Arranca el Cut Out Fest 2012

 

Este 1 de noviembre iniciaron las actividades del Cut Out Fest 2012. Desde el medio día, los talleres de diseño, guionismo y sonido entre otros abrieron sus puertas. A partir de las 4:00 pm, iniciaron las conferencias en el Cine Teatro Rosalío Solano.

El surcoreano Beomsik Shimbe Shim explicó durante su ponencia la manera en la que construyó durante dos años su cortometraje The Wonder Hospital, mientras era estudiante. El joven artista aseguró que tardó mucho más en idear el concepto que en crear las imágenes, ya que desarrolló un volumen teórico en el cual explica los elementos de la Alegoría de la Caverna de Platón en los que se basó para armar su historia. El cortometraje está pensado como una crítica hacia nuestra percepción de la belleza y equipara la cirugía plástica con una ilusión óptica. Más tarde, durante una conferencia de prensa, Shimbe animó a los universitarios a que aprovechen los recursos a la mano y experimenten ya que, aseguró, esta etapa es la ideal para realizar proyectos.

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A las 9:00 pm se celebró una ceremonia de inauguración, durante la cual los organizadores Mónica Escobedo y Miguel del Moral enumeraron los logros y el progreso del festival a través de los años, que en sólo cuatro ediciones ha pasado de recibir unas cuantas decenas de trabajos de menos de diez países a recibir más de 300 trabajos provenientes de más de 35 países.
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Ellen Beijers, titular del Departamento de Política, Prensa y Cultura de la Embajada de Holanda en México, agradeció a la organización el haber considerado a Holanda como país invitado al festival, y aseguró que su país está en planes de ampliar sus relaciones tecnológicas, culturales y económicas con el nuestro.

” Finalmente, y como bienvenida al país europeo, se presentó el cortometraje producido en Holanda Tears of Steel, financiado a través de crowdsourcing y producido con Blender, un software open source de animación en 3D. Les dejamos el corto a continuación.

Información de Abraham Bojórquez, fotografías de Paulina Enríquez

Originally posted 2012-11-02 10:00:47. Republished by Blog Post Promoter

Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Originally posted 2012-12-28 18:00:38. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

El laberinto de la soledad: Semejanza y olvido


Somos la copia de lo moderno, fungimos como los portavoces de lo que nos ha dejado de pertenecer, nos identificamos con un quebrantamiento de nuestros anhelos y hemos crecido con el consuelo de ideales ajenos a nosotros. ¿Qué es lo que realmente nos motiva a ser? Porque pretendemos ser alguien, y ése imperativo transmite ideas y retos ante la vida, pero esos objetivos no nos pertenecen , desde el momento en que hacemos todo con opacidad y mediocridad.

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Crédito:Tumblr.

“A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: La de nuestra conciencia.”

 Ese sentido de identidad, de confrontación consigo mismo,nace del cuestionamiento de nuestra vida, del ritmo al que estamos sujetos día a día. La transmisión de ideas, objetivos y cumplimientos se lleva bajo una tutela externa, que ni siquiera nos corresponde a nosotros mismos como personas reflexivas y críticas. El fin de asimilar –el dónde, el ahora y por qué– corresponde a cada uno de nosotros, el fin es corroborar nuestra identidad que tanto buscamos al pasar de los años.

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Crédito:Tumblr.

 Entre lo vintage, lo retro y demás tendencias, olvidamos el trasfondo de nuestro abandono como sociedad mexicana. ¿Cuál es el muro que nos impide tener una autonomía simple y certera? El muro es la imitación. El modelo de la semejanza, rompe con los límites, enmascara una incongruencia colectiva y filosófica también. Y, no es que la semejanza sea un enemigo acteal, sino se trata de vincular la manera de adopción con el conocimiento de nuestras raíces y orígenes. Somos el pueblo que olvida y que deambula, que encuentra su asiento más cómodo y pertinente en la actualidad, porque una nación que relega su creación, supone un estado vegetativo e inerte.

 Tanto que tememos a la muerte, y pareciese que estamos cobrando un estado de confort y de aislamiento ante los sueños que no son arrebatados día a día. La muerte parece vencernos y sale airosa de cualquier problema ante la vida, así es el mexicano, olvida su propio oxígeno, su vida misma.

 Disimulamos nuestro miedo, nuestra renuencia a lo indomable, renunciamos a lo inaudito. ¿No se supone que la historia la historia la construimos nosotros? Somos el principio del tabique, y a la vez pertenecemos a la obra construida. La fortaleza de esta, se ve enriquecida en nuestra transparencia y solidaridad con las raíces de nacimiento, con ese vínculo cautivo y potencial ante la vida y el sueño.

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Crédito:Tumblr.

 El principio de la semejanza, nace debajo del de soledad. El laberinto de la soledad, sombrío quieto y desorbitante, que envuelve la agonía con la magia de los días, se muestran las máscaras y parece, que ya todo lo hemos visto, y cuando alguien  se quita el antifaz, queda expuesta su desnudez y no aceptamos ese hecho. Entonces, ¿Preferimos vivir en la mentira? La historia lo ha demostrado y nos gusta vivir en las tinieblas, donde nadie nos vea, porque si nos reconocen bajo nuestra autonomía, parece ser que tendremos que vivir en el exilio para siempre.

 Los excesos y escapes, parecen ser la combinación perfecta para olvidar la pena de lidiar con el olvido de un pueblo que clama lucha y reivindicación y no sólo dependencia. La sumisión hacia otro estilo de vida, nos lleva a la perdición misma de nuestra cultura; déjame de ser para volvernos parte de –contradicción fuerte y real–.

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Crédito:Tumblr.

“Oscilamos entre la entrega y la reserva, entre el grito y el silencio, entre la fiesta y el velorio, sin entregarnos jamás. Nuestra impasibilidad recubre la vida con la máscara de la muerte; nuestro grito desgarra esa máscara y sube al cielo hasta distenderse, romperse y caer como derrota y silencio.Por ambos caminos el mexicano se cierra al mundo: A la vida y a la muerte.”

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Crédito:Tumblr.

 Estamos muertos en vida, somos testigos de nuestra masacre y lo seguimos permitiendo desde que se nos impongan estereotipos que sólo degradan la imagen del ser humano. Se nos unen tabúes, prejuicios y juicios de valor, que no nos permiten tener un objetivo claro sobre lo que somos como mexicanos, no como vínculo entre naciones.

 Somos la descendencia de un pueblo aguerrido, que luchó hasta el último momento con un sinfín de impedimentos por querer quebrar el mundo de hostilidad.

Originally posted 2014-10-02 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

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Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

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Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

Originally posted 2014-12-31 13:58:58. Republished by Blog Post Promoter

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Fred Perry 60 aniversario

La legendaria marca británica celebra su cumpleaños número 60 invitando a sus más distinguidos seguidores (entre los que se encuentran músicos, diseñadores, influyentes de la moda y el deporte) a intervernir la clásica polo blanca de la manera que quieran. Desde una felicitación escrita en la misma prenda, hasta una customización completa para finalmente exhibir las 25 colaboraciones como una instalación el 26 de Enero en la boutique Dover Street Market de Londres para posteriormente viajar a  I.T Beijing Market en Marzo y cerrar en Dover Street Market Ginza en Abril. Después de esta pequeña gira, las playeras serán subastadas para donar lo acumulado a la fundación de Amy Winehouse.

Por: Anton Wirjono.   DJ- Indonesia

Asylum  Compañía creativa- Singapur

Bombshelter Agencia Creativa- Malasia

Beams Boutique- Japón

Bora Aksu Diseñadorade Modas- Reino Unido

Christopher Raeburn Diseñador de Moda- Reino Unido

Colette Concept Store -Francia

David David Diseñador de estampado- Reino Unido

Hiroko Takahashi Artista- Japón

Eko Nugroho Artista- Indonesia

i-D Magazine Revista- Reino Unido

Chequen el micrositio creado especialmente por el aniversario de la marca, ahí podrán ver la galería completa de playeras.

 

 

Originally posted 2013-01-04 19:45:10. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

Originally posted 2014-09-11 10:08:22. Republished by Blog Post Promoter

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Originally posted 2013-08-14 15:38:49. Republished by Blog Post Promoter

No me dejes nunca, un concepto diferente de la novela gráfica

Del caricaturista noruego
No me dejes nunca. Jason

Con la película de Woody Allen,  Midnight in Paris (2011), se recordó al París de los años 20 con sus artistas bohemios sumergidos en tabernas y fiestas. Esta misma época sirvió como escenario para el cómic del cartonista noruego Jason (John Arne Sæterøy), No me dejes nunca (2006), protagonizada por Ernst Hemingway, Scott Fitzgerald, Ezra Pound y James Joyce.

Representados como animales antropomorfos, los personajes principales, en vez de ser escritores, se dedican a dibujar tebeos. Cada uno vive sus dificultades, desde carencias económicas y problemas conyugales, hasta el deseo por ser genios reconocidos. Serán estas peripecias las que los lleven a robar un banco en conjunto. Sin embargo, un error inesperado los separará por el resto de la historia, dejando a cada uno en su propia versión del suceso.

Como toda la obra de Jason, No me dejes nunca se caracteriza por su minimalismo en tanto dibujo como diálogos, pero el ritmo, aunque pausado, ayuda al desarrollo de una lectura rápida y entretenida por su precisión. Nada falta, nada sobra. Las historias son redondas, los personajes definen su carácter en pocas escenas. Una constante melancolía, un humor sarcástico y una perenne soledad se asoman entre cada viñeta.

El trabajo de Jason es recomendado para quienes desean encontrar otra cara en las novelas gráficas distinta los héroes clásicos de DC o Marvel. Es en la pluma del artista noruego donde reside esta nueva opción de lectura, donde el heroísmo no es para quienes salvan la vida de otros, sino la propia.

Jason recibió el premio Eisner por No me dejes nunca, el cual es considerado como el Oscar de los cómics. Dicho premio le sería otorgado también en 2008 por Yo maté a Adolf Hitler. Comenzó su carrera como caricaturista en la revista Konk en 1981, en 1995 publica su primera novela gráfica Bolsillo lleno de lluvia. Su último trabajo fue Athos en América.

Viñetas de No me dejenuncas
Viñetas de No me dejes nunca

Originally posted 2013-05-30 10:48:43. Republished by Blog Post Promoter

La sencillez no siempre es lo como la pintan: Hilary Fayle y su tejido en hojas

Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.

A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o  inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.

 El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.

 El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.

 Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.

 Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear  objetos  que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA.  Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?

 Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.

Crédito: Hilary Fayle

 Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.

 Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.

 Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante  y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.

Crédito: Hilary Fayle

 Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.

Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.

Originally posted 2014-09-10 16:13:53. Republished by Blog Post Promoter

Sonrisa tatuada: Tateeth

tatuajesinsolitos-bajaMarcar la piel ha pasado a otro término, lo de hoy son los tateeh, o mejor dicho tatuajes dentales, sí, tatuajes dentales que han venido a volver locos a los dentistas y cualquier aficionado con la limpieza bucal. Pero relájate, tus bellas piezas dentales no sufrirán ningún daño, al contrario, el furor por estar a la moda promete dejar tu esmalte intacto a cambio de una buena cantidad de dinero.

 Aunque no lo creas esta moda ya tiene sus añitos, de hecho comenzó en Japón con unas chicas que adornaban sus dientes con el mismo diseño de su manicura, sin embargo, no tardo tiempo en llegar a Inglaterra y Estados Unidos, en donde lleva más de diez años.

dental tatoos 1 Entre los diseños más demandados se encuentran las caras de Amy Winehouse, David Beckham, Tiger Woods y la reina Elizabeth, aunque también se aprecian caricaturas, dibujos animados, caras de ex presidentes, imágenes de Jesucristo o siglas.

 Y si eres de aquellos curiosos que quieren experimentar esta no tan nueva forma artística de tatuajes es importante que sepas lo siguiente: hay dos tipos de tatuajes para los dientes, temporales y permanentes, ambos seguros para no dañar el esmalte de cualquiera sea el diente que elijas.

 Los temporales, como su nombre lo indica son de quita y pon. La imagen se imprime en finas laminas que se adhieren al diente con resina biocompatible, la cual permite que dure días e incluso semanas.

 Los permanentes tienen diferentes duraciones, depende el material sobre el que se haga, por ejemplo, si es sobre una carrilla dura de 10 a 15 años, si es sobre una funda, traerás el chistecito unos 20 años. Esto siempre y cuando el proceso de impresión y colocación sea adecuado, ya que así no tendrás el pendiente de la humedad de la boca o qué pasará si te cepillas muy fuerte. Para que esto dure tanto tiempo la funda o carrilla se debe hornear a más de 200 grados.

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 Y bueno, la pregunta obligada es… ¿cuánto cuesta? Como seguramente ya imaginaste, estos lujos no se los pueden dar todos, pero si te pones a ahorrar podrás pagar un temporal desde 150 euros, o un permanente que va desde 50 a 150 euros, dependiendo el material que se utilice, implante, funda o carrilla.

Otras modas dentales

Recuerda que la moda dental es antigua, y que mientras más caro mejor. Por ello no podemos pasar por alto los Grills Dentales, sí, esas placas de plata u oro con diamantes o cualquier piedra preciosa que se atraviese en el camino de su dueño. Y claro también los piercings bucales, que bueno… nada que ver pero también entran en esta categoría.

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Originally posted 2014-12-18 11:19:14. Republished by Blog Post Promoter

El garabato que anunció una ausencia y un éxito

@LarinaGrintPop

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Cumpleaños 106 de Gabriel Figueroa

Cuando uno está muy acostumbrado a permanecer en su oficina, resulta extraña y divertida la posibilidad de ausentarse del trabajo para despejarse por un momento; sin embargo, nunca se sabe lo que puede pasar cuando a alguien se le ocurre avisar que no asistirá a laborar, pues una simple falta puede convertirse en la idea creativa que ayude a una empresa a incrementar su popularidad y, por qué no, su rentabilidad.

Cumpleaños 96 de Ella Fitzergalds
Cumpleaños 96 de Ella Fitzergalds

Tal fue el caso de Larry Page y Segey Brin, los fundadores del buscador de información en línea Google, quienes en 1999 decidieron abandonar su sitio de trabajo para asistir al festival Burning Man, celebrado en Estados Unidos, el cual promueve, entre otras cosas, el arte y el cuidado del medio ambiente. Ellos decidieron informar su ausencia a los usuarios de la página web por medio de un hombresillo azul que hizo aparición detrás de una de las letras “O” del ya tan famoso logotipo.

Drácula
Drácula

A partir de esta ocurrencia, que le resultó muy simpática al público, se creó una serie de diseños que mezclan el logotipo original con algún motivo festivo o, recientemente, animaciones, mini juegos y videos conmemorativos de algún acontecimiento histórico o del aniversario de personajes relevantes en ámbitos científico y artístico. Estas modificaciones a la página principal del buscador se han denominado doodles, traducido al español como garabatos, y hoy en día constituyen parte importante de la imagen corporativa de Google, al grado de haber recibido una patente del concepto por parte de la Oficina de Patentes y Marcas Registradas de Estados Unidos (USPTO).

Aniversario 200 de los Cuentos de los Hermanos Grimm
Aniversario 200 de los Cuentos de los Hermanos Grimm

En el año 2000, la toma de la Bastilla inauguró oficialmente los doodles, desde entonces éstos se han convertido en una forma célebre y casi obligada de rendir homenaje a casi todo, lo cual inspira a miles de usuarios a nivel internacional a entrar al buscador por la simple curiosidad de sorprenderse con un nuevo diseño o de pasar un rato ameno con la imagen interactiva del día.

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Cumpleaños 129 de Charles Baudelaire

Además de conseguir visitas extra para Google y entretener al público, los doodles han contribuido al desarrollo de la creatividad de quienes navegan en la red, pues a pesar de que los más de 1,000 garabatos que hay hasta la fecha han sido elaborados  por Dennis Hwang, web master del sitio, la empresa ha lanzado convocatorias para que sus usuarios propongan temáticas para diseños posteriores y, además, para que los niños envíen sus propios dibujos, esto último como parte del concurso Doodle for Google. Esta interactividad ofrecida por la empresa es posible mediante la dirección de correo electrónico proposals@google.com

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Cumpleaños 150 de Henry Van de Veldes

Todo lo anterior es una muestra de hasta dónde puede llegar la creatividad aplicada a un hecho tan simple como el faltar a la oficina, de ello pueden resultar creaciones que inspiren a todo el mundo a echar a volar la imaginación y expresar sus ideas por medio de imágenes. Pero, así como hay personas que se han atrevido a dibujar a partir de este fenómeno, Google ha garabateado su propia perspectiva de grandes personalidades involucradas con el arte, a continuación se presentan algunos de los más destacados.

 

Originally posted 2013-05-02 12:54:22. Republished by Blog Post Promoter

Les Adieux

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Les Adieux.

He pensado incontables ocasiones acerca de las despedidas.
De tanto escudriñar llegué a una conclusión;
Ellas con su manto son idénticas a la naturaleza.
Habitan entre nubladas estepas, otras empapadas con frialdad ártica, llana y raquítica envuelven la irrepetible despedida,
las hay teñidas de color desierto, áridas y mudas,
incluso llegan a ser coléricos discursos donde lo incineramos todo,
sin embargo para otros se contemplan como alboradas,
siendo solemnes ceremonias de proporciones primaverales,
semejantes a brotes de Nardos, incesantes bríos multiplicados incansablemente durante el día y la noche.

 Yo,
las he vivido en todos sus aromas existentes,
han sido compañeras maltrechas,
otras frutos inconclusos,
algunas más coléricas que otras salpicaron mí pasado,
escupiendo una voz tempestivamente grotesca hirieron al remanente que nos queda y al cual llamamos recuerdo,  yo, tú  y algunos otros llevamos la memoria entre puñales.

Parecíamos inseparables ellas conmigo, yo con ellas,
hasta que reconocí ésas que alimentan al alma y no al remordimiento,
son ellas las ceremonias desbordadas  entre tonalidades de Abril semejantes a semillas ya germinadas.

Reconozco que:
Acerca de las inconclusas y sus tormentos,
Son ellas como un choque en el rompeolas, trance repetitivo vaivén nutrido de un frenesí doliente entre rocas.
Que con cada golpe viene una erosión irreparable.
voy plomizo ante tanta andanza y desencanto,
intento esconderme de ellas;
ya sea detrás de un inquieto arbusto, detrás de todo un continente,
sin duda,
ellas,
las despedidas siempre me encuentran y pienso:
–Todo son lecciones pues un río no canta sin su eco, yo de día/noche siempre camino con mi sombra; y aquel desolado eco de montaña no es mudo pues alimenta a todas las Araucanias, a las floridas Retamas sin llegar a olvidar al espinoso Cardo–

Así me ha sucedido,
Todos los cantos de Ceremonias me han encontrado,
me perforan,
me llegan,
me acusan,
me habitan,
las acepto y conservo en mi rincón Pardo
Al ellas desenterrarme nace una sonrisa llena de pureza, voy en plenitud despierta de todos mis sentidos,
¡destellantes!
apuntando siempre al azul cielo.
Tales ceremonias me transforman,
son la sal del océano,
el fruto del árbol,
la sangre en la herida.
Para mis ojos, somos inseparables.
Las despedidas alimento que permite seguir caminando,observando…
Meditabundo voy,
Pareciese que mi vida por momentos sólo se convierte en desprendimientos,
Ser un testigo vivencial de mi propio  desmembramiento,
tan parecida a la naturaleza misma con ojos de estruendo al observarnos,
Ella madre creadora atestiguando nuestros  lánguidos y cíclicos infortunios pues quien a muletas se traslada lleva aquel punzante peso de la herencia.
Por largos lapsos así pareciese nos embarcamos, navegamos sin mástil ni direcciones.
Confirmo que no solo de dolor se habla, existen tantas glorias pasajeras e ínfimos frutos de felicidad, aprendamos pues que:
–Ningún llanto es eterno y el desprendimiento es el síntoma vital de la naturaleza–
Ella, se fortalece en silencio,
¡lo mismo comienzo a practicar yo!
que en tantas ocasiones
he callado, tantas otras enardecí como tormenta,
sigo aprendiendo el arte de vivir, mi deseo es conquistar mí propia cumbre
Aun me falta toda otra vida para lograrlo
ya que mi montaña es tan escarpada como la cordillera andina.
Agradezco que viva esta ceremonia, este adiós pasajero, pues sin él jamás nos hubiésemos encontrado, mil gracias al inamovible pasado, a mis muertos y a los que renacieron.
Allí donde esté mi vuelo también tendrán un nido en el cual reposar apaciblemente.
Me llevo su fortaleza y su comunión,
Toda mi gratitud
Todas mi sonrisas… todos mis silencios para ustedes.

 

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Ilustraciones por: Diáfana & Niña Arbol

Originally posted 2015-03-19 11:21:02. Republished by Blog Post Promoter

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Originally posted 2014-10-20 09:00:58. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Originally posted 2014-08-28 14:41:43. Republished by Blog Post Promoter

Toro y Moi ilustra el sonido

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Uno de los artistas con más facetas es Chaz Bundick mejor conocido como Toro y Moi, un músico que en muy poco tiempo ha sabido sobresalir por su música y ahora también con sus ilustraciones.

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Con el lanzamiento de su tercera producción “Anything in return”, Chaz paralelamente también presentó dos exhibiciones de su trabajo gráfico en unas galerías de arte en Nueva York y San Francisco para las que seleccionó 15 dibujos acompañados con unos audífonos que reproducen una pieza auditiva creada especialmente para complementar esa ilustración con el fin de hacer de ésta una experiencia audiovisual muy interesante.

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Estos dibujos en específico no tienen relación directa con el arte de su nuevo disco, pues ésta en sí, es una actividad independiente que a veces se vincula a su carrera musical por medio de las portadas de sus discos que el mismo ha elaborado. Sin duda un chico eclético que no deja de sorprender en cada una de sus facetas.

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Originally posted 2013-01-11 23:00:53. Republished by Blog Post Promoter

Artes Visuales+Real del Monte

El arte no es la expresión de algo en tu interior que se externaliza, no es la imitación de una realidad (subjetiva u objetiva). Es un modelo, un mapa que delimita, crea, un territorio que no existía antes. Es algo externo -formas, colores, sonidos- que nos seduce y nos posibilita crear (algo que podemos llamar) un interior. Un espacio interior que luego pensamos siempre estaba ahí; lo que entendemos como nuestra identidad. El arte es un punto de encuentro entre lo social y lo individual, un punto donde ambos se forman mutuamente en un baile a veces tiernos, a veces violentos. Es un punto que en un mapa se podría señalar con una “X

Con este prólogo, el  artista ingles  Jonh Lundberg  invita a una de las exhibiciones más interesantes en el escena del arte mexicano : X Aniversario.

Esta exposición surge como una celebración por los excelentes resultados de  apostar por el arte e impulsar la creación de  licenciaturas especializadas, como la Licenciatura en Artes Visuales,  que desde el 2002, se imparte en el Instituto de Artes ubicado en el pueblo mágico de Real del Monte.

Esta muestra es, sin duda, un acercamiento al basto trabajo  tanto  de académicos como alumnos. A través de distintas técnicas como son: acrílico, dibujo digital , óleo, fotografía, vídeo, entre muchas otras, nos otorgan  un panorama del talento, la creatividad y pasión existente en los  jóvenes hidalguenses.

“Sigo aquí”/Fernando Espinoza García/Video 2012

“Mis sueños no caben en las urnas”/Dulce Hernández /Fotografía digital.2012

X Aniversario es una exposición natural que  logra envolver con el espectador con temas de relevantes en contexto nacional. A su vez, es una muestra contundente de la importancia de invertir en el arte, con fin que cada día, más jóvenes mexicanos pueda desarrollar su talento.

 

“De clase humana”/Raul Caudillo/Impresión de inyección de tinta.2012

X Aniversario se encuentra en Cuartel del Arte, Plaza Aniceto Ortega, Ex-convento de San Francisco s/n col. Centro, Pachuca. Martes a Sábado de 11:00 a 18:00 horas y Domingo de 11:00 a 15:00 horas

Entrada Libre

 

Originally posted 2013-01-24 18:40:38. Republished by Blog Post Promoter

Tutorial de fusión de imágenes por The Art Boulevard

El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo. 

Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.

Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles  (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.

Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño  (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.

Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.

Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.

También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.

Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.

Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:

– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.

– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.

Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.

A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.

¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.

Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.

Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.

Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.

Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.

Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.

Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.

Para consultar más tutoriales, da click aquí.

Originally posted 2013-08-29 17:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

Ana Fantasma presenta Hello Kitten

Ana Fantasma (Ana García. México, 1991. Estudiante de artes visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas) se presenta en Pandora’s Box Gallery, espacio de arte en el Film Club Café; el próximo sábado 26 de octubre. HELLO KITTEN exhibe los dibujos originales de una serie de fanzines que tratan la evolución progresiva de gatos en humanos, y que exploran las posibilidades de la reproducción con impresión digital. El objetivo de exponer las piezas originales de un proyecto que fue específicamente pensado para ser reproducido, es hacer notar las cualidades del dibujo y cómo estas no se pierden con la reproducción sino que la incluyen y aprovechan para darle mayor impacto.

Inauguración: 26 de octubre de 2013, 21 hrs.
Banda invitada: Jean Loup (facebook.com/jeanloupoficial)
Hasta el 30 de octubre de 2013
Film Club Café. Blvd. Manuel Ávila Camacho #1695, sótano. Fracc. La Florida.
Naucalpan, Estado de México.

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Originally posted 2013-10-23 12:48:50. Republished by Blog Post Promoter

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Originally posted 2014-12-01 10:48:33. Republished by Blog Post Promoter

Niño Pelado: una forma diferente de diseñar

“Si no amas y te divierte lo que haces, tienes un trabajo y no una pasión. Y la pasión es la que marca la diferencia”.

296143_466337376778864_423988522_nNiño pelado es  un diseñador gráfico, ilustrador y escenógrafo, conocido en sus inicios  como “el chavo de las cajitas”. Hace alrededor de 6 años que inició su proyecto  que actualmente se ha dado a conocer por su interpretación creativa de personajes plasmados en PLUSH TOYS (muñecos de tela).

Desde chico siempre fue inquieto, toda la vida ha dibujado personajes. Sobre ello nos comenta “dibujo en cualquier lugar donde me es posible, considerando que en todos lados, siempre hay un personaje que es digno de ilustrar, ya que genera en ti sentimientos como alegría, recuerdo y admiración.”

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Sus primeros diseños los comercializaba a través de personajes creados en cartón para recortar y armar. Los luchadores fue la primer línea que se diseñó, “poco a poco nos dimos cuenta de que  los muñecos de papel, no eran lo suficientemente resistentes con el tiempo, haciendo una inmensa cantidad de pruebas en diferentes sustratos, llegamos al producto final, MUÑECOS DE TELA.”

Estos han sido los productos que  han abierto las puertas para el crecimiento de la marca Niño Pelado, ya que es un material que no se maltrata y su durabilidad y originalidad han hecho que los consumidores coleccionen los 170 diseños que conforman la marca.

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La idea de Niño Pelado es crear y dar vida a personajes mediante productos originales que alivianarán el día a día de todo su público, con finalidad de brindar un poco de humor y sorpresa.

Uno de los elementos imprescindibles en el trabajo de Niño Pelado es la buena vibra que se transmite mediante sus productos, es que tengan algún sentimiento, recuerdo o emoción.

 El crecimiento de la marca ha sido muy rápido, ya que han sido apoyados enormemente en Facebook y Twitter, el trabajo de Niño Pelado, se ha dado conocer en muchas partes del país y del mundo, permitiendo llevar piezas a países como EUA, España, Colombia, entre otros.

Originally posted 2013-08-15 11:34:48. Republished by Blog Post Promoter

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Originally posted 2014-08-14 11:40:07. Republished by Blog Post Promoter

MoMA hará homenaje a Magritte

El Museo de Arte Moderno (MoMA) no pierde la oportunidad de brindar honor a quien honor merece. A partir de septiembre René Magritte, gran pintor surrealista,  será homenajeado con una gran muestra de sus obras icónicas. La exhibición “Magritte: The Mistery of the Ordinary” recorrerá de 1926 a 1938, años en los que Magritte se consolidó como un pintor que desafiaba la realidad. La muestra estará formada por más de 80 obras entre las que se encuentran pinturas, collages, objetos, fotografías, revistas e incluso, algunos de los primeros trabajos del pintor con el fin de proveer a los espectadores material para analizar sus técnicas, motivos y, por supuesto, su contexto.

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Las instituciones que la organizan son la Menil Collection de Houston y el Art Institute de Chicago. Por lo que posteriormente, la muestra viajará a la Menil Collection de Houston (del 14 de febrero al 1 de junio de 2014) y al Art Institute of Chicago (del 29 de junio al 12 de octubre de 2014). magritte_pipeCon información de Hoyesarte.com

Originally posted 2013-01-07 23:49:11. Republished by Blog Post Promoter

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

Originally posted 2014-10-27 10:28:25. Republished by Blog Post Promoter

La animación 2D y el por qué debe quedarse

Uno de los primeros tipos de animación, y quizá el más conocido, es la animación en segunda dimensión. Las famosas “caricaturas” nos han acompañado desde siempre volviéndose el clásico referente de lo que a este arte se refiere. Desde aquel Mickey Mouse navegando en su pequeño barco de vapor en blanco y negro, hasta el detallado y proporcionado estilo del animé, la animación 2D es un agasajo visual, una maravilla que, desafortunadamente, parece estar a punto de desaparecer.

 

La animación (como se mencionó en la entrega anterior) se trata de múltiples imágenes que, al ser vistas de forma rápida y consecutiva, crean la ilusión del movimiento. Una buena animación 2D requiere no sólo de cierta habilidad para el dibujo, sino de una enorme dedicación y paciencia. Cada dibujo debe estar tan detallado como el anterior y los cambios que sufre para crear movimiento son mínimos. Contrario a la animación 3D, Stop Motion y Motion Capture, en esta categoría es preciso re-dibujar absolutamente todo, y puede que este sea el motivo por el que a muchos ya no les agrada llevarla a cabo.

Pero todo depende de los gustos del artista. La enorme cantidad de trabajo durante el proceso de animación es un elemento que le baja el ánimo a cualquiera, pero ciertamente una gran ventaja es que el 2D puede facilitar el proceso y darle al animador más control sobre el movimiento que se está creando. Claro que tampoco es obligatorio hacerla. Habiendo diversas formas de animar, uno puede elegir la que más le acomode.

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El punto aquí es la preocupación que a algunos animadores ha causado la llegada de la tecnología. La animación es un medio digital y sin los avances técnicos no se podría llevar a cabo, en ningún momento se busca criticar dichos avances. Hay enorme belleza en la animación más avanzada, sin embargo recordemos que siempre vale la pena no olvidar lo clásico.

Los dibujos animados no sólo pueden mostrarnos tanta majestad como la vida misma, un paisaje puede verse tan hermoso como uno real. Además, logra que la estética de un personaje de mal aspecto sea tierno y agradable, como fue el caso del Jorobado de Notre Dame de Disney. Y ya para terminar y aprovechando que se mencionó este estudio, siempre se pueden hacer pequeñas “trampitas” para reducir el trabajo. Les compartimos un video donde se puede apreciar como este famosísimo estudio pudo reciclar secuencias y ahorrarse muchas horas laborales.

Nos emociona ver cada día animaciones más impactantes, más detalladas y realistas. Esperamos que siga avanzando y sorprendiéndonos, pero eso no significa olvidar la escuela antigua. A pesar de los años, aún tiene mucho por enseñar.

Originally posted 2013-11-04 14:49:38. Republished by Blog Post Promoter

Bernhard Willhelm Lookbook SS13

Por Knuxx

@knuxxvomica

Uno de los diseñadores favoritos de este año, Bernhard Willhelm, presentó hace unas semanas el lookbook de su colección primavera/verano 2013: gifs animados e imágenes intervenidas que fueron el resultado del trabajo en conjunto del diseñador brasileño y animador en 3D Geoffrey Lillemon.

Una forma diferente e irreverente de plasmar el trabajo que presentó en el Fashion Week de París, donde prendas estampadas y con cortes irregulares y asimétricos fueron las protagonistas principales. Un styling original y una gran dirección creativa.

Les dejamos las imágenes del lookbook y las del making of. Para conocer más visiten: http://www.bernhard-willhelm.com

 

BW SS13

BW SS13

Director + 3D Animation : Geoffrey Lillemon | Photography : Petrovsky&Ramone | Styling : Niki Pauls | Production : Valtteri Laihanen, Random Studio | Interactive : Hugo Dechesne, Random Studio.

 

 

Originally posted 2012-11-06 18:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Originally posted 2014-07-31 10:51:24. Republished by Blog Post Promoter

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

Originally posted 2014-10-01 14:27:48. Republished by Blog Post Promoter

Rodaje 671 en Querétaro.

El pasado Viernes 09 de Agosto del presente año, el grupo de comunicación C671 de la Universidad de León, plantel Querétaro se dispuso a iniciar el rodaje de un cortometraje llamado “Despierto por un amigo”, esto como parte del proyecto final de la materia de Producción Televisiva, cabe mencionar que dicho proyecto se comenzó semanas antes con la pre-producción, es decir, la creación del guión tanto literario como técnico, búsqueda de talentos, arreglo de horarios, distribución de puestos, planeación de locaciones, entre otras actividades.

El Jueves 08 de Agosto, primer día de grabación, se comenzaron a realizar las tomas de las primeras escenas, las cuales se llevaron a cabo sin problema alguno, exceptuando que durante la grabación de una escena en exterior, para ser exactos, en un parque, comenzó a llover y las cosas se tuvieron que realizar de una manera más ágil con el objetivo de que la cámara no sufriera daño alguno.

El Viernes 08 de Agosto, segundo y último día de grabación, se realizaron diversas tomas en diferentes lugares, el primer espacio utilizado fue la misma universidad de los estudiantes de la carrera de comunicación; Para esto, los protagonistas del cortometraje, Fernando Gutiérrez y Monse Rivas llegaron a la locación en punto de las 12:00 pm para comenzar a grabar las escenas correspondientes, terminando dichas tomas, se dirigieron a la siguiente locación que era la casa de una chica del mismo grupo, ahí es en donde probablemente se encontraron con las primeras grandes dificultades, la iluminación era un poco complicada debido a que el guión marcaba que la escena era de noche y en realidad se estaba grabando en un caluroso día aproximadamente a las 2:00 pm. Después de un par de horas las escenas destinadas para dicho lugar quedaron listas y fue momento de trasladarse nuevamente para continuar con la grabación.

En el último espacio es en donde se grabarían la mayor cantidad de escenas, además de ser las más difíciles, por lo mismo antes de comenzar tanto con arreglo de escenografía como cambio de vestuario, maquillaje y demás se decidió dar un break para comer y recuperar energías, posteriormente se hicieron los arreglos necesarios para así poder continuar con el rodaje que duró unas cuantas horas más, alrededor de las 21:00 hrs todo el equipo tenía una severa fatiga, sin embargo eso no impidió que cada quien siguiera realizando sus actividades correspondientes.

Finalmente, después de más de 12 horas de arduo trabajo se dio por terminada la grabación con comentarios como el siguiente:

“La experiencia que me quedó de las más de 12 horas de grabación fue que en equipo todo se realiza más rápido y de mejor manera.

El grupo se unió para llegar a un fin, y los extras fueron muy acomedidos al hacer más que su trabajo y ayudar a componer la escenografía entre otras tareas del staff.

La grabación fue extenuante, como tuvo sus momentos de risa, también tuvo sus momentos de frustración en los cuales ya todos queríamos terminar e irnos a casa.

Creo que trabajando en equipo, todo se puede lograr, ya que varias cabezas piensan mejor que una y eso se notó gracias a que cada quien desempeñó su trabajo, ya fuera como staff, extra, director, productor o siendo parte del departamento de arte.”  -Diana Gutiérrez, Departamento de Arte.

Originally posted 2013-08-12 18:05:17. Republished by Blog Post Promoter

Licor de Lete

Licor de Lete, ¿Una canción? ¿Una banda musical? ¿Una bebida? Un título así puede ser interpretado de mil y un maneras, sin embargo en este caso nos referimos a una extraordinaria puesta en escena a la cual asistimos el pasado Sábado 21 de Septiembre del año en curso.

“En Licor del Lete, una especie de Thriller, varios personajes mitológicos coinciden en el bar de Tiresias, en el contexto de un conflicto bélico estilo siglo XX. Sísifo, el más astuto de todos los hombres, ha escapado del Hades llevándose consigo un poco de las aguas del olvido mientras que Proteido, quien posee la habilidad de transformase en otros, tiene el encargo de recuperarlas; ambos coinciden en el bar de Tiresias, el famoso adivino ciego de Tebas quien duda entre beber esas aguas o confrontar su destino.

El objetivo de la obra teatral consiste en escenificar una resignificación de algunos mitos griegos, en un contexto más cercano: una guerra que lo consume todo. Se trata de un juego de apariencias y confusiones, de ideales traicionados y deseos insatisfechos donde el olvido, que causa beber el Licor del Lete, parece ser la única respuesta para los sobrevivientes de este apocalipsis.”

Como se menciona anteriormente, esta es una obra basada en la mitología griega pero llevada a la época actual, aspecto que realmente valoramos por el hecho de que muchas de las personas, ya sean jóvenes o adultos, suelen quejarse de que el teatro y/o la historia siempre resultan un tema aburrido, es por eso que el grupo teatral Imaginartes decide salir de la cotidianidad y hacer las cosas diferentes e innovadoras, comparadas con el resto de muchos trabajos actuales.

La historia se desarrolla en un lugar pequeño, lo cual por ningún motivo es impedimento para que los actores saquen a relucir su talento y dejen al público con un excelente sabor de boca, ya que los personajes tienen constante interacción con el público, además de tenerlos siempre a la expectativa de que en cualquier momento algo interesante sucederá.

Licor de Lete o el caso de las aguas del olvido, dirigida por Francisco Tabris Berges en co-dirección con Rodrigo Canchola nos transportará a un lugar totalmente diferente en el que cada hecho, cada acción, cada movimiento y cada personaje nos sorprenderá minuto a minuto.

En Chulavista Art House A.C. una vez más nos enorgullece saber que aún existe teatro de calidad y personas que saben apreciarlo, personas por las cuales este grandioso arte sigue con vida.

Originally posted 2013-09-23 14:39:20. Republished by Blog Post Promoter

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Originally posted 2013-08-19 12:32:06. Republished by Blog Post Promoter

Carnaval Bahidorá 2015

Poco a poco hemos visto que el próximo año estará lleno de eventos que nos harán bailar, cantar y querer cada vez más, y a ello se le suma el Carnaval Bahidorá que se llevará a cabo los próximos 21 y 22 de febrero en Las Estacas, Morelos.x

 Bahidorá es una puesta colectiva que se dedica a explorar territorios desconocidos para vivir una experiencia mágica dentro de un entorno natural y fantástico. En compañía de músicos, artistas multimedia, arquitectos, escenografías, actividades de sustentabilidad, ofertas gastronómicas, talleres, cursos y más, los asistentes y colaboradores podrán desenvolverse de manera creativa durante todo el evento.

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Para esta edición, Bahidorá trae más actividades y servicios que permitirán que la experiencia sea inolvidable. Un nuevo escenario, una lista diversa de músicos, así como nuevas secciones del parque para descubrir aquellos espacios que la naturaleza tiene listos para todos. Lo que le da un plus increíble es que ahora el 85% de los asistentes podrá acampar y así disfrutar por completo esta experiencia sin salir de Las Estacas.

Las Estacas es un parque acuático que pertenece a la reserva ecológica estatal de Sierra de Montenegro, sitio paradisíaco donde brota el río Yautepec, con agua cristalina de un asombroso color. El lugar perfecto para esta gran puesta en escena.

Para más información y compra de boletos, consulta aquí

Originally posted 2014-12-01 08:53:18. Republished by Blog Post Promoter

Gotas de lluvia que imprimen arte

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En un muro de ladrillos de una sinagoga abandonada en Hartford, Connecticut, Estados Unidos, se puede ver la pintura de un roble gigante que puede ser visto únicamente con la lluvia, pues el sol lo desvanece.

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El artista que llevó a cabo este proyecto es Adam Niklewicz. El proyecto fue terminado el pasado mes de octubre. El  árbol está instalado en lo que el artista llama un “muro activado con el agua”, pues la ilustración del mismo aparece cuando se moja y desaparece cuando se seca.

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El Roble es símbolo de la independencia de Estados Unidos. Niklewicz se inspiró en la pintura “The Charter Oak” de Charles DeWolf Brownell.

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Niklewicz dice que el arte urbano debe estar formado por los elementos urbanos  pero ser enriquecidos para deleitar a todos los espectadores, por ello en esta obra busca no sólo la apreciación visual sino un significado: el contexto histórico.

Más sobre el artista en su sitio: Adam Niklewicz.

Originally posted 2013-01-09 22:15:33. Republished by Blog Post Promoter

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Originally posted 2014-11-01 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

Con el antojo de las emociones: La literatura depresiva


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Crédito: Sin dominio.

Un trampolín emocional es el que nos sujeta constantemente. Muchas preguntas pasan por nuestra mente: ¿por qué estoy aquí? ¿cuál es mi papel ante la vida?, y las respuestas podrían parecer vagas, pero realmente demuestran el compromiso consigo mismo. Estoy aquí para cumplir mis propios objetivos, estoy aquí porque quiero ser, estoy aquí porque vivo de mis emociones. Y mi papel ante la vida, es ser un ente separado y a la vez, parte de un conjunto de aspectos simbióticos.

 La literatura –que invade el sentimiento depresivo-, está cargada de distintos matices que le permiten al lector adoptar una serie de formas de visualizar ciertos escenarios posibles, en donde suele ser el protagonista de la obra, su propio ser, su infestado lobo estepario. Navega por la depresión, y luego el vuelco parece ser nauseabundo, cuando la magia de la vida parece conmocionar a la mente: Sorpresa de pocos, pesadez de muchos. ¡Malditos eufemismos!, parecen acecharnos constantemente a los depresivos.

 Hermann Hesse, Jean Paul Sartre, Fiódor Dostoyevski, Friedrich Nietzsche son autores que reflejan el síntoma neurótico y maniaco de una sociedad perdida en sus propias difamaciones, en su caída abrupta hacia el delirio mental, así como en su sentido de persecución más falaz. Líderes del temor y el horror, como Harry Haller, Pablo Ibbieta, Raskólnikov –por mencionar algunos– , participan como la huella de lo recóndito y lo transversal del ser humano, componen la yuxtaposición emocional entre el bien y el mal –subjetivamente hablando–  y tratan la ironía con el sarcasmo, de una forma mediática inigualable.

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Crédito:Behance.

“Nosotros nos representamos siempre la eternidad como una idea que no podemos comprender, ¡Inmensa, inmensa! Pero, ¿Por qué ha de ser así necesariamente? Pues en lugar de eso, imagínese una habitación pequeña, como quien dice un cuarto de baño, ennegrecido por el humo, con telarañas por todos los rincones, y he ahí toda la eternidad. Mire usted, yo me la imagino así algunas veces.”

– Fiodor Dostoyevski, Crimen y Castigo

 Todos los rincones del alma, se marcan de apetencias y extravagancias, mientras que el pensamiento se desquebraja por el equívoco social e imperante tan demandante, que causa una jaqueca neurótica por un lapso de tiempo mayor a lo que tu cuerpo pudiera pensarlo como prudente.

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Crédito:Nudos narrativos.

 “Entrada sólo para locos”. Y mientras el funesto pensamiento tarda en volverse demagogia, nuestro hábito al ocio deprimente, abunda entre las letras y reflexiones de protagonistas tan decadentes como el consuelo de los días cotidianos… de lunes a viernes, de sábado a domingo y comienza el juego de nuevo. Abruptos cambios nos acongojen, y volvemos a repetir “Entrada sólo para locos”.

 En un mundo tan desquiciado, los más congruentes podrían ser los verdaderos enfermos mentales.

 El horror por la vida y la muerte, se vuelve la sintonía idónea para el lector y conmociona lo más permisible de la emoción humana: El dolor. Espacios desoladores y turbios, parecen ser el complemento perfecto para una historia llena de sensibilidad. El brío de la inquietud mental, le abre paso a lo abrupto… a lo pasional, a lo que nos causa más extrañeza y a la vez, más placer.

 En el muro de Sartre, se entrevé la pasión humana a partir de diversas magnitudes, que van desde lo más casual a lo más grotesco –por decirlo de alguna forma–. Lo fortuito, es la cúspide del deseo y el vaivén de los pesares, suele ser el éxtasis. Muy mundano el amor, muy enferma la congruencia… todo lo paradójico, parece ser el consuelo adyacente a la vida.

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Crédito:Tumblr.

“Un cambio profundo sucedió en su entorno. La luz envejecía, encanecía, se ponía pesada como el agua de un florero que no se ha cambiado desde el día anterior […]. Veía a su alrededor, dudando casi tímida: Todo estaba tan lejano: En el aposento no existía ni día ni noche, ni estaciones, ni melancolía.Recordó ligeramente otros otoños, otoños de su infancia, después repentinamente se resistió: Tenía miedo a los recuerdos.”

– Jean Paul Sartre, El muro

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Crédito:Tumblr.

 ¡Qué opulencia del sentir humano! ¡Qué necedad por temer al olvido! Nada debe de ser sometido a juicio emocional, sino todo sería incongruente y fatídico. Más fatalidad no puede haber en la vida, si afirmamos que la congruencia es el centro de la humanidad. Incongruencia para la apariencia… ¡Qué más da! El permiso para saber qué es metafóricamente bueno, se lo debemos a los loqueros –psiquiatras y psicólogos–, mientras esperamos la próxima consulta acompañada de la literatura depresiva, del sentido común a la inapetencia pura.

 El viaje es más largo de lo que parece y la torpeza deambula entre cada palabra y párrafo (mientras haya más crudeza, mejor), y la bomba de inquietantes pensamientos abruma y exaspera, causando un tipo de cliché mental. Más anormalidad, menos bifurcaciones –pensaban los que no esperaban– mientras que los que denigran la causa, suelen estar cargados de la crueldad misma.

 Plagado de un realismo, de un sentimiento de permanencia, la narrativa que toca la depresión del individuo carga consigo una ola de presentimientos que parecen ser, como una revelación masoquista hacia el mundo y sus más extraños deseos. Cualquiera que sea la forma, la literatura mueve el sentido del reloj, para detenerse en la reflexión y la capacidad de comprender la temática emocional. No todo es sabiduría ni incoherencia, sólo es vivencia.

Originally posted 2014-10-09 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

Maude White y el espacio negativo en sus ilustraciones

Crédito: Julian Montague, para Maude White

“I want my art to communicate to the observer what my words cannot do effectively.”

La delicadeza va de la mano con la técnica. Cualquier cosa, por más delicada que sea deberá ser parte de un trabajo meticuloso, cuyo método se imprima en el resultado de la pieza. Hay quienes los detalles son de gran importancia para que una obra sea perfecta para una exhibición o para cualquier propósito que se le incurra.

Quizá esta técnica de los detalles sea precisa para personas con obsesiones ocultas que manifiesten a través de sus piezas artísticas. El propósito de una obra es comunicar. Tal como lo hacen las ilustraciones de Maude White.

Maude White es una reconocida ilustradora en Estados Unidos. En su pagina web, expone todo el trabajo que con gran esfuerzo, trabajo y delicadeza crea para todos sus fans en el mundo. Su técnica es sencilla: cortar papel para crear espacio negativo.

Crédito: Maude White

Dentro de su pagina web, se podrá encontrar una pequeña explicación de sus obras y el porqué el uso de papel y navajas para crear grandes y detalladas figuras de animales, personas y cualquier cosa que la imaginación de Maude White le ayude a lograr.

El arte y la ilustración se vuelven medios, herramientas para trasladar pensamientos, ideas, visiones, etc. al mundo material. Ya sea como lo hace White, o una escultura, el arte busca comunicar, expresar y transmitir. Lo que expone Maude White en su trabajo es el claro uso del Op Art; el uso de juegos visuales hacen parecer a las ilustraciones como una fotografía en negativo o un stencil listo para usarse.

Crédito: Maude White

La autora de estos dibujos cortados en papel menciona algo que debe rescatarse. El espacio negativo en sus obras. El espacio dentro de un no espacio. Se puede leer que desde muy pequeña, Maude White se interesó en el espcio negativo que había en distintas cosas. Este espacio negativo llenado con la nada hace que sus obras adquieran un sentido filosófico, metafísico que va más allá de una simple interpretación de su servidor.

Aún creando propuestas artísticas y pensamientos filosóficos, White describe en su web oficial, que la relación con los materiales y ella son realmente respetuosos. Esta artista de Buffalo menciona que el usar papel le hace ver la gran fuerza que tiene esta fibra cuando está en el proceso de creación.

Crédito: Maude White

Originally posted 2014-09-17 00:03:42. Republished by Blog Post Promoter

El sueño y su significado : Orígenes y visión moderna


El agua, el aire, el fuego y la tierra forman parte de los poderes ancestrales que le dan sentido al sueño y a la vida misma. Dicha sincronía, se forma en el espacio de conciliación de la presencia terrenal –el cuerpo se desvanece– y se olvida de sus habilidades motrices principales: Deja de existir en el momentáneo enlace de vida.

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Crédito: Foro psicológico.

 Ese rasgo omnipotente, que se enclava desde la cultura mesoamericana con pintorescas imágenes animalescas y llenas de una magia de pertenencia, envolvía al sueño en un conjuro mediático entre exploración y descubrimiento personal. Ritos que conjugaban la realidad con la fantasía, a través de sacrificios y tradiciones que reforzaban las relaciones de pertenencia ante la humanidad misma, daban el simbolismo contractual a una época prehispánica.

 La divinidad politeísta, marcaba el paso para la utopía reencarnada en procesos de expresión y por lo tanto, el sentido de identidad conflagraba un culto hacia una fuerza inverosímil que fungía como cúspide de la vida y también, de la muerte. La religión, era la portavoz para construir una imagen inherente a la calma de los sentidos y transmitía un concepto de imagen ante el mundo distinto al de ahora.

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Crédito:Foro psicológico.

 Dentro de la cultura mesoamericana, el sueño también se vinculaba con el hecho de alterar las emociones a partir de estados psicotrópicos, y con la presencia de miles de sensaciones que abatían el abandono de si mismo. Un letargo tan agradable que no parecía tener fin se cargaba de vibras ancestrales y máscaras sagradas.

 Dime que sueñas… y te diré quién eres. Crecemos con el ánimo de cumplir un sinfín de objetivos preestablecidos socialmente (ir a la escuela, trabajar, vestir de tal modo, etcétera) y mientras la rutina se apodera de nosotros, esperamos a que la noche pasiva y serena haga la aparición al final del día, para arrullarnos bajo su solemne resguardo. La tiniebla llega, y el cansancio invade el cuerpo… nos dirigimos a ser los dueños de nuestros propios deseos.

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Crédito:Mad.

 La irrealidad de los sueños, parece ser el gran atractivo de estos. Pero dicha irrealidad parece tener un gran impacto y la somnolencia podría prolongarse, aunque al despertar… tal vez, ya no haya rastro de un recuerdo (ni por muy vago que sea). La extrañeza de algunos lapsos del sueño, se diferencian por las características de las imágenes y también de los diálogos; la orientación dirige cada fase respectivamente.

 A veces sentimos un sueño tan placentero o que causa un temor inconcebible, que nos enclavamos en dicho letargo pensándolo como un momento irrevocable. A medida que el sueño se va prolongando, parece que la incongruencia aumenta  y la inconsistencia de situaciones no parece tener una secuencia lógica, trayendo consigo diversas situaciones que nosotros nos hemos preguntado. Por ejemplo, en un sueño pudo haber estado una persona que no conocemos, sin embargo sentimos que de alguna parte conocemos a ese individuo, y por muy extraño que parezca, en casos extremos –se ha presentado– terminan conociendo a esa persona, a lo mejor no idénticamente, pero que cuenta con rasgos característicos.

 John A. Hobson, afirma que el sueño presenta las emociones más vívidas del ser humano, por lo cual se experimenta una sensación muy fuerte y por lo tanto, situaciones que parecen incongruentes en tiempo y espacio, se conjuntan para activarla imaginación sensomotora. Así que, generalmente, mientras dormimos y soñamos, también enfrentamos retos y obstáculos, y los lapsos más fuertes de letargo, son los que solemos recordar con un poco más de precisión.

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Crédito:Fiction Chick.

 Sigmund Freud, en su obra La interpretación de los sueños trata de explicar que toda somnolencia, por más mundano que parezca , tiene que presentar un sentido –aunque no sea lógico– en nuestra dinámica de vida en la que estamos expuestos. Y es por eso, que el hecho de dormir, funja como una medida de escape para reconciliarnos con nuestros miedos más profundos en la vida.

 Además, en los sueños también se plasma un anhelo desmedido hacia diversos deseos que podamos tener. No es de extrañar, que muchos de ellos nos sorprendan y que al levantarnos, pensemos que no queríamos despertar, para poder seguir cumpliendo aunque fuera en la irrealidad nuestros anhelos más preciados.

“Nada puede escaparse a ese estado tan profundo del dormir, ya que por ahí se desfilan las fantasías y deseos inconscientes más reprimidos de los seres humanos”

– Sigmund Freud.

 Cualquiera que sea el síntoma en vida, en los sueños puede revelarse la otra cara de la moneda. Esto proporciona satisfacción al individuo, ya que al no estar acostumbrado a pensar de una forma que lo deje anonadado, el hecho de yacer bajo el sueño puede ser su mejor amigo, y retratará el consuelo para su alma.

 Nosotros mismos, vinculamos la represión con la manera de actuar… los ambiciones más recónditas del individuo, aparecen en el sueño, en la narcosis de la noche y mientras, en cada mente se plasman esperanzas y temores, cada uno sabemos los que somos y lo que pretendemos hacer a cada día, a cada instante. El fantasma de la existencia es el mismo sueño, y la apetencia de correr, salir, gritar parece cumplirse al llegar el ocaso.

Originally posted 2014-10-13 12:32:37. Republished by Blog Post Promoter

Gatos para la cena

El humor y la inocencia son lo que caracteriza el arte de Ohara Lane. En sus múltpiles facetas como: multinstrumentista, directora de arte, compositora, diseñadora de modas y autora de libros infantiles (entre otras cosas) ella ha sabido utilizar el humor como una de sus tácticas creativas más emocionantes. El estilo divertido de Ohara sobresale como ilustradora y artista gráfica, el innegable talento de esta chica originaria de Hollywood se refresca constantemente dando siempre un resultado que inevitablemente arranca una sonrisa.  Su más reciente obra no es la excepción y tiene como protagonistas a una serie de gatos personalizados en comida, siendo la representación perfecta de su personalidad polifacética; a veces infantil o a veces sarcástica pero nunca aburrida.

Chequen cada una de sus contrastantes obras en su página.

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

 

Todas las imágenes son propiedad de Ohara Hale

Originally posted 2013-02-07 17:37:31. Republished by Blog Post Promoter

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Originally posted 2014-08-19 10:44:48. Republished by Blog Post Promoter

La Magia De Cartón De Rogier Wieland

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Rogier Wieland es un animador y diseñador gráfico y audiovisual con base en La Haya, Holanda. Su trabajo explora la utilización de cartón, papel y madera como principales materiales en el proceso creativo.

Como resultado de sus experimentos, Wieland ha realizado asombrosos trabajos audiovisuales entre los cuales destaca The Modern Dance, proyecto que ha capturado la atención de las audiencias en internet.

La técnica empleada es sencilla pero laboriosa. Wieland grabó al personaje en video, después separó en imágenes fijas cada uno de los cuadros del video; luego imprimió en cartón y recortó cada una de las imágenes y finalmente las utilizó para animar cuadro por cuadro las escenas en las locaciones que aparecen en el video. La misma técnica es vista en The Audience:

El realizador holandés también ha empleado la animación con sus materiales favoritos para la producción de proyectos comerciales como esta campaña de la marca de agendas y libretas Moleskin.

La combinación del proceso digital con las texturas de los materiales crea una impresión óptica hipnótica y agradable. La técnica, además, provee la posibilidad de jugar con el espacio y los tamaños, alterar la percepción de la realidad y construir divertidas composiciones visuales.

Originally posted 2012-12-11 20:00:58. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: Cut Out Fest 2012

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

A partir de mañana y hasta el sábado, la ciudad de Querétaro pulsará con la energía de los miles de asistentes esperados para el Cut Out Fest, el festival de animación más importante de México. Chulavista Art House estará presente en el festival para brindarles una cobertura especial de lo que estará sucediendo.

 

Durante los últimos años, este festival ha reunido a lo mejor de los profesionales de la animación, jóvenes promesas y estudiantes para interactuar durante tres días y compartir lo mejor de la animación en México y el mundo. El festival presenta una selección oficial, y otras secciones como la de Short Shorts, Animación en Latinoamérica y la del país invitado: Holanda.

Además de las proyecciones, habrá conferencias y talleres impartidos por algunos de los proyectos más interesantes, nacionales e internacionales, dentro del mundo de la animación. Este ciclo de cine express está dedicado a las propuestas más audaces que estarán exponiendo durante el COF 2012.

The Wonder Hospital es un cortometraje de  , quien estará dando una conferencia el jueves 1 de noviembre a las 17:30 en el Cine Teatro Rosalío Solano.

Melvin the Magical Mixed Media Machine es una adaptación de la ineficiente máquina de Rube Goldberg que toma fotos a sus espectadores y las sube a Twitter y Facebook en tiempo real. Sus creadores, Hey Hey Hey, estarán el viernes 2 de noviembre en el mismo lugar a las 17:30.

Xochimilco 1914 es un cortometraje por los mexicanos de ViuMasters, quienes estarán a la misma hora y en el mismo lugar, pero el sábado 3 de noviembre.

Finalmente, Marshmallow Laser Feast estará el viernes 2 de noviembre a las 19:00 en ese mismo recinto. Aquí una muestra de su trabajo.

 

 

 

 

Originally posted 2012-10-31 21:00:38. Republished by Blog Post Promoter

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

Originally posted 2014-10-29 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter