Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

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CALONCHO: UN SÍ AL #AMORENBAHIDORÁ CON SABOR A MAR

 

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Se acerca el mejor día del año para disfrutar de buena música en un lugar paradisiaco rodeado de todo tipo de bellezas y no quisimos dejar pasar la oportunidad para ir calentando los ánimos a una semana de que el Carnaval de Bahidorá reciba a los peregrinos enamorados y a los que no lo están tanto, pero que estamos seguros, terminarán contagiándose del #AmorenBahidorá.

Un beso, un abrazo, una caricia, una sonrisa… la ocasión y el espacio son ideales para sumarse al espíritu Axe Peace y compartir ese  Sí al amor, no a la guerra acompañados de buena música y el mejor de los ánimos.

Para adentrarnos en el universo amoroso que viviremos en Bahidorá, Distrito Global platicó con Caloncho, este músico y compositor sonorense de nacimiento, pero habitante de tierras tapatías que navega romántica y sensualmente en un mar de música y cuyo toque fresco y dulce va hipnotizando oídos como dice su canción: “…a chupetazos”.

Con su singular sentido del humor e ingenio, te compartimos algunas de sus impresiones sobre el romance, la serenata, los sinónimos del amor y otras cosas misceláneas ad hoc a los flechazos de San Valentín y por supuesto, con sabor bahidorano.

1. Tenemos que confesarte que cada vez que escuchamos Fruta en la oficina se nos hace agua la boca. Pensar en fruta inevitablemente nos remite a olores y sabores, a frescura y por supuesto, al sonido producido al morder, masticar y partir. Todas esas imágenes son muy sensuales, ¿de todas las frutas cuál te parece la más sensual

 

Que chingón que suene en su oficina, (◠). Creo que para el contexto sensual escogería el mango, uno no tan verde ni tan maduro. Que tenga ju go pero con consistencia firme, que se pueda trozar al morder pero que tenga azúcar que escurra, ja, ja. Encuentro a la papaya como una de las más ricas, pero no sé por qué a mucha gente le disgusta la deliciosa consistencia y el olor, además esa sí es una fruta jugosa y noble.

2. El mar, el sol… Tus canciones también nos hacen querer vivir lejos de la ciudad, como en un sueño de arena. ¿Cómo es el paraíso de Caloncho?

Tiene su dosis de utopía, pero el paraíso para mí si sería un espacio lleno de naturaleza y sus recursos. Muchos árboles y vegetación, un lago o río y el mar cerca, con un clima cálido templado. Una casa cómoda con ventanas grandes y el tiempo de ocio y trabajo necesario para poder disfrutar del tiempo. Con amigos vecinos convencidos del trueque de la producción casera de vegetales y delicias del campo. Obvio orgánico je,je. Perros, gatos, pesca, sushi, tacos, cerveza, interacción-arte, maíz, gente amable y plantas agradables. He visto algo muy similar en Quintana Roo. 

3. Tu música es como una constante invitación, ¿quién es esa morena a la que le cantas?

Es una morrita bien chula, mi novia, sale en el video de “Palmar” y “Chupetazos”.

4. ¿Alguna vez llevaste serenata? Platícanos un poco de esta experiencia y de lo que piensas de esta costumbre.

Me parece que sí tiene algo de cliché del mexicano romántico bravío, pero sí funciona y es una tradición bonita. Una vez monté en la troca de mi hermano los amplis, monitores, micros y demás y junto con un amigo llevé una serenata a mi novia. Le pedí a su mamá que dejara una extensión para que funcionara todo el asunto, y canté “Stand by me” en versión reggae. 

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5. ¿Que situaciones Caloncho resolvería a chupetazos?

Jajaja, el amor une. Son sinónimos.  

6. En Bahidorá habrá además de música, muchas actividades, ¿en cuáles te gustaría participar?

Planeo pasarla increíble, quiero nadar en esa agua cristalina y ver si me toca ver la hierbabuena florecer, echar baile, ver a Júpiter, las estrellas y la luna, cotorrear en puro goce. 

7. ¿Hay alguna banda del line up de Bahidorá que te gustaría escuchar en vivo?

Tengo ganas de ver a Wild Belle, y he estado escuchando a Mahmundi, Tokimonsta y Bomba Estéreo. Aún no termino de repasar el lineup, pero en el proceso estoy, para poder aprovechar el día.

Axe Peace te recomienda escuchar a Caloncho en el Carnaval de Bahidorá y disfrutar de su toque tropical.

No olvides visitar el árbol del amor en Bahidorá, donde podrás dejar un testimonio de ese lado romántico y pacífico que disfrutarás en el carnaval.

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#AxePeaceBahidorá

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Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

Originally posted 2013-06-18 18:32:23. Republished by Blog Post Promoter

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

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Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

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Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

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Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

Originally posted 2013-10-28 16:56:08. Republished by Blog Post Promoter

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Originally posted 2013-08-14 15:38:49. Republished by Blog Post Promoter

Entrevista a Javier Alvarado

Rodeado de una abundancia diversificada, de un pópulo amplio y diferente que puede verse como un abanico abierto de colores desvaneciéndose, una paleta de color, de los más oscuros hasta los más claros, pasando por los mestizos y descendientes de españoles, desde los chombos hasta la abundancia y palidez de los chinos como la multiplicación de los panes y los peces, Javier Alvarado (Santiago de Veraguas 28 de Agosto de 1982) creció en el pueblo de Ocú -abundancia de maíz-, en el Distrito de Herrera, península de Azuero.

Después de llevar una infancia tranquila, una ligadura umbilical con su abuela y las tradiciones panameñas, a los tres años se muda a la capital. Más tarde, al crecer, estudia el bachillerato en Comercio en el Panamá School, donde además de graduarse descubre su amor por las letras. Y es gracias a esto que determina licenciarse en la carrera de Literatura, en la Universidad de Panamá, donde actualmente estudia su Master en Arte Teatral.

Recuerda muy claramente sus primeros acercamientos a las letras, donde recalca dos eventos en especial: el primero, gracias a su abuela, es el hallazgo entre un estante que parecía aterido por toda una red de raíces sujetándolo, Amalia, de José Mármol de Argentina. Y el segundo, por parte de una maestra de español a quien conoció durante sus estudios en el Panama School, sembró en él el gusano de la literatura, contándole anécdotas acerca de Tristán Solarte, Rogelio Sinán o la mariposa al vuelo al polinizar tantas almas como puede, el realismo mágico de Gabriel García Márquez.

“No sé hacer otra cosa que escribir poesía” dice con sencillez Javier, al tiempo que bebe un largo trago de agua. Y es cierto, o al menos, por lo fecundo de su camino en cuestión de reconocimientos, premios y menciones, uno no puede contradecirlo fácilmente y jactarse de lo dicho.

Su camino en la literatura comienza desde muy pequeño, su niñez es un poema de esmeraldas. A los 10 años comienza con sus primeros borradores de poemas cortos y a los 12 años gana su primer Premio Intercolegial de Cuento. Título que mantiene un par de años, hasta los 15, después de la flecha al pecho que fue la muerte de su abuela, se le galardona de nuevo un par de veces, esta vez por el fallo del Premio Intercolegial de Poesía “Diana Morán”. Más tarde sería reconocido con muchos más premios de gran calibre en su nación y fuera de ella, como el Premio Nacional de Poesía Joven de Panamá en 2000, 2004 y 2007, el Premio Nacional Pablo Neruda en 2004, la Mención de Casa de las Américas por parte de Cuba en 2010 o el Premio Internacional Rubén Darío, Nicaragua, en 2011.

Panamá

– Javier, ¿Por qué escribes? ¿Qué es lo que caracteriza tu poesía? ¿Qué cosas distintas ofreces a la literatura panameña?- Yo pienso que el poeta nace y su obligación es hacerse, formarse. Fue una decisión de vida. No usar un talento es ir en contra de sí mismo, es una manera de exorcizarte y de justificarte. No me veo haciendo ninguna otra cosa, este es mi oficio, a esto me dedico. Y bueno, por la otra parte creo que siempre rescribimos la misma vaina de distinta manera, así es que no creo que tenga una función en especial o algo que la distinga por encima de todas las otras, sino que las ayuda, las maximiza. Aunque a mí muy personalmente me gusta seguir mis tradiciones, frecuentar a los escritores vivos y conocer a fondo todo lo que es mi patria. El camino que elijan los libros es algo que yo no puedo decidir, lo único en lo que puedo ser útil es en la difusión de la poesía, en la promoción de la cultura. Ese es el gran problema al que nos enfrentamos aquí: las instituciones no mercadean tu obra y no existe la política de difusión como con los artistas musicales o los futbolistas. Es una pena.

– ¿La literatura joven en Panamá es una realidad o un sueño guajiro que todos deseamos?- Contamos con buenos narradores, eso es indudable. Sin embargo debe hacerse un escrutinio a fondo y de calidad, porque la literatura joven en Panamá es más que un hecho. Hay muy pocas personas trabajando en ello, aunque aún así goza de salud. Nuevas voces están alzando la dramaturgia panameña como Javier Stanziola o José Durango. Y en ese sentido estoy seguro de que la literatura panameña tiene muchas cosas qué mostrar al mundo, pero mientras nuestros autores no se preocupen por difundirse y promocionarse, no vamos a salir de donde estamos estancados. Cada uno sabe lo que esta haciendo.

La literatura panameña se levanta como un sol que arde y despierta a todos los que a su paso toca. Como el astro mayor, se levanta y desde el cielo ilumina Boca la Caja, El Cangrejo, Calidonia, Casco Antiguo y El Dorado. Como una espada en un sueño se defiende y como un caparazón blando y frágil, en la realidad, soporta los embates violentos de su suerte.

Originally posted 2013-05-14 14:53:44. Republished by Blog Post Promoter

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Originally posted 2014-12-12 17:50:26. Republished by Blog Post Promoter

Entrevista a Javier Medina Bernal

Por: Hernán Flores

Javier Medina Bernal es, en la actualidad, un cantautor y escritor panameño que ha forjado su reputación en su país. Nacido en la ciudad de Panamá, aunque crecido y educado en la ciudad de Las Tablas, en la provincia de Los Santos, al sureste de la Península de Azuero.

Javier comienza a gatear, comienza a dar sus primeros pasos en su camino como artista, a los 16 años, en la década de los 90, cuando escribe sus primeras rimas y una que otra prosa esporádica sin mayor aspiración que escribir y usar la hoja y la pluma como pañuelo. Sin embargo, es a través de la lectura de Edgar Allan Poe, Jaime Sabines (por encima de Paz, por si se lo preguntaban), Julio Cortázar, Roberto Bolaño, y posteriormente Mario Bellatín y Enrique Vila-Matas, entre muchos otros, que comienza a descifrar su camino como escritor.

Es también en este año que su vida como guitarrista y cantautor empieza a gestarse al menos en un plano hipotético, ya que para los 17 años su deseo más anhelado, aprender a tocar la guitarra, se vuelve realidad. Influenciado por el grunge norteamericano de actos como Pearl Jam, con Eddie Vedder, y Nirvana, con el estridente y siempre polémico Kurt Cobain, ambos desde Seattle; el rock británico como Pink Floyd y Radiohead, y como último y más importante, la banda chilanga Caifanes, poniendo especial atención a la vocalizaciones de Saúl Hernández con su rock oscuro y pseudo-catastrófico, es que él forja su estilo como músico y decide aspirar seriamente en el movimiento musical de su país. Actualmente su disco Universo -Capítulo 1, recién salido del horno en octubre de este 2012, nos expone en gran medida sus influencias directas del rock mexicano, norteamericano y británico.

Al paso del tiempo su talento como escritor y músico comienza a darle frutos -un par de años después de la creación del movimiento “Tocando Madera” Javier es invitado a participar en el grupo. En 2007 el jurado del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2006-2007 declara el libro con el que participó, En la Ciudad de la Bahía: Mariposas y Rupturas, como primer finalista. El fallo final dictaminó que no habría más para él hasta ese momento, su libro no había sido premiado. Años más tarde, en 2011, se hace acreedor del Premio Nacional de Literatura Ricardo Miró por poesía con su libro Hemos Caminado Siglos Esta Madrugada.

– Javier, cuéntame un poco más del Movimiento “Tocando Madera”. ¿A qué se dedican? ¿Cuál es su objetivo? ¿Cuándo comenzó?

– Bueno, “Tocando Madera” es un movimiento de cantautores panameños cuyo objetivo es mostrar la esencia de la música folklórica de Panamá. Entre ellos destacan Yigo Sugasti, el creador del movimiento en 2004, Carlos Méndez, Lilo Sánchez, Cienfue, entre muchos otros. El movimiento ha sido bien recibido por el público y es por eso que continuamos. Se han hecho distintas giras por países aledaños como Costa Rica, Cuba, Colombia y también, si es que esto cuenta, una visita al viejo continente, por parte de un par de compañeros míos que nos representaron en Francia teniendo como motivo La Fiesta de la Música. Buscamos expandirnos internacionalmente.

 

– Ahora vayamos al Javier Medina Bernal literario. ¿Cómo fue que ganaste el Premio Nacional de Poesía en 2011? ¿Qué aspiraciones tienes a futuro como escritor? ¿Qué hace falta por ver del Javier poeta?

 

– Te voy a contar un secreto, aunque bueno, después de esto ya no va a poder serlo nunca más (risas). “Hemos caminado siglos esta madrugada” originalmente comenzó siendo un cuento, un cuento de unas 20 o 25 cuartillas, más o menos y bueno, poco a poco fue transformándose en lo que necesitaba. Vi la convocatoria al Ricardo Miró por poesía, cogí mi cuento y poco a poco lo transformé. Siendo sincero no creía que llegara hasta esas instancias, pero bueno, ahora ahí lo tienen. Con respecto a mi literatura aun hay muchas cosas inciertas, sin embargo una de las que puedo hablar abiertamente es que quiero publicar un libro cada año a partir de 2013. No es ego ni mucho menos, pero si de algo puedo jactarme es de tener material. Y bueno, nada, si uno lo tiene lo usa, ¿no? Sólo hay algo que sé y de lo que estoy seguro, es que no puedes escribir por escribir. O al menos yo no puedo, narrar por narrar me da pereza, siempre busco poetizar por medio del lenguaje.

 

– Por último, Javier, esta es una pregunta que no sé si acá en Panamá signifique lo mismo que en México o incluso en Estados Unidos, pero igual la hago. ¿Fender o Gibson?

 

– (risas) ¡Fender por mucho, pana! Aunque bueno, también quiero comprar pronto mi Gibson, ya sabes, nunca está de más.

Originally posted 2012-11-28 21:50:21. Republished by Blog Post Promoter

Donají: cantante regional en la #MegaOfrenda2013

Donají
Donají

Donají creció rodeada de Trova, música latinoamericana y artistas como Pablo Milanés y Silvio Rodriguez, pues sus papás eran intérpretes de estos géneros. Sin embargo, ella gustaba más de escuchar blues y jazz.

En un principio pensó dedicarse a la actuación, acabó la carrera en el CEDART Frida Kahlo y estuvo algún tiempo como actriz de doblaje. Pero cuando conoció a Pro-Altenerne, la invitaron a participar en un proyecto llamado “el Jolgorio”. Le pedían que cantara son jarocho o huasteco, ella accedió a cantar música tradicional pero con su estilo, acompañada por un chelo y una guitarra. En ese momento empezó su búsqueda.

Después de varios proyectos, aprendió a gestionar su trabajo: “La música es mi oficio, mi profesión, quiero vivir de esto”. Creó una banda: Ojo rojo. Donde se despega del sonido acústico y experimenta con otros instrumentos. Ahí conoce a Jorge Lanny (su esposo), “el sabía exactamente que era lo que yo necesitaba”.

Ella elabora sus tocados
Ella elabora sus tocados

El siguiente paso fue independizarse, ahora se presenta como solista y tiene un grupo de músicos profesionales que la acompaña. El 30 de mayo del 2013, en la sala Julián Carrillo, estrenó su proyecto: “Donají presenta MEXICAN CURIOUS”. Donde mezcla la música regional con elementos del jazz, blues y funk. Con esta propuesta, busca salir del país.

Próximamente, busca cantar boleros, siempre imprimiéndole su sello personal.

Ella nos recomienda que compremos música independiente y nos involucremos en el proceso de producción. “Hay que darle oportunidad a las nuevas generaciones.”

No dejen de disfrutar de su música el día Viernes 1ro. de Noviembre a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda de C.U.

No faltes.

Originally posted 2013-10-28 16:58:09. Republished by Blog Post Promoter

LA ROMA RECORDS, UN REFUGIO PARA EL VINILO

Por Knuxx

@knuxxvomica

La cultura digital ha absorbido la calidad y el gusto por los discos físicos, muchos prefieren comprarlos en la red o conseguirlos gratuitamente de su puerto de piratería en línea de confianza. En la era digital, los defensores de los viejos formatos sostienen que no se puede comparar entre un archivo descargado de internet y un CD, mucho menos un disco de vinilo, ya que la calidad de audio en cada caso es totalmente distinta por el tipo de material y la grabación del mismo.

Los primeros DJs mezclaban con discos de vinyl; los raperos rimaban sobre pistas grabadas en vinilo; discos como: Swim de Caribou, Discovery de Daft Punk, Dummy de Portishead, por poner algunos ejemplos, son publicados también en este formato para brindar una opción extra de experiencia auditiva a los fans.

Esta cultura ha ido permeando en las nuevas generaciones y así es como han subsistido tiendas clásicas en la Ciudad para conseguir este tipo de discos. La última propuesta es La Roma Records, una tienda de discos en la colonia Roma Norte que es un paraíso para cualquier melómano. Platicamos con su creador, César.

 

¿Qué hacías antes de dedicarte a La Roma Records?

Soy diseñador gráfico y de eso vivo actualmente, sigo ejerciendo y lo de La Roma Records es un proyecto independiente de mi profesión.

¿Cómo fue que surgió la idea?

El proyecto originalmente fue concebido con mi amigo y socio DJ Sondera (residente en el club M.N. Roy). La idea surgió en el ahora ya lejano año 2000, como un sueño de veinteañeros después de que conocimos nuestra tienda independiente favorita en Londres, ahí fue cuando decidimos poner algo similar en México.  Al final, por falta de recursos no pudimos llevarlo a cabo y mejor pues un año despues vino el boom de Ipod y en los años subsecuentes también vino lo que para muchos fue la muerte del disco de vinilo. Si lo hubieramos hecho en esa época seguro hubiéramos fracasado.

¿Cuánto tiempo te tomó llevarlo a cabo?

Uf, yo empecé a trabajar sobre el proyecto en mayo de este año, pensando en abrir las puertas al público a finales de septiembre, pero como conseguí el local por accidente a finales de junio, tuve que apresurarme con todo ya que el local me encantó y cerré el contrato de arrendamiento sin tener absolutamente nada listo. Eso me hizo trabajar el doble para tener todo listo y así fue como inauguramos el 9 de agosto. Yo me encargue de diseñar la web, la imagen, el concepto del mobiliario y de toda la tienda en un lapso de mes y medio.

¿En qué te basas para hacer la curaduría de la música? 

Pues la mayoría está basada en la música que a mí me gusta o que me gustaría encontrarme en una tienda; bandas como Muse, Coldplay o Green Day quizá no los encontrarás por la tienda, pero si nos piden sobre encargo te consiguimos el artista que sea.

A partir de su apertura, ¿cuál ha sido tu mayor sorpresa?

Sin duda la principal sorpresa fue la respuesta de la gente, no pensé que fuera a tener una reacción tan aceptable por parte de los que ahora son mis clientes, el que vengan y regresen de nuevo es señal de que estamos haciendo bien las cosas.

¿Qué hace distinta a esta tienda de discos de cualquier otra?

Pues yo creo que lo diferente o lo que nos distingue es que compramos y cambiamos discos, no es sólo venta de discos nuevos. Por otra parte creo que somos la única tienda de discos que vende refacciones (cabezales, cartuchos, agujas) y que también vende y repara tornamesas.

La Roma Records
Álvaro Obregón 200 Bis 1
Col. Roma
Tel. 52 64 21 40
Twitter  @LaRomaRecords

Originally posted 2012-10-06 12:00:34. Republished by Blog Post Promoter

Entrevista a Salvador Medina Barahona

Salvador Medina Barahona

“La juerga intensa hace más poesía que los libros. La poesía no es simplemente escribir o simplemente leer. La poesía es un estilo de vida.” -sentencia Salvador Medina Barahona (Mariabé de Pedasí, Panamá, 1973).

Lo dice con orgullo en la mirada, con candor en su sonrisa, con cada uno de sus más de 20 años de experiencia en la movida. A sus 17 años, recuerda, escribió su primer poema. Ya no habría manera de escapar y eso nadie se lo dijo, aunque bueno, ¿A quién se lo han advertido? La poesía, de ahora en adelante, sería la única respuesta.

“Beber ese esencial para el poeta, así como respetar el lenguaje y su majestad.” -advierte el poeta. Autor de ya más de 5 libros, entre los que destacan “Pasaba yo por los días” ganador del galardón más preciado de las letras panameñas, el Premio Nacional de Literatura “Ricardo Miró” (2009), en la sección de poesía, “Mundos de sombra” (1999), su primer libro y “La hora de tu olvido, una intensa elegía al padre” (2008), Salvador también ha sido acreedor a distintos premios y menciones, como en el año 2000 cuando ganó el Premio Nacional de Poesía “Stella Sierra” o la Mención de Honor del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2001-2002, además de publicaciones en prestigiosas revistas nacionales e internacionales como el Black Renaissance Noire de la Universidad de Nueva York y la revista Carátula de Sergio Ramírez. Además de ser el autor de una antología de poetas jóvenes panameños en 2004 y creador del sitio en línea “El duende gramático”, destinado a promover la poesía de nuevos autores hispanos.

Su poesía es una mezcla de síntesis, música, fuerza y ternura y su editorial más reciente algo deficiente, no muy efectiva, y éstas últimas palabras son tomo prestadas de su boca. Su poesía está influida por autores como el español Antonio Gamoneda, el mexicano Octavio Paz, el hondureño Roberto Sosa o el panameño Manuel Orestes Nieto. Él se declara como un apasionado de la poesía así como un país entero se apasiona por el fútbol.
“La poesía es un diálogo. La hoja en blanco debe estar conectada por un cordón umbilical con el poeta, así como el poeta tiene que estarlo a su vez con el Universo.” su poesía propone, a diferencia de muchas otras, matices poéticos e imágenes bien logradas, imágenes que parecieran estar modeladas hasta el cansancio, además de una mirada mucho más interiorista, más de ir de vuelta al núcleo para desde ahí, refugiado, escribir con comodidad.
– Salvador, ¿Qué le ofrece la poesía panameña al mundo? ¿Qué la caracteriza? – Si hay algo que la caracteriza es que transita, que es heterogénea, además de haber sido el estilo más resistente a lo largo del tiempo aquí en Panamá, junto con el cuento y el ensayo. Pero bueno, no podemos comenzar a hablar de la poesía sin antes presentarla. La poesía en Panamá comienza desde 1500, así es que bueno, para no hacer la cosa más larga te puedo citar algunos autores como Manuel Orestes Nieto, José de Jesús Martínez o incluso el mismo Rogelio Sinán. El problema con la poesía panameña no es cuándo haya comenzado o no, tal vez después de todo no sea necesario presentarla, sino que no sale del cascarón. No se da a conocer y no se manifiesta. Y ese es uno de los pecados más graves que comete. Aunque la verdadera inquisidora es la poca importancia que tiene ahora. Por ejemplo, a diferencia de México aquí no existen las becas creativas. Sí quieres publicar será mejor que ganes un premio porque no hay otra manera sencilla.
– Para concluir, ¿Cuál crees que sea la inyección de adrenalina que la poesía panameña necesita? ¿Crees que hay una?- Por supuesto que la hay y no es otra que la revaloración de la poesía y el trabajo del autor, que el propio poeta se diga poeta y que se dedique a serlo. El poeta tiene que ser práctico y preocuparse por su obra, como gestor cultural, como autor, debes estar involucrado directamente con tu obra y su desarrollo. Que la creación de más concursos y las primeras becas al fin vea la luz. Y por su puesto que nuevas generaciones se interesen en éste oficio que es  uno de los más tiernos de todos.

En pocas palabras, resumiendo al autor, el poeta debe sentarse a escribir a sus anchas.

Salvador Medina

Originally posted 2013-05-07 18:08:10. Republished by Blog Post Promoter

Rodaje 671 en Querétaro.

El pasado Viernes 09 de Agosto del presente año, el grupo de comunicación C671 de la Universidad de León, plantel Querétaro se dispuso a iniciar el rodaje de un cortometraje llamado “Despierto por un amigo”, esto como parte del proyecto final de la materia de Producción Televisiva, cabe mencionar que dicho proyecto se comenzó semanas antes con la pre-producción, es decir, la creación del guión tanto literario como técnico, búsqueda de talentos, arreglo de horarios, distribución de puestos, planeación de locaciones, entre otras actividades.

El Jueves 08 de Agosto, primer día de grabación, se comenzaron a realizar las tomas de las primeras escenas, las cuales se llevaron a cabo sin problema alguno, exceptuando que durante la grabación de una escena en exterior, para ser exactos, en un parque, comenzó a llover y las cosas se tuvieron que realizar de una manera más ágil con el objetivo de que la cámara no sufriera daño alguno.

El Viernes 08 de Agosto, segundo y último día de grabación, se realizaron diversas tomas en diferentes lugares, el primer espacio utilizado fue la misma universidad de los estudiantes de la carrera de comunicación; Para esto, los protagonistas del cortometraje, Fernando Gutiérrez y Monse Rivas llegaron a la locación en punto de las 12:00 pm para comenzar a grabar las escenas correspondientes, terminando dichas tomas, se dirigieron a la siguiente locación que era la casa de una chica del mismo grupo, ahí es en donde probablemente se encontraron con las primeras grandes dificultades, la iluminación era un poco complicada debido a que el guión marcaba que la escena era de noche y en realidad se estaba grabando en un caluroso día aproximadamente a las 2:00 pm. Después de un par de horas las escenas destinadas para dicho lugar quedaron listas y fue momento de trasladarse nuevamente para continuar con la grabación.

En el último espacio es en donde se grabarían la mayor cantidad de escenas, además de ser las más difíciles, por lo mismo antes de comenzar tanto con arreglo de escenografía como cambio de vestuario, maquillaje y demás se decidió dar un break para comer y recuperar energías, posteriormente se hicieron los arreglos necesarios para así poder continuar con el rodaje que duró unas cuantas horas más, alrededor de las 21:00 hrs todo el equipo tenía una severa fatiga, sin embargo eso no impidió que cada quien siguiera realizando sus actividades correspondientes.

Finalmente, después de más de 12 horas de arduo trabajo se dio por terminada la grabación con comentarios como el siguiente:

“La experiencia que me quedó de las más de 12 horas de grabación fue que en equipo todo se realiza más rápido y de mejor manera.

El grupo se unió para llegar a un fin, y los extras fueron muy acomedidos al hacer más que su trabajo y ayudar a componer la escenografía entre otras tareas del staff.

La grabación fue extenuante, como tuvo sus momentos de risa, también tuvo sus momentos de frustración en los cuales ya todos queríamos terminar e irnos a casa.

Creo que trabajando en equipo, todo se puede lograr, ya que varias cabezas piensan mejor que una y eso se notó gracias a que cada quien desempeñó su trabajo, ya fuera como staff, extra, director, productor o siendo parte del departamento de arte.”  -Diana Gutiérrez, Departamento de Arte.

Originally posted 2013-08-12 18:05:17. Republished by Blog Post Promoter

27 razones para amar el Festival Nrmal

1.- Fue creado y es llevado a cabo en Monterrey.

2.-  Su filosofía es borrar las divisiones entre la gente y las bandas.

3.- Los músicos también son espectadores del festival, es decir, puedes disfrutar el concierto junto a tu artista favorito (literal).

4.-  La imagen del festival se caracteriza por cambiar cada año y así ofrecer tematicas visuales diferentes.

5.-En la edición de 2013 tienen más de 70 bandas confirmadas.

6.-  Desde su concepción se pensó como un espacio que reuniera la música y el arte emergente independiente.

7.-  Es un festival con espíritu DIY al 100% (ellos mismos se hacen cargo de la logística, la producción, etc).

8.-  Cada escenario tiene una temática y atmósfera diferentes. Siempre son muy contrastantes.

9.-  La selección de bandas se basa en la frescura y novedad de su propuesta sin importar procedencia ni género.

10.-  Grupos como YACHT, Banda de Turistas y Friends fueron traídos por primera vez a México gracias a Nrmal.

11.- En el festival de 2012 la galería de arte estaba dentro del contenedor de un camión.

12.- La preventa de boletos para este año costaba $150

13.- El Mercadito es un espacio donde puedes encontrar desde un corte de pelo hasta productos de las bandas participantes.

14.- Cada año lanzan una convocatoría en línea para buscar voluntarios que ayuden a la organización del festival.

15.- Puedes llevar a tu mascota.

16.- La selección de bandas dura un año.

17.- El año pasado, Elefgant; un estudio audiovisual mexicano, grabó sesiones acústicas con algunas de las bandas participantes del festival.

18.- Pitchfork siempre se refiere a ellos como “Nrml”.

19.- El creador del extinto festival MTYMX fué en 2012 el curador invitado de bandas de E.U. en Nrmal.

20.- En 2013 celebran su cuarta edición.

21.- Antes y después del festival siempre hay mixtapes disponibles para descargar con propuestas musicales nuevas.

22.-  Los actos más esperados de este año son: Ariel’s Pink Haunted Grafitti, Maniquí Lazer, Fear of Men, Yo! Linares y Rites Wild.

23.- En el festival de 2010 tuvieron como invitado a 3ballMTY.

24.-Los primeros dos años fué realizado en la Alianza Francesa de Monterrey.

25.- Tienen el foodcourt más barato y rico que puede haber en cualquier otro festival nacional de renombre.

26.- Este año se tienen proyectadas una serie de actividades y conciertos sucediendo en diferentes partes de la ciudad en el periodo de cuatro dias en los que se llevara a cabo Nrmal.

27.-  Los escenarios pueden ser a nivel del suelo… o puede no haber escenario como tal.

28.- Se puede esperar cualquier sorpresa que los organizadores planean para hacer más ameno el evento: una pista de skate, tee-pees, carteles pintados a mano, carritos chocones gratis, afterpartys sin fin, proyecciones enmedio del festival y la lista sigue y sigue…

 

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Originally posted 2013-01-18 21:20:30. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sonoro de Enero Será Mío

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Foto por Andres Gambini

La escena musical argentina se caracteriza por ser una de las más fructíferas de América Latina.Cada día emanan más propuestas independientes, novedosas, dignas de escuchar. Tal es el caso de Enero Será Mío, el alter ego de la cantante y compositora Sol Fernández, un proyecto lleno de secuencias y atmósferas con tintes dream pop y down tempo.

 De la mano de uno de los mejores productores de Argentina (Tweety González), Enero Será Mío lanzó su primer LP Juego 0 en el 2012, el cual contó con colaboraciones de Benito Cerati y Lucas Martí, entro otros.

 Después de dos años, platicamos con Sol sobre sus inicios en la música, sus influencias, la escena argentina y su nuevo disco.

C: ¿Cómo te acercaste a la música?

S: Yo vivía en Trelew, Chubut, Argentina. Trelew es una colonia Galesa y tiene como tradición una fuerte movida en coros y poesía, el Festival  Eisteddfod. Comencé a cantar con varios coros y con uno en especial, logré presentarme en varios lugares y viajar. Siempre fui musical. A los 7 años empecé a estudiar en el conservatorio, después, llegó a mi casa un piano heredado de mi abuela y lo empecé a tocar. Sin embargo, siempre he estado en la música como cantante, siempre ha sido mi placer, de hecho amo cantar canciones de otros autores. Este año he hecho algunos proyectos con Sebastián Carreras del Grupo Musical “Entre Ríos”. Me convocó para cantar y estamos grabando unas canciones. También grabe un tema para una película con Antonio Birabent, con Marcelo Zeoli (Los Látigos) colaboré en lo que se viene de “El Dependiente” su proyecto solista y también con otros amigos músicos.

 Ahora estoy con El Asunto, un grupo de cantautoras (incluyéndome) que nos juntamos y cantamos nuestros temas en un formato más acústico y vocal. Así que siempre me estoy moviendo en la música. Yo vivía en la Patagonia y me vine a Buenos Aires a estudiar musicoterapia, por lo mismo, me interesaba saber que pasaba a nivel psíquico y cerebral con la música y a partir de ello, termine siendo terapeuta. Así que vivo en un mundo sonoro 24 horas, los 365 días del año, y eso me da felicidad.

C: ¿Cómo fue el proceso para dar vida a Enero Será Mío?

S: Un día me animé a mostrar mis canciones. Tenia ideas musicales que no terminaba grabadas, y les di forma. Armé una banda  con unos amigos y decidí grabar un EP en el 2009, algo casero que sonaba mas rockero a lo que yo andaba buscando. Fue una gran foto para ver como iba a encarar el disco.

 Ahí fue cuando me puse a trabajar con Tweety González  sobre ese material. Ese año fuimos al LAMC (Latin Alternative Music Conference)  en Nueva York para exponer el EP y después de eso empecé a grabar el LP. Benito Cerati se une a Enero y empieza a hacer unas programaciones y coros en vivo. Después trabajamos en su material y armamos un proyecto que se llamaba Blank Tiger. Le pedimos una mano a Tweety y se terminó el disco. Ahora su proyecto se llama Zero Kill, pero no tocamos mas juntos, nos separamos artísticamente para que cada quien tuviera su proyecto.

C: ¿Por qué el nombre de Enero Será Mío?

S: Me colgué demasiado en un estado de ánimo. En enero son las vacaciones de verano y yo pensaba que duraban 6 meses. Por otro lado nací un 3 de enero. Un mes sin tiempo, es metafórico. Querer tener algo que no se puede tener. Sale de esa idea. De un momento de mi vida musical que no determina todo.

C: ¿Cómo fue trabajar con Tweety González, conocido por muchos como “El cuarto soda”?

S: Todo se dio naturalmente, yo no buscaba un productor, ni sabía cual era el trabajo de un productor en un disco, pero las cosas se fueron dando así y estoy muy agradecida y contenta con el resultado.También participo Lucas Martí. Tiene los colores de distintos artistas.

C: ¿Cómo fue el proceso de composición del LP?

S: Cada canción tiene su historia. “Hermes” la compuse con Rodrigo, un amigo de la Facultad. “Fantasma” es un temazo de Benito, con él se produce una magia que no pasa siempre al interactuar con el otro, para que las ideas fluyan. Con Tweety paso lo mismo en “50/50”. Estaba tocando unas bases con el teclado y yo me puse a cantar y salió ese tema. Es un juego que se termina convirtiendo también en todo un trabajo grosso de producción. Es un proceso re lindo y súper bueno.

C: ¿Cuales son tus influencias musicales?

S: Crecí escuchando a Spinetta. En casa, mamá tocaba el piano y escuchaba rock. Mi papá escuchaba Pink Floyd, George Michael, y de todo. Recuerdo que en la radio escuché a los Pet Shop Boys por primera vez y empecé a escuchar pop.

 Acá hay artistas que me copan, por ejemplo, Pol Nada, Entre Ríos, Suavestar, LaKobraKei, Alud Negro, entre otros grupos que hacen cosas súper lindas. Me gusta la gente que hace cosas sin doblegarse ante las adversidades.

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Foto por Damian Benetucci

 

C: ¿Qué suena en la escena musical argentina?

S: Hay bandas barriales con un estilo más punk, con un formato más en directo. Está buenísimo porque es representativo. Grupos como Él mato a un policía motorizado por ejemplo, les va muy bien. Esta la movida pop, de la mano de Leo García, Daniel Melero, Altocamet.

 Por otro lado, es bastante complejo el proceso de tocar, siendo independiente. Pero nada, hay un montón de música y hay más chicas haciendo música. Ayer fui a un recital de Andrea Àlvarez, una artista que admiro desde siempre, y el lugar estaba lleno. Sin embargo, acá no se le da tanto espacio a las chicas. Como sea, hay un montón de posibilidades a partir de las ganas de cada persona.

C: ¿Cuales son tus planes a futuro?

S: Mi plan es seguir tocando y seguir haciendo música. Sale el disco nuevo en marzo del año que viene (2015). Va a tener un remix de Adrián Canu (Altocamet) y otro de Ezequiel Araujo (El  Otro Yo). En este nuevo disco participaron muchos amigos que quiero y admiro. Estoy contenta por cómo está sonando y agradecida de poder hacer lo que me gusta.

 

Para escuchar y conocer más de la música de Enero Será Mío, visita www.eneroseramio.com              

Originally posted 2014-11-06 09:00:50. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

Vaya Futuro: el ruido misantrópico de Tijuana

Vaya Futuro inició en el 2008 pero bajo el nombre “Celofán”. Tras cosechar un mediano éxito en Tijuana, su ciudad natal, decidieron tomarse un descanso. En ese lapso de reposo cambiaron alineación (actualmente son Miguel Ahuage, Aldair Cerezo, Luis Aguilar y Julio Pillado),  comenzaron a grabar un disco y finalmente cambiaron de nombre.

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“La idea de cambiar de nombre venía desde hace rato porque (Celofán) no nos convencía del todo, pero no fue hasta que este año (2014) otra banda de Acapulco registró el nombre y nos vimos forzados a hacerlo. Si no lo hicimos antes era por indecisión, pero ahora que lo hicimos estamos muy felices” cuenta Luis Aguilar, vocalista y guitarrista de la banda, respecto al problema que enfrentaron con su anterior nombre. Tomaron “Vaya Futuro” de una canción de Los Fresones Rebeldes.

 La música de Vaya Futuro está muy ligada a etiquetas como el pop y el shoegaze, pero, yendo más allá, para Luis lo que hacen es comparable con algo de Dostoievski (en caso de un libro) o con Taxi Driver (en caso de una película): “Ambos tienen ese mismo sentimiento misantrópico  y pesimista de mis letras, aunque hay excepciones en canciones del álbum y más en el nuevo material que se está componiendo”.

 En vivo, la banda gusta de ofrecer intensidad. “Tratamos de balancear la emotividad con la diversión, hay un poco de ambos. En general puedo decir que todos terminamos en un estado de trance” comenta Aguilar.

 Luis es quien se encarga de la mayor parte del proceso de composición de las canciones; inicia con algunos acordes y va tarareando la melodía, luego murmura sílabas hasta que llega a hilar frases completas. Él llega con la idea y el resto del grupo la va desarrollo y modificando.

 “Ideas Medias” es el título del primer disco de la banda. Lo empezaron a grabar el verano pasado en Tijuana con los productores Lou Ros y Fernando Fajardo. El título viene de una vieja canción que irónicamente no aparece en el disco. “El álbum es una colección de ideas a medias, porque podrían haberse desarrollado más… pero está bien dejarlas así y seguir con algo nuevo” cuenta Luis respecto a este material.

El contexto de dos canciones de “Ideas Medias”

Tu Forma De (Vomitar): “No tiene un origen específico y solo habla de un asco hacia alguien en especial, o como cultura/especie. Parece ser una canción de desamor pero no lo es, es una canción de decepción generalizada”.

Hoyos En el Mar: “Relata el proceso de un individuo en su pérdida de fe y su enfrentamiento con la muerte. Fantasea con ser enterrado en el fondo del mar al darse cuenta que Dios lo ha abandonado”.

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 Luis ve a Tijuana, musicalmente hablando, “como una incubadora de grandes proyectos. Estos  proyectos son como bebés, solo que el bebé tiene que crecer pero la incubadora queda chica, lo cual genera un efecto bonsái”. Para él, a la mayoría de las bandas de su ciudad les hace falta ‘hambre’; motivación e iniciativa para  irse de tour y buscar espacio en medios.

 Tras presentaciones exitosas en festivales como el All My Friends del 2011 (porque ahí la banda se reintegró) y el Festival Antes del éste año,  Vaya Futuro  planea seguir tocando en diferentes ciudades y terminar de grabar su segundo material, que ya va a la mitad.

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Originally posted 2014-08-22 09:00:33. Republished by Blog Post Promoter

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Originally posted 2014-10-15 11:55:17. Republished by Blog Post Promoter

Marcos Zavala: El Solitario de Bengala

Por: Danna Campos

@dannacampos

Desde 2003 los reflectores se posaron sobre Bengala, la banda de rock originaria del Distrito Federal. Conciertos, festivales, alfombras rojas,  premios, afterparties y un lugar de respeto dentro de la escena musical mexicana han sido solamente algunos de los lujos del ser parte de un grupo como éste. Detrás del glamour que representa ser músico, está Marcos sentado detrás de las percusiones, esperando tocar la siguiente canción del setlist para, al final, irse a casa.

Y es que, a él, fracamente no le interesan los protocolos sociales que hay que seguir al ser músico, excepto ser esto último: El solitario que compone desde el piano de su casa, con voz ténue, porque, a veces, sólo a veces, su sonrisa la opaca.

Solitario es el proyecto solista de Marcos Zavala, homónimo a su primer EP. Desde su espacio personal, Marcos comparte a Chualvista Art House más sobre su carrera como solista y su vida antes, durante y después de Bengala.

Para escuchar más, te invitamos a visitar: Solitario Marcos

 

Originally posted 2012-09-14 11:21:04. Republished by Blog Post Promoter

Música nueva: Gods Of Suffering

Gods Of Suffering, tal vez la primera impresión que nos damos al leer o escuchar el nombre de esta banda es que tocan algo totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados y sí, así es.

El nombre de la banda fue elegido principalmente por el género musical al que están enfocados, la gente que escucha este tipo de música busca bandas que impongan en todo aspecto, esa es una de las razones más importantes por las cuales se hacen llamar de esta manera.

La agrupación está integrada por Alex Cardoso en el bajo, Carlos Corona en la voz, Cristhian González en la batería y Zaid Zertuche junto con César Barrera a cargo de las guitarras.

Al preguntar a Alex Cardoso, bajista de la banda, ¿Qué género musical tocan y cómo lo definen? Nos contestó lo siguiente: “Tocamos Brutal Death Metal, es lo que se podría decir que nos agrada mas, por ser música tan poco digerible debido a que es más underground, aunque dentro del ámbito del metal extremo es reconocido por la ejecución en los instrumentos ya que es muy compleja y bastante rápida.”

Muchas veces escuchamos determinado tipo de música por el ritmo que tienen, ¿pero alguna vez nos hemos detenido a analizar la letra de las canciones y todo lo que hay detrás de ellas? Las letras de esta banda básicamente hablan de oposición a todo lo que impida crecer el intelecto del ser humano, de las diversos tipos de ataduras que existen hoy en día, de la fe y en algunas ocasiones de la muerte.

Siempre es interesante preguntar a las personas que dedican su vida a estar arriba de un escenario ¿Qué buscan transmitir a la gente con lo que hacen? “Buscamos transmitir toda la energía posible durante todo el tiempo que dure nuestra presentación, también buscamos crear un poco de tensión y esa rara sensación de que algo va a pasar pero no se sabe de que se trata, si a toda esta serie de sensaciones le agregamos las letras de nuestras canciones es cuando comenzamos a transmitir el mensaje que queremos que capte nuestro público, que es que las personas se acepten a sí mismas, acepten su naturaleza y no actúen pensando en el ¿qué dirán?”

Por último nos comentan que están a unos cuantos días de iniciar el Battlefield Tour junto con la banda Enough Has Been Said, en donde visitarán lugares tales como Celaya, León, Pachuca y Guadalajara entre otros.

Así que nuevamente les pedimos darles la oportunidad a buenas y novedosas propuestas musicales.

Originally posted 2013-08-29 16:46:47. Republished by Blog Post Promoter

La Era Vulgar: el sonido lúgubre de tres mentes luminosas – #ROUNDS

La Era Vulgar es un proyecto musical con dos años de trayectoria. Abel (teclados), Alenka (voz) y Octavio (bajo) se conocieron a raíz de una vieja banda llamada Mi Computadora Me Habla.

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 Tras juntarse, comenzaron a buscar un nombre para el grupo. Analizaron varias propuestas hasta que decidieron quedarse con ‘La Era Vulgar’ porque, como cuenta Abel, “hace referencia a la era del vulgo, del pueblo. Creemos que es una buena definición para reflejar nuestra época, nuestra era. En la era del vulgo (que es como los hebreos se refieren al momento en que se aplicó el calendario gregoriano, o sea, el tiempo a partir del nacimiento de Jesús) todos y cada uno somos como pequeños emperadores, con nuestro pequeño imperio personal de basura. Todos ensimismados y al mismo tiempo más comunicados que nunca. Todos ahora tienen acceso a la información, pueden expresarse como individuos globalizados como nunca antes en la historia, exponerse al mundo. Esta era tiene sus pros y sus contras”.

 El conjunto autodefine su sonido como “música tradicional de la era global”. No poseen un proceso fijo para componer, simplemente se dejan llevar por los sonidos. Por eso el resultado es una mezcla de muchos géneros. Para el proceso creativo de las letras se nutren de las ideas de literatos como Aldous Huxley, George Orwell, Orson Welles y libros como La Biblia.

 El también encargado de los samplers del trío considera que la satisfacción más grande al hacer música es pensar que van a “dejarle algo al universo, una semilla propia que ya sea que germine en el corazón de los demás o no, pero dejarla. El amor al arte. Saber que la gente que te escucha disfruta, siente y se apasiona con cada nota musical que uno les da”.

El Centro Cultural de España, Dirty Sound Bar, Club Atlántico y Aquí No Hubo Escena son algunos de los foros y festivales en los que se ha presentado La Era. Poseen  un EP de seis canciones titulado “Tomo I”. De este disco se desprenden tres videos: ‘El Becerro de Oro’, ‘Orson Welles’ y ‘El Príncipe’. Cabe resaltar que Maurizio Terracina (Zurdok, The Volture) mezcló la canción ‘Orson Welles’.

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/80561272″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

Abel se manifiesta motivado por la participación de la banda en las sesiones #ROUNDS de WMP: “La oportunidad de participar junto a bandas del calibre de Kashmir, Cineplexx, La Banda Bastón y Ventilader; tener la oportunidad de estar en un vinil de colección junto a dos de ellas; haber pasado con buen nivel el reto técnico de grabar a una sola toma en cinta magnética en los estudios de Sony; la fuerte difusión que se hará por parte de los medios y la experiencia siempre grata de tocar juntos como La Era Vulgar”.

Lo inmediato para la banda es terminar un nuevo disco que están trabajando junto al productor Camilo Froideval. También planean tocar  más y en mejores foros, sonar en la radio y aumentar su número de fans y seguidores.

Redes sociales del grupo:

Facebook

Soundcloud 

Originally posted 2014-09-04 09:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Lluvia de Palos presenta: Tlaltekuinilistli

El 26 de abril tuve la maravillosa oportunidad de acompañar al ensamble Lluvia de Palos en la presentación de su disco Tlaltekuinilistli. Con un concierto y una conferencia en la Sala Carlos Chávez, este peculiar grupo musical comenzó una nueva etapa en su prometedora trayectoria artística.

 Lluvia de Palos, ensamble liderado por José Navarro (fundador también de Banda Elástica), es un grupo que hace música contemporánea con instrumentos pre-hispánicos. Esto les da un sonido muy particular: timbres arcaicos utilizados en un contexto de improvisación contemporánea.

 Tras el increíble concierto que dieron, donde embelesaron al público con una música desbordante de energía vital, platiqué un poco con Manuel Andrade -miembro de la banda, joven percusionista y estudiante de composición en la Escuela Nacional de Música- acerca del proyecto.

Samir Pascual
Samir Pascual

 Le Ramis: ¿Cómo es el proceso de composición y arreglo de las piezas?

 Manuel Andrade: Podría decirse que el proceso composicional de la música lleva como uno de los elementos claves la improvisación. Es un proceso que lleva tiempo, en el sentido de que sí, las piezas se escriben, pero van cambiando poco a poco a lo largo de estarlas tocando, pues se experimentan detalles pequeños a lo largo de cada ensayo. Así, después de un año, las piezas son reconocibles pero no necesariamente iguales. Hay una idea general, pero se va desarrollando poco a poco hasta llegar a una última versión, que es la versión del disco. De ser necesario se busca una manera de hacer una notación específica para cada pieza. Tal es el caso de “De mar a viento” u “Olla flechada”. Casi todas las piezas están compuestas por José Navarro.

 L. R: Tú que eres compositor además de percusionista, ¿cuáles son los retos de componer para un ensamble de puras percusiones?

Luis Miguel Costero
Luis Miguel Costero

 M. A: Creo como compositor que uno de los aspectos más interesantes de las percusiones son las variedades tímbricas que tiene un solo instrumento. Es muy importante considerar que al ser percusiones, cada uno de los integrantes debe desempeñar un papel que ayude al compañero a crear un ambiente específico o a desarrollar una idea en particular.

 Con esto me refiero a que cuando se compone se debe buscar la manera de que nadie opaque a nadie, y de que cada uno ayude con su parte a crear música. A veces es mejor no tocar nada si la música lo necesita, y después de un rato de silencio entonces tocar sólo si es necesario. Eso no solamente al componer, si no también al improvisar.

 Es determinante desarrollar un buen trabajo en equipo para obtener ideas que pueden desarrollarse y utilizarse en una composición. Algo fundamental para lograrlo es el escuchar lo que están haciendo los demás, como sucede en “Golpeando el viento la luna”.

 L. R: ¿Crees que el trabajo de José Navarro con la Banda Elástica influencia de alguna manea su trabajo con Lluvia de Palos?

 M. A: Por supuesto. Es con Banda Elástica que Pepe empieza a usar los instrumentos de percusión prehispánica. Aquí se ve muy claro lo que te explicaba del cambio gradual de una pieza a lo largo del transcurso del tiempo. Es con Banda Elástica que se empieza a trabajar de una manera inusual en una banda. Cada disco que tiene ellos es distinto al anterior y busca serlo, creo que es parte de lo que da pie al surgimiento de Lluvia de Palos. Luis Miguel Costero y Pepe llevan varios años trabajando juntos, ambos son integrantes tanto de Banda… como de Lluvia…

 L. R: ¿Qué instrumentos prehispánicos utilizaron para este disco?

 M. A: Pffff (piensa), son varios: Huehuetl, Teponaztlis, flautas y ocarinas de barro, caparazones de tortuga, sonajas, piedras, raspadores, ollas, sartales, palos de lluvia, campanas de barro, tambores de agua, tambores raramuri, caracoles marinos, entre otros. El DVD tiene una sección donde se muestran los instrumentos.

José Navarro L. R: Leí que además de los instrumentos, toman cosas de la cosmología y la visión pre-colombina para su quehacer artístico, ¿De qué manera funcionan los elementos extramusicales pre-colombinos en esta producción?

 M. A: Son fundamentales. Para esto hemos leído sobre todo a López Austin. Libros como Cuerpo Humano e IdeologíaTamoanchan y Tlalocan. Además del estudio del náhuatl, que es muy rico y muy profundo. Pepe lleva años estudiando y bueno hay quienes estamos empezando a estudiarlo. Es uno de los aspectos más importantes del grupo. Existe un libro muy bueno titulado México Profundo de Guillermo Bonfil Batalla, en el cual se muestra la importancia de reivindicar a las sociedades indígenas en un continente “occidentalizado”.

Lluvia de Palos no pretende hacer música prehispánica, pero para componer se toman ideas de las experiencias y lecturas de la cosmología. También como parte del enriquecimiento y retroalimentación del grupo se han hecho varios temazcales ceremoniales.

 L. R: ¿Cuánto tiempo duró la grabación y producción de este disco?

 M. A: Poco más de un año.

Manuel Andrade
Manuel Andrade

 L. R: ¿Tuvieron algún apoyo económico en el proceso?

 M. A: Si: por parte de Epromúsica, Estimulo hacia la producción musical, Conaculta INBA y Coordinación Nacional de Música y Ópera.

 L. R: ¿Dónde se podrá comprar el disco?

 M. A: Me parece que en las librerías Gandhi, en MixUp, en los conciertos del grupo o directamente con los músicos. Creo que también por internet.

 L. R: Ya tienen el disco, ¿ahora qué sigue?

M. A: Aún falta mucho por hacer (ríe). Pues creo que descansar una semana (ríe) y después seguir en los ensayos. Muchas veces dedicamos tiempo del ensayo para gestionar. El disco nos ayudará a promover nuestro trabajo, pero es apenas el comienzo de otra etapa nueva. Sigue desarrollar nuevas ideas para nuevas composiciones y seguir trabajando las que ya tenemos.

 Quiero mencionar otro de los aspectos importantes del grupo, que es la idea de la interdisciplina. Música y danza están muy relacionadas entre sí. Hay periodos en que los músicos tomamos pequeños talleres de danza, o una que otra clase de Aikido. Pepe practicó esta arte marcial durante 8 años y la interdisciplina es parte de lo que pretende abordar Lluvia de Palos. De hecho, existe ya una presentación que incluye música y danza, se llama Ojos de Tierra (pueden verla aquí).

Originally posted 2014-05-03 11:06:21. Republished by Blog Post Promoter

Tierra de Nadie, Baron Negro en Querétaro

El pasado domingo 28 de julio del presente año el grupo de teatro Barón Negro tuvo una participación dentro del Festival Cultural Santiago de Querétaro con motivo del 482 aniversario de dicho estado.

El grupo conformado por MaFer Monroy, Carlos Casas y Fabián Verdín en escena, Roberto Ramírez en musicalización y Jean Paul Carstensen bajo la dirección, tuvo la oportunidad de presentar su ya conocida puesta en escena titulada Tierra de Nadie.

La historia se desarrolla sobre un escenario bastante sencillo compuesto por varias mantas que pueden ser acomodadas de diferentes maneras y de una forma rápida, todo esto para facilitar el trabajo de los actores, de la misma manera la utilería y vestuario son simples, sin dejar de lado la estética de la producción.

La presentación se llevó a cabo en el Cineteatro Rosalío Solano, ubicado en el centro histórico de la ciudad. En punto de las 18:00 horas los asistentes tuvimos acceso al lugar y a las 18:10 horas se dio la tercera llamada con la cual la obra dio inicio.

La historia gira en torno a tres personajes principales, el señor Craw, Leonor y Kame, quienes se encuentran en un lugar llamado “Tierra de Nadie”, un espacio en el que se asegura era muy diferente, lleno de árboles, flores, animales y demás cosas que hacen que un lugar sea bonito y agradable para vivir, sin embargo ahora es una tierra árida, seca y sin vida; Además de todo en dicho lugar los personajes adquieren una personalidad totalmente diferente a la que tenían en vida, sumándole que con frecuencia olvidaban de dónde venían o hacia dónde iban.

El clímax de la obra llega cuando después de una larga caminata, y el encuentro con un gato sabio se descubre que el señor Craw en realidad es el padre de Leonor, el inconveniente de todo esto es que debido a los actos realizados en vida a Leonor no le pertenece estar ahí ya que los dioses la exigen por su buen comportamiento.

El momento más emotivo, en el que incluso hubo personas que llegaron a las lágrimas, se encuentra cuando Leonor y su padre se tienen que despedir.

Al preguntar a Carlos Casas, uno de los actores de dicha obra ¿cuál es el mensaje que buscan transmitir? Nos contestó “Hablar sobre la pérdida cuando se presenta la muerte, además de esto provocar una reflexión sobre los actos que realizamos en vida teniendo en cuenta que tal vez algo o alguien nos lo cobre en una vida posterior.”

Así mismo nos dimos a la tarea de preguntar a varios espectadores, ambos estudiantes de la carrera de comunicación, su opinión acerca de la puesta en escena, nos contestaron lo siguiente:

Paulina Reséndiz nos dice “Fue una buena obra en la que para muchos el mensaje que deja significa bastante, de igual manera la actuación de los chavos fue muy buena.”

Néstor Moya nos comenta “La obra fue muy buena, técnicamente me gustaron mucho los movimientos de los títeres y las emociones que lograban proyectar, como mensaje me deja que aun después de la muerte debemos cumplir con un destino.”

Cabe mencionar que el lugar estuvo lleno de gente, que con sus risas y aplausos enriquecieron de manera sorprendente dicha presentación.

Originally posted 2013-07-31 16:37:35. Republished by Blog Post Promoter

Ramón nos invita a conocer MARÉ

 

Ramón Aarún, entre muchas otras cosas, es cantante. Actualmente forma parte de MARÉ, un colectivo de cuatro cantantes que se acompañan con la guitarra y el cajón peruano. Cuatro artistas con diferentes gustos y estilos, cuatro amigos: Mike Trejo, Lalo Hernández, Adán Feijo y, desde luego, Ramón Aarún.

    “Un día nos juntamos para hacerle un homenaje a aquellas canciones que nos han marcado y terminamos creando un bellísimo proyecto”. Ahora, están grabando su primer disco, Ciudad MARÉ.

   “MARÉ es un estilo de vida, nuestra propia forma de ver el mundo…eso es lo que retratamos dentro de nuestra música y las historias que contamos”.

 

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Pero, ¿quién es Ramón? Él nos cuenta: 

   “Desde niño, con las bohemias en mi casa, me enamoré de la música y la actuación. A los 15 años ya había compuesto mi primera canción y al poco tiempo ingresé en una compañía de espectáculos en Veracruz: GO´S. Participé en Tv Azteca como actor, hoy soy productor y conductor dentro de Radio Independiente (www.radioindependiente.info) con el programa Los Papis MX.”

Ramón Aarún
Ramón Aarún

 

 

 

 

“Los invito a que sean parte de esta Ciudad y lo gocen al igual que nosotros, el viaje es turbulento pero vale la pena la mareada.”

Originally posted 2013-11-04 14:47:58. Republished by Blog Post Promoter

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Originally posted 2015-02-11 09:00:16. Republished by Blog Post Promoter

#MegaOfrenda 2013, es el tiempo de Mr. Syms Trío

 Un trío tradicional de jazz (Contrabajo, batería y saxofón), con ideas poco convencionales.

Buscamos una “fusión armónica y del lenguaje” musical, dice Santiago Rodriguez, contrabajista de Mr Syms trío. Con sus composiciones originales, quieren encontrar el sonido perfecto…”los ensambles se trabajan con el paso de los años”.

Santiago estudió jazz en la escuela Superior de música, pero el Reggae es uno de sus géneros favoritos. Admira la originalidad del pianista Oscar Peterson para armar conjuntos de jazz con inusuales combinaciones de timbres y sonidos. Su primer acercamiento a la música fue con un trombón que le regalaron de cumpleaños, pero fue hasta conocer el Contrabajo, “un instrumento de mucha responsabilidad y conciencia”, que encontró la dedicación en el estudio de este arte.

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Desde la infancia conoce a “el Wero”. Él toca la batería desde los 5 años, pero fue alrededor de 2011 que decidieron formar un dueto con tal de repasar repertorio. Poco después se incorporaría Ricardo Jasso, saxofonista, y surgiría Mr Syms trío.

Ricardo, a pesar de estudiar el estilo “clásico” en el Conservatorio, gusta mucho del jazz y la música contemporánea. Por eso, toma clases particulares de técnica extendida y defiende lo contemporáneo, Jerry López y Remi Álvarez son dos saxofonistas mexicanos cuya técnica admira y gustaría tener de maestros.

 “es nuestro tiempo, el que nos toca a nosotros…donde debemos enfocarnos y desarrollarlo”.

 

No te los pierdas en la Mega Ofrenda 2013 en Ciudad Universitaria.

 

Originally posted 2013-10-28 19:32:55. Republished by Blog Post Promoter

#MegaOfrenda 2013 Jorge Lanny y la existencia de amar

Jorge Lanny
Jorge Lanny

Desde pequeño está rodeado de un ambiente musical, muchos en su familia se dedican a tocar en tríos de Bolero, pero no fue hasta los 15 años que tomó una guitarra y decidió dedicarse a la música. A los 20 tuvo su primer trabajo como músico y entendió que podía vivir de eso. Comenzó a tocar muchos estilos diferentes haciéndose de un repertorio muy basto que con el tiempo no le constituía ningún reto. “Necesitaba algo que me exigiera más, así fue como empecé a escribir canciones”.

Miguel Inzunza fue una gran influencia para él, de esta forma acabó en el Breve Espacio, lugar en el que cantaba regularmente. Así pidió que le dieran oportunidad para subir al escenario. Después de un tiempo lo llamaron a audicionar y Jorge se presentó con un amigo suyo, Isaias Majher. Juntos formaron un dueto llamado “Dos en la ciudad”.

 

La existencia de amar
La existencia de amar

En el curso de los años, se separaron y Lanny continuó como solista. El 30 de junio del 2013 grabó su primer EP en compañía de músicos profesionales. “La existencia de amar” se titula su más reciente proyecto. El nombre viene de una canción escrita para su esposa, Donají, cantante regional. Pronto tendrá una página web oficial donde publicará un videoclip exclusivo del proyecto.

Participará en un intercambio cultural con Argentina, donde, luego de una breve gira, planea grabar su nuevo disco.

Nos invita a seguirlo de cerca y apoyar la difusión de música independiente.

No te lo pierdas en la Mega Ofrenda 2013 en la UNAM.

https://soundcloud.com/jorgelanny

Originally posted 2013-10-28 19:05:40. Republished by Blog Post Promoter

“La piratería es cultura” afirma Ali Gua Gua

Las Ultrasónicas, Kumbia Queers, Afrodita, Afrodyke, Intestino Grueso y DJ Guagüis son algunos de los proyectos, muchas veces de corte experimental, en los que ha participado Ali Gua Gua que ahora nos presenta su material como solista: Forever Alone, disco en el que toca casi todos los instrumentos, canta, hace las  bases rítmicas y graba con el apoyo de Julián Lede (Silverio, Titán, Beso Negro).

“¡Ya era hora! de sacar un disco como solista, era algo que nunca había hecho; siempre había trabajado en proyectos con gente distinta y fue muy divertido, pero quería probar en solitario. El proceso fue muy espontáneo, en realidad no lo planeé, las cosas se fueron dando de manera natural; los horarios coincidieron y los planetas se alinearon. Es una síntesis y un reflejo de mi trabajo de todos estos años, pero también es algo mucho más íntimo y más directo en relación con lo que me identifico musical y líricamente.”

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El título del disco bien podría interpretarse como una forma de sarcasmo debido a lo que alude mientras es utilizado para presentar el primer material en solitario de esta multinstrumentista.

“Forever Alone significa varias cosas. Por un lado me daba risa como título para un primer disco solista. Es muy meme también, muy internet y eso me gusta. También porque siempre he sido una solitaria a la que le encanta la fiesta. Además es loco, pero es como un mantra que he tenido desde pequeña. Forever Alone para mí significa: la música y yo.”

Algo que resulta muy interesante de este material es que puede conseguirse de forma totalmente gratuita en la internet y que la versión física del material (cd) será pirata, a diferencia del acetato que será una especie de arte objeto. Ali Gua Gua explica nos explica esto:

“Pues que para mí, si alguien quema un disco en su casa y hace el arte de su banda, ya esta haciendo un disco artesanal. No he entendido nunca eso a lo que las disqueras llaman ‘disco pirata’. Tampoco entendí jamás por qué las disqueras no pusieron sucursales en la calle, al lado de su competencia directa, abaratando los precios y haciendo un disco accesible.”

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Pero la cantante no deja la discusión en este punto: de forma similar a lo que ha hecho Radiohead, Ali Gua Gua emprende una forma de producción musical que antepone los intereses propios del artista a los que las disqueras y las nuevas formas de consumo musical que tanto abundan en nuestros días (YouTube, Spotify, etc.)

La piratería es cultura. Está en todos lados y hace posible que el arte llegue a nuestras casas de manera económica, sin pasar por corporaciones… Mi disco es artesanal porque lo hago yo y lo distribuyo de mano en mano en los conciertos y en lugares de confianza. El cd además es desechable, así que para mi es funcional que cueste casi nada y que todo el mundo tenga acceso a él. Mientras el vinilo es la mejor manera de escuchar y conservar música desde mi punto de vista, aunque cueste más fabricarlo, venderlo, cargarlo y distribuirlo.”

Para consultar las fechas de las próximas presentaciones de Ali Gua Gua puedes consultar sus cuentas de Facebook (aliguagua) y Twitter (@aliguagua).

Con información de La Jornada.

Originally posted 2013-12-12 18:13:07. Republished by Blog Post Promoter

Lo que dos músicos pueden llegar a hacer: EL DUO

"En un principio, no sabíamos en realidad lo que queríamos".

En un cómodo formato de dos, comenzaron a andar por la vida buscando hacer de su música algo sustentable. Comenzaron en las transitadas esquinas de la calle Madero, pero fue en los alrededores de la Iglesia del centro de Coyoacán donde se dieron a conocer. Pronto fueron invitados a tocar en cumpleaños y bautizos…sin embargo, se dieron cuenta de que no tenían una identidad musical.

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   Después de rondar un tiempo en ese mundo de controversias, decidieron darle un giro a su proyecto…

   Se incursionaron dentro del género ópera pop.

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Hugo Cruz, Christopher Mendoza y Alberto Adhemar

   Hugo y Alberto nos cuentan, entre risas y recuerdos, cuando una joven se acerco a ellos y les dijo: “He escuchado a muchos grupos y ensambles, pero ustedes tienen algo…porque ustedes….son dos”. Así fue como reforzaron esa cualidad al grado de llamarse: EL DUO  (sin acento).

   Es ahora que defienden ese sentido práctico que denota confianza plena y una DUALIDAD inherente a la existencia humana.

                                                                                        Empezaron a formar un equipo para el diseño de imagen, fotografía y publicidad. “No como relación laboral, sino artística, como una familia”. En el cajón peruano, invitaron a participar a Christopher Mendoza, porque “EL DUO son mucho más que dos”.

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el duo
“El DUO Aguascalientes + EL DUO = ¡¡¡esperanza y alegría!!!”

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   La gente les ha llegado a preguntar: “¿Por qué no se dedican nada más a hacer música?”, no obstante, otra es la búsqueda que les atañe y nos invitan a participar:

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“Siempre tendrán lugar en la familia EL DUO

Originally posted 2013-11-06 16:20:01. Republished by Blog Post Promoter

Collage se escribe con Diéresis En la Efe

Pese a que la técnica del collage surgió a inicios de 1900, y pese a la complicada situación sobre quién fue su inventor —si el talentoso Picasso o el innovador y sencillo George Braque— es claro que la conjunción o mezcla, derivada de recortes y pegotes, sobre un lienzo cualquiera es una característica mucho más aplicable para los últimos años del recientemente fallecido siglo XX y los futuristas años del siglo XXI.

 Hoy todo tiene un mix, una mezcla. El collage cumple una función más que estética al ser vía de re-creación. Re-creación, repito. En un mundo donde no hay nada nuevo bajo el sol, donde ya todo se ha inventado – incluso los nuevos alcances tecnológicos lo hemos leído, visto, soñado en algún filme de Godard, página de Huxley o Wells, o en algún capitulo de los Supersónicos- la forma y el reciclaje en el arte salen a flote como un lindo puerto prometedor, un puerto que para algunos es una forma de vida.

Mademoiselle K

 A Frappa, también conocido como Diéresis En la Efe, no le importa mi entrada anterior. Él adivinó al collage sin tanto antecedente:

 “Hace ya muchos años conocí a una chica de nombre Ophelili, con ella formaría un colectivo que nunca se concretó […] Inicié con el collage poco después de que la conocí. En ese entonces no tenía ni puta idea de lo que quería hacer para pasar (aprovechar) el tiempo. Andaba leyendo acerca del DADA y la técnica del collage de Marx Ernst (recuerdo mucho que ella gustaba de pronunciar varias veces “Max Ernst, Max Ernst, Max Ernst…”).

 Se acercaba el cumpleaños de la susodicha y decidí obsequiarle algo. Obtuve de un camarada un libro de pinturas de Salvador Dalí, y pues que le doy en su madre. Fue la primera vez que le pasaba tijera a un libro. Desde ese momento descubrí mi obsesión por la tijera y todo lo que me provoca. Ese fue mi primer frappa“.

Primer tijeretismo (Realizada enteramente por objetos de otras pinturas de S. D.)

 Desde que lo recuerdo, Frappa es un bohemio apasionado que no rebasa los treinta años, amante de las mujeres, de los vinos, atacante de las injusticias, que debió haber nacido en Francia —sí adivinaste— durante los primeros años de los 1900, y más exactamente en Cuaxies al sur de la mente de Alfred Jarry, quizá en alguna barricada, a la hora pico de un verano lleno de desnudos donde mujeres y cerveza le bautizaran:

 “Fräppa surge de hojear un diccionario en francés. Nos agradó la palabra frappant, significa impresionante. Le quitamos el “nt” para que quedara en Frappa y las diéresis en la primera a (no estoy seguro) pero creo que fue por la palabra alemana fräulein (señorita). Aún no cierro ese círculo con ella; sin embargo, siempre la tendré presente pues fue la detonante de lo que haré hasta el día en que muera”.

 sin titulo (2)¿Por ella eres artista?

 “Por ella no soy “artista“. No es que deteste esa palabra o lo que signifique, pero prefiero “tijeretista“. Más bien por ella es que descubrí que existe algo en la vida con lo que no me aburro fácilmente”.

 Dije: ¡Salud! ¿Qué más podría decir?: no estábamos en un bar, ni siquiera en el mismo sitio, la charla era por Facebook, y según los “manuales de cómo hacer una entrevista” estaba desviándome sobremanera del tema, pero nada de eso importa cuando te contestan de vuelta de la misma forma.

 Sin más, no quise demorar la charla sobre su trabajo, que en lo personal, le considero de los pocos artistas —lo siento, camarada— genuinos, de aquellos que se han resignado sólo a eso que les produce un dicha enorme y lo único que notas en sus obras es el mismo esmero, sentimiento que crece y mejora, que busca su confirmación:

 “Cada composición habla de lo que vivo, no puedo deslindar mi vida de lo que producen mis manos. Es una forma de escupir lo que me pasa, tanto lo grato como lo desafortunado. Siempre he mirado y me da rabia lo que pasa alrededor (tanta violencia, tanta gente de mierda). Por ello me encerraba en mí, aunque últimamente estoy saliendo del ensimismamiento… quiero y necesito mostrar la visión de lo cotidiano, para de alguna forma hacer eco”.

3 de 5 manifestantes pal fanzine collagero con Gráfica Santiamén

 Sus creaciones tienen cierto aire renacentista. Y no sólo porque literalmente profana libros de este tipo de arte, sino por la semejanza que también se tenía en aquella época, de retratar lo invisible, llegar al punto máximo de una realidad pictórica, para descubrir que no todo lo que se ve es real, ni todo lo que falta no existe. Esos retratos desfigurados, ultrajados; cristos desmembrados, mujeres desnudas… eso, es él:

 “Me encanta la mutilación y fragmentar rostros, retirar máscaras, hurgar los adentros, picar las entrañas. Con la figura de cristo… mis conflictos con la existencia humana. El fragmentar para recomponer es mi forma de inventar mi propio mundo, quizá utópico pero uno donde me siento (no a gusto) sólo menos vulnerable.

 Tanto la pintura gótica como renacentista me encanta; los temas religiosos (los cristos con rostros llenos de sufrimiento, el desgaste de los frescos aterrizados en los libros) y el placer se incrementa al tijeretear directamente el libro. No me agrada el papel de las revistas, además de que encuentro sumo interés en profanar un libro. Algunos dicen que es falta de respeto, ¡Pero venga!, de que terminen siendo roídos por un ratón o que pasen por el fuego, mejor los convierto en composiciones frägmentarias que después puedan pasar por el fuego”.

 Entonces ¿Qué es para ti el collage? Pregunta obligada, según las reglas del buen entrevistador, pero quise hacerlo rápido pues se le estaba soltando la lengua y eso debe aprovecharse:

 “La tijera sobre el papel, los sonidos que se producen en tal acto, esa violencia sutil… es una necesidad. Tanto que me encabrona cuando me dicen que me busque un trabajo. ¡Ese es mi trabajo! Me entra mucha ansiedad cuando no tengo material que recortar y me entra aún más ansiedad porque el recortar elimina mi ansiedad por el trago…”

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 Antoine Fräppa Dubois es humano, y como tal sufre de algún punto débil, alguna manía, alguna fobia, algún trance irreparable, algún miedo infinito… las debilidades nos definen, quizás más que los aciertos, y quizás no por la perspectiva mundana y fatalista, más bien por ser éstas las marcas que una vez superadas, nada podrá detenernos:

 “Encaje o no, no dejaré de hacer lo que hago y como lo hago. Siempre a mi manera, sólo que ahora utilizando más el coco y bajando un poco el trabajar desde las entrañas. Encontrar el mentado equilibrio. Siento que es momento de dar un gran tajo, darle al collage con las dimensiones que tienen los murales que últimamente hay tantos y por doquier. Sí, sí…. mucha pintura en los muros.

 Hace falta más papel en las calles, composiciones del tamaño de un elefante. Aunque quizá me esté yendo algo bien con lo que hago, pero debo esforzarme más para ver lograr ver a mi crío Mateo. Es un decir que me va bien pues no recibo algún ingreso monetario. Los dineros los gano de donde salgan… vendiendo botellas de cerveza, armando mudanzas, etc”.

 Mateo es su hijo, al cuál no ve desde hace medio año.

Nuevo $TCKR La octava maravilla Durante mucho tiempo, ha vagado por muchos grupos, intentado unir fuerzas y conseguir espacios. Hoy es Mexicollage el colectivo donde ha encontrado un espacio propicio para desarrollarse: Es un desmadre para mí trabajar con otras personas, aunque ahora integro uno que se llama Mexicollage… y sí, en tal colectivo todos le dan con la tijera.

 Siempre he dicho que la calaña y la camada importan. También me enteré por un post en la futura red social, próxima gobernante y dueña de un país al sur de África – Dios, perdona a los inocentes— sobre el taller que impartió en el Ovnibus Roma, los pasados 5 y 6 de noviembre de este año, y por supuesto le pregunté sobre la experiencia:

 “Me encantó, es una buena forma de retroalimentación además de que una buena manera de evolucionar la obra es compartiendo (ofreciendo) lo que ya se sabe, no ser celoso de los conocimientos, mañas o atajos que se han adquirido”.

Galería en el Ovnibus

 Los talleres fueron el festejo por su cuarta exposición individual en este bien logrado recinto que alberga siempre la otra mirada citadina, de menos reflectores pero mucha labia.

 Al husmear por su perfil en las redes sociales, encontré fotos en donde encontramos al artista – sí, así le considero- completamente en desnudo. Por no quedarme con la duda, le pregunté si aquello era parte de hurgar, de picar lo más hondo de las personas, si era parte de su obra, una extensión: “No lo es, simplemente me encanta estar en pelotas”.

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 Diéresis En la Efe es un tijeretista justo en medio de la vieja escuela de Max Ernst, respecto a la forma de encontrar el verdadero fin del collage, que es, según las palabras de Frappa, la unificación de los elementos integrados; el equilibrio y relieve de una chica que se hace llamar HANDIEDAN y el parentesco con James Kerr “Scorpion Dagger” del cual adora sus gifs hilarantes, además de que también utiliza personajes y elementos pictóricos similares a los que use él.

 Sus trabajos han participado para ser portada de revistas importantes como El Fanzine y PICNIC, recibiendo reconocimiento y alcanzando los primeros lugares, además de tener varias notas en la web que hablan de su arte. Este año, El Gráfico, prensa nacional de muy baja calidad —hay que decirlo, siempre— le ha mirado y dedicado un espacio en sus páginas.

 Como lo dije al inicio, el collage me parece algo tan genuino que en ocasiones no concibo ya la forma original, ya no hay una línea entre el antes y el después, y esa imagen, pintura u objeto existen ya sólo de esa manera, fueron para ser profanados. De cualquier modo de encontrar alguna distinción, él diría: “No lo sé, de existir esa línea habrá que cortarla con tijera y re estructurarla”.

Más papel en la ciudad, más collage monumental, más frappas vendidos… tras tras tras c’est tout!

Cartel realizado con recortes de El Fa_____ne

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Originally posted 2014-11-14 12:16:47. Republished by Blog Post Promoter

Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

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Música diferente: The Arcane Hate

Tal vez, solo tal vez cada persona está encasillada en un tipo de música, no porque se niegue a escuchar cosas nuevas sino simple y sencillamente es el género con el que más se siente identificado, pero ¿por qué no probar música diferente?

Gustavo MaldonadoEl pasado 12 de Julio del presente año, la banda queretana The Arcane Hate, conformada por Mauricio Villalón en la batería, Gustavo Maldonado en la voz, Pedro Hernández en la guitarra y Edgar Torres en el bajo, decidieron emprender el “Verano 666 tour” nombre que recibió la gira que realizaron junto con las bandas Here Comes The Kraken, originaria de Aguascalientes; Smash Box de Morelia y The Greatness Design de Pachuca.

Dicha gira tuvo una duración de aproximadamente dos semanas, en donde visitaron lugares como Veracruz, Villahermosa, Campeche, Mérida, Cancún, Orizaba y Querétaro.

La agrupación queretana se integró al tour antes mencionado por la invitación que les hicieron los chicos de Here Comes The Kraken, ya que estaban buscando bandas nuevas con el objetivo de darles la oportunidad para que los conozcan en nuevos lugares, darles difusión y que de alguna manera todo esto sirva como un parteaguas en su carrera musical.

La banda como anteriormente mencionamos toca música diferente a la que estamos acostumbrados, ellos mismos lo definen como metal moderno ya que contiene raíces de metalcore, nu metal e indices djent.

Mauricio Villalón asegura que en las diversas ciudades en las que estuvieron recibieron una enorme aceptación por parte del público, sin embargo nos dice que tal vez Cancún fue el mejor sitio debido a que bastaron minutos para que la gente se aventurara a escuchar su música, apoyar y animar, “fue como si ya nos conocieran”.

De la misma manera nos comenta que aprendió infinidad de cosas, entre las más importantes conocer gente talentosa con verdaderas aspiraciones de sobresalir, además de que estar en una banda implica muchos compromisos y responsabilidades, sin olvidar que se le debe dedicar mucho tiempo.

“La gira que acabamos de terminar me motiva a seguir en esto, toda mi vida había tocado en Querétaro pero en este 2013 he tenido la gran oportunidad de poder ir a tocar a más de 10 ciudades diferentes, algo que The Arcane Hatehasta hace algunos años no había podido hacer, por lo que quedará marcado como uno de mis mejores años en mi corta carrera, me doy cuenta de que tengo motivaciones para seguir adelante y el siguiente paso que quiero lograr es Europa.”

En Chulavista Art House A.C. nos enorgullece darnos cuenta de que aún hay personas que luchan por alcanzar sus más preciadas metas, y nos da aún más gusto saber que sigue existiendo gente que en lugar de poner barreras ayudan a los demás a salir adelante. Así que los invitamos a poner nuestro granito de arena para que el maravilloso mundo de la música diferente cada vez sea más grande.

Originally posted 2013-08-05 16:12:35. Republished by Blog Post Promoter

Pintando sueños

Francisco, un joven de 26 años dedicado al tatuaje nos cuenta que inició en esta profesión debido a que desde que era pequeño, para ser exactos, desde que cursaba la primaria le llamaba mucho la atención el dibujo, incluso recuerda que él y un amigo suyo les pintaban los brazos a varios compañeros de su salón, además de hacer dibujos de Dragon Ball para venderlos a sus amigos y conocidos, también recuerda que a diferencia de los demás, él prefería dibujar, crear y generar cosas nuevas antes que practicar un deporte o andar correteando a las niñas “pienso que todos de niños siempre dibujamos, no creo que sea algo nato simplemente mejoras cuando encuentras un interés, un motivo, una razón o intención de plasmar algo que sientes, piensas o quieres expresar, en lo particular yo lo comencé a hacer mucho más en forma hace aproximadamente cinco años cuando empecé a tatuarme y al hacerlo me di cuenta de toda la iconografía que hay detrás de este mundo.”

También nos comenta que lo que más le gusta de la pintura es la libertad que existe no sólo de estilos o técnicas, sino que al dejar de querer crear algo nuevo y ser totalmente innovador, las cosas fluyen naturalmente.

Tanto el tatuaje como el dibujo y la pintura están en constante evolución por lo cual siempre hay cosas que aprender, y esto se logra viendo nuevas obras e ideas de personas a las que admiramos.

Nos asegura que todo esto lo considera como un hobbie debido a que nunca ha tenido estudios en específico acerca de la pintura, únicamente ha tomado pequeños cursos y seguido consejos de personas que se dedican a ello, pero si tuviera la oportunidad de nombrarlo pasión por el simple hecho de amar lo que hace, así sería.

Al preguntarle si cree que transmite algún mensaje a la gente a través de la pintura nos respondió lo siguiente: “la verdad es que nunca me cuestiono si transmito algo a la gente con lo que pinto, al menos no un mensaje, ni tengo una intención específica hasta ahora, claro que me encanta la idea de que a la gente le agrade lo que hago, pero mi objetivo principal siempre es pintar algo que me guste, algo que yo vería y pudiera apreciar con mi estilo y mis gustos, si lo que pinto cumple con ese cometido todo lo demás es extra.”

También nos menciona que su artista favorito es Alphonse Mucha, porque todo su trabajo en general le parece impresionante desde la posición de elementos, composición e iconografía que maneja, todo esto lo inspira a plasmar nuevas ideas.

Por último nos cuenta que su principal meta es seguir haciendo lo que hace y día a día mejorar en todos los aspectos, tratar de sobresalir sin hacer menos a los demás, sino luchar por no estancarse.

Francisco Javier Nieto Tovar, un claro ejemplo de que los sueños de la niñez perseveran, crecen y se hacen realidad.

Originally posted 2013-08-07 18:33:44. Republished by Blog Post Promoter

Telefunka: el invento de evitar la ausencia

Telefunka, la banda originaria de Guadalajara que conforman Giancarlo FragosoAldo Fragoso y John Zohlo, esta de regreso. Pero no un regreso relacionado con una previa desaparición, sino un regreso relacionado con una reinvención. Porque el trio, que desde el año 2002 esta activo,  jamas se alejó de los escenarios; continuaban otorgando presentaciones, dando paso a proyectos alternos de cada integrante y trabajando a paso lento pero concreto lo que será un nuevo material a estrenarse en el mes de octubre.

 Con motivo de la salida del vídeo  “El Invento de Volar Hacia Atrás”, primer sencillo de su nuevo disco, platicamos con Giancarlo.

Telefunka reinventando hasta sus atuendos
Telefunka (John, Giancarlo y Aldo)

De su disco “Invisible 2011” a la fecha ¿Qué estuvieron  haciendo? Tengo entendido no se ausentaron de los escenarios…

G: Hicimos afortunadamente muchos eventos privados, además de que tenemos proyectos alternos. Montamos también un estudio de grabación y otro de foto. Hicimos algunas cosas públicas en DF y algunos festivales en México.

El Invento De Volar Hacia Atrás ¿Cuál es el sentido del titulo?

G: Nos gusta mucho la lírica metafórica que lleva a interpretaciones personales y esta canción es uno de          esos casos, aunque definitivamente aborda un  tanto la nostalgia por la infancia.

En cuanto al vídeo ¿Qué buscaron reflejar con él?            

G: Es un clip muy desenfadado que se preocupa más por la estética que por contar una historia; considero que es un tanto descriptivo de la lírica.

¿Cómo ha sido la respuesta de público y medios al vídeo?

G: Aunque no ha sido masiva, los comentarios hasta ahora han sido muy positivos.

En cuanto a su nuevo disco ya en puerta, ¿Cómo llegaron a las filas de Sicario para su próximo lanzamiento?

G: ¡De la mejor manera, por compatibilidad! Habíamos coincidido tiempo atrás con The Wookies en
un festival y de ahí se dio el link, muy natural.

Veo que tienen varios invitados en el nuevo disco, así que me interesa saber cómo fue que
conocieron, invitaron y trabajaron con:

a) Daniel Melero

G: Nos cruzamos en Guadalajara en la FIM, platicamos con él y, gracias a nuestra relación
con Babasónicos y Gus Cerati, sabía de nosotros. Es un músico muy escuchado y admirado por nosotros y le externamos nuestra inquietud por  colaborar, lo que aceptó inmediatamente.

b) Polo Morett

G: Polo es un amigo de hace mucho tiempo. Con él tengo un proyecto de música popular
fusionada con música electrónica que se llama La Calor. Ya había participado con
Telefunka en vivo y ahora quisimos meterlo a grabar un tema con batería en el estudio.

c) Los Genaro Palacios (Bad boy blues)

G: Genaro papá es un referente en la música tapatía, aprendimos mucho de él. El tema al
que lo invitamos es un tanto un tributo a él. Su hijo, Genaro Palacios Jr. Lo acompañó al
estudio y se dio de manera natural incluirlo.

Telefunka con los Genaro (padre e hijo)
Telefunka con los Genaro Palacios (hijo y padre)

¿Tienen fecha tentativa para el estreno del disco? ¿Cuántos temas planean incluir en el mismo?

G: Finales de octubre es la fecha probable para el lanzamiento. Constará de 10 a 12 temas.

Supongo habrá un evento para su presentación en el DF, ¿cierto? ¿Algún otro detalle que se
pueda revelar de su salida?

G: Seguro lo presentaremos en DF. No tenemos datos concretos aún pero si puedo adelantar que
incluiremos una pequeña orquesta de cámara, recurso del cual echamos mano por primera vez en
estudio.

¿Con quién están trabajando el arte del mismo?

G: Como todo lo que hemos editado de Telefunka, el arte es de Aldo, integrante de la
banda.

¿Qué otros planes tienen? ¿Puede sonar prematuro pero podría venir otro vídeo?

G: Es muy difícil hacer un plan conciso en la escena independiente, queremos llevar el disco lo más
lejos posible. Creo al menos un par de vídeos más sí acompañarán a este disco.

Redes sociales de la banda:

Facebook 

Sitio web 

Originally posted 2014-09-26 09:00:53. Republished by Blog Post Promoter

Septiembre ¿Amor a la Patria?

Mucha es la difusión que se le da al mes de Septiembre, demasiado sonadas son las tradicionales “Noches Mexicanas” con motivo de la celebración de la Independencia de México, felices son los ciudadanos porque ya sea en el trabajo o en la escuela les otorgan el día libre; múltiples vendedores en cada esquina de la ciudad con miles de banderas, moños, rebozos, bigotes y demás objetos representativos de dicha fiesta, diversos y múltiples adornos decorando el Centro Histórico de la ciudad, además de oficinas, escuelas y plazas, pero todo esto ¿Realmente lo podríamos considerar como amor a la Patria? ¿Verdaderamente nos reunimos con familia y/o amigos para festejar cientos de años de libertad? o ¿Simplemente tomamos esta fecha como uno de los múltiples pretextos que existen para hacer fiesta?

En Chulavista Art House A.C. nos dimos a la tarea de preguntar a diversas personas ¿Qué piensan acerca de la fiesta del 16 de Septiembre? ¿Realmente celebramos nuestra libertad o ¿Sólo es pretexto para hacer fiesta?

Daniel Escalante, graduado de la carrera en Administración nos cuenta “Creo que ya está muy distorsionada la costumbre, la mayoría de las personas no saben los acontecimientos, ni fechas, ni nombres de los personajes de nuestra historia, al igual que muchas otras fechas, con tal de enfiestarse, lo demás no les importa”

Diana Gutiérrez, estudiante de la carrera de Comunicación nos comenta “es pretexto, creo que la gente se ha olvidado del verdadero motivo por el cual se celebra y sólo hace festejo para beber o convivir cuando ni siquiera conoce a los héroes nacionales.”

Para finalizar los comentarios de algunos de nuestros ciudadanos Eric Gómez, Diseñador Gráfico nos dice “Aunque ya es sólo un pretexto más para hacer fiesta que realmente un recordatorio de nuestra libertad, es un día que representa mucho para nuestro país, ya que es parte de nuestra cultura y de nuestras tradiciones, es un día en donde se pueden apreciar muchos aspectos representativos de nuestro país tales como la comida, los colores verde, blanco y rojo, el grito en las famosas explanadas, los adornos.”

Es indispensable conocer tanto nuestra cultura como nuestros orígenes, y saber que ambos son parte de nuestra historia ,así como también son la razón por la cual hoy en día estamos aquí y por lo cual, es el momento indicado para desempolvar nuestros viejos libros de historia y empaparnos de nuestras propias tradiciones y  cultura.

Originally posted 2013-09-09 16:39:32. Republished by Blog Post Promoter

Jean Loup: un álter ego de sonidos energizantes – #ROUNDS

Jean Loup es un grupo originario del municipio de Naucalpan de Juárez, Estado de México, que poco a poco va destacando en la ardua y competida escena musical independiente del país. Aunque el proyecto comenzó a labrarse en el 2009 cuando Emanuel (voz y guitarra) y Nestor (coros y guitarra) se conocieron en el CCH Naucalpan y descubrieron su gusto  mutuo por algunas bandas, no fue sino hasta junio del 2012 que se juntaron con Fernanda (batería) y Alex (bajo) para iniciar formalmente su historia musical.

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 Su nombre tiene un origen bilateral: “Jean” se debe a que existen muchos Jean’s en la vida de los integrantes de la banda, como por ejemplo: Jean Paul Sartre, Jean Baudrillard, etcétera.  Y “Loup” la tomaron del Lobo gris mexicano.

 Respecto a su género musical, ellos se alejan de cualquier etiqueta establecida y prefieren definir lo que hacen como “Jean Loup, es la respuesta más acertada y la mejor manera de definir nuestro sonido”.

 El desarrollo de la banda ha sido constante, quizá no a un paso acelerado pero sí continuo. “Ahora que estamos en Factoría 360, un proyecto impulsor de la escena independiente en general, nos hemos percatado de cosas que, si no es a base de años, no conoces o te das cuenta que ahí siempre estuvieron. Es entonces cuando las corriges o les inviertes más tiempo, dependiendo la situación. Siento que la etapa actual del proyecto va a ser el comienzo de una buena cimentación y una adopción de la profesionalización, una parte sumamente importante en nuestro desarrollo para dar el siguiente paso”, cuenta Nestor sobre le situación actual del grupo.

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 Factoría 360 es una organización que imparte cursos que pretenden profesionalizar varias áreas relacionadas directamente con la música (periodismo, fotografía, management, etc.). Jean Loup fue uno de los proyectos seleccionados para trabajar en Factoria este año y actualmente Chavo, integrante de Austin TV, es quien supervisa y produce sus ensayos. “Es una gran músico y sobre todo una gran persona; nos ha mostrado otra manera de hacer y ver la música, ya sea cambiando el proceso en que componemos o haciendo comentarios de cosas que ignoramos o sabemos están ahí. Uno agradece trabajar de esta manera porque cada sesión/ensayo que tenemos con él aprendemos algo. Quizá al principio imaginamos a artistas como él con ciertas actitudes que a uno decepcionarían, pero es todo lo contrario, es muy accesible”, señala el guitarrista y corista de la banda.

 Otro de los logros recientes del grupo fue poder ser parte de las sesiones #ROUNDS  que realizo el sitio WMP en los Estudios Sony: “Afortunadamente nos llegó la invitación y la posibilidad de participar en esas  super sesiones. Y digo super porque no era una sencilla presentación en el cuarto o estudio de algún amigo. ¡Eran los Estudios Sony, el personal de Sony, el equipo más apto y profesional por haber! ¡Era tener una sesión a la par de bandas como Kashmir o La Banda Bastón! Y a todo esto, un espléndido escenario. Las sesiones se caracterizaron por ser grabadas en cintas magnéticas de 16 minutos, así como se hacía en antaño. Entonces no había margen de error, esto te obligaba a hacerlo perfecto a la primera toma o errar y que así se quedará para la posteridad. Fue una mezcla de impresión, nervios, y emoción estar ahí grabando y ser entrevistados por Uriel Waizel”.

 Lo inmediato para Jean Loup es su presentación en el Festival Vive Alterno Cervantino (12 de Octubre). También tienen pensado estrenar y presentar a manera de showcase el vídeo de “Voyeur”, que sería su primero vídeo oficial. A la par, y como se mencionó anteriormente, están  grabando algunos temas con Chavo con la idea de presentarlos en noviembre, que es cuando culmina el proyecto Factoría.

Redes sociales de la banda:

Facebook

Soundcloud

Originally posted 2014-09-11 10:13:42. Republished by Blog Post Promoter

El mundo de Mr. Girl

La imaginación está hecha de convenciones de la memoria. Si yo no tuviera memoria no podría imaginar.”

Jorge Luis Borges

Si pudiéramos traducir en imágenes el proceso de sinápsis entre las neuronas de una persona, quizá entenderíamos cómo surgen las ideas que lo motivan, lo definen como ente estático que existe, donde convergen el mismo tiempo y el espacio de aquellos con un desarrollo cognitivo afín. Si pudiéramos traducir la complejidad de la mente en una secuencia de video entre varias personas con un pasado en común, veríamos elementos similares en la escenografía, el soundtrack e incluso los personajes. Puede ser que aquellas personas hayan crecido en diferentes escenarios, pero con un mismo contexto. ¿Son acaso estas ideas, imágenes, videos, los que crean amistades, agrupaciones, proyectos exitosos?

mr girl

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Mr. Girl

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 Para Mr. Girl, la creatividad es un factor importante; traducir aquel proceso mental en una historia de enajenación en la creación de su propia música, habla de su trabajo imaginativo: fluye.

mr girl

Igual de creativos son los personajes que habitan el mundo de esta banda, Ramis, tecladista y con la segunda voz, nos explica ¿por qué se llaman Mr. Girl?

¨Mr. Girl es una chica de 16 años que nació con un bigote muy refinado… es abandonada por sus padres (que la consideran un monstruo) a la entrada del bosque y adoptada por Dr. Gradus, que la cría como su hija y además la entrena como ayudante en su fábrica, la Dr. Gradus’s Brain Farm.

Dr. Gradus es un hombre ermitaño que se crío en un manicomio, tiene una visión lunática sobre la vida. En la Dr. Gradus´s Brain Farm se dedica a fabricar todas las cosas que los locos de su infancia le contaron que existían. Solía guardar sus memorias: películas viejas, LP’s, invenciones curiosas, libros, etc. a través de las cuales Mr. Girl “onoce a la humanidad, pero es un conocimiento sesgado y tergiversado por la fantasía y la ficción. Así es como decide acercarse a la humanidad a través de su música y construye su propia banda en la fábrica de su padre para que lleven su mensaje al mundo… Y pues, somos nosotros.¨

 En un principio, jamás creyeron el giro que tomaría la banda. Esta historia comenzó con música, notas en una partitura sin músicos que lo toquen.

“Aunque luego la banda se formó tan chido que empezamos a componer cosas nuevas y a pensar en Mr. Girl…para consolidarnos como un proyecto original”

 Con año y medio consolidados Rafa, Ramis, Pale, Sebas y Beto son los actuales integrantes de la banda en la voz, teclado, guitarra, bajo y batería respectivamente. Han tocado en club 88, Faith & Wiskey, Wild Iron Horso, el Tantra Fest y compartido escenario con Descartes a Kany y Bengala.

Actualmente están dando a conocer su primer EP:

El hilo conductor es más bien el tema de la libertad… tanto libertad de ser diferente (Buenas Costumbres, Ermitamental, The Real People), como libertad de tu pasado (Its ´There) y libertad de alguien más (Demons at Bay es una especie de exorcismo). Chécalo aquí

Fotografía a cargo de MelvinDeJesus

Originally posted 2014-05-16 00:15:02. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo 3N Radio,una plataforma de diversidad

Desde su aparición, la radio se ha desarrollado como una de las plataformas de comunicación más importantes de todos los tiempos. En la actualidad y gracias a la tecnología, cada día más personas interesadas en trasmitir su punto de vista, gustos y demás  pueden hacerlo por medio del internet.

 Las radios independientes son actores clave en la difusión de proyectos culturales emergentes de su contexto, tal es caso del 3N Radio, un colectivo originario de Azcapotzalco, que desde el 2011 se encarga de compartir música, arte y diversión con sus radioescuchas.

 El proyecto comenzó cuando un par de amigos se reunieron como de costumbre. Sin embargo, después de una plática amena surgió el tema de crear una radio por internet, con el afán de compartir su visión del mundo y, a su vez, conocer lo que opinan los demás sobre los temas del diario vivir; y la idea evolucionó hasta convertirse en una realidad. Actualmente, la misión de esta emisora es difundir y promover todas aquellas expresiones humanas, abstractas y concretas, así como los lugares o espacios aptos para desarrollar dichas manifestaciones.

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Luis, David, Lucero, Erick, Alejandra y Pablo, parte del equipo de 3N Radio

 A través de una programación constante, David, Lucero, Luis, Pablo,Erick y Alejandra se dan a la tarea de proporcionar un rato agradable con contenido diverso. Ellos mismos se definen como una estación incluyente, ya que parte de la música que se programa es por petición de la gente, por lo que se puede escuchar desde cumbia, salsa y merengue, hasta metal, jazz y folk pasando por el blues y rock. Además de incluir temas comerciales, también se cuenta con material independiente de todos los artistas  que se acercan para tener difusión de sus proyectos.

 Asimismo, 3N Radio promueve las actividades culturales de la delegación y realizan coberturas especiales de eventos como el Azcarockzalco, concurso de la región en donde participan más de 70 propuestas musicales emergentes.

Azcarockzalco
Más de 70 bandas participaron en la 2da. edición de Azcarockzalco 2014

 En el afán de compartir con más personas el gusto y la pasión por la radiodifusión, el colectivo realizará un taller de radio por internet en el cual, a través de 4 sesiones (todos los sábados del mes de noviembre) se capacitará a los interesados a trabajar sus proyectos. Estas sesiones se llevarán acabo en la galería “El Tintanísmo.

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3N Radio te invita a su taller.

 Finalmente, el colectivo 3N Radio extiende la invitación a otros colectivos,artistas y demás a colaborar con ellos:

“Estamos en constante desarrollo y evolución y  si tienen el gusto o el interés de dar a conocer algún conocimiento o simplemente quieren decir algo, se pueden acercar a nosotros y con gusto les haremos un espacio dentro de nuestra programación”

 Escucha esta propuesta radiofónica a través www.3nradio.com. Para estar al tanto de su programación y actividades,no dejes de seguirlos a través de Facebook y Twitter.

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Vive la experiencia #Ensayódromo Universidad

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¿No tienes dónde ensayar?

En Ensayódromo encontrarás un lugar profesional construido por expertos en acústica y diseño. Instrumentos musicales, backline, todo acondicionado para que te desarrolles musicalmente como solista o con tu banda.

 ¡No solamente una sala de ensayo!

 Ensayódromo ofrece a los músicos la posibilidad de ser vistos y escuchados en tiempo real, si así lo desean, por el público en general mediante un innovador “sistema de aparador” que permite al transeúnte observar y deleitar sus oídos con lo que está sucediendo dentro. Además, si el músico lo desea, se podrá transmitir vía streaming toda su sesión.

 ¡Se parte del movimiento!

 El primer Ensayódromo se encuentra en dentro del Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

 Es muy sencillo ser parte de la comunidad Ensayódromo, solamente sigue los siguientes pasos:

  1. Regístrate
  2. Reserva
  3. ¡A tocar se ha dicho!

¿Cómo reservar?

 La reservación la puedes realizar directamente en el Ensayódromo, a través de internet en ensayodromo.chulavista.mx a partir del 3 de junio o comunicándote a nuestro Centro de Atención Telefónica al número 36039228 en un horario de 8:30am a 6:00 pm.

 Recuerda que el tiempo máximo de uso es de 2 horas por banda y/o solista, en un horario de lunes a sábado de 8:30 am a 10:30 pm y, en caso de que la demanda de espacio sea elevada, se extenderá a los domingo de 10:30 a 21:30

 ¿Qué debo llevar al Ensayódromo?

 Instrumentos personales como guitarra, bajo, cables de plug a plug, peladeras, platillos, tarola, baquetas, pedal para bombo, plumillas y tahali.

 De cualquier forma, si no tienes los instrumentos o por alguno razón no pudiste llevarlos ¡no te preocupes! Podrás rentarlos a precios accesibles en el espacio.

 La utilización de la sala de ensayo tendrá una cuota de recuperación de $150.00 pesos por hora. Incluye:

  • Grabación de sesión de ensayo ( se entregará en memoria usb de minimo 8 gb, por tracks o mezclados en un solo archivo)
  • Microfonía
  • Backline (Amplifiadores, dos de guitarra, uno de bajo y P.A)

 También puedes rentar instrumentos por sesión:

  • Bajo, guitarra, contratiempos, crash y ride: $50.00
  • Cable de instrumento: $25
  • Grabación de demo $500

 Tu cuota de recuperación la podrás realizar a través de PayPal ( a partir del 3 de junio) o por depósito bancario a la cuenta 0209831337  Suc. 249 de Banorte , a nombre de Chulavista Art House A.C. o en las oficinas Telecomm y Tiendas de conveniencia, 7-Eleven, Tiendas Del Sol y Woolworth, Exito y Soriana con la misma cuenta. Con tu comprobante de pago, podrás hacer uso de las instalaciones.

 No esperes más, reserva desde el día de hoy al 36039228 de 8:30 am a 6:00 pm y se de los primeros en vivir la experiencia #Ensayódromo.

 Y si todavía tienes dudas, no te puedes perder la gran inauguración del espacio este sábado 31 de mayo a las 3:00 pm a través de un streaming que podrás disfrutar por el canal de You Tube de nuestros amigos de Concierto Cable.  Tendremos entrevistas y la música de Triciclo Circus Band, Lundem, O Tortuga, Jean Loup y más.

 Y  no debes olvidar que a partir del  8 de junio, tus Domingos ya no serán los mismos de siempre, ya que tendremos conciertos en vivo de las bandas que suenan en el Ensayódromo, así como de otras propuestas musicales que debes escuchar. También lo podrás disfrutar vía streaming.

 Esto es solo el comienzo del movimiento #Ensayódromo.

 Estamos listos, y a ti ¿qué te falta?

Alimenta a un perro y disfruta del Festival Aliment-arte

 

¿Te gustan los perros?

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La casa de los 100 perros te invita a apoyar a los cachorros abandonados que están a su cuidado. Una iniciativa traducida en el Festival Aliment-ARTE:

Un evento sin fines de lucro organizado por artistas escénicos de distintas disciplinas.

 Más de 15 grupos artísticos reunidos con un solo fin, convoc-arte a traer alimento para La Casa de los 100 Perros.  

 En entrevista con los organizadores del evento, Benjamín nos explica, ¿qué es este lugar?

 Ésta casa pertenece a la  Sra. Silvia García Álvarez quién  se ha dado a la tarea de rescatar, cuidar, proteger a una serie de perros, algunos de ellos se han dado en adopción y otros por sus condiciones permanecen en la casa.

 ¿Cuáles son los problemas a los que se enfrentan?

 Muchas veces no tiene los recursos suficientes para solventar todos los gastos que esto implica…por ello y como una contribución social  surge esta idea del festival.

 ¿Qué habrá en el festival?

Diferentes artistas donarán su tiempo y talento para completar esta experiencia: teatro, malabares, pinturas, contaremos con la presencia de bandas como Chalet Caflugui y Olimpo…Y queremos que más allá de ver un acto escénico, nos unamos para apoyar esta noble labor y dar de comer  a estos perros con las donaciones en alimento que se solicitará a cambio de la entrada para alguno de los días del Festival que serán 23 24 y 25 de mayo en el Teatro del pueblo ubicado en República de Venezuela 72 Col. Centro.

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Ellos organizan el evento: Beto López, Gustavo Rodríguez, Aarón López, Benjamín Cardoso

“Bienvenidos todos y todas al  Festival Aliment – ARTE para La Casa de los 100 Perros”

 Recuerda, el donativo es alimento para perro y/o artículos para su limpieza y cuidado.

Programa:

Viernes 23

  • 4:00 Teatro Infantil “El extraño caso de Caperucita”
  • 5:00 Inauguración de exposición plástica y el Ensamble “Tritum” Música Orquestal.
  • 6:00 Colectivo Oso de Agua con  “Mandalam”
  • 7:00 Pino

Sábado 24 de Mayo

  • 4:00 Anibal Ensamble, Sensodanza Terapia AC con “Ser crisálida” y Tigre de Java
  • 5:30 Coro Kaleidos
  • 6:30 Corpus Danza Contemporánea con “Las Novias” y “Bajo la Lluvia” ensamble “Piel D Tango” y Tributo a Michael Jakson
  • 7:00 al cierre una batalla musical entre “Gato pardo”, “Chalét caflugui” y Banda de Reggae, tocando sus rolas e improvisando, invitando a  todos a  bailar.

Domingo 25 de Mayo

  • 12:00 recepción de contingente de ciclistas BikeRadio Mxcon actividades como teatro y malabar
  • 2:00 Katatonicks
  • 2:30 Corpus Danza Contemporánea con “Las Novias” y “Bajo la Lluvia” ensamble “Piel D Tango”
  • 3:15 Olimpo
  • 4:00 Comunidad Arte Suré y Tlapaco-jazz Latin-jazz
  • 6:00 Luna Roja Danza contemporánea
  • 7:00 Vibra Muchá Reggae

 

 

Detalles del proyecto TRANSLOCAL en México: FAS trío y Fossile 3

TRANSLOCALES…dos tríos, dos países, un gusto en común: Free Jazz

TRANSLOCAL en el Lunario
TRANSLOCAL en el Lunario

El Lunario fue arreglado para la ocasión. Comodidad y elegancia es lo que reflejan las líneas de mesas negras dispuestas perfectamente para disfrutar de una velada disonante. La gente ansiosa por ver comenzar el evento, toma asiento y enfoca la mira en busca de movimiento en el escenario. Dos pantallas proyectadas con el logo del Goethe Institut se alzan a los extremos del foro: FAS Trío y Fossile 3.

FAS trío en el Lunario
FAS trío en el Lunario

FAS Trío son los primeros en aparecer. Como buenos anfitriones les toca abrir el concierto así como lo hizo Fossile 3 en su momento. Luego de darnos una cálida bienvenida al primero de los conciertos programados para México de su gira Translocal, se ponen cómodos y dejan que su freestyle nos llene de ambiente.

Jorge Fernández. Baterista de FAS trío
Jorge Fernández. Baterista de FAS trío

Para la tercera pieza, Jorge Fernandez nos mostró un poco de su magia con un sólo de batería, al fin del cual emergieron cautelosos los característicos sonidos del FAS trío.  David Sanchez golpeaba levemente el puente del contrabajo con el arco mientras Remi Álvarez dejaba escapar aire susurrante a través de las clavijas de su metálico instrumento. Las armonías volátiles fueron in crescendo hasta llegar a un completo estado de ¡frenesí! Poco  a poco muere su desvarío musical dejando de ello tan sólo un recuerdo menguado por el tiempo, único impedimento de la improvisación libre.

Fossile 3 en el Lunario
Fossile 3 en el Lunario

Fossile 3 de sube al escenario. De estructura cadenciosa, nos llevan de la mano por una experiencia sonora cuyos orígenes son innegables. El suspenso es inevitable una vez que alcanzan el clímax y contra cualquier deseo de seguir escuchando la pieza acaba de manera abrupta inundando el lunario con los remanentes de su último golpe armónico. No sólo acostumbran tocar piezas cortas por el hecho de poder tocar más, sino disfrutan generar esa “pica” en el auditorio, esas ganas de pedirles otra.

Sin deja el humor a un lado Sebastian Gramss nos introducen a la siguiente canción:

-You know Donald Duck?

¿Conocen al Pato Donald?

-¡Yeah!

Contesta el público siguiendo la lógica del idioma, y luego despierta nuestra imaginación proyectándonos una escena con el Pato Donald en el campo: una tarde de verano, yace recostado en el pasto admirando la naturaleza, cuando de la nada llega una vaca voladora y descarga aquellas “yerbas procesadas por sus cuatro cavidades estomacales” (una torta) sobre él. El sonido podría semejarse a un “Chaff”, nombre de la pieza que tocaron a continuación.

La idea de ponerle nombres onomatopéyicos a las canciones fue idea de Sebastian Gramss quien nos explica tiene una lógica muy sencilla…”es difícil encontrarle nombre a una nueva composición”. Todas sus piezas están inspiradas en imagenes de comics: Bean, Orf, Foob… Para darnos una idea aproximada, en el disco hay un diccionario, por ejemplo:

Chaff: Fligende Kuh lässt einen Fladen fallen (Vaca voladora deja caer un pastel)

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Sebastian Gramss. Homenaje a Stefano Scodanibbio
Sebastian Gramss. Homenaje a Stefano Scodanibbio

Después del intermedio de 15 minutos, “…pero no 15 minutos mexicanos”, bromea Sebastian, suben al escenario los contrabajistas. David Sanchez nos cuenta sobre la reciente muerte de Stefano Scodanibbio (compositor de música de corte académico contemporáneo y exploración sonora, sin medios electrónicos, que decidió venir a morir a México, país constantemente visitado por él), y el homenaje que Sebastian le haría con un solo solemne de contrabajo.

Conoce a Stefano Scodanibbio, presiona aquí

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Remi Álvarez, Etienne Nillesen, Rudi Mahall
Jorge Fernández, Remi Álvarez, Etienne Nillesen, Rudi Mahall

De un momento a otro, llegó el momento más espetado de la noche. Ambos tríos arriba del escenario juntando estilos completamente diferentes. Una verdadera convivencia Translocal. En ocasiones turnándose los músicos de un conjunto con los del otro, otras tocando todos al mismo tiempo y con duetos entre las baterías y contras según el caso. Remi con el saxofón soprano y tenor, Mahall con el clarinete alto y bajo mezclaban exitósamente timbres y estilos.

Rudi Mahall. Clarinetista de Fossile 3
Rudi Mahall. Clarinetista de Fossile 3

R. Mahall admitió disfrutar aquella convivencia en el escenario pues podía descansar de vez en cuando y dejar que Remi tocara a gusto…incluso lo comparó con su experiencia en el DUET FOR ERIC DOLPHY donde tocaba con la pianista Aki Takase. Al ser un dueto, dice, no podía darse el lujo de dejar de tocar sin convertir a la pianista en solista.

Etienne Nillesen. Baterista en Fossile 3
Etienne Nillesen. Baterista en Fossile 3

Algo similar sostenía Etienne Nillesen, de origen holandés diferente a los otros integrantes alemanes, quien además de participar en 12 proyectos diferentes se ha dado a conocer como solista.

¿Qué haces cuando no se te ocurre qué más improvisar?

“Dejo de tocar. No tiene sentido forzarlo y a la gente le gusta el suspenso que eso genera.”

Hablando sobre las clases que impartieron en la ENM, dice fueron muy bien recibidos, “los alumnos realmente querían aprender”. Ocho horas continuas de clase magistral al fin del cual dieron un concierto que ambos ponentes (Nillesen y Gramss) catalogaron como una experiencia divertida y gustosa de repetir.

David Sanchez. Contrabajista de FAS trío
David Sanchez. Contrabajista de FAS trío

David Sanchez fue el organizador del evento, el de la idea inicial. Nos contaba sobre lo complicado que puede llegar a ser poner todo en orden, pero que al fin y al cabo es gratificante. Nos invita a seguirlos en este Tour TRANSLOCAL. Los detalles se publican en el FB.

Remi Álvarez. Saxofonista de FAS trío
Remi Álvarez. Saxofonista de FAS trío

Remi Álvarez nos contaba de su experiencia en Alemania: Allá los escenarios eran muy pequeños (a diferencia de los que van a tocar en México) en un formato cómodo como el ZINCO. El 28 de enero en Hofheim, y luego en Heidelberg, Marburg, Jena, Berlin y Münster, ese fue el recorrido. En general, los alemanes tenían muchas ganas de conocer a los mexicanos y varias veces hicieron notar ese entusiasmo con sus aplausos. Espera la gira en México diferente, pero cree despertar interés en los nuevos amantes del Free Jazz.

Estarán de vuelta en el DF para el EUROJAZZ 2014 el 9 de marzo. No dejes que te siga contando ¡Conócelos en vivo!

 

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Fotografía a cargo de Bryan Erick Valdés

Ska Delight, un documental sobre la escena ska a nivel mundial

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Bajo la producción, dirección, fotografía y demás detalles del polaco Krzysztof Gajewski, Ska Delight es un documental que se comenzó a filmar en 2012 y que pretende expresar la esencia de la actual escena ska a nivel mundial mediante entrevistas a cantantes y músicos de diversas bandas así como a personas que han hecho de este ritmo un estilo de vida.

Además se incluirán material audiovisual de conciertos y filmaciones de ensayos de varias bandas alrededor del mundo, desde Jamaica hasta Japón, pasando Latinoamérica, E.U.A., Europa y demás.

Este documental muestra agrupaciones clásicas como los mismos The Ska-talites -conocidos como los padres del ska- , hasta aquellas agrupaciones que en poco tiempo han logrado ganarse un lugar en el llamado ska -y sus derivaciones-, que aunque parecía una escena pequeña, en realidad es bastante amplia.

Sin más, esperemos que este 2014 por fin salga a la luz este documental, que promete ser un excelente trabajo y de muy buena calidad.

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Morrissey lanzará cover en honor a Lou Reed

El ex integrante de The Smiths ha estado ocupado durante las últimas semanas; no hace demasiado se publicó su autobiografía, que ha sido esperada desde hace ya un tiempo atrás y que (como tantas otras cosas relacionadas con Morrissey) ha causado cierta polémica al ser publicada por la editorial Penguin dentro de su sección de textos clásicos. Las razones argumentadas por la editorial son varias, siendo la principal que “no hace falta esperar a que alguien muera y pase mucho tiempo para declararle como un clásico, si su obra lo ampara desde ahora”.

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En esta ocasión, Morrissey anunció que lanzará una reversión de Satellite of Love, canción original del recien fallecido Lou Reed incluída en su segunda producción larga Transformer, de 1972. Al recibir la noticia de la muerte del ex integrante de The Velvet Underground, Morrissey -de 54 años de edad- declaró que Reed ha sido una de las mayores influencias en su música. “Ha estado allí toda mi vida, siempre estará en mi corazón. Gracias a Dios por aquellos que, como Lou, se mueven dentro de sus propias leyes, de lo contrario imagina lo aburrido que sería este mundo”.

La versión digital de Satellite of Love interpretada en vivo por Morrissey saldrá este 29 de Noviembre. Las dos ediciones físicas (viniles de 7″ y 12″) saldrán a la venta el 2 de Diciembre.

Ensamble Vocal K’ay Há…el canto del agua

“una energía palpitante….un canto de vida”

 

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K’ay Há viene del maya y significa: el canto del agua.

 

Este grupo de jóvenes amigos, en la búsqueda por el nombre perfecto, aquel que pudiera reflejar el alma del coro y su labor de difusión de la identidad mexicana, se toparon con la Cámara de Lambdoma de Ariel Guzik.

Diego Rivera
Diego Rivera

 

  “La Cámara es un instrumento impresionante que convierte la información de su entorno (viento, agua y temperatura entre otros) en sonido, es un reflejo del sonido del mundo, más específicamente, de México…Me di cuenta de que el coro desempeñaba la misma función, ser el cuerpo del arte, la voz de la vida: el canto del agua.”

 

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Mariana Catherine Magaña, directora del ensamble, nos habla del sentido de su proyecto:

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“Queremos que el arte llegue a más personas””

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 “Queremos dar a conocer la música mexicana tradicional, de concierto y contemporánea, así como música latinoamericana a los propios mexicanos, darle un impacto social. Esta necesidad surgió después de ver el documental The Promise of Music, una crónica del sistema musical de Venezuela, uno de los más grandes éxitos de los últimos años,  ya que a través de la creación de coros y orquestas rescata a los niños de las calles. El programa es una muestra de que se pueden cambiar las cosas.”

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   No sólo en La Casa del Lago, en la UNAM Campus Morelos y Campus Morelia, en la FES Aragón, la Fonoteca Nacional, la Sociedad de Autores y Compositores de México, la Escuela Nacional de Música, sino también en lugares alejados de las “grandes urbes”, presentan versiones desde Guantanamera hasta Te Quiero.

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Ensamble Vocal K ‘AY HÁ

 

Los Mavericks, de regreso al escenario

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Después de varios años de haber desaparecido de los escenarios “Los Mavericks” regresan al medio para seguir expresándose con su música.

Cuando “Los Mavericks” se separaron fue un evento inesperado. Tenían pocos meses de haber lanzado su E.P. homónimo e iban por un buen camino en el cual, cuando se presentaban en vivo, los espectadores parecían siempre satisfechos.

Hablamos con Ingrid Fuentes, la vocalista de la banda, y le hicimos unas cuantas preguntas. Preguntas necesarias al saber que Los Mavericks se volvían a juntar.

¿Fue fácil la separación de Los Mavericks?

“Ninguna separación es fácil, pero siempre trae consigo mucho aprendizaje, te hace crecer y darte cuenta de cosas que tal vez no las hubieras notado si no fuese por los  cambios que van suscitándose en cada experiencia, cabe mencionar que la amistad no se perdió, todos seguimos siendo muy buenos amigos y procuramos vernos constantemente. ”

¿Por qué se separaron después de generar ruido?

“Cada uno tenía diferentes proyectos a futuro y a pesar de lo bien que nos estaba yendo, habían otras prioridades. Cuando empezamos con la banda fue simplemente una cuestión de empatía y fascinación por la música y el querer experimentar con nuestra madera. Empezaron sin tenerme a mí como vocalista y por cuestión de la casualidad un día canté con Los Mavericks y ensamblamos perfecto. Sin darnos cuenta ya estábamos grabando un E.P. y cada vez nos llamaban más a tocar en diferentes lugares pero no todos pudimos seguir con tanta presión y generalmente  más cuando se es muy joven, tendemos a huir del compromiso, pues al final de cuentas eso ya no era un hobby, eso era un gran compromiso que desafortunadamente no pudimos sobrellevar en ese tiempo.”

Cuando las bandas se separan, no sólo desaparece la banda sino muchas veces desaparece las relaciones que había entre los integrantes. ¿Cómo afectó esta separación en la relación de todos los integrantes de Los Mavericks?

“Realmente no afectó y también es por eso que nos volvimos a reunir. Nunca quedamos mal como amigos. Somos cinco personas en Los Mavericks y algo que te puedo decir es que no hay personas más unidas como nosotros. A pesar de la separación nos seguimos frecuentando porque no sólo éramos compañeros de banda, sino también mejores amigos. No afectó en lo absoluto. Cada uno siguió con los proyectos que tenía en mente y a veces nos juntábamos a echar unos palomazos pero ya nada serio.”

Ahora se están volviendo a reunir y nos interesa saber por qué lo hacen. ¿Podrías decirnos por qué se volvieron a reunir?

 “Bueno, ya después de tres años separados nos volvió a surgir las ganas expresarnos con la música que habíamos creado. En lo personal puedo decir que gracias a los Mavs empecé a descubrir que esto era lo mío y a la fecha estudio canto y los demás tampoco descuidaron su instrumento. Yo creo que cada uno de nosotros extrañaba esa gran conexión como banda, también puedo confirmar que cuando la gente nos escuchaba su respuesta era muy grata y concluimos que retomar este proyecto fue porque, como dice una frase un tanto snob y con un toque de arrogancia pero en gran parte cierta, “Si es tuyo regresará y si no, nunca lo fue.”

¿Ahora que se volvieron a reunir, van a presentar algún nuevo disco?

“No, vamos a promocionar nuestro E.P algo que nunca hicimos. Queremos que la gente escuche eso en lo que trabajamos. De hecho acabamos de grabar un video para nuestro sencillo All clear y entramos a un concurso llamado Merca Music. Ahorita estaremos promocionando eso en lo que habíamos trabajado pero están abiertas las posibilidades de comenzar a trabajar en algo nuevo.”

Los Mavericks están esperando poder ganar en el concurso de Merca Music para poder empezar con el pie derecho. Dense un tiempo para escuchar la propuesta que nos están ofreciendo al igual que visiten su página de Facebook en donde suben más información al respecto de lo que pasa en la banda.

 

Azcarockzalco: de la censura a los espacios públicos

Por: @Lalo_Croix

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Es evidente que la brecha que aún divide opiniones es  más pequeña, pues el rock y alternativas adyacentes tienen  un lugar en las barras programáticas de la radio, televisión, medios impresos o internet, cuentan con festivales especializados y foros multitudinarios en donde se pueden apreciar este tipo de expresiones. Sin embargo, esta industria que va en torno a intereses económicos se muestra como la nueva enemiga de la que se supone debería ser su aliada.

A pesar de estas circunstancias, la Internet se ha convertido en una esperanza y un medio muy fuerte para poder dar a conocer, distribuir y compartir el trabajo de diversos artistas. Ya no es necesario pertenecer a una disquera multinacional: están los sellos independientes, pero hay que tener bien claro que no es suficiente para poder solventar la infinita demanda de proyectos que se generan a diario.

En la actualidad no existen espacios libres o públicos en donde los grupos emergentes puedan mostrar su trabajo. Es entonces cuando la sociedad civil entra como un mediador para erradicar el problema, un claro ejemplo es Azcarockzalco.

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El pasado 14 de septiembre terminó Azcarokzalco, un concurso que tiene como objetivo apoyar a las bandas que están iniciando en el ámbito musical. Dicho evento se realizó a lo largo de cuatro fines de semana en la delegación Azcapotzalco, donde participaron 47 agrupaciones de distintos géneros musicales. “Fue mucho trabajo, la verdad es que nadie confiaba en nuestro proyecto. Nos cerraron muchas puertas. Nos dijeron que no era viable hacer un evento de grupos de rock en la delegación, por la ideología en cuestión de las drogas”, comentó Gabriel Galván, uno de los organizadores  en entrevista con Chulavista Art House A.C.

“Después de presentar varias veces el proyecto  fue aceptado, pero sólo quedó un cincuenta por ciento de lo que era la idea original”. Gabriel mencionó que está sorprendido por la convocatoria que hubo, ya que rebasó el límite de capacidad que tenían contemplado (alrededor de 15 bandas más quedaron fuera).  Él considera que es importante realizar este tipo de eventos porque se da la oportunidad a los jóvenes para que expresen sus ideas. “Ponerse en un escenario, tocar y hacer lo que amas te libera de muchas cuestiones”.

Pese a los cambios que tuvo el evento, Azcarockzalco ha tenido muy buena recepción por parte del público en general y los participantes. Esta primera edición fue una fuerte prueba que ayudará a los organizadores a planear una mejor convocatoria y difusión para el próximo año, que por cierto se pretende llevar a todo el Distrito Federal.

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La cuestión es: ¿En verdad es suficiente lo que se hace para tener un espacio incluyente donde se apoye a los artistas emergentes? Queda claro que no sólo se puede beneficiar a estos representantes, sino a la sociedad en general, ya que se crea un vínculo en donde la cultura, a través del arte, propicia grandes cambios en un país que lo pide a gritos. Ya sea en la música o en cualquier otra disciplina artística, se necesitan soluciones de fondo. La juventud siempre tendrá algo que decir.

Los nuevos rostros artísticos merecen un hogar

Las pinturas de los pintores emergentes de nuestro país, muchas veces no tienen un hogar, ni un lugar donde puedan ser expuestas, y con ello, darse a conocer. Al parecer no existen muchos lugares que les den una oportunidad, y los que hay, “o son poco conocidos o son muy elitistas con los pintores,” es lo que ha mencionado Itzel Naomi Meneses, creadora de esta obra llamada Blue.

 

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La pintora comentó “hay muchísimos museos y centros dispuestos a cooperar, sin embargo, o se hacen sumamente selectivos o no se dan a conocer”. Los artistas, por lo regular, se preocupan por expresar sus emociones, pensamientos y demás, pero se deben preocupar también de ser aceptados en museos y centros.

Para los principiantes en el mundo artístico, la tarea de dar a conocer su obra resulta aún más difícil, de acuerdo con las palabras de Itzel, el principal problema es, principalmente, “no saber en qué medios o por dónde empezar a buscar patrocinio o lugares de exposición enfocados al público Target

Las pinturas siempre deberán ser expuestas, pese a que muchos lugares “oficiales” no ofrecen los requisitos adecuados, los pintores siempre buscarán lugares donde exponer sus obras, ya sea en museos o ferias locales, pero el arte siempre indagará la forma de ser conocido, ya sea formal o informal.

Itzel compartió lo que para ella sería el centro expositor ideal y sus características “para mí el centro expositor ideal tendría limpieza, cohesión, amplitud, no estar saturado, accesibilidad, cohesión también con el tipo de obras, continuidad, algún tipo de acomodación estratégica para que toda obra sea vista”.

Aquí algunas de las pinturas de Itzel Naomi Meneses

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naomi.meneses@hotmail.com

 

 

Librería Cultural Panameña, sesenta años de historia

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Puesto un pie dentro de la tienda no hay marcha atrás. Y es algo que puedes saber con solo voltear al techo de la librería y ver como por toda la orilla se encuentran pequeños rostros enmarcados, unos sonrientes, otros más huraños, pero todos apuntándote con sus ojos, clavándote la flecha incesante que es su mirada.Todos desplegados alrededor del punto más alto de las paredes, antes de tocar el techo, como un ejército de gárgolas vigilan desde las alturas cada uno de los pasos que das entre los libreros y los estantes.

Después de que la puerta cierra rápidamente, el sopor es abatido por la frescura del aire condicionado y todo vuelve a la normalidad. Las gárgolas no eran gárgolas, sino águilas hermosas que observan a los clientes desde las alturas, volando en los cielos de la librería como un soneto leído al viento con un hálito de filigrana.

P1040391Espacio compartido junto a los peculiares habitantes de las cimas de los libreros. Cientos de pequeños adornos de todo tipo como medallas, pipas, soldados, búhos, rifles, bustos, dibujos, esculturas, copas, botellas, banderas, cruces y dragones; forman una civilización nómada que ha visto las montañas levantarse. Y son ellos los que le brindan la atmósfera adecuada a la librería como para ir a vivir una aventura trashumante entre sus dehesas literarias.

Sin embargo, a pesar de tanta hermosura viviente entre sus pasillos llenos de literatura panameña, enfrentan grandes problemas en estos días. Y es cierto que después de mas de cinco décadas, 59 años para ser precisos, y tres generaciones acunadas y mecidas al vaivén del pasar de las hojas de un libro, se han tenido que enfrentar a distintos problemas. Han habido épocas difíciles como el cierre de tres sucursales, una en la Séptima Avenida Central a un costado del café Coca Cola o de la que solía ser la matriz durante sus años más memorables, cuando se hacían exposiciones de arte y tertulias, en las que se presentó Juan Jesús Franco, por poner un ejemplo, ubicada en avenida Perú, frente al Ministerio de Hacienda, donde se erigió un banco después de su partida en 1960, además de otra ubicada en San Miguelito.

P1040380A pesar del tiempo transcurrido, sigue fresca la herida del cierre de las otras tres sucursales, sin embargo, no queda lugar para la nostalgia, pues en este momento se enfrentan a otros grandes problemas: ventas a la baja, alquileres a la alza y el internet. Situación que pone en peligro a la única librería cultural que sobrevive en Panamá.

La Librería Cultural Panameña cuenta con características desconocidas para la gran mayoría de sus usuarios, incluso, quienes le dan mucho más valor que cualquier otra librería panameña. Hay justo en el medio de la librería un anaquel dedicado exclusivamente a la literatura nacional donde se pueden contar, sin problemas, más de un centenar de títulos distintos y en el que todas las novelas están rebajadas en un 5%, cuenta también con un sello editorial propio, llamado Manfer, en el que se han editado espectaculares libros panameños como Luna Verde de Joaquín Beleño C.

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Finalmente, con un par de secciones especiales: la sección de libros antiguos y joyas literarias, ejemplares agotados y primeras ediciones, además, la sección del anticuario, en la cual llevan cuatro años de duro trabajo en un sitio web que expondrá todos los más de 10,000 títulos almacenados bajo un ambiente especial y condicionado para mantener la integridad de sus portadas y sus páginas frágiles.

Si deseas hacer patria, panameño, te aconsejo una sola cosa: rescata tu librería, rescata a tus poetas y novelistas, que ellos siempre tienen preparada para ti, con sus páginas abiertas, una segunda, tercera, cuarta, quinta, sexta casa.

Technicolor Fabrics meets Chulavista

Para los miembros de Technicolor Fabrics, el trabajo duro que han realizado ha tenido la buena fortuna de abrir  conciertos a bandas que llegaban a México en un gran momento.

En estos días, la banda tapatía está produciendo su tercer disco. Para este proyecto, han decidido trabajar con toda la libertad para desarrollar ellos mismos su material y producirlo por sus medios.

Nos sentamos a que nos sirvieran un trago mientras nos contaban acerca de su historia, su proceso creativo y sus gustos. Conoce de cerca a este grupo que ha tomado las riendas de su dirección musical y comienza una nueva etapa.