La cultura, factor clave para el desarrollo social

Los habitantes de un país son la fuerza principal para lograr el desarrollo de su nación, puesto que son los seres idóneos para detectar los problemas que aquejan a su comunidad, así como sus necesidades e inquietudes; además, debido al conocimiento de sí mismos y de los recursos con que cuentan, tienen un gran potencial para identificar posibles soluciones que faciliten la obtención de una mejor calidad de vida.

En este orden de ideas, la cultura se convierte en un factor que interviene en el conocimiento que los individuos pueden tener de sus características como integrantes de una comunidad para, a partir de ellas, saber qué cualidades les son útiles para realizar acciones que conlleven al bienestar de quienes habitan en un mismo espacio. Así, lo cultural se entiende como la transmisión de usos y costumbres, pero también se puede contribuir al desarrollo mediante otro tipo de manifestaciones que funjan como punto de encuentro para los integrantes de una sociedad.

Desde tiempos muy remotos, las manifestaciones artísticas eran consideradas parte importante de la educación de los individuos desde la infancia, puesto que gracias a éstas los niños adquirían una formación integral que tomaba en cuenta el desarrollo del espíritu humano y, además, constituía una manera de generar la convivencia, por tanto, con esto se lograba que los jóvenes crecieran en un ambiente social sano y fueran capaces de organizarse con los demás para actuar en beneficio de toda la comunidad, con esto se contribuía al crecimiento de ciudadanos útiles para el estado, según las ideas de Platón en su obra La República.

Con el paso del tiempo, se ponderaron otro tipo de actividades sobre las culturales y la idea del desarrollo se enfocó hacia los conocimientos científicos y técnicos que constituyeran una formación orientada al progreso y a la productividad de los individuos, de tal manera que se prefería que éstos aprendieran a manejar máquinas en lugar de que se dedicaran a las artes o cualquier manifestación que fortaleciera el espíritu humano.

Adeco, Acciones para el Desarrollo Comunitario, A.C.

Sin embargo, la cultura y el arte no han perdido su carácter formativo en el sentido de transmitir las ideas y costumbres de una comunidad, así como tampoco se descarta la función de punto de encuentro que cumplen las actividades que de manera recreativa puede realizar un conjunto de personas que tienen rasgos en común, por ejemplo, la danza, la música o el canto; esto es posible gracias a la organización de algunas asociaciones civiles que tienen como finalidad crear programas encaminados a la difusión cultural, alfabetización y promoción de las manifestaciones artísticas, tales como Adeco, Acciones para el Desarrollo Comunitario A.C.

Adeco fue fundada en el año 2005, como el resultado de una serie de campañas de alfabetización a adultos realizada por jóvenes de diversas preparatorias del Distrito Federal en 1982. Esta asociación civil entiende por desarrollo social el conjunto de procesos que tienen como fin elevar la calidad de vida de una comunidad, es decir, del conjunto de personas que comparten ciertas características y se identifican entre sí.

La misión de Adeco es: Fortalecer la organización y participación colectiva de comunidades de nuestro país, a través de diversos procesos educativos que desarrollen las capacidades y herramientas necesarias para enfrentar de manera autónoma e integral los problemas que afrontan, mejorando así su calidad de vida”, esto parte de la visión de desarrollar las capacidades de autogestión (actuar por sí mismos) y organización de los integrantes de la comunidad para que sean ellos mismos quienes logren su propio beneficio, independientemente de agentes externos que actúen y/o decidan por los individuos en cuestión.

Los proyectos impulsados por Adeco se basan, principalmente, en el fomento a la participación colectiva y la inclusión de toda la comunidad con la finalidad de proveerle herramientas para que sea ella misma la que resuelva sus propias problemáticas y necesidades. Actualmente, esta asociación civil cuenta con tres programas, estos son:

·         ¡Alfabetiza! Campaña de educación para adultos, el cual tiene como finalidad la alfabetización en comunidades rurales, pero también la promoción al trabajo y organización comunitarias.

·         Tlalana: Autogestión y jóvenes, este programa tiene como fin la formación de los jóvenes para ser promotores comunitarios capaces de generar proyectos de impacto positivo en las condiciones de su entorno y desarrollo personal.

·         Canto que florece, este programa hace uso del lenguaje musical para fomentar la convivencia entre los integrantes de la comunidad, además del aprendizaje, la sensibilización y la creatividad.

¡Alfabetiza! uno de los principales proyectos de Adeco.

Programas como estos invitan a revalorar el papel de la cultura y las manifestaciones artísticas como parte fundamental en el desarrollo humano de los individuos, además de su contribución en la sensibilización, promoción de valores para la sana convivencia social y difusión de conocimientos básicos, todo esto en conjunto es de gran utilidad para que las comunidades se vuelvan independientes y resuelvan sus propias problemas por sí mismas a partir de lo que en verdad requieren.

Adeco es presidida por Andrés Suárez Hernández y su consejo operativo está conformado por Fernanda Baena Díaz y Daniel Zúñiga Hernández, quien funge como el responsable de proyectos. Sus oficinas se ubican en 20 de agosto #35, tercer piso, en la colonia Churubusco de la delegación Coyoacán, en el Distrito Federal. Sus proyectos pueden consultarse a través de la página de Internet http://adeco.org.mx/

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Arte y realidad

¿Qué es el arte emergente? O ¿a qué se le llama arte emergente? Todos tenemos un concepto o una vaga idea del arte, de lo que llamamos arte, tenemos nuestros propios parámetros (aunque a veces por alguna causa desconocida es similar a las de otros), pero cuando le agregamos la categoría de emergente, la idea está más delimitada, e incluso cambia pues ¿Qué es el arte en sí? ¿Cómo podemos decir que una obra es arte?, ¿cuáles son los parámetros “reales”, “exactos” “verdaderos” para poder definir eso?

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 Es un gran problema poder definir una obra artística. Además de ser un tema complicado con su gran extensión en muchos aspectos, también es muy subjetivo, cambia según la persona que habla de ello. Afortunadamente con el paso de la historia le hemos dado el poder de decidir a algunas personas sobre eso, estas dichosas personas crearon escuelas con reglas, parámetros y conceptos de belleza, arte, estética entre otras cosas, y mucho tiempo la civilización conocida estuvo apegada a ello, hasta que llegaba algún revolucionario ¿realmente era un revolucionario? También cabe ponerlo en duda, con nuevas ideas y propuestas que hacían cambiar todos estos o algunos de estos parámetros, había otros que iban en contra de la escuela, otros más que evolucionaban lo establecido, etc.

 Ha existido de todo y siempre ha sido así, los revolucionarios son parte de este proceso, son justificables e inevitables, no son novedad son necesidad, pero ¿Por qué son una necesidad? ¿Por qué aparecen? ¿Por la imaginación y su ingenio? ¿Por la necesidad insatisfecha de la humanidad? ¿Buscan fama, placer o algo parecido? Este proceso de rompimiento del arte conocido en determinada época ¿es un proceso individual que se vuelve colectivo? O ¿siempre ha sido un proceso colectivo?

 Uno de los aspectos que debemos tomar en cuenta para poder aclarar en parte esto, es que, el arte es producto de un contexto social, político, religioso y económico, no es un área aparte de la realidad, sino que está muy relacionada con ella. A lo largo de la historia en cada periodo establecido han habido conceptos del arte, ideas acerca de lo que es bello y lo que no, pero todo eso ligado a las situaciones sociales, así lo fue el barroco, el romanticismo y el clasicismo, que respondían a su realidad, de igual modo en nuestra época, llena de avances tecnológicos, problemas ambientales, globalización y capitalismo desmesurado, modos de vida monótonos y vertiginosos, en donde vivir cada día depende de un salario, el arte responde a eso, a los ingresos de capital.

 No podemos negar que siempre el arte ha estado relacionado con el dinero pues un artista come, compra materiales, etc. pero ahora mucho del arte tiene por fin venderse; Aunque también tenemos una respuesta contraria sobre un arte que no tiene por fin venderse, sino su fin es ser arte, generar conciencia, protesta, nuevas ideas de belleza, arte y estética, en un principio fue una novedad, una corriente con fuerza, pero que con el tiempo se hundió sin darse cuenta en las corrientes del capitalismo, ahora, estos artistas, solo generan un arte vendible con una facha de arte nuevo.

 Puedo agregar a esta mezcla agria una afirmación bastante peligrosa, pero no por eso interesante: La revolución como parte de esta globalización, es evidente que ante periodo de la humanidad, también hay un rompimiento en el arte, y nuestra época no es la excepción. Existe una demanda que tiene que ser cumplida, junto  a una necesidad en los artistas de crear algo original, poniendo algo de dinero de por medio para la creación y la venta puede haber una remuneración bastante satisfactoria, además de que existe un mercado que busca este arte emergente, nuevo y diferente, cosa que al final no lo resulta desde una vista más amplia. No sé si podríamos decir que el arte puede funcionar de manera similar al comportamiento humano, aunque de él procede también tiene sus propias reglas,  funciona por otro lado de manera casi similar, está siempre en un proceso de cambio.

 No abordaré el tema de la belleza, pues es otro aspecto bastante complicado y amplio, lo dejaré pues para otra ocasión. Para concluir podemos observar de manera general que el arte se mueve por una constante, está siempre en cambio, pero lo está de manera paralela y unida a los cambios políticos, sociales, religiosos, etc. Y que al final, el arte alternativo (independiente o la categoría que les guste ponerle) no es más que otra forma de arte comercial o vendible, pero con otra portada. Es parte de este proceso y de igual modo es producto de un contexto. Aun nos quedaremos con muchas dudas acerca del arte, de los conceptos de belleza, estética y otras cosas, pero espero el tiempo nos deje resolverlas.

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De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

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“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

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“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

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Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

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Winde Rienstra: Geometría poética y viajes nómadas

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Armaduras futuristas que cubren el cuerpo como obras de arte: esta es la firma de Winde Rienstra, una diseñadora holandesa que complementa la sustentabilidad con el arte y la naturaleza.

Graduada de la escuela de Diseño de las Artes en Utrecht en el año 2010 y despúes de recibir varios reconocimientos por su trabajo decidió crear su propia linea de ropa hecha con procesos totalmente artesanales que usan materiales como madera, vidrio y cartón, conjugados con un estilo geométrico que usa lineas arquitectónicas que le dan contraste y tensión a las prendas. Toda una locura.

Para su nueva colección primavera-vernano 2013:  Ithaca, Winde se inspira del poema de Konstantinos Kavafis en homenaje a la Odisea de Homero:

As you set out for Ithaka
hope the voyage is a long one,
full of adventure, full of discovery.
Always keep Ithaca on your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for many years
Así, nos conduce a través de diferentes culturas que muestran su propia identidad, tomando elementos de tribus nómadas que usa por medio de técnicas tradicionales de tejido con lana y seda en matices de colores en tonos suaves como el verde, azul y beige.
Manteniendo su línea de contrastes, esta temporada diseñó el calzado con bloques de Lego, detalles con cordones y pequeños pompones al frente, que sinceramente, están increíbles.
La personalidad de cada colección de Winde es única, su enfoque en los detalles y la experimentación en cada prenda hacen incomparable su estilo. Minuciosamente perfecto.

Winde Rienstra SS13

Winde Rienstra SS13

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Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

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Nuestro Jaime

La estancia llena de gente; sin embargo, están solos (los enamorados se descubren en un vacío inmerso de todo). El tiempo no cuenta, se vuelve cómplice del que mira primero y enemigo del que mira después. El día se vuelve noche y la soledad se vuelve amor.

“Te conocí a tiempo, a tiempo de encontrarte, para saber que existías, para llenar mis ojos y mi boca de tu sabor… No fuiste antes ni después, fuiste a tiempo. A tiempo para que me enamorara de ti.”

          Llegaste a tiempo

Jaime Sabines
Jaime Sabines

 Conforme pasa la ocasión, más y más son los que se encuentran pronunciando esas palabras y emitiendo aquellos silencios que lo dicen todo y nada. Cada vez son más. El que ama se enfrenta ante un dilema: ¿Cómo decirte lo que ya está dicho?, ¿te lo repito?, ¿lo leo? La urgencia de expresar lo que el alma siente se vuelve incontrolable e imposible. Cualquiera que ama se desespera ante un lenguaje desprovisto y corto para poder decir lo que realmente quiere.

“Y todo lo que decimos no es sino una minúscula parte, inexpresiva, de lo que no decimos. Y todo lo que queremos, es inalcanzable. Y todo lo que anhelamos es imposible.” Cartas a Chepita

 La poesía es un síntoma humano. No me malentiendan; ser humano no es una enfermedad. Quizá “síntoma” no sea la palabra correcta. Mejor dicho: la poesía es un futuro obligado propio del humano. La consecuencia inmediata del amor es la poesía. El poema, el que surge de afuera hacia dentro y viceversa, no se hace, sino se va construyendo con la vida misma.

 Las cartas de amor requieren de tiempo y unas cuantas arrugas, se crean con la mirada estando ciegos, con las manos carentes de piel, y luego, con la pluma. Es precisamente eso lo que escribió y con lo que escribió Jaime: la vida y con la vida, con amor y al desamor.

“Morimos en el sitio que le he prestado al aire
para que estés fuera de mi,
y en el lugar en que el aire se acaba
cuando te echo mi piel encima…” No es que muera de amor

 Jaime Sabines, el poeta y el hombre, nació todos los días. Un lunes, un martes, un domingo. Fue en Chiapas y también al otro lado del mundo. Sabines nace cuando alguien se atreve a querer de a de veras. Y también para el que sufre hasta con las uñas. He aquí su infortunio: habrá quien se atreva a orar en su nombre, malgastando sus letras en brisas vacías y sin sentido.

 Arriesgado e inocente, se enamoró joven. Y así siempre fue su amor: como del que empieza, ilusionado. Su nombre: “Mi Chepita linda”

 Las cartas, los poemas, los discursos, todo lo que salía de Jaime era por su amor: amor a ella y a la literatura, a las horas y los besos, al papel y al cansancio. Chepita es aquella o aquél al que amamos y tenemos a un lado. Es la forma en que se respira, el aire desnudo golpeando el ojo de la boca, haciendo tronar los dientes que pronuncian palabras inciertas para el que escucha sin querer y alimento para el que ama también.

Jaime y Chepita
Jaime y Chepita

 La genialidad de este artista reside en lo que algunos no comprenden. Si bien, ser poeta requiere de enormes virtudes, una sensibilidad nata y un dominio del lenguaje mayor, Sabines escribió para que todos lo pudieran entender y sentir. El arte de escribir, fue para el artista, hacerlo como cuando se habla, con la cualidad de elevarse.

“Al fin y al cabo soy poeta –y a la poesía, como a la flor que crece en la falda de los volcanes, si la tocan, la deshacen.” Cartas a Chepita

Sabines lo dice por nosotros. Su arte, su poesía, es la poesía de todos los días. Es la mía, la tuya, la nuestra, la ajena y la personal. Es una caminata, una mano encerrando otra, un día de lluvia, el cabello sin estar quieto, es su mirada, es estar sentado, un cigarro. Él lo dice por nosotros.

Jaime Sabines. Homenaje en Bellas Artes. 1996

 

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Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

La poesía armada hasta los dientes: Miguel Hernández

 

 

 

“No, no hay cárcel para el hombre.

No podrán atarme, no.

Este mundo de cadenas

me es pequeño y exterior…

…Libre soy. Siénteme libre.

Sólo por amor”.

— Miguel Hernández (Antes del  odio)

 

 

Las  montañas de Orihuela, la  yunta de  cabras, el  pasto, el amor, la muerte  y la  vida  son los  ingredientes que nutrieron  al niño pobre que  escribía sobre el lomo del  ganado, aquel de la casa  pintada y nunca vacía, el hombre  con  oficio de  poeta que durante la  Guerra  Civil  Española y el  fango de  las  trincheras del  bando  republicano, afiló su  pluma, un personaje que quiso arrancarse de cuajo el  corazón en  cada  palabra, el hombre  que  se  llama barro, la  muerte  enamorada,  aunque Miguel lo  llamen.

 

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En el centro de la parte superior, Miguel Hernández en la escuela Ave María.

Miguel  Hernández  Gilabert o simplemente  Miguel Hernández  nació el 30 de octubre de 1910 en  Orihuela, Alicante. Proveniente de una  familia  con  recursos  limitados, estudió la primaria  en la  escuela  para  pobres anexa al Colegio de Santo Domingo, Ave María. Su papá era un pastor  de  cabras,  así  conoció el valor del trabajo desde muy niño, motivo por  el cual tuvo  que  abandonar  sus  estudios en  diversas  ocasiones.

 Su  acercamiento a  la poesía sucedió de  manera  temprana, acompañado por José Ramón Marín Gutiérrez  mejor  conocido  como Ramon Sijé -quién fue  su  gran  amigo- Miguel cultivó sus  inquietudes literarias y políticas a su lado, se  esforzó en ser autodidacta con los libros que conseguía en la biblioteca del Círculo de Bellas Artes, orientado por el clérigo Luis Almarcha,  descubre a  autores  como  Cervantes, Lope, Calderón, Góngora, Paul Valery, Garcilaso y Antonio Machado. Sijé, quien fue estudiante de derecho en la universidad de Murcia, resultó  fundamental  dentro  de  la  vida  y  obra  de  Miguel Hernández, orientó  su  lectura hacia los clásicos y la poesía religiosa, también lo alientó  a desarrollar su habilidad creadora que,  para  entonces,  veía  la luz  sobre  papel  destraza,  mientras  las  cabras  pastaban en  la  montaña.

“No quiero morir -dormir-,
no quiero dormir muriendo
en la sagrada tierra estéril…
¡Yo quiero morir viviendo!”

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Miguel Hernández

 Para inicios de la década de 1930, Hernández publica algunos poemas en el semanario El Pueblo de Orihuela y el diario El Día de Alicante.  Pronto su nombre hizo eco en  revistas y diarios locales. En el amanecer de  esa  década, viaja por  primera vez  a Madrid  donde ya  es  conocido  el mote de “cabrero-poeta”; el impacto de la  capital mezclado  con sus  influencias  literarias  y su infancia dan como  producto  a su  pirmer  obra, Perito en lunas (1933). Un  crisol  de  una poética épica-mística como  muestra  inexorable  de  un estilo, la  capacidad de  agencia  del  poeta, había  llegado  para  quedarse.

“Pero al fin podré vencerte,
ave y rayo secular,
corazón, que de la muerte
nadie ha de hacerme dudar.
Sigue, pues, sigue cuchillo,
volando, hiriendo. Algún día
se pondrá el tiempo amarillo
sobre mi fotografía”.

Después  de su  auto-afirmación,  regresó  a Madrid para  conocer a Josefina  Manresa – quien sería  su mujer-, más  tarde publicó El  rayo  que  no  cesa (1936) , obra  que  aún mantenía  los  rasgos  de métrica, misticismo  y  formalidad que  hasta  entonces eran distintivos de Hernández, posteriormente conoció a  Pablo Neruda y  Vicente Alexaindre quienes  influirían de  manera definitiva  en su  estilo, le  abrieron  el campo del verso  libre  y el surrealismo, se alejó de  sus  creencias  religiosas, desde  entonces,  se vio a si mismo como  poeta del  y para el pueblo.

España  pasaba  entonces  una  inestabilidad  política  y efervescencia social importante. La  Guerra  Civil  estaba en puerta,  Ramón Sijé  había  muerto  en 1935 y Miguel  le dedicó una elegía  que se distinguría  de  la  poesía de  su  tiempo en El rayo  que  no cesa.

“No perdono a la muerte enamorada,
no perdono a la vida desatenta,
no perdono a la tierra ni a la nada…
…Quiero escarbar la tierra con los dientes…
…Quiero minar la tierra hasta encontrarte
y besarte la noble calavera
y desamordazarte y regresarte.” 

Al  estallar  la  guerra, Miguel  tomaría  partido  en el  bando  republicano,  el 18 de septiembre de 1936 se  alistó en el 5º regimiento, se  alejó del Hedonismo académico que practicaban Rafael Alberti y Luis Cernuda, por eso se  fue  a combatir, a ver  caer  a su compañeros  y amigos, sin embargo,  más  tarde  fue  designado Comisario de Cultura del Batallón de El Campesino. En  esta  época  su  poesía se  volvió  una llama de  denuncia, que se  plasmó en sus obras Vientos del pueblo (1937) y El hombre acecha (1939). Hernández  recibió  invitaciones para  simpatizar con los  franquistas, y alcanzar  el  indulto, a lo que  siempre  respondió: “Como  si Miguel Hernández  fuera  una  puta  barata”.

“Cantando espero a la muerte,
que hay ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas”.

El 9 de marzo de 1937 logra escapar durante la  guerra a Orihuela para casarse con Josefina Manresa. En diciembre de ese año nace Manuel Ramón su primer hijo que muere a los pocos meses, a  él está dedicado el poema Hijo de la luz y de la sombra, para enero de 1939 nace Manuel Miguel su segundo hijo,  a quien dedicó las famosas Nanas de la cebolla.

“Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma”.

 

Ese  año   transcurrió  para  Miguel entre arrestos   y libertad momentánea, un detrimento  en su  estado de  salud  y  carencias  económicas. La cárcel le quitó el  aliento de  a poco, las prisiones de Madrid, Ocaña y Alicante, lo resguardan  hasta  que una tuberculosis pulmonar aguda atacó ambos pulmones,  se intento un traslado al Sanatorio Penitenciario de Porta Coeli  pero se  fue  imposible. Neruda  intentó  abogar  por  él, sin embargo  tampoco  tuvo  éxito. El 28 de marzo de 1942 a los treinta y un años de edad Miguel Hernández  cerró los  ojos y se  fue  como  llegó,
con sus  tres  heridas.

“Llegó con tres heridas: 
la del amor, 
la de la muerte, 
la de la vida.”

 

¿Te  interesa  leer  más sobre él y su poesía ?  Pásale por acá.

Originally posted 2014-12-19 08:35:27. Republished by Blog Post Promoter

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Poesía: significado y retrospectiva

Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio.
— Federico García Lorca

La poesía, es, por tomar definición, una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra y hay qué aclarar que no necesariamente reposa en el verso.

Precisiones:

  • Según los griegos puede haber tres tipos de poesía: Lírica, dramática y narrativa.
  • Antiguamente en Grecia el concepto abarcaba a la narrativa actual.
  • El término “poiesis” significaba “hacer” en un sentido técnico y en realidad, se refería a trabajos artesanales de todo tipo.
  • El creador, el artesano, hacedor, legislador, poeta, autor etcétera era llamado “poietés” el generador de algo que antes del paso por  su mano creadora era inexistente. En literatura entonces, era el arte creativo que utilizaba el lenguaje.

Es menester decir, que la poesía  no era creada para ser leída, sino representada.

Al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta.
— Platón

En la República, Platón establece tres tipos de “poesía”: Poesía imitativa, no imitativa y épica. El teatro es poesía imitativa, lo propio era no imitativo y lo restante: Poesía épica. En la Grecia antigua todo se componía en verso.

 Pasa algo interesante con Platón y es que siendo él peta, consideraba también a la poesía como la forma más elevada del arte, es en este libro (La República) que postula la necesidad del destierro de los poetas de una metrópoli moderna; aparentemente y dados los antecedentes, no se refería a todos los poetas, sino a los practicantes de la mimesis fantastiké, las apariencias, los encargados de reproducir fantasías, los hacedores, de la ficción, de lo fantástico.

 Lo que hay que recordar es que Platón consideraba que ésta realidad era una copia de las ideas, por tanto, éste tipo específico de poeta, era un ejecutante de la copia de una copia. Estas personas, luego, no son filósofos sino meros ejecutantes con posibilidades de persuadir al pueblo a seguir sus teorías no instruídas.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.
—  Octavio Paz

 La poesía se consideraba como una realidad espiritual más allá del arte,  la calidad de lo poético trasciende a la lengua y al lenguaje. De acuerdo con la Poética de Aristóteles, es el género en que el autor expresa sentimientos y visiones personales.

 La poesía actual se se relaciona con su capacidad de síntesis y de asociación y para ésto, se vale de la metáfora, que es diferente de la imagen, que se acerca a la nueva realidad mediante significados que refieren un sentido estricto y a la vez uno distinto, a diferencia de la metáfora que es la correlación entre dos símiles, según muchos una clara muestra de inteligencia y sensibilidad puras.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.
— Octavio Paz

 El lenguaje escrito en forma de poesía fue encontrado en el Antiguo Egipto en jeroglíficos, 25 años antes de Cristo. Son cantos de labor y religiosos. El poema de Gilgamesh, fue escrito con caracteres cuneiformes y sobre tablas de arcilla, 2000 años antes de Cristo. La Iliada y la odisea de ocho siglos antes de la era Cristin, Los veda del hinduísmo del siglo iii a.C.

 La poesía de Roma se basó en Grecia. La primera obra maestra de la literatura latina es “La Eneida” de Virgilio,también valdrán Propercio, Ovidio y Cátulo.

Si la poesía no nace espontáneamente como la hoja de un árbol, es mejor que no nazca de ningún modo.
— John Keats.

 Alguien hace poco me recordaba la cita de un libro para jóvenes poetas, y era justo lo que arriba se menciona, que no hay que angustiarse para escribir poesía por lo que no se conoce del mundo, todo lo del mundo se lleva dentro, un grano de arena, la sal del mar, el viento, es cuestión de encontrarlo y permitirlo salir.

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Originally posted 2014-11-24 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

De: Georges Polti. Situaciones dramáticas

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La razón de la repetición constante en películas, novelas y teatro de situaciones es  resultado de lo escaso de las situaciones dramaticas humanas y formulas preestablecidas, termina en que nos preguntamos si nuestros afanes de complejidad en la gama humana quedan en eso, en pretensiones.
 Traemos pues, 19 de las 36 situaciones dramáticas de Polti, de Gozzi (1720-1806) en principio de cuentas, dramaturgo que aseveraba, toda la posibilidad se reducía a 36 situaciones dramáticas, en literatura, teatro, y en la vida claro. 36 tramas posibles. La lista aquella se perdió y Goethe, a quien sabemos por el Fausto trató de descifrarlas, aparentemente sin buenos frutos tiempo después.
 Es entonces que Polti, tras cansados análisis de la literatura clásica, inventaría las escasas situaciones, es de la mezcla de estas de donde todo procede, entonces nos explicamos de este modo el ligero dejo de familiaridad entre todo lo que vemos y leemos.

 01 SUPLICA (Elementos: uno que persigue; uno que suplica; una autoridad de dudosas decisiones).

 02 RESCATE. (Elementos: uno que amenaza; un desdichado; uno que rescata.

 03 EL CRIMEN PERSEGUIDO POR VENGANZA (No por la autoridad) (Elementos: un criminal y uno que toma venganza de él).

 04 VENGANZA DE PARIENTES SOBRE PARIENTES (Elementos: pariente culpable; pariente vengador; recuerdo de la víctima, pariente de ambos.

 05 PERSECUCIÓN (Elementos: el que huye y quien lo persigue para castigarlo).

 06 DESASTRE ((Elementos: un poderoso que conquista y uno victorioso) (Casos como el “Enrique VI” y “Ricardo II”, de Shakespeare. Y, fuera de autoridades y reyes, casos de grandes hombres caídos en desgracia, traicionados, sumidos en el desastre, tales como Colón, de Lesseps -Vizconde Fernando María de Lesseps, constructor del Canal Suez e iniciador de la construcción del Canal Panamá; condenado junto con su hijo a multa y prisión y caído en desgracia después de sus dos grandes obras, una terminada y otra iniciada y respaldada por él-; dentro de este rubro o clasificación: “Desastre”, caben los accidentes marinos, aéreos o terrestres; un ciclón, un terremoto, Etc.; y así, Polti cita en este rubro la obra “Tierra de Espanto”, de Lorde y Morel, 1907, en la que se describe una catástrofe de la Naturaleza. Como se ve, este rubro y muchos otros, abarcan demasiados sucesos, y así es fácil reducir todo a 36 y dramáticas. Porque podría diferenciarse el desastre de un reino o de un hombre del desastre de un fenómeno de la Naturaleza, y llamar al primero desastre y al segundo catástrofe, y entonces ya serían 37 situaciones y no 36. Como se observa, la calificación es un tanto convencional y elástica).

 07 VICTIMAS DE LA CRUELDAD O LA DESGRACIA. (Elementos: un desdichado, un amo una desgracia) (Casos: el inocente víctima de la intriga o la ambición, o de la intriga ambiciosa; el inocente despojado precisamente por quienes tenían el deber de protegerlo y cuidarlo; el poderoso que es desposeído y arruinado; el favorito que de pronto se ve desterrado y olvidado; el dedicado a quien se quita su última esperanza, Etc.)

 08 REBELIÓN (Elementos: el tirano y el conspirador). (Casos: La conspiración de un solo individuo; la conspiración de varios; la rebelión de uno que arrastra a otros; la rebelión de muchos, simultáneamente).

 09 EMPRESAS ATREVIDAS (Elementos: un líder audaz y valiente; un objetivo; un adversario). (Casos: la preparación para la guerra, una guerra difícil; la guerra misma; uno de los combates de la guerra; expediciones peligrosas; empresa difícil y atrevida para apoderarse de la mujer amada, Etc.)

 10 SECUESTRO. (Elementos: el raptor; el raptado o raptada; la autoridad o policía). (Casos: el rapto de una mujer a la fuerza, de una mujer que no ama a su raptor, el rapto de una mujer que si ama a su raptor y consiente en ser reptada; la liberación de una mujer raptada sin dar muerte a su raptor; el caso anterior pero con la muerte del raptor; rescate de un amigo cautivo o secuestrado; rescate de un niño secuestrado; el rescate de un alma que se encuentra en el error religioso).

 11 ENIGMA (Elementos: el problema a resolver, el investigador o interrogador y el policía o autoridad. (Casos: búsqueda de una persona que tiene que ser encontrada bajo pena de muerte si no se la halla; un problema difícil que tiene que ser resuelto bajo pena de muerte si no lo resuelve el enviado a resolverlo; el mismo caso en el que el problema es propuesto por una mujer ambiciosa; todas las novelas policíacas en general, ya que todas llevan como elemento primordial un enigma).

 12 LOGRO O CONSECUCIÓN (Elementos: uno que pide y su adversario que niega, para que surja el conflicto; o bien, un árbitro más o menos arbitrario dado su poder y las partes oponentes a ese arbitro). (Caos: esfuerzos por lograr un objetivo por medio de la fuerza; el caso anterior, pero por medios persuasivos; la elocuencia frente a la severidad de un árbitro, de una persona que tiene que resolver el caso, derrotado por esa elocuencia de su oponente).

 13 ENEMISTAD DE PARIENTES (Elementos: un pariente malévolo, villano; un pariente odiado por ese pariente y al que éste odia también). (Casos: odio entre hermanos; un solo hermano odiado por todos los hermanos suyos; odio entre parientes por intereses; odio entre padre e hijo; odio de la hija por su padre; odio del abuelo; por el nieto; odio del padrastro por el hijastro; odio de la madrastra por la hijastra; odio que llega al infanticidio).

 14 RIVALIDAD ENTRE PARIENTES (Elementos: El rubro anterior se refiere principalmente al ODIO entre parientes. Este rubro se relaciona esencialmente con la RIVALIDAD entre parientes). (Elementos: el pariente preferido, consentido, querido; el pariente rechazado, eliminado, el objetivo a conseguir). (Casos: rivalidad maliciosa o malévola de un hermano por un pariente; rivalidad malévola o maliciosa de dos hermanos por otro pariente; rivalidad entre dos hermanos con adulterio por parte de uno de ellos; rivalidades entre hermanas; rivalidad entre padre e hijo por una mujer soltera; el caso anterior pero por una mujer casada; rivalidad entre padre e hijo por la esposa del padre, de la que está enamorado el hijo; rivalidad entre madre e hija; rivalidad entre primos; rivalidad entre amigos muy íntimos, no parientes). (Ignoramos por qué incluye Polti esta última rivalidad, que no se refiere a parientes. Volvemos a la “elasticidad” de esta clasificación, pero creemos que es necesario y hasta útil que el escritor la conozca).

 15 ADULTERIO HOMICIDA. (Elementos: los dos adúlteros; el esposo o la esposa traicionados). (Casos: asesinato del esposo por el amante de su mujer; asesinato de un amante que se confía -caso Sansón y Dalila; asesinato de la esposa por su propio amante).

 16 LOCURA (Elementos: el loco o la loca y su víctima o víctimas. (Casos: un pariente asesinado por el loco durante uno de sus ataques de locura; un amante asesinado durante el ataque de locura del desequilibrado mental; asesinato o graves lesiones de una persona a la que el loco no odia; la desdicha que cae sobre el infeliz loco…; … una persona solo por el miedo de heredar la locura de su padre o madre -como en L’Etau, “El Torno” de André Sardou, 1909).

 17 IMPRUDENCIA FATAL. (Elementos: el imprudente; la víctima de la imprudencia o el objeto u objetivo perdido por imprudencia). (Casos: la imprudencia es la causa de la desdicha del imprudente mismo; la imprudencia es causa del deshonor, de la deshonra del imprudente; la curiosidad es la causa de la desdicha del imprudente; pérdida de la persona amada por imprudencia; la imprudencia como causa de la muerte o deshonra de otros; la imprudencia como causa de muerte de un pariente; la curiosidad imprudente como causa de la muerte de varios parientes;).

 18 CRÍMENES INVOLUNTARIOS DE AMOR (Elementos: el amante o enamorada y el que hace una sorpresiva e inesperada revelación, intensamente trágica o dramática). (Casos: descubrimiento súbito e inesperado, intensamente trágico y patético, que se le hace a una persona al revelarle que, sin saberlo, se ha casado con su propia madre; descubrimiento de que una persona se ha casado con su propia hermana; descubrimiento de que un hombre tiene como amante a su hermana; el mismo caso anterior, en el que el crimen que se comete ha sido villanamente planeado por una tercera persona; el sujeto que está a punto de tomar como amante a su propia hermana; el sujeto que se encuentra a punto de violar a una muchacha sin saber que es su hija; el sujeto que se encuentra a punto de cometer adulterio, sin saberlo).

 19 ASESINATO DE UN PARIENTE NO RECONOCIDO (Elementos: (El asesino y la victima no reconocida). (Casos: el sujeto esta a punto de asesinar a su propia hija sin saber que lo es, por el supuesto mandato de una falsa divinidad u oráculo, o instigado por un perverso; asesinatos políticos por necesidad; asesinatos por rivalidades en amores; asesinato por odio que profesa el enamorado o amante por la hija a la que no ha reconocido; el sujeto está a punto de asesinar a su hijo sin saber que lo es; a punto de asesinar a su propio hijo al que no ha reconocido, pero impulsado por instigaciones maquiavélicas; asesinato de parientes no reconocidos; a punto de asesinar a un hermano no reconocido por el asesino; asesinato de una madre no reconocida; un padre es asesinado por su hijo que no lo reconoce o que no lo conoce, pero debido instigaciones o intrigas maquiavélicas; un abuelo asesinado por su nieto que no lo reconoce, por venganza y siendo instigado por un villano o perverso que desea la muerte de ese abuelo y no quiere matarlo él mismo para no comprometerse; asesinato involuntario; un padrastro asesinado involuntariamente; asesinato involuntario de la mujer amada; a punto de asesinar al enamorado no reconocido. “El Monstruo Azul”, de Gozzi) fracaso para rescatar a un hijo no reconocido).

 No deja de resultar intrigante me parece, uno no se aguanta las ganas de desmitificar, de la ofensa que resulta sabernos tan básicos, tan escasos, la sensación de volver a las pocas letras del alfabeto que nos componen la gama del lenguaje. A saber si se hará en el próximo tiempo.

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Germán Saez: Talento fotográfico natural

Por: Sus

@SusBouvier  

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, -talento- se define como la capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación. Es precisamente este sustantivo  el que destaca a Germán Saez, diseñador web y fotógrafo argentino. Su historia en el mundo de la internet comenzó en los años noventa, cuando cursó la carrera en diseño en imagen y video, misma que, en ese entonces, se limitaba a la creación audiovisual. Esta situación llevó a Germán, interesado desde años anteriores en el diseño de sitios web a ser autodidacta. Por hobby, en 1998, decidió aplicar sus conocimientos en la realización de su primer sitio, el cual fue dedicado a Gustavo Cerati, músico del cual Saez fue seguidor desde su adolescencia. En 1999, en un hecho curioso y singular, la pagina es del agrado de Gustavo, a tal grado de contratarlo para diseñar la pagina oficial del músico que prevalece hasta estos días, cerati.com

Paralelamente a su actividad como diseñador web en cerati.com y en Cuatro Cabezas (productora argentina de televisión independiente) Saez se dedicó a fotografiar a Cerati en sus presentaciones en vivo como solista. Esta actividad que también realizó como pasatiempo, se elevó al plano profesional en 2007, al convertirse en el encargado de documentar visualmente la gira Me Verás Volver del rencuentro de Soda Stereo así como el sitio oficial. Este trabajo quedaría plasmado en un DVD y en un libro del mismo nombre.

Desde este hecho tan importante, Saez tomó la fotografía como una actividad profesional, al colaborar para periódicos y revistas Argentinas como   Clarín, La Nación, Rolling Stone, D-Mode, Remix, Soy Rock, Gente, Ácido Surtido, Suite Intima y Terrorismo Gráfico, por mencionar algunos. En su portafolio se pueden encontrar fotografías de músicos como Muse, Placebo, Interpol y. R.E.M. En el mismo, también se expone el gusto de Saez por los retratos, la fotografía erótica y la fotografía urbana. Influenciado por fotógrafos como Anton Corbjin y Peter Lindbergh, Saez demuestra una predilección por la geometría, al darle armonía a sus composiciones. De 2009 al 2012, expuso parte de trabajo en su propia publicación, Sheltermag; en donde cuenta con la participación de colegas como Aneta Kowalczyk, Nora Lezano y Sthefania Fumo.

 

Actualmente, Germán Saez, de 39 años, regresa a su profesión inicial al realizar videoclips de músicos argentinos, sin dejar de lado el diseño y la fotografia. Para conocer mas del trabajo de Germán Saez, visita: http://germansaez.com/

Originally posted 2012-09-11 17:11:45. Republished by Blog Post Promoter

El secreto lenguaje del gesto

Hay un lenguaje que es universal, que se transmite clara y espontáneamente. La expresión corporal son palabras mudas que sin más explicaciones demuestran al instante lo que sentimos y lo que pensamos; ésta reflexión y la exploración del cuerpo humano llevó a Jennifer Crupi a alentar el gesto, amplificando su fuerza al construir varias series de joyería mecánica que se definen como piezas esculturales que incentivan al lenguaje corporal y a la comunicación no verbal.

jennifer cupi

jennifer cupi

Originaria de Inglaterra, Jennifer tiene una larga e interesante trayectoria en la que ha elaborado todo tipo de accesorios en los que las acciones toman un protagonismo que se detiene en el tiempo dando un resultado transgresor, creativo y muy noble recordándonos que una acción dice más que mil palabras.

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

Originally posted 2013-02-02 11:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Exposición doble: Goya y Demián Flores

Por Miriam Martínez

@coopmi

Desde el pasado 17 de octubre, Francisco de Goya y Demián Flores comparten un mismo techo, a través de sus obras, en el Museo de la Ciudad de México. La muestra Los Desastros Colaterales está compuesta por los más de 80 grabados elaborados por Goya de la serie “Los desastres de la guerra” y los 82 del oaxaqueño Demián Flores. La muestra expresa a través de su iconografía el tema de la violencia y los horrores de la guerra.

A través de sus grabados, Demián Flores elabora un espejo de nuestro tiempo. Su inclinación por Goya nació al descubrir cómo sus grabados se parecen mucho a la cotidianeidad, pues él percibe en sus imágenes una gran esencia de lo que día a día nos proveen los medios de comunicación. La serie “Los desastres de la guerra” de Goya contiene una visión contemporánea en la que incluye un poco de su imaginación en temas relevantes como el heroísmo, la brutalidad, el hambre, la desesperación, la destrucción y sobre todo la muerte.

El trabajo de Flores es una especie de paráfrasis que parte de una misma reflexión, a partir de estructuras que tienen que ver con el territorio, la  y la identidad. También hablan sobre la realidad , vista desde el cúmulo de yuxtaposiciones que construyen este país: referentes prehispánicos, coloniales, los procesos relacionados con la identidad.

Demián Flores aclara que estas piezas no buscan respuestas. “El arte hace preguntas, no da respuestas. Busco reflexionar porque para mí el arte está dentro de la categoría del pensamiento, así que esta exposición no pretende dar una conclusión, sólo tiende preguntas que se generan a partir de planteamientos de representación o dispositivos que puedan desprender de la memoria colectiva […] en este sentido el arte es un filtro de la realidad. Un proceso de comunicación que contiene un diálogo con el otro, con el espectador. Es como nosotros nos acercamos a una problemática y utilizamos diferentes medios de representación para abrir esas preguntas sin llegar a un sentido panfletario”, añade.

La muestra, bajo la curaduría de Lluvia Sepúlveda, profundiza en el tema de la violencia y la crueldad, los cuales han preocupado constantemente al ser humano en todos los tiempos y las civilizaciones. La exhibición saldrá de gira el próximo año por los estados de México, Oaxaca y Coahuila.

Museo de la Ciudad de México

Pino Suárez 30, Centro Histórico

Martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas

Costo: $24.00. Miércoles entrada libre

 

Con información del periódico Crónica y la Secretaría de Cultura del DF.

Originally posted 2012-10-24 18:00:47. Republished by Blog Post Promoter

Conoce al Colectivo Durango

Por Jesús Herrera

“La necedad de crear. El arte tiene un detonador de rebelión que es lo que empuja al artista a crear”.

Avelina Lésper

Patricia Aguirre, Yanira Bustamante, Carlos Cárdenas, Alejandra Díaz, Ricardo Fernández, Ricardo Luján, Edgar Mendoza, Óscar Mendoza, César Muñoz, Omar Ortiz, Manuel Piñón, Jorge Ortega, José Luis Ramírez, Antonio Ruiz, Carlos Cárdenas, Cristina Sandor y Ricardo Salcido forman el Colectivo Durango. Un grupo de artistas sobresalientes que se han ganado un lugar dentro de la plástica mundial.

El Colectivo Durango está constituido por lenguajes heterogéneos, a diferencia de otras agrupaciones del mismo tipo que buscan trabajar en torno a un concepto plástico, tendencia o propuesta, situación que ha orillado al colectivo a darle prioridad a asuntos de interés general sobre los particulares. Es así como el Colectivo Durango desarrolla una propuesta integral donde el trabajo, la calidad y la continuidad en el mismo constituyen la estructura que mantiene unida la iniciativa de impulsar, promover, difundir, proteger, dignificar y desarrollar las artes plásticas y visuales de Durango.

Con distinta formación académica  la mayoría de los miembros del colectivo Durango han obtenido reconocimiento local, haciéndose acreedores de becas y estímulos de organismos como el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (FOECA) y del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA), enriqueciendo con sus proyectos el acervo  de las artes plásticas y visuales de Durango.

Puedes checar más obras e información sobre el Colectivo Durango en su página oficial.

Originally posted 2012-10-19 16:00:28. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

AA

En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

The Humane Society premiará al artista más “mono”

The Humane Society of United States, asociación dedicada a la protección animal, organizó un concurso de pintura para chimpancés cuyo premio consiste en la donación de recursos económicos para el mantenimiento del albergue representado por el primate ganador.

En este certamen participan seis chimpancés con talento especial para la pintura, actividad a la que se dedican tras haberse jubilado del mundo del espectáculo o haber formado parte de proyectos de experimentación científica. Actualmente, los primates concursantes viven en santuarios o albergues donde se les brindan cuidados especiales; sin embargo, para que instituciones como estas puedan subsistir y ofrecer lo mejor a sus huéspedes, es necesario un financiamiento y éste lo otorgan asociaciones como The Humane Society por medio de la recaudación de fondos en eventos como el citado.

Los chimpancés participantes son Ripley, Jenny, Patti, Jamie, Brent y Cheetah, entre ellos se encuentran los dos ganadores de la competencia, uno será elegido por votación pública y el otro por la Doctora Jane Goodall, conservacionista y primatóloga. Los triunfadores serán dados a conocer el 29 de agosto del presente año.

Cabe mencionar que todas las pinturas, ganadoras o no, serán subastadas después del concurso; los fondos obtenidos tras esta venta serán donados a la Alianza Americana de Santuarios para Primates.

The Humane Society of United States se autodefine como la organización protectora de animales más efectiva y grande del país; además de realizar eventos en beneficio de albergues para diversas especies, HSUS también se dedica a la investigación de casos de crueldad contra animales, con la finalidad de lanzar campañas para detener el maltrato y luchar por más y mejores leyes en materia de cuidado a estos seres vivos.

De este hecho no sólo destacan los esfuerzos de algunas asociaciones por proteger a los animales, también es admirable el talento de los primates para crear obras de arte, a continuación se muestran las pinturas participantes:

Cheetah.
Jamie.
Jenny.
Patti.
Ripley.

Para más información, consulta www.humanesociety.org

Originally posted 2013-08-29 16:48:28. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- cinematerapia

Hace algunos días, mi mejor amiga criticaba la película Maléfica por el hecho de buscarle un trasfondo para hacerla ver buena (aunque en realidad sea mala). Me había percatado que el buscarle una “razón de ser” al villano de la película o de la historia, se estaba volviendo algo muy común.

El film Maléfica se hizo más como una búsqueda de justicia para la famosa villana que como se presentó hace años en la primera entrega de disney.

 Se supone que Elsa de FROZEN, iba a ser una villana hasta que escucharon su canción: LET IT GO. Por la cual cambiaron todo el guión y hacerla como una persona afligida. Incluso en la película: Juego Macabro II se explica que el asesino Jigsaw no hacia los juegos por diversión; sino porque tenía cáncer y deseaba hacer que las personas que elegía comenzaran a apreciar su vida de mejor manera.

 Les haré una pregunta, ¿si ustedes estuvieran en la situación de Maléfica, Elsa, o Jigsaw habrían actuado de la misma manera que ellos?

Esta película puede ayudar a alguien para superar la muerte de un ser querido

 La verdad es que estas películas van a tener una labor más grande. A lo largo de los años ha habido películas que nos hacen llorar por el mensaje que tienen y nos marcan. Esas marcas que llevamos en el corazón por las historias han comenzado a tener un nombre y se llama Cinematerapia.

 Identificarnos con un personaje o situación es una manera en cómo la cinematerapia funciona. Es como la pregunta que hice, pero a un nivel más complejo. Somos el único tipo de ser viviente que aprende por reflexión. Esto significa, que no tenemos que vivir algo para saber si es bueno o malo, con la pura historia de alguien más podemos darnos cuenta.

 Los fundadores de la cinematerapia tienen su propia página de internet http://www.cinematherapy.com/ en donde pueden leerse las razones por las cuales este tipo de terapia funciona. Así como toda la lista de películas con las que ellos han trabajado.

 Dicha lista se divide en: inspiración, problemas personales, sociales, niños, adolescentes, problemas familiares, de pareja, enfermedad mental, emocional y problemas médicos.

 La pregunta que todo mundo hace, ¿qué tipo de películas hay en esa lista?.Pensando que serán títulos de hace mucho años, o que son películas de arte que nadie va a poder conseguir. La realidad es que muchos de los films ya los hemos visto, pero no teníamos idea de que nos podrían ayudar.

 Por ejemplo. Una de mis películas favoritas es Más allá de los sueños, y aparece en esa lista como una película que ayuda a superar la muerte de un ser querido. Puede que esa sea muy fácil, pero en el caso de La Bella y la Bestia, dicha película está en la lista de problemas como: la  desfiguración.

 Ya si lo pensamos de esa forma, podría ser el caso. La bestia era un príncipe y vivió pensando que nadie lo amaría (por el hecho de verse horripilante), como alguien con alguna desfiguración. La película sería de gran ayuda al final.

 Espero que chequen la página. Yo cuando la descubrí hace unos años me la pasé pensando en que era una manera bastante interesante de utilizar el cine. El arte es, a final de cuentas, un escape para los sentimientos.

Originally posted 2014-07-08 18:30:44. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

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3D: Escultura animada

Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.

Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.

Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.

Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.

Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.

El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.

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La cerveza artesanal presente en Merlus Craft

Así es como da inicio un proyecto llamado Merlus Craft. Se preguntarán, ¿y eso qué es? Les digo: Merlus Craft promueve, difunde y distribuye cerveza artesanal. La distribuidora está integrada por cuatro socios: Mercedes, Erick, Luis y Sergio Castillo, cuyas iniciales curiosamente dan nombre al proyecto. Platicando con Sergio Castillo, uno de los socios, nos comenta:

“Merlus Craft tiene como fin distribuir cerveza artesanal 100% mexicana dentro del país; difundimos para que la gente conozca sabores y olores nuevos, queremos que los consumidores de cerveza sepan de la existencia de otros productos fuera de las marcas comerciales. Nos gusta explicar el proceso de elaboración de cerveza artesanal. Como breviario rápido les puedo decir que pocas personas saben que la cerveza artesanal contiene vitaminas que son aportadas por el grano y no contiene alcohol inducido. En Merlus apoyamos a los maestros cerveceros, vuelvo a recalcar, 100% mexicanos”

Buscando complacer todo tipo de paladares, en Merlus hay gran variedad de cerveza artesanal, desde Pale Ale con cuerpo ligero y sabor maltoso; sabores a café y chocolate como las Stout; amargas y lupuladas como las IPA; hasta las que tienen sabores nada convencionales elaboradas con tuna, camote, aguacate, calabaza y huitlacoche. En la inauguración de Merlus, encontramos a Daniel Colín, maestro cervecero de La cervecería del Rey. Sin duda, una de las cervezas que más llamó mi atención fue la llamada “Mictli”, cerveza de calabaza con piloncillo canela y especias. En palabras del maestro cervecero:

“Nuestra cerveza de calabaza surge porque una de mis socias tenía calabazas criollas, y alguna vez probé buñuelos con piloncillo en una feria, así que decidimos fusionar la calabaza y el piloncillo con cerveza, y así nace nuestra Mictli. Tiene base Brown Ale y en conjunto la llamamos Calabaza Ale, todo hecho con producto mexicano, además de esta manejamos otros estilos como la American Stout y Belgian Dark Strong, además por temporada navideña vamos a sacar la edición con cereza y durazno.”

La tarde transcurría rodeados de maestros cerveceros, personas interesadas en conocer acerca de la cerveza artesanal y su elaboración, invitados cerveceros caseros y uno que otro curioso. Encontramos a Efraín Guevara, maestro cervecero de Cerveza Pagana, quien nos dijo:

“Llevo tres años como maestro cervecero, soy el cocinero, el que hace la cerveza, se podría decir que en lo personal soy todólogo: hago la cerveza, la embotello, la vendo. Pagana maneja los estilos Pale Ale, Brown Ale y Porter”.

Efraín es un maestro cervecero muy creativo y extrovertido, ya que alguna vez juntó malta base, lúpulos que encontró y quedaron de otras cervezas, para crear un estilo que ni él conocía. Tuvimos la oportunidad de probar esa creación, definida por él como una cerveza fresca y con un grado de amargor decente.

Así es como concluye nuestro paso por Merlus Craft, un proyecto de mexicanos para mexicanos, apoyando al paisano, al pequeño cervecero casero. No te pierdas la oportunidad de conocerlos, porque además de pasar un buen rato disfrutando de la compañía de las personas de tu agrado, podrás disfrutar de cervezas artesanales mexicanas. ¿Y tú, cuál vas a probar?. Por último los dejo con palabras de Merlus Craft: “De todo corazón no saben que día tan poca madre nos pasamos, mil gracias a todos los que estuvieron aquí y a darle”.

Para asistir personalmente, la dirección es: Forestal #10, col. Ejido de Huipulco, Tlalpan.
Contáctalos en Merlus Craft o al 5532776962

Originally posted 2013-11-30 14:20:33. Republished by Blog Post Promoter

De: Teatro. Verónica Maldonado

Un buen artista es antes un buen ser humano: Verónica Maldonado, dramaturga, actriz, profesora, guionista y directora de teatro egresada de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México cabalmente cumple con la regla. Es una mujer fuerte con un corazón que desde fuera se siente y al que ni ella misma es capaz de obstruir, se le asoma por los ojos, se le escapa por la pluma, es, poniendo claridad, una mujer a la que dan ganas de querer.

 Es esto importante, porque sabido es que “todo arte es autobiográfico”, no ya en un sentido estricto y corriente, sino en el modo en que todo lo que uno es, todo lo que uno conoce, prueba, lee, escucha y todo lo que no, inevitablemente es colocado en las acciones como en una vitrolera,  para un artista las acciones, los frutos, son el arte que crea y le recrea, que forja  y viceversa; este corazón de Verónica se siente en el alma de sus textos y en sus puestas en escena.

 Es creadora y no sencilla ejecutante, como toda alma con afanes de libertad y portentosas necesidades de entregar, de crear y de ganar terreno en la expresión pero sobretodo de “darse” a lo que se sirva prestarle el oído, el corazón y la razón, ella es una artista diversificada, porque no puede ser de otro modo, ha ganado premios de instituciones convocantes diversas: SEP, UNIVERSITAS, TV UNAM, IMCINE, INBA, Gobierno de Yucatán entre otros en las áreas de dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Nos habla esto por fuerza de una creadora sin egoísmos, que explora en sí misma y en los territorios de fuera buscando terreno para alojar la semilla de su arte.

 Entre sus obras más recientes se encuentran: Segiz o la historia del príncipe dormido (Est. Aguascalientes, 2009), Máquina 30000 (Est.Tlaxcala, 2010) Las batallas en el desierto, (Est. México D.F. 2012) De cómo el épico negrito y el valiente monsieur epicé evitaron otra guerra de los pasteles(Est. Puebla, 2012) Tutoriales (Est. México D.F, 2012), Looper (Est, México D.F., 2012) Rojos puntos de vista(Paso de Gato, Antología) y Un teatro Xico (Est, Tlaxcala 2013).

 Verónica es también docente y ha impartido talleres de dramaturgia, presentación de proyectos y escritura creativa, en el programa Arte por todas partes del Instituto de Cultura de la Ciudad de México, PADID, Centro Nacional de las Artes, INBA-ENAT y para IDARTES, Bogotá, Colombia.

 En teatro infantil ha escrito las obras: “El Yeitotol ” (Corunda-Conaculta,colección “el mejor teatro para niños”, CONACULTA- SEP “Hacia un país de lectores”), El viaje de Ulises ( Encuentro Iberoamericano de danza y teatro para niños, Colombia 2013). y  Valentina y la sombra del diablo (Editorial Paso de Gato), esta última ha ganado el Primer lugar del I Festival de teatro de títeres para adultos, Perú (2012) Y Mejor texto dramático, Festival de teatro da Rua, Brasil (2013). Además de múltiples representaciones montada por distintas compañías de teatro en diversos escenarios de la República Mexicana.

 “Valentina y la sombra del diablo” que habla de los secretos que duelen y que no tienen derecho de permanecer como tales, a los que hay que soplarles el polvo del encierro, de lo que lastima, de lo que no debe permanecer en el encierro  ahora bajo la dirección de Verónica, está en una breve temporada en el Foro de las Artes, en el Centro Nacional de las Artes, los días: 4,5, 11 y 12 de Octubre  a las 13:30 Hrs. Entrada General $80 pesos. Hay que verla, apoyar al teatro en México con mensaje, con discurso, con magia y metáfora que salva.

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Originally posted 2014-09-29 10:38:42. Republished by Blog Post Promoter

Foro Viral 2013, haciendo comunidad en Tepito

TEPITOS

Del 25  al  29 de noviembre, el legendario barrio de Tepito abrirá sus calles y recintos emblemáticos para llevar acabo el Foro Viral 2013, un espacio dedicado a reunir organizaciones de la sociedad civil, colectivos y líderes juveniles en un ambiente de expresión e intercambio de experiencias y proyectos, donde los jóvenes puedan adquirir herramientas que los lleven a consolidar sus proyectos e iniciativas de cambio en la sociedad. Para ello, se contará con ponencias de distintas universidades, entre las que se encuentran la UNAM, Anáhuac, Ibero e ITAM, instituciones gubernamentales como el INJUVE e INDESOL y organizaciones como COPARMEX, entre muchas otras.

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Ariel Torres, artista plástico.

En el Foro Viral 2013, la colaboración activa de la población del barrio es esencial. Líderes sociales como Don Luis Árevalo, Alfonso Hernández y Ariel Torres trabajarán de la mano con la RED VIRAL para llevar acabo conferencias y talleres de artes y oficios ligados a la tradición tepiteña.

Por si fuera poco, habrá recorridos por los lugares con más tradición del barrio: la Iglesia de La Conchita, Los Palomares, El Mural de los Caídos, el Frontón “Las Aguilas”, por mencionar algunos.

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Mural de Los Caídos

En Foro Viral 2013, también se presentará una serie de actividades permanentes con el objetivo de ayudar a la comunidad en la prevención del delito y la lucha contra actividades que merman la riqueza cultural de Tepito.

La cita es este lunes 25 de noviembre a las 9:00 am en el Centro de Desarrollo Comunitario DIF Cuahtémoc, ubicado en  Jesús Carranza 33, colonia Morelos.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-23 14:00:51. Republished by Blog Post Promoter

La explosión del arte urbano en México

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Donde hay una sociedad consciente y sensible, suele haber arte. Pero ahí donde además existen las condiciones de crisis y tensión social, suelen proliferar las más genuinas y estridentes formas que adopta el arte. En la época postmoderna de esta civilización globalizada, el arte urbano se ha convertido en un reflejo honesto, crudo y con frecuencia genial de los sentimientos y las protestas.

 

Los tiempos parecen propicios para el arte y en específico el arte urbano en México. Hay un despertar político y social entre la juventud que comienza a manifestarse en los muros, calles, postes y medianeras de la Ciudad de México. Iniciativas como Esténcil Móvil comienzan a surgir para promover la utilización del arte a manera de protesta.

El blog DisqueDF presenta una colección bimestral de fotografías de arte urbano tomadas alrededor de la ciudad. Algunas piezas con un claro mensaje político y otras simplemente comunicando ideas, pero todas comparten la característica de confirmar la creciente calidad de esta forma de arte en las calles del DF.

 

“El arte es una rebelión contra el destino” se leía en una de las mantas colgadas durante la primera Asamblea #YoSoy132 hace un par de meses en Ciudad Universitaria en el Distrito Federal. El tiempo del arte urbano en la gran ciudad apenas comienza.

Para más piezas, visita: disquedf.blogspot.mx

 

 

 

 

Originally posted 2012-08-08 13:30:32. Republished by Blog Post Promoter

Mark Lovejoy y la representación abstracta en el arte

crédito: Mark Lovejoy

Una de las cosas más ingeniosas del ser humano es la creación de herramientas o utensilios que le permitan una vida más fácil. Sin embargo, y a pesar de los años, el método de creación se ha relacionado con la invención y la inteligencia. Y, en efecto, esto resulta en lo que muchos llamamos arte, moda o diseño.

 Todo comienza en la cabeza. La idea, la abstracción. La materialización, como ya lo he escrito en artículos anteriores, de esta abstracción resulta ser la pintura, la fotografía o una colección completa. Basta con sólo observar qué es lo que han hecho los humanos para vivir como vivimos actualmente.

 Mujeres, hombres todos en un mismo canal de comunicación. Diferentes códigos y lenguas, pero las ideas son comunes. Cuando se trata de una abstracción no importa de dónde vienes o quién eres (esto en un mundo utópico e ideal, pues existen aún prejuicios étnicos o raciales que impiden la formación de productos artísticos, de moda u otros en general) lo importante es qué presentas y cómo expones tu idea al mundo.

Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy

 Sería muy optimista pensar que las posibilidades de un artista para presentar su obra son incalculables, sin embargo, y pienso que gracias a la capacidad tecnológica, los artistas contemporáneos de todo el mundo son conocidos gracias a microblogs, medios especializados digitales y toda aquella gama de posibilidades electrónicas que se han perfeccionado en la última década.

 Y es justo lo que Mark Lovejoy hace en su estudio. Este artista proveniente de Texas se encarga de crear e inventar nuevas formas de llevar una idea abstracta a lo material o al exterior del cuerpo humano, de la mente. Su técnica: usar resina, aceite, cera y pintura para mezclarlos y realizar combinaciones que significan algo más que figuras o ideas explicitas como un animal o un cuerpo humano.

Crédito: Mark Lovejoy

 Las representaciones de este artista plástico tienen la característica de crear con los colores múltiples sensaciones, además que estas no son pinturas, sino fotografías de las mezclas que realiza. A su vez, el periodista James Cartwright, en su sitio web (que podrás ver aquí) ha mencionado que el trabajo de Lovejoy es un híbrido en el terreno de lo digital y plástico. Las fotografías sufren mínimas modificaciones digitales para darle efecto y sentido a lo que busca Jovejoy.

 A su vez, el artista texano declaró en el portal web del periodista londinense sobre su trabajo: “These are not photographs of paintings – no paintings exist. These images are of something as fleeting as any street scene or sunset the photographic record is all that remains . . .”

 Sin duda, las representaciones de Lovejoy permiten que sus ideas abstractas sean tan abiertas que el significado en sí de la obra no sea sólo horizontal. Cada persona lee diferente lo que está presentado, hay diferentes emociones, sentimientos y percepciones cuando se ve una obra de Mark Lovejoy.

Crédito: Mark Lovejoy

Para conocer más de la obra de este autor y adquirir alguna de sus obras, pincha aquí. 

Originally posted 2014-12-24 12:22:29. Republished by Blog Post Promoter

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

Originally posted 2014-10-27 10:17:35. Republished by Blog Post Promoter

Viernes de Remixes: Se ve.

Tal vez no lo sepan, pero es casi seguro de que ya hayan tenido un encuentro casual con Disclosure o con Iamamiwhoami y no se hayan enterado. Ellos han estado prácticamente en el centro de la escena electrónica alternativa en los últimos meses: los primeros con tracks como White Noise y Latch, los segundos con increíbles vídeos que forman parte de un proyecto de arte audiovisual donde cambiaron la forma de interpretar el cómo ver la música (literalmente).

Estos artistas sobresalen por hacer sus proyectos toda una experiencia con ciertos elementos visuales, los cuales, los han distinguido creando todo un concepto, y si no los han escuchado, seguramente vieron por ahí:

Disclosure. El dúo británico utiliza la silueta de una cara a modo de máscara y también es la protagonista en la portada de su primer álbum: Settle, próximo a lanzarse en junio y en donde podrán encontrar la versión original del remix de Hudmo a “White Noise”.


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Mientras que Iamamiwhoami en su polifacética naturaleza ha transformado de diferentes maneras su físico en cada uno de sus videos donde cabe destacar la increíble ejecución de sus canciones, sobresaliendo “Y” remixeada por Moby.

 

[soundcloud url=”http://api.soundcloud.com/tracks/93198963″ width=” 100%” height=”166″ iframe=”true” /]

 

Originally posted 2013-05-27 23:03:51. Republished by Blog Post Promoter

La sencillez no siempre es lo como la pintan: Hilary Fayle y su tejido en hojas

Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.

A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o  inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.

 El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.

 El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.

 Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.

 Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear  objetos  que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA.  Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?

 Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.

Crédito: Hilary Fayle

 Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.

 Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.

 Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante  y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.

Crédito: Hilary Fayle

 Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.

Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.

Originally posted 2014-09-10 16:13:53. Republished by Blog Post Promoter

Exposición fotográfica colectiva, Galería Transmemoria de la NanaConArte

Chulavista Art House se complace en invitar a la Galería Transmemoria de La Nana, Fábrica de Creación e Innovación presenta la exposición del Colectivo UNO sobre DIEZ, que se inaugura hoy 24 de octubre a las 19:00hrs, y permanecerá abierta hasta el 26 de noviembre de 2013.
Diez jóvenes artistas muestran sus trabajos fotográficos desde diversas estéticas, técnicas y perspectivas y se suman al movimiento colaborativo de jóvenes ayudando a jóvenes que promueve el Hub ConArteMx. La muestra incluye 50 obras en exhibición, acompañadas de una versión digital accesible en la Galería Transmemoria. Más informes @LaNanaconarte

                                                         Montaje creado Bloggif

Originally posted 2013-10-25 11:57:14. Republished by Blog Post Promoter

Stop Motion: Animación palpable

Si bien el proceso de animación provoca un efecto de movimiento en objetos fijos como dibujos o gráficos de computadora, no deja de tratarse de una ilusión óptica. No así sucede con el cuadro por cuadro o stop motion. Esta técnica de animación es casi tan antigua como el 2D, aunque mucho más compleja.
La animación stop motion es un verdadero deleite a la vista; sin embargo, debido a la enorme cantidad de trabajo y material que ésta requiere, pocos son los animadores que se ANIMAN a llevarla a cabo. Algunos consideran, con bastante razón, que esta técnica es la única animación “real”.

Al decir “real” quiero decir que en esta técnica lo que vemos en pantalla realmente existe afuera de ella. El 2D nos presenta dibujos que no van más allá del papel y el 3D elementos que siempre vivirán dentro de una computadora, pero el stop motion nos muestra objetos que comparten nuestro espacio, podemos verlos, tocarlos y manipularlos. En otras palabras, el stop motion se realiza con modelos -similares a las marionetas- que tienen una armadura articulada o esqueleto y cuyo exterior puede ser rígido, de plastilina u otro material moldeable.

Para elaborar esqueletos que faciliten la movilidad de los modelos y después recubrirlos detalladamente, en esta técnica intervienen otros procesos artísticos, como el modelado e incluso la escultura. Los esqueletos pueden ser de metal o de alambre según el presupuesto con el que se cuente. El esqueleto se recubre con látex, tela, plastilina o cualquier otro material. Realmente no hay una regla que obligue a que los modelos estén fabricados con un material específico. Incluso, algunos animadores utilizan materiales como carne, huesos y comestibles.

Aunado a esto, es necesario elaborar los escenarios, vestuarios y utilería. El proceso de preproducción resulta un trabajo extraordinariamente cansado y que requiere mucha más habilidad, concentración y amor por lo que se está haciendo. Después viene el proceso de animación, donde para conseguir movimiento hay que hacer minúsculos cambios a cada modelo: gesto por gesto, movimiento por movimiento, fotografía por fotografía. Son horas y horas de trabajo. Para darnos una idea, un animador promedio logra tan sólo unos segundos de animación en toda una semana de trabajo.

Al conocer el proceso que hay detrás de cintas en stop motion, no es extraño que el número de animadores que utilizan esta técnica sea reducido, ni que al utilizarla tarden en producir y finalizar su proyecto. Ciertamente, esperar vale la pena pues el resultado es majestuoso, provoca la ilusión de estar viendo una película que oscila entre lo real y lo fantástico. Si el 3D es la escultura animada, el stop motion es la animación palpable.

Originally posted 2013-11-19 20:13:34. Republished by Blog Post Promoter

Carlos Monsiváis: Misógino feminista

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La literatura juega un papel importante no sólo en el campo de las artes, sino también en la política y en la historia. No es un simple documento que resguarda ideas a través del tiempo y espacio, tampoco se reduce a una forma de entretenimiento para los que se piensan bien estudiados. No. Bastante le ha costado a la literatura plantarse como una fuente histórica; no refiriéndonos al texto enfocado al aprendizaje del mismo, sino a la novela, al cuento y a la poesía. Estas tres manifestaciones nos presentan la rutina de lo que fue y de lo que puede llegar a ser.

 Ahora, el elemento grande del arte surge de la imaginación, de la posibilidad de ser real sin serlo. Por tanto, los personajes tienen la posibilidad de adquirir un papel en la realidad del lector. Esto quiere decir que tanto ilustran como alteran comportamientos, sentimientos e ideas. La pregunta central que nos plantearemos a razón del libro de hoy es la siguiente: ¿qué tanta credibilidad pierde un personaje cuando se presenta en la ficción como un individuo real, pero poco conocido para nosotros en la realidad?

Pensemos en la mujer no como autora ni creadora; pensemos en ella como personaje de cuento y de novela. A lo largo de la historia, el modelo se ha ajustado a las ideas, costumbres o cultura de la época. Mujer resignada, mujer fértil, mujer producto, mujer propiedad, mujer virgen y Virgen, mujer prostituta, mujer santa, mujero que no es…

 Misógino feminista es un conjunto de ensayos del autor Carlos Monsiváis, todos enteramente comprometidos con el movimiento feminista del país. Quizá esta faceta del autor se mantenga un tanto oculta, pero es importante agradecerle a Monsiváis su colaboración, su diálogo, sus argumentos y sus letras, importantes no sólo para el círculo feminista de México y Latinoamérica, sino para todos aquellos que emprenden una lucha diaria por ser y por negar aquello que los demás disponen que sean. En él, se plantean diversos escenarios en esta recopilación tales como Pero ¿hubo alguna vez once mil machos?, Huesos en el desierto: escuchar con los ojos de las muertas, El segundo sexo: no se nace feminista, Soñadora coqueta y ardiente, entre otros. En cada una de las obras, en concreto donde el escenario es México, queda clara la entidad cultural del machismo (¿acaso al igual que la corrupción se debiera de institucionalizar?) que tanto ha afectdo el desarrollo de la nación.

El sexismo y su esquematización, la virginidad como propiedad, la timidez mexicana, el papel de la literatura, el reconocimiento del problema.

 Carlos Monsiváis, autonombrado Misógino feminista –“alterna su misoginia con una encendida defensa del feminismo”– fue (es y será) un intelectual mexicano al cual le debemos el reconocimiento de un problema que va más allá de la política, el cine y la canción popular. Monsiváis dio vuelta a la pagina, acepto la existencia y la hizo suya, abrió la brecha a un diálogo que debe absorber cientos  de años e intentos.

Imágen extraída de Periódico Enfoque
Carlos Monsiváis

 Asumió, a diferencia de nuestros antepasados, una actitud valiente, enfrentando tal cual el designado símbolo de incivilización que tanto orgullo y reconocimiento le ha causado al mexicano, devaluó el valor del machismo y lo congeló con sus escritos. Misógino feminista, editado por Océano, es un testimonio, una documentación que nos acerca a una realidad que sentimos ajena. Nos duelen episodios terribles de la humanidad como el Holocausto, la Santa Inquisición; sin embargo, volteamos la cara frente a la discriminación, la desigualdad y la muerte del ser.

Originally posted 2014-09-11 09:59:45. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor del norte: la orquesta (parte 2)

Una de las cosas más característica de una orquesta es el Director. Ustedes saben, el que está enfrente de todos moviendo las manos como un loco. Su trabajo es coordinar todos los instrumentos para que puedan tocar apropiadamente una canción.

 He aquí un nuevo ejemplo de Bugs Bunny haciendose pasar por Leopold Stokowski, un famoso director de orquesta británico. Con el cual podemos darnos una idea de lo que hablaremos hoy.

 No es fácil es este trabajo. Tomen como ejemplo una plática entre amigos; cuando dos hablan al mismo tiempo uno pierde la concentración por saber qué es lo que dicen. En la música es más o menos lo mismo. Mientras tocas el violín, el compañero de la tuba te está reventando los tímpanos atrás de ti. El director se encarga de que todos suenen igual, marcar el ritmo y ordenar el sentimiento o fuerza que deben de tener los músicos al tocar.

 Sobre el movimiento de las manos que hace un director de orquesta, va siempre por tiempos. A dos tiempos con canciones simples, a tres tiempos (un, dos tres… un, dos, tres), a cuatro tiempos como los vals o a tiempo vivo donde depende todo del director. Y más que un músico, el director es el que interpreta la música en el papel, ayudado por los músicos le da la intensidad a la música para evocar sentimientos.

 Es irónico que para interpretar música todo dependa de una persona que se comunica en silencio. Y el público podrá ver diferentes movimientos: algunos bruscos, otros suaves, amplios, mesurados, etc. Pero la realidad es que hay un poco del alma de cada director en sus propios movimientos.

 Para todos comprender lo que dice el director de orquesta como tal, existe un término denominado Tempo. El tempo es el movimiento en el aire que se ejecuta para determinar el tiempo en que debe ser tocada una pieza. Los movimientos más comunes son:

  •  Allegroes el tiempo más rápido.
  • Adagioun tiempo lento y majestuoso.
  • Andanteun paso tranquilo y vivaz.

 Todos los términos musicales usualmente están expresados en italiano, y esto es porque la Ópera como tal nació en Italia. Pero de eso hablaremos después.

 Por último haré una aclaración importante. No porque exista un director de orquesta significa que son obligatorios. En la publicación pasada se veía a André Rieu tocar y ser quien dirigía al mismo tiempo. Eso es porque en la orquesta de tipo barroco se estilaba a que no hubiera nadie de guía. Él combina esa idea con la del director de orquesta tradicional para poder darle un toque más íntimo a sus conciertos.

 Esta parte de los maestros de orquesta me gusta mucho porque uno siempre bromea en serlo cuando vemos músicos. Ahora cuando esa persona esté lanzando sus manos al aire tendrán la certeza de que no está tratando de perder la peluca. Espero que este tema les haya gustado, veremos más sobre esto la otra semana y para cualquier duda no olviden que mi Twitter es @alixreyna y hablamos a la otra.

Originally posted 2014-06-06 00:42:59. Republished by Blog Post Promoter

Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

Originally posted 2012-07-30 11:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor del norte: Los videojuegos, un nuevo escape artístico

La primera publicación siempre es la más emocionante porque pone las cosas en la mesa. Aquí me presento: mi nombre es Alix Benazir Reyna Flores, una orgullosa Tamaulipeca que gracias a las coincidencias que se visten de destino, escribe hoy aquí.

 Yo no sé muchas cosas, por eso tengo curiosidad en investigar lo que sea. No lo sé, es un tic que siempre he tenido. Y hoy quiero hablarte de algo muy curioso que le ha pasado al arte de un tiempo para acá.

 Tal vez en tu infancia fuiste un niño o niña que tuvo un Nintendo 64 en su casa y tenías pocos videjuegos. Seguramente en algún momento te dejaron de llamar la atención, sino, me alegro por ti porque sabes de lo que voy a hablar.

Portada de MARIO KART para Nintendo 64

 Al pensar en arte, los videojuegos no son algo que te viene a la mente. Yo te diría que lo pensaras dos veces. Los videojuegos se han estado convirtiendo en una fuga para todos esos guionistas, dibujantes y músicos por todo el mundo. La razón de esto es muy simple: encontrar espacio donde puedas hacer arte y que te paguen bien por ello es casi imposible. Casi nadie piensa en utilizar el arte en un videojuego porque no es una idea usual.

 Mi ejemplo favorito es Ken Levine, un guionista que trató suerte en Los Ángeles y no lo logró. Sin embargo se hizo desarrollador de videojuegos y ha creado la saga de BIOSHOCK, considerada una obra maestra por muchos. Levine no sólo rescató música de los veintes, treintas y cincuentas, sino que cambió éxitos de todos los tiempos a una versión de antaño. Las ciudades que te presenta son visualmente increíbles a la vez que provoca melancolía y terror. Busca cualquier soundtrack de BIOSHOCK y te aseguro que mínimo bajarás una canción.

En cuanto a historia yo considero que The Last of Us tiene una mejor narrativa que muchas películas. La verdad es que muchos cineastas quisieran la oportunidad de desarrollar videojuegos porque los llamados gamers no sólo conocen la historia sino que se comprometen con ella hasta el final.

Panorama de THE LAST OF US.

 En campo visual los diseñadores tienen un lienzo en blanco para trabajar. Aunque la historia sea burda, hay quienes sólo juegan para ver el detalle del trabajo, como me pasó a mí con de Alice Madness Returns y su País de las Maravillas.

ALICE MADNESS RETURNS en la ciudad acuática

 No es casualidad que la Orquesta de Londres toquen canciones de la Leyenda de Zelda, ni que muchos pianistas toquen temas de Final Fantasy. Existe todo un mundo artístico dentro de los videojuegos al que todavía le falta crecer. Ojalá si eres un artista le pongas atención y lo intentes, te da más libertades creativas de las que crees.

 Para cualquier tema artístico que desees saber, sólo dime. Mi cuenta es @alixreyna para lo que se te ofrezca, seguramente yo al principio tampoco sepa pero tengo el extraño y maravilloso don de explicar cosas muy complejas en ejemplos muy simples y entretenidos.

 Tas este breve panorama, espero que mi saborsito norteño te guste y sigamos platicando seguido.

Originally posted 2014-05-13 00:06:13. Republished by Blog Post Promoter

Noche de Museos, Puebla

 

Museo José Luis Bello y Zetina
Museo José Luis Bello y Zetina

La fila comenzó a aumentar los números pares de zapatos en la calle; colores, texturas y tamaños diversos; miradas elegantes, curiosas, ajenas y ansiosas. El reloj marcó las 17:00 horas entonces las puertas y el tiempo de los recintos se convirtieron en aliados de la cultura y la expansión, de las joyas que habitan la ciudad de Puebla. La historia que marca el vivir de los individuos que habitan la ciudad, intenta ser mostrada en una imagen o en algo que tal vez carece de lógica, pero que cambia la cosmovisión de quien observa y mantiene un sentido de admiración hasta por el movimiento de un árbol.

La ciudad de Puebla tiene el segundo lugar en el país con el mayor número de museos y espacios de exposición para dotar a sus habitantes de un acervo cultural más exquisito, en un intento para que los habitantes y visitantes puedan acceder y conocer todos estos sitios, se implementa el programa de Noche de Museos con colaboración de todas las galerías de la ciudad.

Galería de arte del Palacio Municipal
Galería de arte del Palacio Municipal

El sábado 14 de septiembre, fue el primer día de la Noche de Museos con entrada gratuita y en un horario de 17:00 a 22:00 horas, los demás días asignados son:

  • 12 de octubre
  • 01, 02 y 16 de noviembre
  • 28 de diciembre

Los museos participantes son:

Las luces de aquellos espacios brillan más de lo acostumbrado, los ecos en los pasillos rezumbán con elegancia  y la Noche de Museos no termina.

Originally posted 2013-09-16 19:07:02. Republished by Blog Post Promoter

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Originally posted 2014-12-12 17:50:26. Republished by Blog Post Promoter

Frecuencias de sonidos… Músicos y músicas

 

¿Alguna vez te has preguntado qué tan compleja es la vida de un músico?

Ser músico no es fácil. A través del tiempo, su imagen en la sociedad ha cambiado mucho. En sus inicios, la música era un medio para acercarse a los dioses y a lo sagrado. En cambio hoy, con toda la tecnología y el desarrollo del sistema económico y social, la música se utiliza no sólo para transmitir sentimientos o ideas sino también para vender. De ahí que en ocasiones la imagen relacionada con los músicos que la producen venda más que la música en sí.

Por un lado, la industria nos ha hecho olvidar que la música tiene el poder de revelarnos secretos inimaginables sobre nosotros mismos. Si bien los antiguos incluían la música en la educación como un medio de contacto con lo divino, en la actualidad esta expresión artística puede ser un medio para reencontrarnos con nuestro yo y crear un vínculo bastante estrecho con la vida. Por otro lado, y aunque no siempre lo tenemos presente, se puede viajar en el tiempo con las diferentes músicas y músicos; vivir y revivir millones de historias, enseñar y aprender mil aspectos de la vida, y registrar nuestra propia existencia.

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Collage por Kimama

No se sabe a ciencia cierta cómo es que las frecuencias de sonido pueden ser un factor decisivo en el humor del ser humano. Sin embargo, muchas veces, el músico compositor y el intérprete, consciente  o inconscientemente, tienen la habilidad de estimular cada sentido de las personas a través de la combinación de los sonidos en el tiempo y el espacio. Esto puede ser un punto clave para que el músico tenga éxito.

En la música, cada timbre de cada instrumento, cada intensidad de cada nota, cada fórmula musical y cada fórmula rítmica, se reúnen en una fiesta sonora donde las tensiones y relajaciones a ratos juegan, a ratos bailan: se toman de la mano y se sueltan, se rozan, y se respiran. Te des cuenta o no, un montón de colores inundan tus sentidos, y después de algo así tus ojos no miran la vida como siempre lo han hecho pues la música es un reflejo de la vida misma.

Dicen que hasta para escuchar música hay que saber cómo, pero nada de malo tiene escucharla y simplemente seguir el instinto de mover la cabeza, los ojos, las manos o hasta sacudir el cuerpo entero y es que seamos conscientes, o no, del efecto que la música produce, éste siempre estará ahí.

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Ilustración por Jacob Livengood

El músico es un científico de las emociones y del espíritu. El músico de academia es consciente de su ciencia. El músico lírico, puede no ser igual de consciente de cada proceso sonoro, pero es dueño de sus instintos y éstos, a su vez, son el contacto más noble con el público.

Ahora bien, el buen músico logra encontrar el camino para llegar al aplauso extasiado del público, que puede ser académico o lírico o una combinación de ambos. En realidad, no importa el género musical que se elija ya que el buen músico será capaz de dar al público un paseo mágico por sus emociones.

Originally posted 2013-11-11 16:55:00. Republished by Blog Post Promoter

Unas viejas zapatillas

El ballet clásico… ¿Qué decir sobre esto? ¿Por qué hay tantas zapatillas arrumbadas por ahí? A decir verdad, en los últimos tiempos se ha notado que realmente ha perdido su objetivo principal, ya que en sus inicios era una disciplina en la que, las personas dedicadas al tipo de arte antes mencionado se entregaban en cuerpo y alma, no como en el presente que nos está tocando vivir, en el que las niñas asisten porque sus mamás las llevan, porque no las quieren tener en casa, porque es un muy buen ejercicio y así finalmente lograrán bajar de peso o tener la bonita figura que ellas siempre desearon, o por la simple y sencilla razón de que quieren que las pequeñas cumplan su sueño frustrado.

 

En la actualidad son muy pocas las niñas que asisten a clase con una enorme sonrisa en el rostro y salen con la misma o con una aún más grande, son contadas a las que no les importa haber tenido la clase más pesada, movida, cansada y atiborrada de exigencia, son escasas las que entrenan a pesar de que afuera llueva, truene, o el sol tenga un brillo mucho más fuerte de lo normal.

 

Realizar una actividad como el ballet, favorece en todos los aspectos, no solo en el físico, ya que ayuda  a mantener o adquirir una buena postura, tanto de espalda como de piernas, y así poder evitar problemas a futuro,  sino también mentalmente, debido a que es una disciplina en la cual se desarrollan ambos hemisferios del cerebro, y no solo esto, ya que suena meramente superficial, también se debe crear conciencia, hacer que la población se de cuenta de hasta donde ha llegado el mundo, que las personas ya no realizan sus actividades con la pasión y el empeño de antes , y abandonan sus sueños a la primera dificultad con la que se encuentran, por más pequeña que ésta llegue a ser.

 

Te invito a visitar un salón de clases, con niñas, adolescentes, mujeres u hombres, realmente no importa mucho con quien, lo único que anhelo es que puedas observar a un grupo de personas luchando por alcanzar su más preciado sueño, y que de alguna manera esto te motive a seguir luchando por los tuyos.

 

No es grato apreciar salones de clases solos y abandonados, no es agradable saber que por el mundo hay miles de zapatillas olvidadas, lo que si deseo es que veas personas, que a pesar de los tropiezos, se levantan con la frente en alto y con tres, cinco, once, veinte o los intentos que sean aprenden a danzar por la vida.

Originally posted 2013-07-16 11:43:10. Republished by Blog Post Promoter

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Originally posted 2015-01-01 21:19:59. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Originally posted 2015-03-21 19:38:46. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

BONOBO: The North Borders Tour 2014

Bonobo en la Ciudad de México

Simon Green convertirá un club en una atmósfera que va más allá del mismo sol; el año pasado se consideró a The North Borders como una de las mejores producciones del 2013 y (sin poner esto a juicio) sólo hace falta escuchar el quinto álbum de estudio del británico para quedar maravillado y darse cuenta de cómo una sola persona puede crear un sólido contexto musical. Perderse este evento sería perder de vista lo que musicalmente acontece en la actualidad dentro del mundo de la producción, utilizando diversos estilos que van desde el Foot Work, Acid jazz, Soul hasta lo más Ambient que se puede llegar a sentir. Muchos músicos esperan ya esa gran noche para poder disfrutar un momento único y las mujeres bonitas no se quedarán sin bailar, porque seguro las percusiones resonarán dentro de sus corazones.

The North Borders

Bonobo Dj set.
1° de Mayo 2014
Mono (Versalles #64 Col. Juarez)
H. $200 M. $150

Bonobo

Originally posted 2014-02-22 17:56:27. Republished by Blog Post Promoter