Garret Leight California Optical: Holiday Collection

Por: Knuxx Vomica

@KnuxxVomica

 

Gareth Leight California Optical es una marca relativamente nueva, que con tan sólo un año de vida, está logrando sobresalir entre la basta industria de gafas oftálmicas y solares ofreciendo armazones hechos a mano con los mejores materiales y los más altos estándares de calidad los cuales son producidos en Mazzucheli, Italia y Japón, con bisagras fabricadas en Alemania y cristales provenientes de Barberini, Italia.

Para su Holiday Collection, contó con la colaboración del fabricante de gafas francés Thierry Lasry el cual optó por lineas clásicas y atemporales que contrastan con los colores brillantes y el acabado de sus cristales en sus gafas de sol y el dedicado terminado de los lentes oftálmicos. Sin duda uno de los accesorios que no deben faltar para comenzar el año.

 

 

http://www.garrettleight.com/

La pueden comprar en línea

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Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Originally posted 2014-11-21 19:54:28. Republished by Blog Post Promoter

Winde Rienstra: Geometría poética y viajes nómadas

Winde Rienstra SS13

Armaduras futuristas que cubren el cuerpo como obras de arte: esta es la firma de Winde Rienstra, una diseñadora holandesa que complementa la sustentabilidad con el arte y la naturaleza.

Graduada de la escuela de Diseño de las Artes en Utrecht en el año 2010 y despúes de recibir varios reconocimientos por su trabajo decidió crear su propia linea de ropa hecha con procesos totalmente artesanales que usan materiales como madera, vidrio y cartón, conjugados con un estilo geométrico que usa lineas arquitectónicas que le dan contraste y tensión a las prendas. Toda una locura.

Para su nueva colección primavera-vernano 2013:  Ithaca, Winde se inspira del poema de Konstantinos Kavafis en homenaje a la Odisea de Homero:

As you set out for Ithaka
hope the voyage is a long one,
full of adventure, full of discovery.
Always keep Ithaca on your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for many years
Así, nos conduce a través de diferentes culturas que muestran su propia identidad, tomando elementos de tribus nómadas que usa por medio de técnicas tradicionales de tejido con lana y seda en matices de colores en tonos suaves como el verde, azul y beige.
Manteniendo su línea de contrastes, esta temporada diseñó el calzado con bloques de Lego, detalles con cordones y pequeños pompones al frente, que sinceramente, están increíbles.
La personalidad de cada colección de Winde es única, su enfoque en los detalles y la experimentación en cada prenda hacen incomparable su estilo. Minuciosamente perfecto.

Winde Rienstra SS13

Winde Rienstra SS13

Originally posted 2012-08-10 19:00:55. Republished by Blog Post Promoter

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Originally posted 2015-02-25 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

Originally posted 2013-01-21 16:15:20. Republished by Blog Post Promoter

Tenis que echan raíces, una creación más de moda verde

OAT Shoes, empresa holandesa dedicada al diseño de calzado, creó una línea de tenis que tienen la capacidad de convertirse en macetas o en alimento para la tierra al plantarse luego de ser desechados, lo cual es posible debido a los diversos materiales biodegradables con que se fabrican.

Colección Virgin, de OAT Shoes, son tenis que fungen de abono al suelo al ser enterrados.

Estos zapatos deportivos fueron el resultado de dos años de investigación por parte de la empresa mencionada, misma que, en su afán por crear prendas amigables con el medio ambiente, encontró en el hilo cáñamo, el corcho, el boio-algodón, plásticos biodegradables certificados y blanqueadores sin cloro los materiales idóneos para descomponerse por completo al ser enterrados; fue así como, en el año 2011, pudo lanzar al mercado los primeros tenis de este tipo gracias al diseño de Christian Maats y Dirk-Jan Oudshoorn, según apunta el sitio web isopixel.net

Aparentemente, los OAT son unos tenis comunes y corrientes que pueden usarse en incontables ocasiones, ya sea para realizar algún tipo de actividad física o vestir de manera casual; sin embargo, cuando el dueño ya no pretenda utilizar su par lo único que debe hacer es enterrarlo en un jardín para que, después de un tiempo, los materiales se desintegren y vuelvan a formar parte de la naturaleza, lo cual, a su vez, produce un efecto de abono en el suelo.

Cabe mencionar que cada par incluye un pequeño paquete de semillas en la lengüeta para que, en caso de que el dueño lo decida, pueda cultivar flores silvestres en el orificio donde antes introducía su pie, menciona isopixel.net.

La empresa OAT, fundada en 2008, crea diseños a partir de la idea de que el futuro de la moda está en la reconciliación de la industria con la naturaleza, pues gracias a esta última es posible obtener materiales para crear y es necesario tomar decisiones verdes para salvarla, según apunta en su página de Internet www.oatshoes.com.

Tenis que echan raíces.

La colección Virgin, como fue nombrada esta serie de tenis, se presentó en la Semana Internacional de la Moda de Amsterdam 2011, donde, además, se llevó a cabo una competencia de Moda Verde en la cual la empresa ganó el segundo lugar gracias a esta idea de moda amigable con el ambiente.

En 2011, OAT lanzó al mercado una edición limitada de 900 piezas, las cuales fueron distribuidas en diversas tiendas europeas pero se agotaron rápidamente debido a su difusión por medio de la página de Facebook OAT Shoes. Gracias a su éxito, la empresa holandesa continúa produciendo calzado deportivo biodegradable; sin embargo, su demanda es tanta que los pares se acaban en poco tiempo.

La manera de adquirir estos tenis es directamente en la página de Internet www.oatshoes.com

Originally posted 2013-08-02 17:06:50. Republished by Blog Post Promoter

Fred Perry 60 aniversario

La legendaria marca británica celebra su cumpleaños número 60 invitando a sus más distinguidos seguidores (entre los que se encuentran músicos, diseñadores, influyentes de la moda y el deporte) a intervernir la clásica polo blanca de la manera que quieran. Desde una felicitación escrita en la misma prenda, hasta una customización completa para finalmente exhibir las 25 colaboraciones como una instalación el 26 de Enero en la boutique Dover Street Market de Londres para posteriormente viajar a  I.T Beijing Market en Marzo y cerrar en Dover Street Market Ginza en Abril. Después de esta pequeña gira, las playeras serán subastadas para donar lo acumulado a la fundación de Amy Winehouse.

Por: Anton Wirjono.   DJ- Indonesia

Asylum  Compañía creativa- Singapur

Bombshelter Agencia Creativa- Malasia

Beams Boutique- Japón

Bora Aksu Diseñadorade Modas- Reino Unido

Christopher Raeburn Diseñador de Moda- Reino Unido

Colette Concept Store -Francia

David David Diseñador de estampado- Reino Unido

Hiroko Takahashi Artista- Japón

Eko Nugroho Artista- Indonesia

i-D Magazine Revista- Reino Unido

Chequen el micrositio creado especialmente por el aniversario de la marca, ahí podrán ver la galería completa de playeras.

 

 

Originally posted 2013-01-04 19:45:10. Republished by Blog Post Promoter

Art Deco Weekend

Para los amantes del Art Deco, del próximo 18 al 20 de enero del presente año se llevará a cabo el Art Deco Weekend en su edición 36º en la ciudad de Miami. El Art Deco Weekend será un fin de semana lleno de eventos, entre ellos conciertos, fashion show, desfiles, exposición de muebles, antigüedades y piezas de diseño así como un festival de cine; todo en torno al Art Deco


Los principales músicos serán Doug Wimbish, uno de los mejores bajistas del mundo, Christian Howes y el grupo Suénalo.

En cuanto a los fashion show los estudiantes de la Miami International University en conjunto con la marca de ropa Bettie Page serán los responsables de deleitar a los asistentes.

La sede será el recinto de Miami Design Preservation League, ubicado en 1001 Ocean Drive, Miami Beach, Fl 33139

Para el Festival de Cine Art Deco se llevarán a cabo las proyecciones de “Some Like It Hot” (“Una Eva y dos Adanes”), “The Artist” (“El Artista”), “The Great Gatsby” (“El gran Gatsby” versión 1949) y “Midnight in Paris” (“Medianoche en París”). La sede para dichas proyecciones será el Lummus Park en el que se podrá disfrutar del cine al aire libre y hasta acompañarlo con un picnic.

Para más información sobre los artistas y horarios pueden consultar el sitio aquí.

Originally posted 2013-01-07 17:40:52. Republished by Blog Post Promoter

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

Originally posted 2014-09-22 09:51:56. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

Originally posted 2013-01-24 16:55:05. Republished by Blog Post Promoter

Las Apariencias Engañan: Los Vestidos de Frida Kahlo

A la inmortalizada figura de Frida se añade un espacio más en la llamada Casa Azul de Coyoacán, que en colaboración con Vogue y BMW, exhibirá a partir de este próximo sábado 24 de noviembre joyas, accesorios y vestidos que la pintora utilizó. Derivado de ello, Vogue realizó como suplemento en su número de noviembre una edición especial cuyo énfasis en los elementos y color aluden en cierto modo a un culto al ícono que Frida constituye.

La actitud desafiante que Frida plasmó en su obra se extiende también como expresión de lo anticonvencional. El uso que ella dio a texturas, accesorios, colores y atuendos, además de los distintos razgos estéticos de ciertas raíces indígenas, quizá revelan con mayor detalle sus cualidades creativas y emocionales.

Carlos Phillips, Director General de los museos Dolores Olmedo, Diego Rivera y Frida Kahlo, declaró al respecto:

“En la forma de vestir de Frida se puede reconocer la creatividad y el profundo sentido del colorido que tenía la artista. Su ropa, además de ser en sí una manera de esconder flaquezas físicas y emocionales, traducía su temperamento. Su atuendo fue un elemento fundamental en la construcción de su fuerte personalidad que la ha hecho trascender en la historia de la pintura del siglo XX”.

Como complemento a la exposión, pueden asistir también a las conferencias de especialistas que el museo preparó.

Más detalles acerca de ésta exposición en la página del Museo Frida Kahlo.

 

 

Originally posted 2012-11-21 18:00:36. Republished by Blog Post Promoter

Top looks FW2013 Menswear

Muchos de los diseñadores de las casas de moda más importantes a nivel mundial ya presentaron sus colecciones para el próximo otoño invierno de este año, proponiendo una renovada manera de interpretar la moda masculina que va desde la revelación del streetwear, combinando texturas y colores brillantes, hasta un clásico traje que encuentra el balance perfecto entre modernidad y elegancia.

Aquí les presentamos los looks más interesantes de la temporada, los más propositivos y nuestros clásicos favoritos de lo que va  de las pasarelas que se han presentado hasta ahora.

 

Image of Paul Smith 2013 Fall/Winter Collection

Paul Smith

Image of COMME des GARÇONS Homme Plus 2013 Fall/Winter Collection

COMME des GARCONS Homme Plus

Image of Hermès 2013 Fall/Winter Collection

Hermès

Image of Alexander Wang 2013 Fall Collection

Alexander Wang

Image of Saint Laurent 2013 Fall/Winter Collection

Saint Laurent

Image of Balenciaga 2013 Fall/Winter Collection

Balenciaga

Image of Dior Homme 2013 Fall/Winter Collection

Dior Homme

Image of Lanvin 2013 Fall/Winter Collection

Lanvin

Image of Thom Browne 2013 Fall/Winter Collection

Thom Browne

Image of Boris Bidjan Saberi 2013 Fall/Winter Collection

Boris Bidjan

 

Image of Damir Doma 2013 Fall/Winter Collection

Damir Doma

Image of Dries Van Noten 2013 Fall/Winter Collection

Dries Van Noten

Image of Acne 2013 Fall/Winter Preview

Acne

Louis Vuitton

Originally posted 2013-01-22 21:49:59. Republished by Blog Post Promoter

TIXINDA: el arte de abstraer el pasado

Por: Mike

@elchinomike

El poder de la identidad habla y se expresa por sí mismo. A partir de ella cada individuo es capaz de construir su realidad momento a momento.

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Es entonces que mediante su creatividad y diseño, TIXINDA da vida a un proyecto a través del cual retoma un sin fin de elementos que representan las distintas perspectivas y riqueza histórica encontradas en las sociedades que en un pasado no muy remoto habitaban la región hoy coloquialmente entendida o llamada “América”.

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Su trabajo no solo integra a  partir de lo prehispánico un conjunto de íconos, colores e incluso personajes con razgos peculiares, sino más allá, transmite bajo una interpretación genuina y divertida, el valor e importancia cultural de las raíces que configuran el presente de la identidad contemporánea en latinoamérica con lo cual convierten todo tipo de accesorios, desde playeras, collares, figuras hasta esculturas, en herramientas que transportan su huella tanto al público local como internacional.

Con este video se explica el trabajo y pasión que sustenta su concepto:

Originally posted 2013-02-25 18:43:19. Republished by Blog Post Promoter

MACHINA: The body as an interface

 Por: Knuxx

@knuxxvomica

 

No es suficiente con vivir a través de la tecnología, es hora de usarla para transformarnos a nosotros mismos y entenderla como filosofía y n solo eso, sino comprenderla también como una extensión del cuerpo. MACHINA logra romper con todos los estándares, al crear un mundo donde la tecnología portable deje de ser una novedad y se convierta en una necesidad de la vida diaria.

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¿Imaginas una chamarra que tenga incorporado un software para mezclar música? Irreal, pero cierto. MACHINA, no tiene límites. Su intención es redefinir el concepto del uso de la ropa como simples prendas, al convertirlas en herramientas que complementen al ser humano al incluir en ellas tecnologías que no repercutan al medio ambiente e involucrar también causas de concientizacion ligadas al activismo cibernético, que ellos mismos denominan (h)ac(k)tivism.

El diseño de estas prendas es una parte muy importante, ya que tiene que buscar la adecuación entre el uso intuitivo y la experiencia en el uso de cada una. Tal es el caso de la MIDI JACKET V.01, por ejemplo, la cual cuenta con dos sensores, un scratch y un keypad + joystick cada uno con funciones independientes que trabajan en conjunto para controlar el volumen de la música, agregarle efectos, controlar la velocidad de la canción entre otras características.

La primer colección llamada: The Body As An Interface, está enfocada al menswear. Esta línea cuenta con t-shirts que incluyen tecnología en tintas y textiles (cambian de color al contacto con la luz solar), chamarras con tecnología electrónica  y jeans que ya están haciendo ruido en todo el mundo.

La convicción firme sobre los principios de creación e innovación de un grupo de creativos anónimos de todo el mundo que trabajan bajo el sello de una marca mexicana revolucionaria no descansarán hasta hacer que la ropa se convierta en un exoesqueleto y permitirnos expandir nuestras capacidades físicas para después llegar a integrar componentes biológicos al hacer que una prenda ya no sea parte externa del cuerpo.

Por ahora MACHINA trabaja en la elaboración de una mochila para ciclistas con leds que actúan como intermitentes y direccionales en la creación de su siguiente colección y el estreno de su pop-up shop en Common People Concept Store; la cual es, hasta ahora, el único punto de venta física o bien, comprar a través de su tienda online en su página web.

 

Más información:

www.machina.cc 

http://twitter.com/M_A_C_H_I_N_A

Originally posted 2012-08-22 10:30:07. Republished by Blog Post Promoter

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

Originally posted 2014-09-01 12:38:29. Republished by Blog Post Promoter

Isabelle Manhes, desafiando las pasarelas

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Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.

Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.

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Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.

 

No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:

 

#Bahidoritos

https://twitter.com/Doritos_MX

https://www.facebook.com/DoritosMX?fref=ts

Originally posted 2014-02-06 16:55:32. Republished by Blog Post Promoter

H&M para Brick Lane Bikes

Ésta vez la marca sueca H&M toma su inspiración del movimiento, la funcionalidad y el diseño que representan a Brick Lane Bikes; un sello londinense que desde 2006 se ha especializado en customizar bicicletas fusionando el rendimiento deportivo con la imagen vintage, un referente obligado para cualquier conocedor del tema que sin duda era la mejor opción para trabajar junto a H&M y crear esta nueva colección para la próxima temporada de primavera verano constará de once piezas previamente usadas y aprobadas por los chicos de Brick Lane Bikes, las cuales introducen materiales sustentables y orgánicos que combinan detalles que hacen más facil la interacción del usuario con su bicicleta, un diseño urbano que se fusiona a la perfección con la experiencia de ver la vida montando a dos ruedas.

“Estamos muy orgullosos de la colección H&M for Brick Lane Bikes. Colaborar con H&M en el diseño de prendas que fusionan moda urbana y ciclista ha sido un proyecto ideal para nosotros. En esto se basa nuestro trabajo y es realmente lo que mejor sabemos hacer”

Es muy buena señal que una gran marca como esta voltee a ver al ciclismo como un movimiento que está cobrando fuerza, al darle un lugar en la moda y crear prendas especialmente para ellos.  El ciclismo, que va más allá de un amigable gesto al medio ambiente, es todo un estilo de vida.

Si quieren conocer más de Brick Lane Bikes visiten su página.

Originally posted 2013-01-16 19:20:45. Republished by Blog Post Promoter

¿Todos somos moda? Reflexión sobre la moda y las normas sociales

Comme des Garçons, una de tantas marcas que crean micromundos en sus colecciones. Crédito: Les Do It.

En el desfile, las modelos caminan y dan sentido a la colección. Con las luces, la atmósfera envuelve al espectador convirtiéndolo en más que un público,  en un universo interno de la colección. Cada desfile, cada pieza es un micromundo con sus sentidos y sus significados, con su trabajo y con su pertenencia.

 Los hilos son cosidos, pero también se cosen los significados en la ropa. ¿Cuál es significado real de la ropa? ¿cubrir? ¿demostrar? ¿comunicar o incomunicar? Seguro las preguntas filosóficas de la moda se responderán observando y sacando conclusiones con cada conducta de la moda. El qué se pone, y porqué lo hace. Cómo es que el impacto de cualquier movimiento social trae consigo una moda en textil o si esta moda textil causa movimientos sociales. Cómo es que dentro de estos micromundos se crean micropensares que arriesgan y expresan ideas subversivas al sistema.

 Pero, ¿qué sistema? ¿existe un sistema de la moda? ¿los cánones son sistema?¿cómo es este sistema el que rige las reglas de cómo vestir y ser vestido? Rojo con azul, zapatos bajos con faldas o bolsas que combinen con el color del cinturón han sido algunas “reglas” impuestas duran siglos ¿por quiénes? Por los que han tenido el poder de las decisiones.

 La confección de una prenda con base a estos cánones representará una conformidad de cómo está organizada una sociedad. Las faldas cortas en los sesenta implementaron una nueva moda entre las jóvenes, aunada a la liberación sexual femenina. A su vez, la confrontación y revelación de los hombres al traje formal también estuvo presente.  Quizá estos cambios de paradigmas en la moda permitieron a los sujetos cambiar su mentalidad también.

 Sin embargo, pienso que la utilización de cánones y de reglas en la moda solo es para el control de estos micromundos, que de tanto he hablado en entradas anteriores (con Michel Foucault) no obstante es interesante hacer la reflexión de cuándo aparecen estas nuevas modas y si actualmente contamos con una nueva moda que nos lleve a cambiar de mentalidad hacia el mundo y sus sistemas.

Maison Martin Margiela, considerada como una de las marcas antimoda en los 90s y actualmente. Crédito: tumblr.com

 ¿Será lo mainstream? ¿será lo hipster? ¿o el seapunk? Lo cierto es que cada una de estas “categorías” son simples etiquetas para clasificar lo que está fuera de este canon, de este control y por ende de lo “normal”. La antimoda y las diferentes manifestaciones que van en contra de la normatimidad en la moda son considerados diferentes, locos y por ende ajenos. Pensando siempre que  sólo un grupo muy pequeño de individuos puede tener acceso a el.

 Pero, a pesar de tener esta visión de que la moda es exclusiva, y que cierto grupo de personas es extraño a ella y no están inmersos en la industria se equivocan. El uso de ropa definía y clasificaba a la gente según su estatus social. Si una persona se vestía “bien” era considerada persona con una jerarquía social mayor que alguien que vistiera “mal” los términos bien y mal son usados en esta reflexión por el tipo de telas o la calidad de la tela.

 Una vez que el comercio empezó a surgir en la era medieval, los burgueses empezaron a vestirse mejor que los nobles y el clero, lo cual hacía verse mayores (socialmente) a los burgueses. Por esta razón, el clero y toda la clase monárquica empezó a buscar formas para controlar que los burgueses dejasen de vestirse mejor.

 Este control ha estado presente actualmente, si bien no tan marcado como hace cientos de años, las transformaciones en la moda y en los diseños siempre han significado un ajuste social al qué vestir y qué no vestir. Luego vendría la industria, las colecciones y los cambios de ropa por estación. Es así como  todos somos parte de la moda, todos somos parte de un sistema, con sus normas y reglas, con sus cambios cíclicos e industrializados. Y no se puede decir que no se es parte de la moda, pues, al contrario, la moda va mucho más allá que de unos zapatos bonitos. Los microuniversos son universos al final.

Formas de vestir en la Edad Media. Crédito: Arquehistoria

 

Originally posted 2014-10-22 12:16:02. Republished by Blog Post Promoter

ACNE SPRING SUMMER 2013

Por Knuxx

@knuxxvomica

El sello sueco Acne Studios presentó su coleccion Spring Summer 2013, una refrescante combinación de contrastes y colores.

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Cortes muy limpios, holgados y con mucho movimiento son lo más destacable. Los estampados y texturas,
combinados con colores en tonos crudos hace que las prendas parezcan cobrar vida propia.
Detalles de correas en abrigos, faldas y pantalones dan el toque final a las formas orgánicas
que conforman esta colección. Las sandalias (también con correas que llegan hasta la rodilla) son
el calzado que protagoniza varios de los looks distintivos de Acne. Algunos sombreros y gafas que
complementan los outfits tienen diseños simples que reinventan los básicos. Las t-shirts son el juego perfecto,
combinan con todo, son sencillas pero no pasan desapercibidas. Una colección dinámica que ofrece
opciones para cada ocasión y mucha versatilidad al combinarlas.

“Ambition To Create Novel Expression”, de ahí el acrónimo Acne, esa es su visión; lo siguen
haciendo y nos siguen encantando.

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Originally posted 2012-10-02 20:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Originally posted 2015-03-21 19:38:46. Republished by Blog Post Promoter

Entre montones de ropa y precios bajos: Las Pacas

Hay montones de ropa en todos lados. Las montañas de prendas que quizá jamás usaríamos se encuentran dispersos por toda la calle. Algunos puestos cuelgan los mejores “trapos” en largos tubos que tienen función de  clósets improvisados. Remates, gritos, gente sumergida en mares de ropa.  Así es como se vive un día en las pacas de la ciudad de México.

 Ya sea en la de Pino Suarez, en las de la Lagunilla o en cualquier otro tianguis, las pacas han sido parte de la vestimenta de miles, quizá millones, de personas que acostumbran escarbar  en lo más profundo de un gran bulto de ropa que ha adquirido un sin número de mitos: Ropa de muerto, ropa usada, ropa robada, o simplemente ropa que no se vendió y que termina tirada en un puesto de lona roja y marchantes gritando dos piezas por cinco.

 ¿Qué tiene o qué ha tenido de extraordinario esta forma de consumo del vestido? Si bien, las pacas han estado presentes durante muchos años, éstas han adquirido un mayor auge gracias a los jóvenes o personas no tan jóvenes que frecuentan el uso de una moda, una tendencia en su manera de vestir: Lo vintage.

crédito: telemundo

 Sería una generalización decir que todos los jóvenes y los no tanto, que usan ropa vintage han subido las ventas en las pacas de Pino o de la Lagu. O que todos los hipsters compran en pacas. No. Hay gente que le agrada comprar en pacas, los más aventurados, los temerarios que no hacen caso de los mitos urbanos sobre estos montones de ropa, fueron y serán los primeros sumergidos en, como ya lo he descrito, este mar de trapitos.

 Se debe  recordar que el universo de las pacas posee muy pocas prendas vintage o de aspecto viejo. Los afortunados encontrarán ropa muy barata y acorde a sus gustos. Chamarras ochenteras, camisas con estampados poco comunes, zapatos, bolsas y demás prendas que darán un estilo retro a la vida de quien lo porta, generalmente, habrán sido comprados en alguna venta de garaje o en alguna paca bajo una extenuante búsqueda y una talento innato de regatear.

 Claro, existen tiendas especializadas en ropa y accesorios súper vintage, como si el tiempo no hubiera pasado y los suéteres con chaquiras y lentejuelas que se usaba The Nanny estuvieran esperando a alguien lo suficientemente valiente para usarlo y para comprarlo. Goodbye Folk es una de estas tiendas vintage.

 Sin embargo, la diferencia con una tienda como esa y un puesto del tianguis es inmensa. No sólo por la selección de ropa y el espacio físico que representan. Sino más bien por los precios que son dos extremos diferentes: Un suéter vintage en una tienda establecida quizá valga poco menos que 600 o 700 pesos; no obstante, en el tianguis un suéter (que posiblemente tendrás que lavar tres veces) de esa misma línea, saldrá en, por mucho 100 pesos (los más talentosos podrán conseguirlo en 50 o menos) Eso sí, el precio siempre será diferente y será algo que lleve a lamentaciones o a la gloria misma del “fashionismo”.

 Sin duda, las pacas podrán ser una buena opción para los que no le temen a los mitos y leyendas que rodean a estas montañas de ropa. Buena opción para aquellos que sean pacientes para buscar buenas gangas, buenas prendas y cuidar su dinero sin perder estilo. Las pacas ofrecen tesoros vintage que debemos buscar, tal como se busca la aguja en un pajar.

crédito: chihuahuaexpres

Originally posted 2014-08-27 12:10:39. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Originally posted 2014-12-12 17:58:26. Republished by Blog Post Promoter

El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?


La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

Originally posted 2014-09-29 10:50:04. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

Originally posted 2014-09-15 14:05:33. Republished by Blog Post Promoter

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Originally posted 2014-08-14 11:40:07. Republished by Blog Post Promoter

BETH DITTO FT MYKITA

Por Knuxx

@knuxxvomica

No se trata de un dueto que Beth Ditto haya hecho con algún artista o solista llamada Mykita, sino de una marca alemana de lentes que trae de cabeza al mundo entero.  Las razones son simples: tienen lo último en tecnología,  hacen colaboraciones con las mejores marcas, artistas y diseñadores del momento como, en este caso,  la cantante de The Gossip, quien se distingue por su actitud y estilo.

BETH

La colaboración fue espontánea. Beth, al ver fallido su intento por encontrar las gafas perfectas aprovechó la oportunidad de colaborar con Mykita y el resultado fue un diseño cat eye hecho de acero inoxidable, totalmente ligero, flexible y durable que se adapta a las formas faciales, en su color favorito que es el morado. Una edición limitada de 100 piezas por color (también disponible en blanco) que refleja su explosiva personalidad en unos lentes únicos.

“Pues, tengo una cabeza enorme, ¡y estos lentes son enormes! ¡Y mi color favorito es el morado! Así que supe que aun si nadie más los utilizara, al menos yo tendría las gafas de mis sueños por el resto de mi vida.”

-Beth Ditto

BETH

 

Mykita ha hecho lentes para Lady Gaga, ha trabajado con Bernard Willhelm, Alexandre Herchcovitch, Marios Schwab entre otros. Su próxima colaboración será con el diseñador Damir Doma junto con otros proyectos para la colección de otoño próxima a lanzarse a nivel mundial.

Sitio oficial:

www.mykita.com

Originally posted 2012-10-05 14:00:42. Republished by Blog Post Promoter

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Originally posted 2015-01-19 11:10:07. Republished by Blog Post Promoter

Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

 Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

 Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial.  Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

 La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

 Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

 Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

 Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí. 

Originally posted 2014-10-15 11:49:14. Republished by Blog Post Promoter

Bernhard Willhelm Lookbook SS13

Por Knuxx

@knuxxvomica

Uno de los diseñadores favoritos de este año, Bernhard Willhelm, presentó hace unas semanas el lookbook de su colección primavera/verano 2013: gifs animados e imágenes intervenidas que fueron el resultado del trabajo en conjunto del diseñador brasileño y animador en 3D Geoffrey Lillemon.

Una forma diferente e irreverente de plasmar el trabajo que presentó en el Fashion Week de París, donde prendas estampadas y con cortes irregulares y asimétricos fueron las protagonistas principales. Un styling original y una gran dirección creativa.

Les dejamos las imágenes del lookbook y las del making of. Para conocer más visiten: http://www.bernhard-willhelm.com

 

BW SS13

BW SS13

Director + 3D Animation : Geoffrey Lillemon | Photography : Petrovsky&Ramone | Styling : Niki Pauls | Production : Valtteri Laihanen, Random Studio | Interactive : Hugo Dechesne, Random Studio.

 

 

Originally posted 2012-11-06 18:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Roberto Sánchez SS13 Lookbook

Roberto Sánchez no se limita a la moda, la rebasa.

Éste es uno de los manifiestos del diseñador mexicano Roberto Sánchez, un joven talento mexicano de fama internacional con una corta pero interesante trayectoria; comenzó vendiendo en bazares ropa que customizaba y después formó parte de Clínica, una tienda donde se reunían las mejores propuestas de la moda mexicana para posteriormente explotar plenamente su potencial creativo en TEAMO, una marca que comenzó con Rafa Cuevas, y que a pesar de su corta existencia le dió experiencia y reconocimento.

Tiempo después que este proyecto se consumara, Roberto emprendió su propio camino y comenzó con su propia línea de ropa, empezando desde cero y reinventándose a sí mismo. Dos años después, se puede corroborar su gran éxito con la entrega de su lookbook para la temporada primavera verano 2013. Con muchos prints, tshirts abstractas, marcadas líneas geométricas, destellos de colores brillantes en conjuntos que apuestan por la comodidad y el estilo, texturas que remiten a un estado natural. El resultado es una colección balanceada que imprime totalmente la esencia de la imaginación y versatilidad de este gran diseñador que no deja de sorprendernos.

Originally posted 2013-01-11 21:32:01. Republished by Blog Post Promoter

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Originally posted 2014-07-31 10:51:24. Republished by Blog Post Promoter

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

Originally posted 2014-10-01 14:27:48. Republished by Blog Post Promoter

LO MEJOR DEL PARIS FASHION WEEK

Por Knuxx

@knuxxvomica

Les traemos lo mejor de las pasarelas y nuevas propuestas de la semana de la moda en París, accesorios y prendas que fueron los focos de atención para la próxima temporada Primavera Verano 2013. En orden alfabético:

A.F VANDEVORST

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Pieles doradas con escamas brillantes, esta pasarela caracteriza al cuerpo como un accesorio que complementa las prendas asimétricas en tonos principalmente negros llenos de plisados y collage de telas que crean ilusiones visuales increíbles.

BALMAIN

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Inspirado en Cuba y las sillas de mimbre Balmain estructura sus vestidos con tejidos artesanales en tercera dimensión, exhuberantes y diversas prendas que también proponen increíbles prints y combinaciones.

CHANEL

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Fue imposible pasar por alto esta enorme bolsa de Karl Lagerfeld.

 

COMME DES GARçONS

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Con la ya típica temática teatral en sus pasarelas, Comme enalteció sus looks con diferentes tipos de tocados altos, maquillaje y cabelleras blancas a juego con sus diferentes prendas con texturas en tonos hueso y beige. Vistosos los zapatos con plataforma dorada.

 

DAMIR DOMA

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Como ya les habíamos adelantado, Mykita colaboró con este diseñador para lanzar  una edición especial de gafas hechas con oro, platino y grafito horneado las cuales complementan perfecto esta colección de inspiración totalmente militar.

 

GARETH PUGH

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Con una reminisencia totalmente oriental con su típica paleta de colores negro, blanco y gris, Gareth realza esta línea con toques rojos en prendas con clásicos toques geométricos que cobran vida propia.

 

HOLY FULTON

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En un jardín plastificado, lleno de romanticismo, flores y contrastes el futurismo alcanza a la primavera.

 

JUN OKAMOTO

jun

 

Volviendo de nuevo al paraíso de las flores, esta vez de un modo más clasico y acogedor. Jun traza pequeñas obras gráficas en sus prints y lleva el paraíso en cada detalle. El favorito: esta gran sombrilla con pétalos de flor.

 

LANVIN

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Los clutchs para esta primavera son diferentes tipos de asa, toques dorados y diseños ad-hoc con esta colección llena de femineidad.

 

MANISH ARORA

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Los accesorios son los protagonistas indudables de cada look en esta pasarela llena de viajes microscópicos en cada prenda que conjuga arte y técnica. Este gran diseñador encontró lo contemporáneo con motivos hinduístas. Sin duda de lo mejor del FW.

OHNE TITEL

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Prints que parecen arte abstracto que puedes usar todos los días.

 

RUE DU MAIL

rue

 

Esta vestido en especial, junto con un saco, parecen ser piezas de origami cortadas con un exacto.

 

VIVIENNE WESTWOOD

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Corazones pintados en la cara de las modelos y texturas llevadas al límite. Es Vivienne Westwood.

 

YOHJI YAMAMOTO

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La propuesta de estilo neo punk, los accesorios que contrastan con los cortes que parecen tener vida propia, toman el protagonismo de esta colección minimalista que toca levemente  los extremos del maximalismo.

 

Originally posted 2012-10-18 18:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Nadie es igual a ti y Pepe lo sabe

Alguna vez algún visionario tuvo a bien detectar en el futuro cercano un escenario donde, ante el inminente ataque de la estandarización, una persona terminaría pareciéndose a otra. Ante este panorama que alarmantemente a muchos pareció desolador, el diseño se convirtió en el motor de creatividad y fomento de la individualidad por excelencia, facilitando que ese temor latente a ser de alguna forma “iguales entre sí” se fuera diluyendo poco a poco.

 Imprime tu personalidad y transforma lo común en algo extraordinario

 Podríamos decir que hoy en día hemos aprendido a enfrentar este posible panorama en el que nuestra personalidad sucumbe ante la repetición apropiándonos de todo lo que nos rodea. Esta búsqueda por huir de lo general y apostar por lo particular nos ha llevado a comprobar que la diferencia siempre la marca la expresión del estilo propio.

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 Cada espacio, cada idea, cada cosa que tenemos podemos convertirla en una expresión única de nosotros mismos y exaltar nuestra autenticidad a partir de pequeños detalles que marquen la gran diferencia. En ánimos de impulsar tu creatividad y apoyarte a expresar tu estilo e individualidad, Pepe Jeans a través de su Custom Studio, hace posible por primera vez en nuestro país que tu denim se convierta en un lienzo en blanco sobre el que podrás imprimir tu personalidad.

 De un amplio y genuino catálogo de diseños podrás elegir entre casi un sinfín de posibilidades el que mejor exprese tu estilo. Cada detalle podrá significar para ti algo especial y hará que tus nuevos jeans se sientan como algo realmente tuyo desde la primera puesta.

 Crea tu propio #MyOwnPepe gracias a una máquina láser especializada que grabará sobre tu ropa el diseño de tu elección y la convertirá en piezas únicas que expresen cómo eres.

 #PepeJeansCustomStudio es la oportunidad perfecta para imprimir tu originalidad de forma creativa en tus propios jeans, un básico en tu guardarropa que sin duda, es crucial en las primeras impresiones, y que al personalizarlo, te distinguirá del resto y a la vez, te permitirá compartir tu propio toque con los demás.

 Compra una prenda denim de Pepe Jeans en nuestras boutiques o en El Palacio de Hierro, elige un diseño e indica a nuestro experto #PepeJeansCustomStudio dónde quieres plasmar tu diseño. Transforma algo normal en algo extraordinario y haz algo único que será tu estandarte para decirle al mundo quién eres.

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Originally posted 2014-05-08 03:24:48. Republished by Blog Post Promoter

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Originally posted 2014-12-26 12:28:06. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

 La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

  Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.
Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

 Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.
Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

 La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.
Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

 Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

 La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

 Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

Originally posted 2014-10-17 13:10:28. Republished by Blog Post Promoter

Chanel: No todo lo que brilla es oro

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 

La revista inglesa Dazed and Confused en colaboración con el fotográfo Adrian Crispin elaboraron un shooting exclusivo con la reedición de la colección de joyería 1932 de Chanel, la cual está inspirada en imágenes de estrellas y cometas recaudadas por ella misma en el periodo del 7 al 9 de noviembre de 1932. Esto, a partir de su inquietud por mostrar una faceta creativa totalmente refrescante, al exhaltar los contrastes de la elegancia y simplicidad de piezas con diamantes, perlas y oro blanco elaboradas sin pretenciones, totalmente apegadas a su esencia.

En mi profesión, cualquier medio es legítimo, siempre y cuando sólo se utiliza en el verdadero espíritu de la moda.
(…)Si he elegido diamantes, es porque ellos representan el mayor valor en el menor volumen. Y mi amor por las cosas que brillan me ha inspirado para tratar de combinar la elegancia y la moda a través del medio de la joyería.
Coco Chanel

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Estos accesorios trascienden en el tiempo y en el diseño, áreas que son reinterpretadas por la directora de moda Karen Langley, con un trabajo que combina perfectamente el estilo clásico de Chanel y la visión de una de las mejores revistas de moda.

CHANEL1932

CHANEL1932

CHANEL1932

Para checar el shoot completo click aquí.

Originally posted 2012-09-02 12:00:38. Republished by Blog Post Promoter

¡Feliz cumpleaños, Kitsuné!

El pasado 23 de Agosto Maison Kitsuné celebró sus diez primeros años como mejor lo sabe hacer: con una serie de fiestas en algunos de los puntos con más hype en todo el mundo; lugares en donde se marcan tendencias y la escena creativa esta en constante emergencia. De esta manera fue como se demostró una vez más la increíble personalidad de esta casa de música y moda que con inolvidables compilaciones, ha sido la plataforma idónea para los artistas que ahora forman parte importante de la escena musical.

 

KITSUNÉ

 

La primera parada fue en Francia, ciudad vanguardista que, con todo el estilo que los caracteriza, se hizo la inauguración de esta gran fiesta en el festival Rock en Seine. En dicha celebración se presentaron artistas de la firma tales como Bloc Party y Citizens!. Posteriormente, Singapur, Tokio y Osaka recibieron a Gildas Loaëc, fundador de Kitsuné, con DJ sets especiales para la ocasión, una línea de t-shirts de aniversario en una venta exclusiva en las fiestas y el performance en vivo de bandas como Is Tropical y BeatauCue; para finalmente cerrar el mes de cumpleaños con otra post-celebración en Edimburgo, con la participación de Punks Jump Up y Jerry Bouthier, quienes presentaron sus últimos lanzamientos.

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KITSUNÉ

 

Con un gran acontecimiento que tuvo una celebración merecida de acuerdo a su tamaño, Kitsuné se ha mantenido a la vanguardia, al innovar y mantenerse en el cambiante ritmo de una escena musical cada vez más compleja. Es gracias a artistas como Hot Chip, Phoenix, Klaxons, Two Door Cinema Club y The Whitest Boy Alive que se demuestra que esta gran firma no deja de estar vigente, y que todavía puede sorprender con alguna colaboración o colección de ropa que siempre tiene algo fresco que ofrecer.

No dejen de ver la ultima colección FW12 y de escuchar uno de sus últimos releases:  Plastic Plates, dignos de celebrar, porque la fiesta no termina!

Originally posted 2012-09-04 22:00:33. Republished by Blog Post Promoter

Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que  a muchos, les pareciera que el contacto con la moda  sólo  se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

 ¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que  quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

 Así es, se tratan de los jeans mexicanos de  Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre.  Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Detalle. Crédito: Facebook oficial.

 Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

 A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

 Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

 Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí. 

Campus. Crédito: Facebook Oficial

Originally posted 2014-09-24 15:21:10. Republished by Blog Post Promoter

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Originally posted 2014-08-19 10:44:48. Republished by Blog Post Promoter

COLLAGE CAMUFLAJE: ERNESTO ARTILLO

Entender el trabajo de Ernesto Artillo es el incio de un mágico viaje por la imaginación: partes del cuerpo que se funden con elementos de la naturaleza, intervenciones tridimensionales en fotografías que acentúan el color y la expresión de la imagen que representa la escencia cambiante de la especia humana que se enaltece con su individualidad. Cada composición explora diferentes etapas de esta evolución interior que Ernesto lleva a través de la moda, la fotografía y el mundo que nos rodea en experimentos visuales

 

 

Originally posted 2013-02-14 21:32:39. Republished by Blog Post Promoter

LFW: Lo mejor de la A a la Z

En vista de que los ojos del mundo han estado esta semana posados en las capitales del mundo de la moda como Nueva York y ahora, Londres, en Chulavista Art House hemos hecho una recopilación de lo más destacado de los diseñadores que se han presentado estos días en el London Fashion Week con las colecciones de Primavera-Verano 2013.

 

A: A CHILD OF THE JAGO

B:  BASSO AND BROOKE 

 

C: CAROLINE CHARLES

 

D: DAKS

E:  EMILIA WICKSTEAD

F:  FELDER FELDER

 

H: HOLLY FULTON

H: HOUSE OF HOLLAND

I:  ISSA LONDON

J:  JEAN PIERRE BRAGANZA

K:  KINDER AGGUGINI

L:  LOU DALTON

M:  MARIOS SCHWAB

N: NICOLE FARHI

P: PPQ

P:  PAUL SMITH

S:  SISTER BY SIBLING

T: TEMPERLEY LONDON

U:  UNCONDITIONAL

V:  VIVIENNE WESTWOOD

Z:  ZOË JORDAN

 

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Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Originally posted 2014-10-15 11:55:17. Republished by Blog Post Promoter

Ahívan, diseño mexicano para llevar

Muchos sabemos que el diseño mexicano ha tomado gran fuerza en los últimos tiempos, se han ido buscando más y mejores maneras de difundirlo (junto con las marcas que ha renovado ésta escena) pero ninguna como la que les presentaremos a continuación: Ahívan es una de las más interesantes que han surgido ya que conjuga toda una propuesta detrás, la cual está conformada por cinco marcas: Taller Nu, Rodete, Alessius, Karla Sotres y Aether quienes a raíz de buscar un espacio en donde exponerse, decidieron hacerlo de un modo orgánico, dinámico y muy tradicional a la vez; creando un carrito ambulante que también es modular, esto quiere decir que puede mutar y cambiar a como se concibió en un principio, la idea principal es que sea “un espacio móvil que funcione tanto como tienda, como base para generar un punto de encuentro e intercambio de experiencias” expandiendo sus posibilidades y generando todo un movimiento a su alrededor que incita a la independencia y a la constante creación, que gracias a la diversidad de propuestas da resultado a una sinergia que inspira retroalimentando a una creciente comunidad de creadores y diseñadores independientes que ya no sólo buscan bazares o tiendas en donde vender su trabajo, si no de hacer de éste un modo de vida.

 

 

 

 

 

Zapatos de Taller Nu.

 

Joyería de Rodete.

 

 

 

Prismas de Aether.

 

Lámparas de Alessius.

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Debuta Alexander Wang en Balenciaga

Después de que a inicios de Diciembre Nicolas Ghesquiére renunciara a la dirección creativa de Balenciaga, Alexander Wang fue elegido para tomar su lugar en el diseño de las lineas para hombre, mujer y accesorios. Las expectativas eran muy altas y finalmente se publicó un adelanto a la colección otoño invierno 2013, la cual tiene una notable inspiración vintage, cortes amplios y cuadrados que en la mayoría de las piezas contrastan con la simplicidad y elegancia de las telas. La esencia de la marca parece querer encontrar su centro a través de un nuevo director joven y talentoso.

 

 

Originally posted 2013-01-14 16:53:42. Republished by Blog Post Promoter

Sky Ferreira para Saint Laurent

No es raro que la marca francesa Saint Laurent opte por personalidades de la música para reflejar la esencia joven de la marca. Esta vez representada por la actriz y cantante Sky Ferreira en un lookbook sobrio que explota con el gran carisma de ésta chica que también ya tiene experiencia como modelo, mostrando aquí una de sus mejores facetas. Dirigido por Heidi Slimane , este lookbook opta por la esencia misma de la elegancia como buen accesorio de una actitud única y explosiva que Sky imprime a cada una de las fotografías.

 

 

 

 

Originally posted 2013-01-15 21:19:05. Republished by Blog Post Promoter

Vogue Fashion’s Night Out México 2012

Por: Knuxx

@knuxxvomica

El Vogue Fashion’s Night Out es un must! Una gran fiesta global que une a las principales capitales de la moda como Londres, Francia, Nueva York, Alemania, Italia, Rusia, Australia, Corea y México en una gran celebración que ofrece buena música, cocteles, descuentos especiales y regalos que conmemoran una de las mejores noches del año.
Vogue Fashion's Night Out

Todo sucedió en 2009 justo después de la fuerte recesión económica que sufrió Estados Unidos, cuando Vogue decidió apoyar a la industria al alentar a los consumidores para hacer compras. Nueva York, una de las capitales mundiales de la moda fue la ciudad elegida. Para 2010, el impacto fue global al hacer que más de 15 países formaran parte de este gran evento simultáneamente.

En México, por segundo año consecutivo en el Distrito Federal y por primera vez en Guadalajara, las principales tiendas departamentales, boutiques y centros comerciales se ambientarán para dar una experiencia de compra única que busca impulsar la moda en el país además de apoyar a causas benéficas e iniciativas artísticas relacionadas con la misma.

La cita es el próximo 6 de Septiembre y el 13 para el interior de la república; ya seas o no un fashionista, este evento ofrece una faceta refrescante de la moda que no hay que perderse.

Los puntos que albergarán el VFNO serán:

  • Centro Comercial Perisur
  • Antara Polanco
  • Saks Fifth Avenue
  • El Palacio de Hierro
  • Liverpool
  • Avenida Masaryk
  • Common People Concept Store

 

en Guadalajara:

  • Centro Comercial Andares

Los horarios de los lugares participantes serán extendidos y en cada uno las temáticas para el evento son diferentes, así que la variedad y las sorpresás no pararán. ¡A reagendar las noches de fiesta y poner en la lista a Vogue Fashion’s Night Out!

 

Originally posted 2012-08-16 10:02:16. Republished by Blog Post Promoter

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Originally posted 2014-08-13 11:23:11. Republished by Blog Post Promoter

Karlie Kloss la modelo que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días

Crédito: vogue.com

Hace un par de días, Chioma Nnadi columnista  de Vogue USA, publicó un artículo en la pagina web que quisiera retomar para ustedes. Este articulo trata sobre la modelo Karlie Kloss y su fashion travel a través del mundo.  Nnadi escribió que Phileas Fogg y su viaje en globo se quedó corto a comparación con esta travesía de la modelo. ¡Quizá lo más impresionante no sólo fue eso, sino que Karlie Koss ni siquiera salió del país!

 Exacto. No se trataba de la verdadera Karlie Kloss, sino de una impresión 3D que varias personas realizaron y tomaron fotos en los lugares más representativos del planeta, como la Torre Eiffel, El Coliseo en Roma, entre muchos otros.

 En total fueron 80 muñecas las que se imprimieron para realizar este proyecto. Los vínculos moda-arte emergen  y demuestran una vez más que no es necesario hacer una hazaña muy elaborada para dar una fusión entre estas dos disciplinas. En este caso la fotografía de moda está alcanzando un nuevo nivel de expresión: La impresión 3D

Karlie Kloss en NYC. Crédito Vogue.com

 No sólo en este ámbito ha sido utilizado la impresión 3D. Cantantes como Will.I.Am lo utilizó en ‘Scream and Shout’ para imprimir su propia cabeza. No importa con qué objetivo, si es egolatría o para generar controversia, como lo hizo M.I.A. en ‘Double Trouble Bubble’, la impresión tresdé se está convirtiendo en una herramienta artística que podría usarse con mayor frecuencia en unos años, y ¿por qué no? en algunos meses.

 Los vínculos entre la significación y la exposición de estas muñequitas de la modelo entran en una discusión. Misma que se presentó en el artículo de Vogue y aquí. Karlie Kloss no viajó por el mundo. Lo hizo una representación de esta persona, un ícono.

Crédito: Vogue.com

 El juego semiótico que se observa en este momento es, más que complejo. ¿Quién o qué es lo que se presenta en las fotografías de este proyecto? ¿Es una representación de la representación de Karlie Kloss en un lugar del mundo?

 La moda y el arte una vez más se unen para obtener como resultado un producto complejo, que, si lo desmenuzamos poco a poco, podremos llegar a una conclusión mucho más simple y no con tanto enredo como se ha pensado en estos últimos años. Las percepciones serán múltiples. Cada una de ellas con su propia explicación. ¿Y si sólo imprimieron una muñequita y le tomaron foto, así nada más? ¿Y si hay algo mucho más profundo en cuanto a la percepción y significación de la belleza, y un nuevo uso estético que no involucre a humanos, pero sí representaciones de ellos?  La respuesta la tienen ustedes, queridos lectores.

 Si desean consultar el artículo completo, y ver el resto de las fotografías en Vogue, da click aquí.

 

Originally posted 2014-09-08 14:08:54. Republished by Blog Post Promoter

El talento nacional del MBFW México 2012

Por Knuxx

@knuxxvomica

Diseñadores mexicanos emergentes y consolidados presentarán su colección Primavera-Verano 2013 en el Mercedes Benz Fashion Week México 2012. Julia y Renata, Pink Magnolia, Alejandra Quesada y Trista son algunas de las propuestas más esperadas de la temporada y aquí les traemos un breve perfil de cada una para que no se las pierdan.

 

Julia y Renata

Desde Guadalajara, este par de hermanas se han impuesto en la moda de nuestro país revolucionando las pasarelas con su estilo impecable y contemporáneo. Han tenido una gran proyección internacional gracias a su calidad creativa; sus piezas son reconocidas como prendas de autor, las cuales unen características de funcionalidad y confección perfecta. No es casualidad que en muy poco tiempo se hayan posicionado en la industria de la moda nacional ya que son uno de los talentos más importantes y por tanto uno de los actos imperdibles en esta próxima semana de la moda.

 

 

Pink Magnolia

Es Paola Wong, quien desde 2009 ha logrado darse a conocer por sus diseños eclécticos y su toque personal. Es moderna y muy romántica, transmite espontaneidad en cada pasarela, creando historias con cada prenda que se entrelazan perfectamente. Con dos boutiques en la Ciudad de México, el constante crecimiento de esta joven marca les ha dado gran reconocimiento en muy poco tiempo y seguramente seguirán sorprendiendo gratamente.

Alejandra Quesada

Con paso firme, Alejandra ha crecido rápidamente dentro de la industra nacional e internacional. Su estilo es fantástico, fresco y lleno de color. Todas sus colecciones tienen un toque especial que las distingue, desde telas entintadas a mano con dibujos geniales hasta zapátos únicos que los convierten en accesorios que complementan perfecto cualquier clóset. Ha colaborado con Natalia Lafourcade, con quien apareció en la portada de Nylon México hace unas semanas, con lo que comprobamos que todos los ojos están sobre esta diseñadora, un ícono del estilo y talento nacional.

 

Trista

Una marca propositiva y arriesgada, José Alfredo Silva y Giovanni Estrada combinan elementos artísticos gracias a su trabajo en equipo y han sabido introducirse con éxito en mercados de diferentes partes del mundo. Trista es ya un sello prét a porter clásico en México. “A TRISTA la mueve, por lo general, la literatura y su capacidad para generar imágenes personales, por lo que trabajamos con libros de distintas índoles (…) no obstante, el gran motor de la marca es nuestra ciudad y la vida cotidiana, su comida, su gente, sus edificios, sus gráficos, su todo, es decir, todo lo que vivimos día a día en este gran caos”, explican.

 

Les dejamos el calendario del Mercedes Fashion Week que se presentará del 12 al 15 de noviembre en la Carpa Santa Fe.

 

Originally posted 2012-10-23 18:00:55. Republished by Blog Post Promoter