Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

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Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.

 

Originally posted 2014-10-10 11:38:02. Republished by Blog Post Promoter

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

marilyn quote chanel
“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

Originally posted 2014-10-17 11:24:15. Republished by Blog Post Promoter

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

Originally posted 2014-12-16 12:21:24. Republished by Blog Post Promoter

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

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Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

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La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

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La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

Originally posted 2014-08-20 11:29:33. Republished by Blog Post Promoter

Germán Saez: Talento fotográfico natural

Por: Sus

@SusBouvier  

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, -talento- se define como la capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación. Es precisamente este sustantivo  el que destaca a Germán Saez, diseñador web y fotógrafo argentino. Su historia en el mundo de la internet comenzó en los años noventa, cuando cursó la carrera en diseño en imagen y video, misma que, en ese entonces, se limitaba a la creación audiovisual. Esta situación llevó a Germán, interesado desde años anteriores en el diseño de sitios web a ser autodidacta. Por hobby, en 1998, decidió aplicar sus conocimientos en la realización de su primer sitio, el cual fue dedicado a Gustavo Cerati, músico del cual Saez fue seguidor desde su adolescencia. En 1999, en un hecho curioso y singular, la pagina es del agrado de Gustavo, a tal grado de contratarlo para diseñar la pagina oficial del músico que prevalece hasta estos días, cerati.com

Paralelamente a su actividad como diseñador web en cerati.com y en Cuatro Cabezas (productora argentina de televisión independiente) Saez se dedicó a fotografiar a Cerati en sus presentaciones en vivo como solista. Esta actividad que también realizó como pasatiempo, se elevó al plano profesional en 2007, al convertirse en el encargado de documentar visualmente la gira Me Verás Volver del rencuentro de Soda Stereo así como el sitio oficial. Este trabajo quedaría plasmado en un DVD y en un libro del mismo nombre.

Desde este hecho tan importante, Saez tomó la fotografía como una actividad profesional, al colaborar para periódicos y revistas Argentinas como   Clarín, La Nación, Rolling Stone, D-Mode, Remix, Soy Rock, Gente, Ácido Surtido, Suite Intima y Terrorismo Gráfico, por mencionar algunos. En su portafolio se pueden encontrar fotografías de músicos como Muse, Placebo, Interpol y. R.E.M. En el mismo, también se expone el gusto de Saez por los retratos, la fotografía erótica y la fotografía urbana. Influenciado por fotógrafos como Anton Corbjin y Peter Lindbergh, Saez demuestra una predilección por la geometría, al darle armonía a sus composiciones. De 2009 al 2012, expuso parte de trabajo en su propia publicación, Sheltermag; en donde cuenta con la participación de colegas como Aneta Kowalczyk, Nora Lezano y Sthefania Fumo.

 

Actualmente, Germán Saez, de 39 años, regresa a su profesión inicial al realizar videoclips de músicos argentinos, sin dejar de lado el diseño y la fotografia. Para conocer mas del trabajo de Germán Saez, visita: http://germansaez.com/

Originally posted 2012-09-11 17:11:45. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen

El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra

Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

P.O.D y su visita sorpresa a México

A lo largo del tiempo, distintas bandas existentes nos han demostrado que México es un lugar lleno de misticismo para que la música fluya de una manera mágica y con muchos misterios. Justo han pasado diez años en que la banda P.O.D (Payable On Death) hizo un largo recorrido desde San Diego, California, para presentarse en el Foro Sol de la Ciudad de México y regalar a nuestros corazones un mensaje lleno de paz y buenos deseos; Pues sus letras hacían una reflexión sobre los distintos problemas del mundo real. Quemando todo prejuicio que pudiera existir en su contra, esta ingeniosa banda de True New Metal, trabajaba día con día implantando delicadamente una pequeña semilla de conciencia dentro de cada alma que abriera su corazón al ritmo de sus sonidos.

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 Los fans esperaban con ansias el regreso de esta banda para el cancelado festival Hell And Heaven, pero debido a la cancelación de este mismo, toda esperanza se iba desvaneciendo para volverlos a escuchar.

 La mañana del domingo bellos cirros dibujados en el cielo traían con el viento una buena noticia, la banda que se encontraba de gira por Sudamérica, tenía que pasar, por cuestiones de logística, por nuestras tierras para su regreso a California, entonces fue cuando sorpresivamente se anunció en sus redes sociales que ofrecerían un concierto gratuito en México, como agradecimiento a sus fans por el apoyo incondicional. Así, todas aquellas personas que crecieron con la banda cantaron de alegría con la noticia, mientras la sangre hervía dentro de sus cuerpos.

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Una vez reunidos en el Snake de Lomas verdes, apenas empezaron a sonar los riffs llenos de poder, la multitud empezó a gritar con una energía que sólo encontraba razón de ser entre ese mar de vidas al cual Sonny (Vocalista de la banda) se acerco a saludar y a estrechar sus manos.

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El sonido que hacía reventar Traa (Bajista de la banda) hacia que entrara y saliera del cuerpo de los asistentes mientras que Marcos (Guitarrista) lo seguía junto con un bello solo de guitarra para que al finalizar se escucharan en coro miles de voces diciendo  “We are the Youth of the Nation”

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 Después de compartir toneladas de energía con todos los integrantes de la banda, bromas y risas, llego el momento de despedirse, dejando a sus seguidores el recordatorio de que siempre hay una nueva canción para cantar, llenando de energía y amor a su público, cómo si fuera la primera vez.Esperemos que sea pronto un nuevo momento para compartir con esta gran banda.

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Originally posted 2014-03-18 12:06:29. Republished by Blog Post Promoter

Art Academy: clases de arte en tu Nintendo

Por: Sus

@SusBouvier

Hablar sobre Nintendo es hablar de una institución consolidada en el mundo de los videojuegos. Desde el lanzamiento de su famosa consola Famicom en 1986 hasta el Wii de 2006, pasando por la primera consola portátil, el ya clásico Game Boy en 1990, Nintendo ha innovado en cada consola que presenta y ha logrado consagrar a personajes como Mario Bros, Zelda o Star Fox como iconos de la cultura pop a nivel mundial.

La última entrega de la compañía en cuando a consolas portátiles se refiere, es el Nintendo 3DS (2011), en donde se eleva  la experiencia de juego a otro nivel. El dispositivo cuenta con dos pantallas, una de ellas táctil. Sin embargo, el atractivo de la consola radica en las gráficas, que sin usar algún tipo de lentes, se perciben en tercera dimensión.

Uno de los títulos más esperados para esta plataforma fue recientemente lanzado: Art Academy: Lessons For Everyone, en una nueva versión que sin duda supera a su predecesor del 2010. En una  faceta diferente a lo que generalmente la compañía ofrece, Nintendo presenta un juego  que se convierte en todo un estudio para dibujar, y en donde el conocimiento adquirido puede sobrepasar el llamado mundo gamer.

Como su título lo expresa, chicos y grandes, con o sin experiencia,  pueden dibujar con diferentes técnicas.De la mano de dos auténticos tutores, Vince y su ayudante Bacon,( que  también  ilustran con datos interesantes de la  historia del arte),el jugador se convierte en aprendiz con la posibilidad de mejorar sus habilidades en un proceso continuo y divertido con más de 30 lecciones y la opción de adquirir más en Nintendo eShop. Lápices, pasteles, lápices de colores y pinturas se encuentran al alcance del jugador para explotar su creatividad en el modo Free Paint.

 

En  Art Academy, Lessons For Everyone, las fotografías que se tomen con el 3DS pueden ser la base para tu próxima creación artística. Y si te vuelves todo un experto , puedes crear tus propias lecciones de aprendizaje  y compartirlas, junto con tus obras , a través de SpotPass.


Con títulos como éste, Nintendo apuesta por un nuevo concepto, en donde la cultura y el arte se fusionan con  entretenimiento y diversión.

Gameplay Trailer:

Originally posted 2012-10-09 20:00:51. Republished by Blog Post Promoter

Jamás incontables: 5 de noviembre

“Pies, para qué los quiero…” y nuestras voces se convirtieron en alas, crecimos, se supera un duelo infinito. No se sintió ni el calor, mucho menos el frío; se sintió la gente, la “lucha estudiantil”. Ayer, 5 de noviembre, miles de personas y estudiantes marcharon por la justicia, por una respuesta y una mano amiga que calmara el dolor.

 “¿Por qué nos asesinan, si somos la esperanza de América Latina?”, gritaban con una fuerza específica en la voz. Se escuchaba en las voces de nuestros poetas estudiantes, palabras que lograban curar la identidad perdida.

 Lo sucedido en Ayotzinapa ahogó la indiferencia y por fin la venció. Finalmente, el mexicano se dio cuenta que todos somos maestros de nuestra historia, de nuestra familia. Desaparecen maestros, desparecen estudiantes, periodistas, niños, sin pensar que el hambre y la sed no se calma con el olor de la sangre, mucho menos el de la piel quemada.

 No importa que al pueblo le duelan los oídos, hasta el cansancio lo vamos a decir. Como decía nuestro Sabines en aquella carta de amor: “hasta que te cansaras tú de oírlo pero no yo de pronunciarlo”. Cuidado, no es un dolor de agonía, muerte o ausencia, pero sí de consciencia.

 Muerta la democracia, la igualdad y la justicia, encontramos en Ayotzinapa y otros tantos, muerta la vida del hombre en sociedad, como nación.

 El gobierno cometió el gravísimo error de buscar cadáveres, asumiendo ya la muerte; sin embargo, miro noble la necesidad de insistir la búsqueda del mexicano como tal (individuo, ciudadano, obrero, campesino y estudiante). No hay muerte tras la muerte en vida. No han muerto.

No desaparecieron 43, desaparecimos millones. Búscame y te encontrarás…

 Palabras que se han convertido en canciones, poemas que arden, poesía por el pueblo y para el pueblo. Cuando mojes tus labios, amigo, un arrebato me obligará a gritar tu nombre.

América,

no puedo escribir tu nombre sin morirme.

Aunque aprendí de niño,

no me salen derechos los renglones;

a cada sílaba tropiezo con cadáveres,

detrás de cada letra encuentro un hombre ardiendo,

y no puedo ni cerrar la a

porque alguien grita como si se quedara dentro.

 

Vengo del Odio,

vengo del salto mortal de los balazos;

está mi corazón sudando pumas:

sólo oigo el zumbido de la pena.

 

Yo atravesé negras gargantas,

crucé calles de pobreza,

América, te conozco,

yo mismo tendí la cama

donde expiró mi vida vacía.

 

Yo tenía dieciocho años

yo vivía

en un pueblo pequeño,

oyendo el diálogo de musgo de las tardes,

pero pasó mi patria cojeando,

los ahogados empezaron a pedir más agua,

salían de mi boca escarabajos.

Sordo, oscuro, batracio, desterrado,

¡era yo quien humeaba en las cocinas!

 

¡Amargas tierras,

patrias de ceniza,

no me entra el corazón en traje de paloma!

¡Cuando veo la cara de este pueblo

hasta la vida me queda grande!

 

¡Pobre América!

En vano los poetas

deshojan ruiseñores.

No verán tu rostro mientras no se atrevan

a llamarte por tu nombre, ¡América mendiga,

América de los encarcelados,

América de los perseguidos,

América de los parientes pobres!

¡Nadie te verá si no deshacen

este nudo que tengo en la garganta!

— América, no pudo escribir tu nombre sin morirme. Manuel Scorza

Originally posted 2014-11-07 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

SIN; Mario de Vega en Laboratorio Arte Alameda

Laboratorio

Una obra de arte necesita materia y lenguaje para ser desarrollada, pero ¿qué sucede cuando su ejecución  transgrede lo tangible, lo abstracto, y se torna una emoción capaz de producir un estado de alteración? El espectador se vuelve víctima de la obra.

SIN, montaje realizado por el artista mexicano Mario de Vega en el Laboratorio Arte Alameda, significa “en ausencia”. Seis obras conforman este proyecto que fungen como “catalizadoras de la entropía”. De forma agresiva, de Vega recrea el instante preciso de una situación de emergencia, el sonido de una explosión, la luz cegadora, la tensión, la ansiedad y adrenalina de un instante de susceptibilidad. La energía suspendida es  expuesta.

Mario de la vega*

La pieza central que busca conectar la historia del lugar, ex templo del convento de San Diego donde se quemaron vivos a muchos heréticos entre 1571 y 1820, es ABSENTIA, una campana de bronce de un metro de altura y seiscientos kilos de bronce cubierto por un capelo cúbico de vidrio. Colocada en el atrio del Laboratorio, a la vez que una excavación se realiza en el recinto, la campana será exhibida hasta el final de la exposición para ser enterrada y no ser vista nunca más. Un contraste referente a la ausencia de campana en el Laboratorio.

Lo interesante de SIN, se aprecia desde la entrada, donde se entrega una fórmula para advertir el peligro de la exposición haciendo firmar al espectador una carta responsiva. Y es que las obras como NODO, una presión acústica  generada por un sistema electromagnético con 16,000 watts de potencia, generan un estado de alerta. El recinto vibra todo el tiempo, en todas las salas se percibe simplemente la vibración de un sonido inaudible, como un fantasma aterrador.

CREDO, es otra experiencia sonora con una frecuencia de 17 hertzios generada por un muro de subwoofers en la sala E. Sin embargo, lo interesante de esta pieza es que el infrasonido en esta frecuencia puede causar alucinaciones visuales, malestar físico o problemas  de equilibrio.

Así mismo, en otra sala se encuentra iluminada por 12,000 watts distribuidos en 30 luminarias para uso industrial. La provocación de esta instalación afecta directamente a los ojos, haciendo incómodo el hecho de permanecer en la habitación. Por otra parte, en la sala contraria se puede ver un mural recientemente descubierto cercado por piezas de metal de alto voltaje, la muerte al alcance las manos.

Y sería pertinente preguntarse dónde está lo artístico en esto. Pues Mario de Vega nos muestra la estética de la destrucción. La obra te atrapa, te toma entre sus manos, antes de buscar que la entiendas, te hace sentirla. “El riesgo latente y la agresión subliminal eran elementos intrínsecos de esta intervención para sitio específico” escribe Carsten Seinffarth, curador de SIN. El arte que transgrede la materia para volverse experiencia en el público.

Además de SIN, hay un espacio donde se exhiben los documentos de registro de la obra anterior de Mario de Vega. Un recorrido por el trabajo del artista, seleccionado por el curador Michel Blancsubé.

Originally posted 2013-07-17 18:01:07. Republished by Blog Post Promoter

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Originally posted 2013-08-14 15:38:49. Republished by Blog Post Promoter

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Originally posted 2014-08-08 09:00:46. Republished by Blog Post Promoter

De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.…

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

teatro de altura

Originally posted 2014-08-08 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Carlos Monsiváis: Misógino feminista

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La literatura juega un papel importante no sólo en el campo de las artes, sino también en la política y en la historia. No es un simple documento que resguarda ideas a través del tiempo y espacio, tampoco se reduce a una forma de entretenimiento para los que se piensan bien estudiados. No. Bastante le ha costado a la literatura plantarse como una fuente histórica; no refiriéndonos al texto enfocado al aprendizaje del mismo, sino a la novela, al cuento y a la poesía. Estas tres manifestaciones nos presentan la rutina de lo que fue y de lo que puede llegar a ser.

 Ahora, el elemento grande del arte surge de la imaginación, de la posibilidad de ser real sin serlo. Por tanto, los personajes tienen la posibilidad de adquirir un papel en la realidad del lector. Esto quiere decir que tanto ilustran como alteran comportamientos, sentimientos e ideas. La pregunta central que nos plantearemos a razón del libro de hoy es la siguiente: ¿qué tanta credibilidad pierde un personaje cuando se presenta en la ficción como un individuo real, pero poco conocido para nosotros en la realidad?

Pensemos en la mujer no como autora ni creadora; pensemos en ella como personaje de cuento y de novela. A lo largo de la historia, el modelo se ha ajustado a las ideas, costumbres o cultura de la época. Mujer resignada, mujer fértil, mujer producto, mujer propiedad, mujer virgen y Virgen, mujer prostituta, mujer santa, mujero que no es…

 Misógino feminista es un conjunto de ensayos del autor Carlos Monsiváis, todos enteramente comprometidos con el movimiento feminista del país. Quizá esta faceta del autor se mantenga un tanto oculta, pero es importante agradecerle a Monsiváis su colaboración, su diálogo, sus argumentos y sus letras, importantes no sólo para el círculo feminista de México y Latinoamérica, sino para todos aquellos que emprenden una lucha diaria por ser y por negar aquello que los demás disponen que sean. En él, se plantean diversos escenarios en esta recopilación tales como Pero ¿hubo alguna vez once mil machos?, Huesos en el desierto: escuchar con los ojos de las muertas, El segundo sexo: no se nace feminista, Soñadora coqueta y ardiente, entre otros. En cada una de las obras, en concreto donde el escenario es México, queda clara la entidad cultural del machismo (¿acaso al igual que la corrupción se debiera de institucionalizar?) que tanto ha afectdo el desarrollo de la nación.

El sexismo y su esquematización, la virginidad como propiedad, la timidez mexicana, el papel de la literatura, el reconocimiento del problema.

 Carlos Monsiváis, autonombrado Misógino feminista –“alterna su misoginia con una encendida defensa del feminismo”– fue (es y será) un intelectual mexicano al cual le debemos el reconocimiento de un problema que va más allá de la política, el cine y la canción popular. Monsiváis dio vuelta a la pagina, acepto la existencia y la hizo suya, abrió la brecha a un diálogo que debe absorber cientos  de años e intentos.

Imágen extraída de Periódico Enfoque
Carlos Monsiváis

 Asumió, a diferencia de nuestros antepasados, una actitud valiente, enfrentando tal cual el designado símbolo de incivilización que tanto orgullo y reconocimiento le ha causado al mexicano, devaluó el valor del machismo y lo congeló con sus escritos. Misógino feminista, editado por Océano, es un testimonio, una documentación que nos acerca a una realidad que sentimos ajena. Nos duelen episodios terribles de la humanidad como el Holocausto, la Santa Inquisición; sin embargo, volteamos la cara frente a la discriminación, la desigualdad y la muerte del ser.

Originally posted 2014-09-11 09:59:45. Republished by Blog Post Promoter

El garabato que anunció una ausencia y un éxito

@LarinaGrintPop

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Cumpleaños 106 de Gabriel Figueroa

Cuando uno está muy acostumbrado a permanecer en su oficina, resulta extraña y divertida la posibilidad de ausentarse del trabajo para despejarse por un momento; sin embargo, nunca se sabe lo que puede pasar cuando a alguien se le ocurre avisar que no asistirá a laborar, pues una simple falta puede convertirse en la idea creativa que ayude a una empresa a incrementar su popularidad y, por qué no, su rentabilidad.

Cumpleaños 96 de Ella Fitzergalds
Cumpleaños 96 de Ella Fitzergalds

Tal fue el caso de Larry Page y Segey Brin, los fundadores del buscador de información en línea Google, quienes en 1999 decidieron abandonar su sitio de trabajo para asistir al festival Burning Man, celebrado en Estados Unidos, el cual promueve, entre otras cosas, el arte y el cuidado del medio ambiente. Ellos decidieron informar su ausencia a los usuarios de la página web por medio de un hombresillo azul que hizo aparición detrás de una de las letras “O” del ya tan famoso logotipo.

Drácula
Drácula

A partir de esta ocurrencia, que le resultó muy simpática al público, se creó una serie de diseños que mezclan el logotipo original con algún motivo festivo o, recientemente, animaciones, mini juegos y videos conmemorativos de algún acontecimiento histórico o del aniversario de personajes relevantes en ámbitos científico y artístico. Estas modificaciones a la página principal del buscador se han denominado doodles, traducido al español como garabatos, y hoy en día constituyen parte importante de la imagen corporativa de Google, al grado de haber recibido una patente del concepto por parte de la Oficina de Patentes y Marcas Registradas de Estados Unidos (USPTO).

Aniversario 200 de los Cuentos de los Hermanos Grimm
Aniversario 200 de los Cuentos de los Hermanos Grimm

En el año 2000, la toma de la Bastilla inauguró oficialmente los doodles, desde entonces éstos se han convertido en una forma célebre y casi obligada de rendir homenaje a casi todo, lo cual inspira a miles de usuarios a nivel internacional a entrar al buscador por la simple curiosidad de sorprenderse con un nuevo diseño o de pasar un rato ameno con la imagen interactiva del día.

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Cumpleaños 129 de Charles Baudelaire

Además de conseguir visitas extra para Google y entretener al público, los doodles han contribuido al desarrollo de la creatividad de quienes navegan en la red, pues a pesar de que los más de 1,000 garabatos que hay hasta la fecha han sido elaborados  por Dennis Hwang, web master del sitio, la empresa ha lanzado convocatorias para que sus usuarios propongan temáticas para diseños posteriores y, además, para que los niños envíen sus propios dibujos, esto último como parte del concurso Doodle for Google. Esta interactividad ofrecida por la empresa es posible mediante la dirección de correo electrónico proposals@google.com

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Cumpleaños 150 de Henry Van de Veldes

Todo lo anterior es una muestra de hasta dónde puede llegar la creatividad aplicada a un hecho tan simple como el faltar a la oficina, de ello pueden resultar creaciones que inspiren a todo el mundo a echar a volar la imaginación y expresar sus ideas por medio de imágenes. Pero, así como hay personas que se han atrevido a dibujar a partir de este fenómeno, Google ha garabateado su propia perspectiva de grandes personalidades involucradas con el arte, a continuación se presentan algunos de los más destacados.

 

Originally posted 2013-05-02 12:54:22. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter

Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

Originally posted 2012-07-30 11:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor del norte: Los videojuegos, un nuevo escape artístico

La primera publicación siempre es la más emocionante porque pone las cosas en la mesa. Aquí me presento: mi nombre es Alix Benazir Reyna Flores, una orgullosa Tamaulipeca que gracias a las coincidencias que se visten de destino, escribe hoy aquí.

 Yo no sé muchas cosas, por eso tengo curiosidad en investigar lo que sea. No lo sé, es un tic que siempre he tenido. Y hoy quiero hablarte de algo muy curioso que le ha pasado al arte de un tiempo para acá.

 Tal vez en tu infancia fuiste un niño o niña que tuvo un Nintendo 64 en su casa y tenías pocos videjuegos. Seguramente en algún momento te dejaron de llamar la atención, sino, me alegro por ti porque sabes de lo que voy a hablar.

Portada de MARIO KART para Nintendo 64

 Al pensar en arte, los videojuegos no son algo que te viene a la mente. Yo te diría que lo pensaras dos veces. Los videojuegos se han estado convirtiendo en una fuga para todos esos guionistas, dibujantes y músicos por todo el mundo. La razón de esto es muy simple: encontrar espacio donde puedas hacer arte y que te paguen bien por ello es casi imposible. Casi nadie piensa en utilizar el arte en un videojuego porque no es una idea usual.

 Mi ejemplo favorito es Ken Levine, un guionista que trató suerte en Los Ángeles y no lo logró. Sin embargo se hizo desarrollador de videojuegos y ha creado la saga de BIOSHOCK, considerada una obra maestra por muchos. Levine no sólo rescató música de los veintes, treintas y cincuentas, sino que cambió éxitos de todos los tiempos a una versión de antaño. Las ciudades que te presenta son visualmente increíbles a la vez que provoca melancolía y terror. Busca cualquier soundtrack de BIOSHOCK y te aseguro que mínimo bajarás una canción.

En cuanto a historia yo considero que The Last of Us tiene una mejor narrativa que muchas películas. La verdad es que muchos cineastas quisieran la oportunidad de desarrollar videojuegos porque los llamados gamers no sólo conocen la historia sino que se comprometen con ella hasta el final.

Panorama de THE LAST OF US.

 En campo visual los diseñadores tienen un lienzo en blanco para trabajar. Aunque la historia sea burda, hay quienes sólo juegan para ver el detalle del trabajo, como me pasó a mí con de Alice Madness Returns y su País de las Maravillas.

ALICE MADNESS RETURNS en la ciudad acuática

 No es casualidad que la Orquesta de Londres toquen canciones de la Leyenda de Zelda, ni que muchos pianistas toquen temas de Final Fantasy. Existe todo un mundo artístico dentro de los videojuegos al que todavía le falta crecer. Ojalá si eres un artista le pongas atención y lo intentes, te da más libertades creativas de las que crees.

 Para cualquier tema artístico que desees saber, sólo dime. Mi cuenta es @alixreyna para lo que se te ofrezca, seguramente yo al principio tampoco sepa pero tengo el extraño y maravilloso don de explicar cosas muy complejas en ejemplos muy simples y entretenidos.

 Tas este breve panorama, espero que mi saborsito norteño te guste y sigamos platicando seguido.

Originally posted 2014-05-13 00:06:13. Republished by Blog Post Promoter

Nickelodeon y Cartoon Network: patrocinadores oficiales de las mejores infancias

Desde donde mi mente alcanza a recordar, las caricaturas que más me han gustado y que recuerdo perfectamente, incluso algunos diálogos de ellas, pertenecen a estas dos cadenas. Y no sólo yo, amigos y amigas de mi edad lo recuerdan perfectamente. Ya sea en el Canal 5 o en televisión de paga, todos disfrutamos por años de las caricaturas de Nick y Cartoon. Desafortunadamente, en la actualidad la calidad de su programación ha disminuido de una manera imperdonable. De caricaturas de la talla de The wild Thornberrys, a un triste, aburrido y sin sentido Sam & Kat, Nickelodeon ha dejado de ser un canal respetable. Lo mismo Cartoon y su Ben 10: todo mal.

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 No obstante, no estoy aquí para resaltar las carencias que actualmente inundan a estos dos canales, todo lo contrario: ¿por qué Nick y Cartoon se encargaron de hacer infancias felices a todos nosotros, los actualmente mayores de 20 años? Yo creo que el humor que se manejaba en las caricaturas que nosotros veíamos era un humor extraño. No puedo explicarlo con palabras, pero caricaturas como Coraje el perro cobarde o Aaahh!!! Monstruos, daban como cosita al verlas.  ¿Quién no recuerda esas escenas tan bizarras de Coraje? como cuando Don Justo se convierte en mariposa. Es rarísimo. O Krumm coleccionando uñas de pies humanas en un cofre.

 La Vaca y el Pollito, sin duda era de esas caricaturas que bien no podrían figurar en el género infantil por su contenido ácido e irreverente, pero que nos mataba de risa. Con el simple hecho de que una vaca y un pollo aparecieran como hermanos enfrentando situaciones adversas y graciosas era suficiente, además de esa alegoría al diablo con Trasero Rojo… ¡que belleza!

 Otra característica de una infancia feliz producto de las caricaturas de hace más de diez años, era cuando querías ser como los personajes de las mismas. Por ejemplo, cuando yo veía Rocket Power me entró el deseo de aprender a andar en patineta y patines. Cada que veía un capítulo deseaba vivir en la playa, surfear y pasarla así de padre como en Costa del Océano o patinar en Pueblo Loco, donde por cierto el dueño tenía rastas y era súper relajado. Por otro lado, de Hey Arnold! lo que más nos gustaba a muchos era su cuarto y las cosas tan cool que tenía, como su despertador. Era padrísimo que siempre estaba rodeado de amigos jugando baseball en la calle, además de que era el chico más honesto del vecindario, el cual era parecido a algún suburbio de Nueva York, y todos recurrían a él cuando tenían problemas. Helga era la mejor: era la niña abusiva del grupo y estaba enamorada en secreto de Arnold. Cómo olvidar el altar de él que tenía en su armario o cuando se quedó atrapada en su habitación el día que perdió su diario y cayó en manos de Arnold y Gerald.

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 Creo que he olvidado mencionar a Las Chicas Superpoderosas, quienes fueron las heroínas de muchas niñas de mi edad, y  a Johnny Bravo, cuya historia salía en esas pequeñas cápsulas que se llamaban Biografía Toon, donde también pudimos ver las biografías de Pikachu y Tablón, de Ed, Edd y Eddy. También se me estaban olvidando los Rugrats, cuyos primeros capítulos siempre van a estar entre mis favoritos, ya no tanto su última versión, la de los Rugrats Crecidos. Aunque pareciera que crecimos a la par.

 Creo que podría hacer una lista larguísima de por qué las caricaturas de Nick y Cartoon marcaron la vida de muchos desde la década antepasada. Una mezcla entre humor negro e inocencia era lo que los productores de dichas caricaturas intentaron plasmar por años y que, afortunadamente, muchos de nosotros a veces reproducimos, ¿o me equivoco? Qué gloriosos y felices tiempos.

Originally posted 2015-01-15 15:50:45. Republished by Blog Post Promoter

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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Originally posted 2013-11-14 16:06:35. Republished by Blog Post Promoter

No Ficción: Documental Interactivo

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El pasado sábado, en el marco del festival Distrital, Chris Allen de Union Docs impartió un taller de documental interactivo, que puede definirse como un trabajo audiovisual de no ficción que involucra activamente al espectador.

Allen explicó el funcionamiento de herramientas como Zeega y Mozilla Popcorn Maker, utilizadas en la creación de piezas modulares que admiten intervención y reinvención. De la mano de la web 2.0, el formato ha significado el nacimiento de una forma de expresión nunca antes vista y llena de posibilidades.

Un documental interactivo puede serlo desde diferentes perspectivas. Existe la pieza que el espectador puede manipular y afectar en tiempo real mientras la ve. También está aquella que no admite interacción directa, pero es presentada a través de una interfaz interactiva. Está el contenido que interactúa con el público dependiendo el lugar en que se encuentre, y también el que lo involucra en el proceso de creación. 

Yellow Arrow es un proyecto del mismo Allen, quien distribuyó stickers con flechas amarillas y un código único a través de su sitio web, para que la gente las pegara en cualquier locación de Nueva York e incluyera una pequeña historia al respecto. Al escanear el código de las flechas, los curiosos accedían a estas historias y se creaba un intercambio entre extraños. El proyecto creció tanto que eventualmente se expandió a ciudades de los cinco continentes.

Austin Music Map es un ambicioso proyecto que busca crear un mapa visual de la vasta escena musical en la ciudad de Austin, Texas. Al entrar al sitio, el usuario se encuentra un mapa de la ciudad con los escenarios, foros, bares y esquinas musicales señalados con marcadores a los cuales les puede dar click y descubrir documentales cortos con sesiones y entrevistas con los dueños, artistas y público de los lugares.

Living Los Sures es otro proyecto de Union Docs que retoma un cortometraje documental de los ochenta acerca de Los Sures, uno de los barrios más pobres de Nueva York. Los realizadores convocaron a los vecinos a recopilar y proporcionar material acerca de los personajes y los sitios que aparecen en el corto y su transformación en los últimos treinta años. Con ayuda de esta información, filmaron nuevo material y lo complementaron con una extensa investigación para crear un novedoso formato. Al publicar de nuevo el cortometraje, incluyeron la opción para el espectador de detenerlo en cualquier fotograma y acceder a información relacionada con ese fotograma en específico. Por ejemplo, al ser detenido durante una entrevista dada, se abre una ventana que muestra un video con la misma persona, entrevistada treinta años después.

El documental interactivo es aún tierra inexplorada. Se trata de un emocionante formato hecho a la medida del internet y las formas de interacción y generación de contenido que éste ha propiciado. La posibilidad de crear contenido en conjunto con la audiencia y de proveer la opción de retroalimentación visual abre las puertas a una verdadera transformación del género de no ficción.

Originally posted 2013-06-13 21:11:36. Republished by Blog Post Promoter

Tutorial de fusión de imágenes por The Art Boulevard

El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo. 

Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.

Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles  (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.

Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño  (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.

Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.

Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.

También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.

Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.

Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:

– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.

– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.

Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.

A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.

¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.

Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.

Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.

Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.

Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.

Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.

Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.

Para consultar más tutoriales, da click aquí.

Originally posted 2013-08-29 17:38:15. Republished by Blog Post Promoter

L’ÉTIQUETTE: un estudio de diseño único

L’ETIQUETTE es un estudio multidisciplinario con sede en Francia que se enfoca en la creación en cualquiera varias disciplinas: video, editorial, fotografía y arte. Contrastando en cada proyecto, proyectando diferentes facetas en cada uno, la utopía, el color, los contrastes, matices que individualmente crean una identidad visual fácil de reconocer, digerible y única.

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Éste proyecto editorial se llama Insane, la tipografía, la justificación y los detalles en cada página son notables, las fotografías son brilantes, la paleta de colores contrastante, llamativa; el libro en sí es una pieza que conjuga diseño y arte una de los trabajos más sobresalientes de L’ÉTIQUETTE .

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Return es un trabajo fotográfico que se basa en la relación visual de objetos y personas, convierten al objeto en arte y a la persona en objeto. Un interesante análisis que conecta la irrealidad con un contexto natural, orgánico que respeta y enhaltece su línea gráfica sutil pero directamente.

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High five book 2.0 es un trabajo en proceso ( con cierta crítica social) en el que colaboran varios artistas digitales que buscan representar “su propia visión de una personalidad a su eleccion”.

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high five

Y como uno de sus más interesantes trabajos en video L’APPARENTE BEAUTÉ es un trabajo que, como en la mayoría, se conjuga el arte y el diseño dándole fuerza a su temática visual y estética; una especie de performance que encapsula en escencia lo que significa ser un equipo que usa la creatividad y la transforma.

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Visiten: http://www.studioletiquette.com

Originally posted 2013-01-29 17:02:01. Republished by Blog Post Promoter

“Unite All Originals” Adidas: arte y cultura juvenil

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Adidas, pendiente de la vanguardia en el desarrollo del arte y como acercamiento e inspiración para su público joven, ha creado una campaña global para este 2013, donde integra a creativos de diversos países, quienes colaboran  con piezas visuales y musicales.

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El concepto es Adidas colisionador, remarcando la mezcla de piezas, de nacionalidades, su conjunción para un resultado conceptual interesante. De manera visual los artistas que conforman el proyecto son Jeoff Lillemon, el esculator Grace Tang, el videasta Colin Solal Cardo, el artista Evan Roth, el rapero Iggy Azalea, el productor musical Daniel Disaster, el pintor Flip y el diseñador Stööki.

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Con su colaboración y sus piezas, desde la música hasta el graffiti. Así mismo, se cuenta con lookboks a dúo con creativos. Los usuarios pueden colaborar con sus piezas a Adidas o compartirlas con el hashtag #adidasoriginals en Twitter, Instagram y Tumblr. Los ganadores serán difundidos a través de la pared digital

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La campaña lanzada el 5 de marzo cuenta con un vídeo de 90 segundos de duración, con la colaboración especial de A-Trak y el artista visual SoMe.

Originally posted 2013-05-27 19:18:35. Republished by Blog Post Promoter

El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?

La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

Originally posted 2014-09-29 10:50:04. Republished by Blog Post Promoter

Niño Pelado: una forma diferente de diseñar

“Si no amas y te divierte lo que haces, tienes un trabajo y no una pasión. Y la pasión es la que marca la diferencia”.

296143_466337376778864_423988522_nNiño pelado es  un diseñador gráfico, ilustrador y escenógrafo, conocido en sus inicios  como “el chavo de las cajitas”. Hace alrededor de 6 años que inició su proyecto  que actualmente se ha dado a conocer por su interpretación creativa de personajes plasmados en PLUSH TOYS (muñecos de tela).

Desde chico siempre fue inquieto, toda la vida ha dibujado personajes. Sobre ello nos comenta “dibujo en cualquier lugar donde me es posible, considerando que en todos lados, siempre hay un personaje que es digno de ilustrar, ya que genera en ti sentimientos como alegría, recuerdo y admiración.”

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Sus primeros diseños los comercializaba a través de personajes creados en cartón para recortar y armar. Los luchadores fue la primer línea que se diseñó, “poco a poco nos dimos cuenta de que  los muñecos de papel, no eran lo suficientemente resistentes con el tiempo, haciendo una inmensa cantidad de pruebas en diferentes sustratos, llegamos al producto final, MUÑECOS DE TELA.”

Estos han sido los productos que  han abierto las puertas para el crecimiento de la marca Niño Pelado, ya que es un material que no se maltrata y su durabilidad y originalidad han hecho que los consumidores coleccionen los 170 diseños que conforman la marca.

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La idea de Niño Pelado es crear y dar vida a personajes mediante productos originales que alivianarán el día a día de todo su público, con finalidad de brindar un poco de humor y sorpresa.

Uno de los elementos imprescindibles en el trabajo de Niño Pelado es la buena vibra que se transmite mediante sus productos, es que tengan algún sentimiento, recuerdo o emoción.

 El crecimiento de la marca ha sido muy rápido, ya que han sido apoyados enormemente en Facebook y Twitter, el trabajo de Niño Pelado, se ha dado conocer en muchas partes del país y del mundo, permitiendo llevar piezas a países como EUA, España, Colombia, entre otros.

Originally posted 2013-08-15 11:34:48. Republished by Blog Post Promoter

Aarón Fernández vuelve con Las Horas Muertas

Ciudad de México.- Tiene nueve habitaciones; restemos la bodega. En cada una de ellas no deben faltar sábanas nuevas, toallas limpias y una caja de pañuelos junto a la cama. El trabajo es sencillo, lo único que requiere es un buen servicio, un trato amable y la mayor discreción del mundo. Sebastián lo sabe. Miranda no. El motel se llama “Palma Real”. Allí el tiempo es un caso perdido.

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 El productor y director mexicano, Aarón Fernández (Chihuahua, 1972), se hace presente con la exhibición de la cinta Las horas muertas, un retrato esparcido, en distintas situaciones, que conforman el crisol de  la historia final. El inabarcable paso del tiempo; sus tristezas, sus glorias.

 Sebastián Ramírez Novoa está por cumplir 18 años. Su tío Henry, administrador de un pequeño motel en Guerrero, lo deja a cargo mientras él está bajo examinación médica. Sebastián no repela, conduce la administración con tranquilidad; pero, con el paso de los días, el andar del reloj se torna insoportable. Él es discreto, tal y como le recomendó su tío, hasta que Miranda aparece en el motel, indiscretamente.

 Después de haber presentado la cinta Partes usadas, Las horas muertas cuenta con la intervención del fotógrafo Javier Morón, así como los actores Kristyan Ferrer y Adriana Paz. El largometraje se filmó en el 2012; demoró más de año y medio en salir a las salas de cine. Pero los elogios no se han hecho esperar.

 Miranda es una mujer mayor. Ella sale con Mario, un hombre casado que le ofrece a Miranda apenas destellos de un romance que nació muerto, infructuoso. Cada vez que él la cita en el motel, ella espera. Es en esta pausa del mundo donde conoce a Sebastián. Las miradas los llevan a la conversación, las palabras a la sonrisa y la sonrisa a la complicidad: ya no hay lugar para las manecillas.

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 Este largometraje mexicano ganó el premio a la Mejor Contribución Artística en el marco del Tokio International Film Festival en su edición 26. Actualmente, la misma cinta también está en los proyectores del Festival Internacional del Cine de Morelia (FICM) y se espera que continúe cosechando el reconocimiento que ya obtuvo en Asia.

 La discreción es deliciosa o impertinente según se maneje. Miranda y Sebastián no lo dicen. Las horas muertas es una llamada de atención para quienes pierden el tiempo, para quienes se desesperan, o, simplemente, para quienes lo dejan pasar como si se tratara de un motel. Uno de esos resguardos con propio encanto donde hombres y mujeres hacen de las horas muertas un motivo de vida.

 

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Al final, asegura Miranda, todos los amores van y vienen. Quién sabe el tiempo…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2014-03-14 01:36:45. Republished by Blog Post Promoter

Una Clepsidra sin fin

 ¿Cuántos poetas necesita un verso? ¿Cuántos versos necesita un libro? Cuántos libros nos necesitan, y lo qué se ha convertido en materia de estudio: ¿de cuántos libros necesitamos?

El pasado martes, 13 de mayo, concluyó el ciclo de presentaciones de la publicación Clepsidra. Antología poética integrada por 18 poetas tan diversos como su historia de vida, y caracterizados por su inquietud en las palabras. El sitio elegido fue el Centro Cultural de España en México, localizado en el Centro Histórico, a las 19:00 horas, y todos los minutos.

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 Clepsidra es un término femenino para referirse a un reloj de agua. También conocido como reloj de noche, la clepsidra era empleada por distintas civilizaciones en la antigüedad para medir el tiempo cuando el reloj de sol no era útil. Y así, de forma sutil e inabarcable, poesía y tiempo dialogan en este libro.

 “La poesía, en este caso, es humedad de tiempo oscuro que cada segundo cambia, sin dejar de ser agua. Flujo fonético y símil de las piezas musicales a partir de de movimientos…”

 La lectura final de este proyecto reconoció el trabajo del poeta Raúl Renán (1928), también destacado promotor cultural quien aún imparte el Taller de Poesía Experimental en el Centro de Creación Literaria del INBA Xavier Villaurrutia. Además, se hizo hincapié en el trabajo que a lo largo de tres años (2010-2013), fue sometido al rigor de una experimentación poética impredecible.

 Antonio Guillen, Marian Pipitone, Karen Naciff, Socorro Benavidez Chavez y Liz Mevil fueron algunos de los autores que compartieron con el público la lluvia, la poesía y el vino en una tarde hecha para decirse y no sólo hacerse. Lo que significó la conclusión de un proyecto para dar paso a nuevas inquietudes, así lo afirmó Fernando Ruíz, uno de los diseñadores del libro.

 Al final del acto, dos libros fueron sorteados entre los asistentes para dejar que la poesía siga su curso; sin preguntas, sin respuestas.

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Originally posted 2014-05-20 00:19:57. Republished by Blog Post Promoter

Arte urbano

Como todos sabemos, existen diversos tipos de arte. Que si contemporáneo, que si clásico, que si moderno, que si abstracto, que si urbano, que si reconocido o no reconocido, ¿pero cómo saber en que tipo de arte encaja cada cosa?

¿Por qué algunas personas tienen la gran oportunidad de mostrar su talento en galerías y grandes escenarios, mientras que cientos de personas más se tienen que conformar con mostrar lo poco o mucho que saben, pero a fin de cuentas muy valioso, en una esquina, o en una plaza? ¿Por qué no les pueden dar el mismo crédito, si lo que ambos hacen es considerado arte?

Se le conoce como arte urbano a todo aquello que, valga la redundancia, es arte, pero que afortunada o desgraciadamente aún no tiene un espacio fijo para mostrarse ante un público definido.

Al caminar por el centro histórico de la ciudad de Querétaro nos podemos topar con infinidad de personas que muestran lo que saben y les gusta hacer, y que no precisamente lo hacen con el fin de recibir algún tipo de remuneración económica, simplemente lo hacen para mostrar su talento, y con esto, robar una sonrisa a las personas, alegrar el día de alguien, ayudar a la gente a salir de la cotidianidad, invitar a la reflexión, en fin, podríamos encontrar miles de razones por las cuales las personas deciden salir a las calles a mostrar su arte.

Un claro ejemplo de arte urbano es el señor David Quintero, quien tiene una experiencia de aproximadamente treinta años tocando el violín, y de un tiempo para acá decidió acudir al centro histórico de la ciudad de Querétaro, precisamente en el andador 5 de Mayo, a mostrar lo que sabe hacer perfectamente y asegura, es lo que ama; al pasar por dicho andador, decenas de personas se detienen un momento a escuchar las bonitas melodías que este artista interpreta con una gran delicadeza y dedicación.

Otro claro ejemplo son las bandas musicales que se presentan en plazas del centro de la ciudad, sin recibir ningún tipo de apoyo económico, pero que sin embargo, al terminar su presentación se van a sus casas con la enorme satisfacción de haber recibido tanto aplausos como sonrisas sinceras de parte del público, que a pesar de todo los apoya.

¿Por qué se sigue diciendo que el futuro del país se encuentra en las manos de los jóvenes, si cuando buscan expresarse no se les da el apoyo necesario o se les ponen miles de trabas para hacerlo?

Podemos asegurar que en la actualidad el arte no es muy reconocido, es por eso que la gente decide salir a las calles a hacer lo que llamamos “Arte urbano”, que no por ser mostrado en las calles es sinónimo de baja calidad, así que los invitamos a apoyar todo tipo de arte, que aunque no se encuentre en un importante escenario también es digno de nuestro reconocimiento.

Originally posted 2013-07-22 18:36:10. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

Originally posted 2014-09-15 14:05:33. Republished by Blog Post Promoter

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

| Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

El arte de enchular los autos, la publicidad y la ciudad

Conducir un automóvil y rodar por la ciudad sería más divertido si los vehículos, además de transportar pasajeros o diferentes tipos de carga, fueran el soporte de obras de arte cuyos diseños alegraran las vialidades y transformaran el tráfico citadino en una experiencia cultural y entretenida por la cual perder el tiempo no resultaría estresante. Por más imaginativo y fantástico que esto pueda sonar, algunos coches ya se han convertido en piezas artísticas.

Cuadro rodante perteneciente al proyecto Wash Me, con el cual Mini Cooper celebró su 50 aniversario en 2009.

La idea de utilizar autos como lienzos de pintura fue retomada recientemente por la marca de vehículos Mini Cooper y Grupo Automotriz Caltabiano, empresas que trabajaron en conjunto con la Agencia Hurra! de Brasil para organizar un evento publicitario que atrajera a jóvenes conductores por medio del arte urbano y la fiesta, según el sitio InformaBTL.

En esta iniciativa participaron los artistas Gen Profeta y Cesar Duarte, quienes se encargaron de transformar dos autos de la marca mencionada en auténticas obras de arte urbano, dichas creaciones fueron elaboradas con pinturas líquidas y aerosoles en un total de cuatro horas. La locación del evento fue la galería de arte de Oscar Freire en Sao Paulo, Brasil, donde además se ofreció una fiesta cocktel para todos los asistentes. A continuación se presenta el video de esta celebración:

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Esta no es la primera vez que un Mini Cooper se transforma en obra de arte, pues en 2009 la compañía celebró su 50 aniversario con un proyecto en el cual 10 artistas elaboraron pinturas ambulantes en las carrocerías de la marca, dichas creaciones fueron reunidas en un libro titulado Wash Me, cuya promoción contó con la rodada de los cuadros por varias ciudades europeas. En este enlace puedes acceder al sitio oficial de dicho producto editorial y del evento www.washme.ch

Ten MINI Art Cars in New Book Wash Me

Independientemente de los proyectos organizados por la empresa automotriz, existe otro cuadro rodante elaborado un par de años antes por Robert Combas, quien plasmó en el metal personajes y elementos provenientes de sueños, así como figuras que evocaban la libertad y la ruptura con parámetros estéticos como la simetría. Este auto se convirtió en una creación especial para la edición 34 de la Feria de Arte Contemporáneo en París, la cual tuvo lugar en 2007.

Mini Cooper decorado por Robert Combas para la 34 edición de la Feria de Arte Contemporáneo en París, 2007.

Es importante mencionar que los Mini no han sido los únicos coches sobre los cuales se ha pintado, sino que esta técnica tuvo su origen en 1975 cuando el corredor de autos francés, Hervé Poluain, mandó decorar el BMW con el cual competiría ese año. El también artista compartió esta experiencia de transformación de autos en un libro escrito por él, cuyo título fue El arte y el automóvil, según apunta es.autoblog.com 

Primer auto decorado. Hervé Poluain, 1975.

Hasta el momento sólo se han elaborado pinturas rodantes como estrategia publicitaria o para exhibición en galerías de festivales de arte, pero no se descarta la idea de que a alguien se le ocurra echar a volar su imaginación y plasmar sus ideas en la superficie de su vehículo, lo cual resultaría creativo, atractivo y fungiría como un medio más para expresarse y compartir pensamientos con la ciudad.

Originally posted 2013-07-24 09:53:19. Republished by Blog Post Promoter

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte

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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

Originally posted 2014-10-27 10:28:25. Republished by Blog Post Promoter

La literatura latinoamericana y los pueblos originarios: Eduardo Galeano

El pasado 3 de Septiembre, cumplió años el gran escritor uruguayo  y exponente de la literatura latinoamericana, Eduardo Galeano: hombre que se ha distinguido por tener la virtud de plasmar la emoción más recóndita del ser humano a través de palabras neutrales y sencillamente envueltas de pulcritud, en conjunto con la sensibilidad que pone la piel de gallina.

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Crédito: Periódico el clarín.

 Tuve la oportunidad de verle, hace dos años casi y recuerdo ese día como si fuese ayer. Asistí al cierre de una serie de conferencias que organizó CLACSO (Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales)  y estuve parada por dos horas en la enorme fila que aguardaba fervientemente su llegada –la esperanza por verle; quizá una vez nos hacía un vuelco en el corazón–.

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Crédito:Nuestrocanto.net

 Tuvimos que sentarnos unos cuantos jóvenes en la alfombra – el lugar está abarrotado -, juré que no cabía un alma más en ese sitio, que se estaba llenando de borlote, de chiflidos y de una que otra voz que decía “Queremos ver a Galeano, ya”. Todos aguardábamos atónitos,  la desesperación se apoderaba ante cualquier sonido del micrófono o ante el aviso de que en veinte minutos empezaría la clausura, cosa que no fue cierta pues tardaron más de 40 minutos. La impuntualidad fue la intolerancia del momento, parecía que todo el público mencionaba las palabras más grandotas de toda la existencia.

 Recuerdo que sólo fueron a lo mucho 15 o 20 minutos en los que habló y trató de dar un breve pero, singular mensaje que nos dejó pensado por varios días; dio cuenta de la reflexión hacia el mundo, hacia la vida y hacia sí mismo. Tres ejes, que parecieron ser la mezcla perfecta para detonar una oleada de ideas que nos dejaron más perplejos de lo común.

 Desde ese día, supe que Galeano; además de tener un gran legado cultural, también posee un gran aporte histórico que nutre la retrospección de los pueblos originarios y su coexistir. Tal es el caso de Las Venas abiertas de América Latina (1971), Crónicas latinoamericanas(1972), América Latina para entenderte mejor (1990) y entre otros escritos. Su importancia revela la majestuosidad de la nigromancia del pueblo, de sus artilugios…de sus objetos más preciados, de sus lugares más recónditos y ancestrales. Porque como bien dice el autor:

 Quien no se hace el vivo, va muerto. Estás obligado a ser jodedor o jodido, mentidor o mentido. Tiempo del que me importa, el qué le vas a hacer, el no te metas, el sálvese quien pueda. Tiempo de los tramposos: la producción no rinde, la creación no sirve, el trabajo no vale. En el Río de la Plata, llamamos ‘bobo’ al corazón. Y no porque se enamora: lo llamamos ‘bobo’ por lo mucho que trabaja.

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Crédito:Tumblr.

 He de admitir, que unas lágrimas rodearon mis mejillas con todo el mensaje que dio, con todas esas palabras que quedaron marcadas en mi mente; por todas esas cosas por hacer y que se nos recalcan constantemente en la vida.

 Particularmente, ese día todos atendían las palabras y los ademanes del gran Galeano, del soñador empedernido, del defensor de lo inconcebible, el gran artífice de obras que plasman la memoria y el olvido de nuestras raíces…de nuestros cimientos. Historias y narraciones, que se han contado miles de veces; quizá unas menos peores que otras, pero ninguna guarda la esencia de América Latina y sus pasos.

 A pesar, de que hubo muchas trabas en el camino para reconocer el gran trabajo de Galeano; el cometido se ha logrado y su legado nos transmite reflexión y amor por lo que es nuestra tierra, por su fertilidad expresada en cada rincón, en cada partitura, en cada cimiento…en cada ambigüedad.

 Cuando palpé su mirada expuesta en la presentación, sentí que el mundo se apropiaba de cada expresión y cada palabra matizada con ese acento uruguayo; que desplazaba todo el tumulto de voces que yacían en cada espacio del salón, quince minutos…y nadie decía nada, la mirada de todos estaba dirigida hacia él, logró apoderarse del tiempo y el espacio en tan poco tiempo.

 Olvidé que hora era, ya no recordaba ni siquiera el hecho de escribir el reporte que dejó mi profesor, olvidé que mis pies se habían dormido y el hormigueo no dejaba de cesar; inclusive postergué mi hambre desorbitante. Y fue cuando recordé, una frase del autor:

“Mucha gente pequeña,en lugares pequeñas,haciendo cosas pequeñas, puede cambiar el mundo.

 El deseo por permanecer ahí me duró poco tiempo…pero sus palabras se quedaron fijas para  no olvidar que las raíces de este mundo, nosotros las construimos y que somos los herederos de nuestros propios sueños y fantasías, así como de la oscuridad en la que nos empeñamos en vivir.

 

Originally posted 2014-09-18 10:55:56. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: primavera árabe

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Las redes sociales han modificado la manera en la que sus usuarios interactúan con sus conocidos y consumen información. Pero en ningún otro lugar llegaron para trastornar sociedades enteras como en los países árabes de África y medio oriente.

Irán, Túnez, Marruecos, Egipto, Libya, Siria son algunos de los países cuyos sistemas políticos han sufrido turbulencia a manos de los ciudadanos armados con dispositivos móviles con acceso a internet. Redes de información sin censura ni filtros mediáticos se han tejido a través de servicios como Twitter.

Los problemas de estas naciones son ciertamente complejos y los cambios no han sido ocasionados en sí por las redes, pero sin duda estas herramientas han sido capaces de catalizar revoluciones en esta parte del mundo que se encontraba ávida de una transición.

How Facebook Changed The World es un reportaje que repasa la historia de los diferentes movimientos (en inglés sin subtítulos).

Mi Makhzen Y Yo es un documental realizado por un portal de noticias independientes de Marruecos sobre la situación en ese país.

Los siguientes dos videos son producciones de Al Jazeera sobre las revoluciones en Egipto (en inglés sin subtítulos)

Y Libya (en inglés sin subtítulos)

 

Originally posted 2012-08-15 10:54:52. Republished by Blog Post Promoter

La magia de El Cascanueces vuelve al Auditorio Nacional

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En esta temporada navideña, El Cascanueces llega a la Ciudad de México del 18 al 21 de diciembre para presentar su 34 temporada en el Auditorio Nacional, en la cual participarán más de 70 bailarines, 80 músicos, 50 niños y jóvenes y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, dirigida por Juan Carlos Lomónaco.

 En esta ocasión, el elenco incluirá a los cinco primeros bailarines de la Compañía Nacional de Danza: Agustina Galizzi, Ana Elisa Mena, Mayuko Nihei, Blanca Ríos y Erick Rodríguez, así como Elisa Ramos, la primera solista egresada de la Escuela Nacional De Danza Clásica y Contemporánea del INBA, quien alternará con Mahaimiti Acosta en el papel de Clara.

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El Cascanueces es un cuento escrito por Hoffmann en 1816 y compuestos por el gran Tchaikovsky, que cuenta la historia de los hermanos, Clara y Fritz. El día de navidad el padrino de Clara, Drosselmayer, le regala  tres cajas con tres regalos diferentes: Un Arlequín, una Colombina y un gran Cascanueces. Su hermano, celoso, rompe el Cascanueces. El sobrino de Drosselmayer repara el juguete y se lo entrega a la niña. Durante la noche ella se levanta a ver el Cascanueces, lo abraza y entonces…todo crece y crea vida a su alrededor, llevándola a un mundo mágico.

 El Cascanueces está a cargo de la Compañía Nacional de Danza del INBA y se ha convertido en una de las representaciones de ballet más importantes del mundo, ya que brinda a chicos y grandes la oportunidad de acercarse a la danza  y apreciar el trabajo de los bailarines.


Los precios van de $230 a $550, compra tus boletos en Ticketmaster

Promociones: jueves de 2 x 1 y viernes paquete familiar, (4 boletos a precio de 3)

Originally posted 2014-12-05 11:11:35. Republished by Blog Post Promoter

ciclo de cine express: elecciones en eu

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El próximo 6 de noviembre se celebrarán elecciones federales en Estados Unidos, nación cuya economía sigue siendo la más poderosa del mundo. La elección presidencial en ese país es relevante no sólo para sus ciudadanos, sino también para el resto del mundo, debido a que los norteamericanos han marcado y delineado durante mucho tiempo ya la agenda internacional.

La política exterior intervencionista de EEUU ha ocasionado que naciones lejanas se involucren en conflictos diplomáticos e incluso armados con los gobiernos estadounidenses. Además, muchos otros aspectos socio-políticos de naciones ajenas a Estados Unidos han sido establecidos y dictados desde el siglo XX en la famosa oficina oval en donde despacha el presidente de esa nación.

En la elección en turno, el enfrentamiento se da entre dos moderados de los respectivos y tradicionales bandos del dual sistema político: demócratas y republicanos. En una esquina, el presidente en funciones Barack Obama tendrá que defender los programas sociales subsidiados por el gobierno y a la vez convencer de que su modelo es económicamente viable. En la esquina opuesta, el ex gobernador de Massachusetts Mitt Romney deberá persuadir a los electores de que las políticas económicas liberales y un gasto mínimo del gobierno son lo que Estados Unidos necesita para levantarse definitivamente de su crisis.

En medio de la discusión, se encuentran también las voces que miran con mayor escepticismo un sistema democrático que consideran falaz y simulado. Al haber Obama incrementado la presencia militar de EU en naciones extranjeras mientras el establecimiento lo premia con un Nobel de la Paz, la sospecha de que las llamadas “opciones” para la elección presidencial no son más que la misma cara de una sola moneda: la moneda de la plutocracia y el capitalismo rapaz.

The Obama Deception (subtítulos en español) es una realización de Alex Jones, periodista incómodo y disidente que durante años ha insistido en la existencia de una élite financiera y política que construye en secreto las bases para un “Nuevo Orden Mundial”. La película postula la teoría de que Obama y la clase política de EEUU son en realidad piezas de ajedrez al servicio del Grupo Bilderberg y otros poderes fácticos.

Conventions 2012: The Price of the Party (en inglés sin subtítulos) es un viaje a través de ambas convenciones nacionales, la demócrata y la republicana, en un intento por desnudar la verdad sobre el costo de las elecciones y la procedencia de los recursos.

Culture in Decline: Democracy (subtítulos en inglés) es el primer capítulo de esta serie producida por el movimiento Zeitgeist. Propone que el establecimiento ha creado la ilusión de elección para que los ciudadanos acepten dócilmente las políticas y métodos del capitalismo liberal, y que no existe en realidad una democracia ya que el pueblo no interviene en las decisiones importantes.

Finalmente, para empaparse de los temas en el centro de la discusión y la personalidad de ambos candidatos, el primer debate presidencial entre Obama y Romney.

 

Originally posted 2012-10-10 20:23:40. Republished by Blog Post Promoter

Festival de México en el Centro Histórico 2013

FMX

Del 9 al 19 de mayo se realizará la 29a. edición del Festival de México en el Centro Histórico, el evento cultural con mayor importancia debido a la oferta de actividades, repertorio de artistas, horarios, locaciones y planeación, incluye propuestas tanto nacionales como internacionales.

El Festival nació por la urgencia de rescatar al Centro Histórico, re convertirlo en el corazón citadino de la mano de artistas e intelectuales a principios de los años ochenta de manera creativa. Así fue como Amigos del Centro Histórico A.C. surgió, con el fin de conjuntar esfuerzos para que tanto inversión pública como privada, patrocionadores, etc., consiguieran los fondos necesarios para realizar las actividades.

El Festival de Primavera fue la primera etapa del Festival. En espacios públicos, iglesias, conventos se realizaron los eventos y año con año se ha reinventado. Ha traído a artistas de gran nivel y explorado desde la animación hasta el teatro clásico o contemporáneo.

Las secciones con las que cuenta son:

Animasivo

Animasivo

Es el Foro de Animación Contemporánea del Festival de México, espacio para la reflexión y difusión de la animación experimental en la Ciudad. Desde su inicio ha mostrado propuestas experimentales, apoya las creaciones jóvenes. Su espacio conforma un concurso internacional y actividades complementarias, con ello crean un encuentro y diálogo para la comunidad interesada en la animación. Este año tendrá a Japón como país de honor, con un investigador y un mangaka presentando proyectos y perspectivas del anime.

Aural

Aural

En sus tres años de vida se ha dedicado a presentar lo más relevante de la música experimental del mundo. Esta edición contará con propuestas desde el jazz, con Sun Ra Arkestra, hasta rock experimental japonés con Boris. Así como la presentación del libro de música electrónica nacional, Voltaje: Alteraciones a la historia de la música electrónica mexicana por Carlos Prieto. El evento concluye con Nicho Aural, el cual tendrá seis días de presentaciones gratuitas al apoyar la improvisación libre, el noise y el drone.

Karita Mattila

Es la sopranos dramática y lírica más reconocidas a nivel mundial. Esta finlandesa tiene una voz muy notoria y presencia escénica. Será la encargada de abrir el FMX en el Palacio de Bellas Artes este 9 de mayo.

 

Radical Mestizo

El evento será presentado por Baloji y Los de Abajo en el Salón los Ángeles el 18 de mayo. Baloji significa magia de hechicero en suajili; es el nombre de este músico quien inventa un universo musical propio donde cobran vida los ritmos tradicionales africanos, el hip-hop y el rap. Presenta en México su último álbum, Kinshasa Succursale que profundiza en los ritmos de soukous, mutashi, soul de los sesenta y letras de hip-hop.

Literatura

Se presenta el coloquio Nuevas escrituras, nuevas lecturas en el museo Franz Mayer. Peter Stamm, Enrique Serna, Rofrigo Fresán y Sergio González Rodríquez. La temática es entorno a la influencia de las nuevas tecnologías y la publicación de textos en internet, así como el acceso de los lectores a este formato, el futuro del libro y su beneficio o detrimento en este re acomodo social.

Teatro

The Old King y Macbeth. Ciudad Insomnio. Serán los encargados de exhibir lo relativo a lo teatral en el Festival.

Derretiré con un cerillo la nieve de un volcán y Políptico escalante. El segundo es una unión dada por la mexicana Ximena Escalante junto con la directora francesa Sylvie Mongin-Algan. La unión se dio gracias a la publicación del libro Fedra y otras griegas en París, Sylvie descubrió que al otro lado del mar, alguien escribía el teatro que ella esperaba.
Decidieron trabajar juntas para contar las mismas historias, entender a los mismos personajes, trabajar con los mismos actores y hacer el mismo teatro. La compañía Les Trois-Huit/NTH8 puso en escena en Francia: Yo también quiero un profeta, Electra despierta, Andrómaca real y Fedra y otras griegas.

Infantil

Los niños cantores del Centro Histórico darán una muestra de su talento. En él, los pequeños pueden sentirse identificados con lo que personajes de su edad han hecho, cantar.

Para más información entra al sitio del FMX aquí

Originally posted 2013-05-16 09:06:03. Republished by Blog Post Promoter

Rodaje 671 en Querétaro.

El pasado Viernes 09 de Agosto del presente año, el grupo de comunicación C671 de la Universidad de León, plantel Querétaro se dispuso a iniciar el rodaje de un cortometraje llamado “Despierto por un amigo”, esto como parte del proyecto final de la materia de Producción Televisiva, cabe mencionar que dicho proyecto se comenzó semanas antes con la pre-producción, es decir, la creación del guión tanto literario como técnico, búsqueda de talentos, arreglo de horarios, distribución de puestos, planeación de locaciones, entre otras actividades.

El Jueves 08 de Agosto, primer día de grabación, se comenzaron a realizar las tomas de las primeras escenas, las cuales se llevaron a cabo sin problema alguno, exceptuando que durante la grabación de una escena en exterior, para ser exactos, en un parque, comenzó a llover y las cosas se tuvieron que realizar de una manera más ágil con el objetivo de que la cámara no sufriera daño alguno.

El Viernes 08 de Agosto, segundo y último día de grabación, se realizaron diversas tomas en diferentes lugares, el primer espacio utilizado fue la misma universidad de los estudiantes de la carrera de comunicación; Para esto, los protagonistas del cortometraje, Fernando Gutiérrez y Monse Rivas llegaron a la locación en punto de las 12:00 pm para comenzar a grabar las escenas correspondientes, terminando dichas tomas, se dirigieron a la siguiente locación que era la casa de una chica del mismo grupo, ahí es en donde probablemente se encontraron con las primeras grandes dificultades, la iluminación era un poco complicada debido a que el guión marcaba que la escena era de noche y en realidad se estaba grabando en un caluroso día aproximadamente a las 2:00 pm. Después de un par de horas las escenas destinadas para dicho lugar quedaron listas y fue momento de trasladarse nuevamente para continuar con la grabación.

En el último espacio es en donde se grabarían la mayor cantidad de escenas, además de ser las más difíciles, por lo mismo antes de comenzar tanto con arreglo de escenografía como cambio de vestuario, maquillaje y demás se decidió dar un break para comer y recuperar energías, posteriormente se hicieron los arreglos necesarios para así poder continuar con el rodaje que duró unas cuantas horas más, alrededor de las 21:00 hrs todo el equipo tenía una severa fatiga, sin embargo eso no impidió que cada quien siguiera realizando sus actividades correspondientes.

Finalmente, después de más de 12 horas de arduo trabajo se dio por terminada la grabación con comentarios como el siguiente:

“La experiencia que me quedó de las más de 12 horas de grabación fue que en equipo todo se realiza más rápido y de mejor manera.

El grupo se unió para llegar a un fin, y los extras fueron muy acomedidos al hacer más que su trabajo y ayudar a componer la escenografía entre otras tareas del staff.

La grabación fue extenuante, como tuvo sus momentos de risa, también tuvo sus momentos de frustración en los cuales ya todos queríamos terminar e irnos a casa.

Creo que trabajando en equipo, todo se puede lograr, ya que varias cabezas piensan mejor que una y eso se notó gracias a que cada quien desempeñó su trabajo, ya fuera como staff, extra, director, productor o siendo parte del departamento de arte.”  -Diana Gutiérrez, Departamento de Arte.

Originally posted 2013-08-12 18:05:17. Republished by Blog Post Promoter

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

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Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

Originally posted 2014-12-02 08:50:17. Republished by Blog Post Promoter

Licor de Lete

Licor de Lete, ¿Una canción? ¿Una banda musical? ¿Una bebida? Un título así puede ser interpretado de mil y un maneras, sin embargo en este caso nos referimos a una extraordinaria puesta en escena a la cual asistimos el pasado Sábado 21 de Septiembre del año en curso.

“En Licor del Lete, una especie de Thriller, varios personajes mitológicos coinciden en el bar de Tiresias, en el contexto de un conflicto bélico estilo siglo XX. Sísifo, el más astuto de todos los hombres, ha escapado del Hades llevándose consigo un poco de las aguas del olvido mientras que Proteido, quien posee la habilidad de transformase en otros, tiene el encargo de recuperarlas; ambos coinciden en el bar de Tiresias, el famoso adivino ciego de Tebas quien duda entre beber esas aguas o confrontar su destino.

El objetivo de la obra teatral consiste en escenificar una resignificación de algunos mitos griegos, en un contexto más cercano: una guerra que lo consume todo. Se trata de un juego de apariencias y confusiones, de ideales traicionados y deseos insatisfechos donde el olvido, que causa beber el Licor del Lete, parece ser la única respuesta para los sobrevivientes de este apocalipsis.”

Como se menciona anteriormente, esta es una obra basada en la mitología griega pero llevada a la época actual, aspecto que realmente valoramos por el hecho de que muchas de las personas, ya sean jóvenes o adultos, suelen quejarse de que el teatro y/o la historia siempre resultan un tema aburrido, es por eso que el grupo teatral Imaginartes decide salir de la cotidianidad y hacer las cosas diferentes e innovadoras, comparadas con el resto de muchos trabajos actuales.

La historia se desarrolla en un lugar pequeño, lo cual por ningún motivo es impedimento para que los actores saquen a relucir su talento y dejen al público con un excelente sabor de boca, ya que los personajes tienen constante interacción con el público, además de tenerlos siempre a la expectativa de que en cualquier momento algo interesante sucederá.

Licor de Lete o el caso de las aguas del olvido, dirigida por Francisco Tabris Berges en co-dirección con Rodrigo Canchola nos transportará a un lugar totalmente diferente en el que cada hecho, cada acción, cada movimiento y cada personaje nos sorprenderá minuto a minuto.

En Chulavista Art House A.C. una vez más nos enorgullece saber que aún existe teatro de calidad y personas que saben apreciarlo, personas por las cuales este grandioso arte sigue con vida.

Originally posted 2013-09-23 14:39:20. Republished by Blog Post Promoter

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Originally posted 2013-08-19 12:32:06. Republished by Blog Post Promoter

Carnaval Bahidorá 2015

Poco a poco hemos visto que el próximo año estará lleno de eventos que nos harán bailar, cantar y querer cada vez más, y a ello se le suma el Carnaval Bahidorá que se llevará a cabo los próximos 21 y 22 de febrero en Las Estacas, Morelos.x

 Bahidorá es una puesta colectiva que se dedica a explorar territorios desconocidos para vivir una experiencia mágica dentro de un entorno natural y fantástico. En compañía de músicos, artistas multimedia, arquitectos, escenografías, actividades de sustentabilidad, ofertas gastronómicas, talleres, cursos y más, los asistentes y colaboradores podrán desenvolverse de manera creativa durante todo el evento.

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Para esta edición, Bahidorá trae más actividades y servicios que permitirán que la experiencia sea inolvidable. Un nuevo escenario, una lista diversa de músicos, así como nuevas secciones del parque para descubrir aquellos espacios que la naturaleza tiene listos para todos. Lo que le da un plus increíble es que ahora el 85% de los asistentes podrá acampar y así disfrutar por completo esta experiencia sin salir de Las Estacas.

Las Estacas es un parque acuático que pertenece a la reserva ecológica estatal de Sierra de Montenegro, sitio paradisíaco donde brota el río Yautepec, con agua cristalina de un asombroso color. El lugar perfecto para esta gran puesta en escena.

Para más información y compra de boletos, consulta aquí

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