El Restaurant de Jumbo, revisitado

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Era el año 1999 y tanto en las radio emisoras como en los canales de televisión especializados en videos musicales, resonaba la música de una banda que se encontraba debutando, que haría una aparición contundente y apabullante. Ese año Jumbo presentó su primer material discográfico: Restaurant.

Ese primer disco de la banda regiomontana es un caso extraño. Se gestó en el momento preciso, bajo las circunstancias apropiadas. En aquel entonces, las compañías discográficas todavía se atrevían a apostar por proyectos con discursos artísticos originales, aunque sus fórmulas aún no estuvieran probadas -o prefabricadas-. La intervención de la tecnología aún no ganaba tanto terreno y las cintas análogas todavía capturaban de forma natural las frecuencias.

Afortunadamente, cinco músicos atrevidos dieron un paso al vacío, grabaron catorce temas de rock sin diluir y lanzaron -aunque probablemente ellos no estaban seguros de las futuras implicaciones de esto- un álbum histórico, que marcaría a una generación entera, que hasta el día de hoy, se considera una pieza clave del rock nacional.

Restaurant es un compendio de grandes canciones construidas sobre riffs de guitarras distorsionadas y crudeza al estilo back to basics del rock clásico. Existe mucha fuerza en temas como “Monotransistor”, “Aquí”, “Nova”, Súperactriz”, “Automático” y “Tú me ves”; verdaderas explosiones sónicas. Hay pasajes melódicos, con ganchos perfectamente logrados, como en “Dulceácido”, “Siento que” o “Dilata”. Existe dramatismo, profundidad e introspección en “Fotografía”, “Desde que nací”, “Explosión”, “Alienados para siempre” y “Siempre en domingo”.

Probablemente Jumbo atraviesa por uno de sus mejores momentos y quizá, lo mejor de esta banda está aún por venir. Pero como todas las cosas tienen un origen y una causa, los regios presentarán su álbum debut, de forma íntegra, el próximo 25 de octubre en El Plaza Condesa.

A veces es bueno echar un vistazo al pasado y recordar el porqué de las cosas. Recordar que lo improbable es posible, que lo distante ahora es un presente continuo, que valió la pena saltar al vacío durante la juventud incierta.

A través de los altavoces se escucharán las frases: “…siento que me quieres hoy…”, “…fotografías, se guardan y se olvidan porque dicen la verdad…”, …dulceácido, sabes que es contigo…”, la multitud enloquecerá y otro capítulo de la historia se escribirá.

Felicidades a Jumbo, que su música siempre siga inspirando.

 

Craig Alan y los pixeles humanos

 

Craig Alan, un artista californiano originario de San Bernardino, posee un gran talento para la reinterpretación gráfica y su obra, de un realismo admirable, se especializa en la figura humana. Su trabajo comenzó cuando experimentaba con fotografía callejera, lo que le permitió perfeccionar su habilidad para replicar la figura humana y le ayudó a subsistir económicamente como artista.

Aunque su trabajo ha abarcado corrientes sumamente variadas, desde el expresionismo abstracto hasta el realismo gráfico, siempre ha proyectado y reinterpretado los objetos y personas proyectando su muy particular visión. Últimamente, ha variado en la técnica que utiliza, pues en sus más recientes trabajos el principal componente de su obra son los humanos. Esta técnica, conocida como “Human Pixel Art”, consiste en dirigir desde una perspectiva área el reemplazamiento de los pixeles que componen una imagen por personas reales a quienes coloca y ensambla para componerla en su totalidad. El artista tiene un gran poder de convocatoria, por lo que en estas manifestaciones de street art participan cientos de personas quienes terminan fascinados de haber ayudado y formar parte de obras entre las que se encuentran los rostros de grandes personajes del cine y la música como Jimmy Hendrix, Elvis Presley o Audrey Hepburn.

Cine experimental en la Roma

Cuando Carles Asensio Monrabá se enteró de que cerrarían permanentemente Mundial Cinema, un pequeño cine de su comunidad en donde se conocieron sus padres y él pasó largas horas de su infancia, decidió documentar el lugar y realizar una pieza experimental que intentó difundir en su natal España sin mucho éxito.

La cinta forma parte de El Lugar del Cine: Sesión Doble, una exposición presentada por la Galería Distrito 14, ubicada en la Colonia Roma Norte. En ella se exhibe el resultado de este esfuerzo, titulado Cinema Mundial 1957-2007, un cortometraje que relata la decadencia del cine local y es proyectado digitalmente frente en una sala con una sola hilera de butacas.

 

La otra cinta expuesta se titula Los Espectadores y muestra a habitantes de Sant Celoni, localidad de donde es originario Monrabá, viendo por primera vez una función de Cinema Mundial 1957-2007. Ambos trabajo se exhiben en espacios que permiten movilidad a la audiencia, por lo que se trata de una instalación que explora y replantea no sólo el lugar del cine en la historia o en una comunidad específica, sino en relación al propio espectador.

Galería Distrito 14:

Córdoba # 15 esq. Puebla

Colonia Roma Norte, México DF.

 

Jorge Michel Grau prepara nueva película

Por Jesús Herrera

 

Tras el éxito obtenido con su ópera prima Somos lo que hay (la única película mexicana que cuenta con un remake hollywoodense) el cineasta Jorge Michel Grau anunció que prepara su siguiente cinta Calla, un film que abordará el tema de la licantropía a través de un niño esquizofrénico que cree que su padre es un hombre lobo.

El rodaje de la cinta comenzará en abril de 2013 en Salamanca e Irapuato y, a diferencia de Somos lo que hay, en esta ocasión el relato no girará en torno a la claustrofobia sino a la agorafobia (temor a lugares abiertos). El film es intimista, al igual que su primera película. Los personajes partirán de los hechos ocurridos en San Salvador Atenco en 2006. De esto surge una serie de hechos violentos que van de la mano con una crisis social en el entorno del protagonista, lo que lo orilla a vincular todo lo sucedido con su padre.

Aún no existen actores confirmados, pero se prevee que pronto se revelen los nombres de los protagonistas.

Aquí el trailer de la ópera prima del cineasta

Los 10 himnos del Corona Capital 2012

Por: Danna Campos

@dannacampos

Porque los escuchaste por primera vez en secundaria, porque quizás llorabas con esa canción o bailabas de alegría, porque te recuerda a ese crush de preparatoria que jamás supo de tu existencia, o simplemente porque es ahora la canción que pones en tu iPod cada viernes por la noche, Chulavista Art House hace un recuento de 10 himnos  de 10 bandas diferentes que se presentarán este fin de semana en el Festival Corona Capital 2012.

 

“Blue Monday” – New Order

Lanzada en 1983, “Blue Monday” es el sencillo de 12” que más se ha vendido en la historia, así como también es uno de los singles en haber estado en los charts con más larga duración (7:25min).

“Dark Of The Matinée” – Franz Ferdinand

También conocida como “Matinée”; fue lanzada en el año 2004 por el grupo escocés. Dicha canción gustó tanto que, meses después, alcanzó la posición número ocho en el UK Singles Chart. Aunque muchas personas que gustan de la banda han coreado “Matinée” en los conciertos, pocas saben que esta canción trata de ellos mismos, quienes van caminando a Beardsen Academy al momento en que fantasean con una vida mejor. Como parodia, Franz Ferdinand hace esta situación ridícula al momento de hablar de dicho fantaseo con Terry Wogan (uno de los presentadores más famosos del Reino Unido) en TV nacional en el videoclip de “Matinée”, así como logran filmarlo en la misma academia de la que se habla en la letra de “Matinée”.

“Howlin’ For You” – The Black Keys

Lanzada en 2011, “Howlin’ For You” se ha logrado convertir en una de las mejores canciones de lo que va de los dosmiles. Apesar de que este single tiene un nombre entendible, que en español se traduce como “Aullando por ti”, el título viene también de Howlin’ Wolf, uno de los íconos más grandes del blues, lo que también explica la gran influencia que existe sobre la música de The Black Keys.

“Beautiful Ones” – Suede

En el clímax del Britpop, “Beautiful Ones” se escuchó por primera vez en 1996 como segundo sencillo de Coming Up, lanzado ese mismo año. Junto con “Trash”, Suede logró convertir a “Beautiful Ones” en uno de los mayores símbolos sonoros del pop británico de los noventa, digno de recordarse este 2012 con una actuación en vivo que privilegia a quienes asistirán a este Corona Capital 2012.

“Walk Idiot Walk” – The Hives

El garage punk jamás estuvo tan vivo como en el año 2004, cuando la banda sueca, The Hives, lanzó su tercer álbum de estudio Tyrannosaurus Hives y junto con él, “Walk Idiot Walk”, su primer sencillo. Si se escucha este track con atención, se notará que los riffs iniciales se parecen mucho a los de “I Can’t Explain” de The Who…

“Holding On To Black Metal” – My Morning Jacket

A pesar de que fue lanzada en 2011, “Holding On To Black Metal” se ha convertido en un himno por su simbolismo. La canción tiene su origen en el Black Metal, un subgénero del metal, cuyo origen se remonta a 1990. Más que un género, el Black Metal se convirtió en motivo de hostilidad a la cultura mainstream, y misantropía a la religión, por lo que muchos casos de iglesias quemadas y otros actos fueron ligados con la gente afín al Black Metal. “Holding On To Black Metal” es una respuesta de My Morning Jacket a toda la gente que se aferra tanto a las cosas como un género musical, un equipo de fútbol o la televisión misma. En cuanto a los coros de la canción, aquellos que acompañan al vocalista Jim James, fueron grabados por amigas de la banda en un funeral.

“Sour Cherry” – The Kills

Midnight Boom fue el álbum que le dio a Allison Mosshart y a Jamie Hince el sonido característico que tanto encanta: garage e irreverente. “Sour Cherry” fue uno de los sencillos de 2008 que, sin lugar a dudas, es el himno que se espera escuchar en todo concierto de ellos, no solo por el sonido estridente, sino por el simbolismo de escapismo que existe en el contenido de sus letras.

“One Headlight” – The Wallflowers

Jakob Dylan, vocalista de The Wallflowers describe el significado de “One Headlight” en una sola frase: la muerte de las ideas. “Todo su significado se halla en el primer verso”, dice Dylan. Lanzada en 1997, este track se convirtió en el año 2000 en una de las 100 mejores canciones pop (rankeada en el lugar #58) de todos los tiempos, según uno de los ya famosos conteos de la revista Rolling Stone.

“Dominos” – The Big Pink

Aunque la formación de este dúo de electro-rock tiene una historia muy fresca, el nombre de The Big Pink se remonta al álbum debut de The Band, una banda canadiense de folk-rock formada a principios de la década de los años sesenta. “Dominos” es el primer sencillo del álbum debut de The Big Pink, A Brief History of Love, también nombrada como la mejor canción del año (en el 2010) de los premios NME.

“Chasing Cars” – Snow Patrol

Con tan solo 6 años de vida, “Chasing Cars” se convirtió en la canción más escuchada y usada en el Reino Unido  en la última década(de acuerdo al departamento de permisos musicales PPL, en UK). Y pensar que todo comenzó en el jardín del productor Jacknife Lee (R.E.M, Weezer, Bloc Party), cuando el vocalista de Snow Patrol, Gary Lightbody la compuso ahí mismo trás un rato de haber tomado vino.

 

 

 

Soundtrack otoñal: Everyone Everywhere

Por: Sus

@SusBouvier

Everyone Everywhere es el nombre de una canción de los míticos New Order, quienes están próximos a presentarse en nuestro país en el marco del Corona Capital 2012. Sin embargo, Everyone Everywhere es también el nombre que eligieron Brendan Graham (batería), Tommy Manson (guitarra), Brendan McHugh (vocalista / guitarra) y Matt Scottoline (bajo) para nombrar su proyecto musical formado en 2007.

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Con dos discos en su haber, estos chicos estadounidenses han sabido ganarse un lugar en la escena. Su primer material de larga duración, homónimo (2010), grabado y producido por Mike Bardzik (personaje de renombre en el mundo del punk por producir bandas como The Casualties, Kill Your Idols  y Lighten Up), nos deja escuchar un pop punk que por momentos recuerdan a Blink 132 y Green Day. Lo novedoso de esta banda radica en que, por los once tracks que integran este material, el punk se entrelaza con melancólicas voces y guitarras propias del indie rock acompañado de letras reflexivas, que representa un género musical que empieza a sobresalir, el Emo Revival Indie, también conocido como Midwest Emo. De dicho álbum se desprende la estupenda “Raw Bar OBX 2002”

Después  de un par de años, Everyone Everywhere regresa a la escena de nuevo de la mano de Bardzik, con una producción que acentúa sus virtudes. En un disco más maduro en el que  la melancolía se hace presente en 9 canciones que no siguen estructuras convencionales. Los cambios de ritmo son constantes e interesantes, así como las guitarras que tejen melodías agridulces. Muestra de ello es “Queen Mary II”, sencillo de su más reciente LP.

 

Para escuchar más de de Everyone Everywhere visita:

http://everyoneeverywhere.bandcamp.com/album/everyone-everywhere

 

 

 

Ulises 1: Arte en el espacio exterior

Por Genaro Grajeda

@Astro_Gee

Juan José Díaz Infante se presentó en el marco de la 1era Conferencia Latinoamericana de Ciencia y Tecnología Aeroespacial hablando sobre el desarrollo de un cubesat (pequeño satélite de menos de un kilogramo) llamado “Ulises 1” para el Colectivo Espacial Mexicano, un grupo de 11 artistas que intenta mandar al espacio la esencia de los seres humanos. El nombre del satélite es en honor al artista mexicano Ulises Carrión.

JJDiaz

El satélite trata de hacer lo mismo que hace el Sputnik: generar revuelo en la sociedad mexicana sobre las posibilidades de tener algo en el espacio. Para Juan José el satélite es un imaginario, el objetivo del satélite es que sea una pieza de discusión. Con base en las teorías de Marshall McLuhan, él y su equipo pensaron que el satélite más que ser un proyecto de telecomunicaciones sería un instrumento para pensar.

De los 11 artistas, 10 de ellos sonorizaron sus piezas para que sean mandadas de mantera intermitente a la Tierra por la banda civil en 433 MHz. Entre las piezas más interesantes se encuentran la sonorización de una parte de la secuencia del genoma del maíz, una grabación del mantra “Om Mani Padme Um”, la sonarización de un tepalcate infinito prehispánico hecho por escultores de Xalapa, Veracruz. Un artista decidió mandar una colonia de extremófilos de la clase tardígrados dentro de la estructura del satélite.

El satélite fue adquirido con la compañía Interorbital Systems y será lanzado desde la isla de Tonga en 2013. Su vida operacional será de entre 1.5 y 3 meses viajando en una órbita polar de 310 km, con lo cual el satélite pasará tres veces por territorio mexicano con oportunidad de transmitir 10 minutos por cada una de las tres ocasiones.

Más información disponible en http://www.interorbital.com/, http://www.ulises1.mx/, y http://colectivoespacialmx.blogspot.mx/

Lana Del Rey para H&M

 Por: Knuxx

@knuxxvomica

 

Hace unos días Lana del Rey presentó en Nueva York su esperada colaboración con la marca H&M para otoño/invierno de este año, la cual consta de una campaña visual impresa a cargo de Inez van Lamsweerde y un largometraje que será editado como spot para TV, dirigido por Johan Renck . En dicho filme, Lana interpreta un cover (previo al lanzamiento de la edición especial Paradise del disco Born to Die) de “Blue Velvet”, tema original de Bobby Vinton, el cual representa musicalmente el concepto visual de LA Noir.

Esta colección es de inspiración totalmente clásica, con destellos coloridos que le dan un toque moderno a prendas muy al estilo de la cantante; estos toques van desde el tejido de punto, el tweed, la angora, piel y otros materiales básicos que dan como resultado una colaboración que va bien con cualquier clóset y es perfecta para este invierno.

Dulce y elegante, Lana es la perfecta protagonista; su voz y estilo últimamente han sido de gran influencia tanto visual como musicalmente, así como han dando mucho de que hablar, ya que con esta incursión en el mundo de la moda, Lana ha considerado dedicarse de lleno a ella y abandonar su carrera como cantante.
Esta es la primera parte de una serie de imágenes publicitarias que saldrán en Octubre. Dicha secuencia complementará esta campaña con las prendas más invernales de esta colección, la cual es el previo ideal para la apertura de la primer tienda de H&M en México que será en Noviembre,
un suceso que ya se ansía desde hace mucho tiempo y finalmente se verá hecho realidad.

 

H&MLANA

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Más de Lana del Rey y H&M:

www.hm.com/mx/

Scary Beautiful: Moda filosófica

Por: Knuxx

@Knuxxvomica

 

Es el nombre del proyecto artístico de Leanie van der Vyver, una chica graduada de The Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam,  donde con ayuda del reconocido diseñador de calzado René van den Berg distorsiona la idea de la belleza y la modificación del cuerpo. Esta dupla no puede ser mejor: René, con su vocación innovadora ha desafiado los límites técnicos y artísticos utilizados en la elaboración de zapatos al experimentar en cada pieza a través de la incorporación de elementos de materiales ortopédicos que lo mantienen un paso adelante. Simultaneamente, Leanie plantea una filosofía basada en la perfección física desde una perspectiva personal, es decir, lleva este concepto al límite al proponer al cuerpo humano como una herramienta inesperada del concepto que se tiene de lo bello.

SCARY BEAUTIFUL

SCARY BEAUTIFUL

“Jugamos a ser Dios, mental y metafóricamente”  Esencialmente este es el concepto bajo el que Leanie creaeéstos zapatos que reflejan la idea de la necesidad constante de sobrepasar las capacidades humanas, modificar lo que éstas son para expresar el cómo se quiere ser percibido. Ya no se habla sólamente de tendencias o simples trangresiones visuales, sino que este tipo de creaciones reafirman el estatus que ha alcanzado la moda filosófica y, socialmente, hace un lenjuage más complejo de las cosas que utilizamos.

Ya no es sólo el cómo se ve o el qué tan cómodo sea. Se trata del qué y cómo decirlo.

 

Snoop Lion: reencarnación en vida

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

“Ya la(o) perdimos'” es una expresión común en nuestro país para referirse a la dificultad de conectar social o intelectualmente con algún cambio drástico de personalidad, mentalidad o conducta en otra persona a la cual conocemos. Difícilmente escuchamos a alguien referirse a estos cambios con la expresión “ya la(o) encontramos”.

Snoop Lion (antes Snoop Dogg, antes Snoop Doggy Dogg) es el nuevo mote de Calvin Cordozar Broadus, uno de los raperos más exitosos e influyentes de la escena hip-hop. Sin embargo, esta vez el pseudónimo parece ser el mero retoque de un cambio más profundo en la vida del controversial músico: un cambio espiritual.

CHANEL1932

La historia corta es que Snoop viajó a Jamaica en algún momento de este año y estando allá se convirtió al rastafarismo. Fue rebautizado como Snoop Lion e incluso declaró que era la reencarnación de Bob Marley. Ambos estuvieron vivos al mismo tiempo. Anunció también que su música transitaría los caminos del reggae y se alejaría del hip hop, lo cual el mundo vio materializado en el sencillo “La La La” de su nuevo álbum Reincarnated. 

Además de la producción fonográfica, produjo en conjunto con Vice un documental sobre su transformación y la nueva versión de sí mismo. Aquí el trailer:

Es de resaltar el salto de Vice (originalmente una publicación escrita) a la gran arena de los festivales de cine. Durante los últimos años, la revista había tomado la delantera en la producción de documentales y productos visuales para la web y aplicaciones móviles. Con Reincarnated Vice entra de lleno al mundo del cine con el estreno mundial de este documental en el Toronto International Film Festival. 

No hay certeza acerca de cuánto durará esta transformación antes de una nueva o incluso una regresión. Lo indudable es la frescura que la reinvención puede aportar a la carrera de un músico consolidado como Snoop Lion: para muchos ‘perdido’, para él ‘encontrado’.

Egyptian Hip Hop: “SYH” (Video)

 Por: Sus

@SusBouvier

Alex Hewett (voz principal, guitarra y teclados), Louis Stevenson-Miller (guitarra, bajo, teclados y coros), Alex Pierce (batería) y Nick Delap (guitarra y bajo) no son egipcios y mucho menos se dedican a hacer Hip-Hop. Pero desde el 2008, año de su formación, han llamado la atención de la prensa británica especializada debido a su original sonido que ellos mismos definen como pop psicodélico progresivo. Sin embargo, es hasta el 2010 cuando sale a la luz su primer Ep, Some Reptiles Grew Wings, en donde muestran un indie-rock con matices electro-pop de muy buena calidad. De este material se desprende “Wild Human Child”, videoclip dirigido por Ivan Ogilvie, quien se ha dedicado a la dirección de videos de bandas como The Heartbreaks, Man Like Me y Monday’s Arms, entre muchos otros; así como también ha trabajado para el mundo de lo comercial y la moda, al encabezar el trabajo de marcas como Skittles y diseñadores como JJ Smith y Ottorwell.

Después de una larga espera, Egyptian Hip Hop (originarios de Manchester, en el Reino Unido) están de vuelta. El 22 de octubre  próximo es la fecha pactada para la salida de su tan ansiado debut de larga duración, el cual llevará el nombre de Good Don’t Sleep. Se espera que tracklist de dicho álbum sea el siguiente:

  1. Tobago
  2. The White Falls
  3. Alalon
  4. Yoro Diall
  5. Strange Vale
  6. Snake Lane West
  7. Pearl Sound
  8. SYH
  9. One Eyed King
  10. Iltoise

Mientras tanto, los dejamos con el primer sencillo de dicho álbum,” SYH”, videoclip dirigido por Isaac Eastgate, en el cual hacen gala de la psicodelia que los caracteriza.

 

¿Revolución de la lengua o síntoma de la modernidad?

Por: Hernán Flores

 

Como en algunos otros temas –por ejemplo, la tecnología– en el lenguaje encontramos uno de los más vastos campos de exploración de esta época.

A pesar de que, por una parte, tenemos delante nuestro un momento de dudas y balbuceos ininteligibles en la gramática, la ortografía y el vocabulario (principalmente insertados en la lengua por los jóvenes y las nuevas tendencias que ésta modernidad ha albergado, como el Reggaeton con sus bellacas y su mona, las conversaciones virtuales entre usuarios de sitios web con sus abreviaciones que parecen ser no más que intentos de onomatopeyas salvajes, eructos lingüísticos, o incluso tal vez, un clásico, los emoticonos en las salas de chat que no hacen más que condensar en pequeñas bolas amarillas hasta una o dos centurias de palabras.) aún se tienen algunas esperanzas.

Hace un par de meses, exactamente el viernes 22 de Junio de 2012, el secretario de la Real Academia Española, Darío Villanueva, dio a conocer a través de la cuenta oficial de Twitter de la Academia (@RAEinforma), que dentro de las 1,697 palabras, que a partir del otoño de 2014 serán agregadas a la versión física de la vigésima segunda edición del diccionario, podremos encontrar adiciones como “tuitear”, “chatear”, “bloguero(a)”, términos como “tableta electrónica”, “USB” o “SMS” entre algunas otras. Además, y esto vale la pena recalcarlo, después de muchas sugerencias recibidas a través de distintos medios, se modificó el significado de matrimonio, anclando a él una nueva acepción después de la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo en distintas partes del globo.

Lo cual nos pone a pensar: ¿Qué camino toma la lengua a partir de ahora? ¿Es esto una evolución o un retroceso? ¿Qué tanto más hay que descubrir acerca de ella? ¿Estamos dando pie al consumismo lingüístico? ¿Estamos perdiendo formalidad y acreditando cada vez más adiciones efímeras?

El ser humano es imprescindible para el desarrollo de la lengua y viceversa. Los puentes tendidos entre ambos son los cimientos de nuestra civilización y la modernidad es consecuencia de nosotros mismos.

El lenguaje se comporta como algo con vida: se adapta al medio en que vive ahora, y con esto me refiero a la era de los fenómenos sociales como Twitter o Facebook. A pesar de que ahí podemos encontrar toda clase de atrocidades y descuartizamientos, en todos los aspectos de la lengua, en éste momento ella misma se alimenta de lo efímero, para lograr, con suerte, que esto marque pauta y con un poco más de tiempo, lograr dar la vuelta a la hoja y descubrir qué más tiene que ofrecernos nuestra lengua.

Nuestra misión es redescubrir nuestro idioma, actuar más, nombrar más, querer y tener más. Nadie salvo nosotros, humanos (a menos que haya sido descubierta otra forma de vida que alburee de la misma manera que nosotros), tenemos la única encomienda de echarla a andar, de darle palmaditas en la espalda, de escupirla, de destruirla y reconstruirla, de verla renacer y cargarla en brazos, de sepultarla y atesorarla en la memoria.

Debemos saber que todo es posible, incluso mutar. Mutar, mutar, mutar, tal vez sea lo único que nos falta, simplemente mutar. A mí no me parece tan difícil.

Cuates de Australia en Docuweeks 2012

Por: César McBoogie

@capitansuricato

Cuates de Australia, película documental dirigida por el realizador mexicano Everardo González, luego de haber recibido el premio al mejor documental tanto en el FICG como en el Festival de Cine de Los Ángeles, ahora formará parte de la programación de Docuweeks 2012, unos ciclos documentales presentados por la Asociación Internacional de Documentales del 3 al 23 de agosto en Nueva York y del día 10 al 30 del mismo mes en Los Ángeles.

En ello reside que por primera vez un documental mexicano cuente con serias posibilidades para ser seleccionado para competir en los premios Óscar. Pero, ¿por qué es tan importante la participación de este documental mexicano en el llamado Docuweeks?

Bien, como parte de la estrategia para ser seleccionado y así competir en los Premios de la Academia, mientras que las películas de ficción pueden ser nominadas por las instituciones de cada país, los documentales deben tener una invitación directa, además de cumplir con otras condiciones (como lo son el estrenarse en Nueva York y en Los Ángeles y así mismo ser reseñados por los diarios The New York Times y Los Angeles Times). De modo que con la proyección dentro de los ciclos Docuweeks, Cuates de Australia cubrirá todos los requerimientos.

Este documental narra el éxodo como una práctica anual que emprenden los habitantes de Cuates de Australia, un ejido ubicado en Coahuila, a consecuencia de la falta de agua. Es pues que año con año los pobladores llevan a cabo esta travesía y abandonan sus tierras de esa manera para que, una vez superado el periodo de sequía, regresen eventualmente.

Es interesante reparar en las razones que llevaron a Everardo a realizar dicho documental. En primer lugar, el director señaló que fue de su interés conocer el detonante sobre el éxodo en cuestión, sobre todo en un lugar así donde él había querido vivir durante mucho tiempo (mismo en el que permaneció por tres años), así como el hecho de haber tenido una atracción hacia la vida de los ranchos ganaderos.

Es por ello que para el director egresado de la carrera de Comunicación Social de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), y de Cinematografía por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), nació la necesidad de documentar la sequía y todo lo que conlleva este fenómeno que se presenta años tras año. Everardo había tenido conocimiento del fenómeno mismo desde 2004, pero jamás imaginó que llegaría a ser tan desastroso.

Es considerable analizar la atención que Everardo presta hacia el detonante de diversos sucesos. En este caso, se encuentra el de la migración de una determinada población en busca de agua, y uno más remoto se halla en una de sus producciones pasadas titulada “El Cielo Abierto”. En dicho filme, el director retrata los tres años previos al estallido de la guerra civil en El Salvador. Es en ese largometraje documental donde, precisamente, el gran detonante de la guerra es el asesinato del Monseñor Romero, y Everardo logra narrar la historia de cómo ambas partes (tanto este personaje como el pueblo salvadoreño) se van aproximando hasta llegar a su inevitable destino. El primero de ellos: el Monseñor hacia su asesinato, y por el mismo camino, el pueblo al inicio de la guerra civil.

Desde su creación en 1997, Docuweeks ha proyectado títulos considerados para los Premios Óscar. Este año, Cuates de Australia figura entre los 17 documentales seleccionados. Acá la programación completa.

CUATES DE AUSTRALIA

*Nota: Nadie sabe bien de dónde viene el nombre del ejido “Cuates de Australia.”

Festival OFFF 2012: De Barcelona a México

Por:  Julio Reyes 

 

Con el destacado apoyo de Cocolab, este fin de semana fue presentado el Festival OFFF 2012 en su primera edición en México, dentro de un ciclo de conferencias con la ponencia de proyectos denominados de post-cultura digital de artistas visuales y diseñadores nacionales e internacionales.

La jornada de OFFF 2012 inició con Joshua Davis, diseñador y desarrollador, pionero en el uso de Flash como herramienta para generar arte. Davis presentó la explicación algorítmica de la imagen, quien, junto con el público, se encargó pi de pintar una pared como una obra de arte urbana.

Posteriormente, el artista digital Dr. Wohoo!  explicó las aplicaciones visuales para el arte como uno de sus principales desarrollos tecnológicos, el cual, mediante plugins en ADOBE facilita el uso de herramientas para la impresión a gran escala.

En conjunto, Cocolab y HotPixel presentaron la tercera conferencia en función de la narrativa audiovisual como eje temático en la producción de proyectos relevantes para el ámbito de los nuevos medios, así como la creación de espacios para la reflexión cultural y social. Muestra de ello fue su proyecto Río Atoyac, enfocado en una museografía digital instalada en el estado de Puebla.

The Mill, uno de los mejores estudios de diseño, animación, dirección, post-producción y efectos visuales en el mundo, presentó sus más recientes proyectos en video, que reafirma su gran calidad apoyada en todos sus artistas colaboradores.

Por su parte, Andreas Müller fundador de Nanika (estudio multidisciplinario centrado en crear piezas con un alto nivel de complejidad tecnológica), presentó un espectáculo multisensorial basado en temáticas básicas para el diseño: luz, forma y color.

Para la mitad del Festival,  Rob Chiu director y fotógrafo de gran fama internacional, presentó los Main Titles (de los cuales él es creador) para OFFF 2012 así como sus cortometrajes de historias urbanas, todos ellos dotados de una impresionante calidad.

La presentación de United Visual Artist (UVA) fue una de las más esperadas por el público. UVA, colectivo destacado por su alto nivel de producción en materia de luces, explicó el uso de trabajos que fusionan escultura, arquitectura, performance, imagen en movimiento e instalaciones digitales para crear una experiencia multisensorial única.

Brosmind, par de hermanos ilustradores del humor y fantasía, mostraron sus trabajos comerciales y personales. Dicha conferencia  se convirtió también en una de las más exitosas del festival, pues además de haber generado una excelente ponencia, han trabajado para firmas como Nike, Honda, Microsoft, entre muchas otras marcas reconocidas por tener a los mejores ilustradores del mercado.

Para el cierre de este ciclo de conferencias, Alex Trochut, diseñador de origen catalán, presentó su trabajo que incluye una vasta colección de tipografías e ilustraciones que le dan un toque novedoso dentro de la industria, al colocarlo como un exitoso creativo ilustrador.

Festival OFFF México 2012 fue un parteaguas que permite conocer las nuevas expresiones y tendencias en las artes visuales contemporáneas a nivel mundial, pues ofreció al público asistente una experiencia única que sin duda se realizará año con año.

 

Mexican Dubwiser y su debut cumbianchero

Por: Palomino

@palogriffy

Desde inicios del 2011, se dio a conocer un nuevo proyecto musical que, sinceramente, a muchos dejó boquiabiertos y con ganas de mucho más: Mexican Dubwiser. Una base de suave guitarra, percusiones, la mezcla del acordeón y la potente voz de Artwork Jamal hicieron que su primer sencillo “Trouble In My Soul”  le diera la vuelta al mundo, o al menos al país; ayudados, claro está, por un vídeo bastante simple, pero que dejaba en claro que este proyecto no era como cualquier otro de corte musical, sino algo más substancial. Luego vino su presentación en el Vive Latino 2012, con la cual se consolidaron como buenos músicos con una propuesta divertida; desafortunadamente la espera del disco se hizo cada vez más y más larga, hasta ahora.

Se trata de Revolution Radio, el álbum que pone fin a la enorme espera, el cual se presenta principalmente como una combinación de sonidos electrónicos con ritmos cumbiancheros. Esta producción sigue con la escuela que magistralmente mostró Toy Selectah hace algunos años, y ésto no debe sorprenderle a nadie, ya que Marcelo Tijerina (la cara detrás de este proyecto) es oriundo de Monterrey. Sin embargo, no hay que irse por primeras impresiones, pues este DJ tiene la capacidad de jugar con ritmos de blues, como lo hizo con el primer sencillo, y hasta dub-reggae, como lo podemos apreciar ahora con este segundo single, el cual le da el nombre al disco, Revolution Radio.

A pesar de ser un disco principalmente de cumbia electrónica y demás ritmos bailables, es recomendable de igual forma ponerse unos audífonos y escuchar atentamente todas y cada una de las canciones. Esto, debido al gran número de instrumentos y sonidos que maneja. Si lo anterior no convence, tal vez hay saber que el proyecto está respaldado por artistas de peso, tales como: Blanquito Man, Rubén Albarrán, Celso Piña y Pato Machete, entre otros.

Chulavista Art House pone a los oídos de la audiencia el segundo sencillo, el cual se puede descargar de forma gratuita desde la página de Reactor 105.7. Y, a pesar de que en estos tiempos todo es descargable, les recomendamos comprarlo de manera legal, ya que viene con 1 CD de remixes de regalo.

http://soundcloud.com/mexicandubwiser/revolution-radio

 

25 discos que cambiaron al rock mexicano

Por Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El rock mexicano ha sufrido inimaginables cambios. Ha evolucionado y se ha ido contagiando de diferentes culturas, desde la cultura pop inglesa hasta la más tradicional y autóctona mexicana. Ésto ha desembocado en varios subgéneros y ha sido causante de verdaderos gigantes de la música. Es por ello que Ricardo Bravo, periodista musical, se ha dado a la tarea de seleccionar los 25 Discos que han cambiado al Rock Mexicano.

El proceso de selección se dio de entre 5, 500 discos aproximadamente, con fecha desde 1980 hasta 2010. Es muy importante aclarar que los electos no fueron los álbumes más populares; sino aquellos que aportaron algo diferente. Esos que llegaron a revolucionar y hacer que ni el rock ni la música volvieran a ser los mismos desde su aparición.

Tales son los casos de La Maldita Vecindad, en su disco homónimo, con el saxofón; Ritmo Peligroso, quienes con los ritmos tropicales se introdujeron en la  la cultura rock, elemento que retomaron ahora bandas como Los de Abajo. También están Roberto y Jaime quienes incursionaron en la Trova con el disco Sesiones con Emilia, fórmula explotada por artistas como Rockdrigo; todo, sin olvidar a Real de Catorce, quienes hacen el uso del blues más tradicional, sin dejar atrás a Cecila Toussaint, quien, con el álbum Arpía, se posicionó como la primer mujer en hacer rock en México, entre muchos otros.

Aunque dicha exposición no está ordenada de forma cronológica y a primera vista puede verse un ligeramente vacía y falta de decoración, lo visual se convierte en un breve engaño, ya que cada descripción está acompañada de la portada del disco, así como en algunos casos, es posible encontrar artículos personales originales pertenecientes a la banda en cuestión, como el famosísimo saxofón del “Sax” (Maldita Vecindad) y el bajo de Armando, de Botellita de Jerez.

Definitivamente, una muestra que debe ser vista para conocer todo el proceso que ha dado lugar a la música que se hace hoy en día, y de paso aprender un poco de historia de México. Además se llevarán una grata sorpresa auditiva, con la cual podrán apreciar el por qué de la elección.

El Centro Cultural España se encuentra justamente detrás de La Catedral, en la calle de Guatemala, número 18. La entrada es gratuita.

Morgana: El terror mexicano hecho filme

El cine mexicano ha recurrido en los últimos años al género de terror. Lo anterior se debe,  tal vez, a la gran rentabilidad del género alrededor del mundo y al deseo de nuevos cineastas por incursionar en dicho tipo de cine.

Es por ello que el viernes se estrena Morgana, cinta de Ramón Obón, protagonizada por Siouzana Melikian. Un film que cuenta la historia de una joven de 20 años, quien tras la muerte de su madre es atormentada por el espíritu de una mujer del siglo XIX, presente en una muñeca.

La atmósfera de la película recuerda a las producciones de Taboada y por supuesto hereda todas las narrativas del cine Hollywoodense. En palabras del propio director “Esta película es mejor que las que se hacen en Estados Unidos, es decir, las hacemos con más talento y menos dinero”

Ahora sólo te toca juzgarla. Aquí el trailer.

Nueva música: “Yet Again”-Grizzly Bear

Como ya se sabe, Grizzly Bear anunció el lanzamiento de su próximo material discográfico Shields, el 17 de Septiembre del año en curso. Como una pequeña muestra de lo que será este EP, ahora presentan, “Yet Again”. Cabe recordar que los originarios de Brooklyn se posicionaron como uno de los mejores grupos del 2010 con Veckatimest, así que, sin duda alguna, este  próximo disco es esperado con ansias para así poder hablar más de ellos cuando éste salga a la venta.

 

 

Lagunilla: Historias y diseño

 

Todos somos vulnerables a caer rendidos, enamorados, por un objeto . Ya sea por su color, su textura, o su función, el diseño del mismo nos puede atrapar, hasta hacerlo parte fundamental de lo que somos. De la imagen que deseamos proyectar al mundo. Sin embargo, para algunos, los objetos y artículos  antiguos o vintage son aún más irresistibles. Es hacer parte de nosotros un momento del tiempo. En ellos encontramos diseños inspirados en un contexto social, económico y político que nunca regresará. Es la nostalgia del pasado, de lo que fué. También, estos artículos encierran calidad, objetos que a pesar de los años, con el mantenimiento adecuado, siguen funcionando y prometen seguir existiendo.

Para cultivar esta fascinación, el Tianguis de Antigüedades de La Lagunilla se destaca como uno de los más importantes en la Ciudad de México. Tan emblemático, que  se cuentan  leyendas, como aquella  que afirma que González Camarena recorrió sus  pasillos, con el fin de encontrar piezas para su invención  más importante ; la televisión a color.  Pasillos  que, sin duda, son toda una oda al pasado. Este tianguis, fundado en los años veinte, vive su momento de consagración, como uno de los más importantes, gracias a la riqueza cultural que aporta.

Los domingos, el tianguis recibe un abanico de diversidad en sus visitantes. Turistas, adultos jóvenes y niños, todos, compartiendo la pasión por el diseño y la historia. En La Lagunilla, encontraremos objetos, utensilios  y hasta piezas de arte únicos o muy difíciles de conseguir, que nos podemos llevar a casa a precios accesibles . Desde cajas registradoras del siglo XX, hasta muebles, teléfonos o inclusive lavadoras de los años cincuenta. Lámparas, cámaras de video y fotográficas. Vinilos , tornamesas, y artículos memorables de acontecimientos importantes, como la Segunda Guerra Mundial. Muchos objetos , hechos a mano, que son testigos de la creatividad. “Chácharas” que nos recuerdan nuestra infancia. Todo esto convierte a la Lagunilla en un lugar lleno de sorpresas, donde el pasado y el presente se funden, creando un ambiente nostálgico, melancólico y único, digno de visitar y disfrutar.

*El tianguis de antigüedades de La Lagunilla se encuentra todos los domingos, de 9 am. a 5 pm, entre Reforma y Matamoros, México D, F.

*Las estaciones del metro más cercanas son Garibaldi y Lagunilla de la Línea B.

Refused con Jimmy Fallon

Por Danna Campos

@dannacampos

Todo parece apuntar que el hardcore Sueco no está muerto. Refused ha tenido, sin duda, uno de los mejores años de su carrera, y esto se ve reflejado desde su aparición en grandes festivales como Coachella Music & Arts Festival, hasta ser motivo de charlas y entrevistas en distintos medios dedicados a la crítica musical.

Ayer por la noche, Refused, hizo su debut en la TV norteamericana al tocar en Late Night with Jimmy Fallon, uno de los talk-shows nocturnos con más rating en los Estados Unidos. Los Suecos hicieron su presentación con “New Noise” y “The Shape Of Punk To Come”. Con esto, no solamente anuncian su regreso, sino que aseguran su permanencia en la mira por un largo rato, pues no cualquier banda logra la hazaña de re-emerger de los 90.

ROB: Funk maquilado en Ghana

Por Cesar McBoogie

@capitansuricato

 

Dentro del ciclo del agua, la precipitación se define como la fase donde las gotas de agua caen a la superficie terrestre, esto, como consecuencia de la condensación generada por el enfriamiento de las gotas que habitan en las nubes.

Tal lógica no se cumple necesariamente en la nube del Soundcloud, de hecho puede ser considerada como una patraña, ya que las gotas están muy lejos de enfriarse y dependiendo de la página, éstas pueden representar en algunos casos, el flujo hirviente de la candela.

Este es uno de ellos y se debe a la presencia del músico ghanés Rob ‘Roy’ Raindorf a.k.a. ROB, como provocador de temperaturas que rebasan los cuarenta grados centígrados a la sombra con su tema “Just One More Time”; pieza musical difundida gracias al colectivo germánico Analog Africa, quien se ha dado a la tarea de recopilar joyas africanas.

ROB, gran admirador de músicos como James Brown, Wilson Pickett y Ray Charles, se ha dedicado a componer piezas de funk que, justo como esta, logran una aleación entre percusiones, metales y bajos que desatan el agasajo musical.

Siete minutos con cuarenta y cinco segundos que obligan al escucha a darse cuenta de que ha llegado la  hora de tocar los djembes invisibles y darle golpecitos al escritorio.

Dj Shadow al Corona Capital ’12

A pesar de que la audiencia está a días de conocer el line-up completo de la próxima edición del festival Corona Capital 2012, llegó el primero confirmado: DJ Shadow. Sin importar los rumores, este dato puede ser corroborado en el sitio oficial del músico californiano. El calendario de presentaciones agendadas para DJ Shadow señala al 14 de Octubre del 2012, fecha que cae en Domingo (en sus primeras dos ediciones, el festival ha sido en sábado), lo que hace pensar que, como se había señalado a través de distintos medios informativos en redes sociales, quizá ésta sea la ocasión para que el festival dure dos días.

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