Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

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La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Originally posted 2015-01-19 12:45:44. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Originally posted 2014-08-08 09:00:46. Republished by Blog Post Promoter

De: 36 situaciones dramáticas Polti (II)

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Siguiendo con la situaciones dramáticas de Georges Polti cuya primera parte se enlistó en mi publicación anterior tan recurridas en las telenovelas, entre las cuales la Biblia (libro por demás dramático) ha hecho uso indiscriinado: en el presente texto presento las últimas 16.

 20.- AUTO-SACRIFICIO POR UN IDEAL:

Elementos: el héroe; el ideal.

Casos: sacrificio de la vida por el cumplimiento de la propia palabra; sacrificio de la vida por bienestar de un pueblo, de una nación; sacrificio de la vida por piedad filial; sacrificio de la vida por sostener la creencia religiosa; amor y vida sacrificados por la fe religiosa; amor y vida sacrificados por un ideal, por una causa noble; el amor sacrificado en aras de los intereses del Estado; sacrificio de la situación económica brillante en aras del deber; el ideal del honor sacrificado al ideal de la fe.

 21.- AUTO-SACRIFICIO POR LOS PARIENTES:

Elementos: el héroe; el o los parientes por los que el héroe se sacrifica.

Casos: la vida sacrificada para salvar la de un pariente o persona amada; la vida sacrificada por la felicidad de un pariente o persona amada; la ambición sacrificada por la felicidad de los padres, o del padre solamente; amor sacrificado para evitar pena a los padres; sacrificio de la vida, el bienestar o el amor por la felicidad de la persona amada; sacrificio ocasionado por la vigencia de leyes injustas; la vida y sacrificados por la vida de un padre, una madre o una persona amada; la decencia y el pudor sacrificados por la vida de un pariente o la persona amada.

 22.- TODOS SACRIFICADOS POR UNA PASIÓN:

Elementos: el enamorado; el objeto de la pasión fatal; la persona sacrificada.

Casos: los votos religiosos de castidad, rotos por una pasión fatal; un voto de pureza que se rompe; el futuro arruinado definitivamente por una pasión; el poder arruinado por una pasión; la ruina de la mente, de la salud y de la vida; la pasión conseguida al precio de la vida ; la ruina de la fortuna , de vidas y honores por una pasión; tentaciones que destruyen el sentido del deber, de la piedad y de la fe; destrucción del honor, de la fortuna y de la vida por el vicio erótico; el mismo resultado anterior producido por cualquier otro vicio).

 23.- NECESIDAD DE SACRIFICAR PERSONAS AMADAS:

Elementos: el héroe; la víctima amada; la necesidad de sacrificio).

Casos: deber de sacrificar a una hija por una promesa o un voto hecho a la divinidad; deber de sacrificar a los benefactores o personas amadas en aras de la fe; deber de sacrificar a un hijo, sin que los demás lo sepan, obedeciendo a la terrible presión de hacerlo ; bajo las mismas circunstancias, deber de sacrificar al esposo; deber de sacrificar a un yerno por interés público ; deber de sacrificar a un yerno en bien de la reputación; deber de combatir a un cuñado en aras del  interés público; el deber de combatir a un amigo.

 24.- RIVALIDAD ENTRE SUPERIOR E INFERIOR:

Elementos: el rival que es superior; el rival inferior; el objetivo.

Casos: rivalidades masculinas en general -por una mujer amada, por interese, por cuestiones políticas, etc.; rivalidad entre un mortal y un “inmortal”; rivalidad entre dos divinidades de poder desigual (una divinidad tiene mayor poder que la otra); rivalidad entre un mago un hombre común y corriente; rivalidad entre el conquistador y sus conquistados o dominados; rivalidad entre un rey y uno de sus nobles, inferior a él; rivalidad entre un poderoso y un advenedizo o pobre diablo; rivalidad entre el rico y el pobre; rivalidad entre un hombre honorable o que se le considera como tal y otro, de quien se sospecha con respecto a su conducta y comportamiento; rivalidad entre dos que son casi iguales; rivalidad de dos que son iguales, pero uno de los cuales cometió un adulterio en el pasado; rivalidad entre un hombre que es amado y otro que no tiene el derecho de amar; rivalidad entre dos sucesivos esposos de una divorciada; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidad entre un conquistador y su prisionero; rivalidad entre una reina y uno de sus esclavos; rivalidad entre una gran dama y su sirviente; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; una doble rivalidad (A ama a B, el que ama a C, quien a su vez ama a D); rivalidades orientales; rivalidad entre dos esposas.

 25.- ADULTERIO:

Elementos: un esposo o esposa traicionados; los dos adúlteros.

Casos: una amante traicionada, traicionada por una mujer más joven que ella; la esposa traicionada; el esposo traicionado; una esposa traicionada por una mujer casada; esposa traicionada por una mujer más joven que ella, la que, además, no ama al traidor; una esposa envidiada por una joven que está enamorada de su esposo; rivalidad entre una esposa que es dominante y tiránica y una amante que es complaciente y dulce; rivalidad entre una esposa toda generosidad y una muchacha vehemente y apasionada; la esposa que sacrifica a su esposo tiránico y dominante por un amante complaciente; el esposo, dado por muerto, es olvidado por el amante de su esposa; un marido corriente sacrificado por un amante simpático; un marido noble y bueno traicionado por un rival de calidad inferior a la del esposo; marido traicionado por un rival grotesco; marido traicionado por una esposa perversa, que prefiere a un amante despreciable; esposo traicionado por su mujer, que da la preferencia a un rival inferior en todo a su marido; venganza de un marido traicionado; el marido es perseguido por un rival rechazado por la esposa.

 26.- CRÍMENES DE AMOR:

Elementos: el amante; la persona amada por él.

Casos: una madre enamorada de su propio hijo un caso repugnante y que no debe utilizarse en una transmisión radiofónica decente; una mujer enamorada de su hijastro; el hijastro y la mujer enamorados uno del otro; mujer que es amante al mismo tiempo del padre y el hijo, y ambos (padre e hijo) aceptan la situación; un hombre se convierte en amante de su cuñada.

 27.- DESCUBRIMIENTO DE LA DESHONRA DE LA PERSONA AMADA:

Elementos: el que descubre la deshonra; la persona culpable de esa deshonra.

Casos: descubrimiento de la deshonra de una madre; descubrimiento de la deshonra del padre; descubrimiento de la deshonra de una hija; descubrimiento de la deshonra de toda la familia por el prometido de una de las hijas; descubrimiento del marido recién casado de que su esposa fue violada antes de su matrimonio; descubrimiento, por el marido, de que su esposa cometió ana falta antes del matrimonio con él; descubrimiento por el amante de que la mujer, que fue antes una prostituta, ha vuelto a su vida de mujer de la calle; descubrimiento por el padre de que su hijo es un asesino; deber de castigar a un hijo que es un traidor a la patria; deber de condenar a un hijo de acuerdo con una ley creada, formulada y hecha aprobar por su propio padre; deber de castigar a un hermano que es un asesino; deber de castigar a la propia madre para vengar al padre.

 28.- OBSTÁCULOS DE AMOR:

Elementos: dos que se aman; el obstáculo.

Casos: matrimonio impedido por desigualdad de rango; la desigualdad de fortuna como impedimento para el matrimonio; el matrimonio impedido por enemigos o rivales de la novia o del novio; matrimonio impedido porque ella es una divorciada; el mismo caso, pero complicado con un matrimonio imaginario; una “unión libre” impedida por la oposición de los padres; matrimonio impedido por desigualdad de caracteres; matrimonio impedido por los padres de la novia porque el novio lleva mala vida.

 29.- UN ENEMIGO AMADO:

Elementos: el enemigo amado; la persona que lo ama; el que odia a ese enemigo amado.

Casos: el novio es odiado por los parientes de la novia; el novio es perseguido por los hermanos de la novia; el novio es odiado por la familia de la novia; el novio es hijo del hombre odiado por el padre de la novia; el novio asesinó al padre de su novia; el novio asesinó a un hermano de la novia; el amante es el asesino del esposo de la mujer que lo ama; el novio es hijo del hombre que asesinó al padre de la novia.

 30.- AMBICIÓN:

Elementos: una persona ambiciosa; el objeto codiciado; un adversario.

Casos: la ambición de un hombre contenida por un pariente; por un hermano; rebelión ambiciosa contra el poder establecido y legal; ambición que produce crimen sobre el crimen; ambición parricida; ambición que lleva a la ruina de la familia; ambición que hace que el padre sacrifique a los hijos, a la madre, a las hijas, a los parientes, a los amigos.

 31.- CONFLICTO CON DIOS:

Elementos: un mortal; Dios, el inmortal.

Casos: lucha contra dios; lucha contra los que creen en Dios; controversia con Dios; castigo que cae sobre un mortal por despreciar a Dios; castigo por mostrarse soberbio ante Dios; rivalidad con Dios.

 32.- CELOS EQUIVOCADOS O ERRÓNEOS:

Elementos: el celoso; la persona por la que está celoso; el supuesto rival; la causa o autor del error.

Casos: los celos erróneos se originan en la mente misma del celoso; los celos equivocados son originados por un cambio fatal; cambio en el modo de ser de la persona de la que se tienen celos; cambio de situación de esa misma persona sobre la que caen los celos equivocados ella mejora súbitamente de posición económica y social sin ayuda del que siente celos por ella, aunque equívocos, etc; celos equívocos en un amor que es exclusivamente platónico; celos equívocos y bajos, rastreros, originados por rumores malévolos; celos sugeridos por un traidor, impulsado por el odio; el traidor es impulsado por propio interés en provocar los celos equívocos; el mismo caso anterior en que el villano es impulsado por sus propios celos y su propio interés; celos equívocos recíprocos entre marido y mujer provocados por un rival; celos sugeridos al marido por una ;mujer enamorada de él; celos sugeridos al esposo por un pretendiente rechazado; celos sugeridos a la esposa por un rival despechado; celos sugeridos a un amante feliz por el marido traicionado.

 33.- JUICIOS ERRÓNEOS:

Elementos: el equivocado; la víctima del error, la causa o autor del error; la persona verdaderamente culpable.

Casos: falsa sospecha cuando la fe se hace indispensable; falsas sospechas de una amante; falsas sospechas originadas por una actitud mal entendida de la persona amada; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente para salvar a un amigo; el inocente tenía, en realidad, una intención aviesa, pero solo la intención, sin llegar al acto; caso en que un inocente, por las sospechas que caen sobre él, llega a creerse realmente culpable sin serlo; un testigo de un crimen, por interés en la persona amada, deja que las sospechas caigan sobre un inocente; la falsa acusación se deja caer intencionalmente sobre un enemigo inocente; el juicio erróneo es provocado por un enemigo; el error es dirigido sobre el inocente por su propio hermano; la falsa sospecha es arrojada por el verdadero culpable sobre un enemigo; falsas sospechas arrojadas sobre un rival inocente; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente porque se rehusó a ser cómplice de un crimen o una intriga; falsas sospechas provocadas por una amante abandonada y dejadas caer sobre el amante que se negó a seguir siéndolo al saber que era casada, no queriendo engañar al marido; lucha del inocente para rehabilitarse ante la sociedad de un error judicial provocado intencionalmente.

 34.- REMORDIMIENTO:

Elementos: el culpable; la víctima.

Casos: remordimiento por un crimen no conocido, que se mantiene en secreto; remordimiento por un parricidio; remordimiento por un homicidio; remordimiento por el asesinato de marido y mujer; remordimiento por un pecado de amor.

 35.- RECUPERACIÓN DE UNA PERSONA PERDIDA:

Elementos: el perdido; el que lo encuentra.

Casos: hijo perdido encontrado casualmente; padre perdido encontrado por la madre; hija extraviada encontrada por su hermano; madre perdida que es encontrada por uno de sus hijos o hijas.

 36.- PÉRDIDA DE PERSONAS AMADAS:

Elementos: la parienta o pariente que es asesinada; otro pariente como simple espectador; un verdugo.

Casos: se presencia el asesinato de un pariente o persona amada sin poder evitarlo; la desdicha que cae sobre una familia al través de secreto profesional; presentimiento de la muerte de una persona amada; conocimiento de la muerte de una persona amada; reacción salvaje, por desesperación, al tener conocimiento de una persona amada

Originally posted 2014-10-24 09:00:45. Republished by Blog Post Promoter

Corridor 8: Arte impresa en UK.

 

A pesar de la existencia de diversas revistas dedicadas al diseño y a las artes en países avanzados en esta materia, cabe señalar que son poco difundidos aquellos proyectos más creativos y hambrientos de un mejor contenido. Países como el Reino Unido se proclaman como capitales del mundo en cuestión de arte, ¿pero qué proyectos alberga que lo nombran como tal?

Uno de ellos, aunque no muy conocido es Corridor 8, una revista que nació en el 2009 en Manchester, cuyo proyecto tuvo desde su inicio, la premisa única de ser una revista con gran contenido de  calidad en cuestión de arte contemporáneo, ya sea escrito o visual.

¿Qué la hace diferente? Corridor 8 es una revista anual, que, a lo largo de este tiempo, desarrolla cuatro partes que la completan a final de ciclo, de manera que se pueden conseguir las 4 partes de la publicación anual por separado, u obtenerlas de un solo momento. Por otra parte, Corridor 8 se maneja de tal manera que no solamente funciona como una publicación impresa, sino que alberga en su sitio web mucha información sobre las últimas tendencias en arte, de manera que sirve como una plataforma independiente que difunde proyectos de los que quiza, nunca antes se haya escuchado, al igual que eventos de los mismos.

Aunque no es facil obtener alguno de sus números en México, Corridor 8 cuenta con la opción de suscripción y envío de la revista anual de manera internacional para aquellos realmente apasionados por el tema del arte contemporáneo y hambrientos de nuevas propuestas para marcar tendencia de este lado del continente.

Más información: http://www.corridor8.co.uk/

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México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

México lindo y querido

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

 

(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.

– Rufino Tamayo

Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro  a través de algunas de mis fotografías.

huatulco
Huatulco
flor
Flor
pradera
Pradera
soñador
Soñador

 

Originally posted 2014-09-19 10:12:03. Republished by Blog Post Promoter

27 razones para amar el Festival Nrmal

1.- Fue creado y es llevado a cabo en Monterrey.

2.-  Su filosofía es borrar las divisiones entre la gente y las bandas.

3.- Los músicos también son espectadores del festival, es decir, puedes disfrutar el concierto junto a tu artista favorito (literal).

4.-  La imagen del festival se caracteriza por cambiar cada año y así ofrecer tematicas visuales diferentes.

5.-En la edición de 2013 tienen más de 70 bandas confirmadas.

6.-  Desde su concepción se pensó como un espacio que reuniera la música y el arte emergente independiente.

7.-  Es un festival con espíritu DIY al 100% (ellos mismos se hacen cargo de la logística, la producción, etc).

8.-  Cada escenario tiene una temática y atmósfera diferentes. Siempre son muy contrastantes.

9.-  La selección de bandas se basa en la frescura y novedad de su propuesta sin importar procedencia ni género.

10.-  Grupos como YACHT, Banda de Turistas y Friends fueron traídos por primera vez a México gracias a Nrmal.

11.- En el festival de 2012 la galería de arte estaba dentro del contenedor de un camión.

12.- La preventa de boletos para este año costaba $150

13.- El Mercadito es un espacio donde puedes encontrar desde un corte de pelo hasta productos de las bandas participantes.

14.- Cada año lanzan una convocatoría en línea para buscar voluntarios que ayuden a la organización del festival.

15.- Puedes llevar a tu mascota.

16.- La selección de bandas dura un año.

17.- El año pasado, Elefgant; un estudio audiovisual mexicano, grabó sesiones acústicas con algunas de las bandas participantes del festival.

18.- Pitchfork siempre se refiere a ellos como “Nrml”.

19.- El creador del extinto festival MTYMX fué en 2012 el curador invitado de bandas de E.U. en Nrmal.

20.- En 2013 celebran su cuarta edición.

21.- Antes y después del festival siempre hay mixtapes disponibles para descargar con propuestas musicales nuevas.

22.-  Los actos más esperados de este año son: Ariel’s Pink Haunted Grafitti, Maniquí Lazer, Fear of Men, Yo! Linares y Rites Wild.

23.- En el festival de 2010 tuvieron como invitado a 3ballMTY.

24.-Los primeros dos años fué realizado en la Alianza Francesa de Monterrey.

25.- Tienen el foodcourt más barato y rico que puede haber en cualquier otro festival nacional de renombre.

26.- Este año se tienen proyectadas una serie de actividades y conciertos sucediendo en diferentes partes de la ciudad en el periodo de cuatro dias en los que se llevara a cabo Nrmal.

27.-  Los escenarios pueden ser a nivel del suelo… o puede no haber escenario como tal.

28.- Se puede esperar cualquier sorpresa que los organizadores planean para hacer más ameno el evento: una pista de skate, tee-pees, carteles pintados a mano, carritos chocones gratis, afterpartys sin fin, proyecciones enmedio del festival y la lista sigue y sigue…

 

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Originally posted 2013-01-18 21:20:30. Republished by Blog Post Promoter

El regreso de las bestias: Omar Rodríguez y Bixler-Zavala en México

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 Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala regresarán a tierras mexicanas con un nuevo proyecto musical: Antemasque. Los también fundadores y ex-integrantes de The Mars Volta y At The Drive-In planean visitar nuestro país a finales de octubre y principios de noviembre para ofrecer dos fechas en dos ciudades:

  • 31 de octubre – Pa’l Norte Music Fest en Monterrey, Nuevo León
  • 3 de noviembre – Circo Volador en el Distrito Federal

 Antemasque se presentó al mundo el 9 de abril del año en curso con un sencillo titulado “4 AM”:

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 En este proyecto también participan los músicos Flea (de Red Hot Chilli Peppers) en el bajo y Dave Elitch en la batería El grupo está en proceso de finalizar su disco debut, mismo que planean lanzar en el mes de octubre bajo el sello Nadie Sound. 

 La banda que abrirá el show de Atemasque en el DF será Le Butcherettes, proyecto liderado por la tapatía Teri Gender Bender, quien también forma parte de la banda Bosnian Rainbows  junto a Rodríguez-López.

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/17137604″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

 Los boletos para el evento ya están disponibles en Ticketmaster y la taquilla del Circo Volador:

  • Preventa: $500
  • Precio regular a partir del 2 de octubre: $600

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Originally posted 2014-08-27 19:45:54. Republished by Blog Post Promoter

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

Originally posted 2014-09-16 11:30:08. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: ¿la curaduría limita o facilita?

Siempre es grato conocer personas que te dejan pensando sobre cualquier tema, ya sea político, social, cultural, artístico, entre otros muchos temas que pueden ser materia de debate tanto en una conferencia, como en una mesa redonda, en una galería de arte o en algún bar al calorcito de un trago. Sin embargo, la semana pasada tuve la oportunidad de escuchar a Aline Hernández en el conversatorio organizado en torno a la exposición Floresta que Quebra o Asfalto, realizada en un centro cultural de Cuernavaca. Aline fue la encargada de la curaduría de dicha exposición, por lo que en el conversatorio tocó varios temas, entre ellos uno concerniente a la producción artística de algunos países latinoamericanos como Colombia, Perú, Brasil, México, entre otros.

Aline Hernández en el conversatorio de la exposición Floresta que Quebra o Asfalto.
Aline Hernández en el conversatorio de la exposición Floresta que Quebra o Asfalto.

 Otro de los asuntos tratados por Aline fue la forma en la que las personas contemplamos el arte, de las expectativas que podemos tener al momento de entrar a un museo o a una galería, de la forma en la que en el mundo de lo artístico la obra se ve sujeta a lo discursivo más que a la experiencia que ésta puede dejar en el espectador. En ese sentido, el texto curatorial puede dejar poco espacio para la interpretación y la apropiación de la obra por parte del espectador.

 Sin embargo, nosotros como público podemos llegar a ser “analfabetas visuales” e incluso “ineptos sensitivos” si nos topamos con la ausencia de un texto curatorial en alguna galería. De pronto nos olvidamos de observar, sentir y hacernos parte de las obras que nos rodean, nos olvidamos del aprendizaje a través de la experiencia, de aquello que puede ser empírico. Esta ausencia del discurso en la curaduría de una exposición puede hacer explícito el papel de lo que Fernando Bayón llama “el persuadido”,  quien intenta seguir lo que la obra de arte dice, no tanto por una pobreza de imaginación, sino como una condición sin la que cual no se desarrolla la fuga que nos permite el arte.

La exposición "México a través de la fotografía" que estuvo en el MUNAL el año pasado fue curada por  el historiador Sergio Raúl Arroyo.
La exposición “México a través de la fotografía” que estuvo en el MUNAL el año pasado es un ejemplo de un excelente trabajo de curaduría, realizada por el historiador Sergio Raúl Arroyo.

 La curaduría y la museografía fungen el papel del “tope crítico” que expone Bayón en su artículo “Las retóricas del público. El espacio de consumo del arte como institución política”, en el que la imaginación puede llegar a perturbar el orden del significado y las convenciones que se encuentran en las imágenes. Así pues, es necesario cuestionarnos cómo consumimos el arte siendo espectadores, cómo lo entendemos, cómo lo experimentamos, cómo es nuestro acercamiento como público a una sala en la que se muestra obra de cualquier artista. La forma en la que cada persona experimenta el arte varía dependiendo del tipo de espectador que sea, pero también es importante no perder de vista que la manera en la que el público puede interpretar una obra es distinta.

 El texto curatorial sirve para homogeneizar el análisis y aterrizar la lectura que se puede hacer de una serie; es decir, para que no se pierda el discurso conceptual que enmarca una colección dentro de una galería o un museo. Es en este punto en el que también entra a debate el hecho de identificar quienes son los que consumen el arte, quien forma parte del público que asiste a museos y galerías, quienes comprenden en realidad el qué y el para qué sirve una obra de arte. Pero por otro lado se asoma la cuestión de qué arte es el que nos ofrecen los museos y las galerías.

La exposición "Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía" que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez.
La exposición “Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía” que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez.

 Así, es importante que cada vez que nos paremos en un espacio, entiéndase galería o museo, hagamos una lectura un poco más amplia de lo que se está mostrando, en qué tipo de espacio artístico estamos parados, qué obra nos ofrecen (tanto el museo o la galería, así como los artistas que exponen su obra) y cómo estamos consumiendo el trabajo artístico que se nos presenta. El punto está en intentar desmenuzar la información visual y discursiva que se nos sirve en la mesa y en observar cómo nos comemos el platillo artístico que se nos presenta. Entonces queda preguntarnos si realmente es necesario para nosotros como público leer la descripción del discurso visual y conceptual  de lo que observamos a partir del texto curatorial y si esta descripción funge como una limitante a la interpretación propia de lo que se nos muestra.

Originally posted 2014-08-20 11:23:53. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Originally posted 2015-02-19 19:45:28. Republished by Blog Post Promoter

El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

0

Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

1

Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

1

 

Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

3

Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

0

 

El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

0

Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

1

La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

2

Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

3

Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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Originally posted 2014-12-12 18:21:20. Republished by Blog Post Promoter

El barrio del artista, casa de pintores

Sin títuloEl barrio del artista de la Ciudad de Puebla, ubicado en la calle 6 norte y 6 oriente, es la Casa de los pintores. A más de 62 años de la primera exposición de pinturas, sigue siendo la Casa de los pintores en Puebla, pero tras más de medio siglo, la apreciación y el gusto por la pintura ha disminuido en la sociedad, y con ello, el trabajo de los pintores.

La pintura es una expresión que data desde la época de las cavernas con las pinturas rupestres, y ha venido evolucionando a lo largo del tiempo y la historia hasta nuestros días. Desde hace varios siglos, la enseñanza artística ha sido parte de muchas culturas, incluyendo la nuestra, un claro ejemplo es El barrio del artista, que originalmente estaba conformado por un grupo de asesorías conocidas como El Parián, las cuales solían ser visitadas constantemente por alumnos de artes plásticas, hasta que se logró convertir en un hogar para los artistas mexicanos y una sala de exposiciones y apreciación para todo el mundo. Grandes exponentes de la pintura como Diego Rivera, Frida Kalo, David A. Siqueiros, Saturnino Herran, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Fernando Murillo y otros más, expusieron en este lugar

Como muchos saben, el artista vive de su público, el cual, en la actualidad es muy reducido, con la masificación de la televisión y el internet, muchas personas han dejo a un lado la admiración del arte y los fines de semana no hay degustadores paseando por El barrio del artista, admirando y abiertos a la impresión que pudiera generar la creaciones de los pintores.2

Ahora estos pintores se limitan a pintar paisajes, la naturaleza y otras cosas que sólo compran algunas familias para adornar sus salas o comedores, pero con esa pasión y gusto de crear una pieza única nacida de su mente y talento en plena explosión de sus emociones para deleitar la pupila de todos aquellos observadores curiosos que pasean por El Parián, deseosos de contemplar sus obras.

Si la sociedad mexicana continúa ignorando la belleza producida por sus artistas, pronto no habrá pinturas ni obras de arte cultivadas en las mentes de los pintores, pero si todos se dieran la oportunidad de voltear a ver a los rincones donde están las pinturas más bellas creadas por pintores mexicanos, el arte tardará en extinguirse, pudiéndose aún rescatar, visitando las exposiciones de arte, talleres de pintura, y demás técnicas artísticas. Podemos visitar todo esto en un solo lugar,  El barrio del artista, en la Ciudad de Puebla.

Originally posted 2013-06-10 17:46:15. Republished by Blog Post Promoter

Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

 Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi
Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

  El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están  llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

 En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

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Capitán América al estilo Johnston

 En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

Kurt Cobain y Flea
Kurt Cobain y Flea

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

 En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

 En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

Originally posted 2014-08-19 10:49:53. Republished by Blog Post Promoter

Contact Improvisation: la danza del ahora

El primer encuentro con una sesión de improvisación de contacto puede propiciar extrañeza. La visión que ofrece no es para menos: bailarines ruedan por el suelo, parejas, tríos y cuartetos parecen engarzarse en complejos agarres y soportes; grupos aquí y allá se forman y desaparecen; bailarines parecen equilibrarse precariamente sobre espaldas y caderas de bailarinas; hay quienes sólo parecen mirar, y otros se unen a ciertos grupos para volver a salir.  A primera vista, pareciera que se trata de un gran caos en el que todo mundo hace lo que quiere y baila “a lo loco”; sin embargo, la improvisación de contacto es un estilo de danza que responde a premisas bien claras y a una estructura sólida.

 

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jam de improvisación.

 El coreógrafo norteamericano Steve Paxton presentó en 1972 una serie de danzas en la galería John Weber en Nueva York. Con estas danzas, que realizó gracias a la exploración con otros bailarines, comenzó la improvisación de contacto. Paxton tuvo un acercamiento previo con el Haikido y agregó principios de éste a su danza.

 La improvisación de contacto tiene como premisa principal, como su nombre lo dice, la creación de movimiento por medio de las reacciones que genera el contacto con otro u otros cuerpos. Los cuerpos crean realciones dinámicas al compartir pesos y puntos de apoyo y aprovechan el momentum, la gravedad y la inercia para moverse orgánicamente. Gracias a esto se crean secuencias de movimiento “fáciles” ya que no es necesaria ninguna proeza de fuerza para elevar a los otros participantes.

 

 La improvisación de contacto se trata, además, de honrar el ahora, de abandonarse a los impulsos y permitir el movimiento desde la espontáneidad. Para lograr esta libertad el improvisador debe aprender a liberarse de tensiones musculares y evitar la necesidad de crear movimiento a voluntad; debe, en cambio, comprometerse a experimentar una fluidez natural de movimiento.

 

 Aunque la improvisación de contacto, o simplemente “contact”, es una técnica que se usa para crear material que después será usado en la escena, la facilidad con que pueden aprenderse sus principios la hace accesible para todo tipo de personas. En algunos lugares se ha vuelto una danza social, ya que propicia el conocimiento del otro desde una perspectiva más abierta, se ha utilizado para trabajar con personas con capacidades diferentes, con niños, con ancianos y grupos vulnerables. Mucha gente improvisa por diversión o porque impulsa su desarrollo personal.

 Para hacer “contact” es necesario asistir a jams, sesiones de improvisación, que ocurren periódicamente y en lo que se explican los principios que rigen su práctica para después aplicarlos en el jam y con los demás participantes.

 Si quieres participar en un jam de improvisación de contacto visita:

 

http://facebook.com/proyectosdeimprovisacion

Originally posted 2013-10-29 23:17:56. Republished by Blog Post Promoter

Patrones Inculcados

Texto y fotografías: Ale Assad
Instagram: aleassad97

“Todas las personas nacen como original
la mayoría muere como copia”

— Rafael Pintada

Si bien todas las personas nacemos únicas e inigualables, la mayoría morimos siguiendo patrones e ideas que la sociedad nos inculca. Por ello al final de la vida todos terminamos viendo hacia la misma dirección, pero no precisamente con el mismo propósito.

“Sabia Vetustez”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“Sabia Vetustez” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“María del alma”  San Lorenzo. Tlaxcala,  2012
“María del alma” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“inclinación”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“inclinación” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“Cavilando”  San Lorenzo. Tlaxcala , 2012
“Cavilando” San Lorenzo, Tlaxcala;  2012

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Si miráramos siempre al cielo

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas”.

– Gustave Flaubert

Una de las principales razones por las que un instante puede llamar toda mi atención y siguiente a ello surja la necesidad de capturarlo en una fotografía, es debido al hermoso cielo que se monta sobre el momento.

lago
Lago
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José Miguel
horizonte
Horizonte
coyutla
Coyutla

 

Originally posted 2014-10-02 11:59:04. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía

 El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.

 La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco.  No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.

 La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.

Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.
Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.

 El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute  con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia

Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.
Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.

 Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.

Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.
Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.

Originally posted 2014-07-30 08:34:14. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Santificarás las fiestas

Mentiría si dijera que recuerdo los diez mandamientos católicos después de años de aquellas pesarosas clases de catequismo de la niñez. Son de esas cosas que eventualmente se olvidan, como los nombres de los niños héroes, creo que no conozco a muchas personas que puedan enunciar la lista completa de sus nombres de un solo jalón. En fin, la cosa es que sí, memoricé algunos pero, salvo la temporada de películas de temática bíblica transmitidas durante la semana santa, la verdad es que muchos de nosotros nunca más acostumbramos hacer evocación de ese Decálogo.

 “Santificarás las fiestas”, sentencia uno de ellos, aunque lo cierto es que en nuestra realidad los días feriados resultan un mero pretexto para reunirnos, y casi todos podríamos testificarlo con base en lo vivido apenas hace unos días en la cena del 15 de septiembre, por ejemplo. Motivos para estar en familia o amigos, celebraciones en grande, mucho alboroto y sobre todo mucha comida. El día de la madre, el del padre y ni qué decir de fechas como Nochebuena, Navidad y Año Nuevo.

 Y puede ser, quizás, que llegue un momento en que el presenciar esas fiestas se cumpla más por mera tradición y obligación moral que por verdadero deseo. Esa parte de la familia que no te agrada o que ni conoces, reuniones tan grandes que pierdan la intimidad que se tendría con un reducido número de invitados, o reuniones tan pequeñas que te hagan creer que se trata de una cena cualquiera en una fecha cualquiera…

 La historia se ubica en la lluviosa noche de un 31 de diciembre. Marisa busca la manera de lograr llegar a la cena, puntual y con un acompañante. Mientras, en casa le esperan Otilia, su hermana menor, encargada de cocinar los manjares a degustar, y tía Felisa, quien ha quedado al cuidado de ambas hermanas luego de la muerte de su hermana, la madre de ellas. A detalle, los personajes se vuelven más particulares y poco menos convencionales: Marisa padece de sobrepeso, Otilia, por el contrario, es bulímica, la tía Felisa fuerza a ambas a “superar” estos complejos muy a su manera, además de hablar a diario con su difunta hermana, y ese acompañante de Marisa resulta un total desconocido con quien coincide accidentalmente horas antes de la cena y a quien le pide fingir ser su novio solamente por esa noche.

Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.
Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.

 Santificarás las fiestas es el nombre de esta puesta en escena basada en un texto de Conchi León que, llena de sentido del humor y de líneas satíricas e hilarantes, presenta en prácticamente un solo acto y haciendo uso de esta fiesta decembrina con pastel de elote, fuegos artificiales y rituales de calzones rojos, un detallado retrato de la disfuncionalidad humana de forma individual y en interacción con otros. Una crítica a los patrones sociales, sujetos a convencionalismos, y en donde, parafraseo una línea de la obra, “sería bueno que vendieran sonrisas falsas junto con las esferas para los árboles de navidad”. Aunque —mencionan, también— de cerca, nadie es normal.

En esta obra nadie come, nadie habla, el vacío se instala en

nuestros platos y la negrura acompaña.

Pero somos cursis y creemos que quizá los fuegos artificiales

que anuncian la llegada del nuevo año (o el amor)

puedan iluminar un poco esta pinche noche oscura.

– Conchi León.

 Esta pieza teatral reúne en un mismo escenario a cuatro destacadas figuras de la escena: Conchi León, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), es autora del texto y también da vida a Marisa. Otilia es representada por Mariana Hartasánchez, galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia en 2014 por la obra El último de los hermanos Salmón. Alfonso Cárcamo, escritor, actor y director de numerosas obras que han sido llevadas a ciudades como Bogotá, Sao Paulo, Nueva York y Buenos Aires, interpreta a ese novio ficticio y por cierto, de oficio poeta— llamado Sergio. Finalmente, la tía Felisa es personificada por Paloma Woolrich, actriz de cine, teatro y televisión activa en el medio desde 1968.

 Con la impecable dirección de Boris Schoemann y producida por Compañía Los Endebles, Santificarás las fiestas fue estrenada apenas el pasado 11 de septiembre y formará parte de la siempre nutrida cartelera del Centro Cultural del Bosque hasta el 19 de octubre, ofreciendo funciones de jueves a domingo.

Originally posted 2014-09-18 10:27:33. Republished by Blog Post Promoter

TEATRO FUERA DEL TEATRO PARA ESPECTADORES NO CONVENCIONALES

 Es cómodo hacer teatro dentro de un recinto destinado a ello, con luces dispuestas, paso de gato, butaquería, camerino, escenario frontal, piernas, escenografía, utilería, telón, baños, presupuestos, becas y todo lo que en general ayuda a construir un universo ficcional. Un lugar en que la gente sabe que va a ver una función y entra a la convención, porque, es menester decir, que no hay modo de pensar que esto es real, desde el pago de un boleto, desde el cruce de la puerta, desde la selección del asiento; actores amparados por todo lo que lo conforma, espectadores que saben su posición y la asumen.

 Y es que el público es voyeurista, va a “ver” a ser espectador de un suceso, de fragmentos de la vida de algo más, entonces guarda silencio, entonces procura no toser, no hacer ruido, por este momento no es visto, ni juzgado, guarda las defensas para la llamada “realidad”, lo más que le podría pasar es que lo callen, sentir algún peso de miradas si el celular le suena o si el bebé le llora, se le permite reír claro, pero comúnmente es lo más. Permanece amparado por una “cuarta pared”.

 Hay en el teatro mexicano cada vez más y más apuestas a la escena en espacios no convencionales con modos de producción alternativos, y sea que provenga de las reales ganas de comunicar, o del hastío que provoca la burocracia. Es una apuesta eficiente en muchos sentidos, y es que muchos textos dramáticos, muchas ideas de generación de puestas en escena, muchos actores, muchas posibilidades quedan en la imposibilidad por que permanecen en espera de recibir una beca para financiarse, o de ser puestas en teatros de renombre que resuelven producción y nómina y avalan al currículum, de ganar premios nacionales o internacionales y el caso es que si esto no sucede, porque no se es hijo o la suerte no corrió o porque son muchos en la fila, termina en una privación de experiencias valiosas como sea que fueren, para un número significativo de personas.

 El teatro en espacios no convencionales, y por “no convencionales” nos referimos a cualquiera, dígase: Bares, cafés, azoteas, iglesias, sótanos, baños, casas abandonadas, una pollería, el barrio de Tepito, alguna calle de la roma, las escaleras de un edificio, un vagón del metro, la explanada de la basílica, un camión, cualquiera de verdad, cualquiera, y no sólo por hacerlo en cualquiera con afanes innovadores, sino porque los creadores que se han atrevido saben de las posibilidades de que un espacio real dota, de lo que en el espectador y en los actores provoca, hay una libertad intrínseca, un diálogo en común: “esto puede pasar aquí, en el lugar que tú y yo como humanos compartimos”

 El teatro en su recinto es magnífico, el teatro es magnífico en todas sus formas y se dice que el peor teatro, es en realidad “el que no se hace”, sólo que éste involucra al público a niveles ricos y extraños, el lugar ejecuta un cambio en la percepción, el espectador ya no está amparado, el volver a que en realidad el mundo es el hogar del teatro, el mundo todo, salir los creadores del recinto que los ampara y echarse al mundo con el teatro en la maleta, sin “cubre-bocas ni guantes de látex” a ser generadores de nuevas experiencias…

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Originally posted 2014-08-04 11:07:04. Republished by Blog Post Promoter

Indigente. Mercado Itinerante con raíz queretana

Indigente

La bella ciudad de Querétaro es el contexto perfecto para un tianguis fuera de lo común, un mercado donde se busca la exposición de artistas, obras y productos artesanales, de la mano de jóvenes inquietos por la difusión de lo mexicano, desde los procesos de elaboración hasta el producto terminado.

Indigente es un evento realizado por primera ocasión. Claudia Sánchez, Luis Álvarez y Lucía Espinoza son los cerebros detrás de esta inquietud de raíz queretana, a partir de la necesidad de difusión del diseño mexicano, decidieron invertir tiempo y recursos al crear más espacios para mostrar lo hecho en México de manera independiente sobretodo en el sector juvenil, pues la interacción entre el cliente y el artista se da directamente. Entre las propuestas exhibidas, también se encuentra la música durante el evento, y con DJ’s al final; y un área gastronómica con comida del estado sede, el Distrito Federal, Guadalajara y León.

El evento se realizará el 18 de mayo en el hotel MO17, en el centro de la ciudad de Querétaro, en la calle Melchor Ocampo, comenzará a las 11:00 y terminará a las 20:00 horas.

 

 

Originally posted 2013-05-15 18:33:40. Republished by Blog Post Promoter

MÚSICA ATACADA POR PIRATAS

En los últimos diez años la industria musical ha sufrido una fuerte fractura en el ámbito económico, sus costos se han elevado y por ende los consumidores de productos por excelencia como los CD’s han optado por otro medio de obtención: la piratería.

 Desde hace por lo menos 3 décadas, la industria productora de material musical vinilo se vio atacada, aunque de una manera casi insignificante. La producción y reproducción de discos de este material no era nada barato, por ende era muy extraño encontrar mercancía no oficial en las calles.

 Posteriormente en la década de los ochenta y noventa la aparición de los cassetes, en lo que la cinta magnética era la encargada de almacenar las melodías; comprimió el espacio de almacenamiento y con ello creo la posibilidad de reproducción del material de una manera más económica.

 A inicio del Siglo XXI, la compresión de material musical prosigo su camino y aunque su existencia ya estaba presente desde años anteriores, el CD se volvió el nuevo almacén y nuevamente por su costo se redujo, dejando indefensas a las casa productoras. Posteriormente y aunque los discos siguen en mercado los reproductores de música iPod, Walkman y dispositivos móviles dieron el giro, al poder descargar música directamente de Internet.

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 Las autoridades aun no se decidían a si el descargar música, era considerado piratería, pero lo que si era seguro, es que se estaba ejecutando un acto de robo, ya que este contenido “bajado” no era pagado.

 La perdida económica es de al rededor de 964 mil 688 millones de pesos. Es una cantidad bastante elevada y no tiene que ver únicamente con el costo de material en un tienda. El trabajo de las casas productoras, engloba desde el personal de personal encargado de la maquinaria para grabación, productor, artistas gráficos, distribuidores y por supuesto el artista mismo.

 Las cifras son alarmantes, en México 8 de cada 10 personas consumidoras de música han compran material pirata y el rango de edades que ejercen estas compras va desde los 25 a los 44 años mayoritariamente. Argumentan que lo hacen por que el costo de un CD en tiendas es demasiado elevado, precios de 120 pesos hasta 300 pesos es el promedio de costo de los materiales, por lo tanto pagar 10 o 30 pesos no se compara.

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 Por supuesto no es considerada la calidad del material, así como el arte que va dentro de los empaques o incluso en los diseños gráficos que adornan los CD’s y sin mencionar la calidad de audio que se ve reducida en los discos que adquirimos en el mercado o en el Metro.

 La industria se ve afectada a nivel mundial, debido a ellos algunas bandas han optado por poner a disposición del público material sin ningún costo en sus portales de Internet. Radiohead, banda británica de rock, ganó 9 millones de dolares al poner a disposición su álbum “In Rainbows”, de esta manera saltan las industrias y reducen costos proporcionando una mejor oferta en la compra de su material. Por supuesto esto también tiene afección en la asistencia de los conciertos, proporcionando más atracción del público por el artista.

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Originally posted 2014-08-28 14:51:44. Republished by Blog Post Promoter

El universo puro, simple e inmutable: La persistencia de la Geometría en el MUAC

Desde la década de los setentas, una serie de artistas comenzaron a tratar de propiciar formalizaciones a un inmenso espectro de prácticas al alcance de la geometría, llevada desde la abstracción hasta la capacidad referencial del arte. En un espacio delimitado por 76 obras de 29 artistas, respectivamente, se apela, según Ninfa Bisbe —directora de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”— tanto a lo sensorial como a una reflexión de tipo cultural, social o política.

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ''la Caixa''

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941). Black Stones Under Yellow Light [Piedras negras bajo luz amarilla), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ”la Caixa”

En 1998, el prodigioso director de cine estadounidense, Darren Aronofsky, utilizó al séptimo arte para expresar en su ópera prima, ideas enredadas en ficción que trataban de dar una explicación a los patrones en el universo mediante las series numéricas y coincidencias inesperadas. Mismas concepciones estaban basadas en los tratados de grandes genios matemáticos, tales como Leonardo de Pisa, quien realizó estudios acerca de sucesiones numéricas, lo que lo llevó a idear la sucesión de Fibonacci.

A su vez, históricamente, con la utilización de números con un vínculo asombroso, se pudieron obtener imágenes que brindaron una interpretación a los paradigmas de la naturaleza, siempre de la mano de la geometría. La persistencia de la Geometría está dividida en siete núcleos temáticos: “Metafísica de la geometría”, “Formas esenciales”, “Geometría en acción”, “Dibujar el espacio”, “Estrategias geométricas”, Intersecciones en la arquitectura” y “Minimalismos en expansión”.

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En la inauguración de la muestra, el Embajador de España en México, Manuel Alabart, confió en que el MUAC es el mejor espacio para presentarla, asimismo señaló que es un privilegio poder presentar una selección de estas colecciones. María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), afirmó que la exposición muestra cómo la geometría se ha trasladado al arte contemporáneo.

 

“El arte contemporáneo ha trascendido de las formas clásicas para ampliar su capacidad de impresión y de comunicación”, enfatizó el director del MACBA, Bartomeu Marí.

Las fotos y videos de artistas como Eleanor Antin, Bruce Nauman, Josep Ponsatí, Robert Smithson, Ana Mendieta y Francesc Torres, expresan a la geometría como algo animado. Otros de los artistas en la exposición son León Ferrari, Àngels Ribé y Ana Mendieta.

La quinta muestra que resulta de la asociación entre la Fundación La Caixa y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA, que ya se exhibió en Madrid, permanecerá abierta al público hasta enero del 2014 en las salas 7, 8 y 9 del MUAC.

Originally posted 2013-06-26 11:02:36. Republished by Blog Post Promoter

Únete a la celebración de los museos

 

El próximo 18 de mayo se celebra el Día Internacional de los Museos, el tema de este año es:

Museos (memoria + creatividad) = progreso social

El director general del ICOM Julien Anfruns precisa: “Los museos se esfuerzan en alcanzar la conciliación de su tradicional misión de conservación con el cultivo de la creatividad, necesaria para su renovación y para aumentar el número de visitas, y tienen la firme convicción de que su presencia y sus acciones pueden cambiar la sociedad de manera constructiva.”

Este festejo fue creado para sensibilizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad. En 2012,  vio la participación récord de unos 32,000 recintos, los cuales, organizaron animaciones en más de 129 países.

En la celebración de este año participan más de 60 museos en la Ciudad de México con distintas actividades, como entrada gratuita, recorridos guiados a exposiciones, conferencias y talleres, además, algunos ampliarán los horarios de visita hasta las 22:00 hrs.

Ejemplo de los museos que participan en esta ocasión son  el Museo Franz Mayer, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Museo del Objeto, Museo del Chocolate y muchos más. La amplia oferta de actividades la pueden revisar a continuación.

No se pierdan la oportunidad de asistir a las diversas actividades ofrecidas por los Museos en su festejo, seguramente en cualquier parte de la ciudad donde vivan o se encuentren, habrá una actividad que valdrá la pena cerca de ustedes.

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El almacén de la imagen: impresiones sobre Rafael Galván

La primera vez que vi la obra del fotógrafo Rafael Galván fue en la exposición colectiva Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía en la Galería Patricia Conde en Polanco. Recuerdo perfecto su obra porque me atrapó al instante. No es que la fotografía de los demás autores no lograra llamar mi atención, al contrario, el trabajo de todos los fotógrafos ahí reunido me pareció impresionante. La técnica y el concepto de cada uno era diferente, así cada serie tuvo impacto sobre mí. Sin embargo una de las que más me envolvió fue la serie de Rafael Galván. Se trataba de una serie sin nombre que estaba colocada en una sección de la galería que te aísla dentro de tres pequeñas paredes moradas que forman un espacio casi cerrado. Dentro del espacio se encontraban las fotografías que mostraban mujeres desnudas, en tonos sepia o en blanco y negro. Parecían fotografías del siglo XIX.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 Las paredes color lila y los marcos de las fotografías hechos con tela de color morado formaban un contraste bellísimo. Todo parecía tener sentido para mí. Es interesante la manera en la fotografía puede proyectar una idea o un concepto, el mensaje que el fotógrafo transmite o intenta transmitir es una cosa, sin embargo la forma en la que el espectador se apropia de las imágenes es algo muy distinto.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 El trabajo de Rafael Galván se caracteriza por el uso de técnicas de impresión del siglo XIX y principios del XX, es decir, imprime bajo técnicas de cobre, platino paladio, sobre papel de algodón, incluso realiza ambrotipos que él mismo colorea tal como lo hacían los fotógrafos del XIX cuando no existía la fotografía a color. El trabajo de este fotógrafo me parece impresionante por el hecho de retomar estas técnicas para la creación de fotografía en pleno siglo XXI.

 Las fotografías que presentó en la exposición Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía, son ambrotipos que brindan una sensación de antigüedad a la serie. Cuando el historiador y curador de la exposición José Antonio Rodríguez habla de la obra de Galván menciona que este fotógrafo no intenta volver al pasado, sino más bien busca aceptar ese pasado en el presente. Asimismo menciona que la serie fotográfica de Galván hace referencia a fotógrafos franceses del siglo XIX como Charles Negrè o Auguste Belloc.

 Cuando observé las fotografías de Galván no pude mas que sentir una gran emoción, porque normalmente pasa esto cuando veo fotografías que me recuerdan precisamente la segunda mitad del siglo XIX en la historia de la fotografía mexicana; en la que abunda la fotografía de tipo antropológico que solo puede entenderse a través del estudio del colonialismo europeo. De la mano del científico y del naturalista europeo que llega a tierras americanas viene el fotógrafo, que hace uso de su cámara para dar una descripción gráfica del “otro”.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 En su libro Retrato involuntario. El acto fotográfico como forma de violencia, Marina Azahua menciona que  la fotografía etnográfica surge en paralelo justamente del proyecto colonialista y del espíritu científico de la antropología. Así el zoológico humano y la fotografía etnográfica fueron ejemplos de esa curiosidad del europeo por el otro. En este sentido, al momento de ver la serie de Galván, recordé por una parte, tal como lo dijera Rodríguez, a Auguste Belloc con sus fotografías de mujeres desnudas en reposo. Pero también vi en ellas un poco de Charles B. Lang y Carl Lumholtz.

(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía espuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.
(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía expuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.

 Galván muestra las mujeres de manera muy similar a Belloc, es decir, mujeres acostadas o sentadas, el bello sexo descansando. En el retrato se hace uso de telas que aparecen como una reminiscencia del fotógrafo francés. En ambos casos, tanto en el de Galván como en el de Belloc, se exhibe mujeres en su rol decorativo, excluidas de actividad útil, tal como lo haría Giorgione con la Venus dormida.

 Galván retrata mujeres morenas, crea un juego con las telas que cubren o la cabeza de sus modelos o la mitad de sus cuerpos, retrata mujeres con cuerpos naturales, senos grandes y estómagos lo suficientemente abultados. Las mujeres muestran expresiones faciales interesantes: están serias, pero no hay rasgo de angustia, de vergüenza, así como tampoco de orgullo.

 Sin duda ver estas fotografías en la galería fue la cereza del pastel de mi experiencia sensorial durante la visita a la exposición. No sólo el espacio reducido provocaba que entraras a una especie de burbuja del pasado, sino que también se creaba un contraste interesante entre las fotografías en sepia y la pared de color. Contraposición entre el color que nos recuerda que estamos en una galería del siglo XXI y el sepia que nos transporta al siglo XIX. Por supuesto la serie de Galván hizo eco en mí, sobre todo porque la recepción de una obra de arte depende en buena parte del mensaje que el artista imprime en su trabajo, pero también del espectador. La interpretación que esté haga de la obra así como los sentimientos y emociones que ésta pueda provocarle son principio de la historia personal del cada individuo.

Originally posted 2014-09-05 09:00:08. Republished by Blog Post Promoter

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Circulacionismo en el MUAC

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Traída desde Alemania llega Hito Steyerl, la artista que presenta su exposición monográfica en el MUAC titulada Circulacionismo, la cual consta de tres de sus recientes piezas: Adorno’s Grey, Museum as Battlefield y Liquidity Inc., en las que se plantea la reconfiguración entre la imagen, historia, política y documental, que caracterizan su obra desde los años 90.

 A través de la videoinstalación y reflexión, la artista propone una manera de analizar la manera en que son producidas y consumidas las imágenes en el televisor, cine y arte contemporáneo.

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  Su trabajo incluye imágenes apropiadas o de baja calidad para permitir el cuestionamiento sobre la relación que existe entre documental, realidad y representación.

 La cita es en la sala 8 del  MUAC (Insurgentes Sur 3000). Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00 y jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas hasta el 1 de marzo de 2015

 Jueves a sábado $40 público general *50% con credencial vigente a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS

Miércoles y domingo %20 público general *NO APLICA DESCUENTO 2X1.

#FIC2014 Acción y transformación ciudadana: Proyecto Ruelas

 

Estamos cada vez más próximos a la cuadragésima segunda edición del Festival Internacional Cervantino, uno de los entes culturales más importantes a nivel nacional e incluso con reconocimiento a nivel internacional, por lo que nos hemos dado a la tarea de profundizar en algunos de los eventos y actividades de su programa para hacer más accesibles los atractivos que trae consigo.

 Rescatando el prestigio y resonancia que tiene el Festival a distintas escalas, hace uso de ello de la mejor manera, incluyendo entre sus principales objetivos no solamente el entretenimiento y la distracción de los asistentes, sino también la inclusión de los propios guanajuatenses en jornadas de esparcimiento apegadas al fin cultural de sus actividades.

 En alianza con la Universidad de Guanajuato y los gobiernos estatal y federal, en esta ocasión se dará inicio a un espacio nuevo de aproximación a la cultura para distintas comunidades, con la finalidad de la vinculación ciudadana entre los habitantes mediante formas de convivencia colectiva en relación con las artes.

 Se trata del Proyecto Ruelas, nombrado así a raíz del Mtro. Enrique Ruelas, académico reconocido, notable figura de gran significación para la Universidad, para Guanajuato y para la dramaturgia, pionero del teatro y creador de los llamados Entremeses Cervantinos —escenificaciones teatrales callejeras de tradición en el marco del Festival—. Esta iniciativa no tiene más propósito que retomar la concepción que se tenía del teatro en la antigüedad: una actividad al alcance de todos, realizada en espacios públicos y abiertos, y siempre con un mensaje a transmitir.

Maetro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)
Maestro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)

 Tomando como modelo los mencionados Entremeses del Mtro. Enrique —montados con miembros de la Universidad y habitantes de la ciudad—, el Proyecto Ruelas se llevará a cabo en cuatro comunidades de los municipios de León, Salamanca y San José de Iturbide, elegidas por sus altos índices de pobreza y bajos niveles educativos.

 Encabezadas por los artistas Sara Pinedo, Raquel Araujo, Javier Sánchez Urbina y Luis Martín Solís, en cada uno de estos sitios se mostrará como proyecto final el montaje de las obras El mercader de Venecia, Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta, El Rey Lear, Hamlet y Los dos hidalgos de Verona, todas de la autoría del dramaturgo William Shakespeare como parte de la conmemoración del aniversario 450 de su natalicio, también parte de este Festival Cervantino.

 Aunque los montajes finales se representarán a la comunidad en este mes de septiembre, y en el mes de octubre como parte del programa Cervantino para Todos, este proyecto viene gestándose desde junio, mes en el que los citados dramaturgos comenzaron su residencia en la comunidad en la que desarrollarían este trabajo, con la finalidad de integrar a los participantes y comenzar a involucrarse personalmente con las labores.

De inicio a fin, nacimiento, maduración y conclusión, los vecinos se involucrarán en todos los puestos requeridos, haciendo de actores, técnicos, productores, asistentes de vestuario, tramoya y todo lo que sea requerido en cada producción.

Proyecto Ruelas, 2014

Este proyecto de acción y transformación ciudadana será, por primera vez, parte del FIC en su edición de 2014, a dar inicio este próximo 8 de octubre y hasta el día 26. Puedes consultar más información aquí, y el programa completo en el sitio oficial del Festival.

Miradas

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Ser fotógrafo no es sólo una manera de ver el mundo sino también de estar en él”

— José Manuel Navia; fotógrafo

 Justo en ese momento, en el que estas en el mundo y además lo ves, lo observas es cuando te das cuenta que todas las miradas, no importa donde se dirijan, muestran la esencia de cualquier ser que comparta contigo el instante.

Don José
Don José
Mariana
Mariana
juan
Juan
Ojos rojos piel blanca
Ojos rojos piel blanca
Tigre
Tigre

 

Layout: Colectivo Tres, espacio para artistas emergentes

Catálogo de exposiciones
Catálogo de exposiciones

Residentes de la Ciudad de México, Colectivo Tres tiene como fin generar exposiciones con la obra de jóvenes artistas que buscan espacios para exhibirla con el objetivo de promover el arte y la cultura.

 Alfredo Gallegos, Carla Esquivel, Celic Cruz, Emilia López, Javier Zugarazo y Mérce Jara se conocieron en la FAD (Facultad de Artes y Diseño de la UNAM) y decidieron juntar su talento y esfuerzo para exhibir su obra, sin embargo se toparon con la estrecha posibilidad de contar con el espacio y el apoyo necesario para lograr su propósito.

Nuestro principal problema es no tener un espacio para trabajar y no contar con ningún apoyo económico, Colectivo Tres es un proyecto autogestivo.

 Al parecer, ser joven y artista se atisba como un camino arduo por recorrer dentro del gremio, por lo que la propuesta de Colectivo Tres es una alternativa muy interesante para todo aquel que necesite darse a conocer.

 A partir de una planteamiento discursivo, organizan la convocatoria, buscan los espacios, crean la identidad gráfica, generan los documentos de préstamos de obras, diseñan la museografía, realizan el montaje y preparan la inauguración y clausura de una exposición, entre otras actividades que conlleva su gestión.

 Gestionar esta labor es importante para ellos, representa la manera en que pueden vincular al arte como una forma de conocimiento expuesto en el terreno cultural de la sociedad. La formulación Curatorial representa un pilar importante para dar razón a su proyecto y sobre ésta existe un autoconocimiento de sus posibilidades y alcances como jóvenes artistas.

Entendemos que es difícil la profesionalización de las artes, ya que se requieren espacios para exhibirla, una plataforma que promuevasu trabajo. Nuestras exhibiciones buscan ser la plataforma que los artistas necesitan para emerger.

Obra en exposición
Obra en exposición

 Como jóvenes no es habitual que se posea una propiedad para llevar a cabo tal cometido, por lo que se tiene que reconocer la labor que Colectivo Tres realiza; la búsqueda del espacio para la exhibición más la difusión del arte no es una tarea fácil, involucra distintos aspectos, como la localización, los propósitos afines, las necesidades de montaje, así como las estrategias de difusión, entre otras actividades que deben articularse con un objetivo en común.

 Las temáticas con las que buscan trabajar para la realización de las exposiciones se basan primordialmente en el discurso que propongan los artistas, por lo que constantemente lanzan convocatorias las cuales se pueden consultar en sus redes sociales y en su blog, que es su principal canal de comunicación.

 Finalmente, debido a que no cuentan con ningún apoyo económico institucional, la participación del artista no termina en presentar su propuesta, sino en la cooperación económica que den los artistas para solventar los gastos del montaje, el catálogo e identidad gráfica. Están abiertos a recibir patrocinios con la fiel intención de ofrecerles mejores condiciones a los expositores.

Tenemos muchos planes, este año habrán más exposiciones en diferentes recintos, esperamos que en un corto plazo nos establezcamos como empresa cultural y tengamos un espacio para trabajar y a largo plazo podamos fundarnos como una galería cuyo principal interés sea la promoción del arte y la cultura.

Sesión fotográfica para catálogo
Sesión fotográfica para catálogo
Preparación del espacio para montaje
Preparación del espacio para montaje

Room 237: El resplandor y el genio de Stanley Kubrick

El resplandor es una película de Stanley Kubrick estrenada en 1980, basada en la obra homónima de Stephen King publicada en 1977 . Hasta acá todo va bien, una gran adaptación de un libro excelente, pero por mucho, la película de Stanley Kubrick supera en demasía al libro a tal nivel que empecé a obsesionarme con esto, sobre todo después de ver el recomendadísimo documental Room 237 de Rodney Ascher, mi obsesión después de ver el documental creció a tal punto, que empecé a formularme la idea de usar un gorrito de aluminio.

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 Y es que yo sabía que Kubrick fue un director de lo más peculiar, famoso por guardar los detalles en sus obras cinematográficas y por su excelente gusto musical en las adaptaciones, también famoso por rasguñar la misantropía en cuanto a sus habilidades sociales, pero sobre todo por ser una mente brillante en el gremio. A todo esto, les contaré el por qué de mi obsesión y por qué El Resplandor simplemente es una de las mejores películas de terror y suspenso que se han hecho.

 Bueno, como ya mencioné, siempre fui fanático de la cinta, la actuación de Jack Nicholson en particular creo que ha sido, junto con The One Flew Over The Cukoo’s Nest, una de sus mejores actuaciones y eso es mucho decir;  siguiendo la trama de ésta película, los personajes sombríos que van apareciendo a lo largo del filme, así como  las escenas superpuestas y las múltiples referencias al exterminio de las tribus nativo-americanas, del supuesto falso alunizaje del Apolo 11 y del Holocausto, hacen que al mirar esta cinta se recurra a un constante stop’n’go para evitar perder algún detalle significativo que nos haga creer que de hecho Stanley quería que viéramos más allá de la cinta.

 Como sabemos, el argumento principal es acerca de un hombre que va a vivir con su familia a un famoso hotel durante una temporada con el fin de cuidar las instalaciones, al parecer dicho hotel posee un pasado obscuro, pues Grady, el hombre que se encargó anteriormente de realizar la misma tarea, había matado a su esposa y a sus dos hijas con una hacha; Jack Torrance, que es el protagonista del terrorífico film, sucumbe ante los fantasmas que resguarda el majestuoso recinto y termina por intentar matar a su esposa Wendy y a su hijo Dany, quien posee la habilidad de comunicarse por telequinesis y de ver más allá de lo aparente, cualidad que es mencionada en la película como “El Resplandor”.

"Come and play with us, Danny. Forever... and ever... and ever.”
“Come and play with us, Danny. Forever… and ever… and ever.”

  La historia “oculta” (o al menos una aproximación a ella) es contada en Room 237, dividiendo y analizando algunas de las escenas más emblemáticas de la película, sólo ahí nos damos cuenta del genio de Stanley, el planteamiento de los locutores, gira en torno a los mensajes subliminales que quedan implícitos en la cinta, añadiendo aspectos de la vida del propio Kubrick y de su acercamiento al oscuro arte del marketing, poniendo énfasis en ciertos puntos clave como lo son los mensajes del alunizaje y de la constante lejanía que guardaba la cinta con respecto a la obra literaria.

AL ABISMO, A LA INCERTIDUMBRE Y AL DESEMPLEO


Corría la noche y se sentía el frío bajo la Ciudad de México; las luces penetraban por los cristales del transporte público… las voces graves de unos chicos se escuchaban maldiciendo el tráfico, música de Universal Stereo, personas somnolientas y apesadumbradas; y algo en común compartían todas: El rostro desquebrajado.

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Crédito:Animal político.

 De lado derecho yacían preocupadas dos señoras que trataban de olvidarse del bullicio, pensando en sus problemas (regreso al laberinto); desempleo e infortunio fueron los temas que platicaban, cuestión que las hacía ver más demacradas y  desilusionadas de la vida misma.

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Crédito:El Universal.

 El desempleo, según datos recientes de la Organización para la Cooperación y Desarrollo Económica (OCDE) vincula a México en el ámbito más catastrófico: Dos millones 681 mil personas corrían para que no les alcanzase y sin embargo, la nulidad de empleo  les otorgó su dictamen: Fuera, que ahora desempleo es su rey.

 –Cómo te fue mana? ¿Ya te pagan mejor? Porque la neta, así no vale la pena. Mejor ve buscándole, por lo menos un lugar donde no te prohíban que puedes comer y que no-exclamó la señora de cabello corto con tono apesadumbrado y benevolente, aunque no podía ni siquiera sostenerle la mirada.

 Pues qué te digo, me pagan $150.00 y no me alcanza para nada; pero al menos el patrón me regala cerveza Tecate de vez en cuando. Por eso no me quejo, es medio codo el wey  pero tiene sus detalles… a ver dime, ¿Qué patrón hace eso? Debemos ser agradecidas, total nadie me regala nada.

 Deambulaban entre esperanzas, sueños y un poco de desosiego, mientras que el señor que estaba a lado de la señora rubia babeaba de sueño sobre su hombro. Baches, mentadas de madre y el claxon a todo lo que da. Frases como no me alcanza el billete, mugre codo, pero no me ha corrido a pesar de mi tatuaje, estoy bien cansada, la comida es una friega; se escuchaban de par en par, mientras que el chofer balbuceaba un quítate idiota que tengo prisa.

 La preocupación del desempleo no sólo abate a un sector de la población, pero si alarma de sobremanera a los que más le chingan, a los que menos tienen, a los que doblan horas, a los que no tienen seguro…a los más jodidos.

 Si el pueblo hambre tiene, que busque chamba se dice, y que no encuentre resulta ser la bomba que constantemente hace su aparición. Desemplear, desechar es lo que padecen los que más necesidad de alimento tienen, porque señora desocupación no nos dice adiós, sólo da una patada y cierra la puerta para no abrirla por mucho tiempo.

 Rugía el motor de la combi, el señor ya había despertado con la boca seca y se oía el eco de Creedence Clearwater Revival y mientras las luces neón abrumaban el ambiente más de la cuenta, señora rubia canturreaba y hacía muecas constantemente.

 Pero el jefe, me dijo que trabajaría el Domingo y me pagaría el doble, a ver si es cierto…que yo ya no aguanto el olor a pescado y el caldo gallego que todos los días hago, me sabe a miados— platicaba con voz ilusionada.

 Pos, lo que tú quieras mana. Pero no te dejes engañar, ese señor ya te ha prometido que te subirá el sueldo desde hace cinco año— -reclamaba doña cabello corto, que ya empezaba a sentir calor y abría la ventana.

 Es que, las broncas en la casa no dan pa´ que me mueva; ya sabes puras broncas, a veces ya ni quisiera regresar y solamente irme muy a la fregada— decía con una mezcla de dolor y ansiedad.

 La tendencia en torno al desempleo, promete un futuro desolador y  oscuro, tan sólo en el mes de Julio se registró un aumento del 5.7% de personas que no tienen acceso al mercado laboral. Se ofrece mucho trabajo, se demanda poco y mientras los precios suben drásticamente al igual que las necesidades, mientras que los que más tienen no les preocupa la situación; guardan silencio y el descontento se escucha aquí y allá…la alarma en cada sector de la población se deja entrever.

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Crédito:Tumblr.

 La combi se iba desocupando y solamente estaban las señoras, con mirada perdida y sosegada. La de cabello rubio (la más apesadumbrada) masticaba chicle ferozmente y rascaba su mano, mientras que trataba de jalar la manga de la chamarra para tapar su tatuaje de la mano izquierda.

 El clima se mostraba un poco fatídico y nauseabundo, el malestar se había apoderado de todo el espacio y solamente, veía bajo su delgada ceja los ojos perdidos en quién sabe dónde, tramando como olvidar al mundo y ser solamente el pensamiento que tanto le inquietaba: Una persona que contara con seguridad en el empleo.

 Por segundos, deambulé en la inmortalidad del cangrejo y pensé que la conocía, tal vez porque era el rechazo al no querer ser pero someterse a, tal vez la vi pasar y hasta ahora encuentro a doña Mary (supe que se llamaba así porque doña cabello corto así la nombró).

 Pienso en desempleo y en el salario mínimo, y veo a mi alrededor personas que se inquietan por el desamparo laboral que persiste, garantizándoles y garantizándome dolores de cabeza seguros en los próximos meses, quizá hasta en los próximos años.

 Quejas y más quejas, y parece que todos nos hacemos los sordos entre sí, para olvidar el profundo abatimiento que nos corroe, pero mientras exista desempleo; nos patearán la nalga varias veces para decir  “Ey tú, sáquese que el otro es más apto, usted no por bruto”

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Crédito:Ibero 90.9

 $67.29 diarios que representan el salario mínimo, no equivale a mantener en casa una buena comida, ni siquiera un buen caldo de pollo podría hacerle frente a la necesidad de toda una familia; hace falta y más falta…mientras que hambre y necesidad se conjuntan para requerir más ingreso. Según datos recientes presentados en la Alianza del Pacífico, México ocupa el primer lugar a nivel Latinoamérica como el país con el nivel más bajo de salario mínimo. Y mientras más necesidad tenemos de salir del hoyo…el ritmo es más elevado y el empleo se va de nuestras manos, mientras que la preocupación se apodera por quién sabe cuánto tiempo más…

 Y por eso, sólo quedaba doña Mary, inmersa en sus propios deseos, en el deseo de buscar otro empleo porque el hijo de don César era un tonto que solamente se aprovechaba de la necesidad; sin importar que tan lejos viviesen, porque capear mariscos todo el día quemaba las manos y por ese maldito tatuaje, por culpa de ése, no podía salir a buscar otra chamba.

Just 4 Fun: Más que piel y panties

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Alina para just4fun Foto: Angel Angón

 Hace cinco meses surgió Just 4 Fun, un proyecto fotográfico, que si tuviera soundtrack sería con bandas de punk rock. Un blog con imágenes que el lente de la cámara de alguien, con una mente talentosa captó.

 Un club de fotógrafos provenientes de Guadalajara, Michoacán y el Distrito Federal, entre otras localidades, integran el “crew” de Just 4 Fun, con series que incitan a la sensualidad, al usar como principal musa la figura femenina. A veces con ropa y otras no.

 Angel Angón y Armando Huertas, un par de tapatios que comparten el gusto por la estética visual, visitaron la capital para conocer a Alan Isol, parte fundamental del equipo, y realizar colaboraciones con marcas de ropa de ropa para chicas como RIP Rosa Pistola y SKVM. 

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 Ellos, además de Jaime Tena, Luis Ramone y el venezolano Rafael Mesa componen los arpegios, de una canción que suena a Descendents. Senos, nalgas y piel componen las estacadas que sueltan estos fotógrafos en sus disparos.

 No es complicado entender su trabajo pues como el nombre sugiere el objetivo es pasarla bien o como menciona Alan Isol “es para conseguir una novia modelo”, comenta entre risas.

 La literatura es un elemento clave en la relación interpersonal de quienes integran el blog de chicas semi encueradas. Entre los autores que comparten se encuentra Allen Ginsberg, Neal Cassady y Jack Kerouac.

 La influencia es notable al hacer del alcohol y la fiesta un estilo de vida y supervivencia.

 Para ver más de su trabajo puedes seguirlos en Tumblr o en el sitio Harddayco.

 Pero ya hablé mucho de estos muchachos, mejor les dejo una muestra de lo que se puede crear aún sin tener sueldo, ni tener alguna otra pretensión que no sea una vida despreocupada, pero nunca ociosa.

Shadowbang: Música contemporánea, gamelán, rock y (¿por qué no?) títeres

 En el 2003 salió a la venta un disco bastante peculiar, Shadow Bang, resultado de la colaboración del compositor Evan Ziporyn, el ensamble Bang On a Can All-Stars y el titiritero balinés I Wayan Wija. Esta magnífica obra de arte resulta muy relevante por su eclecticidad tan característica como arriesgada, su tremenda originalidad y su manera única de expresar emociones. En una hora dividida en ocho movimientos, Ziporyn nos deja en claro por qué es uno de los exponentes más importantes de la música contemporánea.

Evan Ziporyn
Evan Ziporyn

 Evan Ziporyn -que además de compositor es clarinetista- es ciertamente un creador posmodernista. Desde la música académica hasta el rock, pasando por lo oriental, este gran artista es capaz de moldear sus materiales musicales de maneras inusitadas.

 En Shadowbang, Ziporyn nos demuestra que hoy en día la música popular y la música “culta” en realidad ya no están tan peleadas. Como buen exponente del totalismo musical, utiliza recursos de la música culta (como la variación constante de su material, la instrumentación y el uso de ritmos extremadamente complejos) así como de la popular (el uso de instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y la batería; el uso de patrones de repetición; y la selección de una armonía hasta cierto punto reducida).

 Un muy buen ejemplo es el quinto movimiento, “Meditasi – Pesta Raksasa”, donde se pueden escuchar al mismo a las percusiones y al contrabajo realizando un patrón rítmico con tintes jazzeros, a una guitarra eléctrica coloreando el espacio con ruidos provenientes de rasgar las cuerdas con las uñas, a una segunda guitarra y un clarinete cantando melodías fragmentadas y a la voz gritando y gimiendo a su propio tempo (es decir, a una velocidad y ritmo distintos de los demás instrumentos).

Bang on a Can All-Stars
Bang on a Can All-Stars

  Si quieren saber más acerca del movimiento totalista, un género musical con una libertad sin precedentes, pueden leer este artículo.

Es importante mencionar también la influencia oriental en Shadowbang. Ziporyn estudió un tiempo en Bali (una pequeña isla de Indonesia), donde aprendió gamelán y tuvo contacto con la vida musical de ese lugar (para conocer lo que es vean este maravilloso video). En el material, esto resulta patente en el uso de polirritmias complejísimas (cuando un instrumento lleva un ritmo que se contrapone al de otro instrumento, creando un efecto como de “disonancias rítmicas”), los colores (son característicos los timbres metálicos), la temática (los textos fueron extraídos de una historia del Ramayana) y, sobre todo, el uso de cantos influenciados por la tradición balinesa. El proveedor de dichos cantos es ni más ni menos que el famoso titiritero balinés I Wayan Wija, un maestro del teatro de sombras que es toda una celebridad en su país de origen. I Wayan Wija nos cuenta una historia extraída de los textos sagrados del hinduismo, mezclando la prosa con el canto en un alarde de comicidad y frescura.

Teatro de sombras balinés
Teatro de sombras balinés

 No queda más que insistir en que escuchen este maravilloso disco, que se puede conseguir fácilmente en iTunes Store o en Amazon.

En una época donde la música contemporánea se encuentra en total desconexión con el público, este tipo de piezas buscan tender un puente entre el artista y el espectador y, la verdad, lo hacen de una manera formidable.

Gallery Wekeend México: Arte contemporáneo

 Las puertas de la ostentación están por abrirse, inspiración, ideas, sentimientos, retratos sociales así como lo intangible tendrán plataforma del 27 al 29 de septiembre en la Gallery Wekeend México, ya que es el fin de semana dedicado al arte contemporáneo, siguiendo la tendencia en ciudades como Berlín, Viena, Nueva York, Los Ángeles, entre otros. Por fin artistas nacionales podrán tener una mayor difusión de sus obras y lograr un diálogo para reflexionar sobre la difusión del arte contemporáneo, gracias a un esfuerzo en conjunto.

Galería Ethra
Galería Ethra

Serán quince las galerías que darán entrada a los amantes y curiosos del arte en diferentes delegaciones de la ciudad de México, entre las cuales se encuentran: EDS Galería, Proyecto Paralelo, Galería Luis Adelantado, Talcual, Patricia Conde Galería, OMR, Nina Menocal, entre otras. Todos los atrios inaugurarán la noche del 27, una de sus mejores exposiciones de todo el año, además extenderán los horarios de visita, el sábado de 11:00 a 19:00 y el domingo de 11:00 a 17:00 horas.

  Galería Luis Adelantado: El arte está embrujado, Priscilla Monge. Inspirada en el ensayo de Sigmund Freud ,Das Unheimliche donde se reflexiona sobre lo oculto y lo raro; la obra intenta poner en evidencia la relación entre lo extraño, la educación, la literatura y el psicoanálisis, exteriorizado en lo cotidiano.

  Proyecto Paralelo: El club del aburrimiento, Marco Rountree Cruz. La faena parte de dos preguntas sustanciales para el artista ¿El arte es una mera ornamentación o una imposición de un aura sobre lo cotidiano?, ¿Para qué sirve? Oscar Wilde,  con su ensayo La decadencia de la mentira, es quien ha inspirado esta obra; Rountree dirige su atención a cosas grandes y pequeñas, importantes o insignificantes, para mezclar las y encontrar un sentido.

  Nina Menocal: Calles, María José de la Macorra. Xochimilco. El lugar de las Chinampas y las flores fue elegido para ser admirado, pues con sus travesías tiene símbolos de historia para quienes las transitan.

María José de la Macorra
María José de la Macorra

Altiplano Galería: De fracturas, discontinuidades y brechas, Varios artistas. Son siete artífices los que dan vida a esta obra, donde el objetivo es el de descubrir de manera libre y espontánea las diversas manifestaciones sin la necesidad de colgar una etiqueta.

  Todas las galerías buscan impulsar el arte mexicano contemporáneo. Exposiciones exquisitas en espacios sorprendentes, nos esperan en el fin de semana de Gallery Wekeend México, que gracias a la revista “Código”, cientos de espectadores disfrutarán del arte; además se proporcionará un sistema de transporte para los visitantes el cual no tendrá costo alguno así bien como la entrada será libre.

  Para mayor información sobre el mapa del sistema de transporte, la ubicación de las galerías y las exposiciones visita la página: www.galleryweekendmexico.com

Priscilla Monge
Priscilla Monge

Les Ballets C de la B. De Bélgica para México

Les Ballets C de la B

El Festival de México en el Centro Histórico es un parte aguas para el desarrollo y la difusión del arte y la cultura en el Centro del Distrito Federal. En la danza, se presentará  una compañía de Bélgica,  Le Ballets C de la B,  fue fundado por Alain Platel en 1984.

Es una de las compañías más reconocidas por su trabajo, tanto en su país como de manera internacional, así mismo, se ha convertido en una plataforma artística para un gran número de coreógrafos. Su filosofía es permitir la participación de artistas de distintas disciplinas en sus procesos creativos, los cuales, son sumamente dinámicos. Su estilo es popular, anárquico, ecléctico y comprometido. Su trabajo en esta disciplina lo tienen claro, su lema es: “Esta danza es para el mundo, y el mundo es para todos”

Les ballets

En el marco del Festival presentará la obra The Old King, un trabajo en conjunto con Miguel Moreira, donde el bailarín interviene de distintas formas, lucha contra sí mismo, contra su persona, su pensamiento. Fue muy bien recibida en Londres y se espera que el público mexicano se sorprenda con esta puesta en escena.

Se presentarán en el Teatro de la Ciudad del 10 al 12 de mayo. Un fin de semana completo para deleitar a los mexicanos.

Kid’s Republic, diseño exclusivo para los peques

Kid's Republic 1

La librería Kid’s Republic se encuentra en el centro del país más poblado del mundo, en Beijing, China. Es un lugar diseñado para motivar la creatividad y la comodidad, exclusivamente para niños. Aquí su imaginación será acompañada por los libros a consultar y lo colorido del diseño del edificio.

Kid's Republic 2

Tiene un camino lleno de color que recorre toda la librería, tanto en el piso como las paredes. Entre las estanterías hay agujeros donde los peques pueden leer cómodamente, algunos simulan ser caleidoscopios con vista al exterior mientras otros solo están en el interior. El tapiz alfombrado está por doquier, con ello los niños pueden sentarse a leer donde quieran.

Kid's Republic 3

Cuenta con la mejor selección de libros infantiles, desde cuentos, hasta especiales de fotografía. La sala de actividades parece un arcoiris y se encuentra en el primer piso, mientras la librería está en la planta alta.

Keiichiro Sako (estudio de arquitectura SKSK) a petición de Poplar publishing Co, Ltd., la mayor editorial infantil en Japón, fue quien diseñó este divertido lugar, lleno de colores, para los más pequeños. Así se antoja ir a leer cómodamente.

Kid's Republic 4

La librería nació en 2006 pensada para la formación integral de los pequeños, los futuros ciudadanos de cualquier país, acercándolos a la cultura, a los libros, con un concepto adecuado a los cambios globales y convertirlo en un mundo de fantasía donde no se sientan abrumados por el encierro ni la monotonía, ideal para los niños de hoy.