Lion Guard: El Reinado Continúa

Es poco probable que a estas alturas exista alguien que no conozca la película El Rey León (The Lion King, 1994), misma que celebra 20 años de haberse estrenado en cines y la cual es considerada, junto a La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1991) como una de las magnas obras del estudio Walt Disney. La cinta está inspirada en la obra de William Shakespeare, Hamlet, y fue acreedora no solo a varios premios, sino a dos secuelas que se estrenaron en formato casero e incluso a un musical de Broadway; que como dato adicional, próximamente se estrenará la versión mexicana.

 Ahora, Disney Television Animation, ha anunciado la realización de un producto más de esta saga. El titulo será Lion Guard y consistirá en una serie y película animada para la televisión que pretenden ser transmitidas por el canal Disney Jr y que nos contarán la historia de Lion, el segundo cachorro de Simba y Nala. El pequeño león será nombrado jefe de la guardia de las tierras del reino y como parte de sus deberes tendrá que formar su propio grupo de guardianes, los cuales a pesar de que las leyes dicten que deben ser leones jóvenes, terminaran siendo otro tipo de animales que a su criterio serán los más aptos para el trabajo.

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 Los que conocen el canal Disney Jr. saben que uno de los sellos característicos de sus producciones es el toque educativo que suelen tener. En el caso de esta nueva producción no será la excepción, ya que los realizadores están documentándose con diversos expertos en el tema, incluido el personal de Disney´s Animal Kingdom, para hacer de esta serie y película no solo una nueva aventura a contar; sino que sea una experiencia educativa para los niños. Probablemente como algún documental o una versión animada de las películas de Disney Nature.

 El proyecto está bajo la dirección de Howy Parkins, quien también es responsable de la serie Jake y los Piratas del País de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), además del equipo de producción de otras series infantiles como es La Casa de Mickey Mouse (Mickey Mouse Clubhouse, 2006). Aunque si bien es cierto que no se trata de un producto orientado a todo público como lo fue la cinta de 1994, hay que reconocer que es una buena manera de conmemorar los 20 años de la misma y que bien llevado podría no solo dar un buen  producto a las generaciones actuales, sino que tal vez podría incluso acercarlas a otras películas de la época de oro de Disney.

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 Por ahora sólo nos queda esperar y tener buenas expectativas, después de todo El Rey León es un ícono en la historia de la animación y aunque sus secuelas no se consolidaron como clásicos. La verdad es que se trata de una historia que ha cautivado a la gran mayoría del público. Ya veremos si Lion Guard logra consolidarse como un digno sucesor del trono.

 

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ciclo de cine express: elecciones en eu

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El próximo 6 de noviembre se celebrarán elecciones federales en Estados Unidos, nación cuya economía sigue siendo la más poderosa del mundo. La elección presidencial en ese país es relevante no sólo para sus ciudadanos, sino también para el resto del mundo, debido a que los norteamericanos han marcado y delineado durante mucho tiempo ya la agenda internacional.

La política exterior intervencionista de EEUU ha ocasionado que naciones lejanas se involucren en conflictos diplomáticos e incluso armados con los gobiernos estadounidenses. Además, muchos otros aspectos socio-políticos de naciones ajenas a Estados Unidos han sido establecidos y dictados desde el siglo XX en la famosa oficina oval en donde despacha el presidente de esa nación.

En la elección en turno, el enfrentamiento se da entre dos moderados de los respectivos y tradicionales bandos del dual sistema político: demócratas y republicanos. En una esquina, el presidente en funciones Barack Obama tendrá que defender los programas sociales subsidiados por el gobierno y a la vez convencer de que su modelo es económicamente viable. En la esquina opuesta, el ex gobernador de Massachusetts Mitt Romney deberá persuadir a los electores de que las políticas económicas liberales y un gasto mínimo del gobierno son lo que Estados Unidos necesita para levantarse definitivamente de su crisis.

En medio de la discusión, se encuentran también las voces que miran con mayor escepticismo un sistema democrático que consideran falaz y simulado. Al haber Obama incrementado la presencia militar de EU en naciones extranjeras mientras el establecimiento lo premia con un Nobel de la Paz, la sospecha de que las llamadas “opciones” para la elección presidencial no son más que la misma cara de una sola moneda: la moneda de la plutocracia y el capitalismo rapaz.

The Obama Deception (subtítulos en español) es una realización de Alex Jones, periodista incómodo y disidente que durante años ha insistido en la existencia de una élite financiera y política que construye en secreto las bases para un “Nuevo Orden Mundial”. La película postula la teoría de que Obama y la clase política de EEUU son en realidad piezas de ajedrez al servicio del Grupo Bilderberg y otros poderes fácticos.

Conventions 2012: The Price of the Party (en inglés sin subtítulos) es un viaje a través de ambas convenciones nacionales, la demócrata y la republicana, en un intento por desnudar la verdad sobre el costo de las elecciones y la procedencia de los recursos.

Culture in Decline: Democracy (subtítulos en inglés) es el primer capítulo de esta serie producida por el movimiento Zeitgeist. Propone que el establecimiento ha creado la ilusión de elección para que los ciudadanos acepten dócilmente las políticas y métodos del capitalismo liberal, y que no existe en realidad una democracia ya que el pueblo no interviene en las decisiones importantes.

Finalmente, para empaparse de los temas en el centro de la discusión y la personalidad de ambos candidatos, el primer debate presidencial entre Obama y Romney.

 

Originally posted 2012-10-10 20:23:40. Republished by Blog Post Promoter

¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!

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¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.

 Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.

 Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.

 En base a dicha experiencia es que esté año logran crear  la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse  leyendas, o bien;  iconos de la cultura popular contemporánea.

Zapoteco_Beatles En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).

 Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.

 Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).

Originally posted 2014-05-20 01:24:42. Republished by Blog Post Promoter

Arranca el Cut Out Fest 2012

 

Este 1 de noviembre iniciaron las actividades del Cut Out Fest 2012. Desde el medio día, los talleres de diseño, guionismo y sonido entre otros abrieron sus puertas. A partir de las 4:00 pm, iniciaron las conferencias en el Cine Teatro Rosalío Solano.

El surcoreano Beomsik Shimbe Shim explicó durante su ponencia la manera en la que construyó durante dos años su cortometraje The Wonder Hospital, mientras era estudiante. El joven artista aseguró que tardó mucho más en idear el concepto que en crear las imágenes, ya que desarrolló un volumen teórico en el cual explica los elementos de la Alegoría de la Caverna de Platón en los que se basó para armar su historia. El cortometraje está pensado como una crítica hacia nuestra percepción de la belleza y equipara la cirugía plástica con una ilusión óptica. Más tarde, durante una conferencia de prensa, Shimbe animó a los universitarios a que aprovechen los recursos a la mano y experimenten ya que, aseguró, esta etapa es la ideal para realizar proyectos.

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A las 9:00 pm se celebró una ceremonia de inauguración, durante la cual los organizadores Mónica Escobedo y Miguel del Moral enumeraron los logros y el progreso del festival a través de los años, que en sólo cuatro ediciones ha pasado de recibir unas cuantas decenas de trabajos de menos de diez países a recibir más de 300 trabajos provenientes de más de 35 países.
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Ellen Beijers, titular del Departamento de Política, Prensa y Cultura de la Embajada de Holanda en México, agradeció a la organización el haber considerado a Holanda como país invitado al festival, y aseguró que su país está en planes de ampliar sus relaciones tecnológicas, culturales y económicas con el nuestro.

” Finalmente, y como bienvenida al país europeo, se presentó el cortometraje producido en Holanda Tears of Steel, financiado a través de crowdsourcing y producido con Blender, un software open source de animación en 3D. Les dejamos el corto a continuación.

Información de Abraham Bojórquez, fotografías de Paulina Enríquez

Originally posted 2012-11-02 10:00:47. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo Cine y Literatura en la Cineteca Nacional

Del 7 al 17 de mayo se realizará en la Cineteca el ciclo de Cine y Literatura en el cual se exhibirán 9 películas  mencionadas por  célebres escritores mexicanos quienes colaboraron en la más reciente publicación de este recinto cinematográfico Función privada: Los escritores y sus películas.

En dicho libro escribieron 28 escritores, quienes mencionan su película favorita de acuerdo al contexto que les tocó vivir. Cada función contará con quien recomendó la película en su colaboración dentro de Función privada.

Cine y Literatura

Las películas a exhibir son:

Identidad Peligrosa (The Big Lebowski). De Joel Coen. La escritora Vivian Abenshushan  presidirá la función 

Ocio. Rusos blancos. Boliche. Marihuana. Descanso. Son las actividades favoritas de Jeffrey Lebowski, un vago californiano tramposo e irresponsable. Después de que unos matones lo confunden con un millonario cuya esposa tiene una deuda con la mafia y se orinan en su preciada alfombra, Lebowski inicia una odisea para limpiar su nombre. Divertido homenaje al film noir y sus convenciones, este filme de los hermanos Coen ha creado un culto a tal nivel que existe un festival anual dedicado al protagonista.

La panza del arquitecto (The Belly of an Architect). De Peter Greenaway. Con la presencia de Hernán Bravo Varela

Un arquitecto norteamericano viaja a Roma para organizar una exposición dedicada al arquitecto neoclásico francés Étienne Louis-Boullé, cuya obra es su especialidad. Sin embargo, su matrimonio en crisis, la creciente desconfianza en su proyecto y fuertes dolores estomacales encaminan su descenso a los infiernos. Roma y sus monumentos se vuelven un personaje más en esta soberbia reflexión de Peter Greenaway sobre los nexos indisolubles entre la dialéctica, la creación y la autodestrucción.

La eternidad y un día (Mia aioniótita kai mia méra). De Geo Angelópoulos. Se presentará Brenda Ríos

Un viejo escritor se dispone a vivir el último día de su vida. La jornada resulta eterna, pues no ocurre en el tiempo real. Vivirá sus últimas horas alojado en sus recuerdos de infancia, añorando al amor de su vida, inundando su presente con sus memorias. En el final de la “Trilogía de las fronteras”, Angelópoulos deja atrás la conciencia histórica para centrarse en un individuo en trance hacia los límites entre la vida y la muerte. Una obra maestra ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 1998.

La profecía (The Omen). De Richard Donner. La función será presentada por Antonio Malpica

Un diplomático norteamericano en Roma se convierte en padre de un niño adoptado. Sin embargo, extraños sucesos alrededor de su hijo parecen indicar que tal vez se trate del Anticristo. Producida en medio de la ola de cine de terror norteamericano de los años 70, poco después de que el demonio como tópico había arrasado en las taquillas del mundo con El exorcista (1973), la cinta le brindó al músico Jerry Goldsmith un Óscar por su partitura original en la cual resuena el macabro himno Ave Satani.

India Song. De Marguerite Duras. José María Espinasa presentará la película

Marguerite Duras, guionista de esa obra maestra sobre la memoria y la necesidad del olvido que es Hiroshima, mi amor (1959), incursionó en la realización cinematográfica con este retrato del hastío que asfixia a la esposa del embajador francés en la India de los años 30 y sus relaciones con varios hombres que alivian un poco su vacío existencial. La narrativa del filme ocurre de forma elíptica y a través de varias voces que, fuera de cuadro, expresan los deseos más ocultos de la protagonista.

Los abedules (Brzezina). De Andrzej Wajda, inspirado en un relato de Jaroslaw Iwaszkiewicz. Ana Clavel presentará la función

Ganadora del Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Moscú en 1971, en este filme la base de las relaciones entre los personajes es la incomunicación producida por la presencia constante y salvaje de la muerte. La historia presenta a Stanislaw, un tuberculoso, su hermano Boleslaw y la campesina Malina, la cual ambos desean. También está la relación entre una hija y su padre, poseedor de la autoridad y el poder, lo que ha provocado un mal vínculo entre ambos.

Para más información sobre horarios y funciones entra aquí

Originally posted 2013-05-10 18:28:52. Republished by Blog Post Promoter

El FIC Puebla regresa en su cuarta edición

Por Daniel Cervantes Hernández

Twitter: @DaniDanilov

Por cuarta vez consecutiva el Festival Internacional de Cine en Puebla regresa para acercar la cultura cinematográfica. Coordinador y fundador de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos, en tan solo tres años de vida rápidamente ha crecido al punto de ser considerado uno de los Festivales más importantes del país.

Ayudados por el Ayuntamiento de la ciudad, el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla y la iniciativa privada, el FIC Puebla es pionero en promover el Desarrollo Integral 2020, con perspectiva a 10 años, de la mano del arte y la cultura, con un perfil integrador, muy cercano a la gente.

Con la proyección de un aproximado de 150 películas, contará con la presencia de más de 150 realizadores y las cinematografías de Irán y Kurdistán. El festival se llevará a cabo de 29 de septiembre al 5 de octubre de 2013 en diversas cedes de la ciudad de los ángeles, para deleite de público de todas las edades.

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Originally posted 2013-08-12 17:57:38. Republished by Blog Post Promoter

Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

Originally posted 2012-11-04 19:30:35. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: El Viaje de Chihiro

El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)

 La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.

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 La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.

 Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.

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 En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.

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Ciclo De Cine Express: Especial Guadalupana

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr 

En estos días el fervor y la devoción católica son palpables en las carreteras, calles, domicilios y conversaciones a lo largo y ancho de nuestro país. La celebración por el aniversario de la aparición de la Virgen de Guadalupe al chichimeca Juan Diego Cuauhtlatoatzin en 1531 es la fiesta religiosa mexicana por excelencia.

La leyenda cuenta que, para convencer al obispo Zumárraga de la veracidad de estas apariciones, la también llamada “virgen morena” le pidió al indio que recogiera unas flores del cerro del Tepeyac y las presentara ante el obispo y las autoridades católicas. Supuestamente, cuando Juan Diego presentó las flores, estas cayeron al suelo y en su ayate -vestimenta prehispánica- se descubrió milagrosamente impresa la imagen de la Virgen.

A partir de entonces, la figura de Guadalupe fue utilizada como medio evangelizador y elemento unificador de los pueblos indígenas que en aquel entonces estaban divididos en centenares de reinos, cada uno con sus propias creencias particulares y bagaje cultural. La aceptación generalizada del ícono religioso representó un giro de tuerca en el proceso de evangelización cristiana en la Nueva España. El culto a Guadalupe se extendió y el fervor por ella cuajó en la cosmovisión de los indígenas y mestizos con sorprendente éxito.

A pesar de que los hechos históricos apuntan a que el relato no es más que una conmovedora ficción, la fe en la Virgen de Guadalupe se mantiene encendida e impetuosa en nuestro país medio milenio después. Como suele suceder con toda creencia religiosa, lo importante no es que la creencia sea veraz, sólo que resulte lo suficientemente veraz como para satisfacer quizá la condición humana más esencial: la necesidad de creer.

La parte irrefutable del relato es la consecuencia de su difusión. Cuando Miguel Hidalgo hizo en 1810 un estandarte propio de un México libre, independiente y autónomo, fue la imagen de Guadalupe la inequívoca elección. Bajo esta bandera fue que nuestros antepasados unieron sus fuerzas y lograron romper con el orden colonial establecido desde España. Aunque las peregrinaciones caigan en la alienación típica del comportamiento de masas y muchos peregrinos no ubiquen ni la historia ni el significado de la celebración, la Virgen de Guadalupe se mantiene como el solitario y espontáneo símbolo de la unidad mexicana.

Este Ciclo de Cine Express es una edición especial para devotos y escépticos que busquen comprender integralmente la historia y el fenómeno de la Guadalupana.

La Sorprendente Imagen de la Virgen de Guadalupe es un recuento de History Channel sobre la historia apenas boceteada en este texto, con los puntos de vista religiosos e histórico. (En partes, en español)

Virgen de Guadalupe es un documental de Mariachi Films más cercano a los devotos y a las peregrinaciones. (En partes, en español)

En el fondo, la aparición de la Virgen fue exitosa en cuanto se entendió como milagro. Miracles for Sale es un programa especial sin relación directa con la Virgen de Guadalupe, pero que desentraña con descaro los engaños detrás de las manifestaciones milagrosas que proliferan en el ámbito religioso. (En inglés sin subtítulos)

Originally posted 2012-12-12 20:00:16. Republished by Blog Post Promoter

The Icebook: Instalación Fantástica

 

Desde hace décadas, los libros de cuentos en formato pop-up han encendido la imaginación de niños y adultos al brindar una experiencia tridimensional que acompañe la fantasía de las historias.

The Icebook es un proyecto de Davy y Kristin McGuire que por primera vez incorpora proyecciones de video a este formato. Al colocar un proyector detrás de las láminas traslúcidas del libro, combinan imágenes surreales y fantásticas con bellos escenarios hechos de recortes para crear una hipnótica sincronía teatral.

Esta pareja de artistas visuales se dedica a combinar técnicas y formatos para crear novedosas experiencias relacionadas con el mundo del teatro. The Icebook ha sido presentado en numerosos foros alrededor del mundo. En su página web se puede leer un artículo detrás de cámaras del impresionante artefacto.

Originally posted 2012-12-22 19:15:34. Republished by Blog Post Promoter

Submarine,más allá de la crisis de la adolescencia

Por: Rodrigo Aguilar

Submarine (2010) es una película de origen británico en donde se relata la historia de Oliver Tate (Craig Roberts), un solitario chico de 15 años, con una cabeza inexplorable, anegado de frustraciones y de interminables preguntas. Sus padres presentan una gran apatía el uno por el otro. Pero su letargo se verá afectado por el idilio que compartirá con su compañera del instituto, Jordana Bevan (Yasmin Paige).submarine1“Submarine” se encuentra ambientada, aproximadamente, en los años 80’s y está basada en la primera obra literaria del novelista, periodista y poeta galés, Joe Dunthorne. La novela de Dunthorne consta varias partes: Prólogo, epílogo y tres capítulos, en los que se encuentran personajes vitales en el devenir de Oliver Tate.

A ésta le da seguimiento una de las partes más relevantes de la película, el amorío que comparten Oliver y Jordana. Jordana Bevan no es el tipo de adolescente a la que le gustan las cosas románticas, prefiere llevar una relación divertida, pero sin involucrar demasiado los sentimientos, pero esta postura termina cuando se ven involucrados diversos factores que atizan los sentimientos de ambos.

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A pesar de la relación que Oliver mantenía con Jordana, la enorme digresión del matrimonio desventurado de sus padres hace a Oliver discernir a que situación le prestará más atención. Al noviazgo que intenta mantener , o a la frágil relación marital de sus padres.

La película consta también de un destacable soundtrack, nombrado de la misma manera, compuesto especialmente por Alexander David Turner, conocido como Alex Turner, líder de la banda británica Artic Monkeys . Cada una de las canciones actúa descriptivamente al transcurrir de cada capítulo de la película.
Los dejamos con el trailer de la película y con el soundtrack completo, para que lo disfruten en estas tardes de otoño.

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Chalán, pionera en la exhibición online

Hoy miércoles 21 de noviembre, Chalán se convertirá en el primer largometraje mexicano estrenado por internet. Su transmisión será gratuita vía streaming a través de NuFlick.com, un sitio mexicano especializado en distribución de cine bajo demanda en Internet enfocada en cine mexicano, independiente, alternativo y festivales. La función será a las 20 hrs. Para ingresar, sólo se pide registrase en el servicio, instalar el software y entrar al sitio en la hora anunciada para disfrutar la película.

El director del film es Jorge Michel Grau, conocido por su ópera prima Somos lo que hay, primer cinta mexicana a la que se le hace un remake hollywoodense. El guión es de Edgar San Juan, quien retrata el día a día de Alan -chofer y asistente de un diputado federal-  cuya existencia consiste en aguantar la ira y prepotencia de su superior; sortear el menosprecio de los escoltas y sobre todo, limpiar todo rastro de las travesuras del diputado.

La producción de esta película resultó una de las ganadores de la Primera Convocatoria de Apoyo a la Producción de Largometraje Telefilm Digital “Ficción 22”, impulsada por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y Canal 22.

Para registrarte y ver la película puedes dar clic aquí. También puedes visitar el sitio oficial de Chalán y encontrar diversos archivos descargables, como un póster, una playera, un stencil, entre otros.

Aquí el trailer.

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La muestra del CCC: XL aniversario

La muestra del Centro de Capacitación Cinematográfica llega a la Cineteca Nacional del 16 al 19 de abril.
En esta ocasión reúne 24 producciones que se han terminado a lo largo del año 2014. La muestra incluye 19 cortos de ficción, 5 largometrajes y un documental. Cada una de las producciones es resultado de la formación de los estudiantes de la Licenciatura en Cinematografía.
CCC
Los largometrajes que se presentarán son:
‘El silencio  de la princesa’ de Manuel Cañibe, la ópera prima documental CCC-FOPROCINE, estrenada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Además,  ‘Los Hámsters’ de Gil González Penilla (tesis), Mejor Ópera Prima, Guanajuato.
Los Hamsters
‘El regreso del muerto’ de Gustavo Gamou (tesis), ganador del Premio Puma México en FICUNAM.
Y los documentales realizados en el taller de tercer año, ‘Memoria oculta’ de Eva Villaseñor, Mejor Mediometraje, Festival dei Popoli, Italia y ‘Gone Missing’ de Till Cöster.
Memoria oculta
Como toda producción de los del CCC, los cortometrajes se difunden en festivales de cine nacionales e internacionales, así como en una gira por distintos estados de la República. Los cortometrajes realizados en 2014 han participado en festivales destacados como Sundance, La Habana, Plus Camerimage, Bilbao y  han recibido premios y reconocimientos en Monterrey, Sao Paulo, Biarritz y Morelia. 
Como labor de apoyo a sus alumnos el CCC presenta aproximadamente 80 películas en más de 200 eventos al año. Ello con el objetivo de acercar los las producciones de la escuela al público. Los cortos se han transmitido en televisoras públicas en el DF, Michoacán y Morelos; actualmente se pueden ver 26 cortometrajes en línea de manera gratuita: bit.ly/CortosCCC
La programación de la muestra de este año la pueden revisar aquí.

Originally posted 2015-04-18 00:22:44. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 17: La Leyenda de la Llorona

Casi llegando a la recta final de las producciones actualmente terminadas de Ánima Estudio, y siguiendo con las aventuras de Leo San Juan, la historia que originalmente fuera desarrollada por Animex, cambió de hogar para una secuela, que abordó la misma temática y los mismos personajes, esta vez enfrentándose al que quizá sea el espectro más conocido de la cultura mexicana. De ese modo hace algunos años llegó a las pantallas de cine La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011).

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 Para empezar tenemos la gran pregunta, ¿Por qué Animex hizo la primera película y Ánima la segunda? Pues bien, hay muchas teorías al respecto; Algunas personas aseguran que el estudio Animex pasó por complicaciones económicas y por lo mismo decidió vender los derechos de la historia, sin embargo el propio director y escritor de la cinta original, Ricardo Arnaiz, declaró que esta decisión constaba de una alianza estratégica en la cual Ánima produciría la nueva aventura ya que Animex se encontraba con una gran carga laboral por dos proyectos fuertes, uno de ellos está próximo a estrenarse y el otro aún se encuentra en producción, mas adelante indagaremos sobre ellos.

 De ese modo, el nuevo director Alberto “Chino” Rodriguez, responsable de la dirección en varios capítulos de El Chavo (El Chavo, 2006-2013) y de la cinta AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010) retomó la historia con producción, historia y guión del propio Ricardo Arnaiz y volvió realidad ese sueño que varios fans de la Nahuala tenían (el final de la primera película daba pie a una secuela).

 En la historia, Leo San Juan y sus amigos llegan hasta el pueblo de Xochimilco, donde varios niños han sido secuestrados por el malvado espíritu de la llorona, una mujer resentida por la pérdida de sus propios hijos. En su camino, Leo conocerá a una nueva amiga: Kika, una simpática niña que está decidida a salvar a su hermano Beto, quien fuera capturado por la mujer fantasma. Así mismo, la llorona no es el único peligro que Xochimilco guarda, ya que también está la amenaza de la Isla de las Muñecas donde extraños sucesos se desarrollan.

 La premisa es muy atractiva y es una digna continuación a la aventura que ya conocíamos, además no se detiene ahí, sino que abrió camino a una tercera parte que pronto podremos disfrutar en cines: La Leyenda de las Momias (La Leyenda de las Momias, 2014). Pero…  ¿es tan buena como su predecesora? La cinta originó todo tipo de comentarios y es difícil optar por una verdad absoluta, sin embargo la opinión de su servidor es la siguiente.

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 Para empezar se aprecia mucho que la mayoría de la esencia de la nahuala sea respetada, de hecho hay una secuencia al principio que nos resume la primera película. No obstante, el estilo de Ánima resalta mucho. Animex usa un estilo en diseño de personajes y fondos muy característico, manual y artesanal. Ánima ya usa un concepto un poco más tecnológico con escenarios hechos casi enteramente en 3D y con diseños de personajes más apegados al programa de Adobe Flash.

 Esto, aunque mínimo, resultó un problema para los amantes de la primera parte. Además de eso, el cambio de voces fue fundamental también. Cuando la nahuala nos trajo las voces de monstruos de la actuación muy reconocidos, la llorona cambió casi a todo el elenco, siendo la voz de Rafael Inclán la única que aparentemente fue respetada como el Alebrije.

 Dicha situación costó la perdida de chispa en varios personajes como el de Don Andrés (La voz de Andrés Bustamante es simplemente inigualable) y un Leo San Juan mucho más maduro. No es que sea malo, al contrario, es aplaudible ver a un protagonista que va creciendo y madurando, sin embargo en cuestiones de continuidad, es extraño suponer que un niño asustadizo se volvió un joven más alto y con voz más adulta en el viaje a Xochimilco que, en teoría, habrá durado unos cuantos días en globo. (Nuevamente cito, la nahuala termina cuando salen de Puebla rumbo a Xochimilco y la Llorona empieza cuando llegan a su destino).

 Lo cual suma a otros errores de continuidad, al hecho de extrañar a varios personajes de la cinta anterior, la ausencia de la banda sonora original compuesta por Gabriel Villar y la aparición de nuevos personajes que no pueden dejar de compararse con algo ya visto en cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) haciendo aún más evidente la inspiración que esta historia ha tenido en el universo de Tim Burton nos hacen desear que Animex hubiera continuado el relato. No obstante, el trabajo tampoco es malo, a su modo y estilo se trata de una muy buena película, disfrutable para todas las edades, una animación mucho mejor lograda y con un equilibro de comedia, drama y hasta un toque de horror muy aceptable.maxresdefault

 A mi parecer es una de las mejores cintas de Ánima y como punto adicional, el diseño de la llorona es magnífico, me emocionó ver algo que pocos logran al dar un espectro de caricatura en verdad temible que incluso pudiera compararse a fantasmas como los aparecidos en The Gruge: La Maldición (The Grudge, 2004) o La Dama de Negro (The Woman in Black, 2012).

 En conclusión, La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) es un trabajo excepcional, ampliamente recomendable y digno heredero de las aventuras de Leo San Juan. Al final de la película nos deja con dos deseos, ver la tercera parte de la saga y que el personaje de Kika (que en serio se gana al público) aparezca en esta misma.

Originally posted 2014-05-12 00:20:43. Republished by Blog Post Promoter

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

Originally posted 2013-01-03 22:21:51. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

Originally posted 2014-11-06 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

Conan el niño del futuro

 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

Originally posted 2014-08-28 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

Originally posted 2014-04-04 02:26:14. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

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Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Originally posted 2014-12-22 10:03:08. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

Originally posted 2014-07-28 09:25:21. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

Originally posted 2014-09-08 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación:

 

 

Originally posted 2013-12-12 19:55:32. Republished by Blog Post Promoter

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

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KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: Jóvenes directores con futuro

Por: Jesús Herrera

 

El cortometraje es el primer paso de un novel director en el largo camino del quehacer cinematográfico. En ellos, los jóvenes directores tienen la oportunidad de lograr un acercamiento a la realización de un film sin la necesidad de contar con un gran presupuesto para ello.

Son numerosos los cortometrajes que se realizan año tras año alrededor del mundo, sin embargo, a pesar de su gran calidad, muchos de ellos quedan en el olvido debido a la nula o escasa difusión y los pocos espacios de exhibición para tales trabajos. Por ello, Chulavista hace un recuento de algunos directores que tienen un gran futuro en el cine. Aquí sus trabajos:

Edgar Nito

Es egresado del CCC, su cortometraje Y Volveré (2010) ha sido ganador en numerosos festivales, los más importantes: SITGES, GIFF, LEBU y Screamfest L.A.

Shaun Escayg

Es egresado de la School Of Communication Arts, nación en Trinidad y Tobago, se ha dedicado, principalmente, a la animación y efectos especiales. Entre varios trabajos destacan Transformers 3 y su cortometraje Fish (2012), con el cual fue semifinalista del Your Film Festival de YouTube.

David Muñoz

Es estudiante del CUEC, su cortometraje Salvador (2011) fue uno de los seleccionados para el Tercer Rally Universitario del GIFF

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Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

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Tarantino y el Western

 

Quentin Tarantino ha construido una reputación que le coloca aparte, como a muchos otros directores, de la montaña de contenido audiovisual producido en Hollywood.

El audaz realizador se ha preocupado por contar historias clásicas en formatos novedosos. Sus personajes, simples y definidos aunque no por eso unidimensionales, suelen entrelazarse en historias contadas a través de cronologías alternativas a la lineal.

Si Pulp Fiction y Jackie Brown tienen influencias más marcadas del cine de mafiosos, Kill Bill e Inglourious Basterds se acercan más al western por sus temáticas recurrentes como la venganza, los llaneros solitarios y los duelos a muerte. Sin duda, el género interesa e inspira al director originario de California.

Sin embargo, Tarantino nunca se había lanzado a realizar un western cuyo marco escénico de hecho fuese el viejo oeste de aquel ex Estados Unidos conquistado y domesticado sólo a medias. Hasta ahora.

Django Unchained, su más reciente producción a estrenarse mundialmente a finales de diciembre, es un homenaje al género del spaghetti western, que dominó las pantallas en el vecino país del norte durante los años sesenta y setenta del siglo pasado. Eran películas situadas en el viejo oeste y producidas mayoritariamente por italianos.

La cinta de Tarantino lleva el nombre de una de las películas más emblemáticas de la era del spaghetti western (Django, 1966), la cual a su vez inició un frenesí de westerns con el mismo nombre pero con historias y personajes distintos.

Con un elenco estelar que incluye actores como Jamie Foxx, Christopher Waltz, Leonardo Di Caprio y Samuel L. Jackson entre otros, la historia gira alrededor de un esclavo negro (Foxx) recién adquirido y contratado por un cazarecompensas (Waltz) para eliminar por venganza a una pandilla de matones a cambio de su libertad definitiva.

Tarantino ha declarado que quería hacer una película sobre un tema fundamental en la historia de Estados Unidos como la lucha por la libertad de los afroamericanos, pero quería mantenerlo en un marco relajado como el que permite el spaghetti western.

La nueva entrega del carismático cineasta seguramente despertará fuertes aficiones y desprecios. El estilo de Tarantino no siempre gusta y su gusto por la hipérbole visual y la violencia gráfica no es para todos los estómagos. Quizá la única garantía al entrar a la sala de cine a ver un film de Tarantino sea que la película proyectada sin duda será un trabajo con mucho oficio y reflejará preocupación por la construcción de universos detallados y excéntricos personajes.

Trailer de Django Unchained:

Originally posted 2012-11-30 18:00:05. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Originally posted 2014-11-07 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

Originally posted 2014-10-20 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Películas prohibidas

La semana pasada escribí acerca de unos cuantos libros que han sido censurados a lo largo la historia y alguno que otro sigue siendo vetado hasta nuestros días. Por su parte, las películas también se han visto afectadas por esta práctica. Es apropiado decir que, como el ejemplo de la nota anterior, en Cinema Paradiso el padre del pueblo se encargaba de ver las películas antes que el resto del público para eliminar las escenas obscenas.

 Esto es porque la iglesia tuvo una gran influencia en diversos aspectos. La iglesia no sólo estaba conjugada con el gobierno sino que los monjes, hace mucho tiempo, se encargaban de escribir los libros una y otra vez para mandarse a otros monasterios. Para los hombres que deseaban conocer más cosas del mundo, tenían que volverse religiosos con tal de llegar a esa información, puesto que no estaba abierta para todo el público.

Pintura de un escribano

 En fin.  La primer película de la que hablaré es La Brújula Dorada que salió en el 2007 inspirada en la saga de His Dark Materials que se publicó en 1997 por Philip Pulman. Aunque tuviera muy buena animación no salió una segunda parte porque el Vaticano consideró que el film hacía que le público tuviera una “idea equivocada de la iglesia”. Afortunadamente no vetaron los libros y son accesibles en cualquier país hasta ahora, por lo que si desean saber el final de la historia conviene que lo consigan.

 La segunda película es una de mis favoritas. El Ciempiés Humano 2 fue temporalmente prohibida en Australia por ser tan explícita, violenta y con escenas de sexo tan grotescas. La verdad es que el encanto de esta obra es el hecho de que parece un film de terror de los años treinta por ser blanco y negro, en contraste con la rudeza de la historia. 

 El ciempiés humano es la historia de un doctor experto en la separación de siameses que tenía el deseo de juntar tres personas como si fuera un ciempiés para crear una nueva forma de vida. Entonces encuentra a sus víctimas, quienes viven como la nueva mascota del doctor. La historia tiene sus errores, pero la actuación del villano es increíble. La segunda parte es de un pobre y trastornado hombre que desea hacer la misma criatura, pero no es doctor, por lo tanto no usa anestesia para su plan.

 Otra buena película de miedo que entró en esta lista fue La Masacre de Texas. Su versión original, estrenada en 1974, no fue bien recibida en Alemania y prohibida temporalmente en Islandia y Noruega por la violencia de las escenas.

 Incluso se prohibió a Los juegos del hambre en Vietnam por ser violenta, algo que se ve como un paseo de preescolar comparada con la película más vetada: A Serbian Film creada en el 2010 por Srđan Spasojević.

Pero la ganadora de todas es Cannibal Holocaust. Prohibida en Islandia, Nueva Zelanda, Noruega, Bután, Grecia, Irán, Islandia, Kuwait, Moroco, Noruega, Filipinas, Singapur, Sudáfrica, Sir Lanka, Suecia, Turquía, entre otros. Al parecer esta película lanzada en 1979 por Ruggero Deodato tiene escenas de fuerte maltrato animal y violencia. Por lo tanto tiene tantas prohibiciones.

 No he encontrado una película prohibida en México, por lo cual pueden buscar cualquiera de la lista en internet y verlas bajo su propio riesgo. Si saben de alguna que aquí no se pueda ver, háganmelo saber en los comentarios y hasta la próxima. 

Originally posted 2014-08-21 12:55:44. Republished by Blog Post Promoter

12ª Semana de Cine Alemán y las nuevas propuestas cinematográficas

Una vez más, la Cineteca Nacional en colaboración con el Goethe-Institut Mexiko y el complejo comercial de cines Cinépolis, traerán la 12ª Semana de Cine Alemán en la Ciudad de México del 15 de agosto al 1 de septiembre.

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12ª Semana de Cine Alemán en México

Con un interés particular en la creación de jóvenes cineastas en Alemania, y en especial a la visión femenina, se presentarán nueve ficciones y tres documentales; además, en su inauguración, se proyectará la primera parte de la película Los nibelungos (1924) recientemente restaurada del conocido director alemán Fritz Lang.

 La programación y curaduría incluye una retrospectiva dedicada a la actriz  y diva del cine alemán Barbara Sukowa que estará en el ciclo, el acercamiento al productor Ben von Dobeneck de la película Polvo sobre nuestros corazones y de la directora Anne Kodura que presentará su documental Tierra desolada: Para que nadie se dé cuenta.

La 12ª Semana de Cine Alemán es una grata plataforma que permite el acercamiento del publico mexicano a cintas que han sido proyectadas y multipremiadas recientemente en festivales de cine como Locarno, Cannes, Berlinale, entre otros. Con una propuesta multifacética, la intensión es presentar distintos tópicos, distintas perspectivas, distintas visiones que trabajan biografías, la preocupación por el sin sentido de la vida contemporánea, el papel del hombre que se debate entre la orientación y la desorientación.

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Oh Boy, 24 hrs. en Berlín (2012) de Jan Ole Gerster

 Contenidos diversos que hacen una suerte de recorrido histórico de cine, de directores, de momentos en la historia de Alemania: desde la puesta en escena del cine de Lang, el particular tratamiento sobre el tema de la segunda guerra mundial con Lore de Cate Shortland, el éxtasis de la sociedad contemporánea con Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerste, hasta las propuestas más arriesgadas como El extraño gatito de Ramon Zürcher, presentado en Forum, la sección experimental en la Berlinale.

En la clausura se proyectará Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2) de Fritz Lang. Las sedes para este festín de cine serán las salas de la Cineteca Nacional y las llamadas Salas de Arte de los complejos Diana, Perisur e Interlomas de Cinépolis en el Distrito Federal. Además, la oferta cinematográfica hará un recorrido por otras ciudad del país como Puebla, Mérida y Querétaro y , gracias a la adquisición de los derechos de las películas Hannah Arendt, Lore y Mi amigo alemán, formarán parte del catálogo y tendrán su espacio en más salas de cine.

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Para más información de la programación completa, consulta la página de la Cineteca Nacional, del Goethe-Institut Mexiko y de Cinépolis.

Ficción:

Los nibelungos: La muerte de Sigfrido (parte 1)
Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2)
El amigo alemán de Jeanine Meerapfel
Polvo sobre nuestros corazones de Hannah Doose
El extraño gatito de  Ramon Zürcher.
Lore de Cate Shortland
Nada malo puede suceder de Katrin Gebbe
El hijo adoptivo de Markus Imboden
Silvi de Nico Sommer
Hannah Arendt de Margarethe von Trotta
Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerster

Documental:
No me olvides de David Sieveking
Tierra desolada: para que nadie se dé cuenta de Anne Kodura
El brillo de los días de Tizza Covi y Rainer Frimmel

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Hannah Arendt (2012) de Margarethe von Trotta

 

 

Originally posted 2013-08-08 19:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- cinematerapia

Hace algunos días, mi mejor amiga criticaba la película Maléfica por el hecho de buscarle un trasfondo para hacerla ver buena (aunque en realidad sea mala). Me había percatado que el buscarle una “razón de ser” al villano de la película o de la historia, se estaba volviendo algo muy común.

El film Maléfica se hizo más como una búsqueda de justicia para la famosa villana que como se presentó hace años en la primera entrega de disney.

 Se supone que Elsa de FROZEN, iba a ser una villana hasta que escucharon su canción: LET IT GO. Por la cual cambiaron todo el guión y hacerla como una persona afligida. Incluso en la película: Juego Macabro II se explica que el asesino Jigsaw no hacia los juegos por diversión; sino porque tenía cáncer y deseaba hacer que las personas que elegía comenzaran a apreciar su vida de mejor manera.

 Les haré una pregunta, ¿si ustedes estuvieran en la situación de Maléfica, Elsa, o Jigsaw habrían actuado de la misma manera que ellos?

Esta película puede ayudar a alguien para superar la muerte de un ser querido

 La verdad es que estas películas van a tener una labor más grande. A lo largo de los años ha habido películas que nos hacen llorar por el mensaje que tienen y nos marcan. Esas marcas que llevamos en el corazón por las historias han comenzado a tener un nombre y se llama Cinematerapia.

 Identificarnos con un personaje o situación es una manera en cómo la cinematerapia funciona. Es como la pregunta que hice, pero a un nivel más complejo. Somos el único tipo de ser viviente que aprende por reflexión. Esto significa, que no tenemos que vivir algo para saber si es bueno o malo, con la pura historia de alguien más podemos darnos cuenta.

 Los fundadores de la cinematerapia tienen su propia página de internet http://www.cinematherapy.com/ en donde pueden leerse las razones por las cuales este tipo de terapia funciona. Así como toda la lista de películas con las que ellos han trabajado.

 Dicha lista se divide en: inspiración, problemas personales, sociales, niños, adolescentes, problemas familiares, de pareja, enfermedad mental, emocional y problemas médicos.

 La pregunta que todo mundo hace, ¿qué tipo de películas hay en esa lista?.Pensando que serán títulos de hace mucho años, o que son películas de arte que nadie va a poder conseguir. La realidad es que muchos de los films ya los hemos visto, pero no teníamos idea de que nos podrían ayudar.

 Por ejemplo. Una de mis películas favoritas es Más allá de los sueños, y aparece en esa lista como una película que ayuda a superar la muerte de un ser querido. Puede que esa sea muy fácil, pero en el caso de La Bella y la Bestia, dicha película está en la lista de problemas como: la  desfiguración.

 Ya si lo pensamos de esa forma, podría ser el caso. La bestia era un príncipe y vivió pensando que nadie lo amaría (por el hecho de verse horripilante), como alguien con alguna desfiguración. La película sería de gran ayuda al final.

 Espero que chequen la página. Yo cuando la descubrí hace unos años me la pasé pensando en que era una manera bastante interesante de utilizar el cine. El arte es, a final de cuentas, un escape para los sentimientos.

Originally posted 2014-07-08 18:30:44. Republished by Blog Post Promoter

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

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 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Originally posted 2014-11-24 12:45:15. Republished by Blog Post Promoter

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

Originally posted 2015-01-02 09:20:27. Republished by Blog Post Promoter

Especial Laika: Coraline y la Puerta Secreta

Celebrando el anuncio de la primera película de animación stop motion en México, en esta ocasión comenzaré con un muy pequeño especial acerca de un estudio estadounidense que aunque no cuenta con una gran cantidad de películas hechas, sus productos poseen con una enorme calidad al grado de que han sido de los pocos estudios (quizá el único) que cada película que hace es nominada a toda clase de premios. Este estudio ha ganado fama por su habilidad en animación stop motion con tres películas que comparten un tema, el horror dirigido a niños.10891629_800

 Hablo del estudio Laika, propiedad de Phil Knight y la empresa Nike. Este estudio se dio a conocer oficialmente y a nivel internacional en el 2009 tras el estreno de su ópera prima, Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009) del director Henry Selick, aquel que ya mostrara ser un titán en la animación de este estilo tras dirigir cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) y Jim y el Durazno Gigante (James and the Giant Peach, 1996). La película de Coraline está basada en la novela de Neil Gaiman, publicada en el 2002 y fue un éxito a nivel taquilla y critica.

 La cinta nos cuenta la historia de Coraline (No, no es Caroline), una niña que vive enojada y aburrida de su existencia rutinaria. La relación con su madre es tensa y las cosas empeoran cuando su familia decide mudarse a una vieja casa que ha sido dividida en departamentos que son habitados por excéntricos vecinos. Un día, Coraline descubre una puerta extraña que la lleva a un mundo paralelo al suyo, una especie de mundo del espejo donde cada persona de su mundo está reflejada ahí, pero siendo totalmente diferente a lo que es realmente. Como característica de este mundo, todos sus habitantes tienen ojos de botón. En ese lugar, Coraline conoce a su Otra Madre, quien parece tener siempre tiempo para ella y un carácter mucho mas agradable y divertido que su madre real. Coraline queda fascinada con este universo al grado de querer regresar una y otra vez, sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que descubra que nada es lo que parece y que un oscuro y aterrador secreto se esconde detrás de la puerta.

 La película resulta ser una propuesta más que interesante, con una animación impecable, un diseño de producción sin igual y una banda sonora peculiar, aunque totalmente cumplidora. El mensaje que da es importante para todos aquellos que no aprecian lo que tienen y que fácilmente pueden sucumbir a aquello que parezca ser perfecto en un mundo donde no todo lo que brilla es oro. Así mismo, la película es una opción familiar y dirigida a niños, pero sorpresivamente tiene el suficiente nivel de suspenso y horror para complacer a los amantes del género. Es una película que puede ser disfrutada por todos, incluso es considerada de culto por un sector del público, sin embargo esta característica puede ser un punto negativo para aquellos niños que sean muy asustadizos.

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 Además de eso, la película podría tranquilamente catalogarse como cine de arte, con un manejo de situaciones donde el surrealismo domina casi todo. A veces puede ser confusa, muy extraña para algunos espectadores. Aquellos que no disfruten de este tipo de historias mejor absténgase de verla, pero al menos los invito a ver algunas escenas y descubrir que visualmente esta película es una maravilla. Fue la primera película del que se ha vuelto un titán de la animación. Una obra maestra en todo su esplendor, aunque como dije, para un público muy específico. Los invito a verla y dar su propia opinión. Háganlo y créanme, no volverán a ver los muñecos con ojos de botón con algo adorable.

https://www.youtube.com/watch?v=LO3n67BQvh0

 

Originally posted 2015-02-12 10:10:26. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

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¿Cómo harían los mudos una película muda?

Pensamos a través de un lenguaje que aprehendimos a través del oído principalmente. Abstraemos gracias a ello y generamos pensamiento, transmitimos ideas. Pero ¿cómo se manifiestan las personas sordas? José Antonio Cordero, egresado del CCC, captura estos conceptos, los sueños de un grupo de sordos que viven en la costa de Oaxaca, en su filme Música ocular que estará en la cartelera de Cineteca Nacional hasta el próximo 20 de junio.

En una serie de relatos, se narra, en su propio lenguaje de señas, la vida de personas cuya ausencia de oído no les imposibilita contar su historia develando las aspiraciones, los sueños, el miedo y su concepción del mundo a través de su sordera.

Una opción para esta semana donde podemos enfrentarnos a algo completamente alterno, que si no podemos comprender, al menos tratar de asimilar y generar una simpatía que nos deje una experiencia para desarrollar no sólo nuestro conocimiento intelectual, sino moral.

A continuación el trailer del film:

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Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

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La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

Originally posted 2014-11-27 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

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Ciclo de cine express: el rotoscopio

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

En la era digital de la producción cinematográfica, pocas técnicas tradicionales de animación han sobrevivido tan bien como la animación por rotoscopio. Aunque adaptado a las herramientas contemporáneas, este método ha dado a luz a algunos de los proyectos animados más interesantes de la última década.

La forma más común actualmente de animar mediante esta técnica es filmar en video de alta calidad y editar un primer corte, luego fragmentar el material en cuadros independientes y finalmente ilustrar cuadro por cuadro para agregar o sustraer elementos y modificar el material original.

El resultado es un look híbrido entre video y animación que adquiere la forma de una caricatura hiperrealista. La ventaja es que se tiene una base, que es el material original, sobre la cual se puede jugar para sobreponer y dislocar las imágenes, exagerarlas, darles vida propia, etc.

Waltz with Bashir es una realización de Ari Folman también híbrida en su género por combinar entrevistas y tomas propias de un documental con animaciones que representan sueños y situaciones ficticias. La historia es la de un soldado israelí que luchó en la Guerra del Líbano de 1982 (el mismo Folman) que busca reconstruir sus memorias olvidadas de aquellos años.

Waking Life es el primero de dos esfuerzos en el campo del rotoscopio del director estadounidense Richard Linklater, considerado como un bicho raro por la comunidad hollywoodense. La película, también un cuasi-documental, es una frenética sucesión de secuencias y sketches en los que se repasan y discuten temas relacionados con la vida, la muerte y los sueños. Algunos años más tarde, el mismo Linklater dirigió una pieza de ficción animada por rotoscopio basada en el clásico de Philip K. Dick A Scanner Darkly. Protagonizada por Keanu Reeves y Robert Downey Jr, relata un futuro distópico en el cual un agente policial encubierto ve sus realidades empalmadas al punto de la confusión por el consumo de una sustancia que está destruyendo a la humanidad.

Paprika de Satoshi Kon es una pieza anime sobre doctores que investigan nuevas técnicas para tratar traumas psicológicos mediante la introducción a los sueños de individuos y su exploración. Aunque sólo utilizada en las secuencias de los sueños, la técnica adereza la película por la maestría y sutileza con la que se aplica.

 

Waltz with Bashir (subtitulada)

 

Waking Life (en inglés sin subtítulos)

http://video.google.com/videoplay?docid=7583894250854515095

 

A Scanner Darkly (doblada al español)

http://vk.com/video113238821_162294780?hash=d9e6560cbf9aa445

 

Paprika (doblada al español)

Originally posted 2012-10-03 20:00:44. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de Cine Express: Revolución

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Cada año a estas alturas se escucha y promueve en nuestro país el tema de la Revolución Mexicana como un hecho cuasi mítico, con todos sus personajes -los buenos, los malos, los héroes y villanos. Con toda seguridad, la historia de lo que realmente sucedió difiere de las versiones plasmadas en los libros de texto de la SEP y cuenta con un sinfín de matices, complejidades y contradicciones. Pero es el aspecto que más se da por hecho precisamente el más cuestionable también -¿significó ese movimiento armado una verdadera revolución para el país?

El latín re-evolutio originalmente era utilizado para describir una regresión a algún estado anterior de las cosas. Literalmente “volver a girar”, significaba “enrollar” algo que ya había sido “desenrollado (evolutio)”. La Revolución Francesa, impulsada por las ideas ilustradas, puso fin para siempre a la monarquía en aquel país y encaminó al mundo occidental hacia la democracia participativa como forma de gobierno. El movimiento también marcó una transformación en el uso del término “revolución”, que fue utilizado a partir de entonces en un contexto sociopolítico y con una connotación hacia el progreso.

Después de ese movimiento, la palabra se convirtió en un primer nombre para muchos movimientos alrededor del mundo que buscaban por lo general expulsar a algún gobierno y generar un cambio drástico en las sociedades que los engendraban. Los estadounidenses nombraron revolución a su lucha por emanciparse. La Revolución Soviética llevó a los comunistas al poder y la Revolución Cubana hizo lo propio en el Caribe, de la mano de personajes como Fidel Castro y Ernesto “El Che” Guevara.

La idea de los cambios violentos que conducen al progreso ha permeado con fuerza en la humanidad. El término “revolución” sigue asociado en la conciencia colectiva a un romanticismo místico, a pesar de que a estas alturas ya se ha visto que las revoluciones forman parte de la gran cadena de transformaciones que las sociedades suelen sufrir cíclicamente, y que no necesariamente lleva a un mundo ni a una vida mejor. Los cambios sin retorno en distintas áreas no asociadas a la política también han llevado el mote, como en el caso de la “revolución industrial” y más recientemente la “revolución de la información”.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a algunas de las revoluciones más notables de la historia.

Apodada “la madre de todas las revoluciones”, la Revolución Francesa significó un verdadero cambio en el paradigma social, político y religioso de las potencias occidentales. Desvirtuada al final, como suele suceder, se trata del acontecimiento sociopolítico más relevante de la historia reciente. Este documental del History Channel relata con detalle el movimiento de principio a fin. (En español)

La Revolución Mexicana fue un movimiento armado cuyo propósito era derrocar la dictadura de Porfirio Díaz, instalar la democracia sin reelección como forma de gobierno y recuperar la tierra para los campesinos. En estos objetivos, el movimiento fracasó o tuvo éxito sólo parcialmente. En este documental se hace un recuento de la una de las revoluciones más largas y sangrientas de América. (En español)

La Revolución Cubana fue el principal triunfo del comunismo en América, y situó a la pequeña isla del Caribe en el centro de la pugna entre las máximas potencias mundiales de ese entonces, conocida como la Guerra Fría. Cuba, Caminos de Revolución es una retrospectiva -quizá demasiado optimista- del movimiento. (En español)

Islandia, la Revolución Silenciosa es un reportaje de TeleSur acerca del movimiento ciudadano en el pequeño país escandinavo que en los últimos años y ante el peor desastre financiero de su historia arrebató el poder a la clase política. Se trata de un suceso poco difundido por los medios masivos que ha generado admiración y asombro para otros países cuyo sistema político y económico se encuentra secuestrado por minorías privilegiadas. (En español)

Cómo Empezar una Revolución es un documental acerca de la llamada Primavera Árabe y los movimientos de ocupas e indignados que desde inicios de la actual década han surgido alrededor del planeta en reacción a los malos gobiernos y a la desigualdad. (En español)

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