Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

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De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

teatro de altura

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Carlos Monsiváis: Misógino feminista

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La literatura juega un papel importante no sólo en el campo de las artes, sino también en la política y en la historia. No es un simple documento que resguarda ideas a través del tiempo y espacio, tampoco se reduce a una forma de entretenimiento para los que se piensan bien estudiados. No. Bastante le ha costado a la literatura plantarse como una fuente histórica; no refiriéndonos al texto enfocado al aprendizaje del mismo, sino a la novela, al cuento y a la poesía. Estas tres manifestaciones nos presentan la rutina de lo que fue y de lo que puede llegar a ser.

 Ahora, el elemento grande del arte surge de la imaginación, de la posibilidad de ser real sin serlo. Por tanto, los personajes tienen la posibilidad de adquirir un papel en la realidad del lector. Esto quiere decir que tanto ilustran como alteran comportamientos, sentimientos e ideas. La pregunta central que nos plantearemos a razón del libro de hoy es la siguiente: ¿qué tanta credibilidad pierde un personaje cuando se presenta en la ficción como un individuo real, pero poco conocido para nosotros en la realidad?

Pensemos en la mujer no como autora ni creadora; pensemos en ella como personaje de cuento y de novela. A lo largo de la historia, el modelo se ha ajustado a las ideas, costumbres o cultura de la época. Mujer resignada, mujer fértil, mujer producto, mujer propiedad, mujer virgen y Virgen, mujer prostituta, mujer santa, mujero que no es…

 Misógino feminista es un conjunto de ensayos del autor Carlos Monsiváis, todos enteramente comprometidos con el movimiento feminista del país. Quizá esta faceta del autor se mantenga un tanto oculta, pero es importante agradecerle a Monsiváis su colaboración, su diálogo, sus argumentos y sus letras, importantes no sólo para el círculo feminista de México y Latinoamérica, sino para todos aquellos que emprenden una lucha diaria por ser y por negar aquello que los demás disponen que sean. En él, se plantean diversos escenarios en esta recopilación tales como Pero ¿hubo alguna vez once mil machos?, Huesos en el desierto: escuchar con los ojos de las muertas, El segundo sexo: no se nace feminista, Soñadora coqueta y ardiente, entre otros. En cada una de las obras, en concreto donde el escenario es México, queda clara la entidad cultural del machismo (¿acaso al igual que la corrupción se debiera de institucionalizar?) que tanto ha afectdo el desarrollo de la nación.

El sexismo y su esquematización, la virginidad como propiedad, la timidez mexicana, el papel de la literatura, el reconocimiento del problema.

 Carlos Monsiváis, autonombrado Misógino feminista –“alterna su misoginia con una encendida defensa del feminismo”– fue (es y será) un intelectual mexicano al cual le debemos el reconocimiento de un problema que va más allá de la política, el cine y la canción popular. Monsiváis dio vuelta a la pagina, acepto la existencia y la hizo suya, abrió la brecha a un diálogo que debe absorber cientos  de años e intentos.

Imágen extraída de Periódico Enfoque
Carlos Monsiváis

 Asumió, a diferencia de nuestros antepasados, una actitud valiente, enfrentando tal cual el designado símbolo de incivilización que tanto orgullo y reconocimiento le ha causado al mexicano, devaluó el valor del machismo y lo congeló con sus escritos. Misógino feminista, editado por Océano, es un testimonio, una documentación que nos acerca a una realidad que sentimos ajena. Nos duelen episodios terribles de la humanidad como el Holocausto, la Santa Inquisición; sin embargo, volteamos la cara frente a la discriminación, la desigualdad y la muerte del ser.

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Con sabor del norte: Los videojuegos, un nuevo escape artístico

La primera publicación siempre es la más emocionante porque pone las cosas en la mesa. Aquí me presento: mi nombre es Alix Benazir Reyna Flores, una orgullosa Tamaulipeca que gracias a las coincidencias que se visten de destino, escribe hoy aquí.

 Yo no sé muchas cosas, por eso tengo curiosidad en investigar lo que sea. No lo sé, es un tic que siempre he tenido. Y hoy quiero hablarte de algo muy curioso que le ha pasado al arte de un tiempo para acá.

 Tal vez en tu infancia fuiste un niño o niña que tuvo un Nintendo 64 en su casa y tenías pocos videjuegos. Seguramente en algún momento te dejaron de llamar la atención, sino, me alegro por ti porque sabes de lo que voy a hablar.

Portada de MARIO KART para Nintendo 64

 Al pensar en arte, los videojuegos no son algo que te viene a la mente. Yo te diría que lo pensaras dos veces. Los videojuegos se han estado convirtiendo en una fuga para todos esos guionistas, dibujantes y músicos por todo el mundo. La razón de esto es muy simple: encontrar espacio donde puedas hacer arte y que te paguen bien por ello es casi imposible. Casi nadie piensa en utilizar el arte en un videojuego porque no es una idea usual.

 Mi ejemplo favorito es Ken Levine, un guionista que trató suerte en Los Ángeles y no lo logró. Sin embargo se hizo desarrollador de videojuegos y ha creado la saga de BIOSHOCK, considerada una obra maestra por muchos. Levine no sólo rescató música de los veintes, treintas y cincuentas, sino que cambió éxitos de todos los tiempos a una versión de antaño. Las ciudades que te presenta son visualmente increíbles a la vez que provoca melancolía y terror. Busca cualquier soundtrack de BIOSHOCK y te aseguro que mínimo bajarás una canción.

En cuanto a historia yo considero que The Last of Us tiene una mejor narrativa que muchas películas. La verdad es que muchos cineastas quisieran la oportunidad de desarrollar videojuegos porque los llamados gamers no sólo conocen la historia sino que se comprometen con ella hasta el final.

Panorama de THE LAST OF US.

 En campo visual los diseñadores tienen un lienzo en blanco para trabajar. Aunque la historia sea burda, hay quienes sólo juegan para ver el detalle del trabajo, como me pasó a mí con de Alice Madness Returns y su País de las Maravillas.

ALICE MADNESS RETURNS en la ciudad acuática

 No es casualidad que la Orquesta de Londres toquen canciones de la Leyenda de Zelda, ni que muchos pianistas toquen temas de Final Fantasy. Existe todo un mundo artístico dentro de los videojuegos al que todavía le falta crecer. Ojalá si eres un artista le pongas atención y lo intentes, te da más libertades creativas de las que crees.

 Para cualquier tema artístico que desees saber, sólo dime. Mi cuenta es @alixreyna para lo que se te ofrezca, seguramente yo al principio tampoco sepa pero tengo el extraño y maravilloso don de explicar cosas muy complejas en ejemplos muy simples y entretenidos.

 Tas este breve panorama, espero que mi saborsito norteño te guste y sigamos platicando seguido.

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SEMAR en “el pueblo de la luz”

 

Montañas y ríos majestuosos que rompen con fuerza desprendiendo luz: la primer hidroeléctrica del país en tiempos del Porfiriato, eso es Necaxa. 

Y este sábado ilunimará un concierto muy singular…

Zaeth Ritter Arenas
Tte. Corb. SMN. MN. Zaeth Ritter Arenas

Por primera vez, después de 74 años de historia en la SEMAR, la Banda Sinfónica de Marina será dirigida por una mujer. Pronto resonarán las montañas poblanas bajo la batuta de la Tte. Corb. SMN. MN. Zaeth Ritter Arenas.

En ocasión de una “solemne sesión de cabildo por la toma de protesta de la nueva presidencia municipal”, llegará la singular mexicana al foro de Necaxa en un concierto que no puedes pasar por alto.

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Los invitamos este sábado 15 de febrero a las 18:00 a formar parte de un evento único en la vida de la Marina-Armada de México en la Plaza Pública del municipio de Juan Galindo.

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Agradecemos la gestión del Capitán de Navío AN.PA.H.DEM. Alvaro Alejandro Alfaro Flores

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Otoño de #Latitud 19 º24 ‘, Live Ethereal Sessions en el Franz Mayer

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Quien diga que no hay música nueva en el cuadrante, miente. Cada día existen más propuestas mexicanas que escuchar y disfrutar. En el abanico de diversidad, podemos encontrar sonidos de distintos géneros, listos para abordarlos y hacerlos parte de nuestro cada día.

 Es por ello que nace Latitud 19 º24, Live Ethereal Sessions; proyecto basado en sesiones en vivo de grupos o solistas musicales independientes y/o emergentes de la República Mexicana realizadas en espacios públicos y trasmitidas a otras latitudes en tiempo real, vía streaming, gracias a la plataforma de Concierto Cable.

 El  auditorio del Museo Franz Mayer de la Ciudad de México será el primer recinto de Latitud º19 24 que, durante los sábados de octubre, de 4:00 pm a 7:00 pm, presentará doce proyectos en total de diversos géneros musicales, listos para envolver a los asistentes en una atmósfera única e irrepetible.

Sábado 4 de Octubre.

Erick Fryman

Azain

Mooi

 

Sábado 11 de octubre

Fonópolis

Lundem

La Era Vulgar

 

Sábado 18 de octubre

 

Chawa

chawa

 

Venison

Acidandali

Vinnium Sabbathi

 

Sábado 25 de Octubre

 

Un Reve

Jules

Minor Shadows

 El primer episodio de Latitud 19´24 será  posible gracias a Chulavista Art House A.C., el programa Ensayódromo, el colectivo Aquí No Hubo Escena, la disquera independiente Pobre Diablo y la plataforma Concierto Cable

Espera pronto los horarios por proyecto.

El acceso a las sesiones es gratuito.

 

 

 

 

 

 

 

 

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Festival Aural FMX 2013

Con sus tres años de vida, Aural presenta lo más relevante en cuanto a música experimental del mundo en nuestro país. Ignacio Sosa, mente detrás de este proyecto, menciona “Aural no es un festival de rock, electrónica, jazz… Es un festival de música”.

Por “festival de música” se entiende la importancia de descubrir artistas y re descubrir aquellos que tienen cierta escuela y han sido olvidados, por preferir no quedarse en el mainstream, por ser artistas de culto, quienes al presentarse en una ocasión nueva, bajo un contexto diferente, podrá ser saboreado por el público de una mejor manera, tal es el caso del histórico conjunto de jazz, Sun Ra Arkestra, y los japoneses, Boris. El Festival Aural no se apega a un solo género, a un solo estilo o tiempo, su línea es la música, como conjunto y ensamble de sonidos, notas, conceptos.

 

En la 29a. Edición del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, la sección de música realizará eventos del 14-19 de mayo. El cierre estará a cargo del Nicho Aural.

Calendario

Variación de Voltaje

14 de mayo

El evento será inaugurado con la presentación del libro de Carlos Prieto, Variación de Voltaje: Alteraciones a la historia de la música electrónica mexicana. Auditorio Divino Narciso de la Universidad del Claustro de Sor Juana, a las 17 horas. El cupo es limitado.

15 de mayo

Musicalmente Sun Ra Arkestra será el encargado de abrir cartel en el marco de este festival en el Teatro de la Ciudad a las 20 horas. El grupo que lo acompañará es Cosmic Brujo Mutafuka Trio. Conformado por Marco Eneidi, natural de Portland Oregón; Itzam Cano, graduado de la Escuela Nacional de Música, Ciudad de México, su ciudad de origen; y por Gabriel Lauber, músico suizo quien reside en el DF desde 2001. Una noche de gala donde el jazz estará presente.

16 de mayo

Sonidos eclécticos, sin etiquetas. Esto nos espera una noche con toda la energía del rock de Boris, trío japonés con muchas ganas de hacer ruido y marcar tendencia, lo que han hecho en los 35 años de carrera musical a cuestas. Liturgy, es una agrupación estadounidense de black metal contemporánea, quienes junto con los mexicanos, Monogatari, punk, harsh noise y hard-core, nos acompañarán en este recinto, a las 21 horas en el Lunario del Auditorio Nacional.

17 mayo

Esta noche estará a cargo de la música electrónica experimental. Con los finlandeses de Oval, proyecto de Markus Popp, quien ha colaborado con artistas como Björk, Ryuchi Sakamoto o Appart; y de Mika Vainio, ex miembro de Pan Sonic. Estarán acompañados por Kevin Drumm y el dúo mexicano Stalaktos. Será a las 21 horas en el Casino Metropolitano.

18 mayo

El encargado de cerrar este festival es el Nicho Aural, encargados de la difusión, promoción y creación de lo más reciente entorno a la experimentación musical y la exploración sonora. Esta edición contará con artistas, talleres, mesas redondas, secciones de escucha y proyecciones a las 18 horas en el Centro Cultural de España.

19 de mayo

Es el cierre completo del Nicho Aural en el Laboratorio de Arte Alameda, se presentará la función Whisky Time, a portrait of Charlemagne Palestine, de Guy Marc Hinant. A partir de las 19 horas tocarán en vivo Nate Wooley, de Estados Unidos, los noruegos Harvard Skaset y Guro S Moe, y los mexicanos Erick Diego y la Trinchera Ensamble.

Aural Banner

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El malabar es música para los ojos

Música para los Ojos es un cortometraje documental dirigido por Vladimir Estrada que recorre el mundo del malabar y las artes circenses en una búsqueda por explorar su lado humano, científico y artístico. La historia gira alrededor de Paulo Soto, un profesor de secundaria que también ocupa su tiempo malabareando y fabricando juguetes de malabar en un pequeño taller, además de ejercer junto a su esposa el oficio de payaso.

Estrada siguió a Paulo durante un año, tiempo en el que conoció y capturó en video a muchos personajes del malabar, asistió a la primera y única Convención de Artes Circenses organizada por la UNAM y descubrió nuevas facetas del oficio. “Mediante este ejercicio visual encontramos que un malabarista explora áreas cerebrales poco usuales en la mayoría de las personas, ya que se trata de coordinar objetos con cuerpo y mente, ampliar la visión espacial, disociar los hemisferios cerebrales, dominar numerologías, entre otras cosas que lo convierten en una alternativa para el desarrollo creativo.”, explica Estrada.

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Este sábado 27 de octubre se proyectarán dos funciones de estreno de Música para los Ojos en Casa Galería, un espacio dedicado al arte en la Colonia Santa Úrsula. El evento, cuya entrada es gratuita, está pensado como un festival de música y arte, en donde habrá desde clases de malabarismo hasta exposiciones fotográficas y DJ sets. Chulavista Art House estará presentando en el lugar la video instalación “Tuve un sueño, había un circo…”, montada por Abraham Bojórquez.

Pueden checar la cartelera completa y el croquis del lugar AQUÍ.

Música para los Ojos en Facebook

Música para los Ojos en Fondeadora.mx

 

 

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Con sabor al norte- Licencia de arte libre

Para todos aquellos asiduos a ver la televisión, quiero preguntarles: ¿Han visto que de pronto las caricaturas crean parodias de alguna historia que todos conocemos? El ejemplo más claro está en Los Simpson con Bartman, la parodia de Enrique VIII, La dama y el vagabundo entre muchos otros.

 En este video se hace referencia a El Hobbit, un film del director Peter Jackson basado en la novela de J. R. R. Tolkien, en el cual cada miembro de Los Simpson le da vida a un personaje principal con un resumen cómico de la película. Obviamente, para haber logrado esta parodia, Matt Groening y James L. Brooks tuvieron que pagar derechos de autor. Tanto a la película como a los herederos de J. R. R. Tolkien.

 Lo cierto es que no siempre ocurre el pago de esta manera. Una forma de utilizar otras obras es que sean de dominio público.

 Una historia de dominio público es gratuita para descargar y además es legal hacerlo. Para seguir con el ejemplo, Tolkien falleció en 1973, por lo tanto, han pasado cuarenta y un años después de su muerte. Será hasta el año 2043 cuando será posible tener la colección de El señor de los anillos completamente gratis.

Libro gratuito en Amazon para Kindle

 Si más personas quieren saber cuáles son los libros que pueden descargar, Amazon.com tiene toda una lista de grandes clásicos preparada para ser obtenida en versión .EPUB para KINDLE.

 No obstante, existen diversas maneras de alterar una obra, tal cual lo hicieron Los Simpson en otras historias y esta es mediante la Licencia de Arte Libre.

 “La Licencia de Arte Libre (LAL), le autoriza a copiar, difundir y transformar libremente la historia que protege, dentro del respeto a los derechos de su autor”. 

 Eso quiere decir, que siempre y cuando des la referencia de la canción o historia que estés cambiando y menciones al autor, puedes hacer algo nuevo con lo que ya hay.

 Y eso nos lleva a muchos muchos libros como:

 La muerte llega a Pemberley. Es considerado como la segunda parte del clásico Orgullo y prejuicio, donde el misterio del asesinato de Mr. Wickham crea todo un revuelo con los Darcy y los Bennet.

 El regreso del joven príncipe. La secuela de El principito, en donde nuestro entrañable niño crece y cae a la tierra.

 Los libros de James Potter. Con el permiso de J.K. Rowling, G. Norman Lippert creó una saga sobre las aventuras de James, el primogénito de Harry Potter, y la forma en que se las ingenia para estar a la par de la leyenda que es su padre.

 Sobre esta saga, leí la mitad. Jamás había deseado que alguien se fuera al pozo de Judas en el infierno (lo más oscuro de él), pero al conocer a Tabitha Corsica me sucedió lo contrario. Es peor que Dolores Umbridge y no tiene ni los veinte años. Así que puedo decir que es una de esas historias que amas u odias.

 Con estos ejemplos se pueden dar una idea de todas aquellas historias alteradas, como fue Sentido, sensibilidad y monstruos marinos, si la memoria no me falla. O Todas las parodias de Blancanieves y Los Siete Enanitos. Ustedes como artistas también pueden hacer este uso, sólo asegurense de leer bien las condiciones en Copyleft.

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Sun Ra Arkestra, música fuera de este mundo

Sun Ra Arkestra 1

Hace casi cien años vino al mundo un ser de otro mundo a Birmingham Alabama. Un personaje que siempre se definió a sí mismo como un ser espacial, creador de vanguardias a nivel musical, el jazz en particular, fue el género donde su vida fue entregada por los conceptos y filosofía de vida.

Su concepto futurista causó revuelo a mitad del siglo pasado, fue un incomprendido de su época, sin embargo, con cada nueva generación, logró el entendimiento a nivel musical, las vanguardias se volvieron modas, las modas fueron aprehendidas por el público y, poco a poco, se notó de manera más tangible la obra de Sun Ra con la consolidación de su proyecto, de su misión sobre el mundo musical, la forma en cómo lo trató de emitir al público.

Sun Ra Arkestra 2

Para 1953 su orquesta comenzó a tomar forma, en ella dio un amplio vuelo a sus ideas, trabajó con solistas como Pat Patrick, Marshall Allen y John Gilmore, saxofonistas de amplio nivel que permitieron formas las bases de Sun Ra Arkestra. Hasta 1955 donde grabó experimentando la formula de dos contrabajos y  varios percusionistas,  consolidando a la banda, un gran grupo cuyo nombre esta vinculado a los conceptos de Sol el dios faraónico omnipotente.

En los años setenta fue cuando la banda se desplazó por todo el mundo, su sede estuvo en Chicago, donde influyó en el estilo de los jazzistas de la época, como como Muhal Richard Abrams, Henry Threadgill, y el Art Ensemble of Chicago. Sun Ra falleció en 1993 y Marshall, a sus noventa años, continúa con el legado de Sun Ra. En conferencia telefónica en el marco del FMX 29, menciona “la música es para todos, todo el mundo gusta de ella, hacen música para la gente, todo el mundo debería sentir y entender la música”.

Sobre las nuevas generaciones mencionó que “el jazz va cambiando con cada generación, en Sun Ra Arkestra la evolución musical ha hecho que las generaciones posteriores van entendiendo mejor la música” de este conjunto.

Sun Ra se presentará en el Teatro de la Ciudad el miércoles 15 de mayo en el Festival Aural dentro de la celebración del Festival de la Ciudad de México.

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Con sabor al norte – el contrapunto de Bach

La semana pasada hice la nota de Johann Sebastian Bach, considerado por muchos (músicos y no músicos) como el gran maestro de la música. Tal título merece ser explicado con más detalle.

 Un punto famoso en la época barroca, y en especial de Bach fue el contrapunto.

 Para entender mejor el contrapunto citaremos la explicación de profesor de música en la WASHINGTON SCHOOL OF MUSIC, John Rahn:

 “Es difícil componer una canción realmente bella. Pero es más difícil aún escribir individualmente varias melodías bellas que, cuando suenan simultáneamente, se oigan como la más armoniosa composición polifónica. Las estructuras internas que crean cada una de las voces separadamente contribuyen a la estructura emergente de la polifonía, la cual debe reforzar y comentar sobre las estructuras de las voces individuales. El modo en que esto se lleva a cabo es mediante el “contrapunto.”

 Es parecido a lo que hacen en los coros. El cantante soprano se dedica a cantar las notas más altas, mientras que el contralto hace otras. Las notas entre ambos artistas no se toca en ningún momento, no son parecidas. Si acaso cantan parecido a la misma nota en su equivalente agudo o grave, pero en sí, son distintas.

 Al sonar al mismo tiempo te das cuenta que conviven ambas voces de manera hermosa. De hecho es hora de un ejercicio.

 La próxima vez que vayan al supermercado compren un poco de queso Gouda y uvas moradas (ustedes saben, las moradas grandes con semilla). Y a la hora de comer, pruébenlo al mismo tiempo. Esta combinación sale en la película de Ratatouille y es porque lo que dice Remy sobre cómo ambos sabores distintos pueden hacer una experiencia gastronómica es muy parecido a lo que pasa con el contrapunto. Ambas tonalidades solas son buenas, pero pueden formar algo hermoso una vez estando juntas.

 En cuestión de coros es más fácil porque meten arreglos o el equivalente a la misma melodía en otra tonalidad que viene a ser como una melodía un poquito diferente entre una voz y otra. El contrapunto son dos melodías independientes que al juntarlas se hace una armonía. Se podrá notar que es un trabajo complicado y existen diferentes maneras de hacer contrapunto las cuales son:

 Primera especie es nota contra nota: es cuando las notas se mueven de manera opuesta.

 Segunda especie es dos notas contra una: cuando hay dos voces que se contraponen contra una más larga.

 Tercera especie es movimiento rápido: cuando cuatro notas se mueven contra otra nota más larga.

 Cuarta especie es de notas suspendidas: es cuando las notas parecen quedarse en el aire y en eso se mueven otras así formando un compás.

 Quinta especie que es contrapunto florido: es el uso de todas las especies anteriores en una.

 Es un campo muy limitado para el compositor salirse de estas cuatro especies para formar algo de armonía. De hecho Bach fue muy famoso por su contrapunto, por lo tanto no es cualquier cosa. Ya veremos que más esconde Bach.

 

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El universo puro, simple e inmutable: La persistencia de la Geometría en el MUAC

Desde la década de los setentas, una serie de artistas comenzaron a tratar de propiciar formalizaciones a un inmenso espectro de prácticas al alcance de la geometría, llevada desde la abstracción hasta la capacidad referencial del arte. En un espacio delimitado por 76 obras de 29 artistas, respectivamente, se apela, según Ninfa Bisbe —directora de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”— tanto a lo sensorial como a una reflexión de tipo cultural, social o política.

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ''la Caixa''

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941). Black Stones Under Yellow Light [Piedras negras bajo luz amarilla), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ”la Caixa”

En 1998, el prodigioso director de cine estadounidense, Darren Aronofsky, utilizó al séptimo arte para expresar en su ópera prima, ideas enredadas en ficción que trataban de dar una explicación a los patrones en el universo mediante las series numéricas y coincidencias inesperadas. Mismas concepciones estaban basadas en los tratados de grandes genios matemáticos, tales como Leonardo de Pisa, quien realizó estudios acerca de sucesiones numéricas, lo que lo llevó a idear la sucesión de Fibonacci.

A su vez, históricamente, con la utilización de números con un vínculo asombroso, se pudieron obtener imágenes que brindaron una interpretación a los paradigmas de la naturaleza, siempre de la mano de la geometría. La persistencia de la Geometría está dividida en siete núcleos temáticos: “Metafísica de la geometría”, “Formas esenciales”, “Geometría en acción”, “Dibujar el espacio”, “Estrategias geométricas”, Intersecciones en la arquitectura” y “Minimalismos en expansión”.

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En la inauguración de la muestra, el Embajador de España en México, Manuel Alabart, confió en que el MUAC es el mejor espacio para presentarla, asimismo señaló que es un privilegio poder presentar una selección de estas colecciones. María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), afirmó que la exposición muestra cómo la geometría se ha trasladado al arte contemporáneo.

 

“El arte contemporáneo ha trascendido de las formas clásicas para ampliar su capacidad de impresión y de comunicación”, enfatizó el director del MACBA, Bartomeu Marí.

Las fotos y videos de artistas como Eleanor Antin, Bruce Nauman, Josep Ponsatí, Robert Smithson, Ana Mendieta y Francesc Torres, expresan a la geometría como algo animado. Otros de los artistas en la exposición son León Ferrari, Àngels Ribé y Ana Mendieta.

La quinta muestra que resulta de la asociación entre la Fundación La Caixa y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA, que ya se exhibió en Madrid, permanecerá abierta al público hasta enero del 2014 en las salas 7, 8 y 9 del MUAC.

Originally posted 2013-06-26 11:02:36. Republished by Blog Post Promoter

Te invitamos a la presentación oficial de Ensayódromo

 Ya sabes qué es Ensayódromo, ahora conócelo, ¡es tuyo!

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Ya no hay misterios. Ensayódromo ya es una realidad y, para celebrarlo, Distrito Global, Concierto Cable, Revista Infame, Radio Trinchera, Joyride Magazine, TARES Taller de Arquitectura y Restauración, Zapoteco Films, Consejo Internacional de Derechos Humanos y Chulavista te invitan a la presentación oficial del programa en donde podrás aclarar todas tus dudas, gracias a la participación de los actores que se han unido en pro de los músicos mexicanos.

 También revelaremos a las bandas que estarán a cargo de estrenar el primer Ensayódromo de esta iniciativa, ubicado en  Avenida Universidad No. 178 (cerca de metro Copilco) con un concierto en vivo que podrás disfrutar el 31 de mayo a las 4:00 pm a través del portal de Concierto Cable

Además, “H” (Oswaldo Pichardo), “futuro representante de la escena electrónica de México” pondrá la fiesta estrenando los tracks de su próximo EP, “Universo”.

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Oswaldo Pichardo, mejor conocido como “H” se presentará en vivo en el Espacio Polivalente del CCD.

 Chulavista Store tiene preparadas varias sorpresas para los asistentes y no sólo eso, Cerveceria Linda Vista DIY y Gelatieri, La Fábrica de Helados, también estarán presentes para consentir a todo el público en está fecha tan especial.

 La cita es este 23 de Mayo, en punto de las 5:00 pm en el Centro de Cultura Digital, ubicado en Lieja, Paseo de la Reforma Esquina, Juárez, Cuauhtémoc, 11100 Ciudad de México, Distrito Federal.

 La entrada es libre. El acceso al recinto empezará a las 4:30 pm.

 

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Francia sin censura: Anouk Deville

Actualmente existe una gran cantidad de talento emergente en todas las áreas del arte, pero específicamente la fotografía es una de las ramas que más adeptos tiene, entre aficionados y fotógrafos profesionales. Esto se debe a la inmediatez que ofrece tanto para realizarla como para promocionarla gracias a las redes sociales. Lo anterior resulta específicamente con la fotografía digital, pero en lo que a fotografía análoga respecta es más largo, costoso y complejo el proceso tanto para producirla como para darla a conocer. Aún hoy en día existen fotógrafos que realizan su trabajo de forma análoga, y que en medio de la tecnología, consiguen digitalizar su material sin perder la calidad de éste, además de tener la posibilidad de añadir detalles y retoques sin tener que pasar horas en el cuarto oscuro.

 Entre ellos se encuentra Anouk Deville, una joven fotógrafa de origen francés que a pesar de su corta trayectoria en el medio del arte ya cuenta con diversas exposiciones tanto personales como colectivas en su país. Su obra basada sobre todo por el uso de blanco/negro y altos contrastes, evoca nostalgia, vacío, soledad y como ella misma lo describe: las imágenes son “crudas, duras y precisas.”

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“Poner  el propio cuerpo de vez en cuando produce que el fotógrafo se vea así mismo contra la opacidad del mundo” A.D.

 Bien podría ser considerada como una mezcla entre Nan Goldin y Robert Mapplethorpe ambos fotógrafos —, por la constante presencia de manchas de sangre, violencia, adicciones, sadomasoquismo y  transexualidad. Pero a pesar de todas estas similitudes, Anouk hace uso de otros recursos como la vejez, el abandono, los pies agrietados y una serie de autorretratos en donde expone su entorno a la vista del espectador, marcando de este modo una fuerte línea de trabajo, al que se considera como osado y sin temor a la censura. A diferencia de otros fotógrafos que fueron víctimas de esta forma de expresión, al hacer imágenes de la misma índole, Anouk ha podido ser libre de mostrar su propia visión del mundo, gracias a la apertura que permite internet en general, y no sólo en su país, sino hasta el otro lado del mundo.

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Échale un vistazo a todo el trabajo de Anouk aquí.

Con sabor al norte- Johann Sebastian Bach

 Últimamente me he empapado un poco sobre la obra artística de Johann Sebastian Bach. Y digo empapado porque estoy bordando un separador de libros con el inicio de FRENCH SUIT IN C MINOR para alguien especial. Lo que de verdad me llamó la atención es que Nietzsche dijo la siguiente frase sobre este compositor:

 “Esa semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que -como yo- ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios.”

 Si alguien es capaz de hacer que Friedrich Nietzsche, el chico malo de la filosofía, diga algo como eso, es porque es un genio. Bach fue el máximo exponente de la música barroca, de hecho tal estilo murió con él un 28 de julio de 1750.

 Nacido en una de las familias más destacadas de la historia musical, Johann Sebastian Bach fue el más famoso, y tuvo descendencia de la cual cuatro de sus hijos se convirtieron en músicos en forma.

  Bach tuvo su primer trabajo a los dieciocho años en una parroquia en donde tuvo muchos problemas. El joven hacía piezas muy complicadas que asustaban a los creyentes que oraban ahí, lo que comenzó a generar conflictos con sus patrones, ya que Bach creía firmemente en el hecho de que su música podía educar al público. También era perfeccionista con su trabajo y no permitía que las opiniones de otros lo hicieran cambiar de parecer.

 El trabajo debió ser muy frustrante muchas veces porque cuentan la anécdota de que Bach llegó a llamar a uno de sus alumnos “Cabra vieja” por la frustración de tener músicos con tan poco talento a la mano. El alumno lo esperó fuera y si no hubiera sido por otras personas que pararon la disputa, el conflicto pudo haber llegado a la muerte de alguno.

  Hubiera sido una condena el haber perdido a Bach en una pelea pues es considerado el gran maestro de todos los tiempos por muchos en ciertas formas. Bach no sólo representó la música barroca sino que también escribió música en casi todos los géneros y formas posibles con diferentes combinaciones musicales e incluso hacía géneros nuevos como la sonata para teclado y un instrumento. La obra de Bach es tan extensa que en 1950, Wolfgang Schmieder hizo un catálogo con las siglas BWV (BACH- WERKE- VERZEICHNIS), donde se pueden organizar las 1128 obras del genio.

 En la actualidad existen especialistas en Bach; si se encontrara una obra del músico, se estudiaría por estas personas antes de que se aceptara como tal. Es parecido a los escritos de los profetas que se encuentran en el desierto pero en versión de músicos famosos. Para esto, muchas de las obras no tienen nombre, pero casi todos hemos escuchado algo de Bach, ya sea en la iglesia, en conciertos o en los medios de comunicación. Se dice que lo que Newton fue para la ciencia, Bach lo fue para la música. Habrá que ver a fondo este tema que les explicaré en diversas partes a lo largo del mes.

La Maravilla de la Perla de Occidente

Guadalajara, conocida como la Perla de Occidente de México, es reconocida a nivel mundial por ser la capital del Tequila y del Mariachi. Esta ciudad, capital del estado de Jalisco, cuenta con un inmenso acervo histórico y cultural, además de un extenso número de monumentales construcciones reconocidas por su espectacular arquitectura, influenciada principalmente de las corrientes Neoclásica y Barroca.

En la ciudad de Guadalajara se puede encontrar una gran diversidad de artistas independientes con gran talento, a los que lamentablemente, no se les ha brindado el reconocimiento merecido. Por ello, el próximo 16 de febrero Chulavista Art House pondrá su granito de arena y llevará a cabo un evento que dará la oportunidad de apreciar y disfrutar un poco de las propuestas del arte independiente en Guadalajara. Es aquí donde Ana Vázquez y Angélica Topete ofrecen una exhibición que involucrara dos series fotográficas, dando un recorrido por esta ciudad con una herencia cultural evidente por todas partes y una diversidad increíble y majestuosa dónde lo moderno se combina con lo histórico en cada rincón.

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El evento se llevara a cabo en el foro Live Salas de Ensayo (Morelos #2088), en donde los asistentes podrán convivir con la fotografía y la música, comandada por Los Savants, donde construirán una atmosfera llena de energía para que podamos apreciar todos los detalles de esta hermosa ciudad.

Va a estar rico, ¡no se lo pierdan!

Craig Alan y los pixeles humanos

 

Craig Alan, un artista californiano originario de San Bernardino, posee un gran talento para la reinterpretación gráfica y su obra, de un realismo admirable, se especializa en la figura humana. Su trabajo comenzó cuando experimentaba con fotografía callejera, lo que le permitió perfeccionar su habilidad para replicar la figura humana y le ayudó a subsistir económicamente como artista.

Aunque su trabajo ha abarcado corrientes sumamente variadas, desde el expresionismo abstracto hasta el realismo gráfico, siempre ha proyectado y reinterpretado los objetos y personas proyectando su muy particular visión. Últimamente, ha variado en la técnica que utiliza, pues en sus más recientes trabajos el principal componente de su obra son los humanos. Esta técnica, conocida como “Human Pixel Art”, consiste en dirigir desde una perspectiva área el reemplazamiento de los pixeles que componen una imagen por personas reales a quienes coloca y ensambla para componerla en su totalidad. El artista tiene un gran poder de convocatoria, por lo que en estas manifestaciones de street art participan cientos de personas quienes terminan fascinados de haber ayudado y formar parte de obras entre las que se encuentran los rostros de grandes personajes del cine y la música como Jimmy Hendrix, Elvis Presley o Audrey Hepburn.