Entre la pistola, el violín y los demonios

Las ideas no son responsables de lo que los hombres hacen de ellas.

Werner Karl Heisenberg

El Foro Shakespeare abre puertas en sus martes a Sturm Ruger, obra original y dirección de Josué Almanza. Es complicado, por un lado me alegra a sobre manera encontrarme con autores/ directores de teatro nuevos pues refrescan el panorama y muchos vienen con ideas fenomenales e invitantes, pero no siempre pasa así, a veces se generan productos con los que uno dice: “No está del todo bien, pero es su primera obra” y al instante cancelamos este amparo con la racionalidad justa acerca de si el resultado inicial mediocre podrá deslindarse a futuro y justificar su naturaleza. He aquí una confesión acerca de una situación similar y cercana a mi parecer.

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 Honestamente no tenía idea de que Sturm, Ruger fuera una compañía de armas de fuego, en gran parte quizás por mi lejanía al tema. Pero el nombre me llamó la atención junto a dos de los actores anunciados en cartel, Amanda Schmelz y Christian Diez, puesto que tenía fresca la experiencia de Simulacro de Idilio (en la que Schmelz participaba) y Quisiera ser un rockstar (original de Diez, que recordaba en su temporada en el Teatro La Capilla) así que me adentré esperando lo mejor.

 La obra da la bienvenida con un ensamble de seres fácilmente confundibles con bestias o demonios que al ritmo de un violín desafinado se retuercen, carcajean, danzan y gritan alrededor de un cuerpo frágil al centro de ellos, la estampa es netamente fascinante y el primer gancho hace contacto con el espectador. Tras esto la historia va acerca de Sam, una adolescente que vive con sus padres (distanciados gracias a la infidelidad) en algún pueblo con un pasado que hiere y se presenta en cada momento. Vera, la madre infiel, Walter, el padre actor de comerciales y papeles secundarios. El fracaso es el panorama para juntar los cristales rotos del espejo de la realidad.

 El texto de Almanza de conduce con desdobles interesantes, permite exteriorizar el sentir de cada personaje en su subconsciente para poder lograr un análisis más detallado de cada uno y en su dirección ejecuta dicho elemento mediante la violencia explícita, coreografiada a juego con la iluminación, que separa la realidad del imaginario. Todo pinta muy bien hasta aquí, pero lamentablemente parece ser que dicho elemento no pudo resolverse en otra forma cada que hace intervención. He aquí que al cuarto grito uno ya siente que ha sido demasiado y que dejó de tener justificación.

 Lo que al principio invita a una reflexión acerca del modelo familiar sustentado en una sociedad violenta que prácticamente pone un arma en la mano de cada uno de sus habitantes, pasa a segundo plano para comenzar a soltar clichés a diestra y siniestra: la adolescente incomprendida y de comportamiento antisocial, la madre con problemas para criar a su hija y además infiel, el padre fracasado y tal vez principal víctima de la ingratitud de su familia, la violencia, la paternidad (en amplio espectro), la estabilidad mental, el noviazgo juvenil. Todos y cada uno de los temas que hemos visto de mil y un formas, ejecutados sobre lugares comunes y vacíos al final.

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 A este punto me detengo a pensar en la propuesta: la trama gira en torno a un crimen ejecutado en el pasado y que ha sido sombra de la familia en cuestión, pero dicha sombra afecta en su radio de dispersión a más habitantes. Si bien el director se preocupa por mostrar las conexiones de maneras ingeniosas y propositivas, haciendo gala de un despliegue de intervenciones de iluminación y escenográficas (obra de Arnoldo Alemán) con alta calidad, pareciera que se desvive en esta atención y deja en la soledad los aspectos positivos de la narrativa de su libreto para lucir más el cuadro y no perder foco.

 Tal vez lo que más me preocupó y en lo personal disgustó de esta puesta en escena es definitivamente el reparto, y es que solo hay dos personas en el mismo plano: Amanda Schmelz y Christian Diez (vaya ironía ¿no?), de ahí en adelante Regina Flores Ribot, Rocío Ramírez Suárez y Raúl Rodríguez de la Peña se conducen con los personajes principales denotando la falta de trabajo de construcción que hay. Cada quien corre a su ritmo, tono y forma, dando como resultado un mix heterogéneo de actuaciones que vacilan entre lo plano y lo inverosímil a lo largo de dos horas (con todo e intermedio) que bien pudieron resumirse con una visión más poética en el trazo que aunque ágil es sinuoso.

 Ni en el intermedio o al final de la obra uno no sabe que esperar o cómo reaccionar. El discurso de la violencia social se opaca al nivel que nadie entiende que buscaba el director además de marear a la audiencia y hacer creer a toda costa que es una gran obra gracias a la lista de elementos que explota. Schmelz y Diez son los dos únicos motivos interesantes para ver la puesta ya que sus intervenciones son en verdad magistrales, limpias y ubicadas, pero al final da tristeza notar lo desaprovechados que ambos están, tal vez hasta incómodos, pero profesionales.

 Véala si se atreve, juzgue y aquí nos leemos.

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Originally posted 2014-07-14 23:53:42. Republished by Blog Post Promoter

Reencarnación

Escupió cerca de la puerta de su casa pensando que el gargajo no alcanzaría su propiedad, pero no fue así. Resbaló de la madera comida como un caracol. Tomó los papeles, respiro fuerte y empezó a correr hacia el rancho.

A su paso podía ver las casas desmoronándose como mazapán, los caballos llenos de costras asustando a las moscas con su cola, la tierra mojada de tristezas y seca de otras tantas, árboles cansados, y el aire, pesado y sucio, tanto, que le costaba dar el siguiente respiro.

Llegó a la entrada de “Los Sandovales” y le chifló al borracho de Jacinto. Chifló tres o cuatro veces. Nada, no aparecía nadie. Abrió los papeles que llevaba en la mano, sudados por la carrera que se había echado. Volvió a ver ese conjunto de letras manchadas y sintió la misma emoción de días pasados.

Se sentó a la entrada, dejó su sombrero unos pasos adelante y comenzó a lanzarle piedras.

Después de un rato, apareció Jacinto tambaleándose. Se reía y gritaba, le chupaba a la botella dejando caer más alcohol en su pecho que en la boca. Escuchó el silbido y volteó hacia la entrada, logró distinguir a alguien detrás de la reja y sonrió al percatarse de que era su amigo.

– Si yo reencarnara, y Dios mediante no lo haga –al mismo tiempo que se persignaba- rogaría para hacerlo en ti, Encarnación.

Soltó una de sus sonoras carcajadas y lo abrazó.

– ¿Qué se te ofrece, Chon?, ¿andas buscando a la patrona, tan chula?

– ¡Cállate, tú! Te van a jalar las patas, burro. Vengo a ver a la Teresita pa’ que me lea lo que dice aquí. Pa’ mi que es algo importante y aquí no’mas ni nos enteramos de lo que pasa en la capital.

– ¿Y pa’ qué te quieres enterar de tanta burrada? Que si esto, que si’l otro, que la chingada…nada puede ser pior. Mira, mira –y le enseñó sus manos, negras y partidas por el trabajo de las minas de unos años antes- estas manos ya no sirven en el campo, y si sirvieran de algo, preferiría cortarlas antes de servirle a estos desgraciados. O, ¿qué?, ¿ya no ti acuerdas, Encarando de mi alma?

– ¡Ay, Jacinto! Se le olvida que ai’ que comer y vestir, y pa’ uste’, pues chuparle fondo al tarro. Hasta el vicio sale caro, Jacinto.

– ¡Vete a la fregada!

– Ándele, lléveme con la muchacha, ella es la única que sabe leer y escribir en este méndigo pueblo.

Empezaron a caminar por la vereda empolvada mientras Jacinto cantaba las canciones de la Revolución. Por primera vez, Encarnación se dio cuenta que las manos de su amigo eran idénticas a las suyas, simplemente unas estaban lastimadas de  tanta oscuridad y las otras de luz. Pobre Jacinto –pensó- pa’ pronto se nos va.

Al llegar a la cocina de la casa, las mujeres saludaron al hombre sin hacer mucha cuenta de su presencia.

Hablaban de la mascare a los campesinos del pueblo vecino. Mataron 17 hombres y una mujer que iba pasando, que para su mala suerte sirvió de testigo. Por eso –decían ellas- las mujeres no deben salir de la cocina.

– Vete por la Teresa, Lupe –dijo Jacinto- Chon necesita verle.

La mujer salió corriendo de la cocina hacia el establo. Teresa era la única muchacha educada del pueblo porque era hija del patrón y de una de las hermanas de la difunta señora. La patrona, al enterarse del desatino de su esposo, obligó al mismo a no reconocer a la niña. Dejó que la cuidaran las criadas, pero permitió que se le diera educación y un plato más de comida al día.

Lupe regresó con Teresa y le señaló al hombre que quería hablar con ella.

– ¿En qué le sirvo, Encarnación? – le dijo sonriendo mientras se limpiaba las manos con un trapo.

Se fueron al otro lado del rancho, por donde estaba el establo y los camastros de los peones, todos juntos como teclas. A unos cuantos metros estaba el cuarto de Teresa. Mejor acomodado, menos apestoso, menos húmedo, menos indecente. Se metieron alejado uno del otro. Todos en el rancho pensaban que dormían juntos y, aunque no era cierto, los dos dejaron que el pueblo entero pensara eso.

– ¿Qué traes en las manos que lo agarras como si fueran los muslos de una mujer? – se rio.

– Nada, patrona. Con la noveda’ de que yo ya sé leer tan bien como uste’.

– Ya era hora, Chon. Llevas años viniendo. ¿Si leíste todo lo que te di?

– Si, patrona. Todo y un cachito más. Periódicos que llegaban a la cooperativa hablando del Tata  y las reformas, y por lo que nuestros papacitos se murieron hace 20 años. La noveda’ de la repartición de tierra, como decía Zapata, patrona…

– Ten cuidado con lo que lees, Encarnación –dijo Teresa interrumpiendo el entusiasmo de aquel hombre –deja te digo que las ideas son de los dueños y para los dueños, no para nosotros, mucho menos para ti…

Él bajó la mirada con vergüenza y rabia. ¿Cómo carajos se atrevía a menospreciarle así? Después de todo, pensó, él era el único indio que sabía leer. Sólo le faltaba aprender a escribir para largarse a la capital y verse como los dones que visitaban al patrón.

– No tienes buen nombre, Chon –continuó Teresa.

– Con todo respeto, patroncita –se quitó el sombrero apretándolo contra su pecho –uste’ tampoco.

– ¿Los periódicos te enseñaron a insultar?

– No, patrona. No’mas me ando dando cuenta, a estas alturas de la vida, que la culpa y la jodida es di uno. Pero así, di uno a uno, se van a ir yendo como fueron llegando, sin nada.

– No me estarás diciendo que fue justicia divina la muerte de los 17 miserables del otro pueblo, ¿verdad?

– Pues yo que voy a saber, patrona. Dios dispone y uno se agacha. Y se lo digo, de uno a uno.

– El que lo hizo es un perro, y los perros dependen de un amo.

Se salió del cuarto maldiciendo a la mujer. Eso le pasa a los hocicones –se dijo a sí mismo- primero aprendí a callarme y luego a hablar. Se puso el sombrero y dispuso volver a su casa. No dejaba de escuchar las últimas palabras de Teresa: “Cuando aprendas a escribir, fíjate que la tinta no sea roja, Encarnación”. Pinches viejas, dijo, son como la diarrea, no’mas nos aguadan hasta el alma.

Siguió cuesta abajo, convencido de su labor, de su tarea, del papel que habría de jugar en los nuevos tiempos.

La mató sin que se quejara, no hubo llanto ni lamentos, mucho menos suplicas. Deseaba que Jacinto y todas las gallinas fueran igual de obedientes, pero sabía que no sería así, que toda esa bola le iba a dar batalla al igual que los otros 17 y la viejilla sin suerte del otro lado.

–  ¿Por qué no entiende, patroncita? -le dijo al cuerpo aún tibio de Teresa- aquí dice -golpeando las hojas amarillas y quebradizas con el dorso de su mano negra- y no lo digo yo, lo dice el Tata, “La miseria, la ignorancia, las enfermedades y los vicios esclavizan al pueblo”.

Mató a todos sin saber que el pueblo era Jacinto, eran los 17 peones, la mujer desafortunada, él mismo.  Mató a todos sin saber que el Tata  era pasado. Mató a todos sin saber nada.

Llegando a la casa, se detuvo. Al final, pensó, la puerta de esta casa nunca fue mía. Y escupió hasta sentir la garganta seca como la tierra.

Originally posted 2014-10-23 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Lo que puede pasar en una semana y no más

“La amistad es más difícil y más rara que el amor. Por eso hay que salvarla como sea.”

Alberto Moravia

En México, Clément Michel ya es un viejo conocido. Su texto La Caja, fue traducido y montado por Ocesa Teatro en 2012, dentro del Teatro Renacimiento, durando más de un año en cartelera, convirtiéndose así en un gran éxito. Precisamente el éxito que representó La Caja, se debía a que la obra de este autor y director francés, era una simple comedia de vaudeville escrita sin más intenciones que hacer reír de una manera inteligente con acciones simples bien equilibradas. Ahora, Ocesa Teatro repite con un título del mismo autor, para integrarse al grupo de obras de cámara ejecutadas por la compañía,  Una semana ¡nada más! 

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 Paul se acaba de mudar hace un mes a su nuevo departamento con Sofía, su novia. En realidad no hay más elementos en el departamento que pertenezcan a Paul que una silla. Éste será otro más de los factores en la lista de motivos para deshacerse de esa relación lo antes posible. Él sabe que no es normal, o sano, que día a día sueñe la horrible muerte de su novia ni que ya no aguante el siquiera verla despertar por las mañanas,  es como si todo el encanto que encontraba en Sofía se hubiera desvanecido en cuestión de unas semanas. Por ello, su desesperación lo llevará a pedirle a Martín, su mejor amigo,  que lo ayude a terminar con su relación, bajo un plan infalible de una semana de duración, en la cual Martín deberá mudarse al departamento hasta que Sofía explote y termine por irse, pero ¿pasará eso realmente?

 Bajo ésta simple premisa, Michel crea una puesta en escena genial, que conjunta entre los temas a tratar a la tolerancia, la vida en pareja, la honestidad y preponderantemente la amistad verdadera. Un libreto bastante flexible que permite darle lectura en muchos sentidos, en éste caso, el director Mauricio Galaz (por cierto, director residente de La Caja), toma el hilo cómico y lo sujeta a un ritmo ágil y práctico que permite el fluir de las acciones cómicas de forma ejemplar.

 3 personajes con actitudes comunes: Sofía es una novia dulce y amorosa pero con una carácter explosivo, Martín es algo así como el hombre perfecto que trabaja y atiende su hogar y Paul es la versión de Martín en fachas; dado el hecho de que son personajes totalmente identificables con la población de este país, es fácil identificarse con los personajes y adoptarlos desde el primer momento gracias a la atinada traducción y tropicalización implementadas, permitiendo sellos de la comedia francesa sí, pero con el toque mexicano que Galaz sabe orquestar a lo largo de la trama. Algo que puede distinguir a ésta producción sobre otras comedias en cartelera es que en realidad: es tan simple que da risa desde el primer apunte. Los personajes tienen una evolución balanceada y el planteamiento de las situaciones es atrapante.

 unnamedEstelarizando la puesta, nos encontramos a 4 actores de la familia de Ocesa, Violeta Isfel (Cheka tu mail), Ricardo Margaleff (Spamalot, coproducción de Gou Producciones y Ocesa Teatro) y Ricardo Fastlicht (Toc,Toc) alternando con Enrique Chi (Jesucristo Súper Estrella, Claudia:Mequieren volver loca, Cheka Tu Mail) en el rol de Paul. Un elenco que aunque podría pensarse no es sólido, en realidad tiene un equilibrio bastante idóneo y complementario, denotando química evidente que permite una mayor trascendencia al público. Siendo Margaleff, en quien se carga el peso por tener una capacidad de desdoble cómico nata y evidente, lo cual lo convierte en automático en el actor con el papel más memorable y persistente.

 Los actores se mueven en una coreografía práctica sobre el pequeño escenario del Teatro del Hotel NH, con una escenografía sencilla y una limpia iluminación que emula la sala y comedor del departamento de la pareja protagónica. Pero hasta aquí seguimos en el meollo del asunto ¿Por qué es tan buena?

 Del odio al amor sólo hay un paso, ¡pero del amor al odio sólo hay un mes! Y es ahí cuando todos nos identificamos con Paul, todos hemos querido alguna vez mucho a alguien (ó algo) y después su presencia comienza a ser aborrecedora. Para fortuna todos hemos tenido un Martín, un amigo incondicional dispuesto a apoyarnos y a quedarse con nosotros hasta el final y que aunque tenga que sacrificar algo, no dudará en hacerlo para ayudarnos. Un amigo fiel.

 Sobre esto versa el discurso primordial, la importancia de la amistan ante todas las situaciones diversas que se puedan general a su derredor, pero no dramatiza o crea paradojas psicológicas alrededor del conflicto, si bien podrían existir y hacer al texto algo muy rico, valioso y enternecedor tal vez, la obra como tal lleva un mensaje y cumple con su único objetivo: divertir y hacer pasar un rato sumamente agradable en cerca de 1 hora con 45 minutos que se pasan como el agua en el río. Pese a que en realidad no tiene un trasfondo que culturalmente la vuelva destacable o innovadora; empero, nos ofrece una oportunidad para ver a la división de teatro de Ocesa  probando nuevas direcciones sobre sus proyectos con resultados positivos.

Altamente recomendable.

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Originally posted 2014-04-22 13:47:43. Republished by Blog Post Promoter

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Katachi de Shugo Tokumaru, Stop Motion dirigido por Kijek/Adamski

Katachi de Shugo Tokumaru fue realizado con más de 2000 siluetas de PVC, stop motion realizado por el dúo de la animación polaca, Katarzyna/Adamski

Se necesitaron alrededor de 2000 siluetas de PVC para la realización de este video en Stop Motion que promociona el sencillo “Katachi”, en español “forma”, del compositor y cantante japonés, Shugo Tokumaru.

El video fue dirigido por el dúo de la animación polaca, Katarzyna Kijek y Przemystaw Adamski, utilizando una cortadora programada con la que generaron más de 2000 siluetas para lograr esta composición de colores donde el espacio en dos dimensiones se apodera de la escena al ritmo de la armonía de Tokumaru.

Portada del álbum

“Katachi” pertenece al último álbum de Tokumaru, In focus? (2012) Un álbum de música pop que no cae en una mera serie de melodías pegajosas, pues mezcla elementos de música electrónica y folklor oriental para reforzar su identidad en el panorama global.

Aquí la manera de cómo hicieron el video:

Originally posted 2013-06-19 20:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Impresiones francesas sobre los festivales en México

LA TRADITIONNELLE

  A Mexico City, il y a deux très très grands festivals. Le Vive Latino en Mars, et le Corona Capital en Octobre ! ! ! Les points d’exclamation tentent de vous communiquer mon émotion. Jamais je n’ai vu un festival avec une programmation réunissant autant de grosses têtes d’affiche que le Corona. Comment se passe les festivals de musique au Mexique ? D’après mon expérience, plutôt bien. Ou comment allier l’art de faire la fête dans une ambiance musicale !

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L’entrée du festival Corona Capital, édition 2013

  Les grands groupes se disputent l’affiche, avec entre autre pour la programmation 2013 : Arctic Monkeys, Vampire Weekend, Phoenix, The XX, MIA, Bondie…etc. Trop beau pour être vrai. Le lieu du festival est une énorme piste pour courses de voiture qui ceinture le terrain. Trois grandes scènes et plusieurs chapiteaux couvrent le terrain. D’habitude célébré dans la chaleur, l’édition de cette année a pris un tour plus Glastonbury-esque, laissant les festivalier dans une marée boueuse. Le Corona Capital 2014 ne fut pas en reste, avec Mo, Kasabian, Damon Albarn, Jack White pour ne citer que quelque uns dont les géniaux Hercule and The Love Affair, mon coup de cœur personnel. Et la foule, ça donne quoi ? Des festivaliers heureux d’être là, souriants, de bonne humeur, souvent en grande bande d’amis. Niveau style, il y aura toujours les éternelles jeunes filles aux couronnes de fleurs, les hipsters faisant dorénavant partie d’une caste internationale et le reste, nous. Ceux qui aiment la musique, voir ses groupes préférés joués en live, se laisser submerger par l’ambiance folle d’une journée de concerts en plein air. Le paradis.

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ça te dis, un petit mezcal ? 

En plus de ça, tu auras droit à des dégustations de mezcal –un alcool distillé de l’agave, qui tire vers le 42°-, de tacos, hamburgers…etc ; dans une aire restauration. Tu auras aussi l’éternelle bière vendue au prix fort. Particularité : tu verras des vendeurs ambulants se balader avec un plateau rempli de gobelets de bières, portés parfois sur l’épaule ou sur la tête, hélant la foule d’un « cervezaaa ». Traversant la masse avant les concerts, il suffit d’appeler un de ces vendeurs pour avoir une bière, plus ou moins fraîche en plein milieu de la fosse. Ça a ses côtés pratiques. Tu verras l’opération se répéter avec des vendeurs de chips, glaces à l’eau…etc. En conclusion, le Corona est un festival rassemblant des stars internationales. L’annonce de ses têtes d’affiche dès la fin du mois de Mai crée l’engouement !

CC - foule touchedTu te sens faire partie de la foule ? Concert de Capital Cities au Corona, edition 2013

L’année finit avec le Corona et…commence avec le Vive Latino ! Tout un tas de groupes du continent Sud de l’Amérique. Au prochain mois de mars, prépares ton billet pour le Vive. Tu en sauras bientôt plus !!

Originally posted 2014-10-16 09:00:28. Republished by Blog Post Promoter

¿Sostenibilidad o sustentabilidad?

SSS

 

Por Remitente Diseño Sustentable

¿Cuál es la palabra correcta, a qué se refiere cada una, cómo podemos entenderlo mejor en términos del cuidado del medio ambiente?

Se ha escuchado mucho debate sobre cuál es la palabra para describir adecuadamente los términos, propuestas, iniciativas, empresas y productos ecológicos o que tienen un impacto positivo en el medio ambiente y la sociedad.

Hemos investigado al respecto y te explicamos aquí cómo está la cosa.

Lo primero es que para que exista sustentabilidad debe haber sostenibilidad, esto quiere decir que la sostenibilidad es parte de la sustentabilidad, no es un sinónimo. La palabra sostenibilidad se define como la característica o estado según el cual pueden satisfacerse las necesidades de la población actual y local sin comprometer la capacidad de generaciones futuras o de poblaciones de otras regiones de satisfacer sus necesidades.

El uso sostenible de un ecosistema hace referencia al uso que los humanos hacemos de un ecosistema de forma que este produzca un beneficio continuo para las generaciones actuales siempre que se mantenga su potencial para satisfacer las necesidades y aspiraciones de las generaciones futuras.

Ahora bien para que algo sea calificado como sustentable debe cumplir con 3 requisitos fundamentales:

1.Ser sostenible ambientalmente: hacer buen uso de los recursos naturales y no producir contaminación ni afectar a los integrantes del ecosistema.

2.Ser sostenible socialmente: Preservar la calidad de vida, promover la educación y el bienestar de la comunidad y ofrecer igualdad de oportunidades.

3.Ser sostenible económicamente: Generar un beneficio económico y un ahorro en costos, promover el crecimiento y propiciar la investigación y desarrollo.

Sin estos 3 rubros que involucran la sostenibilidad en diferentes ámbitos, la sustentabilidad no puede darse.

En la imagen a continuación queda más claro cómo es que se integran estos tres rubros para dar cabida a la sustentabilidad:

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Originally posted 2013-07-25 21:07:27. Republished by Blog Post Promoter

Diez años de reventar nuestros oídos: De-Loused In The Comatorium

Por Fher Díaz  @artificialradio

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En el año 2003 se suscitaron muchos acontecimientos en la escena del rock; desde la aparición del esperado segundo álbum de The Strokes titulado  “Room on Fire”, hasta la trágica muerte de los 3 miembros de la banda punk rock Explodind Hearts; pero en ese año ninguno de estos acontecimientos hizo cimbrar esta escena musical tanto como el álbum debut de una banda proveniente de El Paso,Texas, los cuales con un atasque instrumental de guitarras desgarrantes, bajos poderosos, convulsionantes percusiones, violentos tonos de sintetizadores y una voz tan chillante como perturbadora, daban un fuerte punterazo a los oídos deseosos de música nueva.

The Mars Volta era la banda, y De-Loused In The Comatorium el título de la pieza,excitante, poderosa, anárquica e hiriente según la calificaban varias revistas especializadas, aunque, en el 2002 los liderados por Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala habían sacado el Tremulant EP, obra que sería un epílogo de su delirante discografía cargada de historias y simbolismos.

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En De-Loused… canción por canción nos cuenta una historia (basada en hechos reales), de la cual un personaje llamado Cerpin Taxt es el protagonista, quien trata de suicidarse con una sobredosis de morfina; todo el álbum es un caos, desde “Son Et Lumiere”, pasando por “Inertiatic Esp” (que relata el agónico efecto de la morfina en el cuerpo de Cerpin), “Beyond the anthills of the dawning of this plague, Said I’ve lost my way” reza Cicatriz ESP, hasta el agónico final del protagonista en “Televators”, una canción emblemática de los Mars Volta; cabe destacar que en algunas rolas se muestran influencias de ritmos latinos además de drásticos cambios de tempo, progresividad y las antes mencionadas reminiscencias instrumentales que a la postre serían características básicas en sus trabajos futuros.

Hace exactamente 10 años The+Mars+Volta+TMV hacía su presentación al mundo; hoy los Mars Volta están disueltos, Omar Rodríguez-López lidera su nueva banda llamada Bosnian Rainbows, mientras que Cedric Bixler-Zavala hace lo mismo con Zavalaz,pero el daño ya está hecho, ningún otro álbum ha hecho que nuestros oídos estallen cuan granadas de fragmentación, ni ninguna otra banda nos ha provocado experimentar un viaje tan ácido y escabroso a la vez (a menos que hablemos de Pink Floyd); son 10 años de que se inició un capítulo de una novela llamada The Mars Volta, una intensa y muy extraña novela…

Originally posted 2013-07-04 20:16:54. Republished by Blog Post Promoter

Art Deco Weekend

Para los amantes del Art Deco, del próximo 18 al 20 de enero del presente año se llevará a cabo el Art Deco Weekend en su edición 36º en la ciudad de Miami. El Art Deco Weekend será un fin de semana lleno de eventos, entre ellos conciertos, fashion show, desfiles, exposición de muebles, antigüedades y piezas de diseño así como un festival de cine; todo en torno al Art Deco


Los principales músicos serán Doug Wimbish, uno de los mejores bajistas del mundo, Christian Howes y el grupo Suénalo.

En cuanto a los fashion show los estudiantes de la Miami International University en conjunto con la marca de ropa Bettie Page serán los responsables de deleitar a los asistentes.

La sede será el recinto de Miami Design Preservation League, ubicado en 1001 Ocean Drive, Miami Beach, Fl 33139

Para el Festival de Cine Art Deco se llevarán a cabo las proyecciones de “Some Like It Hot” (“Una Eva y dos Adanes”), “The Artist” (“El Artista”), “The Great Gatsby” (“El gran Gatsby” versión 1949) y “Midnight in Paris” (“Medianoche en París”). La sede para dichas proyecciones será el Lummus Park en el que se podrá disfrutar del cine al aire libre y hasta acompañarlo con un picnic.

Para más información sobre los artistas y horarios pueden consultar el sitio aquí.

Originally posted 2013-01-07 17:40:52. Republished by Blog Post Promoter

¡Bernard Adamus está de vuelta!

 

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 Bernard Adamus es de esos músicos que se reconocen de inmediato. Sus canciones que combinan elementos de géneros tan opuestos como el blues, country, hip-hop y folk,tienen la capacidad de encapsular al escucha en pequeños escenarios, al captar toda su atención, y envolverlo totalmente en sus notas.Este artista originario de Francia lanzó su primer material en 2009, llamado Brun (La couleur de l’amour), en el que al experimentar de un modo totalmente libre y espontáneo, captó inmediatamente la atención de los principales medios de su país al ganar premios tan importantes como el Prix Artisti pour la meilleure interprétation en 2009 y el Prix Félix-Leclerc de la chanson en 2011, entre varios más que reconocieron su talento como compositor, multi-instrumentista e intérprete.Acto seguido, Adamus fue invitado a participar en festivales icónicos como el FrancoFolies de Montréal, cuyo objetivo es estimular y promover la lengua francesa a través de la música de distitntos talentos locales y extranjeros para así posicionarse en poco tiempo al tener ya un estilo definido totalmente fresco.Después de una larga espera, finalmente Bernard ha anunciado el lanzamiento de su próximo material el próximo 25 de septiembre llamado Nº2 del que a continuación les presentamos el tracklist.
Nº2
1. Les obliques
2. Entre ici pis chez vous
3. Fulton road
4. Ouais ben (mescaline version)
5. Arrange-toi avec ça
6. 2176
7. Ouais ben
8. Le scotch goûte le vent
9. Les p’tits mardis
10. Le problème
11. La diligence
12. Les chemins du douteLa carta de presentación es: “Arrange-toi avec ça”, una canción que al igual que la portada del disco, invita a formar parte de un delicioso break del mundo.

 

 

En su página pueden preordenar el disco y ¿por qué no? también volver a escuchar algunos temas que ya son favoritos.

http://bernardadamus.bandcamp.com

 

Originally posted 2012-08-27 16:30:56. Republished by Blog Post Promoter

Cien años de la defensa del Puerto de Veracruz SEMAR

Es 21 de abril de 1914. El puerto está plagado de uniformados, invasores del norte, avanzan poco a poco, se esparcen como una viscosa mancha azulada. El reloj todavía no da las 12 de la mañana, un par de emblemáticos edificios son cubiertos por la mancha dejando a su paso un camino de franjas rojas y blancas. Algunos civiles se arman de rifles y desde sus casas intentan contenerlo. Del otro lado corren los liberados reos en busca de un buen ángulo de contraataque. Cual foso profundo que rodea los castillos medievales, la Escuela Naval Militar se convierte en un foco de amenaza para los atacantes. Únicamente barricadas de colchones y trozos de cama separan a los cadetes de su primer acercamiento a la vida real; constancia, disciplina…valor, son palabras cargadas de peso que no resuenan con fuerza suficiente hasta enfrentarse a situaciones fuera de control.

MariCarmen Martínez

centenario de la Gesta Heróica de Veracruz

 Este 21 de abril se cumplen 100 años de aquel día en que los cadetes de la Heróica Escuela Naval Militar defendieron las costas veracruzanas de la segunda intervención norteamericana. Grandes festejos se tienen preparados por parte de la marina y otros tantos se han hecho, como la “Ceremonia de Inhumación de los restos de los Héroes Navales de la Gesta Heróica de Veracruz”.

inhumación de héroes

 Se tiene gran expectativa con respecto a la reinauguración del Museo Naval que ocupará el lugar de la vieja Escuela Naval a partir de éste lunes 21 de abril. Para más detalles, ve este enlace de la SEMAR.

 Con la importante participación del Almirante Secretario Vidal Francisco Soberón Sanz y el Gobernador Duarte de Ochoa, se esperan grandes eventos conmemorando el Centenario  de la Gesta Heróica de Veracruz, como la participación de la Banda Sinfónica de la Secretaría de Marina estrenando una obra compuesta para la ocasión y seguida por la participación del Mariachi de la SEMAR.

Historias de la Mar

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Chulavista Art House A.C. y la Revista INFAME

celebramos el Centenario a nuestra manera y abrimos una convocatoria:

 Deja rodar la pluma y únete a la intervención literaria en los jueves culturales que se llevan a cabo en el Lobby de la SEMAR, donde podrás compartir tu escrito en compañía a los talentosos Chalet Caflugui.

.Centenario de la Gesta Heróica de Veracruz

Gracias a la gestión del Capitán de Navío AN.PA.H.DEM. Alvaro Alejandro Alfaro Flores

Originally posted 2014-04-18 16:34:08. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

Originally posted 2014-09-11 10:08:22. Republished by Blog Post Promoter

¿Cómo harían los mudos una película muda?

Pensamos a través de un lenguaje que aprehendimos a través del oído principalmente. Abstraemos gracias a ello y generamos pensamiento, transmitimos ideas. Pero ¿cómo se manifiestan las personas sordas? José Antonio Cordero, egresado del CCC, captura estos conceptos, los sueños de un grupo de sordos que viven en la costa de Oaxaca, en su filme Música ocular que estará en la cartelera de Cineteca Nacional hasta el próximo 20 de junio.

En una serie de relatos, se narra, en su propio lenguaje de señas, la vida de personas cuya ausencia de oído no les imposibilita contar su historia develando las aspiraciones, los sueños, el miedo y su concepción del mundo a través de su sordera.

Una opción para esta semana donde podemos enfrentarnos a algo completamente alterno, que si no podemos comprender, al menos tratar de asimilar y generar una simpatía que nos deje una experiencia para desarrollar no sólo nuestro conocimiento intelectual, sino moral.

A continuación el trailer del film:

Originally posted 2013-06-14 15:27:59. Republished by Blog Post Promoter

La llama doble: Octavio y Paz

“Aquello que nos muestra el poema no lo vemos con nuestros ojos de carne sino con los del espíritu.”

No sabría decirles si la verdadera tragedia de la vida sea no amar o no ser amado (que en todo caso sería estar muerto en vida por un lapso indescifrable).

 Cuando no se es correspondido, lo que verdaderamente se atormenta es la piel que calla desnuda y el corazón; pero cuando se ama, amas a la persona como unidad -cuerpo y alma- ; sin embargo, se ama un cuerpo que obedece al tiempo y un alma que sólo está de visita. “El amor humano es la unión de dos seres sujetos al tiempo y sus accidentes: el cambio, las pasiones, la enfermedad, la muerte.”

 Podemos amar desde distancias largas a través del lenguaje, la palabra. Hacemos uso de una lengua “subversiva” que glorifica al ser amado, al sexo lo erotiza y, finalmente, lo ama. Eso es poesía. Poesía es lo que dice el alma a través del cuerpo y así trasciende. El lenguaje pretende comunicar; el poema no dice, el poema es.

william-dyce-paolo-and-francesca

 El poeta cumple dos funciones fundamentales: “la poesía es la otra voz”, se atreve a decir lo que guardamos o pretendemos no decir; la poesía funciona como historiador del amor o viceversa, “la historia de la poesía es inseparable de la del amor.”

 Octavio Paz (1914-1998), poeta, hace una revisión íntima de esta historia inherente a la humanidad con La llama doble. Amor y erotismo. Desde la Antigua Grecia con Safo de Lesbos y su poesía erótica por excelencia, y Platón con los seres andróginos que bien podrían explicar sutilmente esa necesidad y atracción hacia otro ser; Catulo y Propercio, por nombrar algunos poetas latinos, quienes preparan el terreno de la poesía como elemento distintivo de la libertad; Ibn Hazm, Dante, Quevedo, Shakespeare, Bretón…

 El amor y sus accidentes le ofrecen al sujeto y su amante experiencias que van más allá de la sensualidad, incluso del entendimiento. “El amor es una atracción hacia una persona única: a un cuerpo y a una alma. El amor es elección; el erotismo, aceptación. Sin erotismo -sin forma visible que entra por los sentidos- no hay amor pero el amor traspasa al cuerpo deseado y busca al alma en el cuerpo y, en el alma, al cuerpo. A la persona entera.”

 El concepto de libertad de hace 20 años se ha visto alterado de la misma manera en que Octavio Paz reflexionó sobre la libertad de los siglos pasados. Es cierto que nos enfrentamos a una política (moral) hipócrita donde se vende el cuerpo –antes concebido como un microcosmos admirable- como un objeto propio de la mercadotecnia y la publicidad.

 Me refiero a la libertad porque el amor nos hace libres y humildes. Esta última carente en las personas, así como la responsabilidad, no sólo de la vida sexual como acto reproductivo sino en el erotismo. Octavio Paz nos dice que “el amor es siempre humano”, y como todo lo humano -tanteando entre lo terrenal y lo divino- juega, como las religiones, a ofrecerles un cacho de paraíso pero, a diferencia de éstas, el amor hace partícipe al roce de la piel (lengua del alma) y los labios.

“Hace muchos años escribí: el amor es un sacrificio sin virtud; hoy diría: el amor es una puesta, insensata, por al libertad. No la mía, la ajena.”


amorcortes

Originally posted 2014-04-21 10:48:53. Republished by Blog Post Promoter

Al margen de la vida, la litoral del corazón

La magia de Wadji Mouwad reside en la tersura de sus textos, el autor ahonda en la problemática de su sociedad para intentar esclarecer los objetívales de su existencia y pasiones. En el tenor de encontrarse a si mismo junto a la guía que redefiniera sus pasos elabora (tal vez sin planificación previa) 4 grandes obras que a la fecha son recordadas en  nuestro país con gran aclamo y fervor. Litoral, Bosques, Incendios y Cielos conforman la tetralogía de “La sangre de las promesas” dirigida por Hugo Arrevillaga, en honor del reestreno de Litoral  es tiempo de hablar de este montaje que vuelve al Foro Shakespeare.

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 Wilfrid ha perdido a su padre y está en busca de encontrar un sitio dónde darle correcta sepultura. Poco sabe en realidad de la correcta historia de amor de sus padres, empero el destino le preparará una amplia exposición de la misma que le permita juzgar a los intérpretes con exactitud. Al cruce de caminos aguarda una mujer que canta con furia las injusticias de la sociedad y que no teme clamar junto a el por un espacio de tierra dónde depositar los restos de su padre. La aventura del joven se rodeará de la horripilante realidad y los destellos de la vida misma, a la aventura la llamaremos: vida.

 Como tal, el autor nacido en Líbano desarrolla  una poética concepción de la necesidad de encontrar las raíces a las que pertenecemos para dar sentido y dirección al camino, buscar los mismos y dejar a un lado aquello que impida continuar el viaje ya sea por su estado putrefacto o por su inutilidad, cuidando el mantener en alto los sueños sin alejarlos de la realidad  histórica.

 Mouwad se permite acercarse a la condición social de su tierra natal para explorar las aristas de la violencia que acaece con la guerra y ligarlas a la inferioridad del ser humano, exterioriza pues el campo de batalla de las emociones, les da forma y armamento y les indica la estrategia de ataque; El objetivo es claro, ganar la justa, pero si al final todos son dueños de una porción del campo de batalla arrendado ¿cuál es la aspiración lógica? ¿Conseguir el dominio total dejando a un lado al prestamista? ¿Pueden las emociones, los sueños o los ideales existir sin aquel que les concibió? La respuesta es un rotundamente negativa, es más, exige al creador tomar el orden y ubicar en tierra a cada elemento. Pide al humano entender su condición, aceptarla y tenerle apego.

 Bajo la dirección de Arrevillaga 8 personas dan vida al texto que oscila entre 3 estados temporales: aquí, allá y ayer. Busca desde el primer momento distinguir al personaje principal y cuidar que la intromisión de los demás sea precisa, delicada y fieramente necesaria. El director hace ahínco en la ceguera social pactada ante la violencia, las falsas apariencias de la sociedad y los pensamientos cabales que son seducidos por la perfidia, contra la tesis de la fuerza absoluta del amor como principio y generador de la vida misma y su sentido.

 En el trazo que propone la dirección la interacción es fundamental y absoluta, esconde elementos para destacar a los que están en primer plano haciendo complicidad con la iluminación para marcar las necesidades inmediatas y jugando con la intromisión de la musicalización para acentuar los momentos de tensión.

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 El personaje central se desenvuelve ante el juzgado del público, es un testigo de sus propios actos declarando ante el juez con la ayuda de sus recuerdos. El vestuario de Lisette Barrios ayudará con la distinción con una barrera de colores opacos que permiten destacar al principal y ubicarnos en el contexto temporal y social de manera efectiva.

 La historia se va armando en una escenografía conceptual concebida por plataformas de embalaje (Diseño escenográfico de Auda Carraza y Atenea Sánchez) que se mueven y orientan para construir diversos espacios, lugares y territorios. Sin duda uno de los puntos más valiosos pues otorga un movimiento constante y único a la trama que va apoyando en las coreografías actorales y escenográficas su ritmo, además ¿quién no ama cuando la transformación de los objetos llama a la imaginación para darles forma y nombre?

 El discurso del texto es un canto que viene desde el corazón y que se recibe con lágrimas en los ojos. No sólo por su honestidad, sino por su posición desafiante, así es, confronta a aquel que lo escuche a encontrarse dentro de la narrativa y pide a la muerte y al miedo que le hace sombra entregar cuentas de vida.

unnamed Pero sin duda, no podría detenerme a contar lo maravilloso de este acto sin destacar el gran trabajo del reparto. Guillermo Villegas, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Alejandra Chacón, Miguel Romero, Adrián Vázquez, Sonia Franco y Tomás Rojas son el ejemplo del casting consciente, pues cada actor se encuentra justo para ubicar a sus personajes en el diapasón actoral propio. Es imposible en pensar el destacar a algún elemento cuando la compañía es tan homogénea y precisa. Actores que viven la puesta y entregan pasión a cada línea, no más.

 Tal vez usted llegue a el final de esto pensando: “¡Cuántas flores!, suena a que está bien cursi”, pero no, Litoral es una gran pieza que incita a encontrar la belleza de la felicidad, y esta puesta es pues una búsqueda de la felicidad que se siente propia y reinventa la tragedia sin ser moralina o truculenta, solo es fiel y contestataria.

Originally posted 2014-06-09 18:10:01. Republished by Blog Post Promoter

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

Originally posted 2014-09-22 09:51:56. Republished by Blog Post Promoter

3D: Escultura animada

Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.

Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.

Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.

Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.

Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.

El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.

Originally posted 2013-11-13 16:49:05. Republished by Blog Post Promoter

T. Mills por primera vez en México

El rapero Travis Tatum Mills, mejor conocido por su nombre artístico T. Mills, visitará por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un show el 26 de noviembre en el José Cuervo Salón. El veinteañero originario de RiversideCalifornia,  presentará temas de “Ready, Fire, Aim!” (2010) , su material debut de larga duración, y de sus EP’s posteriores.

T Mills

 La música de Mills esta influenciada por una variedad de géneros: va del punk y el hip hop al  R&B y el pop.

 Les compartimos “All I Wanna Do”, el más reciente sencillo de este músico estadounidense que también da nombre a su ultimo EP:

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/135492380″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

Fecha: 26 de noviembre

Hora: Por confirmar

Lugar: José Cuervo Salón

Precio: General de pie $500.00 / Balcón $600.00

Redes sociales del artista:

Facebook

Sitio web

Originally posted 2014-09-26 09:20:58. Republished by Blog Post Promoter

La cerveza artesanal presente en Merlus Craft

Así es como da inicio un proyecto llamado Merlus Craft. Se preguntarán, ¿y eso qué es? Les digo: Merlus Craft promueve, difunde y distribuye cerveza artesanal. La distribuidora está integrada por cuatro socios: Mercedes, Erick, Luis y Sergio Castillo, cuyas iniciales curiosamente dan nombre al proyecto. Platicando con Sergio Castillo, uno de los socios, nos comenta:

“Merlus Craft tiene como fin distribuir cerveza artesanal 100% mexicana dentro del país; difundimos para que la gente conozca sabores y olores nuevos, queremos que los consumidores de cerveza sepan de la existencia de otros productos fuera de las marcas comerciales. Nos gusta explicar el proceso de elaboración de cerveza artesanal. Como breviario rápido les puedo decir que pocas personas saben que la cerveza artesanal contiene vitaminas que son aportadas por el grano y no contiene alcohol inducido. En Merlus apoyamos a los maestros cerveceros, vuelvo a recalcar, 100% mexicanos”

Buscando complacer todo tipo de paladares, en Merlus hay gran variedad de cerveza artesanal, desde Pale Ale con cuerpo ligero y sabor maltoso; sabores a café y chocolate como las Stout; amargas y lupuladas como las IPA; hasta las que tienen sabores nada convencionales elaboradas con tuna, camote, aguacate, calabaza y huitlacoche. En la inauguración de Merlus, encontramos a Daniel Colín, maestro cervecero de La cervecería del Rey. Sin duda, una de las cervezas que más llamó mi atención fue la llamada “Mictli”, cerveza de calabaza con piloncillo canela y especias. En palabras del maestro cervecero:

“Nuestra cerveza de calabaza surge porque una de mis socias tenía calabazas criollas, y alguna vez probé buñuelos con piloncillo en una feria, así que decidimos fusionar la calabaza y el piloncillo con cerveza, y así nace nuestra Mictli. Tiene base Brown Ale y en conjunto la llamamos Calabaza Ale, todo hecho con producto mexicano, además de esta manejamos otros estilos como la American Stout y Belgian Dark Strong, además por temporada navideña vamos a sacar la edición con cereza y durazno.”

La tarde transcurría rodeados de maestros cerveceros, personas interesadas en conocer acerca de la cerveza artesanal y su elaboración, invitados cerveceros caseros y uno que otro curioso. Encontramos a Efraín Guevara, maestro cervecero de Cerveza Pagana, quien nos dijo:

“Llevo tres años como maestro cervecero, soy el cocinero, el que hace la cerveza, se podría decir que en lo personal soy todólogo: hago la cerveza, la embotello, la vendo. Pagana maneja los estilos Pale Ale, Brown Ale y Porter”.

Efraín es un maestro cervecero muy creativo y extrovertido, ya que alguna vez juntó malta base, lúpulos que encontró y quedaron de otras cervezas, para crear un estilo que ni él conocía. Tuvimos la oportunidad de probar esa creación, definida por él como una cerveza fresca y con un grado de amargor decente.

Así es como concluye nuestro paso por Merlus Craft, un proyecto de mexicanos para mexicanos, apoyando al paisano, al pequeño cervecero casero. No te pierdas la oportunidad de conocerlos, porque además de pasar un buen rato disfrutando de la compañía de las personas de tu agrado, podrás disfrutar de cervezas artesanales mexicanas. ¿Y tú, cuál vas a probar?. Por último los dejo con palabras de Merlus Craft: “De todo corazón no saben que día tan poca madre nos pasamos, mil gracias a todos los que estuvieron aquí y a darle”.

Para asistir personalmente, la dirección es: Forestal #10, col. Ejido de Huipulco, Tlalpan.
Contáctalos en Merlus Craft o al 5532776962

Originally posted 2013-11-30 14:20:33. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

Originally posted 2013-01-24 16:55:05. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: el rotoscopio

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

En la era digital de la producción cinematográfica, pocas técnicas tradicionales de animación han sobrevivido tan bien como la animación por rotoscopio. Aunque adaptado a las herramientas contemporáneas, este método ha dado a luz a algunos de los proyectos animados más interesantes de la última década.

La forma más común actualmente de animar mediante esta técnica es filmar en video de alta calidad y editar un primer corte, luego fragmentar el material en cuadros independientes y finalmente ilustrar cuadro por cuadro para agregar o sustraer elementos y modificar el material original.

El resultado es un look híbrido entre video y animación que adquiere la forma de una caricatura hiperrealista. La ventaja es que se tiene una base, que es el material original, sobre la cual se puede jugar para sobreponer y dislocar las imágenes, exagerarlas, darles vida propia, etc.

Waltz with Bashir es una realización de Ari Folman también híbrida en su género por combinar entrevistas y tomas propias de un documental con animaciones que representan sueños y situaciones ficticias. La historia es la de un soldado israelí que luchó en la Guerra del Líbano de 1982 (el mismo Folman) que busca reconstruir sus memorias olvidadas de aquellos años.

Waking Life es el primero de dos esfuerzos en el campo del rotoscopio del director estadounidense Richard Linklater, considerado como un bicho raro por la comunidad hollywoodense. La película, también un cuasi-documental, es una frenética sucesión de secuencias y sketches en los que se repasan y discuten temas relacionados con la vida, la muerte y los sueños. Algunos años más tarde, el mismo Linklater dirigió una pieza de ficción animada por rotoscopio basada en el clásico de Philip K. Dick A Scanner Darkly. Protagonizada por Keanu Reeves y Robert Downey Jr, relata un futuro distópico en el cual un agente policial encubierto ve sus realidades empalmadas al punto de la confusión por el consumo de una sustancia que está destruyendo a la humanidad.

Paprika de Satoshi Kon es una pieza anime sobre doctores que investigan nuevas técnicas para tratar traumas psicológicos mediante la introducción a los sueños de individuos y su exploración. Aunque sólo utilizada en las secuencias de los sueños, la técnica adereza la película por la maestría y sutileza con la que se aplica.

 

Waltz with Bashir (subtitulada)

 

Waking Life (en inglés sin subtítulos)

http://video.google.com/videoplay?docid=7583894250854515095

 

A Scanner Darkly (doblada al español)

http://vk.com/video113238821_162294780?hash=d9e6560cbf9aa445

 

Paprika (doblada al español)

Originally posted 2012-10-03 20:00:44. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de Cine Express: Revolución

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Cada año a estas alturas se escucha y promueve en nuestro país el tema de la Revolución Mexicana como un hecho cuasi mítico, con todos sus personajes -los buenos, los malos, los héroes y villanos. Con toda seguridad, la historia de lo que realmente sucedió difiere de las versiones plasmadas en los libros de texto de la SEP y cuenta con un sinfín de matices, complejidades y contradicciones. Pero es el aspecto que más se da por hecho precisamente el más cuestionable también -¿significó ese movimiento armado una verdadera revolución para el país?

El latín re-evolutio originalmente era utilizado para describir una regresión a algún estado anterior de las cosas. Literalmente “volver a girar”, significaba “enrollar” algo que ya había sido “desenrollado (evolutio)”. La Revolución Francesa, impulsada por las ideas ilustradas, puso fin para siempre a la monarquía en aquel país y encaminó al mundo occidental hacia la democracia participativa como forma de gobierno. El movimiento también marcó una transformación en el uso del término “revolución”, que fue utilizado a partir de entonces en un contexto sociopolítico y con una connotación hacia el progreso.

Después de ese movimiento, la palabra se convirtió en un primer nombre para muchos movimientos alrededor del mundo que buscaban por lo general expulsar a algún gobierno y generar un cambio drástico en las sociedades que los engendraban. Los estadounidenses nombraron revolución a su lucha por emanciparse. La Revolución Soviética llevó a los comunistas al poder y la Revolución Cubana hizo lo propio en el Caribe, de la mano de personajes como Fidel Castro y Ernesto “El Che” Guevara.

La idea de los cambios violentos que conducen al progreso ha permeado con fuerza en la humanidad. El término “revolución” sigue asociado en la conciencia colectiva a un romanticismo místico, a pesar de que a estas alturas ya se ha visto que las revoluciones forman parte de la gran cadena de transformaciones que las sociedades suelen sufrir cíclicamente, y que no necesariamente lleva a un mundo ni a una vida mejor. Los cambios sin retorno en distintas áreas no asociadas a la política también han llevado el mote, como en el caso de la “revolución industrial” y más recientemente la “revolución de la información”.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a algunas de las revoluciones más notables de la historia.

Apodada “la madre de todas las revoluciones”, la Revolución Francesa significó un verdadero cambio en el paradigma social, político y religioso de las potencias occidentales. Desvirtuada al final, como suele suceder, se trata del acontecimiento sociopolítico más relevante de la historia reciente. Este documental del History Channel relata con detalle el movimiento de principio a fin. (En español)

La Revolución Mexicana fue un movimiento armado cuyo propósito era derrocar la dictadura de Porfirio Díaz, instalar la democracia sin reelección como forma de gobierno y recuperar la tierra para los campesinos. En estos objetivos, el movimiento fracasó o tuvo éxito sólo parcialmente. En este documental se hace un recuento de la una de las revoluciones más largas y sangrientas de América. (En español)

La Revolución Cubana fue el principal triunfo del comunismo en América, y situó a la pequeña isla del Caribe en el centro de la pugna entre las máximas potencias mundiales de ese entonces, conocida como la Guerra Fría. Cuba, Caminos de Revolución es una retrospectiva -quizá demasiado optimista- del movimiento. (En español)

Islandia, la Revolución Silenciosa es un reportaje de TeleSur acerca del movimiento ciudadano en el pequeño país escandinavo que en los últimos años y ante el peor desastre financiero de su historia arrebató el poder a la clase política. Se trata de un suceso poco difundido por los medios masivos que ha generado admiración y asombro para otros países cuyo sistema político y económico se encuentra secuestrado por minorías privilegiadas. (En español)

Cómo Empezar una Revolución es un documental acerca de la llamada Primavera Árabe y los movimientos de ocupas e indignados que desde inicios de la actual década han surgido alrededor del planeta en reacción a los malos gobiernos y a la desigualdad. (En español)

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De músicos y músicas… Gitanos: el pueblo ambulante

 

Cantó despacio la guitarra  y la muchacha despertó,  el violín también abrió los ojos y luego tarareó, la muchacha escuchaba y el tono moduló, luego el contrabajo, sin trabajo se integró y entonces un clarinete, contento también se unió. La muchacha cogió un pandero y su padre el acordeón. Los que no tenían instrumento aplaudieron, el ritmo se aceleró, la muchacha bailaba y su hermano sacó el cimbalón. ¡Pero qué fiesta señores! ¡El abuelo ya despertó! Entona su canto gitano y el resto lo siguió. Festejan la vida ahora, festejan la canción.

El pueblo gitano tiene una historia de camino largo y ajetreado, de paisajes infinitos, cambios imprevistos y mucha improvisación de los días y de la vida. Su origen es la India. Cuenta la historia que un rey hindú pidió que llevaran a su corte músicos. Entonces enviaron a 10’000 músicos de ambos sexos que no solo tocaban, sino que cantaban y bailaban. Pero el rey no solo les pidió que lo entretuvieran, quiso usarlos como esclavos y que se dedicaran a la agricultura. Los músicos se negaron y el rey los desterró.

Fue entonces que se enfrentaron al dolor de ser despojados de casa, de no tener a donde ir, la incertidumbre de no saber qué pasará mañana, las emociones encontradas. Después vino la adaptación a una vida sin un rumbo fijo, la supervivencia nómada. Definitivamente se adaptaron muy bien a la situación, se volvieron una gran familia, tenían sus propias reglas y vivían libres de la tiranía de los gobernantes, poco a poco desarrollaron raíces ambulantes, y como desde el inicio su dedicación era el arte, nunca dejaron de enriquecer su cultura. Bien dicen por ahí, en España sobre todo, que el cante y el baile lo llevan en la sangre.

La música en el pueblo gitano refleja su forma de vida y su ideología. A partir de que se fueron de su tierra originaria, un grupo de gitanos pasó por Afganistán, Bizancio, Armenia, Grecia, Serbia, Alemania y Francia; recogiendo costumbres y modificando su lengua materna; aprendiendo formas musicales y fusionándolas con las propias. En el siglo XV llegaron a España, donde ya vivía otro grupo de gitanos que llegaron desde el siglo X y que dieron origen al flamenco. Los gitanos que llegaron después eran ya muy distintos y su música era otra, incluso, aunque el ritmo tenía la misma estructura de doce pulsos, la acentuación y el fraseo variaba de una tradición a otra.

Durante siglos, esta gente ha sido víctima de maltrato, a donde van los ven mal, los han discriminado por su forma de vida y los han obligado a seguirse moviendo. Los llamaron Gitanos o Gypsies en inglés, porque pensaban que venían de Egipto. Muchos pensaron que eran asesinos y que por eso no tenían casas, que eran ladrones y violadores, que sus hijos eran criados para ser criminales, los miraban sucios, vestidos con ropas viejas y les temían. Nunca se detuvieron a ver que el corazón del gitano es más fuerte que un roble y más noble que los mismos reyes. Los gitanos no pretendían invadir, ni dejar a su paso el mismo dolor que venían arrastrando, su dolor era suyo, y consigo se lo llevaban a otro lado cuando ya no eran más bienvenidos. Sin embargo nunca le cerraron las puertas a quienes quisieran huir de su vida cotidiana, y muchos de plano se iban con ellos a viajar. Por eso la gente creía que eran secuestradores y los perseguían. Los odiaban. Pero ellos nunca perdieron el sentido del humor y la alegría de estar vivos y de poder hacer música y danza, juntos. Taraf de Haidouks, Esma Redzepova, Urs Karpatz y Saban Bjramovic son algunos ejemplos de esta música.

Cantó la tabla, cantó la guitarra, cantó la trompeta y el clarinete, cantó el violín el acordeón; los niños ya dormían y de pronto, la dama cantó.

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Festival Miquixtli 2014 en Morelos

Este año se celebra de 20a edición del Festival Miquixtli en el Estado de Morelos, una celebración indígena y popular de día de muertos que tendrá lugar del 30 de octubre al 2 de noviembre en el Centro Cultural Jardín Borda, haciendo de Cuernavaca una de las sedes más importantes del festival. Año con año, desde 1994, se ha rendido tributo a la muerte en un evento lleno de música, color y tradición, en el que la danza, la literatura, el desfile y la puesta de las ofrendas se hacen presentes.

 Este año el Miquixtli recibe como invitado especial al Estado de Oaxaca, que estará participando a través de los eventos musicales organizados en el Foro del Lago y en la Fuente Magna ubicados dentro del jardín. Así pues, se tendrá la presencia del Ensamble de saxofones y el Ensamble de percusiones del Centro de Iniciación musical de Oaxaca, así como la presencia de Alejandra Robles, la Morena.

Cartel oficial del Festival Miquixtli 2014, ilustraciones de la artista morelense Mafer Lara.
Cartel oficial del Festival Miquixtli 2014, ilustraciones de la artista morelense Mafer Lara.

 El día 30 de octubre se dará inicio con un desfile que parte de la explanada del Palacio de Cortés para culminar en el Centro cultural Jardín Borda en donde estarán listas las ofrendas que visten el jardín en esta celebración. Además se llevará a cabo el segundo Concurso de Catrina y Catrines en el marco del festival, haciendo entrega de premios durante la ceremonia de inauguración. Se podrá asistir a los eventos musicales y a las ofrendas a partir de las 10 y hasta las 21 hrs. El acceso a todas las actividades es gratuito.

 La celebración cobra importancia no sólo por tratarse de un evento organizado por la Secretaría de Cultura del Estado de Morelos, sino por la función social que la festividad del Día de Muertos conlleva. Se trata de una celebración que une a la población a través de la fiesta, de la música, la danza y la tradición que afianza la identidad de un grupo, que nos hace echar raíces en una misma dirección histórica y que nos permite pertenecer a un colectivo. Es cierto que el día de muertos nos remonta a nuestros orígenes prehispánicos, pero al mismo tiempo nos consolida como mestizos, nos permite palpar del sincretismo que tiene origen con la llegada de los españoles a al actual México. Así, la tradición indígena continúa viviendo a través de las flores de cempasúchil, del copal y de la adoración al Miquixtli, pero al mismo tiempo adorando a la muerte desde nuestra cultura cristiana, haciendo rezos e incorporando las cruces a los altares.

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Originally posted 2014-10-29 09:49:28. Republished by Blog Post Promoter

Beakman visita CU

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                “…abrir las puertas y dar acceso a la ciencia de manera creativa, divertida”

Paul Zaloom, Beakman

El Instituto de Física de la UNAM celebra su 75 aniversario con la presencia de Beakman este viernes 21 y sábado 22 en la explanada de Universum.

Este ícono generacional de bata “verde moco, verde vómito”  nos hablará un poco sobre la presión del aire, los centros de gravedad, cómo el cerebro está acostumbrado a las ilusiones ópticas y de cómo los murciélagos ayudan al medio ambiente

Si no eres de las ocho mil personas que asistirán a la conferencia de éste científico loco, te invitamos a seguirlo por internet en su transmisión en vivo. Sólo presiona aquí. Así mismo, se hará una transmisión en vivo del show a través de TVUNAM.

No te pierdas el resto de las actividades que se harán en torno a las celebraciones.

Originally posted 2014-02-20 21:34:32. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

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Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

Originally posted 2014-11-05 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

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Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

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Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

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Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

Originally posted 2013-10-28 16:56:08. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- recomendaciones literarias

Bien saben que me encanta leer (y si no, pues ya lo saben). Pero aquí hablaré de qué tipo de lecturas me agradan, pero en especial de la construcción literaria que me gusta a la hora de leer un libro.

 Cabe aclarar que dentro de mi lista de preferidos hay incluso cuentos para niños y eso es porque, a pesar de ya ser mayor, nunca dejé de leer cosas para niños. También dejaré los libros que están en mi lista de espera para aquellos que quieran ver lo que sigue para mí y la liga de donde pueden descargar todos los textos en versión .epub

 Todos los libros de Epublibre.org son legales, por favor leer su Proyecto Scriptorium para mayor información.

Comencemos:

 Jodi Picoult con

The Storyteller

 Un libro que realmente te hace pensar en la moral que tienes como persona al encarnar a Sage, una chica de descendencia judía que se hace amiga de un anciano que le pide ayuda para terminar con su vida ya que fue un soldado nazi. La construcción del personaje es excepcional y la lectura, a pesar de ser larga, se torna muy ligera porque Picoult sabe explicar exquisitamente la manera en que se prepara el pan. Casi puedes olerlo.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/11789

 El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares

volumen 1 y 2 de Ranson Riggs.

 Chicos, yo creí que después de Harry Potter jamás tendría amor por una saga de fantasía, pero esta novela me ganó. Ransom Riggs no solo escribió un mundo paralelo. En realidad Riggs es un famoso fotógrafo que buscaba imágenes de antaño, las fotos de antes eran bastante peculiares y algunas dan bastante miedo.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/4281
Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/4281

 Lo que hizo el autor fue tejer las aterradoras imágenes en una novela juvenil que se esta volviendo cada vez más oscura. Existe el rumor de que Tim Burton hará las películas de esta historia y lo vale. Para dar una síntesis sin arruinar nada a nadie diré que los niños peculiares son como los mutantes de X-Men y cómo se cuidaban en los años de la segunda guerra mundial antes del Dr. Xavier.

 Sobre la escritura en sí, es ligera y tiene algunos huecos muy grandes, pero va creciendo como es debido, pensé que se arruinaría con la secuela pero tal cosa no pasó y me alegra

 El hombre que quiso entrar en Auschwitz,

por Denis Avey.

 Sé que ya hay muchos libros de la segunda guerra mundial, este hombre no estuvo más que dos noches en el campo de concentración suplantando a un judío. Lo interesante de esta no- ficción fue la explicación de todos esos años lidiando con la ansiedad post-traumática de la guerra. De hecho se habla de los problemas psicológicos que tuvieron casi todos los soldados y de la cual no recibieron ayuda hasta cuarenta años después. Las descripciones sobre su tiempo trabajando al lado de los judíos también es bastante interesante.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/12297

 Howl’s Moving Castle

por Diana Wynne Jones.

 Fanáticos de Studio Ghibli, la famosa película del Castillo Vagabundo es en realidad una trilogía en libros de la cual se tocó menos de la mitad en la película. En el film no se habla sobre qué hay detrás de la puerta de color negro, pero en el libro se explica que tal puerta va al verdadero hogar de Howl, quien es originariamente de nuestra época moderna. Tranquilos, esa revelación es poco a comparación de lo que toda la trilogía les aguarda.

Disponible en: http://literatori.files.wordpress.com/2013/08/jones-diana-wynne-howls-moving-castle.pdf

 Con esto son todos los libros que recomiendo pues ya los he leído y los que deseo leer ahora son:

 Maldito Karma

 por David Safier

 Es una desternillante novela sobre el secreto de la felicidad que ya ha hecho reír a un millón de lectores en Alemania. Para este libro hay que tener ideas básicas de la religión budista.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/678

THE PHYSICS OF SUPERHEROES

por James Kakalios

Un libro que te explica cómo es posible que Superman pueda salvar a alguien. (Recomendado para ingenieros).

Advierto, que aparecen formulas matemáticas en este libro, pero es muy entretenido. Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/10882

 Un monstruo viene a verme,

por Patrick Ness.

 Una novela de misterio sobre un monstruo que busca algo importante, la verdad.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/16373

 Y en este momento estoy leyendo

Más allá de los sueños,

por Richard Matheson.

 Ustedes recordarán la película donde actuó Robin Williams en 1998. El libro tiene mucho parecido con la película, a excepción de todo el discurso existencial sobre la materia del alma en el “paraíso” y la idea de que aquello que hicimos en la tierra se cosechó en el cielo, pero a casi nadie le gusta lo que ha hecho. Es muy interesante puesto que no está exactamente en el término cristiano, sino que es un “estado de la mente”. Lo que llevo leído vale la pena.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/16214

Originally posted 2014-07-23 00:44:40. Republished by Blog Post Promoter

Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

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Guitarristas en la #Megaofrenda

Cuerdas GuitarraLa pasión de muchos, la realidad de unos cuantos. Tener una guitarra en las manos y hacer música, transmitir sensaciones a otras personas a través del sonido. “Una pasión que me vino desde pequeño, donde de repente me ví rasgando las cuerdas y pensando que ese podría ser el camino”, nos cuenta Daniel, uno de los integrantes de este trío de guitarristas. “No sé con precisión, solo sé que es algo que disfruto hacer (tocar)”.

David y Manuel, también estudiantes de la Escuela Nacional de Música e integrantes del trío de guitarras, nos relatan una historia similar. “No hay una historia definida, llega el instrumento a tus manos y es como parte de tí. De repente, lo único que quieres hacer es tocar”. Llegar a la Nacional de Música como un reto personal: ¿cuántas personas logran entrar? Menos de las que quisieran. Ellos tres, contando con esta oportunidad, han decidido salir de ahí para darse a conocer, que el mundo los escuche y sepa que están aquí. guit

Llevar la música de concierto al gran público, hacer partícipe a la mayoría del deleite de unos cuantos. En esta oportunidad, Daniel, Manuel y David participarán dentro de la Megaofrenda UNAM 2013, espacio donde se unirán a otros artistas para celebrar una de las fechas más relevantes de México: el Día de Muertos. Su repertorio, basado en obras de Manuel María Ponce y Leo Brower, será el pretexto para hermanar a las personas que asistan a escucharlos.

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La Música e Imagen Del Tiempo Unicelular

 

Unicellular Time es una colaboración entre el compositor Enrique Mendoza y la VJ y artista visual Sandra Real, también conocida como Chana MX. La intención de esta pareja de artistas mexicanos es crear una experiencia audiovisual que transmita el transcurrir del tiempo desde la perspectiva de organismos unicelulares.

Para esto, y con la ayuda de María Teresa Quintero, parasitóloga de la UNAM, videograbaron una serie de observaciones a través del microscopio de organismos como miracidios y nematodos. El material, de acuerdo a Mendoza, reveló que el paso del tiempo puede ser muy relativo cuando no se tiene una referencia -como, por ejemplo, la posición del Sol para determinar nuestros días. Así como en las escalas mayores, como las de los astros y planetas, el tiempo parece transcurrir de manera diferente, en las escalas más pequeñas sucede algo similar.

Actualmente, el dúo se encuentra preparando el acto en vivo, el cual presentarán durante el Live Performers Meeting 2013, a celebrarse en la Ciudad de México del 24 al 26 de enero del próximo año. La idea es combinar el material grabado previamente con observaciones microscópicas en vivo y  la música de Mendoza, quien utiliza el software LiSa para crear y moldear los samples para el proyecto.

Real y Mendoza ya han colaborado previamente en DEREGRESO, una presentación en vivo que mostraba imágenes de un proceso de fluoroscopía que permite visualizar fluídos internos del cuerpo humano mediante la aplicación de pequeñas dosis de radiación. Unicellular Time es la continuación de ese proyecto.

 

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Danza: Emergencia Coreográfica

Programa
Emergencia Coreográfica

Temporada de obras cortas de coreógrafos noveles
Sábado 2 y Domingo 3 de agosto
Teatro de la Danza

Seis coreógrafos jóvenes del país exponen su proyecto artístico este fin de semana en el Centro Cultural del Bosque (a espaldas del Auditorio Nacional) con el principal apoyo del Conaculta.

 La presentación consiste en seis coreografías, que fueron elegidas a través de una convocatoria lanzada por la institución; lo interesante es la visión de los jóvenes que, con una propuesta creativa, muestran en escena su talento.

 La duración máxima de cada coreografía es de quince minutos en el que los bailarines se valen del poder expresivo de su cuerpo, lo anterior acompañado de un diseño de iluminación, musicalización, vestuario, entre otros recursos artísticos que refuerzan el contenido. Hay pequeños descansos entre cada una, lo que permite despejar la mente para cada presentación.

 Desde una situación cómica protagonizada por las piernas de dos chicas con tacones y reforzada por la sincronía expresiva de sus manos o una representación del concepto de ergonomía a través de movimientos erráticos, que integra la relación máquina, humano y ambiente, hacen de esta emergencia una opción interesante para ver este fin de semana.

Programa
Emergecia Coreográfica

 Una Visita, Holografía de un Encierro, Atrozzozobra, Mientras Estoy Siendo, Behemoth y Obesos Soñaron Dragones son los títulos de las propuestas coreográficas que si bien nos dan una noción de lo que tratará cada una, el significado queda abierto al público.

 Dichas manifestaciones hacen pasar de momentos de divertidos a otros de hastío, lo que pudiera ser intención del autor; visualmente puede resultar atractivos que con pocos elementos  se creen ambientes óptimos, pero si gustas de la danza lo disfrutarás más.

 Bien vale la pena asistir para conocer la propuesta coreográfica que el Conaculta reconoce, así como las inquietudes de los jóvenes bailarines expresadas en escena. En general, cada coreografía posee características particulares que te pueden atrapar y hacer reflexionar sobre lo que se está tratando de decir.

Programa
Emergecia coreográfica

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Mi sentir y mi Acción Poética

Poesía es un género literario considerado como una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra, en verso o en prosa.

Armando Alanis, padre de dos hijos pequeños, comenzó con la “Acción poética”, primero imprimiendo versos en papel que repartía por las grandes avenidas de su ciudad natal Monterrey, este proyecto lo llamó “poesía volante”, posteriormente, se dedicó a pegar pósters con frases en los cajeros automáticos, denominándolo como “poesía automática para el usuario”. finalmente, decidió embellecer los espacios públicos de las calles y escribir poesía en las paredes de Monterrey, convirtiéndose en un mediador de sentimientos internos para todas las personas.

tu-lindura-es-efimera-pero-tu-belleza-es-eterna Acción Poética es en realidad el nombre de un movimiento y se le llama así a cualquier performance que rompe con la rutina cotidiana.

 En sus inicios, los versos de Acción Poética eran largos, todos de autoría propia, y difíciles para una lectura rápida. Para el paso de los años, Armando Alanis  mejoró el movimiento limitándolo: frases o versos de no más de 8 palabras, divididos en dos renglones y escritas siempre con letras negras sobre un fondo blanco.

 Armando se abrió  en el esparcimiento de ideas otorgando la palabra para otros autores, de cantantes populares, de grandes filósofos, y de la propia gente que le escribe, todo con una única regla: conmover. Alanis es poco conocido en la prensa nacional, aunque muy referido en la prensa regiomontana. Él no es “famoso” en sí mismo, pero sí su obra , que hoy es parte integral de la fisonomía de Monterrey. Sin embargo, es curioso saber que los primeros reportes periodísticos que de él se escribieron, estaban en la nota roja, con titulares como “Los graffiteros se pasan al arte”.
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Pero eso no parece importarle a Armando Alanis; él sólo sabe que la poesía es su vocación y Acción Poética, uno de sus proyectos de vida. Fuera de todo disentimiento, el mismo sabe que no está solo, o al menos hace 14 años atrás de realización poética callejera se lo dicen. Hoy los frutos de esta semilla plantada recién comienzan a ser visibles. Y eso no es todo, pues en la red, cientos de internautas han colgado durante años fotos y frases de este movimiento de un solo hombre poeta. En Facebook, un grupo de admiradores y una aplicación especial con más de 2 mil usuarios, permite obtener “una frase diaria de Acción Poética”.

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Las palabras son un puente de entendimiento para facilitar la comunicación en nuestro entorno, identificar y expresar lo que sentimos. Aquello que nos mueve, es la base para que el triunfo en nuestra vida sea digna, convirtiéndonos en unos seres complementados y correspondidos para nuestros seres queridos.

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Cuando Dios usó el diván

“Dios: lo más evidente y lo más misterioso.”

J. B. Henri Lacordaire

El Teatro Helénico es garantía de calidad teatral, me da gusto confirmar este enunciado de nueva cuenta con el siguiente escrito acerca de la puesta en escena La última sesión de Freud, dueña del espacio de fin de semana del recinto principal. Habiendo anunciado el tema es justo adentrarnos en materia.

 Haciendo un ejercicio rápido de reflexión a la ley de causa y efecto, aplicada a nuestra cotidianidad, la existencia de los seres humanos, como de todo lo que podemos conocer, proviene en directo de una acción mayor, la cual la ciencia ha apodado desde nuestra infancia como el Big Bang, la partícula que explotó y se expandió formando todo a su paso.

 Podemos quedarnos hasta ahí, o jugar al pequeño inquisidor de primaria, frente a una confusa educadora ante la pregunta de ¿Quién puso esa partícula?, ¿Quién la creo?, ¿Por qué? y ¿Para qué?

 A partir de aquí, nos topamos con la pregunta central: ¿Dios existe? Para los grandes pensadores dicha inquisitiva es compleja de responder, hay palabras tanto a favor como en contra de una presencia divina superior.

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 Se le han dado mil nombres, y tiene demasiados argumentos en prueba y contraste, empero, al final es innegable que hay algo o alguien con un nivel más alto que el nuestro, probablemente diseñando nuestro camino de tal forma que no podemos comprender. ¿O no es así?

  La aparición de la interrogante tuvo a nutritiva forma el toparse con un rotundo no, por parte del padre del psicoanálisis, el propio Sigmund Freud, quien afirmaba que la creencia religiosa era simplemente una proyección de necesidades humanas.

 La palabra de Freud ha sido ley para muchos filósofos, además de objeto de contraste y debate. Sin duda uno de los más pronunciados fue el que Armand Nicholi propone en su libro “La Cuestión de Dios”. Dónde los argumentos de Freud hallan respuesta inversa con los del escritor católico C.S. Lewis (Las crónicas de Narnia).

 Mark St. Germain toma el escrito para desarrollar uno de los textos teatrales contemporáneos más poderosos y ricos, La última sesión de Freud, basado en el encuentro supuesto que Nicholi marca entre Freud y Lewis para argumentar el sistema de creencias de cada uno.

 C.S. Lewis era ateo, harto de los sermones forzosos de su infancia, golpeado por la experiencia de la Primera Guerra Mundial. Pero al pasar los años, dicha lejanía a Dios se vio terminada con un escritor visiblemente feliz de profesar su creencia en la religión. Al ser ateo usaba los argumentos del propio Freud para desmentir al Dios al que después afirmaría contrastando dichas posturas. ¿Puede un hombre recobrar así la fe, sin más ni más? Freud ha citado a Lewis para averiguar esto, en una disertación mezclada entre las señalizaciones duras y el humor inteligente.

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 El texto de St. Germain da honores a ambos autores, analiza a fondo los sistemas de creencias y adaptabilidad del ser humano teniendo como vía dos personajes con ideologías opuestas, pero con demasiadas áreas en común. Uno de ellos se aproxima a su final y luchará por ser fiel a sus ideales. El otro tratará de invalidar sus argumentos tan solo para cancelar los propios. Cada frase pronunciada despide inteligencia, sustancia, ritmo en una batalla campal entre la teología y el racionamiento científico.

 Bajo la dirección de José Caballero nos topamos de frente a una conceptualización exquisita en el escenario, a través de la escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez Arriaga, Freud y Lewis deliberarán dentro de la pirámide del Ego, Yo y Superyó, al tanto que  la mirada de una colección de deidades atestiguan el acto.

 El director nos permite identificarnos con ambos personajes, ser objetivos al tema, para después sacudirnos y adentrarnos completamente al encuentro con la necesidad de tomar una postura a favor o en contra desde el propio juicio analítico. Finos detalles bajo un ritmo que se cocina lento pero con trazos fuertes y un drama que va creciendo, topa un límite y crece de nuevo para alcanzar otro constantemente, generando una arcada dramática que reta tanto a sus actores como al espectador ante la fiereza del diálogo.

 El maestro Sergio Klainer da una absoluta cátedra de actuación, encarnando a una versión de Freud en la línea media del desprecio y la compasión. Absolutamente correcto en tono y forma, Klainer se dirige con una presencia que inunda el recinto y deja anonadado al público. La intención de cada línea de su personaje penetra como navaja directo al intelecto, pretendiendo activar la razón bajo un ataque disfrazado de comicidad autómata. Amén de la genial caracterización de Mario Zarazúa que acerca al actor a un parecido innegable al psicoanalista. 

 Por su parte, Dario T. Pié genera un apoyo constante a Klainer con una actuación justa y plausible que enmarca una apertura más al diapasón actoral del también comediante.

 Esta es  pues una de las propuestas actorales más completas de la temporada. Un montaje imperdible queabandona en cada asistente la confusa necesidad de llegar a casa para rezar un padre nuestro, mezclada con tener que encerrar el rosario en un cajón. No hay pretensión ni sentimentalismos inducidos hacia una desvalijada modernidad, solo se colocan las cartas sobre la mesa para jugarlas con tiento y prevención.

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De: Teatro. Verónica Maldonado

Un buen artista es antes un buen ser humano: Verónica Maldonado, dramaturga, actriz, profesora, guionista y directora de teatro egresada de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México cabalmente cumple con la regla. Es una mujer fuerte con un corazón que desde fuera se siente y al que ni ella misma es capaz de obstruir, se le asoma por los ojos, se le escapa por la pluma, es, poniendo claridad, una mujer a la que dan ganas de querer.

 Es esto importante, porque sabido es que “todo arte es autobiográfico”, no ya en un sentido estricto y corriente, sino en el modo en que todo lo que uno es, todo lo que uno conoce, prueba, lee, escucha y todo lo que no, inevitablemente es colocado en las acciones como en una vitrolera,  para un artista las acciones, los frutos, son el arte que crea y le recrea, que forja  y viceversa; este corazón de Verónica se siente en el alma de sus textos y en sus puestas en escena.

 Es creadora y no sencilla ejecutante, como toda alma con afanes de libertad y portentosas necesidades de entregar, de crear y de ganar terreno en la expresión pero sobretodo de “darse” a lo que se sirva prestarle el oído, el corazón y la razón, ella es una artista diversificada, porque no puede ser de otro modo, ha ganado premios de instituciones convocantes diversas: SEP, UNIVERSITAS, TV UNAM, IMCINE, INBA, Gobierno de Yucatán entre otros en las áreas de dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Nos habla esto por fuerza de una creadora sin egoísmos, que explora en sí misma y en los territorios de fuera buscando terreno para alojar la semilla de su arte.

 Entre sus obras más recientes se encuentran: Segiz o la historia del príncipe dormido (Est. Aguascalientes, 2009), Máquina 30000 (Est.Tlaxcala, 2010) Las batallas en el desierto, (Est. México D.F. 2012) De cómo el épico negrito y el valiente monsieur epicé evitaron otra guerra de los pasteles(Est. Puebla, 2012) Tutoriales (Est. México D.F, 2012), Looper (Est, México D.F., 2012) Rojos puntos de vista(Paso de Gato, Antología) y Un teatro Xico (Est, Tlaxcala 2013).

 Verónica es también docente y ha impartido talleres de dramaturgia, presentación de proyectos y escritura creativa, en el programa Arte por todas partes del Instituto de Cultura de la Ciudad de México, PADID, Centro Nacional de las Artes, INBA-ENAT y para IDARTES, Bogotá, Colombia.

 En teatro infantil ha escrito las obras: “El Yeitotol ” (Corunda-Conaculta,colección “el mejor teatro para niños”, CONACULTA- SEP “Hacia un país de lectores”), El viaje de Ulises ( Encuentro Iberoamericano de danza y teatro para niños, Colombia 2013). y  Valentina y la sombra del diablo (Editorial Paso de Gato), esta última ha ganado el Primer lugar del I Festival de teatro de títeres para adultos, Perú (2012) Y Mejor texto dramático, Festival de teatro da Rua, Brasil (2013). Además de múltiples representaciones montada por distintas compañías de teatro en diversos escenarios de la República Mexicana.

 “Valentina y la sombra del diablo” que habla de los secretos que duelen y que no tienen derecho de permanecer como tales, a los que hay que soplarles el polvo del encierro, de lo que lastima, de lo que no debe permanecer en el encierro  ahora bajo la dirección de Verónica, está en una breve temporada en el Foro de las Artes, en el Centro Nacional de las Artes, los días: 4,5, 11 y 12 de Octubre  a las 13:30 Hrs. Entrada General $80 pesos. Hay que verla, apoyar al teatro en México con mensaje, con discurso, con magia y metáfora que salva.

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Originally posted 2014-09-29 10:38:42. Republished by Blog Post Promoter

P.O.D y su visita sorpresa a México

A lo largo del tiempo, distintas bandas existentes nos han demostrado que México es un lugar lleno de misticismo para que la música fluya de una manera mágica y con muchos misterios. Justo han pasado diez años en que la banda P.O.D (Payable On Death) hizo un largo recorrido desde San Diego, California, para presentarse en el Foro Sol de la Ciudad de México y regalar a nuestros corazones un mensaje lleno de paz y buenos deseos; Pues sus letras hacían una reflexión sobre los distintos problemas del mundo real. Quemando todo prejuicio que pudiera existir en su contra, esta ingeniosa banda de True New Metal, trabajaba día con día implantando delicadamente una pequeña semilla de conciencia dentro de cada alma que abriera su corazón al ritmo de sus sonidos.

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 Los fans esperaban con ansias el regreso de esta banda para el cancelado festival Hell And Heaven, pero debido a la cancelación de este mismo, toda esperanza se iba desvaneciendo para volverlos a escuchar.

 La mañana del domingo bellos cirros dibujados en el cielo traían con el viento una buena noticia, la banda que se encontraba de gira por Sudamérica, tenía que pasar, por cuestiones de logística, por nuestras tierras para su regreso a California, entonces fue cuando sorpresivamente se anunció en sus redes sociales que ofrecerían un concierto gratuito en México, como agradecimiento a sus fans por el apoyo incondicional. Así, todas aquellas personas que crecieron con la banda cantaron de alegría con la noticia, mientras la sangre hervía dentro de sus cuerpos.

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Una vez reunidos en el Snake de Lomas verdes, apenas empezaron a sonar los riffs llenos de poder, la multitud empezó a gritar con una energía que sólo encontraba razón de ser entre ese mar de vidas al cual Sonny (Vocalista de la banda) se acerco a saludar y a estrechar sus manos.

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El sonido que hacía reventar Traa (Bajista de la banda) hacia que entrara y saliera del cuerpo de los asistentes mientras que Marcos (Guitarrista) lo seguía junto con un bello solo de guitarra para que al finalizar se escucharan en coro miles de voces diciendo  “We are the Youth of the Nation”

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 Después de compartir toneladas de energía con todos los integrantes de la banda, bromas y risas, llego el momento de despedirse, dejando a sus seguidores el recordatorio de que siempre hay una nueva canción para cantar, llenando de energía y amor a su público, cómo si fuera la primera vez.Esperemos que sea pronto un nuevo momento para compartir con esta gran banda.

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Originally posted 2014-03-18 12:06:29. Republished by Blog Post Promoter

UN ACTO CRIMINAL

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Por Carlos Enrique Saldivar

Lanzar la laptop por la ventana y ocultarse bajo sus sábanas comienza a parecerle a la chiquilla una idea nada descabellada, de modo que se apresta a hacerlo, no piensa en que podría lastimar a un inocente transeúnte. En su mente solo existe una idea: coger el aparato y arrojarlo a la calle con todas sus energías.

 Sin embargo, ella no puede realizar su meta. Es interrumpida; siente, horrorizada, que algo la levanta por el aire y la avienta a través de la ventana, a cuatro pisos de altura.

 Que la tecnología se estresara hasta el punto de cometer dichos actos criminales era solo cuestión de tiempo.

 La computadora portátil se ha escondido bajo las sábanas, asustada por el terrible arranque de furia que la llevó a cometer tamaña fechoría.

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Texto que podrán encontrar en:

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/7to_lucidez

Originally posted 2014-07-22 21:53:45. Republished by Blog Post Promoter

De aquí, de allá

Haciéndome el dormido. Tenía los ojos cerrados, pero sentía los dedos cálidos de su ropa acariciando la mía. Sentía su cuerpo trémulo (lleno de ella), su brazo contra el mío; su hombro, haciendo de primavera contra el mío.

 Cada tanto el vaivén del camión traía contra mí, a la ola de carne y fragancia floral, pero más que contra mí, contra la desesperación de sentirme solo. Cada tanto el vaivén del camión nos evitaba la vergüenza de cultivar su nombre (o el mío) en sus oídos (o en los míos). Nos evitaba la vergüenza de sentirse deseado por un extraño ante las miradas de los que seguramente estaban frente a nosotros. Más extraños.

 No quería mirarla. Quería guardar ese momento para el final de mi recorrido; para arrepentirme de no haberla hecho mía, más allá de nuestras caricias rotas. Más allá de nuestras olas de carne estrellándose contra las bahías del otro.

 Abrí los ojos y mire hacia el lado contrario, a través del parabrisas de aquel ruta 28, último camión que salía de la base. Mi bajada no tardaba en llegar. Sería lo único puntual de todo mi día. Mire los asientos frente a nosotros. Asientos vacíos. Un vaivén más, una ola de carne más. Mire los asientos a mi lado (no los de ella), asientos vacíos.

 -¿Cuánto tiempo tiene viviendo por aquí?- me preguntó el chofer, para romper el tedio monótono del motor de aquella lata sobre ruedas.

 -Pues ya llevo bastante. Unos 10 años.

 -¿Casado?- preguntó el chofer.

 -No, afortunadamente no- reímos chofer y yo. Y luego el camión pasó debajo de un túnel, y la oscuridad reinó dentro del camión. Entonces con mayor atrevimiento, rocé, con los nudillos, su brazo. Decidido y ayudado por la oscuridad, iba a colocar mi mano sobre su antebrazo cuando el camión salió del túnel y la luz volvió.

 -Oiga- se dirigió nuevamente el chofer a mí-, usted, ¿cree en fantasmas?

 -Pues hasta ahora ninguno de ellos me ha hecho creer en ellos.

 -Y, ¿ha escuchado la historia de la mujer?- volvió a interrogar.

 -¿Cuál mujer?

 -La que, vaya a usted a saber cómo, encontraron muerta.

 -¿En dónde?- pregunté, totalmente entusiasmado.

 -Pues la hallaron en esta ruta 28, precisamente en este camión- contestó el chofer-, y dicen, dicen que se aparece. Pero la verdad de las cosas es que a mí nunca se me ha aparecido y ya en agosto cumplo 10 años de servicio.

 Sentía los dedos cálidos de su ropa acariciando la mía. Sentía su cuerpo trémulo, lleno de ella, contra el mío. Sentía su mirada sin ojos. Me sentía morir. Gire la cabeza para encontrarme con ella y…

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Originally posted 2014-07-23 09:43:18. Republished by Blog Post Promoter

Día Internacional de los pueblos indígenas

  Los sentidos se estremecieron al entrar al lugar, en el espacio dominaba un fuerte olor a incienso, entre los pasillos se encontraban miradas sabias, manos ingeniosas, pies firmes, cubiertos de una vestimenta que no sigue modas sino una razón de existir para quienes la portan. La música de Wixarika del municipio de Mexquitic, Jalisco, suena como lo hace en su tierra, los instrumentos son la extensión de su cuerpo y es la música quien habla por ellos.

Foto: Sergio Alberto Ramos Medrano/ flickr
Foto: Sergio Alberto Ramos Medrano/ flickr

En el escenario hay dos micrófonos y ningún cantante, dos hombres se han colocado enfrente pero sus voces no son requeridas, se ven otros rostros en el proscenio con sonrisas dibujadas y comienza la música, aquellos hombres tienen pulmones llenos de soplo, una coordinación perfecta, las flautas suenan y los tambores estallan. La danza de sonajeros de Tuxpan, Colima se apodera de las miradas, cada paso es firme, se escuchan pisadas idénticas, llenos de color en su ropa, con sombreros y contagiados por el orgulloso de sus raíces.

La Comisión Nacional de Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI), en la delegación Puebla, ha traído el 4to. Encuentro Intercultural de Música y Danza Indígena con sede en el Centro de Convenciones los días 23, 24 y 25 de agosto. Son veintitrés estados los que participan, entre los que destacan Michoacán, Chihuahua, Sonora, Tlaxcala; más de trescientas personas, entre danzantes, músicos y artesanos, además de curanderos, quienes practican la medicina tradicional. Recetas caseras, masajes, limpias, libros, talleres artesanales y artesanías, así se ha vestido el Centro de Convenciones Puebla.

  encuentro_profodeci_pueblaLas mujeres hermosas con sus faldas de manta y sus blusas llenas de flores bordadas, con la cabeza adornada de esos colores que viven en la naturaleza, que a veces se olvidan o se ignoran, orgullosas de su piel morena y del cabello negro, con sus pies pertenecientes a su pueblo, totonaco, nahua, mixteco, popoloca, zapoteco o pa ipai, entre otros, pero sobre todo orgullosas de sus mentes libres. Al parecer la gente que visita es la más sorprendida, camina con la sombra de lo desconocido, pero el rostro se le ilumina cuando tiene en sus manos una pieza de arte hecha en México.

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Originally posted 2013-08-26 12:49:47. Republished by Blog Post Promoter

Ápeiron Teatro en palabras de Monroy

Ápeiron Teatro

Fernando Martínez Monroy es el director y cofundador de Ápeiron Teatro. En esta entrevista nos habla de la compañía, su pasión por lo que hace y nos da su opinión con respecto a la situación actual del teatro en México.

Monroy

¿Qué es Ápeiron Teatro?

 “Una compañía de teatro con 16 años de trayectoria…comenzó como un grupo de estudio, convoqué a los alumnos para ir trabajando fuera de clase. A esas reuniones llegaron 3. Fue a los 3 años que el mismo trabajo sobre las obras nos llevó a la escena Descubrimos que teníamos ya un trabajo en conjunto, una ideología similar y queríamos una compañía

Necesitábamos un nombre…

 Ápeiron es el término con el que Anaximandro nombraba a lo indeterminado. Es la sustancia primigenia de donde surge todo. Está formado de cuatro elementos esenciales (agua, aire, tierra y fuego) y curiosamente, los fundadores éramos uno de cada elemento, según la astrología. Por eso Ápeiron Teatro, los cuatro elementos son los que uniéndose y jugando generan todo lo que hay en el Universo.

 Como Asociación Civil buscamos tener los pies sobre la tierra, pues para que algo ocurra a nivel cultural, uno tiene que constituirse.

Yo te puedo decir lo que yo creo, lo que sé y lo que es….es una estructura que no tiene nada que ver con un proyecto artístico.

 Un proyecto artístico se gesta desde una propia necesidad que es la verdad y una serie de valores. La Asociación Civil es como la parte corporal que conecta el proyecto con una realidad social, económica, cultural, estatal y administrativa. Hay A.C. que funcionan muy bien porque desde su fundación tienen gente con mente administrativa, yo te puedo decir que tenemos mente artística y académica, y no sabemos qué hacer con la A.C. Son dos estructuras muy distintas.

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    ¿TEATRO infantil PARA niños o adultos?

 Nosotros hacemos teatro para todo público, porque (en las obras infantiles) los niños no van solos, van con los adultos. Entonces tengo que hacer una obra para adultos que sea clara y divertida para los niños. No es cierto que sea una obra dirigida sólo para niños, quienes más la disfrutan, son los adultos.

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 Los talleres son parte de nuestra esencia, porque esto empezó con las clases. A partir de su desarrollo es que la materia misma te va llevando a ser probado en escena.

 México es un país privilegiado porque en la universidad está el trabajo de Luisa Josefina Hernandez con la teoría del drama. Yo soy continuador de su trabajo, fui su profesor adjunto y soy el heredero de la cátedra. En resumidas cuentas, habla del teatro no como cosa teórica, sino práctica, pero para llegar a la práctica uno tiene que estar años, y años, y años trabajando, es como tocar un instrumento. El poder comprender lo que se está haciendo, no es de un momento, lleva toda una formación. En la compañía, todos somos de alguna forma maestros, pues los cursos son una manera de COMPROBAR. Las clases son como un laboratorio y la escena es un lugar de comprobación, no van desligadas. Es por eso que todos nosotros somos directores, músicos o actores, pero somos profesores también.

¿Por qué teatro?

 El arte es necesario porque somos seres vivos, pensamos y tenemos espíritu. El arte es una reflexión del espíritu sobre el mundo. Por eso el arte, es necesario para conocerse, es la consecuencia de conocerse.

 Teatro, porque es lo que nos gusta, así de sencillo…uno quiere estar bajo la luz, ver su nombre en el programa, porque todos nosotros somos vanidosos y egocéntricos; pero además de eso, tenemos una necesidad vital muy grande de entender las cosas. Es decir, de entender que todo tiene consecuencias y una vez que uno lo ha entendido, lo ha asumido, lo ha gritado, lo ha llorado, lo ha reído, tenemos el afán de compartirlo con la gente.

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El actor y el público

 Un artista de teatro, es un artista que tiene una relación muy directa y muy intima con un montón de gente a la que no va a conocer. Entonces, se es profesor o se es artista de teatro porque hay una necesidad tremenda de expresar algo que se tiene, hacerse responsable de algo que se tiene que decir y que hacer y  que es necesario compartir con los demás entonces nuestro afán en la compañía es hacer un trabajo serio, un trabajo bien hecho que conmueva a los demás. El teatro es un arte que te conmueve y uno es testigo de esa conmoción, aunque luego no conozca a la gente y no sepa a quién. De repente uno se topa con gente que vio Electra,  y dice, después de eso decidió estudiar teatro.

 Si es una necesidad vanidosa y egocéntrica, pero hay mucha gente vanidosa y egocéntrica que no hace arte, no tiene capacidad de reflexión o búsqueda. Por eso teatro y por eso arte.

¿Por qué ir al teatro?

 Dice Luisa Josefina Hernández en una obra que se llama Zona Templada y es hermana de Las Bodas, “LA GENTE VIENE AL TEATRO A VERNOS VIVIR”.

 Acercarse al teatro es reflexionar, ver desde otro punto de vista nuestra propia vida. El teatro lo que va ha estar adoptando es otra posición. Los géneros de teatro son posiciones, lugares distintos desde donde se está mirando la existencia. Ser creativo implica saber qué se quiere hacer con la vida. así como se es creativo para deprimirse, se es creativo para encontrar veredas y soluciones para estar bien y encontrar la alegría y para motivarse uno y para motivar a los demás.

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 Vivir es difícil porque no sabemos de dónde vinimos, a dónde vamos o para qué existe la vida.

 Entonces una de las cosas que no se puede dejar de hacer, es reflexionar sobre ello. Sobre todo teniendo en cuenta que existen siglos y siglos de autores sabios a los que uno puede aspirar. Cuando uno siente que está conmovido por la obra, está un poco más cerca de Sófocles y de Eurípides, y de Sheakespeare y de Ibsen y de Miller, por eso vale la pena ir al teatro.

Teatro en México hoy en día

 Estamos en un momento de mal teatro, en un momento que se ha institucionalizado el error. A los dramaturgos actuales, muchos de ellos, no todos, están trabajando en una cuestión de vaciarse, de desahogo, no de construcción técnica. Muchas de las obras mexicanas que triunfan en el extranjero y en México y en las escuelas, son obras que en un momento de decencia hubieran pasado por malas obras. En este momento está de moda ser originales y de que cualquiera tiene su derecho a hablar porque tiene boca. Bueno, tener derecho a hablar implica que además de boca tiene  inteligencia y tiene espíritu elevado. Entonces, si todo es teatro, nada termina siendo teatro. Teatro sin acción…si la esencia del teatro es la acción y se la quitamos para ver que sale, estamos jugando a otra cosa.

El traje nuevo del emperador

 Yo pienso muy seriamente que todo lo que está pasando en teatro en México en este momento se parece mucho al cuento de Andersen del Traje Nuevo del Emperador, que todo mundo hace que lo ve para no pasar por estúpido.

 Eso es lo que yo creo del teatro en México.”

“El teatro es divertido, antes que otra cosa el teatro esta para divertir, y si aparte uno puede pensar conmover a los demás empieza a ser un acto generoso y deja de ser ególatra.”

Encuéntralos en Monterrey 319 Col. Roma

Originally posted 2014-05-05 00:00:26. Republished by Blog Post Promoter

El experimento musical de David Lynch

Por Claudio Cortés

“Crazy Clown Time” es el primer disco en solitario del director de cine, estudiante dedicado de la meditación trascendental y distribuidor de café originario de Montana David Lynch.  El realizador ha escrito música para sus películas junto a Angelo Badalamenti -compositor de Twin Peaks– y en 2001 salió a la luz un disco donde coescribió varias canciones junto a John Neff titulado “BlueBob”. Además, en 2010 cantó junto a Danger Mouse y Sparklehorse para el disco “Dark Night of the Soul”.

Para “Crazy Clown Time” contó con la colaboración de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs en la canción  “Pinky’s Dream”; con un blues electropop y vocales procesadas este álbum de 14 temas y un bonus track para iTunes es altamente recomendable para quienes son seguidores de Lynch o gustan de la música experimental.

El propio Lynch ha dicho en entrevistas que no tiene planeado tocar en vivo y que algunas de sus influencias son  Elvis Presley, The Platters, The Fleetwoods y The Everly Brothers. Es un disco oscuro y extraño a veces y otras parece la música de un spaghetti western, con letras surrealistas acompañadas de percusión, guitarra, sintetizador y voz interpretadas por el director que también hizo el arte de la portada.

Aquí el video oficial del primer sencillo, del mismo nombre, dirigido también por Lynch.

Originally posted 2012-10-04 20:00:27. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

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Foro Viral 2013, haciendo comunidad en Tepito

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Del 25  al  29 de noviembre, el legendario barrio de Tepito abrirá sus calles y recintos emblemáticos para llevar acabo el Foro Viral 2013, un espacio dedicado a reunir organizaciones de la sociedad civil, colectivos y líderes juveniles en un ambiente de expresión e intercambio de experiencias y proyectos, donde los jóvenes puedan adquirir herramientas que los lleven a consolidar sus proyectos e iniciativas de cambio en la sociedad. Para ello, se contará con ponencias de distintas universidades, entre las que se encuentran la UNAM, Anáhuac, Ibero e ITAM, instituciones gubernamentales como el INJUVE e INDESOL y organizaciones como COPARMEX, entre muchas otras.

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Ariel Torres, artista plástico.

En el Foro Viral 2013, la colaboración activa de la población del barrio es esencial. Líderes sociales como Don Luis Árevalo, Alfonso Hernández y Ariel Torres trabajarán de la mano con la RED VIRAL para llevar acabo conferencias y talleres de artes y oficios ligados a la tradición tepiteña.

Por si fuera poco, habrá recorridos por los lugares con más tradición del barrio: la Iglesia de La Conchita, Los Palomares, El Mural de los Caídos, el Frontón “Las Aguilas”, por mencionar algunos.

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Mural de Los Caídos

En Foro Viral 2013, también se presentará una serie de actividades permanentes con el objetivo de ayudar a la comunidad en la prevención del delito y la lucha contra actividades que merman la riqueza cultural de Tepito.

La cita es este lunes 25 de noviembre a las 9:00 am en el Centro de Desarrollo Comunitario DIF Cuahtémoc, ubicado en  Jesús Carranza 33, colonia Morelos.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-23 14:00:51. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 22: Brijes

 on motivos de los festejos del 2010 en honor al bicentenario de la independencia de México, las salas de cine abrieron espacio para un importante número de cintas hechas en nuestro país. La mayoría de ellas se trataban de películas en acción real que trataban sobre crítica social, algunas de ellas incluso se escudaban del eslogan “Nada que Celebrar” en protesta a la situación que se vivía, y que aún se vive.

 Se trataban de trabajos interesantes y de mucha calidad, no obstante, unos de ellos sobresalían en llamar la atención. No me refiero a que fue una película cuya magnificencia opacó a las demás, sino al hecho de que en ese pequeño maratón de cine mexicano, esa cinta era la única que como tal no hablaba de los hechos históricos, ni de la forma en la que el país se encontraba, ni nada de eso. Se trataba de una cinta animada dirigida por Benito Fernández y que ciertamente rompía con todos los tópicos que se estaban manejando. Se trataba de la película Brijes (Brijes, 2010).

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 No fue la única cinta animada que fue transmitida en esas fechas, ni tampoco fue la más taquillera ni de la que más se habló. ¿Entonces que la hizo destacable? Para empezar, estamos hablando de un proyecto que en la búsqueda de ser innovador tuvo el acierto de mezclar diversos tipos de animación, la 2D y la 3D. Así mismo, los fondos de dicha cinta fueron muy variados, algunos fueron hechos a mano, otros dibujados directamente en flash, otros el 3D e incluso algunos fueron maquetas. En cuanto a diseño de producción podemos sugerir que es la cinta animada mexicana que más ha aportado y se ha arriesgado. Esto aunado al hecho de ser una de las primeras cintas hechas enteramente en México que gozó de un tratamiento en 3D para las salas de cine, y si, hablo de ese 3D con el cual parece que los objetos salen de la pantalla.

 

 La historia trataba de tres niños que en una visita al museo de antropología descubren el legendario código Brije, y al hacerlo despiertan a tres dioses ancestrales que les encomiendan una importante misión. La oscuridad está llenando al planeta, poniendo en peligro no sólo el equilibrio de la vida, sino el vínculo que los hombres tenían con el mundo mágico tiempo atrás.  De ese modo los tres niños, cada uno acompañado por un guardián Brije, deben viajar en el tiempo y a diversos lugares del mundo para detener esta amenaza y devolver la estabilidad a la tierra.

 Con respecto a la trama debo decir que fue gratificante tener una película mexicana que se salía de los temas que siempre se trataban (corrupción, drogas, pobreza, etc). Educativamente hablando, la película tiene mucha fuerza al mostrarnos hechos históricos importantes y datos culturales de este y otros países. La cinta es entretenida y aunque también va dirigida a un público enteramente infantil, tiene ciertos momentos que los adultos también pueden gozar.

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 Ahora hablemos de los puntos débiles de la cinta, los cuales comienzan con el guión y la historia. Si, acabo de decir que era una historia fresca en México, no obstante, la película tiene demasiados parecidos con otras cosas ya vistas. Creo que no soy el único que en algún momento vio la película como el “Pokemon” o “Digimon” mexicano, de hecho el diseño de los personajes es muy similar al estilo animé. No digo que esto sea malo, de hecho es una propuesta interesante, sin embargo ante esta situación es imposible catalogar la película como algo totalmente original.

 La animación también tiene diversas fallas, no siempre es fluida y en una sala de cine se veía demasiado el hecho de que algunas escenas fueron hechas totalmente en flash, que aunque es un programa que permite elaborar un proyecto entero, le quitaba brillo a un proyecto que visualmente pudo ser espectacular. De igual forma el guion tiene partes que no terminan de desarrollarse, algunas incluso son algo incoherentes aún en el  mundo fantástico que se nos propone.

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 Pero no todo es malo, la historia está bien llevada, los personajes son carismáticos y hay escenas muy vistosas. La inclusión de criaturas mágicas variadas es un concepto muy grato y no puedo dejar de mencionar el extraordinario “giro de tuerca” que la historia nos tiene preparada al final, un desenlace que definitivamente nadie ve venir hasta que nos lo muestran.

 La película al final resulta ser un buen proyecto, no de los mejores ni mucho menos perfecto, pero  aceptable. Una buena opción para ver en familia y para aquellos que gozan de las historias llenas de magia y aventura (ejem… los fanáticos de Pokemon y Digimon) les parecerá algo muy positivo siempre que se dediquen a ver la película y dejen por un momento las comparaciones. Brijes 3D, una interesante propuesta que los entretendrá y los hará pasar un buen rato. ¿Y tú ya tienes tu Brije?

 

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Animación Mexicana 25: El Secreto del Medallon de Jade

 Continuando con la filmografía animada en nuestro país. Hoy hablaremos del estudio Kaxan Animation, quienes (en el 2012) nos trajeron una de las pocas cintas hechas en Motion Capture en México. Se trata de una historia de magia y aventuras que busca estar a la par de otras producciones (al menos en narración) del legendario Steven Spielberg tales como: Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Arc, 1981) o Los Goonies (The Goonies, 1985).

 La película en cuestión se titula El Secreto del Medallón de Jade (El Secreto del Medallón de Jade, 2012), dirigida por Leopoldo Aguilar y Rodolfo Guzmán, que nos cuenta la historia de un grupo de niños que tras la muerte de su abuelo quedan inmersos en una gran aventura por recuperar un mágico amuleto. Matías, el protagonista de la cinta, siente una gran necesidad de descubrir el gran secreto debido al gran cariño que sentía por su abuelo y las historias que este les contaba. Desafortunadamente su camino se verá plagado de peligros como: templos con trampas mortales y un par de peligrosos cazadores que harán lo que sea para apoderarse del medallón.

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 La premisa prometiera darnos una película llena de acción que por lo menos nos daría un buen rato “palomero”. No obstante, y aunque la historia no está mal, la forma de llevarla no fue la mejor. Para empezar, estamos ante un producto orientado totalmente a los niños olvidándose casi del público juvenil o adulto. La aventura sería emocionante de no ser por la gran cantidad de chistes, diálogos y personajes demasiado inocentes para una historia de este tipo.

 Y es que siendo honestos, el factor de que un niño gordo esté más mortificado por tener hambre que por el hecho de que sus vidas peligran (no es precisamente lo más realista o coherente que hemos visto). Los villanos (cuyo estereotipado acento extranjero bien puede pasar por alto) tienen todo para ser personajes temibles, pero al final terminan siendo una versión en 3D del torpe equipo Rocket de la serie Pokemón (Pokemón, 1998). Además de graves fallos en las situaciones, por ejemplo: una escena en donde los personajes viajan en auto y literalmente disfrutan al ritmo de una canción de la radio, a pesar de saber que los persiguen unos cazadores que desean liquidarlos.

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 Pero como dije, es una cinta orientada al público infantil y en ese sentido es más que cumplidora. Los pequeños disfrutarán de ella sin problemas. Con respecto al trabajo de voces, cabe mencionar que es bastante aceptable en su mayoría destacando el gran trabajo de maestros del doblaje como: Esteban Siller (q.e.p.d.) e Isabel Martiñón. En el caso de los “star talents”: Adriana Barraza, Arath de la Torre y Eleazar Gómez, cumplen con el objetivo. Aunque por la misma naturaleza del proyecto no creo que nadie les dé un premio por dicha interpretación.

 En aspectos técnicos también hay una mezcla de sentimientos, se agradece la incursión del Mocap en producciones mexicanas y considerando la complejidad de esta técnica puedo decir que la película también cumple en los riesgos que toma. No obstante, sólo se queda en un buen intento ya que la animación (que en teoría debería ser perfecta por la captura de movimiento) sigue viéndose robótica y lenta en casi toda la cinta.

 El diseño de personajes, texturas y escenarios están bien (aunque con un estilo muy sencillo). Puede ser que esa sea la imagen que quisieron darle a la película y que pareciera a producciones como la más reciente serie del gato Garfield, o puede ser que la falta de experiencia en texturización, render, modelado y demás elementos sean los responsables. Otro aspecto a mencionar es sobre la captura facial (aún necesita mucho trabajo), ya que las expresiones de los personajes son muy básicas.

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 Así mismo la cinta cuenta con algunas escenas animadas en 2D que de hecho son las cosas más rescatables. No sólo la animación está bien lograda, sino que da un toque perfecto de un relato antiguo. Es como la cinta en Live Action que en sus recuerdos recurre al blanco y negro, pero aquí, recurre a los orígenes de la animación (detalle que me parece verdaderamente aplaudible).

 Como tal, la película no es mala pero definitivamente podría (y debería) ser mucho mejor. Es un proyecto muy bien intencionado que quizá realizándose con más tiempo o con mejor tecnología y con un guión más sólido que pensara mas en el público mayor podría haber sido grande. También se agradece el uso de otro tipo de historias que involucren fantasía y aventura en la cartelera mexicana.

 Se ha hablado de una secuela, y personalmente no me desagrada la idea. Siempre y cuando los productores decidan modificar el rumbo y acercarse más a su idea original. Recomendable totalmente para los niños, el público objetivo que quedará complacido. En resumen, la cinta cumple, pero una mayor visión del target hubiera sido más que genial.

http://www.youtube.com/watch?v=g9S9jbme0uM

 

Originally posted 2014-07-06 21:17:23. Republished by Blog Post Promoter

Acid Summer by SKVM

Todos los días calurosos son bien recibidos, y más cuando tenemos algo bonito para lucir mejor, esta noche se presenta el lanzamiento Spring-Summer.

La mezcla de un espíritu desenfadado y la inocencia de la adolescencia son el contexto que tendremos en esta celebración, bailando el viento al ritmo de LAO y las luces de la ciudad.
Esta pasarela que vestirá a un increíble lugar de la ciudad tras el esfuerzo de un diseñador mexicano que demuestra que la vida de moda y aparadores seguirán por el resto de nuestros días.

Diseñador:

Nombre: Sussan Kerent Violante Mendoza.
Edad: 25 años
Nacio:Puebla,Puebla.Estudios de artes plásticas, arquitectura,Diseño patronaje y textiles, fotografía.

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Originally posted 2014-02-13 17:47:57. Republished by Blog Post Promoter

Ecoefectividad o el no generar residuos

Uno de los enfoques ecológicos que la industria está adoptando debido a las distintas presiones a la que está sometida para ser más respetuosa con el Medio Ambiente es la de llevar a cabo medidas ecoeficientes.

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El ejemplo más cotidiano es el de la botella de agua. Cuando bebemos el agua que contiene una botella de plástico, se nos queda en las manos el recipiente vacío, un residuo. Hasta hace poco, estas botellas vacías se quemaban o se abandonaban sin control alguno. Para minimizar esta situación, se empezaron a aplicar medidas ecoeficientes, como el obtener más, usando menos: más productos o más servicios con menos residuos, menos recursos o menos toxicidad.

Ahora podemos encontrar botellas con grosores cada vez más finos para emplear menos plástico en la fabricación de cada botella. Estas botellas son menos malas que las de la generación anterior. También nos vendeno más líquido en cada botella para así también ahorrar plástico. Se empieza a hablar del deseado residuo cero y se persiguen las 3R (Reducir, Reutilizar, Reciclar). Los mensajes tienden a que como consumidores intentemos reducir la cantidad de botellas gastadas, que las reusemos o que las llevemos al punto de reciclaje para ser convertidos en fibras sintéticas para hacer otras cosas.

Sin embargo, aunque las medidas ecoeficientes tratan de alargar la vida al producto, inevitablemente éstos, que no se diseñaron para ser reciclados indefinidamente, acaban tarde o temprano en la incineradora. Estas estrategias de ecoeficiencia que se anuncian no son estrategias con las que podemos estar satisfechos.

ecoeficienciaEs importante recordar que la Tierra es un sistema al que no entra ni sale materia. Lo que debe preocuparnos es ver cómo crece a diario la cantidad de basura. Si la basura aumenta y la materia no puede salir del planeta es porque está desapareciendo la vida y la biodiversidad, lo que los industriales suelen llamar: recursos naturales vivos. Por tanto, desde los últimos 300 años aproximadamente de revolución industrial, estamos claramente en una dinámica de evolución a la inversa, donde el ser humano está cambiando material ordenado y estructurado a partir de la función de las plantas durante muchos millones de años, por material disperso y tóxico para la biosfera.

Estas sustancias que no se pueden integrar de forma adecuada en los ciclos naturales, se acumulan en el medio natural, se dispersan por el planeta del que no pueden escapar o reaccionan para convertirse en otras sustancias más dañinas que las primeras. Las técnicas de eficiencia buscan tan sólo minimizar el volumen, la velocidad y la toxicidad de los materiales que fluyen por el sistema, pero son incapaces de alterar la progresión lineal. A corto plazo la eficiencia presenta la realidad tangible de reducir el impacto ecológico y reducir los gastos con el consecuente aumento de los beneficios. Sin embargo, a largo plazo resultan ser cambios insuficientes.

Aparece entonces el concepto de ecoefectividad o ecoeficacia cuyo objetivo es minimizar los procesos de la cuna a la tumba (cradle to grave) y generar metabolismos cíclicos de la cuna a la cuna (cradle to cradle) que permitan que los materiales mantengan su estatus como recursos en cualquier parte del proceso. No hay que olvidar que en la biosfera también se dan un montón de reacciones químicas, como la fotosíntesis o la digestión, pero, a diferencia de la mayoría de las reacciones que diseñamos y llevamos a cabo los humanos, tienen como requisito imprescindible que cualquier residuo debe ser inherentemente el alimento de otro proceso. La idea es: Residuo = Alimento, desapareciendo por completo el concepto de residuo. Ésta es la clave del triunfo de la biosfera durante tantos millones de años y que de momento no sabemos imitar.

La filosofía de trabajo ecoeficaz del diseño cradle to cradle (c2c) define un marco de trabajo para esbozar procesos y productos industriales que convierten los materiales en nutrientes de tal forma que se permite su flujo perpetuo dentro de uno de los dos metabolismos posibles: el metabolismo biológico y el técnico. Los materiales que fluyen óptimamente a través del metabolismo biológico se llaman nutrientes biológicos, son productos biodegradables que no suponen ningún daño a los sistemas vivos, así que estos productos se pueden utilizar por humanos y devolverse de forma segura al medio natural para alimentar procesos biológicos, por ejemplo textiles, pastillas de freno, suelas de zapato, etc. Un nutriente técnico se puede definir como un material, normalmente sintético o mineral, que tiene el potencial de permanecer seguro en un sistema de ciclo cerrado de manufactura, recuperación y nuevo uso, manteniendo su valor sin degradarse a pesar de los ciclos. Los nutrientes técnicos se usan como productos de servicio, productos durables y no biodegradables que dan un servicio a los clientes. El producto que usa un cliente pertenece al fabricante, no se vendería el producto, sino que se alquilaría el servicio. Por ejemplo, uno no compraría un ordenador, sino que compraría el derecho de usarlo por un periodo determinado, teniendo la obligación de devolverlo al vendedor al final de la vida útil establecida. De este modo, el vendedor recupera el ordenador, para desmontarlo y utilizar todos los componentes en uno nuevo.

La conclusión de todo lo antes expuesto es que las medidas ecoeficientes sólo resultan razonables a muy corto plazo, pero a largo no son una solución adecuada, por lo que es necesario un cambio radical en nuestro modo de concebir la producción.

Originally posted 2013-11-23 13:47:58. Republished by Blog Post Promoter

Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

Originally posted 2014-09-03 11:53:32. Republished by Blog Post Promoter

SIN; Mario de Vega en Laboratorio Arte Alameda

Laboratorio

Una obra de arte necesita materia y lenguaje para ser desarrollada, pero ¿qué sucede cuando su ejecución  transgrede lo tangible, lo abstracto, y se torna una emoción capaz de producir un estado de alteración? El espectador se vuelve víctima de la obra.

SIN, montaje realizado por el artista mexicano Mario de Vega en el Laboratorio Arte Alameda, significa “en ausencia”. Seis obras conforman este proyecto que fungen como “catalizadoras de la entropía”. De forma agresiva, de Vega recrea el instante preciso de una situación de emergencia, el sonido de una explosión, la luz cegadora, la tensión, la ansiedad y adrenalina de un instante de susceptibilidad. La energía suspendida es  expuesta.

Mario de la vega*

La pieza central que busca conectar la historia del lugar, ex templo del convento de San Diego donde se quemaron vivos a muchos heréticos entre 1571 y 1820, es ABSENTIA, una campana de bronce de un metro de altura y seiscientos kilos de bronce cubierto por un capelo cúbico de vidrio. Colocada en el atrio del Laboratorio, a la vez que una excavación se realiza en el recinto, la campana será exhibida hasta el final de la exposición para ser enterrada y no ser vista nunca más. Un contraste referente a la ausencia de campana en el Laboratorio.

Lo interesante de SIN, se aprecia desde la entrada, donde se entrega una fórmula para advertir el peligro de la exposición haciendo firmar al espectador una carta responsiva. Y es que las obras como NODO, una presión acústica  generada por un sistema electromagnético con 16,000 watts de potencia, generan un estado de alerta. El recinto vibra todo el tiempo, en todas las salas se percibe simplemente la vibración de un sonido inaudible, como un fantasma aterrador.

CREDO, es otra experiencia sonora con una frecuencia de 17 hertzios generada por un muro de subwoofers en la sala E. Sin embargo, lo interesante de esta pieza es que el infrasonido en esta frecuencia puede causar alucinaciones visuales, malestar físico o problemas  de equilibrio.

Así mismo, en otra sala se encuentra iluminada por 12,000 watts distribuidos en 30 luminarias para uso industrial. La provocación de esta instalación afecta directamente a los ojos, haciendo incómodo el hecho de permanecer en la habitación. Por otra parte, en la sala contraria se puede ver un mural recientemente descubierto cercado por piezas de metal de alto voltaje, la muerte al alcance las manos.

Y sería pertinente preguntarse dónde está lo artístico en esto. Pues Mario de Vega nos muestra la estética de la destrucción. La obra te atrapa, te toma entre sus manos, antes de buscar que la entiendas, te hace sentirla. “El riesgo latente y la agresión subliminal eran elementos intrínsecos de esta intervención para sitio específico” escribe Carsten Seinffarth, curador de SIN. El arte que transgrede la materia para volverse experiencia en el público.

Además de SIN, hay un espacio donde se exhiben los documentos de registro de la obra anterior de Mario de Vega. Un recorrido por el trabajo del artista, seleccionado por el curador Michel Blancsubé.

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Machete se abre camino en México

Por Julio César Reyes

@julio_relo

El machete es ante todo una herramienta que sirve para múltiples actividades, tiene la virtud de los buenos inventos: corta, poda, defiende, talla, graba, escribe, abre. Históricamente fue empleado por quienes buscaron abrirse camino en tierras inexploradas, destapar la maleza y ubicar el horizonte, la referencia del sol.

Machete, consultora de arte con sede en Argentina desde 2006 ha emprendido un camino confiable en la escena del arte latinoamericano, su participación y relación con proyectos editoriales y curatoriales los ha colocado tanto en el gusto del público como entre los preferidos de coleccionistas y artistas.

Así es como la noche del miércoles 14 de noviembre Machete abrió sus puertas en la Ciudad de México. La empresa busca apoyar el arte emergente a partir de proyectos culturales interdisciplinarios que acerquen al público con el  arte contemporáneo. Inició sus actividades con la inauguración de la exposición A un millón de años luz de casa, con obras de los artistas argentinos Nicolás Bedel e Ivana Brenner.

La obra que presenta Badel posee pigmentos fotoluminiscentes que se cargan con luz y revelan sus brillos en la oscuridad. Las propiedades materiales, físicas y químicas de la obra apuntan al origen. La contemplación va más allá de lo visual, la luz interna de los cuadros invitan a la reflexión y reinterpretación de las figuras.

Ivana Brenner recurre con frecuencia a preguntas acerca de lo vital, sobre el origen de la vida; ha observado lo natural, estructuras y proporciones de algunos seres vivos, y nos presenta su versión. Presenta piezas tridimensionales que gracias a su posición forman un juego de luces y sombras que cautivan al espectador.


Machete aspira a ser una herramienta cultural, que sirva a quien la elija para abrirse camino y orientarse en el prolífico mundo del arte contemporáneo, ser un puente cultural entre Argentina y México.

Puedes disfrutar de A un millón de años luz de casa en Machete, ubicado en Córdoba No. 25, colonia Roma, hasta el 15 de enero de 2013.

 

 

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