Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

Originally posted 2014-08-07 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

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Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

Originally posted 2015-01-20 11:59:06. Republished by Blog Post Promoter

Discodeine: psicodelia para bailar.

Por:  Lalo Cruz 

@Lalo_Croix 

Desde finales de la década de los 80, Francia se ha caracterizado por sus aportaciones en la escena electrónica , partiendo con Laurent Garnier, Daft Punk, Cassius o Justice, por mencionar algunos. Discodeine se une estos creadores proponiendo un sonido fresco para sacarle brillo a la pista de baile.

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El dúo conformado por los productores Pentile (Benjamín Morando) y Pilooski (Cédric Marszewski), iniciaron su proyecto gracias a su gusto mutuo por la música y las películas de ciencia ficción en el 2007. Cuatro años después lanzaron  su primer álbum  de larga duración donde se incluyeron temas con Jarvis Cocker, Baxter Dury y Matías Aguayo.

Este año regresan con “Aydin”, tema en el que colabora Kevin Parker de Tame Impala con su singular voz. La canción se caracteriza por tener  beats relajantes y cuerdas al estilo árabe,  sin olvidar un poderoso bajeo que acompaña sus tenues notas de piano. Su EP ya está a la venta y también incluye los remixes de Jeremy Greenspan, Timothy J. Fairplay  y Para One.

Aunque no existe el nombre ni la fecha de lanzamiento de su próximo material, Aydin se muestra como una fuerte carta de presentación. Ahora solo queda esperar  las sorpresas que tienen para este año las mentes bizarras de Discodeine.

Originally posted 2013-07-29 07:00:13. Republished by Blog Post Promoter

Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

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El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

Originally posted 2013-12-27 14:32:10. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Originally posted 2014-10-07 11:19:35. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

Originally posted 2012-10-30 18:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Diez años de reventar nuestros oídos: De-Loused In The Comatorium

Por Fher Díaz  @artificialradio

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En el año 2003 se suscitaron muchos acontecimientos en la escena del rock; desde la aparición del esperado segundo álbum de The Strokes titulado  “Room on Fire”, hasta la trágica muerte de los 3 miembros de la banda punk rock Explodind Hearts; pero en ese año ninguno de estos acontecimientos hizo cimbrar esta escena musical tanto como el álbum debut de una banda proveniente de El Paso,Texas, los cuales con un atasque instrumental de guitarras desgarrantes, bajos poderosos, convulsionantes percusiones, violentos tonos de sintetizadores y una voz tan chillante como perturbadora, daban un fuerte punterazo a los oídos deseosos de música nueva.

The Mars Volta era la banda, y De-Loused In The Comatorium el título de la pieza,excitante, poderosa, anárquica e hiriente según la calificaban varias revistas especializadas, aunque, en el 2002 los liderados por Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala habían sacado el Tremulant EP, obra que sería un epílogo de su delirante discografía cargada de historias y simbolismos.

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En De-Loused… canción por canción nos cuenta una historia (basada en hechos reales), de la cual un personaje llamado Cerpin Taxt es el protagonista, quien trata de suicidarse con una sobredosis de morfina; todo el álbum es un caos, desde “Son Et Lumiere”, pasando por “Inertiatic Esp” (que relata el agónico efecto de la morfina en el cuerpo de Cerpin), “Beyond the anthills of the dawning of this plague, Said I’ve lost my way” reza Cicatriz ESP, hasta el agónico final del protagonista en “Televators”, una canción emblemática de los Mars Volta; cabe destacar que en algunas rolas se muestran influencias de ritmos latinos además de drásticos cambios de tempo, progresividad y las antes mencionadas reminiscencias instrumentales que a la postre serían características básicas en sus trabajos futuros.

Hace exactamente 10 años The+Mars+Volta+TMV hacía su presentación al mundo; hoy los Mars Volta están disueltos, Omar Rodríguez-López lidera su nueva banda llamada Bosnian Rainbows, mientras que Cedric Bixler-Zavala hace lo mismo con Zavalaz,pero el daño ya está hecho, ningún otro álbum ha hecho que nuestros oídos estallen cuan granadas de fragmentación, ni ninguna otra banda nos ha provocado experimentar un viaje tan ácido y escabroso a la vez (a menos que hablemos de Pink Floyd); son 10 años de que se inició un capítulo de una novela llamada The Mars Volta, una intensa y muy extraña novela…

Originally posted 2013-07-04 20:16:54. Republished by Blog Post Promoter

Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

Originally posted 2014-01-01 22:49:35. Republished by Blog Post Promoter

El experimento musical de David Lynch

Por Claudio Cortés

“Crazy Clown Time” es el primer disco en solitario del director de cine, estudiante dedicado de la meditación trascendental y distribuidor de café originario de Montana David Lynch.  El realizador ha escrito música para sus películas junto a Angelo Badalamenti -compositor de Twin Peaks– y en 2001 salió a la luz un disco donde coescribió varias canciones junto a John Neff titulado “BlueBob”. Además, en 2010 cantó junto a Danger Mouse y Sparklehorse para el disco “Dark Night of the Soul”.

Para “Crazy Clown Time” contó con la colaboración de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs en la canción  “Pinky’s Dream”; con un blues electropop y vocales procesadas este álbum de 14 temas y un bonus track para iTunes es altamente recomendable para quienes son seguidores de Lynch o gustan de la música experimental.

El propio Lynch ha dicho en entrevistas que no tiene planeado tocar en vivo y que algunas de sus influencias son  Elvis Presley, The Platters, The Fleetwoods y The Everly Brothers. Es un disco oscuro y extraño a veces y otras parece la música de un spaghetti western, con letras surrealistas acompañadas de percusión, guitarra, sintetizador y voz interpretadas por el director que también hizo el arte de la portada.

Aquí el video oficial del primer sencillo, del mismo nombre, dirigido también por Lynch.

Originally posted 2012-10-04 20:00:27. Republished by Blog Post Promoter

Rachel Zeffira: Break The Spell

Por: Sus

@SusBouvier

En el 2011, Faris Badwan, vocalista de la banda británica The Horrors presentó su proyecto alterno, Cat’s Eyes, junto a la multi-instrumentalista y soprano canadiense Rachel Zeffira. El resultado de la unión fue un LP del mismo nombre, lleno de dream pop, lo-fi e indie rock nostálgico que inmediatamente remite a décadas pasadas. Tal trabajo recibió una buena aceptación tanto del público como de los críticos especializados, al consagrar a Faris como uno de los músicos mas destacados de su generación. Por otra parte, Rachel resaltó por su calidad interpretativa.

De dicho álbum se desprende “Over You”, videoclip en el cual la banda refleja su particular estilo.

En agosto del 2011, Rachel ya mostraba su inquietud por hacer notar su talento como solista, al presentar un cover a “To Here Knows When” de los emblemáticos ingleses My Bloody Valentine.

 

Este año, Badwan y Zeffira sorprenderán de nuevo al unir fuerzas para crear su propio sello discográfico, RAF Records, el cual tendrá como debut el primer trabajo como solista de Rachel, titulado The Deserters. El disco (producido y compuesto en su totalidad por ella misma) tiene como fecha de lanzamiento el 1o de diciembre próximo. Dicha producción contará con la participación de integrantes de bandas británicas como TOY y S.C.U.M

Mientras tanto, escucha el primer sencillo “Break The Spell”, ya disponible para su descarga gratuita.

Aquí el trailer del álbum

 

Para conocer más de Rachel Zeffira visita

facebook.com/rachelzeffira

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La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

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The Pepper Pots y su nuevo disco

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Hace pocos días, la banda catalana publicó su nuevo material discográfico titulado We must fight, el cual tiene una potente carga de soul.

Este álbum marca algunos cambios dentro de la banda. Por primera vez en la historia de la banda, las voces dejan de ser un trio para convertirse en un dueto, esta ocasión las voces están a cargo de Adriana Prunell y Aya Sima, quienes se complementan para poder brindar ese dulce sonido tan característico del grupo.

Otro cambio, quizás no tan sorpresivo, es que el disco, una vez más, está completamente enfocado en el soul. Desde un  principio, la influencia de este género en la banda siempre fue evidente y aunque en sus inicios estuvo más arraigada la influencia del ska o del reggae, con el tiempo la banda supo evolucionar hacia un sonido puramente de soul: se puede notar en sus últimas producciones discográficas que, por cierto, nada tienen que envidiarle a la Motown.

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Sin mas, acá está la recomendación musical de esta semana: The Pepper Pots, una de las mejores bandas catalanas contemporáneas. Seguramente, al escuchar las primeras notas de su nueva producción discográfica, no te quedará de otra que sacar tus mejores pasos de baile.

 

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Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

Originally posted 2014-10-24 09:00:01. Republished by Blog Post Promoter

Ozzy Osbourne regresa a México

11084243_10153265077097318_258984718900687844_nDespúes de un largo tiempo, los dioses de la música nos han escuchado, Ozzy Osbourne regresa a México el próximo 20 de agosto para presentarse en la Arena Ciudad de México en compañía de Black Label Society.

 En esta ocasión estará presentando Memoirs of a madman, su más reciente producción, la cual es una compilación realizada en octubre del 2014 que incluye  algunos de sus éxitos más importantes en su carrera como solista.

 Memoirs of a madman, CD-DVD, contiene canciones como: Crazy Train, Mama, I’m Coming Home, I Don´t Wanna Stop y No More Tears. En el DVD están los videos Lightning Strikes, Breaking all the Rules, Mr. Tinkertrain, I Don’t Want to Change the World, Let It Die, entre muchos otros.

  Zignia Live dio a conocer que la banda norteamericana de heavy metal, Black Label Society, liderada por “El Rey Vikingo de la Guitarra”, Zakk Wylde, compartirá escenario con el Principe de las Tinieblas, en la que será su tercera presentación en nuestro país.

Los boletos salen a la venta este 25 de marzo a través de Super Boletos, con precios que van de $425 a $1,825. No olviden que también se presentará en la Arena Monterrey el 18 de agosto.

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Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

Originally posted 2012-07-30 11:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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Originally posted 2013-11-14 16:06:35. Republished by Blog Post Promoter

Sal y Sol, lo nuevo de The Refrescos

Después de mas de 15 años de no sacar alguna nueva producción discográfica y tras una larga pausa, la banda madrileña The Refrescos ha vuelto a la escena musical con un nuevo disco bajo el brazo titulado Sal y Sol.

 Este nuevo álbum del grupo cuenta con el sonido que desde el inicio de la banda, allá a comienzos de los 80’s ha caracterizado al grupo. Canciones con letras llenas de buen humor, ironía, crítica social y surrealismo, que en este mundo tan loco de surrealistas cada vez tienen menos.

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 Como suele pasar con bandas que se reactivan después de tanto tiempo, The Refrescos ha vuelto con una nueva alineación, en la cual el único miembro de la formación original del grupo es Bernardo Vazquez, mejor conocido en el mundo de la música como: Bernardez, vocalista y compositor del grupo; quien con una mezcla de pop, ska, punk, rock y hasta mariachi, ha logrado una vez mas revivir en este disco el sonido clásico de los Refrescos.

 Si bien en nuestro país The Refrescos no es una banda con tanta popularidad, en su natal España se han convertido en todo un suceso después de que en 1986 grabaran el tema Aquí no hay playa, una canción que con mucho sarcasmo habla sobre su ciudad natal Madrid y que en ese año se convirtió en “la canción del verano”, lo que es igual a estar sonando todo el día en cada uno de los rincones de España.

 La formación original del grupo solamente grabó 3 discos, The Refrescos en 1989, Kings of Chunda Chunda en 1990 y Simpatía por el Débil en 1991, aunque algunos años después Bernardez junto una nueva alineación y en 1996 grabó un cuarto disco   titulado ¿A que piso va?, y en 1999 salio a la venta un disco titulado Xacobeo 99 en donde The Refrescos, o mejor dicho Bernardez grabó algunos temas junto al grupo galo Astarot, y aunque estos dos últimos discos no alcanzaron tanto éxito como los 3 primeros, Xacobeo 99 se convirtió por 15 años en la ultima producción discográfica bajo la firma de The Refrescos.

 Si bien no seria hasta el años pasado cuando Bernardez decidió reactivar el proyecto de The Refrescos, en 2009 Bernardez saco a la luz un proyecto llamado The Gambas, el cual fue creado junto a diferentes músicos de algunas bandas de ska españolas. Aunque había algunas diferencias, The Gambas fue un proyecto con la misma idea y concepto que The Refrescos, y el cual solo han editado un disco titulado Alegría Social.

 Esta es la propuesta de la semana, The Refrescos y su regreso discográfico llamado Sal y Sol, que después de 30 años de su debut  y como su mismo nombre lo dice, siguen manteniendo ese sonido refrescante, y que nos muestra una de las tantas facetas del ska, si la semana pasada hablábamos de virtuosismo musical del ska-jazz, esta semana hablamos de irreverencia musical y buen humor, pero con calidad, esos si.

Originally posted 2014-05-09 15:35:52. Republished by Blog Post Promoter

The Selecter: Celebrando 35 años de su album debut

 

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The Selecter, banda formada en 1979 en la ciudad inglesa de Coventry  (la cual es uno de los mayores estandartes del sonido 2 Tone) ha comenzado  una gira con motivo del 35 aniversario de su álbum debut Too Much Pressure .

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 Formados durante la explosión setentera del ska inglés, que creció con el apoyo de la disquera 2 Tone Records (la cual también este año cumple 35 años de su creación),  The Selecter ha sabido posicionarse como una de las más importantes sobre el planeta, a pesar de sus diversos cambios de alineación y los recesos que se toma de vez en cuando, prueba de ello es que  su disco String Theory se consideró como uno de los más destacados del 2013, el cual tiene toda la energía que siempre lo ha caracterizado pero sobre todo la voz de Pauline Black, que sigue intacta.

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 Aunque hasta ahora The Selecter solamente tiene fechas programadas para el Reino Unido, la banda  sigue siendo consentida en varias partes del planeta, por lo que no sería extraño que la gira se extendiera a otros países, así como el año pasado anduvieron por los escenarios del Festival de Coachella, o hasta tal vez, en una de esas regresan a tierras mexicanas, para recordarnos aquella tarde del 5 de octubre del 2005 en el Palacio de los Deportes.

Originally posted 2014-03-14 01:19:51. Republished by Blog Post Promoter

“Génesis”: Grimes (VIDEO)

 

Grimes es el proyecto de Claire Broucher, una chica originaria de Vancouver ,Canadá. Con tan solo 23 años, ya cuenta con 4 discos en su haber: Geidi Primes (2010) Halfaxa (2o1o) Darkbloom (2011) y Visions (2012). Sin embargo es Visions la placa con la cual logra llamar la atención del mundo y hacer imposible que ella pase por desapercibida. Influenciada por Beyonce, Mariah Carey, Outkast y Nice Inch Nails (tan solo por mencionar algunos músicos), Broucher logra un sonido cargado dream-pop psícodélico cargado de sentimiento y voces angelicales que invitan inmediatamente a moverse y bailar sin restricciones. Muestra de ello es “Vanessa”canción extraída de Darkbloom en donde Grimes se encarga, además de todo lo que ya hace, de la dirección del videoclip de dicho sencillo.

Esta semana, Grimes presenta el trabajo visual de “Génesis”segundo sencillo de su última producción Visions, en la cual de nuevo es ella se encarga de la dirección del video. Extravagante y original, Claire muestra una fuerte influencia y fascinación por el manga japones.

 

Grimes sera parte de la edición S.S del Coachella Valley Music & Arts Festival

 

Originally posted 2012-08-23 13:09:20. Republished by Blog Post Promoter

Campodónico: un conocido desconocido

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Quizá hayas escuchado acerca de un conocido colectivo uruguayo/argentino de altísimo nivel que lleva el nombre de Bajofondo, integrado por músicos, productores y artistas que en conjunto, han hecho música simple y sencillamente impresionante.

Pero dentro de esa colectividad, existen individuos que por sí mismos tienen la capacidad de crear un discurso musical propio, igual impresionante. Tal es el caso de Juan Campodónico, quizá más conocido por su participación en el proyecto antes mencionado, pero que últimamente se ha dedicado a crear una expresión musical que lleva su nombre impreso por todas partes.

CAMPO es el nombre del primer álbum creado por Juan Campodónico, y aunque cuenta con la participación de algunos astros de la música como Martín Rivero, Ellen Arkbro, Pablo Bonilla y el mismo Gustavo Santaolalla -además de una colaboración de magnitudes indecibles a cargo de Jorge Drexler-, la producción logra ser una expresión fidedigna del personaje que en primera instancia concibió y gestó el proyecto.

El género más cercano para definir esta explosión de ritmos y sabores es “música subtropical”, pero obviamente, es mucho más que eso. CAMPO suena a todo: rock, indie pop, música latina, electrónica, tango… un recorrido por toda Latinoamérica. Esta es música refinada, perfectamente producida, precisa y contundente, probablemente de lo más sofisticado que escucharemos en mucho tiempo.

A Juan Campodónico ya lo conocíamos, por Bajofondo, por su trabajo con Drexler y demás, pero no lo conocíamos en esta faceta, que sin lugar a dudas debe ser estudiada, escuchada con detalle y sobre todo, disfrutada.

Más de Juan Campodónico en Facebook, Twitter, SoundCloud y YouTube.

Originally posted 2012-11-07 18:00:29. Republished by Blog Post Promoter

Si te sientes mal, llama al Doctor

Dentro de la música siempre hay personas que nunca paran, siempre andan proyecto tras proyecto, uno de estos casos es el del alemán Richard Alexander Jung, mejor conocido como el Dr. Ring Ding.

Cantante, trombonista, compositor, etc. Debido a la calidad e infinidad de proyectos  tanto de ska como de Reggae, Dancehall, Dub, etcétera,  actualmente es una de las personas que encabezan la escena alemana, europea y mundial  del Ska y  música originaria de Jamaica, pero no solo con sonidos provenientes de la isla, ya que su repertorio musical abarca desde el Jazz hasta Hip-hop.

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 Actualmente el Dr. Ring Ding se encuentra promocionando un disco titulado Ska’n Seoul, que grabó con la banda originaria de Corea del Sur llamada Kingston Ru Dieska. El sonido de este disco está más enfocado  hacia los ritmos clásicos del Ska, pero como es de esperarse, tienen  ese toque especial que el Doctor sabe darle a su música.

 Kingston Rudieska se formó hace 10 años y su sonido, a diferencia del Dr. Ring Ding, se caracteriza por revivir más la composición clásica de la música de Jamaica, pero que combinados con la experiencia del alemán, dan como resultado un excelente disco.

Siempre genera cierta curiosidad saber de este tipo de proyectos, donde grandes músicos se unen para grabar algún álbum, ya que por lo general los resultados siempre son buenos y tratándose del Dr. Ring Ding es una garantía; No por nada es una de los músicos  más solicitados por diversas bandas del mundo, ya sea para cantar, tocar el trombón o para hacer un poco de toasting.dr-ring-ding-skan-seoul-cd-slNS26

Pues esta es la recomendación de la semana, esta vez Dr. Ring Ding & Kington Rudieska; garantía de calidad, o  ya sea cualquier otro proyecto del Doctor como Kingston Kitchen (junto a los Rotterdam Ska-Jazz Foundation) Dr. Ring Ding & The Senior Allstar, Dr. Ring Ding Ska-Vaganza, El Bosso & Die Ping Pongs y más, que si continuamos jamás terminamos. Por si fuera poco, actualmente también anda de gira con sus compatriotas de The Busters.

 

 

 

Originally posted 2014-03-28 09:22:27. Republished by Blog Post Promoter

LA ROMA RECORDS, UN REFUGIO PARA EL VINILO

Por Knuxx

@knuxxvomica

La cultura digital ha absorbido la calidad y el gusto por los discos físicos, muchos prefieren comprarlos en la red o conseguirlos gratuitamente de su puerto de piratería en línea de confianza. En la era digital, los defensores de los viejos formatos sostienen que no se puede comparar entre un archivo descargado de internet y un CD, mucho menos un disco de vinilo, ya que la calidad de audio en cada caso es totalmente distinta por el tipo de material y la grabación del mismo.

Los primeros DJs mezclaban con discos de vinyl; los raperos rimaban sobre pistas grabadas en vinilo; discos como: Swim de Caribou, Discovery de Daft Punk, Dummy de Portishead, por poner algunos ejemplos, son publicados también en este formato para brindar una opción extra de experiencia auditiva a los fans.

Esta cultura ha ido permeando en las nuevas generaciones y así es como han subsistido tiendas clásicas en la Ciudad para conseguir este tipo de discos. La última propuesta es La Roma Records, una tienda de discos en la colonia Roma Norte que es un paraíso para cualquier melómano. Platicamos con su creador, César.

 

¿Qué hacías antes de dedicarte a La Roma Records?

Soy diseñador gráfico y de eso vivo actualmente, sigo ejerciendo y lo de La Roma Records es un proyecto independiente de mi profesión.

¿Cómo fue que surgió la idea?

El proyecto originalmente fue concebido con mi amigo y socio DJ Sondera (residente en el club M.N. Roy). La idea surgió en el ahora ya lejano año 2000, como un sueño de veinteañeros después de que conocimos nuestra tienda independiente favorita en Londres, ahí fue cuando decidimos poner algo similar en México.  Al final, por falta de recursos no pudimos llevarlo a cabo y mejor pues un año despues vino el boom de Ipod y en los años subsecuentes también vino lo que para muchos fue la muerte del disco de vinilo. Si lo hubieramos hecho en esa época seguro hubiéramos fracasado.

¿Cuánto tiempo te tomó llevarlo a cabo?

Uf, yo empecé a trabajar sobre el proyecto en mayo de este año, pensando en abrir las puertas al público a finales de septiembre, pero como conseguí el local por accidente a finales de junio, tuve que apresurarme con todo ya que el local me encantó y cerré el contrato de arrendamiento sin tener absolutamente nada listo. Eso me hizo trabajar el doble para tener todo listo y así fue como inauguramos el 9 de agosto. Yo me encargue de diseñar la web, la imagen, el concepto del mobiliario y de toda la tienda en un lapso de mes y medio.

¿En qué te basas para hacer la curaduría de la música? 

Pues la mayoría está basada en la música que a mí me gusta o que me gustaría encontrarme en una tienda; bandas como Muse, Coldplay o Green Day quizá no los encontrarás por la tienda, pero si nos piden sobre encargo te consiguimos el artista que sea.

A partir de su apertura, ¿cuál ha sido tu mayor sorpresa?

Sin duda la principal sorpresa fue la respuesta de la gente, no pensé que fuera a tener una reacción tan aceptable por parte de los que ahora son mis clientes, el que vengan y regresen de nuevo es señal de que estamos haciendo bien las cosas.

¿Qué hace distinta a esta tienda de discos de cualquier otra?

Pues yo creo que lo diferente o lo que nos distingue es que compramos y cambiamos discos, no es sólo venta de discos nuevos. Por otra parte creo que somos la única tienda de discos que vende refacciones (cabezales, cartuchos, agujas) y que también vende y repara tornamesas.

La Roma Records
Álvaro Obregón 200 Bis 1
Col. Roma
Tel. 52 64 21 40
Twitter  @LaRomaRecords

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Regresa el electro jazz de Flying Lotus

Por Claudio Cortés

Until the Quiet Comes es el cuarto disco de estudio de Steven Ellison, mejor conocido como Flying Lotus, quien es el sobrino-nieto de la pianista Alice Coltrane, esposa del legendario saxofonista de jazz John Coltrane.

El álbum incorpora elementos de percusión africana y psicodelia, y gravita temáticamente alrededor de conceptos como el subconsciente humano y el mundo de los sueños. Cuenta con la colaboración de artistas como Erykah Badu, Thom Yorke, Laura Darlington, y Niki Randa.

Durante dos años, Flying Lotus trabajó desde su casa de Mount Washington en Los Angeles para crear un disco de jazz electrónico que él mismo califica como “un disco para niños, un disco para que los niños sueñen con él”.

La producción, que contiene dieciocho temas, mezcla jazz experimental, pop, soul, fusión, melodías de R&B y beats de hip-hop con el toque psicodélico de bandas como: Silver Apples, Can, Stereolab, Portishead, y Gentle Giant.

El 6 de septiembre salió a la luz un cortometraje titulado como el álbum y dirigido por Kahlil Joseph, filmado en 35mm en los Nickerson Gardens en Watts, Los Angeles. Incluye fragmentos de tres canciones del álbum: “See Thru to U”, “Hunger”, y “Getting There”. Adjuntamos el destacado trabajo audiovisual.

Originally posted 2012-10-26 19:30:48. Republished by Blog Post Promoter

North East Ska-Jazz Orchestra: jazz y ska del noreste de Italia

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A través del tiempo, Italia siempre ha sido una cuna de excelentes propuestas musicales y en diversos estilos. Actualmente este país europeo sigue siendo un semillero buenos proyectos musicales, un claro ejemplo de esto es: North East Ska-Jazz Orchestra.

Como su nombre lo dice, esta agrupación se dedica a mezclar el virtuosismo del jazz con la calidez del ska, dando como resulta música de excelente calidad. Formados en el año 2011 en Friuli Venezia Giulia -por eso el nombre de North East- por músicos de toda la región, desde jóvenes músicos que apenas comienzan en esto de la música y que aun tienen mucho que decir, hasta músicos mucho mas experimentados que respaldan con toda su experiencia al resto del grupo.

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Aunque lamentablemente esta agrupación no cuenta con ninguna grabación hasta el momento, eso no les ha impedido contar ya con varias presentaciones en vivo -cuyos videos se pueden ver en internet- con lo cual le han demostrado su gran nivel musical al publico.

Algunos músicos de la escena italiana han mostrado su apoyo a este proyecto, como es el caso de Luigi de Gaspari, mejor conocido como Mr. T-bone  -The Bluebeaters y Africa Unite- quien ha sido reconocido como uno de los mejores trombonistas del mundo y que actualmente esta realizando colaboraciones en vivo con el grupo.

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Sin más, esta es la recomendación de la semana , una buena propuesta musical que abarca dos estilos don del el músico puede expresarse por medio de la improvisación y la buena ejecución de su instrumento. Y a esperar a que este 2014 por fin sea el año en que estos señores entren al estudio de grabación y nos regalen una placa llena de joyitas musicales.

 
 

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Los paisajes sonoros de Enero Será Mío

 

La provincia del Chubut, ubicada en la Patagonia argentina, se caracteriza por su belleza y diversidad geográfica, bosques templados, mesetas y costas del Atlántico. Todo esto acompañado de climas fríos y húmedos que, sin duda, crean un contexto único e inspirador. Es en este lugar donde Sol Fernández, compositora, cantante y fundadora de Enero Será Mio, vivió una gran parte de su vida. Después se trasladó a Buenos Aires para continuar con su formación universitaria.


Foto por Hernán Corera

 

Licenciada en Musicoterapia, Sol emprendió su proyecto en 2009 de la mano de músicos como Javier Mareco, Juan Manuel Mayo y Lucas Martí, entre otros. Su primer EP, E.S.Mío, salió a la luz en 2011 bajo el sello independiente Tornasolado, con la participación en las programaciones de Tweety González, por muchos conocido como “el cuarto integrante de Soda Stereo”.

Fue con una canción de este EP, “Álamo”, como se dio a conocer en la escena argentina y en donde muestra su talento para la creación de sonidos que transportan al bello relieve argentino en donde Sol se crió.

Este año, Enero Será Mío se hace presente con su primer material de larga duración. Con influencias de músicos como Charly García y Portishead, Juego 0  nos envuelve en sonidos propios de dream pop y down tempo; suaves y relajantes programaciones que nos llevan a emprender un viaje por diversos paisajes sonoros. La dulce voz de Sol le da cuerpo a una lírica que por momentos recuerda a la poesía de Luis Alberto Spinetta, uno de los más grandes iconos del rock argentino. Ejemplo de ello son temas como “Hermes”, “Decanta” y “Benito”.

 

Bajo la producción de Tweety González, Juego 0 cuenta con la participación de Benito Cerati, que hace lo propio en programaciones y coros. Dicha colaboración da como resultado una de las piezas más interesantes del disco, “Piedra Mal”, en donde se realiza una fusión con el legado musical argentino y el presente, logrando un tema con una estructura clásica de rock-pop con elementos electrónicos.

 

 

Juego 0 es el comienzo de lo que promete ser una carrera sólida en la música.

Para saber mas de Enero Será Mío visita: www.eneroseramio.com

 

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Screamin Jay Hawkins: Blues excéntrico

La excentricidad ha sido casi siempre una característica que determina a las personas que buscan la originalidad y creatividad. La mayoría de las veces los intentos no son bien logrados y  resultan rarezas. En algunas otras la excentricidad y la exageración son el aderezo de buenos trabajos.

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Un buen ejemplo es el del afroamericano Jalacy Howkins(1929-2000), mejor conocido como Screamin’ Jay Hawkins. Éste músico de blues nació en Cleveland, Ohio y fue abandonado por su madre en un orfanato hasta que lo adoptaron año y medio después. En su adolescencia practicó el boxeo y tuvo pretenciones de ser cantante de ópera hasta que abandonó la escuela para unirse al ejército de su país y combatir en la Segunda Guerra Mundial. A su regreso es cuando se dedica  completamente a la música.

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En 1956 elabora su canción más conocida I Put a Spell on You  y  realiza sus presentaciones con vestuarios muy extravagantes, portando pieles de leopardo, huesos debajo de su nariz, taparrabos y un bastón con un cráneo en el extremo superior al que llamó Harry. Además de ejecutar saltos, gritos y toda una serie de muecas y gestos que divertían al público.

Su voz e histrionismo lo convirtieron en todo un personaje y un gran músico de blues.

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El épico debut de Gary Clark Jr

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Sin duda, el álbum debut de cualquier banda o artista es un momento definitorio. Ese primer material servirá -en la mayoría de los casos- como carta de presentación, como un manifiesto sonoro que -idealmente- dejará en claro el discurso artístico que se irá persiguiendo en adelante. A veces este inicio es discreto, quizá mesurado; pero en el caso de Gary Clark Jr., el álbum Blak and Blu -su primera producción de larga duración- es un comienzo extraordinario.

Gary es originario de Austin, Texas, lugar que ha visto crecer a otras leyendas de las seis cuerdas y con sólo 28 años de edad, ya cuenta con un lenguaje musical propio, como si los intervalos y sus frases melódicas fueran una extensión de su voz natural.

El sonido de las canciones contenidas en Blak and Blu se puede rastrear con facilidad hasta el origen. Casi se pueden escuchar los cantos marginales y los gemidos desgarradores de los esclavos viajando en algún tren, en una embarcación corroída. Se perciben la voces trabajando en el campo de algodón, la atmósfera pantanosa y a lo lejos resonando una guitarra con la encordadura incompleta.

Pero lo más interesante es que Gary no se queda varado en este pasado, sino que hace el viaje completo hasta llegar a nuestros días. En este disco está bien presente la influencia del hip hop contemporáneo, el R&B moderno, la nostalgia por la guitarra de Hendrix, la oscuridad y la fuerza de Stevie Ray Vaughan, la sutileza de Marvin Gaye, el ingenio y la libertad de Chuck Berry, el recuerdo en lo-fi de Robert Johnson…

A lo largo de catorce tracks -mas dos bonus tracks en la versión deluxe– Gary llena el espectro estéreo con guitarras escandalosas llenas de overdive, distorsiones análogas que rugen, riffs pesados y directos; los solos de guitarra son expresivos, apabullantes, completamente emocionales. Las baterías en cuatro cuartos golpean directo y sin aviso, son crudas y muy simples. Ocasionalmente se escucha una sección de metales llena de soul y voces sumergidas en slap delay. Muchos de los temas tienen bien marcadas las regiones tónica, subdominante y dominante del blues tradicional, pero se mueven libremente hacia cualquier género imaginable.

Blak and Blu es un disco denso -en el mejor sentido de la expresión-, perfectamente logrado, orgánico, nostálgico, emotivo, en resumen: ¡les va a volar la cabeza! Y probablemente lo más destacado en este disco es el hecho de que va en contra de la mayoría de la música que suena últimamente. Es una declaratoria abierta y una afrenta directa a la música plástica/prefabricada, ¿cuántos discos actualmente tienen canciones de más de nueve minutos de duración?

Este disco es épico y encamina a Clark hacia la categoría de leyenda. Como él mismo dice:

“I don’t believe in competition, ain’t nobody else like me around. I don’t need your imposition, It ain’t that hard to figure it out…”.

Blak and Blu se compra aquí. Más de Gary Clark Jr. en su sitio oficial, Twitter, YouTube y Facebook.

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El regreso de Sebadoh: Secret EP

Sebadoh es una banda originaria de Northampton, Massachusetts, formada en 1986 e integrada por Eric Gaffney, DJ en la estación de radio universitaria local, WOZQ, así como por el bajista y fundador de Dinosaur Jr., Lou Barlow.

Junto a otras bandas como Pavement y Guided by Voices, Sebadoh fue pionera del rock lo-fi, estilo caracterizado por sus técnicas de grabación de baja fidelidad, a menudo con recordings multipistas. Los primeros trabajos discográficos de la banda, como Weed Forestin y Sebadoh III, son altamente representativos del mencionado estilo y transitan entre el folk rock introspectivo de Barlow y el noise pop experimental de Gaffney, al colocar a la banda como el epítome del rock alternativo de la trancisión de los años 80 a los 90.

Después de 14 años de ausencia, Sebadoh regresa con Secret EP, un EP que, consta de una pequeña coelcción de 5 canciones. Aunque Secret EP conserva el estilo tradicional del género lo-fi de la banda de Massachusetts, tiene un toque fresco tanto en su producción, como en la progresión del sonido con cada canción, el cual se presenta como obertura para la promesa de un nuevo álbum de estudioprevisto para 2013.

Tracklist:

  1. Keep The Boy Alive
  2. My Drugs
  3. Arbitrary High
  4. I Don’t Mind
  5. All Kinds

 

 

 

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Rage Against The Machine: 20 años de revolución

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Durante este mes de noviembre una de las bandas más explosivas e incendiarias que han existido sobre la Tierra, cumple nada más y nada menos que veinte años de existencia. Un 3 de noviembre de 1992 Rage Against The Machine publicaba su primer álbum homónimo y con él, la banda desataría una verdadera revolución sonora.

Este álbum es dinamita pura de principio a fin. La impactante portada -que muestra al monje budista Thích Quảng Đức quemándose hasta a muerte- ya es una advertencia de la densidad contenida en sus diez canciones.

Algunos de los riffs más pesados y significativos en la historia de las seis cuerdas están contenidos en Rage Against The Machine. Tom Morello se encargó de redefinir la interpretación de la guitarra, imprimiéndole a sus interpretaciones un sello completamente innovador que en aquel entonces -y hasta la fecha- ha desafiado los paradigmas de ese instrumento.

Tim Commeford y Brad Wilk amalgamaron una sección rítmica concentrada, pesada y profunda, funcionando como cimiento para la lírica incisiva de Zack de la Rocha, quien a través de un estilo vocal inigualable, lanza rimas y bocanadas de fuego.

La música de RATM -y este álbum en particular- es atemporal, ya que no existía nada parecido a lo que ellos hicieron en esta grabación  y sigue son existir algo similar. RATM hizo de su música una expresión única, poderosa y perdurable.

Del debut de esta agrupación podemos concluir algunas cosas. El discurso artístico -a través de cualquier disciplina o técnica- debe ser lanzado con toda la energía y convicción posibles. Jamás hay que temer a escribir reglas propias o a imponer las convicciones más profundas, por más descabelladas que estas parezcan. Las oportunidades a lo largo de la vida son escazas, por lo tanto, cualquier mensaje debe ser enviado sin diluir, conciso y directo.

A propósito del 20 aniversario del álbum debut de RATM, su sello discográfico lanzará el 27 de noviembre una reedición del material –Rage Against The Machine XX-, que incluye los diez tracks originales -remasterizados-, demos nunca antes escuchados y versiones en vivo, además de un DVD con material inédito de la banda.

Se quedan con un video histórico, la primer presentación de RATM el 23 de octubre de 1991 en Northridge, California. Ahí comenzó la revolución.

 

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Radio Revuelta: ska sin reglas.

Por: Lalo Cruz @Lalo_Croix

Desde Saltillo Coahuila llega Radio Revuelta, una banda que se identifica por fusionar  diferentes ritmos musicales con un fuerte sabor a ska.

Radio Revuelta

La agrupación que inició en el 2006, toma su nombre para hacer referencia a la música a través de la radio y a la revolución ideológica que pretende plasmar en cada una de sus canciones. Actualmente cuenta con un batallón de diez elementos: Saúl Sosa (batería),Gerardo Flores (timbales), Gabriel Martínez (percusiones), Fox Rodríguez (trompeta), Fernando Sosa( trombón) , Pol Coronado (teclado), Iori Rodríguez (percusiones), Eduardo Sosa (bajo), Fabián Escalante (Guitarra) y Kasper King (voz).

Con su producción En la misma frecuencia  del 2009, los Radio Revuelta dejaron impregnado un estilo al que ellos llaman “música sin reglas”, el cual se caracteriza por la mezcla de diferentes  sonidos y la forma en la que estos se emplean.  Aunque sus influencias son principalmente de ska, retoman otras expresiones musicales  que van desde el rap, punk y reggae, hasta la cumbia, salsa o merengue. Con dicha peculiaridad, ellos enriquecen su trabajo y lo aderezan  con frases de crítica social o anécdotas personales.

La evolución que han experimentado en su trayectoria los incitó  a grabar Larga vida, disco que sigue fiel a su propuesta de fusión múltiple. Incluye colaboraciones con Sonido Mázter en “Carmen”, “Si no estás” junto a Big Javy de Inspector, y “Reflejos” con Capricornio Man de El Gran Silencio.

Con una larga vida en mente, Radio Revuelta está de gira en la República Mexicana con un nuevo tema bajo el brazo, “Estirada y aburrida”. Las formas de estar en contacto son a través de su cuenta en Facebook Radio Revuelta, en Twitter @radiorevuelta o en el canal de You Tube RadiorevueltaOficial , donde se puede descargar su música.

Originally posted 2013-08-09 10:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Los ritmos sabrosos de Chévere Suave

“Yo quiero cantarle a mi gente;
a mi pueblo conciencia presente;
quiero cantarle a la vida;
a la Pachamama la que no se olvida;
quiero cantarle al amor;
Cayo coco, roncito, tabaco y son;
Quiero cantarle a mi gente”

¡Chévere Suave presente!

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chevere suave22
Enrique Calderón, Mirsa Islas, Alvaro Muñoz, Citlali Toledo, Iván Gutierrez, Francisco Javier y Adrián Águila. Fuera de foco: Martín Alonso, Marco Adair, Mauricio Fortuna y Miguel García
 “Es chévere ser grande, pero más grande ser chévere”
Hector Lavoe

11 integrantes son los que hoy forman esta gran agrupación musical. Doquiera que vayan, animan a la gente. No importa el ambiente, no hay antes o después, sólo el chévere ahora. Con tanto ritmo es difÍcil evitar mover las caderas y es que su música es una producción original. En ella puedes reconocer la “fusión latina” de géneros como reggae, cumbia, salsa, rumba, ska, polka, samba y son.

 Mezclan el ritmo, la euforia y la conciencia social llevándolos a ser “frescos y alborozados”, listos para la fiesta y el baile. Música que no discrimina, es para todos, en palabras de Citlali Toledo (voz principal) “Te mueve, no importa la edad.”

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Enrique Calderón

“Lo que me gusta de Chévere Suave es que es una propuesta fresca, con fuerza y con mucho sabor, además que se trabaja con amigos, buenos músicos y muy buen ambiente, eso anima y alimenta a cualquiera.”

Enrique Calderón. Trompetista de Chévere Suave

 

 Actualmente están en el proceso de sacar su primer disco, lo que se ha convertido en toda una aventura. Al ser once integrantes, uno imaginaría que el problema sería en la grabación de cada voz; pero en realidad, es el cuidado en los detalles de masterización (mandada a hacer a Nueva York), diseño, pre y post producción los que han mantenido en suspenso a los cientos de seguidores de esta gran banda.

“Suavecito tour, sabor y fiesta tururú

 Han tocado en todo tipo de escenarios y festivales en el DF y a lo largo de la República, como fue el caso de su gira a Oaxaca, llevando la música hasta las fibras más sensibles. Es entonces cuando uno pregunta ¿Qué sigue? “Ya estamos sobre detalles finales del arte, maquila, presentación del disco, fiesta de presentación del disco, harta música, próximas presentaciones, harto baile y pura vida! ¡Estén pendientes mi gente!” 

 Por lo pronto, tienen agendados una serie de conciertos: este sábado en el Foro Hilvana, el 31 de mayo en el centro de Xochimilco, el 21 de Junio en la Fiesta de la Música en el Parque Cañitas y el miércoles 25 de junio en la explanada de la delegación Tláhuac.

 Escucha una de las canciones que estarán en su nuevo disco. Si te gusta ahora imagínate en vivo…

chevere suave 

Pásenla “Chévere” y llévensela “Suave” es el consejo de Chévere Suave

 

 

 

Originally posted 2014-05-23 01:30:21. Republished by Blog Post Promoter

FrnkIero and The Cellabration por primera vez en México

1505617_10152895280363350_7162786734500033954_nMe gustaría saber ¿cuántos amantes de My Chemical Romance andan por acá? Saben por qué, porque este Día de San Valentín, Frank Iero, el ex guitarrista de esta ex banda (también), pisará por primera vez nuestro querido México, promocionando su primer material discográfico Stomachaches, el cual fue lanzado el pasado agosto.

 De forma más privada, Frnk Iero and The Cellabration se presentará en SALA, para dar inicio a la gira que seguirá por Estado Unidos y Canadá, y a su vez, para dar un tour como headliner.

 Después de la pasada visita de Gerard Way, estoy segura que muchos no se querrán perder la oportunidad de ver a este músico, uno de los consentidos de la extinta banda MCR.

 Los primeros temas lanzados son Weighted y Joyriding, si aún no los escuchas ya están disponibles en YouTube, así que échales un ojo; o mejor aún, escucha el álbum completo para que te termines de convencer de ir a este concierto.

 Stomachaches fue creado completamente por Iero, en el que participaron Jarrod Alexander, en la batería y Gerard Way, ex miembros de MCR. Un disco con sonidos punk, característicos de este artista, en donde además canta y nos muestra su voz rasposa y profunda.

Recuerda, la cita es el próximo 14 de febrero a las 21:00 horas en SALA (Puebla #186 esq. Insurgentes). No olvides comprar tus boletos aquí y ve a disfrutar.

 

Originally posted 2015-01-23 11:53:22. Republished by Blog Post Promoter

Eminem muestra un adelanto del video de “Rap God”

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El rapero lanzó el teaser del video de “Rap God”, en el que se puede ver a un Eminem al estilo de Max Headroom (personaje principal de la famosa serie homónima de finales de los años 80).

“Rap God” salió el pasado 14 de octubre y se incluye en su disco The Marshall Mathers LP2, última producción del estadounidense y la segunda que hace alusión a Marshall Bruce Mathers, nombre real de Eminem. Su álbum incluye 16 temas y colaboraciones con artistas como Rihana, Kendrick Lamar, Dr.Dre, Fun y Skylar Grey.

Por lo pronto, hay que esperar hasta el 27 de noviembre para disfrutar del video completo de “Rap God” que, por cierto, se ha colocado en el gusto del público a pesar de la polémica que se desató por las frases con tintes homofóbicos que ésta contiene.

Originally posted 2013-11-23 14:01:08. Republished by Blog Post Promoter

Panic! At The Disco viene a promocionar su nuevo álbum

Dentro de las muchas bandas anunciadas para el próximo año no podía faltar Panic! At The Disco, la agrupación estadounidense que pisará nuevamente tierras aztecas el 28 de febrero del 2015, promocionando su más reciente material Too Weird To Live, Too Rare To Die.

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Este álbum ha debutado en la Billboard 200, después de vender 85000 en la primera semana, así que no puedes perderte esta presentación que se llevará a cabo en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

Aún tienes tiempo para comprar tus boletos, que van de $350 a $800 y disfrutar de los éxitos como I Write Sins Not Tragedies, Nine In The Afternoon, The Ballad of Mona Lisa, entre otros.

La última vez que vino Panic! At The Disco fue en enero de este año, en la primera edición del Indio Alter Rock Fest, que se llevó a cabo en la Arena Ciudad de México. En esa ocasión compartió escenario con Fall Out Boy, New Politics, Bosnian Rainbows, entre otros, pero esta vez será diferente, será un concierto exclusivo para disfrutar del sonido tan característico de esta banda.

Recuerda, la cita es el 28 de febrero de 2015 a las 20:00 horas en el Pepsi Center (Dakota S/N, Colonia Nápoles), para comprar tus boletos da click aquí

 

Originally posted 2014-12-19 08:43:55. Republished by Blog Post Promoter

Forever Dolphin Love: Connan Mockasin

Por: Sus

@BouvierSus

 

Es un hecho comprobable que la mayoría de la música en sus distintos géneros se importa de Europa o Estados Unidos. Por ello resulta destacable que desde las lejanas tierras de Te Awanga, Nueva Zelanda; Conchog Tant Hosford, mejor conocido como Connan Mockasin decidiera formar una banda en 2007, la cual está conformada por  Ross Walker (bajo), Seamus Ebbs (bateria) y Mokasin en guitarra y vocales. El proyecto adquirió el nombre de Connan and the Mockasin, y logró cierta popularidad con la grabación de dos EP’s en los cuales se utilizó un sonido pop con tintes de blues. Tales placas fueron suficientes para que Connan llamara la atención de Fat Boy Slim,  DJ con el que colaboraría en el 2008.

Sin importar los cambios posteriores en la alineación de la banda, Mockasin ya planeaba su carrera solista. En consecuencia, la banda se disolvió y Connan comenzó la creación de Please Turn Me Into The Snat. El disco salió a la luz en el  2010. Sin embargo, en Marzo de 2011, el músico decidió reeditar su álbum debut con la finalidad de mejorar el arte, el nombre y agregar un disco en vivo. El resultado tuvo el título de Forever Dolphin Love, editado bajo la disquera inglesa Phantasy Sound, liderada por Erol Alkan. La placa obtuvo excelentes críticas por parte de la NME, medio británico que lo definió como “pop psicodélico”.

Influído por MGMT , Radiohead e incluso Michael Jackson, “Forever Dolphin Love” es un álbum íntimo, lleno de atmósferas que entrelazan obscuridad e inocencia. Las voces casi infantiles de Connan juegan con los sonidos densos y melancólicos. Fue así como la originalidad de Mockasin atrajo a la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg, con quien colaboró en Stage Whisper (Live & Unreleased) con “Out Of Touch”, así también en las presentaciones por Europa de la cantante francesa.

A un año del debut, el 2012 es un año importante para Connan. Ha participado en importantes festivales Europeos, como el Off Festival (Polonia) y MS Dockville Festival (Alemania). También ha sido elegido por Radiohead para abrir las presentaciones de la banda por Australia y Nueva Zelanda en noviembre. Por otra parte, se espera el lanzamiento de Soft Hair, proyecto alterno  junto al líder de  Late of the Pier , Samuel Eastgate. Por si fuera poco, It’s Chore My Dear” musicaliza la nueva campaña de ZARA Otoño/Invierno 2013 protagonizada por la modelo danesa, Freja Beha.

Todo parece indicar que Connan, desde sus lejanas tierras, llegó para quedarse.

 

Originally posted 2012-08-17 11:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Banda Bassotti: Los bandidos siguen sin descanso

banditiDespués de 2 años de la publicación de su último disco en estudio titulado Siamo Guerriglia, la agrupación dedicada a hacer principalmente punk y ska Banda Bassotti ha decidido sacar un nuevo material  discográfico. Esta vez el nuevo álbum es un disco en vivo y el cual lleva por título Banditi Senza Tempo.

 Banditi Senza Tempo es el tercer álbum en vivo de esta veterana agrupación italiana que cuenta ya con más de 30 años en la escena musical; Sin embargo, este nuevo álbum cuenta en su mayoría con temas que no han aparecido en los otros 2 discos, así como prácticamente algún invitado en cada tema. Entre los invitados podemos encontrar a O’zulu de 99 Posee, Lorenzo Tovoli de la banda punk Klaxon, Kino Ferri vocalista de la ya disuelta agrupación Arpioni, Sandro y Marino de I Gang, entre muchos otros; contando con la particularidad de que por cada invitado hay algún cover de su respectiva banda

 Banda Bassotti se formó en Roma a comienzos de los años 80’s tomando el nombre de los personajes de Disney llamados los Beagle Boys, los cuales en Italia son conocidos como La Banda Bassotti.

Bandabassotti

 Aunque no es una agrupación totalmente dedicada al ska, si fue una de las primeras en Italia en contar con este ritmo dentro de su repertorio, que en su mayoría en un principio estaba compuesto de punk; por lo que actualmente son uno de los más grandes e importantes referentes del ska italiano.

 Desde su formación hasta ahora el grupo ha presentado algunas modificaciones como por ejemplo en el año 2000 tras una pequeña pausa de cuatro años la banda incorporó una sección de vientos a su alineación, y con esto poderle dar más énfasis al sonido del ska. También las letras en castellano han ocupado un lugar importante en el repertorio del grupo.

Banda Bassotti se presentó en nuestro país en el año 2007 durante la clausura del Festival de la Culturas en Resitencia Ollin Kan, el cual se realizó en la plancha del Zócalo capitalino, aquel día se presentó también el músico y cantante vasco Fermin Mugurúza (ex vocalista de Kortatu y Negu Gorriak); y los españoles de La Kinky Beat y Los Discipulos de Otilia. Al día siguiente la banda italiana dio un emblemático concierto en Tlatelolco, la plaza de Las Tres Culturas.

 Debido a su postura política Banda Bassotti constantemente se ha enfrentado a diversas acusaciones por parte de algunas organizaciones de carácter conservador, llegando a ser censurados e incluso llegando a cancelarles algunas presentaciones en distintos países.

 Un acto en vivo de cualquier agrupación siempre será la mejor manera de poder ver su calidad sobre un escenario, en donde una banda demuestra de que está hecha;  este nuevo álbum  es una prueba más en el historial de estos italianos del porque son uno de los máximos exponentes del ska-punk tanto de su país como de la escena internacional.

Originally posted 2014-06-08 01:33:02. Republished by Blog Post Promoter

Vallanzaska y la degeneracion de la generacion

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Alrededor del mundo hay algunas escenas musicales donde, por ciertos motivos suelen destacar tal vez mas que otras; la escena del ska italiano desde su origen (hace mas de 30 años) ha sido un referente mundial en cuanto a ska de buena calidad, con bandas pioneras como los Casino Royal, Statuto o la Banda Bassotti entre muchas otras mas que han sonado a lo largo de todos estos años.

Actualmente las bandas italianas siguen manteniendo ese nivel musical y una de las bandas consideradas entre las mas importantes y representativas de este ritmo son los Vallanzaska, quienes el pasado 28 de marzo sacaron a la venta su nueva producción discográfica titulada: Thegenerazione. La agrupación no sacaba nuevo material discográfico desde hace 3 años, cuando en el 2011 editaron el disco Spaghetti Ska, un álbum recopilatorio con el cual conmemoraron sus primeros 20 años de carrera musical.

Thegenerazione está editado bajo el sello Maninalto! Records (una de las disqueras que mas difunde y apoya el ska y demás ritmos derivados por allá, en las tierras italianas) y cuenta con la participación de diversos músicos y cantantes de la escena italiana como  Paletta bajista de la banda punk Punkreas o Antonio Di Rocco vocalista de Matrioska, e incluso hay una colaboración del español sumamente italianizado Tonino Carotone.

Este album cuenta con el ya característico sonido de la banda, un sonido frenético y alegre con el cual al escuchar los primeros acordes te darán ganas de ponerte a bailar, otra característica de la banda y que este disco no podía dejar fuera son sus letras con un toque humorístico peros con crítica social, tratando de generar un poco de conciencia en cada persona que escuche su música.

Tomando el nombre del conocido criminal Renato Vallanzasca y tocando principalmente covers de Madness y The Specials, Vallanzaska inició su carrera musical en Milano por allá en el año de 1991 pero no sería hasta 10 años después con la salida de su tercer álbum Ancora una Fetta que la banda alcanzaría la masividad y el reconocimiento en su país, siendo actualmente considerada como una de las bandas más importantes y representativas del ska Italiano, formando parte constantemente de diversos acoplados, tanto de ska italiano como internacional.

Aunque el disco físicamente salió a la venta el 28 de marzo, desde el 21 de marzo ya se podía comprar de manera digital, para promocionar el álbum los Vallanzaska iniciaron el 14 de marzo una gira por el territorio italiano.

thegenerazione

Thegenerazione es un álbum que resultará agradable para aquellas personas que ya conocen a la banda o están familiarizadas con estos ritmos, ya que sigue manteniendo la frescura y el sonido característico del grupo; que si bien siempre se ha caracterizado por tener una base ska, se conforma de varios sonidos pasando por el punk, hasta tener algunos toques de música electrónica.

Pero lo mas importantes es que, para las personas que este tipo de sonidos aun sigue siendo un tanto extraños, Vallanzaska y este disco resultan sumamente fáciles, de escuchar, pues a pesar de continuar con esa esencia que los ha caracterizado desde un principio la agrupación ha sabido ir actualizando su sonido, lo que te puede puede llevar a indagar a profundidad sobre este tipo de música.

El nuevo álbum de Vallanzaska es un claro ejemplo de que la música festiva y desenfrenada no tiene por que estar peleada con la calidad musical, por lo que no caería nada mal que algún día esta banda visitara nuestro país, ahora que cada vez es más común observar bandas (de ska y ritmos relacionados) de talla internacional en nuestro país.

Originally posted 2014-04-23 18:19:47. Republished by Blog Post Promoter

STRFKR: Una hipnosis natural

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Hay sensaciones indescriptibles, así como hay música que acompaña esos fragmentos en el tiempo que difícilmente se pueden repetir. Strfckr los crea y logra invocarlos una y otra vez de una manera hipnótica y natural. Esta banda es un cocktail de sonidos electrónicos experimentales mezclados con un poco de rock y una pizca de psicodelia que siempre transmiten un sentimiento diferente, un “algo” que crea una perspectiva distinta de su música en cada track, algo que (en lo personal) es un poco complicado de describir pero que puedo resumir a través de “Isabella Of Castille”  una de las mejores canciones de su primer disco homónimo lanzado en 2008 que a pesar de su gran talento se guardó sólo para unas cuantas personas que lograron dar con su trabajo, conocerlo y seguirlo. Así, después de su visita en la Ciudad de México en 2011 con su segundo LP  “Reptilians” a dos años su nuevo álbum en puerta “Miracle Mile”  saldrá a la venta el 19 de febrero. Ahora ya se pueden escuchar dos canciones con un sonido renovado que vibra y se desborda: “Say to you” y “While I’m alive”. Estamos seguros  de que este será el mejor trabajo hasta ahora de Strfckr que transmitirá en todo su esplendor la energía única que poseen. Sin más sólo queda esperar y que su música hable por sí misma, ¡Disfruten!

 

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-02-11 18:23:35. Republished by Blog Post Promoter

Albert, debut de Take Part

Take Part es una banda con alineación básica (guitarra, bajo, teclado y batería) proveniente de Halifax, Canada.

Albert es su albúm debut. Lanzado el pasado 27 de Julio, Albert es una placa que muestra, en 11 tracks una diversidad musical que por momentos nos recuerda beats de Blink 182, armonías con toque britpop y rock psicodélico para cerrar la entrega. Este proyecto canadiense imprime su esencia en cada una de las letras y con canciones como My Pussy Has So Many Friends le cantan al mundo su forma de entender una canción de amor.

 

 

Si quieres escuchar y descargar Albert da click aquí

Originally posted 2012-07-29 17:28:14. Republished by Blog Post Promoter

Sólo falta una semana: Never Shout Never en México

B31-5BVIgAARaNSAmantes de Never Shout Never ¡ATENCIÓN! Si aún no tienen sus boletos para este concierto, ¿qué están esperando? El próximo viernes 30 de enero se estará llevando la presentación de la banda estadounidense liderada por Christopher Drew en el Pepsi Center WTC, en punto de las 21:00 horas.

 NSN, regresa por tercera vez a nuestro país y en esta ocasión podremos escuchar algunas canciones de su más reciente producción.

 Recycled Youth, álbum que saldrá a la venta en unos meses, es el sexto material de esta banda de Indie Rock, el cual está cargado de sonidos melódicos que gustarán a más de uno.

 Compra tus boletos aquí y ve a disfrutar.

Originally posted 2015-01-26 13:16:16. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias aurales: Bodysong de Jonny Greenwood

Ésta es una recomendación para todos aquéllos que gustan de escuchar un poco (o un mucho) de Radiohead, así como para todos los que simplemente tengan ganas de acercarse de una manera amable a la música experimental. Jonny Greenwood -multiinstrumentista, compositor y guitarrista de Radiohead- compuso esta música en 2003 como soundtrack para una película de arte llamada Bodysong (Bodysong, 2003). Este documental, dirigido por el británico Simon Pummel, es una recopilación de vídeos hechos en el transcurso de un siglo que hablan acerca de la vida humana. El soundtrack de Greenwood les da vida y voz, pues no hay un solo diálogo.

Jonny Greenwood
Jonny Greenwood

Así como la vida, la música de Greenwood es inmensamente variada y nace de múltiples influencias. Lo increíble es que de todas maneras escuchamos la voz personal del compositor en cada una de ellas. El disco comienza con Moon Trills, una rola en la que podemos escuchar reminiscencias de Pyramid Song (Radiohead), así como del Cuarteto Para el Fin de Los Tiempos de Messiaen: acordes al piano en frente de una cortina de cuerdas (interpretadas por el Emperor String Quartet) y Ondas Martenot. El recién nacido y su serpenteante llegada al mundo. Poco después viene Iron Swallow, una pieza para cuarteto de cuerdas donde una melodía arrebatada se desliza sobre una cama de pizzicatos.

En Convergence nos encontramos con una pieza para percusiones donde un proceso de transformación nos lleva de lo rítmicamente estable al unísono rítmico, pasando por lo semi-caótico. Splitter es una pieza más arraigada a la tradición del jazz, pero que también recuerda de alguna manera a rolas como The National Anthem: la locura de los metales soportada por la locura del bajo y la batería.

24 Hour Charleston es una de las pocas piezas donde aparece la guitarra eléctrica (lo cual resulta sorprendente tomando en cuenta el papel de Greenwood en Radiohead), tocando un riff que podría haber sido sacado de Hail to The Thief. Ya a punto de terminar, Milky Drops From Heaven es una inyección cargada de free jazz y densidad electroacústica, probablemente la pieza más ruidosa del disco (¿representa acaso la agonía de un moribundo?).

Jonny_Greenwood,_May_11,_2008

Greenwood termina con Tehellet, pieza para cuarteto de cuerdas y electrónica, que parece ascender interminablemente: la energía en su forma más pura es liberada de la prisión corpórea y se pierde en las inmensidades del universo.

Algo que llama mucho la atención es que al escuchar este disco, uno se percata de cuáles son los ingredientes que Jonny Greenwood ha aportado al guiso que es Radiohead. Junto con Thom Yorke y Nigel Godrich, Greenwood es una parte esencial de la ecuación creativa. En esta obra encontramos muchos de los timbres característicos de Radiohead, así como sucede en Amok de Atoms for Peace (donde la mano de Thom Yorke resalta clara como el agua) y en Sea Change de Beck (producido por Nigel Godrich y Nigelgodrichesco en su plenitud).

Después de componer Bodysong, Greenwood ha hecho numerosos soundtracks para películas como Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2007), Tokio Blues (Norwegian Wood, 2010), Tenemos que hablar de Kevin (We Need To Talk About Kevin, 2011) y The Master (The Master, 2012). También ha compuesto varias piezas para la orquesta de la BBC, que lo contrató en el 2004 como compositor en residencia. Es muy inspirador ver cómo artistas como Jonny Greenwood, a pesar de tener un lugar asegurado en la historia de la música gracias a su trabajo con Radiohead, siguen superándose, experimentando, probando cosas nuevas y buscando expresarse a través de distintos medios. Pocos lo hacen como él, debo decir: Jonny Greenwood es un músico hecho y derecho.

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#Escucha lo nuevo de Röyksopp

El dúo noruego de música electrónica (formado en 1998) Röyksopp lanza un nuevo sencillo después de algún tiempo de mantenerse alejados de la vida musical. Pasaron tres años desde su último material y ahora anuncian la llegada de un nuevo LP a finales de este año mediante su propio sello discográfico, Dog Triumph.

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En este nuevo sencillo (Something in My Heart), que cuenta con la participación de Jamie McDermott, conocido por su trabajo con The Irrepressibles, regresa a la etapa más temprana de Röyksopp de discos como el Melody A.M., donde las secuencias más dulces y digeribles hacen todo el trabajo mientras se acompañan de voces muy melódicas en un sonido bastante logrado del mejor electro pop.

El nuevo material del dúo noruego se espera para el próximo 16 de Diciembre en el Reino Unido. Será, sin duda, uno de los materiales más esperados para este año que está tan cercano a terminar.

Originally posted 2013-11-21 17:15:33. Republished by Blog Post Promoter

Dinamo: estrenando disco y gira por México

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El próximo mes de Marzo, la banda originaria de Mallorca, España realizará una pequeña gira por tierras mexicanas la cual servirá para presentar su nuevo material discográfico titulado Quilombo Total.

Esta nueva producción discográfica cuenta con el ya característico sonido de la banda: una mezcla de ska , reggae, hip hop, cuarteto y demás sonidos provenientes de diversos lugares, dando como resultado una música bailable y 100% festiva.

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Después de que el año pasado por motivos ajenos a la banda se cancelaron las presentaciones que la agrupación tenía programadas para nuestro país, ahora sí todo parece estar listo para que deleiten al público mexicano.

Originally posted 2014-02-12 22:24:15. Republished by Blog Post Promoter

La Roux en México

 

la-roux-591x900 Tras una larga espera, finalmente Elly Jackson, mejor conocida como La Roux, pisará tierras mexicanas el próximo 27 de enero para promocionar su segundo material discográfico Trouble In Paradise, que fue reconocido con un Grammy a Mejor Álbum Electrónico/Dance y nominado a los premios Brit Awards en las categorías British Breakthrough Act y British Single.

 Después de la separación de su compañero Ben Langmaid, co escritor y co productor del primer álbum, La Roux regresa con un álbum que combina diferentes géneros musicales como synthpop, new wave y disco.

 La cita es el próximo 27 de enero en el José Cuervo Salón (Lago Andromaco #17 esq. Moliere) a las 21:00 horas. El costo de los boletos es: General $550 y VIP $650, para adquirirlos da click aquí.

 

 

Originally posted 2014-12-08 10:37:39. Republished by Blog Post Promoter

Lonely Motel: Music From Slide (o “King Crimson meets Renaissance Music meets Performance meets Contemporary Art song”)

Hoy me gustaría hablar sobre un disco que es uno de mis grandes favoritos: Lonely Motel: Music From Slide. Esta grabación fue hecha para permitir que el mundo conociera la música de una pieza teatral llamada Slide, coproducción de Steven Mackey y Rinde Eckert (que ya han trabajado en conjunto para llevar a cabo otras obras galardonadas como Ravenshead y Dreamhouse), ganadora del Grammy a Mejor Interpretación de Ensamble de Cámara en el 2011 y nominada a otros 3 (entre ellos Mejor Composición Contemporánea).

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 Se podría pensar que, a falta de representación escénica, el disco sufriría de algunas carencias insalvables, pero resulta sorprendente percatarse de que el audio por sí mismo se sostiene impecablemente. Es muy probable que tenga que ver con el hecho de que Slide, más que una ópera o un musical, es más bien una colección de 11 canciones que retratan la personalidad y la vida del personaje principal: un psicólogo que, después de ser abandonado por su prometida en el día de su boda, irónicamente (o tal vez no tan irónicamente) comienza a volverse un poco loco.

 Steven Mackey: compositor, guitarrista, improvisador y maestro de Princeton, compuso esta pieza especialmente para el ensamble Eighth Blackbird, que, según palabras del propio Mackey,

“Es un raro grupo que puede tocar una polirritmia compleja y además “groovear” sobre un pulso constante” (http://stevenmackey.com/composer. 2010)

 

 Utilizo “groovear” como un intento de latinizar la palabra “groove” o “swing”, que es el sentimiento rítmico característico de estilos como el jazz o el rock. Y es que esta obra, como muchas de las cosas que ha hecho Mackey, busca sintetizar muchas de las características de la música popular con las de la música “culta”. Y es muy cierto que pocos ensambles podrían haber realizado el trabajo que hizo Eighth Blackbird, pues Slide tiene un poco de todo y, por esta misma razón, presenta múltiples y complicados retos para los intérpretes.

 Es increíble pensar que una canción como “She Walks”: dulce, con tintes renacentistas y con la voz de Rinde Eckert cantando en un falsete a la castrati; pueda encontrarse al lado de “Ghosts”: una rola netamente rockera, donde la guitarra eléctrica de Steven Mackey lanza furiosos riffs distorsionados al lado de una cruda batería y un bajo eléctrico. Y lo más impresionante es que a pesar de esto, Mackey logra mantener una coherencia absoluta a través de toda la obra.

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Como ya he dicho, Slide cuenta la historia de un psicólogo llamado Renard que está perdiendo un poco la cordura. Rinde Eckert se basó en un experimento psicológico real para crear a su personaje. En este experimento se les mostraba unas imágenes borrosas a algunos sujetos para que intentaran adivinar qué era lo que realmente se encontraba en dichas imágenes. Después, al aclarar las fotos, se tomaba el tiempo en el que los sujetos se percataban de si habían acertado o no. Renardal estar recordando el experimento, comienza repentinamente a observar su vida en una alternancia de imágenes borrosas y claras: todo de lo que estaba seguro se difumina y se vuelve confuso; y las cosas mágicas que le daban misterio y sabor a sus recuerdos se aclaran dolorosamente y desaparecen.

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Steven Mackey utiliza esta contraposición entre lo borroso y lo claro para conseguir unos efectos musicales bastante interesantes. En “She Walks”, por ejemplo, la canción termina con un solo de chelo que fluctúa entre una melodía tremendamente apasionada y unos glissandos terribles que imitan la estática informe de la señal de radio. Otro ejemplo es la rola más importante de la obra: “Stare”, que comienza con una progresión armónica en el piano que tiene un ritmo tan difuso que es imposible de metrificar. Poco a poco, se le une la percusión y más tarde el clarinete y el violonchelo, haciendo del ritmo algo cada vez más concreto. Al final, cuando entra la voz, lo abstracto ha entrado en foco, y la masa musical sin forma se ha convertido milagrosamente en una linda canción.

Realmente es complicado describir Lonely Motel: Music From Slide con palabras. Es una obra sumamente energética, llena de contrastes y con un trabajo compositivo finísimo. Es fácil ver por qué Steven Mackey es hoy uno de los compositores más importantes de su generación: en él se ven perfectamente realizadas tanto las formalidades y complejidades de la academia como la fuerza y la emoción del rock.

Originally posted 2014-04-08 13:56:08. Republished by Blog Post Promoter

Black Veil Brides llega a México otra vez

¡Ya era hora! Black Veil Brides regresa a México el próximo 19 de abril en el Pepsi Center WTC, así que BVB ARMY prepárense para disfrutar de una noche llena de música que hará a más de uno mover la cabeza.

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 En esta ocasión escucharemos su último álbum, Black Veil Brides IV, que fue lanzado el pasado 27 de octubre y del cual se desprenden dos éxitos: Heart Of Fire y Goodbye Agony.

Los boletos ya están a la venta en sistema Ticketmaster y con ello el nuevo disco, que se entregará el día del concierto en las mesas de canje. La sorpresa de todo esto es que 100 discos incluirán un cupón dorado que se podrá cambiar por un Meet and greet con BVB después del evento.

Aquí los costos:
Sección A-$620 + cargos por servicio
Sección B-$370 + cargos por servicio
Sección C-$570 + cargos por servicio
Sección D-$470 + cargos por servicio
VIP-$900 + cargos por servicio (incluye poster edición limitada)

Compra tus boletos aquí

Recuerda, la cita es el 19 de abril a las 20:00 horas en Pepsi Center WTC (Dakota S/N, Colonia Nápoles)

 

 

 

 

Originally posted 2014-12-24 12:31:38. Republished by Blog Post Promoter

Una concierto con mucho poder: Motor en el DF

Si te gusta el rock mexicano y apoyas la escena musical de nuestro país este evento es para ti. Motor, la banda de rock duro, serio y directo, se estará presentando el próximo 13 de febrero en Bar Caradura (Nuevo León #73., Col. Condesa).

Motor es una agrupación formada en 2011 por Manuel Suárez, Toño “El Patas” Rodríguez, Christian Charpenell y Pablo Enríquez, a partir de la desintegración de Guillotina, una banda mexicana con estilo grunge de los años 90. A finales del año pasado se estrenó Motor II, su segundo material discográfico que es más agresivo y el cual se escuchará en esta presentación que la banda  ha preparado. Así que no te puedes perder la oportunidad de escuchar a esta agrupación que ya ha pisado grandes escenarios como el Vive Latino, South by South West en Austin Texas, El Rock Nos Une y Revolution Fest.

Compra tus boletos aqui y no te pierdas la oportunidad de escucharlos en vivo.

Originally posted 2015-01-19 11:21:26. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: el copyright

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

 

La Comisión Permanente, que suple al Congreso de la Unión durante los recesos parlamentarios y hace las veces de Senado, rechazó ratificar el Acuerdo Multilateral Comercial contra la Falsificación -ACTA, por sus siglas en inglés-, firmado por el embajador de México en Japón a principios de mes.

La razón, explicaron, fue que consideraron que restringía derechos como la libertad de expresión e imponía censuras indebidas en la red. Un diagnóstico similar dio el parlamento europeo al rechazarla unas semanas antes de que México la firmara.

El acuerdo, promovido por los cabilderos de las grandes industrias del entretenimiento, plantea el rastreo de direcciones IP de usuarios de la red por parte del gobierno y la criminalización del compartimiento de archivos con derechos de autor, práctica frecuente y generalizada entre los internautas.

Mientras los poderosos intereses de Hollywood y la industria musical hacen labor de presión alrededor del mundo para que los gobiernos se sumen a ACTA, otras voces se han levantado para combatir no sólo el acuerdo sino el paradigma financiero de las industrias del entretenimiento. Músicos y cineastas alrededor del mundo han expresado que apoyan la causa de los usuarios de internet que encuentran en el compartimiento de archivos un valor cultural indispensable más allá del tema económico. El argumento es que la libertad de difusión beneficia y no perjudica a la cultura y la creación artística.

La guerra no ha terminado y el debate está abierto. Para comprender mejor el tema, estos son algunos documentales que se han producido en los últimos años sobre el controversial tópico.

 

RIP! A Remix Manifesto

 

 

 

Steal This Film

 

 

 

Good Copy, Bad Copy

 

 

 

Copyright Criminals (en inglés sin subtítulos)

 

 

Originally posted 2012-08-01 11:00:40. Republished by Blog Post Promoter