Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter

Disasterland: Disney meets horror

 

Por  Dann

@Gibbsteak

 

Por décadas, Disney ha dibujado a sus historias de manera sana y feliz, sin descuidar que haya drama, de menor a mayor manera. Rodolfo Loaiza, conmocionado a esos personajes, enseñándonos como sería si fuera de carne y hueso, y enfrentando este mundo crudo y llamado Disasterland.

 

 

En algunos de los dibujos vemos Peter Pan como Michael Jackson, a La Bella Durmiente siendo atormentada por Freddy Kruger, a Cenicienta como Lady Gaga con el vestido de carne.

 

 

 

Disasterland será inaugurada el 3 de Agosto en la Galería La Luz de Jesús, en Los Ángeles, esperando que vean más sobre estos personajes con otras inclinaciones sexuales, adicciones o con fama.

Si quieres  ver toda la exhibición puedes verla aquí.

Originally posted 2012-07-30 18:30:26. Republished by Blog Post Promoter

140 Años 104 Fotografías/104 Fotográfos

Un viaje en el tiempo. Momentos perdurados para la eternidad. Una mirada distinta a la que estamos acostumbrados. Todo esto podrá ser apreciado en la nueva exposición fotográfica 104 Años 140 Fotografías/104Fotográfos que se estará presentando en el Museo Nacional Revolución hasta el 15 de febrero de 2015.

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

 Capturada por fotógrafos mexicanos y extranjeros, profesionales y aficionados, esta recopilación nos muestra a través de 104 fotografías la lucha armada en diferentes puntos geográficos, especialmente en el periodo que va de 1910 a 1924. Con esta exposición se intenta reencontrar el orden perdido en la memoria, así como explicar el papel que jugó la fotografía en la construcción cultural que se vivió durante la revolución política.

 

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

La exposición estará disponible hasta febrero de 2015. El horario de admisión es de martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas y sábados y domingos de 9:00 a 18:30 horas. Entrada general: $25*

*50% de descuento con credencial de estudiante, maestro e INAPAM

Originally posted 2014-11-21 09:00:30. Republished by Blog Post Promoter

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

marilyn quote chanel
“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

Chanel-No5-1

«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

coco-chanel-w

Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

Originally posted 2014-10-17 11:24:15. Republished by Blog Post Promoter

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

Captura de pantalla 2014-12-15 a la(s) 16.56.09

Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

Captura de pantalla 2014-12-15 a la(s) 16.57.36

Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

Originally posted 2014-12-16 12:21:24. Republished by Blog Post Promoter

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

Originally posted 2013-01-03 22:21:51. Republished by Blog Post Promoter

México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Originally posted 2014-11-10 09:00:14. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

sc3

Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

sc1

Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

SC4

Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

sc5

Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

sc7

Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

sc2

Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)

La representación de Steve McCurry. Crédito: Pinterest.

Se podría pensar que hemos sido presa de una formación  de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y  puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.

Crédito: Pinterest.

Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.

La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.

Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.

Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.

¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.

Helen Frankenthaler pintando un cuadro expresionista. Crédito: pinterest

Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma  y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso  en el mundo consumista y tecnológico.

Originally posted 2014-11-12 09:13:10. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

image

 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Originally posted 2014-03-25 15:41:05. Republished by Blog Post Promoter

Germán Saez: Talento fotográfico natural

Por: Sus

@SusBouvier  

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, -talento- se define como la capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación. Es precisamente este sustantivo  el que destaca a Germán Saez, diseñador web y fotógrafo argentino. Su historia en el mundo de la internet comenzó en los años noventa, cuando cursó la carrera en diseño en imagen y video, misma que, en ese entonces, se limitaba a la creación audiovisual. Esta situación llevó a Germán, interesado desde años anteriores en el diseño de sitios web a ser autodidacta. Por hobby, en 1998, decidió aplicar sus conocimientos en la realización de su primer sitio, el cual fue dedicado a Gustavo Cerati, músico del cual Saez fue seguidor desde su adolescencia. En 1999, en un hecho curioso y singular, la pagina es del agrado de Gustavo, a tal grado de contratarlo para diseñar la pagina oficial del músico que prevalece hasta estos días, cerati.com

Paralelamente a su actividad como diseñador web en cerati.com y en Cuatro Cabezas (productora argentina de televisión independiente) Saez se dedicó a fotografiar a Cerati en sus presentaciones en vivo como solista. Esta actividad que también realizó como pasatiempo, se elevó al plano profesional en 2007, al convertirse en el encargado de documentar visualmente la gira Me Verás Volver del rencuentro de Soda Stereo así como el sitio oficial. Este trabajo quedaría plasmado en un DVD y en un libro del mismo nombre.

Desde este hecho tan importante, Saez tomó la fotografía como una actividad profesional, al colaborar para periódicos y revistas Argentinas como   Clarín, La Nación, Rolling Stone, D-Mode, Remix, Soy Rock, Gente, Ácido Surtido, Suite Intima y Terrorismo Gráfico, por mencionar algunos. En su portafolio se pueden encontrar fotografías de músicos como Muse, Placebo, Interpol y. R.E.M. En el mismo, también se expone el gusto de Saez por los retratos, la fotografía erótica y la fotografía urbana. Influenciado por fotógrafos como Anton Corbjin y Peter Lindbergh, Saez demuestra una predilección por la geometría, al darle armonía a sus composiciones. De 2009 al 2012, expuso parte de trabajo en su propia publicación, Sheltermag; en donde cuenta con la participación de colegas como Aneta Kowalczyk, Nora Lezano y Sthefania Fumo.

 

Actualmente, Germán Saez, de 39 años, regresa a su profesión inicial al realizar videoclips de músicos argentinos, sin dejar de lado el diseño y la fotografia. Para conocer mas del trabajo de Germán Saez, visita: http://germansaez.com/

Originally posted 2012-09-11 17:11:45. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

AA

En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

PET

La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

Gilbert Garcin, talento en blanco y negro.

La mayoría de los jóvenes en todo el mundo tiene contemplado empezar su carrera artística desde una edad  temprana con el fin de tener mas tiempo para probar, experimentar y encontrar el estilo que caracterice su obra. Sin embargo, hay contadas excepciones en que el talento natural surge y desarticula los procesos a los cuales estamos acostumbrados.

Gilbert Garcin es un claro ejemplo. Nació en Ciotat, Francia, en 1929. Estudió en la Escuela Superior de Comercio de Marsella. Cuando se jubiló de su negocio, a los 65 años, decidió  que era tiempo para dedicarse a la fotografia. Hasta este punto de la historia se podría suponer que el plan de Garcin era tomar fotografías a sus nietos, hijos y familia, es decir, fotografías que usualmente la gente toma. Sin embargo, nadie se imaginaba que la cabeza de Gilbert maquinaba un estilo único.

Cuando se dedicó a estudiar el arte de la fotografía, se dio cuenta que era la herramienta perfecta para comunicar experiencias acumuladas a lo largo de su vida. Y el resultado fue piezas irónicas que juegan entre lo cómico y lo inimaginable.

El trabajo del fránces divierte e intriga. Recuerda a la época del cine mudo de Chaplin, blanco y negro, en donde la ironía es una manera de ver  y vivir la vida.

Para disfrutar más del trabajo del artista, da clic aquí.

 

 

 

 

Originally posted 2013-06-17 18:41:21. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

746744
Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

Originally posted 2014-11-05 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Originally posted 2013-08-14 15:38:49. Republished by Blog Post Promoter

El lente de Amy Hildebrand

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz

Amy Hildebrand es una fotógrafa estadounidense que nació con ceguera, como consecuencia de su albinismo. Concluyó recientemente su proyecto titulado “1000 Fotografías en 1000 Días” el cual inició durante 2009 y expuso día a día en el blog With Little Sound (Con poco sonido).

 

CHANEL1932

 

Nació en Cincinnati y aunque los doctores le diagnosticaron ceguera irreversible, alcanzó a ver a 20 centímetros de distancia gracias a un tratamiento experimental que consistió en colocar pequeñas lentillas a sus ojos, logrando que distinguiera colores, formas y sombras.

 

CHANEL1932

 

Fue durante unas vacaciones familiares cuando Amy Hildebrand con tan sólo 15 años de edad descubrió su gran pasión por la fotografía al retratar a su hermano menor en la playa, lo cual la motivó a estudiar fotografía de manera profesional sin importarle su desventaja visual. Durante la carrera conoció a su esposo, también fotógrafo, con quien inició un estudio de fotografía publicitaria.

 

CHANEL1932

 

A pesar de su corta visión, Hildebrand reconstruye su realidad con ayuda de la memoria visual, proceso mental que quizás sea la causa de la atmosfera y la luz que plasma en sus fotografías.

 

CHANEL1932

 

Sin duda al observar una fotografía podemos ver el mundo y su entorno desde los ojos y perspectiva de otro, sin importar la deficiencia que haya en ellos, ya que cada persona ve la vida de una forma totalmente diferente.

 

Para conocer más de esta extraordinaria fotógrafa visita: http://withlittlesound.blogspot.mx/

Originally posted 2012-10-04 14:00:17. Republished by Blog Post Promoter

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

Originally posted 2014-10-27 10:17:35. Republished by Blog Post Promoter

De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

teatro de altura

Originally posted 2014-08-08 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: La fotografía de Robert Doisneau

El Museo Nacional de Bellas Artes alberga actualmente la exposición La belleza de lo cotidiano en la que se exhiben 79 fotografías (de los 44 años de trabajo) del francés Robert Doisneau. La fotografía de Doisneau es de gran relevancia no sólo por su desempeño como fotógrafo de modas para la revista Vogue, sino también por su trabajo para la revista Life durante los años cincuenta del siglo XX. Pero gran parte de su obra es influenciada por la street photography, con la que lograba captar y a la vez crear momentos en los que se vislumbra la cotidianidad parisina.

 Mucho se ha dicho del trabajo de Robert, pero es importante mencionar que sus fotografías forjaron el imaginario social parisino del siglo XX. La fotografía documental de Doisneau no busca la objetividad, pretende crear imágenes-menciona la historiadora de arte Patricia Mendoza.

 Sin duda alguna, el espacio es el protagonista en la fotografía de Doisneau, pues es en dónde acontece la vida y el humor. La famosa fotografía Le baisser de l’hotel de Ville es prueba concisa de que Doisneau no pretendía captar la realidad tal cual era, ni buscaba registrar los acontecimientos de la vida parisina tal como lo hubieran hecho los fotógrafos documentalistas del siglo XIX. Más bien intentaba construir una realidad distinta y erigir con ello idearios sociales específicos.

“The marvels of daily life are so exiting; no movie director can arrange the unexpected that you find in the street.”  Robert Doisneau

Robert Doisneau, Le baisser de l’hotel de ville, 1950
Robert Doisneau, Le baisser de l’hotel de ville, 1950

La fotografía documental de Eugène Atget y Robert Doisneau

Para entender mejor el trabajo de Doisneau hace falta compararlo con los fotógrafos pioneros de la fotografía documental y del street photography, pues a partir de esta comparación es que se puede encontrar el humor, la gracia y lo cotidiano en la fotografía documental del mismo.

 Uno de los pioneros de la fotografía documental fue el fotógrafo francés Eugène Atget, que apareció en la escena de la fotografía a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX. El ojo documental de Atget captó calles, avenidas, puertas, esquinas, edificios, columnas, puentes y comercios parisinos, principalmente. Él, a diferencia de lo realizado por Doisneau, no retrato el humor, ni la cotidianidad en París. Incluso en sus fotografías se puede observar una ausencia de gente casi fantasmagórica. Atget muestra a París a través de su arquitectura, de vistas topográficas, de las ferias, del espectáculo y del urbanismo en el que los patios, las calles, los parques, las tiendas son el eje principal de su obra. Al igual que en las fotografías de Robert Doisneau, el espacio se convierte en el actor principal.

Eugège Atget, Cabaret de l'enfer, 1910
Eugège Atget, Cabaret de l’enfer, 1910

 

Robert Doisneau, L’enfer, 1952
Robert Doisneau, L’enfer, 1952

 Sin embargo el trabajo de Atget se desarrolla en una temporalidad en la que la fotografía decimonónica documentalista permeaba en los temas de la fotografía de finales del siglo XIX. Mientras que la fotografía moderna artística empezaba a perfilarse en las primeras décadas del siglo XX. La mirada de Doisneau nos presenta un toque de gracia, nos muestra París; pero también expone lo que significa ser parisino, lo que uno se puede encontrar en distintas esferas sociales en la ciudad del amor.

 Si quieren conocer más del trabajo de Doisneau pueden visitar la exposición La belleza de lo cotidiano que se encuentra en las salas: Justino Fernández y Paul Westheim en el Museo Palacio de Bellas Artes.  La curaduría fue hecha por las hijas de Robert: Francine Deroudille y Anette Dosineau. En donde nos muestran una selección importante de fotografías en las que se presentan rasgos de la vida cotidiana en París del siglo XX. Aprovechen porque la exposición se extiende hasta el 13 de julio. Vale muchísimo la pena, pues la exposición está ambientada con música de Edith Piaf, lo que hace que uno se transporte a un París en tiempos remotos.

 

Eugène Atget, Le rue de Seine, 1924
Eugène Atget, Le rue de Seine, 1924

Robert Doisneau, Les tabliers de la rue Rivoli, 1978

Robert Doisneau, Les tabliers de la rue Rivoli, 1978
Robert Doisneau, Los peatones de la plaza de la Concordia, 1973
Robert Doisneau, Los peatones de la plaza de la Concordia, 1973

Originally posted 2014-07-01 23:12:08. Republished by Blog Post Promoter

Exposición fotográfica colectiva, Galería Transmemoria de la NanaConArte

Chulavista Art House se complace en invitar a la Galería Transmemoria de La Nana, Fábrica de Creación e Innovación presenta la exposición del Colectivo UNO sobre DIEZ, que se inaugura hoy 24 de octubre a las 19:00hrs, y permanecerá abierta hasta el 26 de noviembre de 2013.
Diez jóvenes artistas muestran sus trabajos fotográficos desde diversas estéticas, técnicas y perspectivas y se suman al movimiento colaborativo de jóvenes ayudando a jóvenes que promueve el Hub ConArteMx. La muestra incluye 50 obras en exhibición, acompañadas de una versión digital accesible en la Galería Transmemoria. Más informes @LaNanaconarte

                                                         Montaje creado Bloggif

Originally posted 2013-10-25 11:57:14. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Hasta pronto, René Burri

El lunes 20 de octubre algunos diarios y noticieros anunciaron la muerte de quien fuera considerado como uno de los fotógrafos más relevantes del siglo XX: el fotoperiodista suizo René Burri. Medios nacionales e internacionales como Excelsior, El Universal, El Financiero, The Guardian y Lightbox, por mencionar algunos, cubrieron y difundieron la noticia dedicando algunas líneas a mencionar que había muerto, con 81 años de edad, “el fotógrafo que inmortalizó al Che”.

René Burri.
René Burri.

 Al parecer, el trabajo que realizara Burri durante décadas se reduce a esa fotografía icónica del Che fumando un puro habano, a los retratos que realizó de artistas importantes como el pintor español Pablo Picasso o al arquitecto y pintor suizo Le Corbusier. Sin duda, el trabajo de Burri se define, en gran medida, por sus fotografías con temas políticos y sociales, pues como fotoperiodista pudo viajar por todo el mundo retratando a líderes políticos, guerras y conflictos sociales. Sin embargo, sería importante retomar su figura en tanto a sus aportaciones al mundo del fotoperiodismo y de la fotografía documental, sin restringirla a la del mero “fotógrafo que tomó la foto del Che”. Relegar el resto de su obra sería una manera muy cómoda de mitificarlo como fotógrafo a través sus las imágenes icónicas.

 René Burri fue un fotógrafo miembro con pleno derecho de la Magnum Photos desde 1959, cooperativa fotográfica reconocida a nivel mundial fundada en 1947 por los “founding fathers” de la fotoperiodismo del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier- Bresson, George Rodger, William Vandivent y David “chim” Seymour; contando con sedes en París, Nueva York, Tokyo y Londrés. El trabajo de René Burri fue publicado en distintos medios impresos como Life, The New York Times, Sunday Times, Paris- Match y Look. Esto hace que sea por demás considerado como uno de los mejores fotógrafos de la posguerra, sobre todo porque el mayor auge de su trabajo fue realizado a partir la década de 1950. No por nada Martin Parr, actual presidente de la Magnum Photos, se referiría al fallecimiento de Burri como la pérdida de uno de los artistas más poderosos en el mundo de la fotografía. Sin embargo, pienso que René Burri no debe ser recordado únicamente como el fotógrafo de la fotografía icónica del Che Guevara, o que su nombre sea reconocido por ser “el fotógrafo que realizó el retrato de Picasso”, porque como él hubo otros más que fotografiaron a gente reconocida. Creo firmemente que Burri debe ser recordado también por la forma en la que concebía la fotografía, por la manera en la que logró capturar en blanco y negro algunos conflictos sociales alrededor del mundo y por el modo en el que llegó a realizar crítica social a través de su fotografía documental realizada a color.

Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the "forbidden city", Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.
Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the “forbidden city”, Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.

 Burri es ese fotógrafo que creció en el periodo del fotoperiodismo en blanco y negro, tal como lo harían los fundadores de la cooperativa Magnum Photos, y en ese sentido su obra a color cobra mucho más sentido. La publicación del libro Impossible Reminiscences en el 2012 es el resultado de la re- valoración de su trabajo como fotógrafo documental, más que como fotoperiodista. Es decir, del enaltecimiento de su obra como artista, como fotógrafo apasionado de la imagen más que de la noticia.

“[…]that’s the strength of photography, you decide the decisive moment, so to speak, to click the moment on and come up with the picture that never comes back again.” Rene Burri en entrevista para Phaidon.

 Él mismo quiere dejar de ser el fotógrafo que retrató a gente famosa, por eso mismo en Impossible Reminiscences se muestra la otra cara de Burri, aquella que ve a la humanidad con otros ojos, esa que deja de fijar su mirada en pintores, políticos y artistas para contemplar a quienes no tienen nombre. Así pues, intenta, según menciona en la entrevista para Phaidon, que sus fotografías muestren una parte de la realidad, expresar emociones en el resumen de una fotografía, aun en la imposibilidad de poder capturarlo todo.

René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.

 El punto está en que cuando pensemos en René Burri no sólo lo relacionemos directamente con sus imágenes icónicas, porque de esta manera estaríamos creando un mito en torno a este fotógrafo. Algo similar sucedió con el fotoperiodista mexicano Agustín Víctor Casasola, quien ha sido considerado como el fotógrafo de la Revolución mexicana, todo ello como resultado de la gran difusión que se ha hecho de las fotografías del conflicto armado que se encuentran en el Archivo Casasola. La publicación de las Historias gráficas de la Revolución mexicana a cargo de la familia Casasola han contribuido a la mitificación de este fotógrafo, haciendo que el trabajo de otros fotógrafos haya quedado relegado, sobre todo por la confusión que hay en torno a la autoría de las 483, 993 piezas que conforman el archivo. Así pues, las fotografías de la Revolución mexicana que forman parte del imaginario gráfico de los mexicanos, tales como la fotografía de la Adelita y de Emiliano Zapata, se han vuelto icónicas, menciona John Mraz, por su constante re publicación. En ese sentido, la mitificación de René Burri, como se muestra en el discurso de los medios de comunicación, gira en torno a de imagen del Che Guevara. Dejemos que sean las imágenes las que hablen de su autor sin necesidad de definir a éste a través de una sola fotografía. Que la noticia conmovedora del fallecimiento de René Burri sea una forma de enaltecerlo por su quehacer como fotógrafo más que por su fotografía de un personaje.

René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.

Originally posted 2014-10-22 12:22:30. Republished by Blog Post Promoter

La mejor foto en vista aérea de Manhattan

Nueva York es una ciudad muy pintoresca causa sentimientos que uno a veces no sé explica porqué. En especial Manhattan, una isla que no nos quita esa emoción al recordar en películas, en fotos, e incluso, en canciones.

El fotógrafo Sergey Semenov  ganó el primer lugar en la categoría amateur de los Premios Internacionales de Fotografía Panorámica Epson.

Semenov trabaja para AirPano, viajando por el mundo para crear estas fotos panorámicas aéreas 3D en alta resolución.

Si quieren ver más trabajos de Semenov visiten su sitio web

Originally posted 2013-01-14 18:23:41. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

castle-in-the-sky_wallpaper-2

 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

castle-in-the-sky-2

 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo Revólver, muestra fotográfica en el Futurama

El rollo dañado forma una textura estelar sobre la imagen  donde se vislumbra a un muchacho ascender sobre una rampa en su bicicleta, el fondo negro y el flash apuntando hacia la superficie lo hacen parecer como si hubiera alcanzado la luna.

Ésta y otras escenas capturadas son parte de la exposición  fotográfica  que Colectivo Revólver presenta en el Centro de la Juventud, Arte y Cultura,  Futurama, ubicado en la colonia Lindavista.

Inaugurada el pasado primero de Junio, la muestra está conformada por el trabajo de siete fotógrafos de distintas disciplinas, desde un geógrafo,  arquitecto, restaurador y hasta estudiantes de fotografía profesional. Todos ellos trabajaron no sólo en las fotografías sino en la curaduría y el montaje.

La galería nos presenta un recorrido por las distintas caras de nuestro México contemporáneo en más de 30 fotografías: los pasajes bucólicos de la sierra, la vida citadina, el oficio de pescador en contraste con la policía en de la umbría ciudad, peleas callejeras, rostros cansados, jóvenes divirtiéndose, retratos de la gente de nuestro tiempo y globos de cantoya jugando a ser estrellas sobre el firmamento.

En palabras de uno de los integrantes, Claudio Valle, la exposición busca mostrar cuestiones sociales llenas de sensibilidad.

Esta primera exposición de Colectivo Revólver nos devela el gran talento que puede tener un grupo de jóvenes fotógrafos cuando su meta es disparar para dar en el blanco de la sensibilidad del momento y demostrar que si se pone atención, hay grandes historias en lo que pudiera parecer cotidiano.

Ascenso por Gabriela Trejo
Ascenso por Gabriela Trejo

Originally posted 2013-06-11 12:32:09. Republished by Blog Post Promoter

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

F1090001

Photo33_37 Photo30_34 Photo30_30 Photo29_33 Photo29_29 Photo15_15 Photo25_25 Photo22_22 Photo20_20 Photo18_18 Photo16_16 Photo12_12 Photo10_10 Photo05_5 F1160006 F1090150 F1090030 F1090023 F1090023_3 F1090020 F1090017 F1090016

Originally posted 2015-02-09 12:43:33. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


CHABAUD_3
La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

bifurcaciones
Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

tumblr_n6hwe0iStc1smsd90o2_1280
Crédito:Tumblr.
domusweb
Crédito:Domus Web.
5455_1vergara_eastnysubwayyard198
Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Originally posted 2014-08-28 14:41:43. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: erotismo en la obra de Saudek

Una de las cosas que más sorprendente de la fotografía es su capacidad de transmitir un mensaje en tan solo un instante, la manera en la que el mensaje visual es registrado en la mente humana de manera incluso inconsciente. Sin duda alguna, la belleza de la fotografía radica en la oportunidad que brinda de entender ideas, conceptos y generar sensaciones con tan solo observarla.

Blue angels, 1993
Jan Saudek, Blue angels.

 La primera vez que vi el trabajo de Jan Saudek, en un libro que llegó a mis manos, me pareció que era algo realmente crudo y grotesco, pues todas las fotografías mostraban temas inapropiados, contenidos que transgredían el orden y la norma establecida, aquello que es socialmente aceptado. En cuanto cerré el libro olvidé la relación entre el nombre del fotógrafo con las imágenes, pero no la relación entre las imágenes y las sensaciones que me provocaron. Meses más tarde volví al trabajo de Saudek y las sensaciones que tuve al observar su fotografía volvieron a ser las mismas en una especie de deja vú. Confusión, morbo y fascinación: sensaciones contradictorias que se unían en un coctel emocional indescriptible. La transgresión en el tema de sus fotografías es algo tan inusual y extravagante que termina emanando belleza y convirtiéndose visual y sensitivamente en algo sublime.

 Jan Saudek (1935) es un fotógrafo checoslovaco, nacido en Praga, ahora Republica Checa, que se caracteriza por crear escenas en las que se involucra el erotismo de un modo que cae en lo vulgar y, sin duda alguna, es lo grotesco. Saudek estudió en la escuela de fotografía Industrial de Praga de 1950 a 1952. A partir de ese año comenzó a ser aprendiz de fotógrafo y trabajó en una tienda de impresión fotográfica hasta 1983. Al mismo tiempo siguió experimentando con la fotografía siendo influenciado, según comenta, por el catálogo de la exposición Family of man curada por el fotógrafo Edward Steichen, en el MOMA (Museum o Modern Art, NY). Durante este periodo, Saudek fue fotógrafo freelance y en  1990 el Ministerio de Cultura de Francia lo nombró caballero de las Artes y las Letras.

 En la fotografía se puede encontrar a dos tipos de fotógrafos: los que buscan la escena y capturan el tiempo y el espacio en una o varias imágenes y los que crean escenas en las que la realidad y la imaginación logran fusionarse. Saudek es de esos fotógrafos que crean su obra a través de la teatralización, el uso de fondos y personajes, es decir, a través de la puesta en escena.

 En el trabajo de Jan Saudek puede verse la transgresión en cuanto a lo erótico. En este sentido esta transgresión a lo que es permisible en lo erótico resulta espantoso e indecente, pues como George Bataille afirma, en el tabú en principio no se impone la inteligencia, sino la sensibilidad y bajo el impacto de la emoción negativa debemos obedecer a la prohibición. Se puede decir entonces que la prohibición existe con el objetivo de quitar el carácter más animal al ser humano, para imponer la inteligencia y la razón sobre las sensaciones y sobre aquello que es irracional. La fotografía de Saudek transgrede o sobrepasa esa línea, en la que muestra un erotismo más cerca de lo animal en el que las expresiones denotan muchas veces miedo y en el que las posturas expresan agresión.

Jan Saudek, The kiss.
Jan Saudek, The kiss.

 Jan Saudek suele mostrar mujeres voluptuosas, desnudas que se encuentran en posiciones eróticas; la mayoría de ellas no encaja en el modelo de belleza femenina impuesto por los medios del siglo XX. El espacio en el que se desarrollan las escenas es normalmente privado, en el que las paredes y las telas sobrepuestas forman un atrezzo ideal para mostrarse al desnudo. Así pues, se puede ver una fotografía que lleva por nombre “The kiss”, en la que se muestra a una pareja dándose sexo oral, besándose y mas que besándose comiéndose, devorándose hasta que sus cuerpos se vuelven uno solo formando una figura en la que se ven cuerpos al desnudo: músculos y piel que remiten al mundo sensorial y tangible que puede ser transgredido por medio del acto sexual. No sólo eso, la fotografía en sepia refuerza la idea erótica dejando escapar un ápice de tela de color rojo.

 Aparecen mujeres amamantando a otras mujeres, a hombres viejos, a las hijas que a pesar de ser adultas siguen necesitando de la leche materna. El cuerpo se vuelve el eje principal de la obra de este fotógrafo, y el erotismo cobra forma a través de su contemplación. El erotismo de los cuerpos, menciona George Bataille, tiene de todas maneras algo pesado, algo siniestro. Queda entonces observar que la transgresión sobre el cuerpo transformado en objeto erótico puede generar repulsión y rechazo, sobre todo cuando hasta las pasiones más bajas, las actitudes más naturales y primitivas y el mundo de las sensaciones queda por encima de la razón.

Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, The fly
Jan Saudek, The fly
Jean Saudek, The slavic girl with her father
Jan Saudek, The slavic girl with her father

Originally posted 2014-12-05 10:07:34. Republished by Blog Post Promoter

Las damas de Trianón

Por Dann

@Gibbsteak

 

El Gran Trianón fue erigido por Jules Hardouin Mansart en 1687 en el emplazamiento del “Trianón de Porcelana” que Luis XIV ordenó construir en 1670 para poder huir de la Corte.

En él, Luis XIV, alojó a su cuñada, la Princesa Palatina, a su yerno, el Duque de Chartres, y a su hija, la Duquesa de Borbón. María Antonieta celebró en él algunas representaciones. Posteriormente, Napoleón ordenó su restauración, y llegó a alojarse varias veces en él con su esposa la Emperatriz María Luisa. Fue hasta 1963 que el General de Gaulle decidió rehabilitar el lugar para recibir en él a los invitados de la República y organizar en el Ala Norte, conocida como “Trianon-sous-bois”, una residencia del Presidente de la República y un sitio popular, visitado por turistas.

Ahora se exhibe en él Las Señoras de Trianón, una exposición que ha recopilado retratos a lo largo de más de 300 años, desde retratos de la reina María Teresa de Austría, – pasando por María Leszczynska y Maria Antonieta-, hasta la emperatriz Eugenia. En la exposición se convoca a todas las mujeres de la familia real o imperial (madres, hermanas, hijas y nietas) además del retrato de la duquesa de Borgoña, madre de Luis XV. Se expondrán el de Paulin Borghèse, hermana de Napoleón, o los de Clèmentine y Marie, hijas de Luis Felipe. También estarán represantadas las favoritas reales, como las Marquesas de Montespan, de Pompadour y Du Barry, y las princesas, tales como la Señora Palatine, cuñada de Luis XIV.

La Marquesa de Montespan

A estas célebres  mujeres se sumarán otras figuras menos conocidas, damas de la corte real o mujeres al servicio de las soberanas, como la Señora de Lamballe, dama de compañía de María Antonieta, o la Señora Campan, su sirvienta.

María Leszczynska

 

María Antonieta

La exposición estará hasta el 7 de octubre, en el que se abordarán más de tres siglos de historia y se podrán apreciar, simultáneamente, la evolución de la moda y la del retrato, gracias a las obras realizadas por Gobert, Rigaud, Nattier, Gérard, Gros y Winterhalter.

 

Originally posted 2012-08-02 16:00:01. Republished by Blog Post Promoter

Artes Visuales+Real del Monte

El arte no es la expresión de algo en tu interior que se externaliza, no es la imitación de una realidad (subjetiva u objetiva). Es un modelo, un mapa que delimita, crea, un territorio que no existía antes. Es algo externo -formas, colores, sonidos- que nos seduce y nos posibilita crear (algo que podemos llamar) un interior. Un espacio interior que luego pensamos siempre estaba ahí; lo que entendemos como nuestra identidad. El arte es un punto de encuentro entre lo social y lo individual, un punto donde ambos se forman mutuamente en un baile a veces tiernos, a veces violentos. Es un punto que en un mapa se podría señalar con una “X

Con este prólogo, el  artista ingles  Jonh Lundberg  invita a una de las exhibiciones más interesantes en el escena del arte mexicano : X Aniversario.

Esta exposición surge como una celebración por los excelentes resultados de  apostar por el arte e impulsar la creación de  licenciaturas especializadas, como la Licenciatura en Artes Visuales,  que desde el 2002, se imparte en el Instituto de Artes ubicado en el pueblo mágico de Real del Monte.

Esta muestra es, sin duda, un acercamiento al basto trabajo  tanto  de académicos como alumnos. A través de distintas técnicas como son: acrílico, dibujo digital , óleo, fotografía, vídeo, entre muchas otras, nos otorgan  un panorama del talento, la creatividad y pasión existente en los  jóvenes hidalguenses.

“Sigo aquí”/Fernando Espinoza García/Video 2012

“Mis sueños no caben en las urnas”/Dulce Hernández /Fotografía digital.2012

X Aniversario es una exposición natural que  logra envolver con el espectador con temas de relevantes en contexto nacional. A su vez, es una muestra contundente de la importancia de invertir en el arte, con fin que cada día, más jóvenes mexicanos pueda desarrollar su talento.

 

“De clase humana”/Raul Caudillo/Impresión de inyección de tinta.2012

X Aniversario se encuentra en Cuartel del Arte, Plaza Aniceto Ortega, Ex-convento de San Francisco s/n col. Centro, Pachuca. Martes a Sábado de 11:00 a 18:00 horas y Domingo de 11:00 a 15:00 horas

Entrada Libre

 

Originally posted 2013-01-24 18:40:38. Republished by Blog Post Promoter

Autodisparo, una exposición para difundir la Sociedad Astronómica Mexicana

autodisparo

 

De un curso básico de fotografía, impartido por el fotógrafo Everardo Baroja, surge Autodisparo, una exposición de autorretratos donde conceptos abstractos como la maldad, la inmensidad, la alegría o la sensualidad fueron materializados con un solo click.

La muestra fue inaugurada el pasado viernes en la Sociedad Astronómica Mexicana, ubicada frente al parque Xicoténcatl en Coyoacán, y montada por los alumnos mismos con la intención de difundir la sociedad que es una asociación civil no lucrativa.

Ocho autorretratos son expuestos en las dos primeras plantas del edificio. Uno del profesor y el resto de los alumnos que pertenecen a distintas instituciones como la UNAM, el IPN y la UAM. Un hombre apuntando con una pistola contra su cabeza, un sujeto degustando un frasco de Nutella, una mirada perdida en las estrellas y unos pies enterrados bajo la espuma del mar son motivos con que los fotógrafos se definen en su trabajo.

Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.
Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.

Aunque no hubo una charla explicativa, en las palabras que dio Everardo, la exposición busca “dar a conocer la sociedad”, pues de llegar a tener hasta 1000 miembros, entre los que figuraron el compositor y astrónomo Francisco Gabilondo Soler (Cri-cri), en la actualidad cuenta con menos de 100.

La Sociedad Astronómica Mexicana, como su lema lo dice, es un espacio hecho “por la divulgación de la astronomía”. Fue fundada en abril de 1902 por el profesor de física Luis G. León y varios profesores de la Escuela Nacional Preparatoria. Entre sus instalaciones destacan un planetario digital, un planetario optomecánico y dos observatorios. La sociedad está abierta a todo aquél interesado por el estudio de la astronomía.

Y si se preguntan ¿Por qué una serie de autorretratos si se trata de una sociedad astronómica? La respuesta es simple, nosotros también somos parte del universo.

Originally posted 2013-05-30 11:56:40. Republished by Blog Post Promoter

Tutorial de fusión de imágenes por The Art Boulevard

El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo. 

Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.

Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles  (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.

Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño  (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.

Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.

Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.

También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.

Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.

Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:

– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.

– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.

Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.

A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.

¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.

Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.

Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.

Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.

Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.

Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.

Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.

Para consultar más tutoriales, da click aquí.

Originally posted 2013-08-29 17:38:15. Republished by Blog Post Promoter

L’ÉTIQUETTE: un estudio de diseño único

L’ETIQUETTE es un estudio multidisciplinario con sede en Francia que se enfoca en la creación en cualquiera varias disciplinas: video, editorial, fotografía y arte. Contrastando en cada proyecto, proyectando diferentes facetas en cada uno, la utopía, el color, los contrastes, matices que individualmente crean una identidad visual fácil de reconocer, digerible y única.

ETIQUETTE

ETIQUETTE

Éste proyecto editorial se llama Insane, la tipografía, la justificación y los detalles en cada página son notables, las fotografías son brilantes, la paleta de colores contrastante, llamativa; el libro en sí es una pieza que conjuga diseño y arte una de los trabajos más sobresalientes de L’ÉTIQUETTE .

insane

insane

insane

insane

Return es un trabajo fotográfico que se basa en la relación visual de objetos y personas, convierten al objeto en arte y a la persona en objeto. Un interesante análisis que conecta la irrealidad con un contexto natural, orgánico que respeta y enhaltece su línea gráfica sutil pero directamente.

return

return

return

High five book 2.0 es un trabajo en proceso ( con cierta crítica social) en el que colaboran varios artistas digitales que buscan representar “su propia visión de una personalidad a su eleccion”.

high five

high five

high five

Y como uno de sus más interesantes trabajos en video L’APPARENTE BEAUTÉ es un trabajo que, como en la mayoría, se conjuga el arte y el diseño dándole fuerza a su temática visual y estética; una especie de performance que encapsula en escencia lo que significa ser un equipo que usa la creatividad y la transforma.

beaute

Visiten: http://www.studioletiquette.com

Originally posted 2013-01-29 17:02:01. Republished by Blog Post Promoter

Sobre fotografía y movimientos sociales (segunda parte)

Manifestación en la Ciudad de México, crédito: siempre889

Tal vez el título que he escrito por primera vez, la semana pasada, sobre este tema sea el menos adecuado para este pequeño ensayo de dos partes. Sin embargo, he decidido dejarlo tal y como está por dos simples razones: descubrir que por más que escribamos siempre, haciendo un ejercicio de reflexión, encontraremos fallas. Dos: que las fallas que hayamos descubierto nos permitirán enmendar cierto camino, pero al darles la importancia, nos damos cuenta que la grandiosa estupidez humana seguirá permaneciendo, pues siempre tendremos errores.

Si bien “movimientos sociales” no dice mucho de lo poco que he querido abordar en este pequeño texto, me es pertinente aclarar que la razón por la que quise reflexionar acerca de esto fueron las marchas recientes, la exposición de Yayoi Kusama y el memorial del 68. Pues, en estos tres casos se ha manifestado el uso de la cámara como interpretador social, con múltiples fines, ya sea personales, documentales, periodísticos o quizá intimidatorios.

La selfie en la habitación infinita. Crédito: instagram personal de rebeccataylorny

Quizá en mi ingenuidad he descartado que el movimiento social no sólo son las manifestaciones de protestas, sino también están las modas, las corrientes ideológicas, las vanguardias, y el lenguaje que lleva a la lengua.

La utilización de la cámara como una herramienta viene desde sus inicios. Sus inicios tenían la intención de “atrapar” la realidad en cierta área específica, como cuenta César González Ochoa en sus “Apuntes acerca de la interpretación” donde expone la manera en cómo la cámara inicio con este propósito de atrapar una imagen, delimitarla y retenerla de manera  física.

Las imágenes y los mecanismos de representación han cambiado a lo largo de la historia. La tecnología se actualiza constantemente y se crean nuevas cámaras que permiten nuevas formas de interpretar y representar mas no es la imagen la que no cambia.

Las fotografías de guerra son expuestas como memoria, pues representaron (y ahora representan) que existió la guerra. (Esto quizá podría parecer ambiguo tomando en cuenta que existe ya el montaje y todos estos trucos digitales que hacen que la realidad, como en la pintura, quede a expensas de los humanos) ¿Lo mismo sucede con las marchas, los museos y demás aconteceres masivos?

Estudiantes y policías en el 68. Crédito: caracteres.mx

¿Se necesita tener una imagen para comprobar que se realizó una marcha? ¿Se necesita una selfie en la habitación infinita para uno: recordar que se estuvo ahí; dos: representar que la habitación existe? Pero, más allá de estas preguntas que he pensado a manera de reflexión me hacen suponer el  qué pasaría si las intenciones y el análisis que he apenas expuesto,  va más allá de un campo significante que sólo ve estas posibles formas de interpretar y representar una realidad como tres posibles acciones de saber el porqué la fotografía impacta en movimientos sociales.

La memoria tiene que ver en esto. La memoria humana, que es tan abstracta que imaginamos una pequeña nube que almacena imágenes, letras, lenguas, lenguajes, rostros, números, calles, direcciones, nombres, cumpleaños, experiencias y demás. Pero que en cualquier momento, esa nube podría irse, dejando sólo recuerdos inertes, vacíos o inexistentes.

 La necesidad del humano por guardar y transportar esa memoria en una memoria material se ha visto desde la escritura. El guardar cosas que permitan ser un medio para que el cerebro haga una sinápsis y por ende un recuerdo se adapte a este objeto ha estado presente desde mucho antes de que la fotografía existiera.

La memoria y la fotografía han estado estrechamente ligadas por la significación de lo material. La fotografía recuerda el momento pero es el papel, o donde se haya impreso lo que funciona como recuerdo. Es decir, (Y como diría Susan Sontag) nosotros no recordamos lo acontecido, sino la fotografía de lo acontecido.

Las manifestaciones se pueden dar de todo tipo. Crédito: mobypicture.com

En un mundo sumamente lleno de imágenes, los movimientos sociales, los museos, las fiestas y toda forma de convivencia se mediará por medios de cámaras. Para que la memoria resurga en una pantalla, para que se almacene en un mundo virtual que no es palpable. Las personas se toman fotos en marchas para demostrar que sí fueron y que sí apoyaron pues si no suben su imagen al mundo no podrán comunicar que apoyan al sentido. Las personas, también, suben sus selfies para demostrar al mundo que pueden tomarse fotos. ¿Es quizá que la imagen nos consuma, o nosotros consumimos  imágenes?

Originally posted 2014-11-19 09:02:01. Republished by Blog Post Promoter

El fotoperiodista y la invasión de la realidad

El trabajo de un fotoperiodista consiste en estar en el lugar y momento correcto, donde fortuitamente se es parte de un instante significativo al registrar una situación clave en la historia. Si bien podemos nombrar varios ejemplos donde la casualidad y el ingenio de los fotógrafos han servido para capturar las imágenes más memorables, no está de más el preguntarnos sobre aquella delgada línea que éstos cruzan al fotografiar tales sucesos, donde se invade la privacidad entre la entidad y su contexto.

SNS2-AL_2
Masacre en el centro comercial de Westgate. Fotografía tomada por Tyler Hicks, para The New York Times, en Nairobi Kenya.

 En una situación tan delicada donde los actores se encuentran en el momento más vulnerable de sus vidas y se toma la decisión de exponerlos al escrutinio publico, el fotógrafo toma la decisión de no intervenir mientras el suceso transcurre. ¿Es acaso el no intervenir considerado una falta? ¿Cómo te separas de ti mismo para llegar a cumplir este importante trabajo? Es uno de las labores más difíciles; cubriendo guerras ajenas y luchando por causas perdidas. El fotoperiodismo nos ha brindado fotografías memorables que nos han transportado a los lugares más sorprendentes sin olvidar lo más trascendental, ellas han hecho que nos invadan recónditas emociones, al poder identificarnos con situaciones las cuales culturalmente seria imposible el poder experimentar, son las emociones humanas como la desesperanza, la indignación o el sufrimiento, las cuales nos hacen conectarnos con personajes tan opuestos a nosotros.

Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.
Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por el mexicano Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.

 El fotoperiodista siente una gran obligación al cubrir eventos fundamentales, es con su cámara con la que hará publica la historia en desarrollo. La arbitrariedad de la situación no recae en si el fotógrafo interviene o no para evitar que algún acto atroz siga en marcha, todo depende del cristal donde se mira. Lo que el fotoperiodista padece es una identificación con los sujetos que viven tales circunstancias, al experimentar las inmoralidades que ellos coexisten. Las mismas injusticias lo llaman a que formen parte de ellas y se unan en una batalla por la búsqueda de los derechos humanos. Sin embargo, hay que rescatar la imparcialidad en el cual el fotoperiodista debe de regirse. La objetividad ayudará a que con las imágenes se creen historias, las cuales el espectador descifrara e interpretará según las opiniones y objeciones personales. Es así como no hay ningún desperfecto en el ejercicio, solo cabe destacar el ingenio visual el cual nos hará ser participes culturales gracias a la valiente labor periodística, un impulso en la defensa de la verdad al exponer la divergencia social y cultural actual.

Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.

Originally posted 2014-12-22 10:35:55. Republished by Blog Post Promoter

Arte urbano

Como todos sabemos, existen diversos tipos de arte. Que si contemporáneo, que si clásico, que si moderno, que si abstracto, que si urbano, que si reconocido o no reconocido, ¿pero cómo saber en que tipo de arte encaja cada cosa?

¿Por qué algunas personas tienen la gran oportunidad de mostrar su talento en galerías y grandes escenarios, mientras que cientos de personas más se tienen que conformar con mostrar lo poco o mucho que saben, pero a fin de cuentas muy valioso, en una esquina, o en una plaza? ¿Por qué no les pueden dar el mismo crédito, si lo que ambos hacen es considerado arte?

Se le conoce como arte urbano a todo aquello que, valga la redundancia, es arte, pero que afortunada o desgraciadamente aún no tiene un espacio fijo para mostrarse ante un público definido.

Al caminar por el centro histórico de la ciudad de Querétaro nos podemos topar con infinidad de personas que muestran lo que saben y les gusta hacer, y que no precisamente lo hacen con el fin de recibir algún tipo de remuneración económica, simplemente lo hacen para mostrar su talento, y con esto, robar una sonrisa a las personas, alegrar el día de alguien, ayudar a la gente a salir de la cotidianidad, invitar a la reflexión, en fin, podríamos encontrar miles de razones por las cuales las personas deciden salir a las calles a mostrar su arte.

Un claro ejemplo de arte urbano es el señor David Quintero, quien tiene una experiencia de aproximadamente treinta años tocando el violín, y de un tiempo para acá decidió acudir al centro histórico de la ciudad de Querétaro, precisamente en el andador 5 de Mayo, a mostrar lo que sabe hacer perfectamente y asegura, es lo que ama; al pasar por dicho andador, decenas de personas se detienen un momento a escuchar las bonitas melodías que este artista interpreta con una gran delicadeza y dedicación.

Otro claro ejemplo son las bandas musicales que se presentan en plazas del centro de la ciudad, sin recibir ningún tipo de apoyo económico, pero que sin embargo, al terminar su presentación se van a sus casas con la enorme satisfacción de haber recibido tanto aplausos como sonrisas sinceras de parte del público, que a pesar de todo los apoya.

¿Por qué se sigue diciendo que el futuro del país se encuentra en las manos de los jóvenes, si cuando buscan expresarse no se les da el apoyo necesario o se les ponen miles de trabas para hacerlo?

Podemos asegurar que en la actualidad el arte no es muy reconocido, es por eso que la gente decide salir a las calles a hacer lo que llamamos “Arte urbano”, que no por ser mostrado en las calles es sinónimo de baja calidad, así que los invitamos a apoyar todo tipo de arte, que aunque no se encuentre en un importante escenario también es digno de nuestro reconocimiento.

Originally posted 2013-07-22 18:36:10. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

Originally posted 2014-09-15 14:05:33. Republished by Blog Post Promoter

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Originally posted 2014-08-14 11:40:07. Republished by Blog Post Promoter

La paradoja del arte abstracto

La premisa principal del arte abstracto es que no busca representar lo natural, es decir, rechaza la copia de cualquier modelo, sustituye los elementos naturales por aspectos cromáticos, formales y estructurales y dota la obra de un lenguaje visual autónomo, con sus propios significados.

Sin embargo, alguien comenzó a ver através de Google Earth cómo la Tierra, que es algo natural y exterior a la conciencia de cualquier artista, proveía imágenes dignas de cualquier artista de dicha corriente y las comenzó a organizar en un tumblr que deleita la pupila.

Tamil Nadu, India
Evangeline, Lousiana, Estados Unidos

 

Cannes, Francia
Tlaxcala, México

Pueden consultar más de este tipo de imágenes en: abstractearth.tumblr.com

Originally posted 2012-07-28 18:52:53. Republished by Blog Post Promoter

Bernhard Willhelm Lookbook SS13

Por Knuxx

@knuxxvomica

Uno de los diseñadores favoritos de este año, Bernhard Willhelm, presentó hace unas semanas el lookbook de su colección primavera/verano 2013: gifs animados e imágenes intervenidas que fueron el resultado del trabajo en conjunto del diseñador brasileño y animador en 3D Geoffrey Lillemon.

Una forma diferente e irreverente de plasmar el trabajo que presentó en el Fashion Week de París, donde prendas estampadas y con cortes irregulares y asimétricos fueron las protagonistas principales. Un styling original y una gran dirección creativa.

Les dejamos las imágenes del lookbook y las del making of. Para conocer más visiten: http://www.bernhard-willhelm.com

 

BW SS13

BW SS13

Director + 3D Animation : Geoffrey Lillemon | Photography : Petrovsky&Ramone | Styling : Niki Pauls | Production : Valtteri Laihanen, Random Studio | Interactive : Hugo Dechesne, Random Studio.

 

 

Originally posted 2012-11-06 18:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Exploded Flowers, colores y estructuras de Fong Qi Wei

Despedimos a la primavera con las fotografías del artista Fong Qi Wei,  que desmonta 20 flores para captar su belleza pieza por pieza. La colección Exploded Flowers refuerza la misión del autor; crear imágenes que lleguen al pensamiento. En ellas se demuestra la perfecta simetría de la naturaleza, así como sus cautivadoras estructuras y colores.

De las maravillas que nos muestran las piezas del autor, encontramos la compleja estructura  de girasoles y rosas, solo por mencionar algunas. Cuando se desmontan las flores, podemos percatarnos que su extensión es mayor que en su forma original.

 

Fong Qi Wei ha participado en los International Photography Awards. También fue reconocido con el segundo lugar del concurso internacional IPAI 2012 en la categoría Naturaleza. Para conocer más de su obra, da click aqui.  

Originally posted 2013-06-19 14:01:35. Republished by Blog Post Promoter

Conoce Joyride Magazine

 

¿Te gusta la música?

Morrisey, The Horrors, Pixies, Jamie XX, Franz Ferdinand, The Black Keys… Joyride Magazine te mantiene al tanto de la escena en México y el mundo.

.

joyride

La idea de leer una revista en línea con un formato tan apegado a como se ve en papel, es algo muy atractivo. Tiene muchas ventajas, empezando por lo cómodo. Muchos podrán argumentar para las revistas en línea lo mismo que para la digitalización de libros: no es lo mismo, y cada quien cuenta su historia. Sin embargo, me gusta la idea de poder leerla las veces que quiera sin necesidad de llevarla conmigo a donde vaya o tener que comprarla en tal o cual lugar, además de ese detalle de redireccionar la información y poder ver los mejores videos del mes con tan sólo dar un “click”.

Joyride es más que una revista

 No sólo están bien posicionados como medio dentro del mundo de la música alternativa, lo que da como resultado una agenda variada y buenas exclusivas, también hacen eventos con grandes exponentes mexicanos y tienen un podcast semanal JOYRIDE•FM // ST VINCENT que hace de Joyride una inigualable “experiencia multimedia para los internautas”.

 Cada dos meses sale un número diferente de la revista, pero constantemente se sube contenido a la página de internet JOYRIDEMX.COM con las últimas noticias a nivel internacional tanto en música como en libros, cine, diseño y política.

joyride

 Con fotografía propia y contenido original, espera la cobertura de festivales como el Corona Capital, Indio Emergente en Queretaro, MICsite en el José Cuervo Salón y conciertos en el Plaza Condesa, Auditorio Blackberry y Pepsi Center WTC, entre otros. Joyride Magazine es una producción de calidad en el diseño y el contenido hecha por Colectivo Canalla, preparado para ti.

 Ésta es su más reciente edición, échale un ojo a la entrevista con The Weeks, con Jogui; conoce lo que está haciendo James Blake; visita las recomendaciones de lugares para comer y entérate de los top 5 en videos, discos y singles del año:

Joyride
Joyride Magazine

 Los invito a leer esta revista que página con página te lleva por un camino electrizante de guitarras y baterías, como su nombre lo dice, un gran viaje a través de una gran variedad de bandas musicales que hoy, más que nunca, suenan con fuerza a través de internet.

.

joyride6

 FB Joyride Magazine México

Twitter @joyridemx

 Una forma de acercarte a tus bandas favoritas y seguir conociendo nuevas propuestas antes de que suenen en la radio.

.

Una plataforma a partir de la experiencia, una forma de vida.                                                   Eso es Joyride Magazine

.

Originally posted 2014-05-16 00:23:18. Republished by Blog Post Promoter

Roberto Sánchez SS13 Lookbook

Roberto Sánchez no se limita a la moda, la rebasa.

Éste es uno de los manifiestos del diseñador mexicano Roberto Sánchez, un joven talento mexicano de fama internacional con una corta pero interesante trayectoria; comenzó vendiendo en bazares ropa que customizaba y después formó parte de Clínica, una tienda donde se reunían las mejores propuestas de la moda mexicana para posteriormente explotar plenamente su potencial creativo en TEAMO, una marca que comenzó con Rafa Cuevas, y que a pesar de su corta existencia le dió experiencia y reconocimento.

Tiempo después que este proyecto se consumara, Roberto emprendió su propio camino y comenzó con su propia línea de ropa, empezando desde cero y reinventándose a sí mismo. Dos años después, se puede corroborar su gran éxito con la entrega de su lookbook para la temporada primavera verano 2013. Con muchos prints, tshirts abstractas, marcadas líneas geométricas, destellos de colores brillantes en conjuntos que apuestan por la comodidad y el estilo, texturas que remiten a un estado natural. El resultado es una colección balanceada que imprime totalmente la esencia de la imaginación y versatilidad de este gran diseñador que no deja de sorprendernos.

Originally posted 2013-01-11 21:32:01. Republished by Blog Post Promoter

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

Columna: Layout Número: 001 No de imagen:01
Columna: Layout
Número: 001

 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

Columna: Layout Número: 001 No de imagen: 02
Columna: Layout
Número: 002

 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

Columna: Layout Número: 001 No de imagen: 03
Columna: Layout
Número: 001
No de Imagén: 03

 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Originally posted 2014-07-31 10:51:24. Republished by Blog Post Promoter