir de los años setenta del siglo pasado, así como el patinaje agresivo, nacido en la década de los ochenta, el ciclismo de montaña popularizado en la misma etapa, entre otros deportes extremos surgidos en este mismo periodo, han requerido de cámaras fotográficas mucho más avanzadas para lograr capturar escenarios que podrían ser difíciles de fotografiar.  Por un lado están los fotógrafos que se encargan de captar los deportes extremos desde tierra a manera de documento, pero por otro lado está el deportista como nuevo fotógrafo. Nuevos deportes requieren nuevas tecnologías para la creación de imágenes.

Autores desconocidos, Fotografías tomadas por cámaras GoPro. En la primera se puede observar cómo el equipo fotográfico está adherido al casco del deportista. La cámara forma parte de él.
Autores desconocidos, Fotografías tomadas por cámaras GoPro. En la primera se puede observar cómo el equipo fotográfico está adherido al casco del deportista. La cámara forma parte de él.

 A principios del siglo XX el reportero gráfico hacía uso de sus habilidades y del avance tecnológico de las cámaras de su tiempo para retratar caballos en movimiento. Ya para mediados del siglo se fotografiaban autos compitiendo en carreras deportivas; en la actualidad, la cámara se integra al cuerpo del deportista extremo, deja de ser sostenida y manipulada por la mano del hombre y se adhiere a la cabeza a través de un equipo especial que la sujeta al casco de estos deportistas. La cámara fotográfica se vuelve parte de ellos, y las imágenes se vuelven una especie de primera persona de la literatura fotográfica. Se deja de lado el trípode, no hay intermediarios, el deportista es su propio fotógrafo y a través de sus imágenes cuenta su propia historia. Algo parecido sucede con las fotografías secuenciales que se han popularizado mucho en el ámbito del deporte.

El snowboarder Sage Kotsenburg con el piloto Ken Block en los X Games de Austin, 2014.
El snowboarder Sage Kotsenburg con el piloto Ken Block en los X Games de Austin, 2014.

 La GoPro es la Graflex del siglo XXI. Si es que realmente se puede hacer una comparación técnica entre ambas cámaras, pero se trata más que nada de una comparación al nivel de revolución que ambas conllevan. Cámaras reducidas en tamaño que permiten un mejor manejo, cámaras pequeñas y ligeras que permiten tomas más arriesgadas. Sin embargo, la GoPro ya no sólo es utilizada por deportistas extremos que buscan capturar sus experiencias, sino que también comienza a ser utilizada por todo tipo de usuarios, viajeros, oficinistas, periodistas, reporteros, artistas e incluso fotógrafos para mostrar un poco de lo que hacen en su vida laboral (pública). Pero también para capturar y conservar aquellos recuerdos de su vida cotidiana (lo privado), las vacaciones, la luna de miel, el viaje. Es decir, también se usa para hacer un registro de aquello que se hace en el tiempo libre, de los momentos de recreación.

 ¿Se podría decir que el uso de la fotografía ha cambiado o que más bien permanece? Probablemente los temas a fotografiar puedan ser similares, sin embargo el uso que se hace de la fotografía y los modos en los que se hace en la actualidad difieren de cómo se hacía fotografía en los siglos anteriores. Los dispositivos móviles y la cámara GoPro han representado una revolución en muchos sentidos (a nivel tecnológico, de la información visual, de los usos de la fotografía, etc.) y todavía queda mucho por hacer en torno a la investigación sobre esta transformación visual y de contenidos.

Morgan Wade en los X Games, Austin, 2014.
Morgan Wade en los X Games, Austin, 2014.

 El análisis sobre la fotografía queda pendiente a los estudiosos del tema: comunicólogos, semiólogos, artistas, fotógrafos, críticos de arte, historiadores y sociólogos. Todavía queda mucho por hacer en cuanto al estudio de la imagen en nuestros tiempos y el papel de los estudios históricos cobra importancia cuando se trata del análisis y la interpretación de nuestro presente.

Originally posted 2014-08-27 09:00:52. Republished by Blog Post Promoter

México lindo y querido

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

 

(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.

– Rufino Tamayo

Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro  a través de algunas de mis fotografías.

huatulco
Huatulco
flor
Flor
pradera
Pradera
soñador
Soñador

 

Originally posted 2014-09-19 10:12:03. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

 La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

  Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.
Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

 Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.
Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

 La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.
Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

 Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

 La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

 Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

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El arte de ser una familia disfuncional

Más allá de lo cotidiano de vivir en una familia disfuncional Tesa Koot y Lisa Kapple crearon una hermosa utopía que le da otro significado a éste termino. La diseñadora Tessa Koot y la fotógrafa Lisa Klappe crean a través de la serie: “A disfunctional family: Happy Birthay Tessa and Lisa” una atmósfera contrastante, fantástica con alma propia interviniendo muebles que cobran vida, objetos abandonados que son renovados y toman su propio papel en esta serie de fotografías que extienden el lazo familiar más allá de los lazos humanos.

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Una atmósfera antigua, un toque de audacia y una critica social de fondo, es el resultado de este interesante trabajo que propone un vistazo a nuestra propia realidad irracional.

 

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

 

Originally posted 2013-01-22 23:00:57. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Rodrigo Moya en el FIC 2014

La fotografía documental del fotógrafo colombiano Rodrigo Moya se hará presente en el marco de la cuadragésima segunda edición del Festival Internacional Cervantino, en Guanajuato, a través de dos exposiciones individuales con su obra y la presentación de un libro sobre su trabajo con el motivo de la celebración de su cumpleaños numero 80.

 El día de ayer se llevó a cabo la presentación del libro Rodrigo Moya, El telescopio interior, producido por el Centro de la Imagen, un proyecto que cubre las necesidades de investigación, difusión y promoción de la fotografía en México. Esta obra es el resultado de una exploración hecha por las editoras del Centro de la imagen, Patricia Gola y Alejandra Pérez, del Archivo Fotografico Rodrigo Moya y otros acervos gráficos y documentales. Así pues, esta obra se divide en dos secciones: la primera de ellas trata sobre el desarrollo de Moya en el reportaje gráfico y el documentalismo, así como de la coincidencia de su trabajo con el de otros fotógrafos de la época como Nacho López. La segunda parte se enfoca en un estudio de Rodrigo Moya visto desde la mirada de los críticos e historiadores que se han dedicado a investigar su trabajo.

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 Por otra parte, estarán abiertas al público dos exposiciones: Tiempos tangibles se presenta en el Museo Regional Alhondiga de Granaditas (abierta del 8 al 26 de octubre), la curaduría fue realizada por el mismo Moya y por su esposa Susan Flaherty, quien además es responsable del Archivo Fotográfico Rodrigo Moya. Además está la exposición Célebres y anónimos exhibida en el Foro de la Alhondiga, en la que se exponen fotografías que Moya realizó a algunos personajes reconocidos como María Félix, Celia Cruz, Carlos Fuentes, Ernesto “Che” Guevara, entre otros. Al mismo tiempo, presenta fotografías de personajes anónimos, aquellos que normalmente pasan a la historia sin un nombre, sin una figura individual, siempre siendo parte de un colectivo: campesinos, maestros, obreros, estudiantes y pescadores.

Fotografía de Rodrigo Moya, autor desconocido.
Fotografía de Rodrigo Moya, autor desconocido.

 La importancia de una exposición centrada en el trabajo de este fotógrafo documentalista radica en que se trata de un fotógrafo que no crea sus imágenes para ser consumidas como obras de arte, sino que más bien, y como él menciona en una entrevista para Sin embargo, sus fotografías siempre tienen más una intensión ideológica, no tanto estética. En general la fotografía de prensa y el documentalismo no buscan crear una armonía estética, sino hacer uso de la fotografía a modo de crítica, denuncia o reflejo de la realidad. En este sentido, las fotografías de la exposición Celebres y anónimos cobra fuerza, sobre todo por las fotografías en las que se muestra al colectivo de trabajadores, aquellos a quienes no conocemos de manera individual por su fama.

 El hecho de que las exposiciones y la presentación del libro se encuentren dentro de las actividades culturales del FIC 2014 significa mucho, pues se trata de una celebración  por el cumpleaños de un fotógrafo que ha realizado un trabajo significativo en el ámbito de la fotografía mexicana y latinoamericana, pero al mismo tiempo refleja un enaltecimiento del trabajo resultado del fotoperiodismo en México.

Serie de fotografías reaizadas al Che por Rodrigo Moya, 1964.
Serie de fotografías reaizadas al Che por Rodrigo Moya, 1964.

Originally posted 2014-10-10 11:44:39. Republished by Blog Post Promoter

Chanel: No todo lo que brilla es oro

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 

La revista inglesa Dazed and Confused en colaboración con el fotográfo Adrian Crispin elaboraron un shooting exclusivo con la reedición de la colección de joyería 1932 de Chanel, la cual está inspirada en imágenes de estrellas y cometas recaudadas por ella misma en el periodo del 7 al 9 de noviembre de 1932. Esto, a partir de su inquietud por mostrar una faceta creativa totalmente refrescante, al exhaltar los contrastes de la elegancia y simplicidad de piezas con diamantes, perlas y oro blanco elaboradas sin pretenciones, totalmente apegadas a su esencia.

En mi profesión, cualquier medio es legítimo, siempre y cuando sólo se utiliza en el verdadero espíritu de la moda.
(…)Si he elegido diamantes, es porque ellos representan el mayor valor en el menor volumen. Y mi amor por las cosas que brillan me ha inspirado para tratar de combinar la elegancia y la moda a través del medio de la joyería.
Coco Chanel

CHANEL1932

Estos accesorios trascienden en el tiempo y en el diseño, áreas que son reinterpretadas por la directora de moda Karen Langley, con un trabajo que combina perfectamente el estilo clásico de Chanel y la visión de una de las mejores revistas de moda.

CHANEL1932

CHANEL1932

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Para checar el shoot completo click aquí.

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De Skinheads a Cara Delevingne: Nick Knight

Skindheadbook

En la década de los 80 sale a la luz un libro fotográfico de la subcultura de los Skinheads (cabezas rapadas) y era más que nada un diario de los jóvenes que llevaban ese estilo de vida, lo realizó un estudiante de fotografía llamado Nick Knight.

 Con este libro llamó la atención del diseñador Yohji Yamamoto quien le dejó a cargo el catálogo otoño-invierno del 96 y ese sería el primero de 12 catálogos consecutivos; el resultado fue un contraste de lo oriental, acentos de colores y contraluces.

 A la par de los catálogos de Yamamoto también realizó la serie “Flora” la cual tardo tres años en concretar, pues recolectó y clasificó casi 6 millones de ejemplares de los cuales escogió solo 45 fotografías a las que sometió a una novedosa técnica de agua y altas temperaturas la cual desdibuja los contornos.

 Knight, desde sus inicios, mostró el interés por nuevas técnicas y tecnologías, en lo que a temática respecta siempre está desafiando la belleza convencional, poco a poco se fue abriendo paso en el mundo de la moda y hoy por hoy es uno de los fotógrafos más prestigiados.

 Entre las personalidades que ha retratado su cámara se encuentran Madonna, Kanye West, Kim Kardashian, Lady Gaga, Marina Abramovic, David Bowie entre otros, incluyendo campañas para grandes firmas como; Dior, Calvin Klein, Audi, Alexander McQueen y John Galliano. También realizo una sesión con la modelo Cara Delevingne llamada “Pussycat, Pussycat”, la cual fue realizada con un iPhone y publicada únicamente en la aplicación Instagram.

 

“Muy raramente consigues lo que quieres en fotografía. Siempre te gustaría llegar a más y a menudo no puedes.”

– N.K.

 Pero Knight no solo se ha dedicado a la fotografía: en 2001 fundó SHOWstudio con la finalidad de generar una nueva forma ver la moda por internet y además ha sido el pionero del Fashion Film, lo que ha hecho que la imagen en movimiento en la era digital sea más accesible a todo público, con sesiones de foto en vivo o desfiles.

 Por otra parte, ha sido catapulta para talento emergente y no solo se ve como una plataforma de moda sino como un espacio enteramente creativo para la ilustración, la palabra escrita y la fotografía. Otro de los grandes aciertos en la carrera de Knight ha sido generar polémica a través de la dirección de algunos videos musicales como el de la canción “Pagan Poetry” de la islandesa Björk en el cual aparecen escenas de sexo difusas y la cantante semidesnuda perforándose con cuerdas unidas a un vestido. No olvidemos la realización de “BLKKK SKKKN HEAD”, de Kanye West, en donde se ayuda de animación digital para conseguir un producto visualmente siniestro acompañado de lobos y vestimentas tipo Ku Klux Klan.

 Esto es solo una pequeña muestra de todo el trabajo que tiene Knight pero con ello queda claro que aunque él comenzó su carrera en la era de lo análogo se adaptó y abrió paso de la mejor forma posible.

Originally posted 2015-01-17 09:00:07. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Ophelia de Gregory Crewdson

Gran parte de la creación de fotografía surrealista se basa en la preparación de la escena del mundo que se quiere plasmar en una o varias imágenes. Algunos fotógrafos surrealistas pueden llegar a hacer más énfasis en el proceso de pos producción, mientras que, por otra parte, están los que ponen más vigor en la producción de los escenarios y de los personajes que van a contar la historia en la fotografía. Creo que gran parte de la belleza que nos plantea la fotografía surrealista es el hecho de que muestra aquello que no es real, a pesar de que la fotografía en general no puede mostrarnos la realidad en su inmediatez absoluta,  de una manera más obvia y un tanto descarada. En la fotografía surrealista aparecen personajes irreales en escenarios que se pueden semejar  a la realidad interpretando situaciones absurdas, incontrolables, fuera del alcance de la cordura. Las fotografías surrealistas nos cuentan historias ficticias.

Gregory Crewdson, Maple Street de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, Maple Street de la serie Beneath the roses.

 Sin embargo, hay quienes han querido explotar la narrativa fotográfica a través de la fotografía surrealista. Tal es el caso del fotógrafo estadounidense Gregory Crewdson (1962), quien recrea escenas típicas de la vida cotidiana norteamericana, aquella que se desenvuelve en casas y  barrios estadounidenses, para luego imprimirles un toque de surrealismo con el objetivo de crear una sensación de intranquilidad y perturbación.

 Para Crewdson es importante, tal como lo menciona en una entrevista para The american reader, descontextualizar el cuadro. Lo que busca es crear imágenes sin contexto, sin tiempo, sin un antes o un después, es decir, dejar atrás la narrativa literal y permitir que el receptor, aquel que mira la fotografía, le adjudique su propia narrativa.

“I looked at the blurred lines between reality and fiction, nature and artifice, beauty and decay. That way, the viewer is more likely to project their own narrative onto the picture. What the viewer brings to it is almost more important than what I bring to it.”
Gregory Crewdson

 En este sentido, se puede observar que para el fotógrafo la mirada del espectador es esencial a la hora de la creación de su trabajo. Pero a pesar de los esfuerzos de Crewdson por crear imágenes descontextualizadas, sus fotografías cuentan con la impresión de su propio contexto, de su propio espacio y su tiempo. Planta entonces una mirada de un mundo construido según la mentalidad de su época y el resultado es la imagen de la cual se sirven los espectadores para sacar sus propias frustraciones, esto es, todo aquello que parte de su subconsciente.

Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.

 Así pues, Crewdson presenta en su serie Beneath the roses escenarios cotidianos del ideario estadounidense cargados con elementos que pueden exponer un mundo más bien distópico. Las escenografías muestran espacios comunes de la vida del típico norteamericano, pero en lugar de embellecer la imagen de los hogares y barrios estadounidenses, como normalmente se hace para reflejar el éxito del llamado American dream, Crewdson los exhibe en estado de deterioro. Las casas que aparecen en sus fotografías se encuentran desgastadas, en un estado de imperfección, como si el descuido del exterior de los hogares mostrara el estado de abandono y olvido en el que se encuentra en realidad la sociedad norteamericana.

Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, de la serie Beneath the roses.

 La suciedad se hace presente, los pastos están crecidos, hay objetos tirados y roña en las paredes, en los colchones, en la podredumbre de una sociedad que se desintegra día con día. De ahí deviene la ansiedad del ideario americano al cual se refiere el fotógrafo cuando habla de esta serie. Elige una paleta de colores fríos, los tonos azulados y verdosos se hacen presentes como evocando a un estado depresivo. La noche irrumpe en sus fotografías.

 La lectura de esta serie puede variar dependiendo del espectador, es decir, según la interpretación que éste dé en función de su historia personal. Sin duda alguna una de las imágenes de Crewdson que más llama la atención es Ophelia, presentada en la misma serie, Beneath the roses, en la que muestra el cadáver de una mujer flotando en el agua que inunda el interior de una casa. Todo en esta fotografía es desconcertante y cualquier emoción que pueda surgir al observarla va a estar cargada de una dosis de desasosiego.

Gregory Crewdson, Ophelia, de la serie Beneath the roses.
Gregory Crewdson, Ophelia, de la serie Beneath the roses.

 El espacio propuesto para esta fotografía es el hogar, el espacio de lo privado, aquel en donde acontece lo más intimo, aquel que incluso en el mundo de los sueños suele representar el interior de una persona. Así, Crewdson plantea como escenario primario una sala, el lugar de la seguridad emocional. En la sala se pueden observar algunos libros que se acomodan en un librero por debajo de las escaleras, fotografías colgadas de la pared, una mesita de centro con más libros encima y un vaso de agua que pareciera que alguien estaba a punto de beber. También hay un frasco que podría ser de medicamento y sí es así daría cierto sentido al vaso que se encuentra en la mesita.

John Everett Millais, Ophelia, 1851- 1852. Pintura inspirada en la obra Hamlet de Shakespeare.
John Everett Millais, Ophelia, 1851- 1852. Pintura inspirada en la muerte de Ophelia en la obra Hamlet de Shakespeare.

 Las lámparas están encendidas a pesar de que la luz de la mañana entra por la ventana. Tal vez la noche anterior Ophelia había estado recostada en el sofá cubierta del frío de la noche con una pequeña manta mientras leía alguno de los libros que tomó del librero que se ve al fondo. Quizás cuando estuvo cansada se fue a dormir a su habitación y entonces ocurrió el desastre… la casa se inundó. Encendió las luces, bajó por las escaleras y dejó ahí postradas sus pantuflas justo antes de morir. No se sabe qué provocó su muerte, esa parte de la historia no es todavía muy clara. Pero su cuerpo yace muerto aun con el camisón blanco que refleja un estado de pureza.

 El agobio y los conflictos emocionales de Ophelia terminaron por inundar su propia casa, provocándole una muerte de la que solo son testigos aquellos familiares que cuelgan de la pared de las escaleras. Tal vez lo que inundó a esta chica fue alguna crisis en el ámbito familiar, algún conflicto sin resolver precisamente con alguno de esos familiares de los que aun conserva su fotografía. Ophelia es incluso de esas personas que intentan socorrer a los demás, Ophelia es el tipo de mujer inocente que quiere salvar a los demás sin darse cuenta de los daños que ella misma ocasiona en su propia casa, en su propio corazón de niña. O tal vez aquello que la ahogó fue la perdida de algún ser amado, el olvido de su pareja, la sensación de haber vivido ya esa historia en un pasado ficticio. Le vino entonces una evocación de Shakespeare. La inundación pudo haber sucedido incluso aquella noche en la que recordó su amor por Hamlet y la indiferencia de éste que la llevó a la locura, a su muerte en el río, a la inundación de su casa, al desbordamiento de sus propias emociones que la ahogaron hasta matarla.

Fotografía del behind the scenes de la realización de la toma de Ophelia.
Fotografía del behind the scenes de la realización de la toma de Ophelia.

Originally posted 2014-09-17 09:00:20. Republished by Blog Post Promoter

Timothy Allen: Human planet

Por Mike

@elchinomike

 
No sólo una imagen puede expresar aquello que las fronteras del lenguaje limitan comunicar, sino también es capaz de lograr capturar un tiempo y un espacio de tal manera que, como lo demuestra la óptica del fotógrafo británico, Timothy Allen, conduce al espectador tanto a ser cómplice de esa realidad como a la apertura de caminos distintos hacia la percepción de la misma.

La sensibilidad de su autor reflejada en su trabajo expresa una óptica propia, quizá desarrollada a partir de su formación en zootecnia que lo llevó a descubrir su vocación al entrar en contacto con algunos grupos étnicos de Indonesia y posteriormente partir en un convoy para documentar su primer reportaje en Bosnia durante la reconstrucción derivada de la guerra cívil.

Resulta más que evidente el sustantivo -asombroso- para calificar esta colección de fotografías que, desde luego, estimulan reflexiones, sensaciones e impresiones innumerables que resultan de contemplar la esencia con la que impregna cada una de sus imágenes.

 

 

“El alma de un viaje es la libertad, la libertad perfecta, para pensar, sentir, hacer lo que a uno le plazca”

 

El proyecto en sí, parte de una búsqueda de lo humano, de aquello que se encuentra detrás de los límites étnicos, culturales, urbanos y geográficos. Trasciende defintivamente cualquier paisaje e ideología y conduce quizá a valorar y comprender que lo más apreciable resulta ser aquél quien, por resultar diferente, suele ser ajeno y a la vez elemento inseparable de la idea que intenta representar la naturaleza que solo el hombre posee.

Las distintas colecciones pueden disfrutarlas en estos enlaces:


http://timothyallen.blogs.bbcearth.com/

http://humanplanet.com/timothyallen/portfolio/

 

Originally posted 2012-08-21 11:00:28. Republished by Blog Post Promoter

[Poesía]: Extraños

soledadesTú y yo,
los dos,
los extraños.
Tú la extraña, yo te extraño.
Nos preguntamos sí ¿Ha sido todo?
¿El mundo es de otra forma y no  es de nuestro modo?
Nos miramos de la manera más cruel. Extrañándonos. Aunque estemos ahí. A un costado del otro, Paseándonos juntos o separados. ¿Por qué te extraño, yo el extraño, que nunca antes extrañó?
A ti , a la extraña , que nunca extraña al extraño que la extraña.
Y es que extrañarte es sentir la dulce agonía de la ausencia de nada.
Él y tú me chingaron.
Como la noche al día La luz me quitaron.
Él: el tiempo
Tú: mi vida.
Y qué es la vida sino olvidarte.
Y qué es la muerte sino quererte.

Originally posted 2015-02-13 11:33:30. Republished by Blog Post Promoter