Autos usados: Daniel Espartaco Sánchez

Las semejanzas entre el comportamiento humano y la misma naturaleza nunca dejan de sorprendernos. No todo es fluido o continuo, muchas veces se paraliza, se detiene. Obedecemos con fiel ironía a un ciclo impuesto que no nos cansamos de alterar.

 El calor quema; sin embargo, se alude a las pasiones y a la viveza. 40° y contando…se vuelve insoportable. El calor hostiga y cansa ¿Qué tanto arde dentro de nosotros?

 La contraparte: el frío. Es cierto, el frío también quema; algunas veces refresca, y otra tantas congela. Nos hace indiferentes, insensibles. ¿Qué tan frígido se puede mantener antes de quebrarse?

 Autos usados, primera novela del autor mexicano Daniel Espartaco Sánchez, está escrita en el frío que te parte los labios aún cuando hay algo más que decir. Elías, protagonista de esta historia, narra la insulsa carrera en contra de la realidad, porque no siempre las fantasías nos asombran más que la inmediata materialidad.

Daniel Espartaco Sánchez
Daniel Espartaco Sánchez

 Elías deja a un lado el sueño de comprarse al contado –como verdadero hombre- un auto usado junto con la idea de “un sueño americano reciclado y más barato” y asentar su vida en Amarillo, Texas. Obedeciendo el camino autoimpuesto termina en la Ciudad de México para ser testigo de cómo las personas que estuvieron en su vida se convierten en personajes de la violencia.

“Me pareció que la vida era en gran parte escoger entre una y otra frase trillada en determinados momentos.”

 Daniel Espartaco Sánchez, nació en Chihuahua uno de aquellos años que sentimos perdidos del norte. Ha sido acreedor a diversos premios literarios como el Nacional de Cuento Agustín Yáñez, el Nacional de Literatura Gilberto Owen y el año pasado fue galardonado con el Premio bellas Artes de Narrativa Colima para Obra Publicada (este reconocimiento le fue otorgado a grandes personajes como José Agustín, Elena Garro, Federico Campbell, entre otros).

 Dentro de su trabajo literario no sólo destaca Autos usados (2012), también se distingue Cosmonauta (2011), Bisontes (2013) y La muerte del pelícano (2014). Este último título fue escrito en colaboración con su hermano Raúl Aníbal Sánchez.

 Autos usados no es otra historia de narcotráfico y violencia que se desenvuelve en el norte del país, gastando testimonios al por mayor de lo que ya hemos escuchado sin que nos importe lo mínimo. No. Esta novela narra una nueva perspectiva, del que oscila entre el crimen, la pasividad y la muerte. Es donde todos los que nos encontramos (o sentimos) lo suficientemente alejados de allá, inventamos un mejor pretexto para olvidarlo, para no entenderlo.

 Espartaco Sánchez es un escritor claro, espontáneo, irónico y agudo. No hacen falta las reverencias para un autor que escribe por sí mismo y, sin lugar a duda, debemos mantener presente.

“Luego la calma, aún más odiosa; el aborrecimiento de uno mismo por ser incapaz de destruir y hacer daño; el pacto entre la falta de voluntad y el inmenso espacio de allá afuera; la transacción éntre la cobardía y la conformidad.”

Originally posted 2014-07-31 10:43:38. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

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Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 3

Por Hernán Flores

[Jueves 25 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. ¿Se lo pido o no se lo pido?, discutía en mi mente mientras pensaba pedirle un trago de agua al chico de al lado. Pero qué condenada resaca me cargo: síntomas de una noche más que blandimos como un sable en llamas. Esta vez el metro iba más bien vacío, yo leía con comodidad mis Cuentos Completos de Capote y no me preocupaba por nada más que yo y mi ego. Con una que otra turbulencia y amarres de frenos, llego mi vagón hasta a la estación de Zócalo donde me repetía sin cesar que éste sí que sería un buen día. Jamás lo sería y yo lo sabía muy bien, sin embargo no perdía nada con intentarlo, o al menos eso creía.

 

3:30 p.m. “1) No usar condón te ahorra una lanérrima. Neta. Para que se den una idea, con esa lana ahorrada ayer fuimos (la mujer que amo y yo) a comer a Los Mercaderes, ese restaurante sostenido por cuatro Atlantes en la calle cinco de mayo.” fue lo único que escuché. Mi atención ya estaba dominada por sus palabras, no sé si porque era lo que más o lo que menos quería escuchar, pero de la manera que fuera, decidí sentarme y poner atención, obviamente. Uno no puede irse así como así después de escuchar esas palabras. Gerardo Díaz leía un fragmento del comienzo del onceavo número de la revista “Los Bastardos de la Uva”. Después de una lectura ligeramente torpe explicó que “éste fue un proyecto que nació en una cantina, junto con unas buenas caguamas y un plato con cacahuates picantes y salados.” Decía que ésta, su revista, era un verdadero logro y un bote que estaba saliendo muy bien a flote. Que publicaban bimestralmente y que éste era ya su número 11, que esperaban publicar muchos más. En las manos de Ricardo Lugo Viñas, se encontraba una tablet donde él leía una carta mandada por un poeta reconocido y que clamaba, exigía ser publicado por su revista. Ego. “No hay que vulgarizar el acto de robar libros” decía Gerardo, cosa que yo le celebré hasta el cansancio y la comezón característica después de aplaudir sin parar durante un rato. Decidí comprar un par de números y aunque no pensaba gastar más de 50 pesos, encontré una revelación: “Mariana con M de música” era su título. Curiosa coincidencia, (¿era ésta una coincidencia?) un día antes había querido desangrar ese nombre hasta la muerte, sin piedad y sin calma. Hoy lo volvía a poder pronunciar, podía leerlo de nuevo sin morderme los labios y apretar los puños. Compré un número y el libro. Esperaba que hubiera sido una buena inversión.

 

4:00 p.m. Con mis dos nuevas adquisiciones en mano decidí ir a trabajar más, a buscar algo atractivo. No tuve que buscar demasiado, enseguida que salí del “Café Literario” encontré el “Foro Carlos Fuentes” donde estaba a punto de comenzar un homenaje luctuoso a Alí Chumacero, el segundo. Me fumé un cigarro mientras preparaban todo. Dio comienzo el homenaje que bueno, más que un homenaje me pareció un taller de exposición a todas luces. Sí, hablaban de Alí y decían los grandes hallazgos que hizo, de las 25 lecturas que hizo de “La Picardía Mexicana”, que después de recibir un gran premio gordo donó toda la plata a la que era acreedor a los jóvenes invidentes, que gracias a él comenzó a forjarse, que le encantaba decir una que otra frase, por ejemplo: “Más vale pájaro en mano que SIDA en el ano.” O “de tanto darle y darle aunque sea quesito sale.” Lo que en verdad me sorprendió fue la lectura de Melquiades Sánchez Orozco que seguramente nadie lo sabe, pero es ese señor que anuncia las alineaciones del América cuando juega en el Estadio Azteca o ruega por información de los desaparecidos intermitentemente en canal 5. Su voz de gigante retumbó en el foro con una lectura sin muletillas, sin tropezones ni palabras atoradas. Una muy buena lectura. Sentí nostalgia y dejé a todos los participantes en la “barra de luto” seguir explayando su ego sin restricciones.

 

5:30 p.m. “Qué lugar tan bonito, aquí es cuando me doy cuenta de cuánto me hace falta por conocer de mi ciudad.” me decía a mí mismo mientras subía por el elevador para llegar a la sala donde me esperaban Héctor y Daniel, un par de poetas amigos míos. Llegué ligeramente tarde, justo acababa de comenzar la presentación de cada uno de ellos. Eran tres, Valeria Guzmán, una chica rusa/peruana lindísima, repleta de esa ternura andina y embellecida con las facciones características de su patria del otro continente, David Majano e Iván Cruz Osorio. Saludé a Héctor con una palmada muy leve para no hacer tanto ruido y a Daniel con un cordial apretón de manos. Comenzó la lectura. Al momento que comenzó a leer la chica no podía creerlo, pensé que por su hermosura leería una poesía bella hasta las lágrimas, pero no, recitó unos cuantos poemas con manos temblorosas mientras los camarógrafos intentaban dar con su perfil más estético. David, el guatemalteco, leyó una poesía muy bonita, un gran poema de largo aliento que tuvo que ser truncado por su autor por malestares de garganta. Después Iván no se quedó atrás, dijo algo así como “subámonos a un tanque de guerra, donde no encontraremos ningún reloj para que podamos disparar la muerte a todas horas.” con lo cual me dejó con la piel vuelta por el revés y con la mirada estática sobre su frente. Lástima que no hubiera más de diez personas escuchándolo.

 

6:00 p.m. Es hora de volver a “Las Escaleras”, la vecindad donde nos juntamos ayer a beber caguamas. Es hora de hablar de poesía un rato y después volver a casa. Al fin a casa. O bueno, al menos eso espero.

Originally posted 2012-11-04 12:30:50. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

Albert Hammond Jr. en el Plaza Condesa

Por: Eddy López

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A las 9:15 pm del pasado Viernes 21 de marzo, en el Plaza Condesa de la Ciudad de México, se presentó Albert Hammond Jr., dando uno  de los conciertos más íntimos y agradables al haya tenido la oportunidad de asistir.

 La velada comenzó con la presentación de Rey Pila, (banda mexicana que comparte sello discográfico con Hammond, Jr.), que interpretó temas provenientes de su disco homónimo, así como de su Ep Alexander y que como bonus, nos adelantó un tema de su próxima placa musical para así,  dar paso al acto principal.

 Después de un breve arreglo del escenario, los gritos y aplausos se hicieron presentes en el inmueble de la Condesa cuando Albert apareció enfundado en unos pantalones rojos y una chaqueta con el característico Rottweiler, portada de su Ep AHJ.

Captura de pantalla 2014-03-24 a la(s) 23.28.32

 Tras saludar a la audiencia y pedir que bajarán la intensidad de la luz, en parte por molestarle (y en parte por ser “sexier”), el guitarrista comenzó los acordes de “Lisa” y con ellos 80 minutos de un show que emanó carisma californiano, mezclado con el estilo de NYC, combinación que dio como resultado un espectáculo digno de repetirse, pues la entrega del músico provocaba que el  público se volcara en gritos, que a su vez, emocionaban al intérprete.

 El setlist de la noche estuvo compuesto por temas provenientes de sus tres entregas, siendo las más coreadas los sencillos: “In Transit”, “Back to The 101”, “Hard To Live In The City”, “Victory At Monterrey”, “Everyone Gets A Star” y “Strange Tidings”. Pero sin duda alguna, el momento de la noche se lo llevó la parte final del concierto, cuando después de interpretar un cover de The Misfits, Albert nos deleito tocando solo con su guitarra, sin necesitar un espectáculo de luces o una banda entera (quienes a propósito tocan excelentemente).

 En su estado primitivo, fue capaz de transmitir toda la pasión que tiene por la música en los temas “Call An Ambulance” y “Blue Skies”; para después despedirse y volver con el clásico encore, aunque fuese sólo una canción, y finalmente despedirse del público mexicano, entregado como siempre, al que le prometió volver pronto.

 Si se tuviese que describir el concierto de Albert en una palabra, esta sería: Fantástico.

 Lo Bueno: La entrega de los músicos, tanto de Rey Pila como Albert Hammond, Jr. y su banda fue de lo mejor, se nota que son grupos que disfrutan de dar conciertos y entregarse a su audiencia.

 Lo Malo: Hubo ocasiones en que la calidad musical sobrepasaba la calidad del audio ocasionando imperfecciones a los sonidos.

Originally posted 2014-03-25 00:04:21. Republished by Blog Post Promoter

Cuexcomate: el volcán

El sol parece que se coloca más alto y baña de luz aquel lugar profundo y cercado. De niña acompañaba a su padre junto con su hermano a comprar al mercado lo necesario para que su abuela hiciera la comida del día, siempre miró asombrada al cúmulo de greda que se encuentra en esas calles tranquilas y limpias, con frecuencia le preguntaba a su padre ¿qué es eso? Y él con elegancia contestaba: el volcán más pequeño del mundo, el Cuexcomate.

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Medidas curiosas que lo hacen único, medidas acompañadas de historias que han visto desfilar los habitantes:

  • Elevación: 13 metros
  • Diámetro al nivel del suelo: 8 metros
  • Diámetro exterior base: 23 metros
  • Peso: 40 toneladas
  • Metros sobre el nivel del mar: 2,150
  • Primera efusión de agua caliente: 1064
  • Última efusión conocida: 166

Su nombre proviene del náhuatl cuexcómatl y significa olla de barro o lugar para guardar.

Ella aun visita a sus abuelos, no pierde la oportunidad de guardarse un momento en el Cuexcomate, unas escaleras en forma de caracol son la vía para descender lentamente al interior del volcán, estando dentro, vegetación abundante lo adorna y unas luces resaltan el agua sulfurada que proviene del Popocatepetl. La ubicación exacta es la 2 poniente y 3 norte de la colonia La Libertad, en Puebla.

 cuexcomate La historia ha ido de boca en boca, se dice que el Cuexcomate se formó por brote de agua sulfhídrica a través de la salida de agua, consecuencia de la erupción del Popocatépetl en el año de 1064, se rumora que antiguamente los cadáveres de los suicidas en Puebla eran arrojados en el cráter, porque no merecían ser velados ni sepultados; por esa misma época los habitantes circunvecinos eran llamados hijos del ombligo del diablo. Una leyenda cuenta que de los túneles que atraviesan la ciudad, uno de ellos cruza desde el Cerro de Loreto al Cerro de San Juan (Colonia La Paz) y de ahí baja hasta el Cuexcomate, cruzando después, por debajo del río Atoyac para finalizar en las pirámides de Cholula.

En un lugar tan pequeño, con pocos habitantes, está el lugar más curioso donde se puede caminar con seguridad, pero sobre todo es un lugar para pensar y observar una pequeña maravilla que parece desdeñada por los ojos que no solo miran y no saben observar.

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Originally posted 2013-10-15 15:22:45. Republished by Blog Post Promoter

The XX: Coexist

Por: Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El año 2009 estuvo plagado de álbumes debut de talentosas bandas, algunas de las cuales tuvieron la suerte de no quedarse en tener simples one hit wonders, y que pueden llegar de oscilar desde el un alternativo muy festivo, hasta el folk y otros géneros eclécticos. Entre ellas están Mumford & Sons y Florence + The Machine, entre muchas otras. Sin embargo, un grupo que sin duda destacó, y logró llegar a un número impresionante de fervientes seguidores, es The XX.

Esta banda originaria de Londres, enamoró a la audiencia por completo con una fórmula relativamente sencilla, pero absolutamente funcional. Suaves melodías, ligeros beats electrónicos y guitarras hipnotizantes, son los elementos que suelen conformar sus canciones; junto con letras con las cuales es fácil identificarse, al provocar el recordar momentos muy personales (como todas sus canciones).

Desde hace unos 2 meses aproximadamente, The XX sorprendió con “Angels”, el primer sencillo de lo que sería su nueva producción, Coexist. Dicho track cuenta con la firma representativa y fácilmente reconocible de la banda, sin embargo contiene tintes un poco más pesados. Ahora se puede escuchar en su totalidad el disco (Coexist), el cual promete no desilusionar.

El disco sigue con el sonido presentado por The XX en su álbum homónimo, pero introduce algunos beats más bailables. Dentro de lo que cabe, los Londinenses hacen evidente en Coexist la influencia de músicos como Burial y Sade. Dicho álbum contiene también un sonido más melancólico y un tono más bien oscuro; pero las letras, como en el álbum anterior, siguen con la misma temática de amor/desamor. Al parecer, en algunas pistas the XX cambió la fuerte presencia de la tarola por el clap y, en sí, en algunas canciones utilizan una base rítmica que se acerca peligrosamente al house, mientras que en otras se dan el lujo de experimentar con otro tipo de ritmos.

Coexist abre con “Angels”, sencillo que ya prácticamente sabemos de memoria, no pierde el estilo The XX a pesar de llevar unas percusiones que llegan a estar en primer plano. Ésta parece ayudar al escucha para sumergirse en este mundo de Coexist, en el cual se acelera el ritmo y se vuelve más y más bailable in crescendo, como en el caso de “Chained” y “Sunset”, tan sólo para después colapsar en el sonido de melodías como “Unfold”, “Swept Away” y “Our Song”. Vale la pena ponerse los audífonos y perderse en las deleitables armonías, y ritmos que obligan a un suave cabeceo, que esta banda Londinense presenta.

Tracklist de Coexist:

01 Angels
02 Chained
03 Fiction
04 Try
05 Reunion
06 Sunset
07 Missing
08 Tides
09 Unfold
10 Swept Away
11 Our Song

Los dejamos con el vídeo de “Chained” y el stream para escuchar el álbum entero:

http://www.youtube.com/watch?v=DD7IwXWfDW4

Sin duda uno de los discos que seguramente figurará en las listas de fin de año en la crítica musical:

Originally posted 2012-09-07 16:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

chavos

“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

guanabana

Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Originally posted 2013-11-21 15:05:09. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Originally posted 2014-10-07 11:19:35. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

Originally posted 2014-08-20 11:29:33. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

Originally posted 2012-10-30 18:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Originally posted 2014-10-31 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

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 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Originally posted 2014-11-24 12:45:15. Republished by Blog Post Promoter

A LA ESPERA DE MONTERREY CITY FEST EN SU PRIMERA EDICIÓN

Es el festival que promete darle un gran salto a lo que se acostumbra presentar y un toque especial a lo que se ha visto en demás espectáculos. Bandas como Travis, Of Montreal y Porter formarán parte de éste renombrado y tan aclamado festival, en donde se presentarán varios estilos de música que proporcionarán el sello distintivo al evento.website3-03

 Las fechas están contempladas los primeros días del mes de septiembre, específicamente 5, 6 y 7 con sede en Parque Acero Fundidora en la ciudad de Monterrey. Sin duda muestra un gran esquema para ofrecer, ya que el dinamismo y sincronía de diversos estilos se conjugarán en un solo evento que mostrará una perspectiva diferente e impactante.

 Lo anterior marca la pauta para abrir paso a nuevas bandas musicales o que no se hayan inmersas de gran forma en el mundo de la música, por lo cual surge una expectativa sumamente importante para brindarle al espectador un buen rato entre música y compañía.

 Estilos como el indie pop, afrobeat, rap, rock y un poco de house darán paso al talento multifacético que existe en torno a la tonalidad musical que le dará color al gran espectáculo. La promesa por pasar un rato ameno y agradable, parece cumplirse con el simple hecho de dar a conocer al público en general las bandas que tocarán durante esos días.

 Cabe mencionar que el lugar estará distribuido en tres escenarios, el primero será el Nico Stage, el segundo el Tato Stage y por último MCF Theater; distribuido también a través de un horario preciso que menciona banda y hora exacta de presentación.

ACCESO
Crédito: Página oficial Mty City Festival.

 La cobertura musical no solamente marca el paso al ámbito extranjero, sino también bandas nacionales formarán parte de éste gran proyecto. La temática abarca todo tipo de género, pasando desde lo más sobrio hasta lo más underground, el espectador podrá tener el placer de discernir entre lo que más le agrada y lo que no. Eso es lo que se ofrece, tener la posibilidad de escoger entre las diversas propuestas musicales que harán su aparición.

 Además, cuenta con un accesible sistema de precios que va desde $399.00 a casi $2,000.00 (dependiendo del día y de las bandas que se presenten) también se ofrece la posibilidad de adquirir boletos por todos los días que perdure el festival.

 Sin duda, el contenido muestra una gran variedad de música y estilo que le dará al público la posibilidad de asistir y quedarse con un buen sabor de boca.

 La lista de bandas asistentes que confirmaron son las siguientes:

    • Clubz

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      Crédito:Somosidolos.com
    • Dannic
    • Ezekiel
    • Hardwell
    • Porter
    • 60 Tigres
    • Azealia Banks
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Originally posted 2014-08-22 13:01:47. Republished by Blog Post Promoter

Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 2

Por Hernán Flores

[Miércoles 24 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. Me arde la piel. Otra vez no debí haber comido tantos tacos de canasta. El calor es insoportable. A pesar de todo estoy seguro de que será un día increíble, veamos qué más puede ofrecerme esta feria, seguro habrá mucho de qué hablar, musitaba para mi interior tranquilamente mientras el vagón andaba por el subterráneo y veía como un niño se admiraba de unos nuevos anuncios luminosos incrustados en un buen tramo del trayecto entre una estación y otra. Maravilloso. Sin darme cuenta habíamos llegado a nuestro destino y estaba listo para ir a la carga.

3:30 p.m. Como lo había predicho días antes, “Macondo” me permitiría escuchar cosas fabulosas. A mi llegada curiosa y algo apresurada escuché un contrabajo y un teclado que armonizaban la plancha del Zócalo al ritmo de música de cabaret. Una música oscura y llamativa daba brincos y abría las piernas como una prostituta ofreciéndonos su olor y su sexo sin límites. Terminó la primer canción y quedé maravillado, tenía un sonido parecido a The Dresden Dolls pero con esa peculiaridad que tienen todas las bandas argentinas, un carisma difícil de apreciar. Tocaron un par más de temas fabulosos en los que ora tocaban el chelo ora el contrabajo, ora un tambor grande ora una pequeña lata de frijoles. “Lo nuestro es la noche, estamos en un ambiente extraño” dijo la vocalista despreocupadamente. Como si no nos hubiéramos dado cuenta de sus maquillajes semiteatrales y algo escalofriantes de mimos y payasos de circo sobre ruedas. Vinieron desde la Plata, Argentina, para darle un toque más de diversidad a nuestra feria. En ese instante me enamoré del escenario, la música iba perfecto con todos los detalles. Palacio Nacional estaba parado justo detrás de él como un hombre avaro vestido de traje. Qué impositivo puede ser un uniforme o un traje, como dicen por ahí, le da autoridad a cualquiera.

4:00 p.m. Me detuve a llorar desconsoladamente a orillas del Fondo de Cultura, sin importarme la vergüenza que sentía, sin importarme nada ni nadie más que yo mismo. Mis lágrimas suavizaron mi corazón de acero y éste se volvió lentamente un erizo al que ahora nadie puede acercarse. Las gotas de mi llanto rociaron el pasto donde crecieron flores nuevas y desconocidas. Nueva flora pobló mis dedos y mis manos. Floreció nueva poesía. En pocas palabras, agregué uno más a la lista de engaños, daños. Fue uno terrible e irreparable. Sin embargo, para mi sorpresa y buena fortuna me encontré a mis amigos los poetas vagando por ahí. Confeccionamos un credo de desprecio e ira, de intestinos y saliva que escupimos sin parar durante un rato en su contra. Me puse de pie y todos acordaron cancelar sus planes (uno ver a su chica y el otro ir a la escuela) para irnos a beber cerveza.

4:30 p.m. Llegó Héctor. Héctor Hernández Montecinos. El poeta chileno, no un simple poeta chileno, si es que cualquiera de ellos puede ser un poeta cualquiera. El autor de La Divina Revelación. El poeta del cosmos. Llegó Héctor y las cosas poco a poco fueron yendo a mejor. Recibí un mensaje suyo diciéndome que ya estaba en el asta donde horas antes habíamos acordado vernos y caminé a su encuentro. Sus gafas oscuras reflejaron el sol sobre mi piel que aun ardía por mi visita a Acapulco y lo primero que hizo al verme fue darme un largo y fuerte abrazo. Un abrazo como ningún otro, era un abrazo cósmico. Toda la fuerza del cosmos estaba concentrada ahí y con él me cobijaba. Me dio un par de palmadas y dijo “Hola, Hernán, ¿damos una vuelta y vemos algunos libros?”

5:00 p.m. Dimos varias vueltas a la feria, anduvimos desde Tusquets hasta Acantilado y Anagrama, pasamos por Siglo XXI hasta que finalmente llegamos a la Editorial 2.0.1.2. la editorial de Yaxkin, el poeta que no sólo es poeta, sino también poema. La editorial que en exclusiva edita y publica a David Meza, una de las promesas más grandes de la poesía contemporánea, también amigo nuestro. Aún con el corazón carbonizado decidí no perder más el tiempo y eché un vistazo a todo lo que había sobre la mesa para poder recuperar las horas perdidas en el día y escribir acerca de la editorial. Y bueno, descubrí que cada tiraje, o al menos muchos de ellos, estaban hechos a manos y además estaban numerados. También vi el póster del Festival Subterráneo de Poesía, el cual daría inicio el Domingo comenzando con lecturas en la pirámide de Tenayuca, después el Lunes con lecturas y encuentro de poetas latinoamericanos en la “Hostería La Bota” para seguir así también el martes, pero ésta vez en el CCH Sur hasta terminar el Domingo siguiente con un campamento poético. Una cosa de poetas: una cosa hermosa. Pues vamos por esas chelas, ¿no? Los escuché decir con insistencia. Vamos pues, les dije, sin imaginarme siquiera cómo terminaría todo esto.

7:00 p.m. Quedaron rezagados algunos poetas en el camino intentando encontrar algo valioso entre los puestos. Debemos irnos ya, que si no, no llegamos – le dije a todos con intención de movilizarnos lo más rápido posible. Habíamos acordado ir a la presentación del poemario más reciente de uno de los amigos de Héctor. Espero no sea demasiado tarde, quiero tener algo de qué hablar para éste día perdido y miserable.

7:30 p.m. Llegamos a la exposición, pero ya había terminado. No escuchamos más que un par de palabras del final, sin embargo con aplausos pagamos nuestra deuda, nuestro retraso. Ordenamos una ronda más para todos los poetas sin pensar en el precio. Ir a ese lugar, después de todo, no fue una pérdida de tiempo, también pude recuperar algo del trabajo sin hacer durante la tarde. Nos encontramos a un par de cuenta cuentos y un poeta, todos guatemaltecos, que habían venido por la invitación que les fue hecha por los organizadores de la FIL para dar pequeñas sesiones de cuentos leídos en voz alta para los pequeños que habían asistido a la feria. Me contaron que habían tenido un grupo lindísimo de niños que jugueteaban y parecían sentir amor, incluso tal vez pasión, por los cuentos. Que partían al día siguiente a mediodía con una gran sonrisa, que se les había tratado muy bien en la feria. Y ahí fue cuando me di cuenta de todo, sería una noche más para ser un detective salvaje y no pensaba dejarla ir. “Espero mañana no estar muy podrido, mañana sí tengo que trabajar”.

 

Originally posted 2012-11-03 18:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

Originally posted 2014-01-01 22:49:35. Republished by Blog Post Promoter

P.O.D y su visita sorpresa a México

A lo largo del tiempo, distintas bandas existentes nos han demostrado que México es un lugar lleno de misticismo para que la música fluya de una manera mágica y con muchos misterios. Justo han pasado diez años en que la banda P.O.D (Payable On Death) hizo un largo recorrido desde San Diego, California, para presentarse en el Foro Sol de la Ciudad de México y regalar a nuestros corazones un mensaje lleno de paz y buenos deseos; Pues sus letras hacían una reflexión sobre los distintos problemas del mundo real. Quemando todo prejuicio que pudiera existir en su contra, esta ingeniosa banda de True New Metal, trabajaba día con día implantando delicadamente una pequeña semilla de conciencia dentro de cada alma que abriera su corazón al ritmo de sus sonidos.

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 Los fans esperaban con ansias el regreso de esta banda para el cancelado festival Hell And Heaven, pero debido a la cancelación de este mismo, toda esperanza se iba desvaneciendo para volverlos a escuchar.

 La mañana del domingo bellos cirros dibujados en el cielo traían con el viento una buena noticia, la banda que se encontraba de gira por Sudamérica, tenía que pasar, por cuestiones de logística, por nuestras tierras para su regreso a California, entonces fue cuando sorpresivamente se anunció en sus redes sociales que ofrecerían un concierto gratuito en México, como agradecimiento a sus fans por el apoyo incondicional. Así, todas aquellas personas que crecieron con la banda cantaron de alegría con la noticia, mientras la sangre hervía dentro de sus cuerpos.

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Una vez reunidos en el Snake de Lomas verdes, apenas empezaron a sonar los riffs llenos de poder, la multitud empezó a gritar con una energía que sólo encontraba razón de ser entre ese mar de vidas al cual Sonny (Vocalista de la banda) se acerco a saludar y a estrechar sus manos.

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El sonido que hacía reventar Traa (Bajista de la banda) hacia que entrara y saliera del cuerpo de los asistentes mientras que Marcos (Guitarrista) lo seguía junto con un bello solo de guitarra para que al finalizar se escucharan en coro miles de voces diciendo  “We are the Youth of the Nation”

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 Después de compartir toneladas de energía con todos los integrantes de la banda, bromas y risas, llego el momento de despedirse, dejando a sus seguidores el recordatorio de que siempre hay una nueva canción para cantar, llenando de energía y amor a su público, cómo si fuera la primera vez.Esperemos que sea pronto un nuevo momento para compartir con esta gran banda.

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Originally posted 2014-03-18 12:06:29. Republished by Blog Post Promoter

Día Internacional de los pueblos indígenas

  Los sentidos se estremecieron al entrar al lugar, en el espacio dominaba un fuerte olor a incienso, entre los pasillos se encontraban miradas sabias, manos ingeniosas, pies firmes, cubiertos de una vestimenta que no sigue modas sino una razón de existir para quienes la portan. La música de Wixarika del municipio de Mexquitic, Jalisco, suena como lo hace en su tierra, los instrumentos son la extensión de su cuerpo y es la música quien habla por ellos.

Foto: Sergio Alberto Ramos Medrano/ flickr
Foto: Sergio Alberto Ramos Medrano/ flickr

En el escenario hay dos micrófonos y ningún cantante, dos hombres se han colocado enfrente pero sus voces no son requeridas, se ven otros rostros en el proscenio con sonrisas dibujadas y comienza la música, aquellos hombres tienen pulmones llenos de soplo, una coordinación perfecta, las flautas suenan y los tambores estallan. La danza de sonajeros de Tuxpan, Colima se apodera de las miradas, cada paso es firme, se escuchan pisadas idénticas, llenos de color en su ropa, con sombreros y contagiados por el orgulloso de sus raíces.

La Comisión Nacional de Desarrollo de los Pueblos Indígenas (CDI), en la delegación Puebla, ha traído el 4to. Encuentro Intercultural de Música y Danza Indígena con sede en el Centro de Convenciones los días 23, 24 y 25 de agosto. Son veintitrés estados los que participan, entre los que destacan Michoacán, Chihuahua, Sonora, Tlaxcala; más de trescientas personas, entre danzantes, músicos y artesanos, además de curanderos, quienes practican la medicina tradicional. Recetas caseras, masajes, limpias, libros, talleres artesanales y artesanías, así se ha vestido el Centro de Convenciones Puebla.

  encuentro_profodeci_pueblaLas mujeres hermosas con sus faldas de manta y sus blusas llenas de flores bordadas, con la cabeza adornada de esos colores que viven en la naturaleza, que a veces se olvidan o se ignoran, orgullosas de su piel morena y del cabello negro, con sus pies pertenecientes a su pueblo, totonaco, nahua, mixteco, popoloca, zapoteco o pa ipai, entre otros, pero sobre todo orgullosas de sus mentes libres. Al parecer la gente que visita es la más sorprendida, camina con la sombra de lo desconocido, pero el rostro se le ilumina cuando tiene en sus manos una pieza de arte hecha en México.

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Originally posted 2013-08-26 12:49:47. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Originally posted 2014-09-10 16:19:00. Republished by Blog Post Promoter

Machete se abre camino en México

Por Julio César Reyes

@julio_relo

El machete es ante todo una herramienta que sirve para múltiples actividades, tiene la virtud de los buenos inventos: corta, poda, defiende, talla, graba, escribe, abre. Históricamente fue empleado por quienes buscaron abrirse camino en tierras inexploradas, destapar la maleza y ubicar el horizonte, la referencia del sol.

Machete, consultora de arte con sede en Argentina desde 2006 ha emprendido un camino confiable en la escena del arte latinoamericano, su participación y relación con proyectos editoriales y curatoriales los ha colocado tanto en el gusto del público como entre los preferidos de coleccionistas y artistas.

Así es como la noche del miércoles 14 de noviembre Machete abrió sus puertas en la Ciudad de México. La empresa busca apoyar el arte emergente a partir de proyectos culturales interdisciplinarios que acerquen al público con el  arte contemporáneo. Inició sus actividades con la inauguración de la exposición A un millón de años luz de casa, con obras de los artistas argentinos Nicolás Bedel e Ivana Brenner.

La obra que presenta Badel posee pigmentos fotoluminiscentes que se cargan con luz y revelan sus brillos en la oscuridad. Las propiedades materiales, físicas y químicas de la obra apuntan al origen. La contemplación va más allá de lo visual, la luz interna de los cuadros invitan a la reflexión y reinterpretación de las figuras.

Ivana Brenner recurre con frecuencia a preguntas acerca de lo vital, sobre el origen de la vida; ha observado lo natural, estructuras y proporciones de algunos seres vivos, y nos presenta su versión. Presenta piezas tridimensionales que gracias a su posición forman un juego de luces y sombras que cautivan al espectador.


Machete aspira a ser una herramienta cultural, que sirva a quien la elija para abrirse camino y orientarse en el prolífico mundo del arte contemporáneo, ser un puente cultural entre Argentina y México.

Puedes disfrutar de A un millón de años luz de casa en Machete, ubicado en Córdoba No. 25, colonia Roma, hasta el 15 de enero de 2013.

 

 

Originally posted 2012-11-16 16:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Dancing Mood: Continuando con la tradición jamaiquina

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El pasado 7 de Septiembre se presentó Dancing Mood por primera vez en el Distrito Federal, el lugar escogido para llevar a cabo este concierto fue el Foro Insurgentes (ubicado a unos cuantos metros de la Glorieta de Insurgentes), el cual es un lugar pequeño pero acogedor para aquellos que se dieron cita y así poder presenciar por primera vez a esta banda argentina que se dedica a tocar principalmente ska jamaiquino instrumental así como también reggae y rocksteady, y la cual está considerada entre las mejores bandas latinoamericanas en estos estilos.

Si bien  algunas semanas antes de llevarse a cabo el concierto se presentaron algunos problemas de organización debido a lo que representa ser una banda independiente y con un trabajo autogestivo, el concierto finalmente se pudo realizar y la banda deleitó por casi tres horas al público presente con su repertorio en el cual la banda quiso abarcar temas de toda su discografía, aunque poniendo cierto énfasis en su ultima producción discográfica titulada Non Stop.

Dancing Mood se formo en el 2000 con músicos de diferentes bandas de la escena musical argentina, llevando la batuta del proyecto el trompetista Hugo Lobo, quien tuvo el privilegio de ser  alumno del reconocido trompetista de jazz Américo Belloto. Hugo Lobo ha participado en otros proyectos tales como Todos Tus Muertos, Dos Minutos, Los Cafres y Ataque 77. Actualmente además de liderar y organizar a su Big Band está como músico estable con Los Fabulosos Cadillacs.

La banda cuenta con seis discos en estudio y uno en vivo con orquesta sinfónica, su discografía esta enfocada principalmente a revivir viejos clásicos sesenteros del ska jamaiquino así como piezas clásicas de jazz de músicos como Dizzie Gillespie, Charlie Parker, Dave Brubeck entre otros.

A lo largo de su carrera han tenido colaboraciones tanto para sus discos como para presentaciones en vivo de algunos músicos así como de cantantes, en un principio surgidos de la escena local argentina como por ejemplo Guillermo Bonetto, Fidel Nadal y Vicentico.

Con el tiempo y debido a la calidad de la banda varios músicos de la escena internacional del ska han volteado a ver a esta banda y han realizado colaboraciónes con ellos, desde músicos jamaiquinos de la vieja escuela como el trombonista Rico Rodríguez, pasando por algunos ingleses de la época setetentera del 2 tone como Lynval Golding de The Specials o Pauline Black de The Selecter.

Si bien el ska no es de los ritmos más populares o que vendan más, poco a poco en nuestro país ha habido una apertura a eventos de calidad y en los últimos años se han realizados algunos con bandas internacionales de buena calidad, esperemos que esto continúe.

Originally posted 2013-09-27 14:29:27. Republished by Blog Post Promoter

Sonido SUAVE con intensidad AS HELL

Por: Julio Reyes

 

Bajo la principal influencia del rock clásico, el pop, los años 60, el dibujo y el cine, comenzaron a componer canciones que susurran historias y sueños, fábulas de animales, contadas desde la inspiración de las imágenes y el cine.

Suave as Hell se formó en el 2007 en Guadalajara, Jalisco; conformada por Apache O´Raspi (bajo y segunda voz), Francisco Atristain (batería), Juan Pablo Ramírez (guitarra y voz principal) y Omar Vega (piano y sintetizadores). La primera producción de la banda se tituló Well, Well, Mr. Whale, LP lanzado en octubre del 2008 con 7 temas en inglés, para que en enero del 2011 sacaran su segundo material homónimo con 10 temas: 8 en inglés y 2 en español.

Con el paso de los años, Suave as Hell logró construir un nombre y un sonido único en la escena nacional: un refrescante pop psicodélico. Gracias a esto y al apoyo de sus seguidores, la banda logró ganar importantes reconocimientos en México así como la oportunidad de tocar en importantes escenarios del país.

En esta ocasión ofrecieron una función en el Cine Tonalá ante 90 espectadores que se dieron cita en la sala principal de este lugar. Alrededor de las 23:00 horas, Juan Pablo, el vocalista dio la bienvenida: “Somos del garage y así será la noche”. Fue “Controlling The Sun” la canción que abrió la presentación, Suave as Hell hizo vibrar a todo el público con la selección de 13 canciones que demostraron la gran la calidad musical de la banda.

La noche transcurrió acompañada con visuales a cargo de Carlos Arias (ilustrador), quien tuvo el ingenio de presentar imágenes caleidoscópicas muy impresionantes y videos que transmitieron euforia en momentos y en otros, invitaron a dejar fluir la imaginación.

Ya para despedirse, los músicos interpretaron “Forgotten Pool”. Fue justo en ese momento cuando el escenario se transformó en un una verdadera muestra de fusión entre la música y las artes visuales muy bien lograda. No cabe duda que Suave as Hell llegará a convertirse en un referente obligado de la escena musical alternativa de México

Actualmente Suave as Hell trabaja en su tercer material, titulado Selección Natural, de donde se desprende el sencillo “Desvanecer”, el cual formó parte del playlist de la noche. Pueden descargarlo en : www.suaveashell.bandcamp.com

 

 

 

Originally posted 2012-09-01 14:42:46. Republished by Blog Post Promoter

2×1: VIMES

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Vimes es un dúo originario de Alemania que en poco tiempo han logrado acaparar toda la atención de los medios al crear un estilo singular que mezcla bases electrónicas con elementos pop que no necesariamente los convierte en un grupo predecible, más bien todo lo contrario. Su interesante propuesta visual y electrónica los han llevado alrededor del mundo sin tener aun terminado su primer disco; su single “House of deer” no podía faltar como complemento al remix que hicieron a Tokimonsta, sin duda dos esenciales para los entusiastas de la música electrónica.

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Originally posted 2013-09-09 16:47:50. Republished by Blog Post Promoter

Cuento de muerte: Horacio Quiroga

“No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir y evócala luego. Si entonces eres capaz de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.”

 La diferencia entre distancia y tiempo se mide entre palabras. Fueron lejanos y, a la vez, tan similares. O eso es lo que muchos afirman sobre dos grandes autores que no pertenecen a nada igual, ni siquiera a ellos mismos.

 Hablo del genio, Edgar Allan Poe y el gran cuentista de habla hispana, el padre del cuento latinoamericano, Horacio Quiroga.

 A simple vista y con una revisión superficial de estos dos escritores, bien se hubieran hundido juntos en el desatino, tristeza, tinta y fatalidad (¿o será acaso que este último “elemento” fue el impulso devastador detrás de la genialidad?)

 Bien, Quiroga nació en un Uruguay en proceso de modernización, en 1878. Desde pequeño, el destino desgraciado se mostró ante él al presenciar la muerte de su padre. Tiempo después, su padrastro se suicidó; y así, le regaló el segundo acercamiento con la muerte. Ha pasado el tiempo y Horacio vuelve a caer de rodillas, ahora frente al fracaso y el hambre. Una vez más estuvo a su lado junto al fallecimiento de sus hermanos. Y continúa, una de las mayores tragedias para el escritor uruguayo fue la muerte accidental de su amigo Federico Ferrando, a causa de un disparo detonado por el propio autor. Posteriormente, la muerte culminó con el suicidio de su esposa…

 Una muerte más y se convierte en ficción.

Horacio Quiroga
Horacio Quiroga

 Nos resulta difícil pensar en destinos cuando las tragedias se funden en el viento, en el agua, en todo lo que sea vida.

 Su estancia en la selva muestra la frágil situación del hombre frente a seres y situaciones desconocidas. La autonomía, según Horacio Quiroga, es crucial para la supervivencia en un ambiente “hostil” como la selva. Sus vivencias inspiran una de las publicaciones más famosas del autor: Cuentos de la selva, en la cual se reúnen nueve relatos breves donde se traza una naturaleza dual: enemiga y fiel.

 Los relatos dentro de este libro terminan con una enseñanza. Bien parecen ser cuentos infantiles, como si fueran fábulas. A pesar de que en algunos intervienen los seres humanos, los protagonistas principales son los animales. Flamencos que se disfrazan, yacarés que luchan contra un buque, abejas que enseñan una lección, cachorros coatíes junto a cachorros humanos y más.

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Caricatura de Quiroga

 La relación entre los ciclos de cada uno de los seres vivos que intervienen en las historias de Horacio nos muestra la idea obsesiva que tiene el artista con la muerte. Nadie lo culpa.

 Entre las recomendaciones más notorias de su obra se encuentran Una estación de amor, Los arrecifes de coral, Diario de viaje, Anaconda, Cuentos de amor, de locura y de muerte, Las sacrificadas, Historia de un amor turbio, Los desterrados, etcétera.

 No sólo trabajó en el mundo de la literatura, los cuentos, la novela, poesía, el teatro y la crítica; también fue fotógrafo, agricultor, carpintero, educador, activista y “misionero”.

 Después de la muerte de Horacio en 1937, siguieron los suicidios de dos de sus hijos y el de su mejor amigo (y no es la muerte) Leopoldo Lugones. Fiel amiga, como si fuera un reflejo.

 Para sentirnos más cerca de la literatura de Quiroga, es necesario ver en el autor la quietud, paciencia y, sobretodo, el conocimiento de vida en sí misma. Observador, detallista, rotundo, maduro y leal. Así se lee a este artista. Sin lugar a duda, el infortunio en la vida de Quiroga sólo deja ver una de tantas pruebas superadas por el autor y que al final, logran determinar su escrito y la estrecha relación que mantiene con la aventura y el riesgo.

 Horacio Quiroga y la muerte, como si fuera una obsesión; quizá lo único que no le faltó en la vida pero, ¿quién quisiera ser amigo cercano de ella?

Originally posted 2014-08-07 09:00:07. Republished by Blog Post Promoter

The Pepper Pots y su nuevo disco

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Hace pocos días, la banda catalana publicó su nuevo material discográfico titulado We must fight, el cual tiene una potente carga de soul.

Este álbum marca algunos cambios dentro de la banda. Por primera vez en la historia de la banda, las voces dejan de ser un trio para convertirse en un dueto, esta ocasión las voces están a cargo de Adriana Prunell y Aya Sima, quienes se complementan para poder brindar ese dulce sonido tan característico del grupo.

Otro cambio, quizás no tan sorpresivo, es que el disco, una vez más, está completamente enfocado en el soul. Desde un  principio, la influencia de este género en la banda siempre fue evidente y aunque en sus inicios estuvo más arraigada la influencia del ska o del reggae, con el tiempo la banda supo evolucionar hacia un sonido puramente de soul: se puede notar en sus últimas producciones discográficas que, por cierto, nada tienen que envidiarle a la Motown.

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Sin mas, acá está la recomendación musical de esta semana: The Pepper Pots, una de las mejores bandas catalanas contemporáneas. Seguramente, al escuchar las primeras notas de su nueva producción discográfica, no te quedará de otra que sacar tus mejores pasos de baile.

 

Originally posted 2013-12-05 16:01:21. Republished by Blog Post Promoter

Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

Originally posted 2014-10-24 09:00:01. Republished by Blog Post Promoter

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

Originally posted 2014-08-18 10:32:37. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter

Viernes de Remixes: Arctic Monkeys

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Rompiendo un poco con lo habitual, en éste Lunes de remixes decidimos probar algo diferente para celebrar el lanzamiento del track más nuevo de Arctic Monkeys: “2013“.

Los resultados al remezclar una muy buena canción de rock generalmente son inesperados y no siempre garantizan resultados sorprendentes, pero con “505” del disco “Favourite Worst Nightmare” nos llevamos un muy buen sabor de boca: sin muchas complicaciones y con arreglos precisos tenemos como resultado un remix que no le pide mucho a la versión original, conservando el estilo de la banda. Un muy buen acompañamiento a su nuevo sencillo que seguramente no podrán dejar de escuchar. ¡Disfruten¡

Originally posted 2013-07-23 17:04:41. Republished by Blog Post Promoter

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Originally posted 2014-10-20 09:00:58. Republished by Blog Post Promoter

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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Originally posted 2013-11-14 16:06:35. Republished by Blog Post Promoter

Toro y Moi ilustra el sonido

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Uno de los artistas con más facetas es Chaz Bundick mejor conocido como Toro y Moi, un músico que en muy poco tiempo ha sabido sobresalir por su música y ahora también con sus ilustraciones.

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Con el lanzamiento de su tercera producción “Anything in return”, Chaz paralelamente también presentó dos exhibiciones de su trabajo gráfico en unas galerías de arte en Nueva York y San Francisco para las que seleccionó 15 dibujos acompañados con unos audífonos que reproducen una pieza auditiva creada especialmente para complementar esa ilustración con el fin de hacer de ésta una experiencia audiovisual muy interesante.

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Estos dibujos en específico no tienen relación directa con el arte de su nuevo disco, pues ésta en sí, es una actividad independiente que a veces se vincula a su carrera musical por medio de las portadas de sus discos que el mismo ha elaborado. Sin duda un chico eclético que no deja de sorprender en cada una de sus facetas.

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Originally posted 2013-01-11 23:00:53. Republished by Blog Post Promoter

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Originally posted 2015-01-01 21:19:59. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Originally posted 2015-03-21 19:38:46. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Originally posted 2014-12-12 17:58:26. Republished by Blog Post Promoter

Campodónico: un conocido desconocido

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Quizá hayas escuchado acerca de un conocido colectivo uruguayo/argentino de altísimo nivel que lleva el nombre de Bajofondo, integrado por músicos, productores y artistas que en conjunto, han hecho música simple y sencillamente impresionante.

Pero dentro de esa colectividad, existen individuos que por sí mismos tienen la capacidad de crear un discurso musical propio, igual impresionante. Tal es el caso de Juan Campodónico, quizá más conocido por su participación en el proyecto antes mencionado, pero que últimamente se ha dedicado a crear una expresión musical que lleva su nombre impreso por todas partes.

CAMPO es el nombre del primer álbum creado por Juan Campodónico, y aunque cuenta con la participación de algunos astros de la música como Martín Rivero, Ellen Arkbro, Pablo Bonilla y el mismo Gustavo Santaolalla -además de una colaboración de magnitudes indecibles a cargo de Jorge Drexler-, la producción logra ser una expresión fidedigna del personaje que en primera instancia concibió y gestó el proyecto.

El género más cercano para definir esta explosión de ritmos y sabores es “música subtropical”, pero obviamente, es mucho más que eso. CAMPO suena a todo: rock, indie pop, música latina, electrónica, tango… un recorrido por toda Latinoamérica. Esta es música refinada, perfectamente producida, precisa y contundente, probablemente de lo más sofisticado que escucharemos en mucho tiempo.

A Juan Campodónico ya lo conocíamos, por Bajofondo, por su trabajo con Drexler y demás, pero no lo conocíamos en esta faceta, que sin lugar a dudas debe ser estudiada, escuchada con detalle y sobre todo, disfrutada.

Más de Juan Campodónico en Facebook, Twitter, SoundCloud y YouTube.

Originally posted 2012-11-07 18:00:29. Republished by Blog Post Promoter

Rock Brasileño, ¿Qué es eso?

Nora+NeyCon un mundial en puerta, los ojos de todos los países del mundo presenciarán  al país con una tradición futbolera  inigualable, hombres y mujeres con admirable belleza, Samba, carnavales y mucho folclor Brasileño  abordarán nuestros ojos y oídos.

 Pero alguna vez, te has preguntado ¿si existen bandas que no toquen Samba? o bien que escucha la gente de ahí, pues bien, es tiempo de abrir tus panoramas sónicos, enunciándote bandas que merecen la pena ser escuchadas.

 El rock en Brasil, tuvo sus inicios en los años 50’s y 60’s, con un auge impresionante en los 80’s. La precursora de este género es Nora Ney, la cual se encargó de lanzar un Rock Around The Clock al más estilo tropical con un saxofón fuertemente sonado. Al paso del tiempo y con la invasión del rock and roll a cargo del país vecino, en el país tropical surgieron grandes cantantes como Miguel Gustavo, Betinho & Su Conjunto, entre otros.

 En el curso de la década de los 60’s, el país recibió la invasión masiva de grupos instrumentales como The Jet Black’s, The Jordans y The Cleevers. La historia cambió cuando el “Rey”, originario de Espíritu Santo, logro llevarse los reflectores de todos los medios. Estamos hablando de Roberto Carlos, que aunque no se crea, no siempre le canto al amor y a las bellas épocas, este señor era de espitiru rockero.

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 Con temas como “É Proibido Fumar” y “O Calhambeque”, Carlos logró posicionarse en el género, obteniendo hasta la conducción de un programa de radio conocido como “Ié-ié-ié”, mismo que se encargaba de engalanar con su presencia musical.

 ¿Qué pasaba con aquellos cantantes con un renombre indudable como Elis Regina, para se contagiarían por el desenfreno del rock?.  Teniendo en auge el programa conducido por el “Rey”,  los artistas declararon la guerra, oponiéndose rotundamente a la utilización de guitarra eléctrica en la música tradicional Brasileña.

 Derivado de esto la contra defensa fundó la Tropicalia, movimiento que mezclaba las manifestaciones tradicionales de la cultura brasileña e innovaciones estéticas radicales. Con fines políticos, en contra de la dictadura militar  que gobernaba en aquellos años al país, este movimiento trajo  a la luz grandes grupos como lo fue Gilberto Gil, Os Mutantes, Caetano Veloso entre otros.

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 Os mutantes, con actuación de Rita Lee, es una de las bandas pioneras de la psciodelia músical. Artistas de alto calibre han reconocido el talento de esta banda como Kurt Cobain, The Flaming Lips entre otros. Los años pasaron y las bandas que se consolidaron en la escena, solidificaron el estilo sonoro que hoy por hoy siguen rigiendo a las nuevas generaciones, bandas como Secos & Molhados, Rau Seixas (Frank Zappa, estilo brasileiro).

  Sin duda, la palabra “fútbol” estará en boga por todos los medios a partir de mediados de Junio, es por eso que te entrego un playlist, para que vayas cambiando tus panoramas de conversación y sin duda te enamores, en el aspecto musical desconocido, de este bello país de habla portuguesa.

Originally posted 2014-04-14 01:57:45. Republished by Blog Post Promoter

Regresa el electro jazz de Flying Lotus

Por Claudio Cortés

Until the Quiet Comes es el cuarto disco de estudio de Steven Ellison, mejor conocido como Flying Lotus, quien es el sobrino-nieto de la pianista Alice Coltrane, esposa del legendario saxofonista de jazz John Coltrane.

El álbum incorpora elementos de percusión africana y psicodelia, y gravita temáticamente alrededor de conceptos como el subconsciente humano y el mundo de los sueños. Cuenta con la colaboración de artistas como Erykah Badu, Thom Yorke, Laura Darlington, y Niki Randa.

Durante dos años, Flying Lotus trabajó desde su casa de Mount Washington en Los Angeles para crear un disco de jazz electrónico que él mismo califica como “un disco para niños, un disco para que los niños sueñen con él”.

La producción, que contiene dieciocho temas, mezcla jazz experimental, pop, soul, fusión, melodías de R&B y beats de hip-hop con el toque psicodélico de bandas como: Silver Apples, Can, Stereolab, Portishead, y Gentle Giant.

El 6 de septiembre salió a la luz un cortometraje titulado como el álbum y dirigido por Kahlil Joseph, filmado en 35mm en los Nickerson Gardens en Watts, Los Angeles. Incluye fragmentos de tres canciones del álbum: “See Thru to U”, “Hunger”, y “Getting There”. Adjuntamos el destacado trabajo audiovisual.

Originally posted 2012-10-26 19:30:48. Republished by Blog Post Promoter

Los paisajes sonoros de Enero Será Mío

 

La provincia del Chubut, ubicada en la Patagonia argentina, se caracteriza por su belleza y diversidad geográfica, bosques templados, mesetas y costas del Atlántico. Todo esto acompañado de climas fríos y húmedos que, sin duda, crean un contexto único e inspirador. Es en este lugar donde Sol Fernández, compositora, cantante y fundadora de Enero Será Mio, vivió una gran parte de su vida. Después se trasladó a Buenos Aires para continuar con su formación universitaria.


Foto por Hernán Corera

 

Licenciada en Musicoterapia, Sol emprendió su proyecto en 2009 de la mano de músicos como Javier Mareco, Juan Manuel Mayo y Lucas Martí, entre otros. Su primer EP, E.S.Mío, salió a la luz en 2011 bajo el sello independiente Tornasolado, con la participación en las programaciones de Tweety González, por muchos conocido como “el cuarto integrante de Soda Stereo”.

Fue con una canción de este EP, “Álamo”, como se dio a conocer en la escena argentina y en donde muestra su talento para la creación de sonidos que transportan al bello relieve argentino en donde Sol se crió.

Este año, Enero Será Mío se hace presente con su primer material de larga duración. Con influencias de músicos como Charly García y Portishead, Juego 0  nos envuelve en sonidos propios de dream pop y down tempo; suaves y relajantes programaciones que nos llevan a emprender un viaje por diversos paisajes sonoros. La dulce voz de Sol le da cuerpo a una lírica que por momentos recuerda a la poesía de Luis Alberto Spinetta, uno de los más grandes iconos del rock argentino. Ejemplo de ello son temas como “Hermes”, “Decanta” y “Benito”.

 

Bajo la producción de Tweety González, Juego 0 cuenta con la participación de Benito Cerati, que hace lo propio en programaciones y coros. Dicha colaboración da como resultado una de las piezas más interesantes del disco, “Piedra Mal”, en donde se realiza una fusión con el legado musical argentino y el presente, logrando un tema con una estructura clásica de rock-pop con elementos electrónicos.

 

 

Juego 0 es el comienzo de lo que promete ser una carrera sólida en la música.

Para saber mas de Enero Será Mío visita: www.eneroseramio.com

 

Originally posted 2012-10-19 18:00:10. Republished by Blog Post Promoter

Screamin Jay Hawkins: Blues excéntrico

La excentricidad ha sido casi siempre una característica que determina a las personas que buscan la originalidad y creatividad. La mayoría de las veces los intentos no son bien logrados y  resultan rarezas. En algunas otras la excentricidad y la exageración son el aderezo de buenos trabajos.

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Un buen ejemplo es el del afroamericano Jalacy Howkins(1929-2000), mejor conocido como Screamin’ Jay Hawkins. Éste músico de blues nació en Cleveland, Ohio y fue abandonado por su madre en un orfanato hasta que lo adoptaron año y medio después. En su adolescencia practicó el boxeo y tuvo pretenciones de ser cantante de ópera hasta que abandonó la escuela para unirse al ejército de su país y combatir en la Segunda Guerra Mundial. A su regreso es cuando se dedica  completamente a la música.

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En 1956 elabora su canción más conocida I Put a Spell on You  y  realiza sus presentaciones con vestuarios muy extravagantes, portando pieles de leopardo, huesos debajo de su nariz, taparrabos y un bastón con un cráneo en el extremo superior al que llamó Harry. Además de ejecutar saltos, gritos y toda una serie de muecas y gestos que divertían al público.

Su voz e histrionismo lo convirtieron en todo un personaje y un gran músico de blues.

Originally posted 2013-08-06 17:53:22. Republished by Blog Post Promoter

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

El épico debut de Gary Clark Jr

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Sin duda, el álbum debut de cualquier banda o artista es un momento definitorio. Ese primer material servirá -en la mayoría de los casos- como carta de presentación, como un manifiesto sonoro que -idealmente- dejará en claro el discurso artístico que se irá persiguiendo en adelante. A veces este inicio es discreto, quizá mesurado; pero en el caso de Gary Clark Jr., el álbum Blak and Blu -su primera producción de larga duración- es un comienzo extraordinario.

Gary es originario de Austin, Texas, lugar que ha visto crecer a otras leyendas de las seis cuerdas y con sólo 28 años de edad, ya cuenta con un lenguaje musical propio, como si los intervalos y sus frases melódicas fueran una extensión de su voz natural.

El sonido de las canciones contenidas en Blak and Blu se puede rastrear con facilidad hasta el origen. Casi se pueden escuchar los cantos marginales y los gemidos desgarradores de los esclavos viajando en algún tren, en una embarcación corroída. Se perciben la voces trabajando en el campo de algodón, la atmósfera pantanosa y a lo lejos resonando una guitarra con la encordadura incompleta.

Pero lo más interesante es que Gary no se queda varado en este pasado, sino que hace el viaje completo hasta llegar a nuestros días. En este disco está bien presente la influencia del hip hop contemporáneo, el R&B moderno, la nostalgia por la guitarra de Hendrix, la oscuridad y la fuerza de Stevie Ray Vaughan, la sutileza de Marvin Gaye, el ingenio y la libertad de Chuck Berry, el recuerdo en lo-fi de Robert Johnson…

A lo largo de catorce tracks -mas dos bonus tracks en la versión deluxe– Gary llena el espectro estéreo con guitarras escandalosas llenas de overdive, distorsiones análogas que rugen, riffs pesados y directos; los solos de guitarra son expresivos, apabullantes, completamente emocionales. Las baterías en cuatro cuartos golpean directo y sin aviso, son crudas y muy simples. Ocasionalmente se escucha una sección de metales llena de soul y voces sumergidas en slap delay. Muchos de los temas tienen bien marcadas las regiones tónica, subdominante y dominante del blues tradicional, pero se mueven libremente hacia cualquier género imaginable.

Blak and Blu es un disco denso -en el mejor sentido de la expresión-, perfectamente logrado, orgánico, nostálgico, emotivo, en resumen: ¡les va a volar la cabeza! Y probablemente lo más destacado en este disco es el hecho de que va en contra de la mayoría de la música que suena últimamente. Es una declaratoria abierta y una afrenta directa a la música plástica/prefabricada, ¿cuántos discos actualmente tienen canciones de más de nueve minutos de duración?

Este disco es épico y encamina a Clark hacia la categoría de leyenda. Como él mismo dice:

“I don’t believe in competition, ain’t nobody else like me around. I don’t need your imposition, It ain’t that hard to figure it out…”.

Blak and Blu se compra aquí. Más de Gary Clark Jr. en su sitio oficial, Twitter, YouTube y Facebook.

Originally posted 2012-10-30 20:00:12. Republished by Blog Post Promoter

VIERNES DE REMIXES: DAFT PUNK VS METRONOMY

Celebrando la llegada de la primavera y la próxima edición del nuevo disco de Daft Punk, decidimos abrir la pista de baile con dos tracks que no deben de faltar en ningún playlist para ésta temporada de mucho sol: “The Bay” y “The Brainwasher” de Metronomy y Daft Punk respectivamente. Mezclados por Erol Alkan: uno de los DJ´s más interesantes de la escena independiente quien mezcla a dos de los infaltables en las pistas de baile.

Mezclas irresistibles que a pesar de su contrastante estilo, se encuentran en manos de Erol Alkan: infaltables!

 

 

 

 

Originally posted 2013-04-01 16:54:57. Republished by Blog Post Promoter