Layout: Diseño, una voz al cambio climático

Obtenida del sitio Peoples Climate March
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El cambio climático es uno de los temas más relevantes de nuestra época, entre discursos que reclaman nuevos compromisos al respecto y otros que lo tachan de fraude, el diseño se hace presente para establecer un vínculo entre el espectador y las diferentes posturas.

 El pasado domingo 21 de septiembre se llevó a cabo una manifestación mundial en contra del cambio climático como antesala a la Cumbre sobre el Clima que inició esta semana en la sede de la ONU en Nueva York, con la finalidad revitalizar aspiraciones y promover medidas.

 Previo al evento llovieron una serie de imágenes en redes sociales para convocar a gente de todo el mundo a participar en una marcha que pretendía ser la mayor protesta de un tiempo para acá sobre el tema.

 La complejidad del tema sugiere tomar conciencia sobre lo que está ocurriendo en nuestro planeta para conformar una opinión informada; Internet ha representado la ventana a un océano de información que se vale de múltiples discursos favorecidos entre otras disciplinas por el diseño, dejando en el espectador una semilla que altera su percepción y reafirma alguna de las tantas posturas.

 Así, los álbumes de fotos en Facebook de algunas organizaciones como Avaaz.org y Greenpeace recurrieron a las imágenes reproducidas por el sitio peoplesclimate.org para invitar a los internautas a formar parte de esta gran manifestación y generar presión social en vísperas de la Cumbre sobre el Clima.

 El poder de llegar a decenas de miles de personas a través de las imágenes sin depender del idioma hace del diseño una herramienta eficaz y con un alcance exponencial para lograr sus fines, sin embargo, solo representa una parte de la estrategia mediática para hacer relevante el tema, ya que se valió, entre muchas cosas, de personalidades destacadas de Hollywood como Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo, así como del alcalde de Nueva York, ministros, ex vicepresidentes y del Secretario General de la ONU, Ban Ki-Moon, para conformar una especie de voceros que dan fe al movimiento contra el cambio climático.

 La credibilidad de los mensajes se construye a través de una serie de articulaciones mediáticas que juegan un papel muy importante para comprender los fenómenos sociales que ocurren en nuestro tiempo, el diseño es partícipe de este juego que favorece o desacredita los discursos difundidos dándoles personalidad y voz particular, los significa para dar fe o confianza al espectador para conformar una opinión personal, pero influencia por el tipo de información tal es el caso de los que creen que el cambio climático es un fraude.

Originally posted 2014-09-26 09:00:51. Republished by Blog Post Promoter

Creadores Chulavista – Verde Agua

 

Alfredo Ballesteros es Verde Agua, un joven pintor y dibujante cuyo tema más recurrente es la memoria poética, o esa necesidad de plasmar los objetos y las imágenes para que perduren para siempre. Una técnica utilizada por Alfredo es la deconstrucción de textos y dibujos que modifiquen narraciones previas y provoquen evocaciones y sensaciones. Aunque no cree del todo en la inspiración, encuentra que la lectura de libros y las imágenes fantásticas son un estímulo primordial para su obra.

Originally posted 2012-12-23 19:12:50. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.

 

Originally posted 2014-10-10 11:38:02. Republished by Blog Post Promoter

Garret Leight California Optical: Holiday Collection

Por: Knuxx Vomica

@KnuxxVomica

 

Gareth Leight California Optical es una marca relativamente nueva, que con tan sólo un año de vida, está logrando sobresalir entre la basta industria de gafas oftálmicas y solares ofreciendo armazones hechos a mano con los mejores materiales y los más altos estándares de calidad los cuales son producidos en Mazzucheli, Italia y Japón, con bisagras fabricadas en Alemania y cristales provenientes de Barberini, Italia.

Para su Holiday Collection, contó con la colaboración del fabricante de gafas francés Thierry Lasry el cual optó por lineas clásicas y atemporales que contrastan con los colores brillantes y el acabado de sus cristales en sus gafas de sol y el dedicado terminado de los lentes oftálmicos. Sin duda uno de los accesorios que no deben faltar para comenzar el año.

 

 

http://www.garrettleight.com/

La pueden comprar en línea

Originally posted 2013-01-02 22:18:16. Republished by Blog Post Promoter

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Originally posted 2014-11-21 19:54:28. Republished by Blog Post Promoter

The Icebook: Instalación Fantástica

 

Desde hace décadas, los libros de cuentos en formato pop-up han encendido la imaginación de niños y adultos al brindar una experiencia tridimensional que acompañe la fantasía de las historias.

The Icebook es un proyecto de Davy y Kristin McGuire que por primera vez incorpora proyecciones de video a este formato. Al colocar un proyector detrás de las láminas traslúcidas del libro, combinan imágenes surreales y fantásticas con bellos escenarios hechos de recortes para crear una hipnótica sincronía teatral.

Esta pareja de artistas visuales se dedica a combinar técnicas y formatos para crear novedosas experiencias relacionadas con el mundo del teatro. The Icebook ha sido presentado en numerosos foros alrededor del mundo. En su página web se puede leer un artículo detrás de cámaras del impresionante artefacto.

Originally posted 2012-12-22 19:15:34. Republished by Blog Post Promoter

Winde Rienstra: Geometría poética y viajes nómadas

Winde Rienstra SS13

Armaduras futuristas que cubren el cuerpo como obras de arte: esta es la firma de Winde Rienstra, una diseñadora holandesa que complementa la sustentabilidad con el arte y la naturaleza.

Graduada de la escuela de Diseño de las Artes en Utrecht en el año 2010 y despúes de recibir varios reconocimientos por su trabajo decidió crear su propia linea de ropa hecha con procesos totalmente artesanales que usan materiales como madera, vidrio y cartón, conjugados con un estilo geométrico que usa lineas arquitectónicas que le dan contraste y tensión a las prendas. Toda una locura.

Para su nueva colección primavera-vernano 2013:  Ithaca, Winde se inspira del poema de Konstantinos Kavafis en homenaje a la Odisea de Homero:

As you set out for Ithaka
hope the voyage is a long one,
full of adventure, full of discovery.
Always keep Ithaca on your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for many years
Así, nos conduce a través de diferentes culturas que muestran su propia identidad, tomando elementos de tribus nómadas que usa por medio de técnicas tradicionales de tejido con lana y seda en matices de colores en tonos suaves como el verde, azul y beige.
Manteniendo su línea de contrastes, esta temporada diseñó el calzado con bloques de Lego, detalles con cordones y pequeños pompones al frente, que sinceramente, están increíbles.
La personalidad de cada colección de Winde es única, su enfoque en los detalles y la experimentación en cada prenda hacen incomparable su estilo. Minuciosamente perfecto.

Winde Rienstra SS13

Winde Rienstra SS13

Originally posted 2012-08-10 19:00:55. Republished by Blog Post Promoter

Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Originally posted 2012-12-28 18:00:38. Republished by Blog Post Promoter

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Originally posted 2015-02-25 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter

Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

Originally posted 2012-12-13 22:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué pasa con los alimentos de hoy en día?

Por: Remitente

@remitente_df

www.remitente.mx

Últimamente escuchamos muchos términos como productos orgánicos, comida saludable,  vegetarianismo o transgénicos. Pero mucha gente no sabe realmente qué es comer sano y cómo es igualmente importante que nuestra comida sea tan saludable para nosotros, como para el planeta y la comunidad.

Tal vez  pensemos que un espaghetti con algo de atún en salsa para pasta comprada en el supermercado sea una comida “saludale”, porque no tiene grasas ni es comida chatarra. Basados en esas premisas puede ser que si sea más saludable que comprar y comer una hamburguesa con papas fritas. Pero hay que ver más allá. El atún puede tener altos niveles de mercurio por la contaminación de los océanos y la salsa de supermercado puede ser de importación, involucrando vegetales transgénicos, altas emisiones de CO2 por transportación y una serie de procesos industriales poco amigables con el medio ambiente.  La idea no es entonces asustarnos  y pensar que cualquier producto es venenoso y malo para nuestra salud. Hay formas muy sencillas de llevar una dieta mucho más saludable y aunque suene abrumador, aparte de nosotros, hay que pensar en toda la cadena de personas y ambientes que tuvieron que ver con lo que estamos a punto de comernos.

jitomate

Inevitablemente, cualquier tipo de alimento que vayamos a ingerir es producto de una línea de producción. Sin embargo, las diferentes etapas de ésta son las que marcan la diferencia entre un producto sano y uno nocivo. La primera parte es la de la producción como tal, es decir, hacer crecer los vegetales, engordar los animales, ordeñar las vacas, entre otras actividades. Lo que debemos cuidar es que sean alimentos que no fueron alterados genéticamente, que hayan sido producidos sin sustancias químicas o tóxicas y dentro de un ambiente saludable para el mismo desarrollo de ese producto ya sea de origen vegetal o animal. Aquí es donde debemos tener cuidado con vegetales transgénicos  y carnes hormonadas, llenas de antibióticos. Aquí es donde debemos optar por vegetales y frutas orgánicos, carne, huevos y lácteos de rancho, porque sabemos que fueron producidos en un ambiente saludable, lejos de los pesticidas, las jaulas y las máquinas de la agroindustria de hoy en día.

La segunda parte es la del procesamiento de la materia prima en productos terminados. La regla básica es que mientras más procesado esté un alimento, más nocivo es y menos nutrientes contiene. Esto es porque hoy en día los procesos de la industria de la alimentación no están diseñados para cuidar de la salud humana, si no para cuidar de la economía de las mismas empresas, objetivo que se logra con mayores ventas y menos costos de producción, reduciendo así la calidad de la materia prima. Aqui es donde nosotros podemos romper con esta línea de producción actual, decidiéndonos por comprar materias primas saludables y procesar nosotros mismos los alimentos en casa. Es decir, para qué comprar una salsa para espaghetti en el super mercado que contiene transgénicos, conservadores, derivados del maíz y quién sabe cuántas cosas más que ni siquiera ponen en la etiqueta, si podemos comprar unos cuántos jitomates, un par de pimientos rojos y un poco de cebolla para cocinar nosotros mismos una rica salsa.  Para qué compramos una masa para hotcakes que viene lista para verter en el sartén, llena de componentes nocivos para la salud, en lugar de mezclar un poco de harina con leche y huevos que sabemos realmente de dónde vienen para hacer nuestra propia masa. Lo único que se necesita es un poco de creatividad y la voluntad de llevar una vida más saludable.

Man carrying box of lettuce

Después de ser procesados, los alimentos entran en la parte de la distribución. Esto es muy sencillo, mientras más lejos haya sido procesada tu comida, es más nociva, ya que contamina el planeta al ser transportada desde tan lejos y muy seguramente no será tan buena para tí al haber tenido que ser congelada o adicionada con conservadores para que dure más tiempo. Escojamos productos locales, producidos cerca de casa y de origen local, aprovechemos lo que nuestra tierra en específico nos da y evitemos en lo posible comprar productos traídos desde muy lejos, transportados por tierra y mar contaminando así todos los ambientes por los que tuvo que abrirse paso para llegar hasta nuestra mesa.

La siguiente parte es la de la venta al público, hay que fijarnos a quién le estamos comprando qué, quién se beneficia con esa venta y quién sale perdiendo. Es mejor comprarle directamente a los agricultores locales, productores caseros  y mercados o tianguis de barrio, que seguir enriqueciendo a cadenas transnacionales de supermercados que finalmente sólo tienen como objetivo su propio bienestar financiero.

La última parte y quizá la única sobre la que tenemos completo control es la de la preparación. Nosotros decidimos si freímos un alimento en lugar de hornearlo, saltearlo o cocerlo. Nosotros decidimos si compramos una comida lista para ser simplemente calentada en microondas o si mejor preparamos en casa nuestros propios platillos con alimentos más seguros y saludables.

Dejemos de consumirle a grandes marcas e importantes supermercados, utilizan materia prima alterada, fumigada y hormonada.  Transportan sus alimentos altamente procesados por grandes distancias y erosionan ambientes y comunidades. Dejemos atrás esa costumbre de hoy en día de querer “ahorrar” tiempo al cocinar,  volvamos a hacer de la cocina un momento íntimo y familiar, de disfrute y bienestar. Cuidemos de nuestra salud tanto como de la salud de nuestro planeta y nuestras comunidades.

Originally posted 2013-08-15 21:35:47. Republished by Blog Post Promoter

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Originally posted 2014-12-24 12:35:34. Republished by Blog Post Promoter

Cuexcomate: el volcán

El sol parece que se coloca más alto y baña de luz aquel lugar profundo y cercado. De niña acompañaba a su padre junto con su hermano a comprar al mercado lo necesario para que su abuela hiciera la comida del día, siempre miró asombrada al cúmulo de greda que se encuentra en esas calles tranquilas y limpias, con frecuencia le preguntaba a su padre ¿qué es eso? Y él con elegancia contestaba: el volcán más pequeño del mundo, el Cuexcomate.

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Medidas curiosas que lo hacen único, medidas acompañadas de historias que han visto desfilar los habitantes:

  • Elevación: 13 metros
  • Diámetro al nivel del suelo: 8 metros
  • Diámetro exterior base: 23 metros
  • Peso: 40 toneladas
  • Metros sobre el nivel del mar: 2,150
  • Primera efusión de agua caliente: 1064
  • Última efusión conocida: 166

Su nombre proviene del náhuatl cuexcómatl y significa olla de barro o lugar para guardar.

Ella aun visita a sus abuelos, no pierde la oportunidad de guardarse un momento en el Cuexcomate, unas escaleras en forma de caracol son la vía para descender lentamente al interior del volcán, estando dentro, vegetación abundante lo adorna y unas luces resaltan el agua sulfurada que proviene del Popocatepetl. La ubicación exacta es la 2 poniente y 3 norte de la colonia La Libertad, en Puebla.

 cuexcomate La historia ha ido de boca en boca, se dice que el Cuexcomate se formó por brote de agua sulfhídrica a través de la salida de agua, consecuencia de la erupción del Popocatépetl en el año de 1064, se rumora que antiguamente los cadáveres de los suicidas en Puebla eran arrojados en el cráter, porque no merecían ser velados ni sepultados; por esa misma época los habitantes circunvecinos eran llamados hijos del ombligo del diablo. Una leyenda cuenta que de los túneles que atraviesan la ciudad, uno de ellos cruza desde el Cerro de Loreto al Cerro de San Juan (Colonia La Paz) y de ahí baja hasta el Cuexcomate, cruzando después, por debajo del río Atoyac para finalizar en las pirámides de Cholula.

En un lugar tan pequeño, con pocos habitantes, está el lugar más curioso donde se puede caminar con seguridad, pero sobre todo es un lugar para pensar y observar una pequeña maravilla que parece desdeñada por los ojos que no solo miran y no saben observar.

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Originally posted 2013-10-15 15:22:45. Republished by Blog Post Promoter

Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

Originally posted 2013-01-21 16:15:20. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

SILO 468: arte con luz en Helsinki

 

SILO 468 es una escultura luminosa creada por el Lighting Design Collective  y recién inaugurada en Helsinki, capital de Finlandia. El proyecto recupera un espacio industrial abandonado para convertirlo en obra de arte y plaza pública.

Se trata de un silo petrolero en desuso a orillas del mar, de 36 metros de diámetro y 17 de altura. El imponente cilindro fue transformado en una impresionante obra de arte luminoso cuyo interior estará abierto al público. Durante el día, los orificios en la superficie de la estructura, en combinación con la posición del Sol, crearán juegos de luz y sombras con los cuales los visitantes podrán interactuar. Por la noche, se encenderán cientos de LED controlados por un software que ha sido programado para que las pantallas simulen los movimientos de una bandada de pájaros. Las corrientes de viento regionales sirvieron como modelo para crear los patrones de movimiento de las luces electrónicas.

La obra forma parte del proyecto Helsinki World Design Capital 2012. Aquí dejamos un video con los renders del proyecto que explican a detalle su realización y funcionamiento.

 

Originally posted 2012-10-25 18:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

Renovarse o morir: montañas rusas tradicionales se extinguen

Euforia, alegría, entusiasmo, nervios e incluso miedo. Paso a paso, las emociones crecen y se mezclan entre sí al ver cómo la fila, que antes era enorme, disminuye y sólo faltan unos cuantos minutos para dar un recorrido a varios metros de altura en lo que para algunos pasajeros resulta un terror y otros tantos consideran una maravilla. Los gritos suenan cada vez más cerca y de pronto se escucha un rugido ensordecedor, entonces se visualizan rostros con diversas expresiones, las cuales suelen ser indescriptibles; sin embargo, dichos gestos comunican una idea general: las montañas rusas son una experiencia única e imperdible.

Capaces de provocar las emociones más fuertes y de poner la adrenalina a todo lo que da, las montañas rusas han sido la atracción principal de las ferias desde su invención en el siglo XIX, cuando se construyeron los primeros juegos de este tipo. Las estructuras que reinaban los parques de diversiones de esa época eran muy simples, pues sólo contaban con una vía elevada a varios metros de altura, la cual marcaba una ruta curva con algunas caídas pronunciadas; sin embargo, estas construcciones han evolucionado con el paso del tiempo, de tal manera que en la actualidad resulta más impactante subir a una monstruosa torre de múltiples giros y pendientes que a una montaña tradicional.

Medusa dejó de petrificar a los visitantes de Six Flags México.

Hace unos días, el parque de diversiones Six Flags México despidió a una de sus principales atracciones: Medusa, montaña rusa de madera que destacaba entre los juegos preferidos de los visitantes; sin embargo, según declaraciones del gerente de relaciones públicas del recinto, Roberto Báez, al diario El Financiero, la empresa está buscando innovar y por eso decidió ceder el espacio de dicho juego a “una nueva sorpresa”, comentó.

La jubilación de Medusa se anunció apenas un par de meses después de que el parque inaugurara The Joker, atracción mecánica inspirada en la locura de uno de los principales villanos del comic Batman; por la cercanía de ambos hechos, se deduce que Six Flags se encuentra en una etapa de renovación en la cual ya no se busca que el público se reencuentre con su juego favorito o asista para conocer las montañas que se consolidaron como referentes del recinto, sino que ahora apuesta por sorprender con la construcción de estructuras aparatosas, más altas, más complicadas y basadas en conceptos, historias o personajes para hacer más espectacular su ambientación y así llamar aún más la atención de los visitantes.

 

Why so serious? The Joker ya llegó a Six Flags, una nueva montaña con una estructura retorcida e innovadora.

La renovación de los parques de diversiones es un acierto desde el punto de vista económico; también resulta emocionante para los visitantes, sobre todo para aquellos amantes de los juegos mecánicos; sin embargo, esta situación pone en peligro de extinción a las montañas rusas clásicas, construidas con madera y denominadas Woodies, de las cuales cada vez hay menos debido a que tal material no permite elaborar atracciones tan grandes ni con tantas vueltas o caídas como lo marca la nueva tendencia en este tipo de estructuras.

Claro que esto no es motivo para dramatizar, pues el cese de construcciones de juegos de madera también beneficia al medio ambiente; sin embargo, el tema se torna nostálgico, debido a que en este asunto, como en muchos otros, lo tradicional pierde terreno a manos de la rentabilidad.                                                                                                                                                     

Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico, la última Woodie de México.

En el caso de las Woodies, cabe mencionar que, según el sitio web Roller Coster Data Base (www.rcdb.com), en México sólo existían dos: Medusa y la Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico; ahora sólo queda esta última y, por tanto, cobrará importancia por ser la única representante de los juegos mecánicos tradicionales en el país; así mismo, desde la perspectiva arquitectónica, podría considerarse su estructura como una pieza digna de admiración y conservación, pues en este contexto, sería muy raro retornar a las construcciones de este estilo.

La Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico comenzó a operar en 1964 y sus dimensiones son extremas, pues tiene una altura de 33,5 metros, una longitud de 1,219,2 metros; cabe mencionar que su caída es de 24, 4 metros, según www.rcdb.com

Renovarse o morir, es una de las leyes de la vida; sin embargo, la memoria es enorme y en ella quedará el recuerdo de la adrenalina que se disparaba en el cuerpo de quienes alguna vez dieron un paseo por la mitológica cabellera de Medusa, recreada por esta montaña de 32 metros de alto y 955,8 metros de longitud, dimensiones tan extraordinarias como las emociones que provocó durante sus 13 años de funcionamiento (2000-2013).

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El laberinto de la soledad: Semejanza y olvido


Somos la copia de lo moderno, fungimos como los portavoces de lo que nos ha dejado de pertenecer, nos identificamos con un quebrantamiento de nuestros anhelos y hemos crecido con el consuelo de ideales ajenos a nosotros. ¿Qué es lo que realmente nos motiva a ser? Porque pretendemos ser alguien, y ése imperativo transmite ideas y retos ante la vida, pero esos objetivos no nos pertenecen , desde el momento en que hacemos todo con opacidad y mediocridad.

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Crédito:Tumblr.

“A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: La de nuestra conciencia.”

 Ese sentido de identidad, de confrontación consigo mismo,nace del cuestionamiento de nuestra vida, del ritmo al que estamos sujetos día a día. La transmisión de ideas, objetivos y cumplimientos se lleva bajo una tutela externa, que ni siquiera nos corresponde a nosotros mismos como personas reflexivas y críticas. El fin de asimilar –el dónde, el ahora y por qué– corresponde a cada uno de nosotros, el fin es corroborar nuestra identidad que tanto buscamos al pasar de los años.

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Crédito:Tumblr.

 Entre lo vintage, lo retro y demás tendencias, olvidamos el trasfondo de nuestro abandono como sociedad mexicana. ¿Cuál es el muro que nos impide tener una autonomía simple y certera? El muro es la imitación. El modelo de la semejanza, rompe con los límites, enmascara una incongruencia colectiva y filosófica también. Y, no es que la semejanza sea un enemigo acteal, sino se trata de vincular la manera de adopción con el conocimiento de nuestras raíces y orígenes. Somos el pueblo que olvida y que deambula, que encuentra su asiento más cómodo y pertinente en la actualidad, porque una nación que relega su creación, supone un estado vegetativo e inerte.

 Tanto que tememos a la muerte, y pareciese que estamos cobrando un estado de confort y de aislamiento ante los sueños que no son arrebatados día a día. La muerte parece vencernos y sale airosa de cualquier problema ante la vida, así es el mexicano, olvida su propio oxígeno, su vida misma.

 Disimulamos nuestro miedo, nuestra renuencia a lo indomable, renunciamos a lo inaudito. ¿No se supone que la historia la historia la construimos nosotros? Somos el principio del tabique, y a la vez pertenecemos a la obra construida. La fortaleza de esta, se ve enriquecida en nuestra transparencia y solidaridad con las raíces de nacimiento, con ese vínculo cautivo y potencial ante la vida y el sueño.

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Crédito:Tumblr.

 El principio de la semejanza, nace debajo del de soledad. El laberinto de la soledad, sombrío quieto y desorbitante, que envuelve la agonía con la magia de los días, se muestran las máscaras y parece, que ya todo lo hemos visto, y cuando alguien  se quita el antifaz, queda expuesta su desnudez y no aceptamos ese hecho. Entonces, ¿Preferimos vivir en la mentira? La historia lo ha demostrado y nos gusta vivir en las tinieblas, donde nadie nos vea, porque si nos reconocen bajo nuestra autonomía, parece ser que tendremos que vivir en el exilio para siempre.

 Los excesos y escapes, parecen ser la combinación perfecta para olvidar la pena de lidiar con el olvido de un pueblo que clama lucha y reivindicación y no sólo dependencia. La sumisión hacia otro estilo de vida, nos lleva a la perdición misma de nuestra cultura; déjame de ser para volvernos parte de –contradicción fuerte y real–.

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Crédito:Tumblr.

“Oscilamos entre la entrega y la reserva, entre el grito y el silencio, entre la fiesta y el velorio, sin entregarnos jamás. Nuestra impasibilidad recubre la vida con la máscara de la muerte; nuestro grito desgarra esa máscara y sube al cielo hasta distenderse, romperse y caer como derrota y silencio.Por ambos caminos el mexicano se cierra al mundo: A la vida y a la muerte.”

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Crédito:Tumblr.

 Estamos muertos en vida, somos testigos de nuestra masacre y lo seguimos permitiendo desde que se nos impongan estereotipos que sólo degradan la imagen del ser humano. Se nos unen tabúes, prejuicios y juicios de valor, que no nos permiten tener un objetivo claro sobre lo que somos como mexicanos, no como vínculo entre naciones.

 Somos la descendencia de un pueblo aguerrido, que luchó hasta el último momento con un sinfín de impedimentos por querer quebrar el mundo de hostilidad.

Originally posted 2014-10-02 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Originally posted 2014-10-07 11:19:35. Republished by Blog Post Promoter

Los globos de UNELEFANTE

 

Explosión Bristol

Todos los días hay algo que celebrar (o alguien a quien celebrar) y a veces se vuelve imposible encontrar un regalo fuera de lo ordinario que se pueda adaptar según sea la ocasión. De las muchas cosas que se pueden tener en mente, un globo no es precisamente de las más comunes, pero una vez que se conoce a UNELEFANTE será totalmente distinto.

Limoncello

Con todo un concepto detrás, esta fábrica de globos gigantes crea otro significado del detalle con la intención de “producir obsequios con la intención de reinventar emociones y celebrar la espontaneidad”, dándole a cada globo una personalidad distinta que toma su inspiración de las cosas que menos se puedan imaginar: un merengue, una obra de arte de Claude Monet, una canción de los Beatles o de la Pantera Rosa; cada uno está hecho principalmente de látex inflado con helio y detalles de motas de papel de diversos colores hechos a mano.

Sabios de Luá

Los colores usados en cada globo cuentan una historia distinta y se pueden escoger por colección o por color, además se pueden personalizar con una tarjeta y escoger de su selección de confitería y destilados haciendo toda una experiencia para los sentidos. Todos los productos son hechos artesanalmente en San Pedro Garza García, Nuevo León combinando técnicas artesanales y actuales con un claro concepto de la individualidad y la pasión por su trabajo hacen a este “taller” único en su tipo.

Cherry Blossom

Cada globo es enviado en una caja gigante y únicamente hacen pedidos por internet en su sitio web.

 

Originally posted 2013-01-11 22:30:02. Republished by Blog Post Promoter

El secreto lenguaje del gesto

Hay un lenguaje que es universal, que se transmite clara y espontáneamente. La expresión corporal son palabras mudas que sin más explicaciones demuestran al instante lo que sentimos y lo que pensamos; ésta reflexión y la exploración del cuerpo humano llevó a Jennifer Crupi a alentar el gesto, amplificando su fuerza al construir varias series de joyería mecánica que se definen como piezas esculturales que incentivan al lenguaje corporal y a la comunicación no verbal.

jennifer cupi

jennifer cupi

Originaria de Inglaterra, Jennifer tiene una larga e interesante trayectoria en la que ha elaborado todo tipo de accesorios en los que las acciones toman un protagonismo que se detiene en el tiempo dando un resultado transgresor, creativo y muy noble recordándonos que una acción dice más que mil palabras.

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

Originally posted 2013-02-02 11:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

 

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

 

 

Originally posted 2012-11-16 18:02:24. Republished by Blog Post Promoter

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Originally posted 2015-01-19 12:45:44. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

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MEMORIA: instalación visual y sonora

 

Este jueves 15 de noviembre será inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación visual y sonora Memoria, de Daniel Hidalgo Valdés.

Se trata de una pieza interactiva que permite al espectador emitir sonidos que generan una representación visual lumínica. Estos sonidos y su respectiva representación gráfica sufren los efectos de la reverberación al grado en que se reducen a ecos y estelas del sonido original.

La obra pretende hacer un paralelismo entre entre la memoria humana y la reverberación, desde la perspectiva de que ambos conceptos son evocaciones del pasado que con el tiempo se ven distorsionadas y reducidas, de manera que el resultado final es sólo un vestigio del hecho original. En palabras del autor, es “una metáfora sonora de la memoria humana, algoritmos que generan una pieza cuya organización es equivalente a los procesos de la memoria del ser humano”.

La idea es que el espectador sea testigo de la forma en que ambos, recuerdos y reverberación, se degradan hasta transformarse en silencio y olvido.

Daniel Hidalgo Valdés es miembro de la Sociedad Nacional de Creadores de Arte y ha trabajado como compositor y productor de música y sonido en películas y series mexicanas como 2033 y Los Minondo.

El evento comenzará a partir de de las 19:00 horas en el recinto, ubicado en Paseo de la Reforma.

 

Originally posted 2012-11-14 18:00:52. Republished by Blog Post Promoter

Firewall: Música, Visuales Y Kinnect

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Firewall es una instalación interactiva que funciona también como instrumento musical, controlada por el contacto de las manos o cualquier parte del cuerpo con una membrana sensible. Como siempre, es mejor verlo:

Este artefacto es una colaboración de Aaron Sherwood, quien previamente hizo Glockentar, y Michael Allison. Una superficie de espándex funciona como interfase membranosa y un Kinnect se utiliza para detectar la posición y profundidad del contacto con dicha membrana. Además de los visuales, Firewall también emite música de piano que cambia dependiendo de la posición y profundidad del contacto, subiendo en intensidad cuando la tela es presionada con fuerza, como se observa en estas pruebas:

Además del Kinnect, Firewall fue creado utilizando herramientas de programación como Processing, Max/MSP y Arduino.

Su presentación oficial será en junio de este año durante la premiere de Mizalu, una puesta en escena en la cual bailarines interactuarán con él, representando la forma en que experimentamos la realidad mas no podemos trascenderla.

 

Originally posted 2013-01-21 12:34:44. Republished by Blog Post Promoter

Adam Cruft y la ilustración.

Por Eunice Suárez SUREVI.

 

La inspiración viene de todos lados, llega mientras se está en el insoportable tránsito de la ciudad, mientras uno espera el metro para volver a casa, viene igual de las alcantarillas e incluso de la cocina. Llega, simplemente está ahí y cuando no se le deja escapar, puede dar grandes resultados.

Por encargo o como proyecto personal, Adam Cruft, ilustrador londinense, ha ido coleccionando rostros en papel. Son expresiones y acciones que combinadas con ese característico estilo al ilustrar, generan en el espectador cierta incertidumbre que resulta difícil explicar, pero que es captada de inmediato.

Trazos contundentes y precisos, líneas y puntos que detallan la expresión del rostro conviven con manchas que le dan vida a la vestimenta de sus personajes. Se logra que la minuciosidad y la espontaneidad se unan a través de la mezcla de técnicas.

Adam Cruft ha logrado consolidar con el paso del tiempo un estilo con el que no solo habla de él, sino que también deja al descubierto un efímero fragmento de aquellos que sirven de modelo, permitiendo conocerlos por un segundo. Detenerse a observar, en eso radica gran parte de la genialidad de Cruft.

No importa el lugar, no importa la persona, sino el empeño en ver más allá y tratar de imaginar aunque sea por un momento la vida de los demás, porque nadie es ajeno al caos que les rodea.

 

Para más información sobre Adam Cruft, da click aquí.

Originally posted 2012-07-18 14:00:55. Republished by Blog Post Promoter

Moleskine White totalmente minimalista

Moleskine, la marca de libretas de bolsillo famosa por haber provisto de un espacio para vaciar las ideas a personajes como Bruce Chatwin, Picasso, Matisse y Hemingway, deja de lado el clásico rectángulo negro y lanza unos nuevos cuadernos en blanco.

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Se tiene la idea de que el blanco es una base sobre la que se pueden construir ideas libremente, expresar cualquier personalidad y plasmar conceptos. Además de que es un tono universal y fundamental en la paleta de muchos artistas. Actualmente se ha vuelto un color básico en gadgets y laptops que los hace lucir minimalista, libre y limpio.

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 Moleskine te invita a unirse en su gusto por el blanco con su nuevo cuaderno y a que lo compartas en myMoleskine a través del hashtag#favoritewhite.

Originally posted 2013-02-28 11:02:49. Republished by Blog Post Promoter

Tenis que echan raíces, una creación más de moda verde

OAT Shoes, empresa holandesa dedicada al diseño de calzado, creó una línea de tenis que tienen la capacidad de convertirse en macetas o en alimento para la tierra al plantarse luego de ser desechados, lo cual es posible debido a los diversos materiales biodegradables con que se fabrican.

Colección Virgin, de OAT Shoes, son tenis que fungen de abono al suelo al ser enterrados.

Estos zapatos deportivos fueron el resultado de dos años de investigación por parte de la empresa mencionada, misma que, en su afán por crear prendas amigables con el medio ambiente, encontró en el hilo cáñamo, el corcho, el boio-algodón, plásticos biodegradables certificados y blanqueadores sin cloro los materiales idóneos para descomponerse por completo al ser enterrados; fue así como, en el año 2011, pudo lanzar al mercado los primeros tenis de este tipo gracias al diseño de Christian Maats y Dirk-Jan Oudshoorn, según apunta el sitio web isopixel.net

Aparentemente, los OAT son unos tenis comunes y corrientes que pueden usarse en incontables ocasiones, ya sea para realizar algún tipo de actividad física o vestir de manera casual; sin embargo, cuando el dueño ya no pretenda utilizar su par lo único que debe hacer es enterrarlo en un jardín para que, después de un tiempo, los materiales se desintegren y vuelvan a formar parte de la naturaleza, lo cual, a su vez, produce un efecto de abono en el suelo.

Cabe mencionar que cada par incluye un pequeño paquete de semillas en la lengüeta para que, en caso de que el dueño lo decida, pueda cultivar flores silvestres en el orificio donde antes introducía su pie, menciona isopixel.net.

La empresa OAT, fundada en 2008, crea diseños a partir de la idea de que el futuro de la moda está en la reconciliación de la industria con la naturaleza, pues gracias a esta última es posible obtener materiales para crear y es necesario tomar decisiones verdes para salvarla, según apunta en su página de Internet www.oatshoes.com.

Tenis que echan raíces.

La colección Virgin, como fue nombrada esta serie de tenis, se presentó en la Semana Internacional de la Moda de Amsterdam 2011, donde, además, se llevó a cabo una competencia de Moda Verde en la cual la empresa ganó el segundo lugar gracias a esta idea de moda amigable con el ambiente.

En 2011, OAT lanzó al mercado una edición limitada de 900 piezas, las cuales fueron distribuidas en diversas tiendas europeas pero se agotaron rápidamente debido a su difusión por medio de la página de Facebook OAT Shoes. Gracias a su éxito, la empresa holandesa continúa produciendo calzado deportivo biodegradable; sin embargo, su demanda es tanta que los pares se acaban en poco tiempo.

La manera de adquirir estos tenis es directamente en la página de Internet www.oatshoes.com

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Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Fred Perry 60 aniversario

La legendaria marca británica celebra su cumpleaños número 60 invitando a sus más distinguidos seguidores (entre los que se encuentran músicos, diseñadores, influyentes de la moda y el deporte) a intervernir la clásica polo blanca de la manera que quieran. Desde una felicitación escrita en la misma prenda, hasta una customización completa para finalmente exhibir las 25 colaboraciones como una instalación el 26 de Enero en la boutique Dover Street Market de Londres para posteriormente viajar a  I.T Beijing Market en Marzo y cerrar en Dover Street Market Ginza en Abril. Después de esta pequeña gira, las playeras serán subastadas para donar lo acumulado a la fundación de Amy Winehouse.

Por: Anton Wirjono.   DJ- Indonesia

Asylum  Compañía creativa- Singapur

Bombshelter Agencia Creativa- Malasia

Beams Boutique- Japón

Bora Aksu Diseñadorade Modas- Reino Unido

Christopher Raeburn Diseñador de Moda- Reino Unido

Colette Concept Store -Francia

David David Diseñador de estampado- Reino Unido

Hiroko Takahashi Artista- Japón

Eko Nugroho Artista- Indonesia

i-D Magazine Revista- Reino Unido

Chequen el micrositio creado especialmente por el aniversario de la marca, ahí podrán ver la galería completa de playeras.

 

 

Originally posted 2013-01-04 19:45:10. Republished by Blog Post Promoter

¿Sostenibilidad o sustentabilidad?

SSS

 

Por Remitente Diseño Sustentable

¿Cuál es la palabra correcta, a qué se refiere cada una, cómo podemos entenderlo mejor en términos del cuidado del medio ambiente?

Se ha escuchado mucho debate sobre cuál es la palabra para describir adecuadamente los términos, propuestas, iniciativas, empresas y productos ecológicos o que tienen un impacto positivo en el medio ambiente y la sociedad.

Hemos investigado al respecto y te explicamos aquí cómo está la cosa.

Lo primero es que para que exista sustentabilidad debe haber sostenibilidad, esto quiere decir que la sostenibilidad es parte de la sustentabilidad, no es un sinónimo. La palabra sostenibilidad se define como la característica o estado según el cual pueden satisfacerse las necesidades de la población actual y local sin comprometer la capacidad de generaciones futuras o de poblaciones de otras regiones de satisfacer sus necesidades.

El uso sostenible de un ecosistema hace referencia al uso que los humanos hacemos de un ecosistema de forma que este produzca un beneficio continuo para las generaciones actuales siempre que se mantenga su potencial para satisfacer las necesidades y aspiraciones de las generaciones futuras.

Ahora bien para que algo sea calificado como sustentable debe cumplir con 3 requisitos fundamentales:

1.Ser sostenible ambientalmente: hacer buen uso de los recursos naturales y no producir contaminación ni afectar a los integrantes del ecosistema.

2.Ser sostenible socialmente: Preservar la calidad de vida, promover la educación y el bienestar de la comunidad y ofrecer igualdad de oportunidades.

3.Ser sostenible económicamente: Generar un beneficio económico y un ahorro en costos, promover el crecimiento y propiciar la investigación y desarrollo.

Sin estos 3 rubros que involucran la sostenibilidad en diferentes ámbitos, la sustentabilidad no puede darse.

En la imagen a continuación queda más claro cómo es que se integran estos tres rubros para dar cabida a la sustentabilidad:

SUSUSUS

Originally posted 2013-07-25 21:07:27. Republished by Blog Post Promoter

Art Deco Weekend

Para los amantes del Art Deco, del próximo 18 al 20 de enero del presente año se llevará a cabo el Art Deco Weekend en su edición 36º en la ciudad de Miami. El Art Deco Weekend será un fin de semana lleno de eventos, entre ellos conciertos, fashion show, desfiles, exposición de muebles, antigüedades y piezas de diseño así como un festival de cine; todo en torno al Art Deco


Los principales músicos serán Doug Wimbish, uno de los mejores bajistas del mundo, Christian Howes y el grupo Suénalo.

En cuanto a los fashion show los estudiantes de la Miami International University en conjunto con la marca de ropa Bettie Page serán los responsables de deleitar a los asistentes.

La sede será el recinto de Miami Design Preservation League, ubicado en 1001 Ocean Drive, Miami Beach, Fl 33139

Para el Festival de Cine Art Deco se llevarán a cabo las proyecciones de “Some Like It Hot” (“Una Eva y dos Adanes”), “The Artist” (“El Artista”), “The Great Gatsby” (“El gran Gatsby” versión 1949) y “Midnight in Paris” (“Medianoche en París”). La sede para dichas proyecciones será el Lummus Park en el que se podrá disfrutar del cine al aire libre y hasta acompañarlo con un picnic.

Para más información sobre los artistas y horarios pueden consultar el sitio aquí.

Originally posted 2013-01-07 17:40:52. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

Originally posted 2014-09-11 10:08:22. Republished by Blog Post Promoter

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

Originally posted 2014-09-22 09:51:56. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

Originally posted 2013-01-24 16:55:05. Republished by Blog Post Promoter

Las Apariencias Engañan: Los Vestidos de Frida Kahlo

A la inmortalizada figura de Frida se añade un espacio más en la llamada Casa Azul de Coyoacán, que en colaboración con Vogue y BMW, exhibirá a partir de este próximo sábado 24 de noviembre joyas, accesorios y vestidos que la pintora utilizó. Derivado de ello, Vogue realizó como suplemento en su número de noviembre una edición especial cuyo énfasis en los elementos y color aluden en cierto modo a un culto al ícono que Frida constituye.

La actitud desafiante que Frida plasmó en su obra se extiende también como expresión de lo anticonvencional. El uso que ella dio a texturas, accesorios, colores y atuendos, además de los distintos razgos estéticos de ciertas raíces indígenas, quizá revelan con mayor detalle sus cualidades creativas y emocionales.

Carlos Phillips, Director General de los museos Dolores Olmedo, Diego Rivera y Frida Kahlo, declaró al respecto:

“En la forma de vestir de Frida se puede reconocer la creatividad y el profundo sentido del colorido que tenía la artista. Su ropa, además de ser en sí una manera de esconder flaquezas físicas y emocionales, traducía su temperamento. Su atuendo fue un elemento fundamental en la construcción de su fuerte personalidad que la ha hecho trascender en la historia de la pintura del siglo XX”.

Como complemento a la exposión, pueden asistir también a las conferencias de especialistas que el museo preparó.

Más detalles acerca de ésta exposición en la página del Museo Frida Kahlo.

 

 

Originally posted 2012-11-21 18:00:36. Republished by Blog Post Promoter

La Música e Imagen Del Tiempo Unicelular

 

Unicellular Time es una colaboración entre el compositor Enrique Mendoza y la VJ y artista visual Sandra Real, también conocida como Chana MX. La intención de esta pareja de artistas mexicanos es crear una experiencia audiovisual que transmita el transcurrir del tiempo desde la perspectiva de organismos unicelulares.

Para esto, y con la ayuda de María Teresa Quintero, parasitóloga de la UNAM, videograbaron una serie de observaciones a través del microscopio de organismos como miracidios y nematodos. El material, de acuerdo a Mendoza, reveló que el paso del tiempo puede ser muy relativo cuando no se tiene una referencia -como, por ejemplo, la posición del Sol para determinar nuestros días. Así como en las escalas mayores, como las de los astros y planetas, el tiempo parece transcurrir de manera diferente, en las escalas más pequeñas sucede algo similar.

Actualmente, el dúo se encuentra preparando el acto en vivo, el cual presentarán durante el Live Performers Meeting 2013, a celebrarse en la Ciudad de México del 24 al 26 de enero del próximo año. La idea es combinar el material grabado previamente con observaciones microscópicas en vivo y  la música de Mendoza, quien utiliza el software LiSa para crear y moldear los samples para el proyecto.

Real y Mendoza ya han colaborado previamente en DEREGRESO, una presentación en vivo que mostraba imágenes de un proceso de fluoroscopía que permite visualizar fluídos internos del cuerpo humano mediante la aplicación de pequeñas dosis de radiación. Unicellular Time es la continuación de ese proyecto.

 

Originally posted 2012-11-20 18:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Art Academy: clases de arte en tu Nintendo

Por: Sus

@SusBouvier

Hablar sobre Nintendo es hablar de una institución consolidada en el mundo de los videojuegos. Desde el lanzamiento de su famosa consola Famicom en 1986 hasta el Wii de 2006, pasando por la primera consola portátil, el ya clásico Game Boy en 1990, Nintendo ha innovado en cada consola que presenta y ha logrado consagrar a personajes como Mario Bros, Zelda o Star Fox como iconos de la cultura pop a nivel mundial.

La última entrega de la compañía en cuando a consolas portátiles se refiere, es el Nintendo 3DS (2011), en donde se eleva  la experiencia de juego a otro nivel. El dispositivo cuenta con dos pantallas, una de ellas táctil. Sin embargo, el atractivo de la consola radica en las gráficas, que sin usar algún tipo de lentes, se perciben en tercera dimensión.

Uno de los títulos más esperados para esta plataforma fue recientemente lanzado: Art Academy: Lessons For Everyone, en una nueva versión que sin duda supera a su predecesor del 2010. En una  faceta diferente a lo que generalmente la compañía ofrece, Nintendo presenta un juego  que se convierte en todo un estudio para dibujar, y en donde el conocimiento adquirido puede sobrepasar el llamado mundo gamer.

Como su título lo expresa, chicos y grandes, con o sin experiencia,  pueden dibujar con diferentes técnicas.De la mano de dos auténticos tutores, Vince y su ayudante Bacon,( que  también  ilustran con datos interesantes de la  historia del arte),el jugador se convierte en aprendiz con la posibilidad de mejorar sus habilidades en un proceso continuo y divertido con más de 30 lecciones y la opción de adquirir más en Nintendo eShop. Lápices, pasteles, lápices de colores y pinturas se encuentran al alcance del jugador para explotar su creatividad en el modo Free Paint.

 

En  Art Academy, Lessons For Everyone, las fotografías que se tomen con el 3DS pueden ser la base para tu próxima creación artística. Y si te vuelves todo un experto , puedes crear tus propias lecciones de aprendizaje  y compartirlas, junto con tus obras , a través de SpotPass.


Con títulos como éste, Nintendo apuesta por un nuevo concepto, en donde la cultura y el arte se fusionan con  entretenimiento y diversión.

Gameplay Trailer:

Originally posted 2012-10-09 20:00:51. Republished by Blog Post Promoter

siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

CCU-TLATELOLCO

 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Originally posted 2014-12-16 12:56:31. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Originally posted 2014-09-10 16:19:00. Republished by Blog Post Promoter