Música y Ciudad, elementos para la animación interactiva: Ostos y Moreno

La interacción con el espectador mediante la variación de las historias a partir de las ondas musicales y el aprovechamiento de espacios públicos, ha dado lugar a la innovación de la producción animada en nuestro país, pues su uso permite que la audiencia encuentre nuevos detalles en los cortometrajes cada vez que los ve o, incluso, modificarlos según su estado de ánimo y gusto musical, en esto consisten las propuestas presentadas por Jonathan Ostos, del estudio Come Sesos, y César Moreno, de Llamarada de petate, en Animasivo.

“Queríamos elaborar un proyecto que modificara la forma en que contamos historias normalmente, entonces imaginamos una película que se transformara a sí misma por medio de la música y que, a partir de ésta y del cambio en el mapa sonoro, se narrara una historia diferente”, explicó Jonathan Ostos.

From A to C, primera historia de Who Killed the Imagination? proyecto desarrollado por Come Sesos.

El proyecto de Come Sesos tiene como título Who Killed the Imagination? y, según menciona Ostos, se trata de una “experiencia narrativa que involucra el cine, la música y los medios interactivos, pues la tecnología nos permite seguir contando historias de manera totalmente diferente a como se hacía antes”.

Who Killed the Imagination? será un software que contará con varias historias, sin embargo, se estrenará con From A to C, la cual narra la travesía de Ip, un extraterrestre que vive en un planeta desolado donde se encuentra con letras que le permiten desarrollar su imaginación y conocimiento. El personaje principal fue filmado en stop motion, pero en la realización del corto se utilizaron recursos como la pantalla verde y los sets miniatura.

Otro recurso para innovar en la producción de cortos animados es sacar al animador de su estudio y darle libertad de desarrollar una idea y contar historias a partir de un espacio público asignado, en ello consiste el proyecto La Ciudad intervenida, del estudio Llamarada de petate.

César Moreno, líder del proyecto mencionado, comentó que uno de los objetivos de La Ciudad intervenida es lograr que la población “vea con otros ojos los lugares por los que transita a diario, que conozca su historia y encuentre un significado de los mismos más allá de los usos que normalmente les da a dichos espacios”.

La Ciudad intervenida, de Llamarada de petate, constará de seis cortos sobre lugares populares de la Ciudad de México.

Actualmente, La Ciudad intervenida “es un proyecto muy utópico todavía, pues apenas se consiguieron los recursos para llevarlo a cabo”, mencionó Moreno, quien agregó que la producción constará de seis cortometrajes y la realización de cada uno de ellos correrá a cargo de un estudio diferente, pues Llamarada de petate trabajará junto con otras productoras como View Masters, 10 y media, Basa, Simón, Memoma y Atotonilco. Así mismo, dijo que las locaciones utilizadas serán Tlatelolco, el Monumento a la Revolución, la Biblioteca Vasconcelos, la Central de abastos, el Panteón Dolores y el Mercado de Sonora.

Cabe mencionar que una de las formas de promoción de ambos proyectos será mediante aplicaciones para dispositivos móviles como celulares y tabletas electrónicas, además de difusión por medio de plataformas en línea.

Durante la Presentación de proyectos de animación en construcción, realizada en el Museo Universitario del Chopo, también se presentaron algunas propuestas elaboradas por alumnos de maestría de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM.

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Animacion japonesa, más allá de unos grandes y expresivos ojos

Enormes y expresivos ojos, cabellos coloridos, peinados estrafalarios; héroes de las artes marciales y bellas colegialas; seres fantásticos que cambian de personalidad con un salpicón de agua o adquieren poderes gracias a una diadema; estos son algunos de los elementos que han caracterizado a la animación japonesa, pero este arte va mucho más allá de lo que se conoce como Anime y ha constituido uno de los productos culturales más exitosos de oriente.

Los cortometrajes presentados en la muestra Los grandes de la animación japonesa independiente, la cual tuvo lugar dentro de Animasivo, el Foro de Animación Contemporánea del Festival de México (FMX), ponen de manifiesto que Japón no sólo produce el tipo de caricaturas descritas líneas arriba, sino que también retrata aspectos y personajes cotidianos, e incluso, utiliza el dibujo animado para hacer críticas de la sociedad a nivel universal.

Beluga, Shin Hashimoto.

En estas pequeñas producciones, cuya duración no rebasa los 10 minutos en la mayoría de los casos, pueden observarse personajes regordetes, de ojos microscópicos y que no necesitaron ser más que un boceto para cobrar vida, pues muchos de ellos son simples trazos de grafito; sin embargo, la ausencia de color no les roba el alma y la capacidad para transmitir emociones durante los segundos que aparecen en pantalla, son incluso más reales y humanos que los personajes del Anime.

Existe cierta tendencia a colocar a dichos personajes de grafito en paisajes naturales, como jardines o bosques; aunque algunos de ellos interpretan su papel en escenografías urbanas. Los japoneses dedicados a este arte hacen que cualquier actividad cotidiana resulte novedosa e invite a pensar por qué los individuos la realizan o por qué éstos son como son; tales cortometrajes cumplen con la función de retratar una parte de la realidad humana y mostrarla al espectador para brindarle no sólo entretenimiento, sino también una filosofía de la vida misma, la cual se extrapola desde oriente hasta el mundo entero, pues el hombre es igual en todo el universo.

Respecto a lo anterior, destacan historias como Beluga (Shin Hashimoto), en la cual tanto una madre joven como un ave, cuyos polluelos acaban de romper el cascarón, abandonan a sus hijos, quienes crecen marginados y, más tarde, se encuentran y entablan una amistad que consiste en aterrorizar la ciudad y deshacerse de todos aquellos que los dañaron. Este filme es un retrato de los terribles estragos que puede causar el rechazo social y, más aún, el materno, a un individuo, quien genera caos en respuesta de lo vivido.

En este orden de ideas, puede hablarse de cortometrajes que retratan la destrucción masiva por medio de armas nucleares, tales son los casos de Pikadon (Renzo Kinoshita) y Looking at a Cloud (Naoyuki Tsuji), en los cuales se hace referencia a la bomba que explotó en Hiroshima en la década de 1940 y a un posible ataque con gases venenosos liberados en la atmósfera, respectivamente.

Looking at a Cloud (Mirando a través de la nube), Naoyuki Tsuji.

La banalidad y la necesidad de escapes para evadir la realidad también tuvieron lugar en esta muestra por medio de cortos como Love, The Midnight Parasites (ambos de Yoji Kuri) y Coffee Break (Taku Furukawa). En el primer caso, se muestra la implacable búsqueda del amor por parte de una mujer que manipula a su pareja y, prácticamente, lo convierte en esclavo hasta que se cansa de él y no le queda más que comérselo y defecarlo (literalmente) para marcharse con un mejor partido; el segundo filme hace referencia al valor otorgado al dinero y a lo material a cambio del espíritu humano y las emociones, que han perdido importancia en la modernidad; la última producción citada se centra en el pretexto que la gente usa con frecuencia para abandonar su trabajo por un momento, éste es el “ir a tomar un café”, pero en pantalla dicha sustancia funge como una droga que hace perder el sentido al hombresillo que lo bebe, quien cada vez pide una taza más grande con la finalidad de pasar más tiempo fuera de su realidad.

Para transmitir estas emociones y aspectos totalmente humanos no es necesario contar con unos enormes ojos o desbordar toda una paleta de color sobre la pantalla, solamente es preciso mirar alrededor, saber qué le ocurre al mundo y buscar una forma creativa de contar esas historias para impactar al público. Los japoneses saben cómo hacer esto.

Coffee Break, Taku Furukawa.

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Selección Oficial de Animasivo: Ánimo, mediante la animación

Todo inicia con la historia de aquel hombre que es presa de los aparatos electrónicos, esclavo de su televisor desde el amanecer hasta la puesta del sol; minutos después, la escena cambia, así como el personaje central, quien ya no es el individuo físicamente frágil que se encontraba adherido a su sillón predilecto, sino un trabajador que aprovechó un momento de descanso para mirar el retrato de su amada fallecida y derramar un par de lágrimas durante esa acción, la cual se ve interrumpida por un travieso insecto que lo orilla a bailar hasta que el rostro del tendero esboza una tenue sonrisa. De la tecnología y su capacidad para convertir en zombies a las personas se transita hacia las emociones humanas, así es el recorrido ofrecido por la Selección Oficial de Animasivo 2013.

Si bien dentro de esta muestra se exhiben cortometrajes como On/Off (Encendido/apagado) de Piotr Ludovic, el cual retrata a un individuo totalmente débil e hipnotizado por la tecnología, o Dame Posada de la productora mexicana El bigote de Chaplin, en el cual se presenta a José Guadalupe Posada elaborando sus célebres esqueletos frente a una máquina de grabado que comienza a manejarse por sí sola y a producir catrinas en masa, al grado de controlar al artista mexicano y convertirlo en un simple operador, la gran mayoría de los trabajos proyectados en Animasivo destacan las emociones humanas y dan paso a la reflexión sobre las mismas.

Louchebem, Boris Laprade.

En pantalla desfilaron la tristeza, encarnada por el tendero de Louchebem (Boris Laprade); los estragos del exceso, protagonizados por una dama con sobrepeso llamada Olinda (Araceli Kennedy); la enfermedad y desesperanza de un grupo de niños con VIH en Bajo la almohada (Isabel Herguera); así como el miedo auto inducido de una simpática clavadista en Allez Hop! (Vamos, brinca!, Juliet Baily) y la indignación por la indiferencia de la gente, a cargo de un personaje microscópico dedicado a trazar caminos urbanos en Linear (Amir Admoni).

Los sentimientos negativos retratados en cada una de estas producciones son superados en muy pocos minutos por cada uno de los personajes, pues en casi todos los casos hay un destello optimista que los lleva a bailar, a aventarse del trampolín y querer hacerlo de nuevo o a soñar con una vida mejor con sólo mirar las ilusiones que se han quedado bajo la almohada.

Allez hop!, Juliet Baily.

Olinda y el micro personaje no corren con la misma suerte, pues la mujer cae en excesos alimenticios que conllevan a su entorpecimiento y, finalmente, su inmovilidad, ya que llega a igualar el tamaño de su casa y eso le impide salir de ella, por tanto, queda atrapada de por vida entre las paredes, lo cual lleva a la conclusión de que morirá asfixiada; por otro lado, Linear es un hombresillo que, a pesar de realizar su trabajo con gusto, termina por hacerlo de mala gana al percatarse de que tanto los transeúntes como los automovilistas atentan contra el orden y la limpieza de las vialidades, de manera que el urbanista decide trazar caminos retorcidos para provocar choques, pues si a la gente no le importa generar caos, a él tampoco tiene por qué interesarle preservar la seguridad.

Con base en esto, el espectador cuenta con un total de entre dos y cinco minutos por cada corto para detectar problemas, tanto en sí mismo como en la sociedad en general, y contemplar opciones para pensar una solución de los mismos, pero todo esto de una manera animada que, más allá de preocuparlo, lo lleva a relajarse y tomar las cosas a la ligera para que, en forma de divertimento, concluya que es importante dejar de lado lo material y rescatar lo positivo del espíritu humano.

Linear, Amir Admoni.

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Animasivo presentará la visión internacional de Japón

Animasivo Banner2

La visión japonesa del contexto internacional, así como la proyección de las diversas épocas del cortometraje nipón serán las atracciones principales del Foro de Animación Contemporánea del Festival de México (FMX), Animasivo, este año; la presentación de producciones de oriente dará lugar a “una ocasión única para acercarse a materiales de escasa difusión en México”, apuntó Lucía Cavalchini, directora del evento.

En un boletín proporcionado por los organizadores del FMX, la directora de Animasivo apuntó que la muestra será engalanada por la presencia del crítico e investigador japonés, Nobuaki Doi, quien presentará una serie de proyecciones sobre la animación independiente que se realiza en su país de origen, además, dará una conferencia sobre las creaciones del productor Koji Yamamura.

Koji Yamamura
Koji Yamamura

La animación japonesa se ha caracterizado por la fusión de la cultura nipona con la visión internacional de oriente, además de esta tendencia de contenido, Japón es un ejemplo de la evolución de las diferentes técnicas de animación que se han creado con el paso del tiempo, por tanto, en la proyección del ciclo Un cosmos en un pequeño rincón del mundo: Panorama de la animación japonesa independiente y experimental se mostrarán cintas que datan de 1950, cuando inició este arte en dicho país, hasta la fecha, con lo cual los espectadores podrán constatar los diversos cambios y mejoras en la calidad de estas producciones.

Según la programación de este festival de animación, Un cosmos en un pequeño rincón del mundo… se subdividirá en pequeños ciclos dedicados a diversas épocas y corrientes de la animación japonesa, los cuales han sido titulados Los grandes de la animación japonesa independiente (1950-1970), Ser privado, aunque social: la nueva ola de Indies japoneses y Con la música, soy: talentos emergentes, estos últimos abarcan las creaciones de productores contemporáneos de entre 20 y 30 años de edad.

Además de la difusión de la animación japonesa, Animasivo también contará con la presencia de Lewis Klarh, quien impartirá el taller Narrativas de Collage, en el cual se pretende explorar esta forma de hacer arte, así como promover una discusión entre público y artista sobre los procesos de animación y construcción narrativa, apuntó Cavalchini en el boletín.

Lewis Klahr
Lewis Klahr

Otras actividades que tendrán lugar como parte de este foro dedicado a las artes visuales dentro del FMX serán la instalación Gimnasio Óptico, exposición donde se conjugará el hacer ejercicio en bicicletas con proyecciones animadas; el performance Báilame y la premiación de los tres mejores cortometrajes que participaron en el concurso ¿Crees que estás viendo lo mismo que yo?

Animasivo dará inicio el 16 de mayo del presente año y concluirá el día 18 del mismo mes, tendrá lugar en diversas sedes, principalmente en el Cine Tonalá, el Museo Universitario del Chopo, Plaza la Aguilita y la Alameda de Santa María la Ribera.

 

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Contribuiré al despegue de nuevos talentos de la animación: Yamamura

“Si puedo contribuir en algo para que los jóvenes realicen sus proyectos y, de esta forma, ayudarlos a despegar en el ámbito de la animación, esa es la tarea principal que pretendo llevar a cabo en la vida”, expresó Koji Yamamura, quien actualmente se ha convertido en un icono de la animación japonesa y ha influenciado los trabajos de nuevas generaciones que buscan incursionar en este arte.

Durante el Foro de Animación Contemporánea, Animasivo, se llevó a cabo una entrevista pública realizada por Nobuaki Doi, también animador japonés, a Yamamura, en la cual este personaje hizo énfasis en su interés por impulsar a nuevos talentos dedicados a este arte, ya que la caricatura comercial ha ganado terreno y ha impedido a los jóvenes realizar y promocionar sus proyectos de animación.

“Actualmente, las universidades japonesas están incorporando departamentos dedicados a la animación, lo cual es un gran acierto, pues hay mucho talento y es triste que no se pueda desarrollar por falta de apoyo en cuanto a recursos económicos y técnicos”, mencionó Yamamura, quien también es profesor en la Universidad de las Artes en Tokio, Japón.

Koji Yamamura 4
Monte Cabeza, Koji Yamamura.

Nobuaki Doi, quien considera que la creación más importante de su colega es Monte Cabeza, misma que cataloga como una obra “fundamental en la historia de la animación a nivel mundial”, cuestionó a Yamamura sobre el proceso creativo de este cortometraje y el éxito del mismo; al respecto, el entrevistado respondió que dicho proyecto plasma su esencia tal cual, pues volcó en él las ideas sobre la identidad japonesa que había arrastrado desde su infancia, por tanto, “únicamente me dediqué a elaborar lo que  siempre quise ver en pantalla, sin pensar en la aceptación que tendría, ésta fue un extra que tuve por el simple hecho de hacer lo que me gusta”, externó.

Durante este diálogo público, Doi cuestionó a Yamamura sobre su propia perspectiva del desarrollo de la animación en Japón, cuyos orígenes se remontan a la década de 1960; sin embargo, la tecnología que hizo posible la realización de este tipo de proyectos se perfeccionó a finales de la los 70, por lo cual el máximo esplendor de este arte se dio hasta los 80, cuando los jóvenes fueron atraídos por él y surgió la necesidad de crear talleres universitarios en esta materia, los cuales abrieron las puertas a la creación de cortometrajes de mejor calidad artística, mencionó Yamamura.

Los hilos de Muybridge, Koji Yamamura.

Aunado a esto, surgieron grupos de estudiantes encargados de producir y difundir pequeños filmes animados, entre ellos Animación 80, al cual perteneció Yamamura, quien agregó que otro factor que permitió este boom fue el Festival Internacional de Hiroshima, en 1985, el cual dio a conocer proyectos extranjeros en Japón, los cuales incentivaron la creación de cortos en esta nación. Sin embargo, la producción enfrentó una crisis en la década de 1990 debido a que las productoras comerciales obstaculizaron a los animadores independientes, explicó.

Por otra parte, Yamamura también habló sobre el proceso creativo de algunas de sus obras y las anécdotas que vivió durante su realización. Además de Monte Cabeza, el cual fue nominado al Premio de la Academia a los Mejores Cortos Animados en 2002, otras de sus producciones más famosas han sido El cocodrilo viejo, El médico rural y Los Hilos de Muybridge.