Ya viene: Ensayódromo

 La historia es bien conocida, todo surge con una  idea: “Formemos una banda”

Son tan solo unos cuantos los que aprenden a moverse y con el tiempo descubren en la música una forma de vida, más allá de la necesidad momentánea de calmar sus ansias y externar sus debrayes. Son aquellos los que definen su estilo dándose a conocer por diversos medios, llegando paulatinamente a las conversaciones de millones de personas con gustos similares.

yo en mi cuarto

¿Cómo le hicieron? ¿Hay una fórmula ganadora?

 Varios son los retos que se deben vencer para consolidarte como una banda. Pueden ser problemas con el grupo, falta de creatividad, etc. Pero muchas otras veces consiste en factores externos: falta de recursos, falta de infraestructura…no tienen instrumentos ni dónde ensayar.

 Es cuando los vecinos llegan con su acostumbrado: “¡Cállate, no me dejas dormir!”

durmiendo

¿Qué es un Ensayódromo?

 Es un programa que busca solucionar aquellos problemas externos que impiden la salida de propuestas emergentes a la luz. Para eso, se habilitará un espacio de dominio público como cuarto de ensayo con tratamiento acústico, dentro tendrá instrumentos y a un ingeniero disponible para cualquier inconveniente. Se podrán escuchar los ensayos en vivo a través de un streaming, por medio de bocinas o transmisión Bluetooth. Se trata de crear un ambiente ameno afuera de los lugares de ensayo para poder grabar los avances con un equipo de software y computo especializado.

ensayodromos

 Este programa es un hecho, Chulavista Art House A.C. lo está gestionando y con el apoyo de inversionistas como TARES y Grupo Chulavista se está construyendo el primero en Avenida Universidad No. 178.

Espéralo muy pronto…

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Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Originally posted 2013-08-19 12:32:06. Republished by Blog Post Promoter

Bat For Lashes: “Laura”

Natasha Khan, mejor conocida como Bat For Lashes está a punto de estrenar un nuevo álbum llamado The Haunted Man. Como pequeña muestra, está el footage en el que se le ve interpretando distintas canciones de su último disco; sin embargo, existe una todavía mayor: El lanzamiento del video de “Laura”, el sencillo que lidera esta nueva producción.

 

The Haunted Man, de Bat For Lashes corre a cargo del sello de EMI y estará disponible a partir del 15 de Octubre.

 

*Al preordenar The Haunted Man vía iTunes, Bat For Lashes regala la descarga de “Laura”.

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Raymondstock 2014: sonidos raros para chavos aún más raros

Tras una exitosa primera edición que tuvo lugar en un kinder abandonado de la calle Colima en la colonia Roma, el festival Raymondstock regresa con más bandas, capacidad y diversión. Para esta segunda edición, que tendrá lugar el sábado 4 de octubre en el Foro Indie Rocks! de la colonia Roma, Ramón Jaramillo, director del festival, reunirá a más de una veintena de bandas originarias de distintos estados de la República y diversos países.

Raymond

El cartel lo conforman:

Información del evento:

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La información respecto a los boletos pronto estará disponible en el SITIO WEB del festival.

 

 

Originally posted 2014-09-11 10:14:36. Republished by Blog Post Promoter

¡Vive el XXXVI Foro Internacional de Música Nueva!

Del 16 de mayo al 6 de junio, se llevará a cabo el XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, uno de los poquísimos festivales de música contemporánea que se pueden encontrar en esta ciudad. El Manuel Enríquez es un espacio donde los compositores vivos y los intérpretes de música nueva tienen la oportunidad de mostrar su arte al mundo.

 Pensado como una colaboración compositor-intérprete, los compositores pueden concursar con una pieza original que si es elegida será asignada a alguno de los intérpretes disponibles; de la misma manera, los intérpretes pueden proponer un programa de música elegida por ellos, de manera que el concierto esté moldeado de acuerdo a sus posibilidades y sus gustos (aunque casi siempre se les enjareta una que otra pieza que anda huérfana).

Orquesta Sinfónica Nacional
Orquesta Sinfónica Nacional

 El Foro comenzó el viernes 16 de mayo con un concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio Bellas Artes. La verdad es que fue una bella apertura, una buen indicador de las maravillas que están por venir. Iniciaron con Impact (2013), del compositor norteamericano joven Charles Halka, que utiliza como motivo principal un “gran ruido sordo”: material musical que suena a caída y a madrazo mortal.

 La segunda pieza, L’aile du songe (2001), de la finlandesa Kaija Saariaho, es un concierto para flauta que fue interpretado esta vez por el maravilloso flautista, compositor e improvisador Alejandro Escuer. Una obra de poesía infinita, está construida como la filigrana, de detalles pequeñísimos y sumamente valiosos. La quietud invade la mayor parte del tiempo, con ligeros destellos de luz que a veces llegan a quasi-clímaxes, pero sin perder nunca la precisa mesura. Alejandro Escuer estuvo tocando una flauta microtonal, que le permitía una maleabilidad inusitada de las alturas. Conozcan esta hermosa obra aquí.

Alejandro Escuer
Alejandro Escuer

 Después del intermedio fue turno del mexicano Mario Lavista, maestro hoy en día del Conservatorio Nacional de Música y director de Pauta (cuadernos de teoría y crítica musical). Su pieza Tres cantos a Edurne (2010), compuesta como una alabanza a la virgen, es una bella muestra de religiosidad musical. Los cantos celestiales resuenan casi siempre en los metales, como fanfarrias anunciando la llegada de la divinidad salvadora.

 Inspiration (2011) de Shigeru Kan-no, fue la única pieza que me pareció banal y hasta probablemente insoportable, pues llega un momento en donde de verdad ya han sido más que suficientes clusters de glissandos en las cuerdas.

 Próximamente habrá varios conciertos enormemente recomendables, que vale mucho la pena aprovechar. El 19 de mayo se presenta Ónix Ensamble, con un programa que incluye a George Crumb y Michael Nyman, entre otros; el 21 y 24 de mayo tocará el legendario cuarteto Arditti, con unos conciertos radicales donde podremos escuchar a Elliott Carter, Conlon Nancarrow, Alban Berg, Harrison Birtwistle y otros; el 23 de mayo, el Ensamble Instrumental Cepromusic dará un tremendo concierto que incluye una obra de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz, conocida por la fuerza rítmica con la que adereza su música; el 25 de mayo, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México nos deleitará con un programa que incluye a Javier Álvarez y a Jorge Torres Sáenz; el 26 de mayo, el Ensamble Okho dará un ecléctico concierto donde podremos escuchar desde Iannis Xenakis hasta David Lang; el 30 de mayo, el ensamble Liminar, especializado en música radical de vanguardia, ofrecerá un banquete con música de Mauricio Kagel, Carola Bauckholt y Helmut Lachenmann.

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México
Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

 Estos son sólo algunos de los maravillosos conciertos que nos esperan próximamente. Para la cartelera completa entren aquí. Es importante asistir a esta clase de eventos, por dos razones: En primera, porque es un alimento bastante único para el espíritu, que pocas veces tenemos la oportunidad de tener; en segunda, porque entre más difusión e interés haya de parte del público, más oportunidades habrá de que se armen festivales similares y espacios de expresión artística libre.

Originally posted 2014-05-19 23:58:02. Republished by Blog Post Promoter

Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

Originally posted 2012-11-04 19:30:35. Republished by Blog Post Promoter

Viernes de Remixes: Be my valentine

San Valentín: Un día mas o el mejor del año? Sin importar cuál sea tu respuesta la música nunca está de más, por esto decidimos dedicarle este Lunes de remixes a dos piezas elementales en cualquier playlist que (para bien o para mal) incluya la palabra amor. La primera es “Thinking about you” de Frank Ocean que es una canción que es perfecta, con una atmósfera cálida y al mismo tiempo melancólica. Ésta es llevada al siguiente nivel en el remix de Ryan Hemsworth dando un hermoso resultado que mantiene la genial estructura de la melodía original. El segundo remix es un clásico de Bon Iver: “Skiny Love”. Una gran pieza que toma otro aire en manos de Das Kapital; beats que, al compás de la canción, envuelven en delicados instantes de una melancolía que es para saborear y disfrutarse. Escuchen, disfruten y celebren su propio 14 de Febrero cualquier día del año.

 

 

Originally posted 2013-02-11 20:54:08. Republished by Blog Post Promoter

Autos usados: Daniel Espartaco Sánchez

Las semejanzas entre el comportamiento humano y la misma naturaleza nunca dejan de sorprendernos. No todo es fluido o continuo, muchas veces se paraliza, se detiene. Obedecemos con fiel ironía a un ciclo impuesto que no nos cansamos de alterar.

 El calor quema; sin embargo, se alude a las pasiones y a la viveza. 40° y contando…se vuelve insoportable. El calor hostiga y cansa ¿Qué tanto arde dentro de nosotros?

 La contraparte: el frío. Es cierto, el frío también quema; algunas veces refresca, y otra tantas congela. Nos hace indiferentes, insensibles. ¿Qué tan frígido se puede mantener antes de quebrarse?

 Autos usados, primera novela del autor mexicano Daniel Espartaco Sánchez, está escrita en el frío que te parte los labios aún cuando hay algo más que decir. Elías, protagonista de esta historia, narra la insulsa carrera en contra de la realidad, porque no siempre las fantasías nos asombran más que la inmediata materialidad.

Daniel Espartaco Sánchez
Daniel Espartaco Sánchez

 Elías deja a un lado el sueño de comprarse al contado –como verdadero hombre- un auto usado junto con la idea de “un sueño americano reciclado y más barato” y asentar su vida en Amarillo, Texas. Obedeciendo el camino autoimpuesto termina en la Ciudad de México para ser testigo de cómo las personas que estuvieron en su vida se convierten en personajes de la violencia.

“Me pareció que la vida era en gran parte escoger entre una y otra frase trillada en determinados momentos.”

 Daniel Espartaco Sánchez, nació en Chihuahua uno de aquellos años que sentimos perdidos del norte. Ha sido acreedor a diversos premios literarios como el Nacional de Cuento Agustín Yáñez, el Nacional de Literatura Gilberto Owen y el año pasado fue galardonado con el Premio bellas Artes de Narrativa Colima para Obra Publicada (este reconocimiento le fue otorgado a grandes personajes como José Agustín, Elena Garro, Federico Campbell, entre otros).

 Dentro de su trabajo literario no sólo destaca Autos usados (2012), también se distingue Cosmonauta (2011), Bisontes (2013) y La muerte del pelícano (2014). Este último título fue escrito en colaboración con su hermano Raúl Aníbal Sánchez.

 Autos usados no es otra historia de narcotráfico y violencia que se desenvuelve en el norte del país, gastando testimonios al por mayor de lo que ya hemos escuchado sin que nos importe lo mínimo. No. Esta novela narra una nueva perspectiva, del que oscila entre el crimen, la pasividad y la muerte. Es donde todos los que nos encontramos (o sentimos) lo suficientemente alejados de allá, inventamos un mejor pretexto para olvidarlo, para no entenderlo.

 Espartaco Sánchez es un escritor claro, espontáneo, irónico y agudo. No hacen falta las reverencias para un autor que escribe por sí mismo y, sin lugar a duda, debemos mantener presente.

“Luego la calma, aún más odiosa; el aborrecimiento de uno mismo por ser incapaz de destruir y hacer daño; el pacto entre la falta de voluntad y el inmenso espacio de allá afuera; la transacción éntre la cobardía y la conformidad.”

Originally posted 2014-07-31 10:43:38. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

Originally posted 2014-08-07 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

CALONCHO: UN SÍ AL #AMORENBAHIDORÁ CON SABOR A MAR

 

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Se acerca el mejor día del año para disfrutar de buena música en un lugar paradisiaco rodeado de todo tipo de bellezas y no quisimos dejar pasar la oportunidad para ir calentando los ánimos a una semana de que el Carnaval de Bahidorá reciba a los peregrinos enamorados y a los que no lo están tanto, pero que estamos seguros, terminarán contagiándose del #AmorenBahidorá.

Un beso, un abrazo, una caricia, una sonrisa… la ocasión y el espacio son ideales para sumarse al espíritu Axe Peace y compartir ese  Sí al amor, no a la guerra acompañados de buena música y el mejor de los ánimos.

Para adentrarnos en el universo amoroso que viviremos en Bahidorá, Distrito Global platicó con Caloncho, este músico y compositor sonorense de nacimiento, pero habitante de tierras tapatías que navega romántica y sensualmente en un mar de música y cuyo toque fresco y dulce va hipnotizando oídos como dice su canción: “…a chupetazos”.

Con su singular sentido del humor e ingenio, te compartimos algunas de sus impresiones sobre el romance, la serenata, los sinónimos del amor y otras cosas misceláneas ad hoc a los flechazos de San Valentín y por supuesto, con sabor bahidorano.

1. Tenemos que confesarte que cada vez que escuchamos Fruta en la oficina se nos hace agua la boca. Pensar en fruta inevitablemente nos remite a olores y sabores, a frescura y por supuesto, al sonido producido al morder, masticar y partir. Todas esas imágenes son muy sensuales, ¿de todas las frutas cuál te parece la más sensual

 

Que chingón que suene en su oficina, (◠). Creo que para el contexto sensual escogería el mango, uno no tan verde ni tan maduro. Que tenga ju go pero con consistencia firme, que se pueda trozar al morder pero que tenga azúcar que escurra, ja, ja. Encuentro a la papaya como una de las más ricas, pero no sé por qué a mucha gente le disgusta la deliciosa consistencia y el olor, además esa sí es una fruta jugosa y noble.

2. El mar, el sol… Tus canciones también nos hacen querer vivir lejos de la ciudad, como en un sueño de arena. ¿Cómo es el paraíso de Caloncho?

Tiene su dosis de utopía, pero el paraíso para mí si sería un espacio lleno de naturaleza y sus recursos. Muchos árboles y vegetación, un lago o río y el mar cerca, con un clima cálido templado. Una casa cómoda con ventanas grandes y el tiempo de ocio y trabajo necesario para poder disfrutar del tiempo. Con amigos vecinos convencidos del trueque de la producción casera de vegetales y delicias del campo. Obvio orgánico je,je. Perros, gatos, pesca, sushi, tacos, cerveza, interacción-arte, maíz, gente amable y plantas agradables. He visto algo muy similar en Quintana Roo. 

3. Tu música es como una constante invitación, ¿quién es esa morena a la que le cantas?

Es una morrita bien chula, mi novia, sale en el video de “Palmar” y “Chupetazos”.

4. ¿Alguna vez llevaste serenata? Platícanos un poco de esta experiencia y de lo que piensas de esta costumbre.

Me parece que sí tiene algo de cliché del mexicano romántico bravío, pero sí funciona y es una tradición bonita. Una vez monté en la troca de mi hermano los amplis, monitores, micros y demás y junto con un amigo llevé una serenata a mi novia. Le pedí a su mamá que dejara una extensión para que funcionara todo el asunto, y canté “Stand by me” en versión reggae. 

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5. ¿Que situaciones Caloncho resolvería a chupetazos?

Jajaja, el amor une. Son sinónimos.  

6. En Bahidorá habrá además de música, muchas actividades, ¿en cuáles te gustaría participar?

Planeo pasarla increíble, quiero nadar en esa agua cristalina y ver si me toca ver la hierbabuena florecer, echar baile, ver a Júpiter, las estrellas y la luna, cotorrear en puro goce. 

7. ¿Hay alguna banda del line up de Bahidorá que te gustaría escuchar en vivo?

Tengo ganas de ver a Wild Belle, y he estado escuchando a Mahmundi, Tokimonsta y Bomba Estéreo. Aún no termino de repasar el lineup, pero en el proceso estoy, para poder aprovechar el día.

Axe Peace te recomienda escuchar a Caloncho en el Carnaval de Bahidorá y disfrutar de su toque tropical.

No olvides visitar el árbol del amor en Bahidorá, donde podrás dejar un testimonio de ese lado romántico y pacífico que disfrutarás en el carnaval.

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#AxePeaceBahidorá

#AmorenBahidorá

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Originally posted 2014-02-14 17:57:54. Republished by Blog Post Promoter

Submarine,más allá de la crisis de la adolescencia

Por: Rodrigo Aguilar

Submarine (2010) es una película de origen británico en donde se relata la historia de Oliver Tate (Craig Roberts), un solitario chico de 15 años, con una cabeza inexplorable, anegado de frustraciones y de interminables preguntas. Sus padres presentan una gran apatía el uno por el otro. Pero su letargo se verá afectado por el idilio que compartirá con su compañera del instituto, Jordana Bevan (Yasmin Paige).submarine1“Submarine” se encuentra ambientada, aproximadamente, en los años 80’s y está basada en la primera obra literaria del novelista, periodista y poeta galés, Joe Dunthorne. La novela de Dunthorne consta varias partes: Prólogo, epílogo y tres capítulos, en los que se encuentran personajes vitales en el devenir de Oliver Tate.

A ésta le da seguimiento una de las partes más relevantes de la película, el amorío que comparten Oliver y Jordana. Jordana Bevan no es el tipo de adolescente a la que le gustan las cosas románticas, prefiere llevar una relación divertida, pero sin involucrar demasiado los sentimientos, pero esta postura termina cuando se ven involucrados diversos factores que atizan los sentimientos de ambos.

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A pesar de la relación que Oliver mantenía con Jordana, la enorme digresión del matrimonio desventurado de sus padres hace a Oliver discernir a que situación le prestará más atención. Al noviazgo que intenta mantener , o a la frágil relación marital de sus padres.

La película consta también de un destacable soundtrack, nombrado de la misma manera, compuesto especialmente por Alexander David Turner, conocido como Alex Turner, líder de la banda británica Artic Monkeys . Cada una de las canciones actúa descriptivamente al transcurrir de cada capítulo de la película.
Los dejamos con el trailer de la película y con el soundtrack completo, para que lo disfruten en estas tardes de otoño.

Originally posted 2013-10-09 11:48:50. Republished by Blog Post Promoter

Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 3

Por Hernán Flores

[Jueves 25 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. ¿Se lo pido o no se lo pido?, discutía en mi mente mientras pensaba pedirle un trago de agua al chico de al lado. Pero qué condenada resaca me cargo: síntomas de una noche más que blandimos como un sable en llamas. Esta vez el metro iba más bien vacío, yo leía con comodidad mis Cuentos Completos de Capote y no me preocupaba por nada más que yo y mi ego. Con una que otra turbulencia y amarres de frenos, llego mi vagón hasta a la estación de Zócalo donde me repetía sin cesar que éste sí que sería un buen día. Jamás lo sería y yo lo sabía muy bien, sin embargo no perdía nada con intentarlo, o al menos eso creía.

 

3:30 p.m. “1) No usar condón te ahorra una lanérrima. Neta. Para que se den una idea, con esa lana ahorrada ayer fuimos (la mujer que amo y yo) a comer a Los Mercaderes, ese restaurante sostenido por cuatro Atlantes en la calle cinco de mayo.” fue lo único que escuché. Mi atención ya estaba dominada por sus palabras, no sé si porque era lo que más o lo que menos quería escuchar, pero de la manera que fuera, decidí sentarme y poner atención, obviamente. Uno no puede irse así como así después de escuchar esas palabras. Gerardo Díaz leía un fragmento del comienzo del onceavo número de la revista “Los Bastardos de la Uva”. Después de una lectura ligeramente torpe explicó que “éste fue un proyecto que nació en una cantina, junto con unas buenas caguamas y un plato con cacahuates picantes y salados.” Decía que ésta, su revista, era un verdadero logro y un bote que estaba saliendo muy bien a flote. Que publicaban bimestralmente y que éste era ya su número 11, que esperaban publicar muchos más. En las manos de Ricardo Lugo Viñas, se encontraba una tablet donde él leía una carta mandada por un poeta reconocido y que clamaba, exigía ser publicado por su revista. Ego. “No hay que vulgarizar el acto de robar libros” decía Gerardo, cosa que yo le celebré hasta el cansancio y la comezón característica después de aplaudir sin parar durante un rato. Decidí comprar un par de números y aunque no pensaba gastar más de 50 pesos, encontré una revelación: “Mariana con M de música” era su título. Curiosa coincidencia, (¿era ésta una coincidencia?) un día antes había querido desangrar ese nombre hasta la muerte, sin piedad y sin calma. Hoy lo volvía a poder pronunciar, podía leerlo de nuevo sin morderme los labios y apretar los puños. Compré un número y el libro. Esperaba que hubiera sido una buena inversión.

 

4:00 p.m. Con mis dos nuevas adquisiciones en mano decidí ir a trabajar más, a buscar algo atractivo. No tuve que buscar demasiado, enseguida que salí del “Café Literario” encontré el “Foro Carlos Fuentes” donde estaba a punto de comenzar un homenaje luctuoso a Alí Chumacero, el segundo. Me fumé un cigarro mientras preparaban todo. Dio comienzo el homenaje que bueno, más que un homenaje me pareció un taller de exposición a todas luces. Sí, hablaban de Alí y decían los grandes hallazgos que hizo, de las 25 lecturas que hizo de “La Picardía Mexicana”, que después de recibir un gran premio gordo donó toda la plata a la que era acreedor a los jóvenes invidentes, que gracias a él comenzó a forjarse, que le encantaba decir una que otra frase, por ejemplo: “Más vale pájaro en mano que SIDA en el ano.” O “de tanto darle y darle aunque sea quesito sale.” Lo que en verdad me sorprendió fue la lectura de Melquiades Sánchez Orozco que seguramente nadie lo sabe, pero es ese señor que anuncia las alineaciones del América cuando juega en el Estadio Azteca o ruega por información de los desaparecidos intermitentemente en canal 5. Su voz de gigante retumbó en el foro con una lectura sin muletillas, sin tropezones ni palabras atoradas. Una muy buena lectura. Sentí nostalgia y dejé a todos los participantes en la “barra de luto” seguir explayando su ego sin restricciones.

 

5:30 p.m. “Qué lugar tan bonito, aquí es cuando me doy cuenta de cuánto me hace falta por conocer de mi ciudad.” me decía a mí mismo mientras subía por el elevador para llegar a la sala donde me esperaban Héctor y Daniel, un par de poetas amigos míos. Llegué ligeramente tarde, justo acababa de comenzar la presentación de cada uno de ellos. Eran tres, Valeria Guzmán, una chica rusa/peruana lindísima, repleta de esa ternura andina y embellecida con las facciones características de su patria del otro continente, David Majano e Iván Cruz Osorio. Saludé a Héctor con una palmada muy leve para no hacer tanto ruido y a Daniel con un cordial apretón de manos. Comenzó la lectura. Al momento que comenzó a leer la chica no podía creerlo, pensé que por su hermosura leería una poesía bella hasta las lágrimas, pero no, recitó unos cuantos poemas con manos temblorosas mientras los camarógrafos intentaban dar con su perfil más estético. David, el guatemalteco, leyó una poesía muy bonita, un gran poema de largo aliento que tuvo que ser truncado por su autor por malestares de garganta. Después Iván no se quedó atrás, dijo algo así como “subámonos a un tanque de guerra, donde no encontraremos ningún reloj para que podamos disparar la muerte a todas horas.” con lo cual me dejó con la piel vuelta por el revés y con la mirada estática sobre su frente. Lástima que no hubiera más de diez personas escuchándolo.

 

6:00 p.m. Es hora de volver a “Las Escaleras”, la vecindad donde nos juntamos ayer a beber caguamas. Es hora de hablar de poesía un rato y después volver a casa. Al fin a casa. O bueno, al menos eso espero.

Originally posted 2012-11-04 12:30:50. Republished by Blog Post Promoter

Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Originally posted 2012-12-28 18:00:38. Republished by Blog Post Promoter

Jon Hopkins, más análogo que ayer

 

A sus 33 años, Jon Hopkins ha tocado en giras mundiales con Coldplay, colaborado con productores como Brian Eno y escrito la música para películas como The Lovely Bones, por lo que se declara satisfecho y contento con su vida y carrera.

Conversamos con él unas horas antes de su presentación en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México en el marco del MUTEK.MX y nos hizo algunas confesiones sobre sus gustos y forma de trabajo.

 

Originally posted 2012-10-07 18:00:06. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

Captura de pantalla 2014-12-09 a la(s) 21.15.21

Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

Originally posted 2012-12-13 22:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

+ Havre – Havre #64 Col. Juárez

+ Cancino –Rafæl Rebollar #95 Col. San Miguel Chapultepec

Originally posted 2014-05-29 02:16:24. Republished by Blog Post Promoter

Albert Hammond Jr. en el Plaza Condesa

Por: Eddy López

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A las 9:15 pm del pasado Viernes 21 de marzo, en el Plaza Condesa de la Ciudad de México, se presentó Albert Hammond Jr., dando uno  de los conciertos más íntimos y agradables al haya tenido la oportunidad de asistir.

 La velada comenzó con la presentación de Rey Pila, (banda mexicana que comparte sello discográfico con Hammond, Jr.), que interpretó temas provenientes de su disco homónimo, así como de su Ep Alexander y que como bonus, nos adelantó un tema de su próxima placa musical para así,  dar paso al acto principal.

 Después de un breve arreglo del escenario, los gritos y aplausos se hicieron presentes en el inmueble de la Condesa cuando Albert apareció enfundado en unos pantalones rojos y una chaqueta con el característico Rottweiler, portada de su Ep AHJ.

Captura de pantalla 2014-03-24 a la(s) 23.28.32

 Tras saludar a la audiencia y pedir que bajarán la intensidad de la luz, en parte por molestarle (y en parte por ser “sexier”), el guitarrista comenzó los acordes de “Lisa” y con ellos 80 minutos de un show que emanó carisma californiano, mezclado con el estilo de NYC, combinación que dio como resultado un espectáculo digno de repetirse, pues la entrega del músico provocaba que el  público se volcara en gritos, que a su vez, emocionaban al intérprete.

 El setlist de la noche estuvo compuesto por temas provenientes de sus tres entregas, siendo las más coreadas los sencillos: “In Transit”, “Back to The 101”, “Hard To Live In The City”, “Victory At Monterrey”, “Everyone Gets A Star” y “Strange Tidings”. Pero sin duda alguna, el momento de la noche se lo llevó la parte final del concierto, cuando después de interpretar un cover de The Misfits, Albert nos deleito tocando solo con su guitarra, sin necesitar un espectáculo de luces o una banda entera (quienes a propósito tocan excelentemente).

 En su estado primitivo, fue capaz de transmitir toda la pasión que tiene por la música en los temas “Call An Ambulance” y “Blue Skies”; para después despedirse y volver con el clásico encore, aunque fuese sólo una canción, y finalmente despedirse del público mexicano, entregado como siempre, al que le prometió volver pronto.

 Si se tuviese que describir el concierto de Albert en una palabra, esta sería: Fantástico.

 Lo Bueno: La entrega de los músicos, tanto de Rey Pila como Albert Hammond, Jr. y su banda fue de lo mejor, se nota que son grupos que disfrutan de dar conciertos y entregarse a su audiencia.

 Lo Malo: Hubo ocasiones en que la calidad musical sobrepasaba la calidad del audio ocasionando imperfecciones a los sonidos.

Originally posted 2014-03-25 00:04:21. Republished by Blog Post Promoter

Cuexcomate: el volcán

El sol parece que se coloca más alto y baña de luz aquel lugar profundo y cercado. De niña acompañaba a su padre junto con su hermano a comprar al mercado lo necesario para que su abuela hiciera la comida del día, siempre miró asombrada al cúmulo de greda que se encuentra en esas calles tranquilas y limpias, con frecuencia le preguntaba a su padre ¿qué es eso? Y él con elegancia contestaba: el volcán más pequeño del mundo, el Cuexcomate.

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Medidas curiosas que lo hacen único, medidas acompañadas de historias que han visto desfilar los habitantes:

  • Elevación: 13 metros
  • Diámetro al nivel del suelo: 8 metros
  • Diámetro exterior base: 23 metros
  • Peso: 40 toneladas
  • Metros sobre el nivel del mar: 2,150
  • Primera efusión de agua caliente: 1064
  • Última efusión conocida: 166

Su nombre proviene del náhuatl cuexcómatl y significa olla de barro o lugar para guardar.

Ella aun visita a sus abuelos, no pierde la oportunidad de guardarse un momento en el Cuexcomate, unas escaleras en forma de caracol son la vía para descender lentamente al interior del volcán, estando dentro, vegetación abundante lo adorna y unas luces resaltan el agua sulfurada que proviene del Popocatepetl. La ubicación exacta es la 2 poniente y 3 norte de la colonia La Libertad, en Puebla.

 cuexcomate La historia ha ido de boca en boca, se dice que el Cuexcomate se formó por brote de agua sulfhídrica a través de la salida de agua, consecuencia de la erupción del Popocatépetl en el año de 1064, se rumora que antiguamente los cadáveres de los suicidas en Puebla eran arrojados en el cráter, porque no merecían ser velados ni sepultados; por esa misma época los habitantes circunvecinos eran llamados hijos del ombligo del diablo. Una leyenda cuenta que de los túneles que atraviesan la ciudad, uno de ellos cruza desde el Cerro de Loreto al Cerro de San Juan (Colonia La Paz) y de ahí baja hasta el Cuexcomate, cruzando después, por debajo del río Atoyac para finalizar en las pirámides de Cholula.

En un lugar tan pequeño, con pocos habitantes, está el lugar más curioso donde se puede caminar con seguridad, pero sobre todo es un lugar para pensar y observar una pequeña maravilla que parece desdeñada por los ojos que no solo miran y no saben observar.

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Originally posted 2013-10-15 15:22:45. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Originally posted 2013-02-20 19:28:47. Republished by Blog Post Promoter

The XX: Coexist

Por: Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El año 2009 estuvo plagado de álbumes debut de talentosas bandas, algunas de las cuales tuvieron la suerte de no quedarse en tener simples one hit wonders, y que pueden llegar de oscilar desde el un alternativo muy festivo, hasta el folk y otros géneros eclécticos. Entre ellas están Mumford & Sons y Florence + The Machine, entre muchas otras. Sin embargo, un grupo que sin duda destacó, y logró llegar a un número impresionante de fervientes seguidores, es The XX.

Esta banda originaria de Londres, enamoró a la audiencia por completo con una fórmula relativamente sencilla, pero absolutamente funcional. Suaves melodías, ligeros beats electrónicos y guitarras hipnotizantes, son los elementos que suelen conformar sus canciones; junto con letras con las cuales es fácil identificarse, al provocar el recordar momentos muy personales (como todas sus canciones).

Desde hace unos 2 meses aproximadamente, The XX sorprendió con “Angels”, el primer sencillo de lo que sería su nueva producción, Coexist. Dicho track cuenta con la firma representativa y fácilmente reconocible de la banda, sin embargo contiene tintes un poco más pesados. Ahora se puede escuchar en su totalidad el disco (Coexist), el cual promete no desilusionar.

El disco sigue con el sonido presentado por The XX en su álbum homónimo, pero introduce algunos beats más bailables. Dentro de lo que cabe, los Londinenses hacen evidente en Coexist la influencia de músicos como Burial y Sade. Dicho álbum contiene también un sonido más melancólico y un tono más bien oscuro; pero las letras, como en el álbum anterior, siguen con la misma temática de amor/desamor. Al parecer, en algunas pistas the XX cambió la fuerte presencia de la tarola por el clap y, en sí, en algunas canciones utilizan una base rítmica que se acerca peligrosamente al house, mientras que en otras se dan el lujo de experimentar con otro tipo de ritmos.

Coexist abre con “Angels”, sencillo que ya prácticamente sabemos de memoria, no pierde el estilo The XX a pesar de llevar unas percusiones que llegan a estar en primer plano. Ésta parece ayudar al escucha para sumergirse en este mundo de Coexist, en el cual se acelera el ritmo y se vuelve más y más bailable in crescendo, como en el caso de “Chained” y “Sunset”, tan sólo para después colapsar en el sonido de melodías como “Unfold”, “Swept Away” y “Our Song”. Vale la pena ponerse los audífonos y perderse en las deleitables armonías, y ritmos que obligan a un suave cabeceo, que esta banda Londinense presenta.

Tracklist de Coexist:

01 Angels
02 Chained
03 Fiction
04 Try
05 Reunion
06 Sunset
07 Missing
08 Tides
09 Unfold
10 Swept Away
11 Our Song

Los dejamos con el vídeo de “Chained” y el stream para escuchar el álbum entero:

http://www.youtube.com/watch?v=DD7IwXWfDW4

Sin duda uno de los discos que seguramente figurará en las listas de fin de año en la crítica musical:

Originally posted 2012-09-07 16:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

chavos

“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

chidos

Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Jam de escritura en México

Si te gustan la literatura y la música, definitivamente no te puedes perder esta edición de Jam de Escritura que se llevará a cabo este 21 de noviembre en el Museo Tamayo.

Foto de: masaryk.tv
Foto de: masaryk.tv

 En esta ocasión se contará con la presencia del escritor Jorge F. Hernández, el trazo de Alejandro Magallanes y la musicalización en manos de DJ Uriel Waizel, coordinados por el artista visual Nómada.

 Jam de Escritura es un proyecto creado por Adrián Haidukoski y producido por Tai La Bella Damsky en el cual no hay espacio para la lectura en vivo, sino para la escritura, que junto con la música improvisada cada obra se vuelve única e irrepetible. Es importante recordar que el público forma parte de la creación literaria y visual de cada una de las historias, para que con el autor, obtengan una nueva experiencia de artes visuales.

 En esta ocasión la marca de libretas Moleskine está organizando el evento, por lo que dentro de las actividades coordinadas por la productora Damsky se repartirán algunas libretas entre los asistentes.

 En las ediciones de Jam, México ha contado con la participación de escritores como Juan Villoro, Alejandro Almazan, Mónica Lavín, Xavier Velasco, Tryno Maldonado y Alberto Ruy Sánches, entre otros.

 Recuerda que la cita es este 21 de noviembre a las 19:00 horas en el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51). *Confirma tu asistencia escribiendo a jamdeescrituramx@gmail.com

 

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¡QUEREMOS CONOCERTE!

¿Qué es Ensayódromo?

Un día, la idea llegó a Chulavista Art House A.C. En teoría, un Ensayódromo sería un espacio acondicionado profesionalmente en el cual las bandas y solistas pudieran ensayar, grabar el audio de su sesión y tener su material en vídeo gracias al streaming. Para ello se contemplaba contar con ingenieros de sonido listos para auxiliar a los proyectos musicales y contribuir a que su sesión fuera increíble. Todo esto a un precio accesible para la comunidad.111

Después de un año arduo de trabajo, el sueño se materializó. Chulavista Art House A.C.  y Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo Universidad, ubicado en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4. Todos los proyectos musicales tienen un lugar en la primera sala de ensayo del proyecto.

O´ Tortuga
O´ Tortuga

Con el primer Ensayódromo de la Ciudad, llega un movimiento en pro de los músicos del país, el cual tiene como premisa la recuperación de espacios públicos para generar más y mejor infraestructura artística. Creemos que, a la par, podemos aumentar los esfuerzos de difusión del talento artístico. Queremos que la población logre una vinculación con lo que sucede  musicalmente en su contexto.

Es por ello que los invitamos a sumarse a la causa. También agradecemos el apoyo de medios y proyectos amigos comprometidos con la escena artística  nacional como lo son: Distrito Global, Joyride Magazine México, Revista Literaria Infame y Concierto Cable.

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El costo de recuperación de Ensayódromo Universidad es de $150.00 pesos por hora. Para celebrar que el espacio esta listo para ti, regístrate en ensayodromo.chulavista.mx . Además del 23 de junio al 4 de julio te damos dos horas gratis con la grabación en audio de tu sesión incluida, ¿qué esperas…? Cualquier duda, puedes llamar al 36039228.

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Y a ti, ¿en dónde te gustaría tener un ensayódromo?

Originally posted 2014-06-25 01:18:51. Republished by Blog Post Promoter

Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

Originally posted 2013-06-18 18:32:23. Republished by Blog Post Promoter

Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

Originally posted 2015-01-20 11:59:06. Republished by Blog Post Promoter

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

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Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Originally posted 2013-11-21 15:05:09. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

Descubre #Ensayódromo Universidad

El sábado 31 de mayo, el sueño se materializó. Después de un año arduo de trabajo, Chulavista Art House A.C. junto a Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo, la primera sala de ensayo profesionalmente acondicionada que busca apoyar a las bandas emergentes de la Ciudad de México.

Jean Loup
Jean Loup en Ensayódromo Universidad

Para celebrarlo, se contó con la presentación de bandas sobresalientes en la escena local, con el rock pop de  Lundem, el indie rock  Jean Loup y el punk de  O Tortuga. Triciclo Circos Band y sus 9 integrantes también estrenaron la sala acústicamente diseñada para no molestar a los vecinos de la unidad en la cual se encuentra ubicada.

Triciclo
Triciclo Circus Band

Ni la lluvia ni los inconvenientes que se tuvieron durante el streaming lograron que los ánimos decayeran. Tormentas fue la banda encargada de cerrar el día con su rock negro, una combinación de punk con metal que nos dejaron con ganas de seguirles la pista.

Tormentas
Tormentas contagiaron la energía con su rock negro.

Con el primer #Ensayódromo llegan muchos retos que superar. Se busca  ser la primera sala de ensayo con streaming permanente que permita grabar los ensayos de las bandas, así como desarrollar sesiones con bandas nacionales e internacionales que apoyen la difusión de las nuevas propuestas de todos los géneros- Y no solo eso, Chulavista Art House La Revista realizará entrevistas de los sonidos que lleguen al Ensayódromo, para difundirlo con ayuda de nuestros amigos de Joyride Magazine México, Distrito Global, Revista Infame, entre otros.

O Tortuga
O Tortuga

Recuerda que el movimiento #Ensayódromo busca generar más de estos espacios. El rock es un deporte, es cultura y es una forma de trasformar y atacar los problemas a los que se enfrenta la población juvenil de nuestro contexto. Por ello agradecemos la valiosa participación del Consejo Internacional de Derechos Humanos para que este programa se extienda y pueda beneficiar a la sociedad mexicana.

Por esto y más, no te pierdas las sesiones que tendremos para ti en el nuevo canal de You Tube exclusivo para Ensayódromo así como las actividades que Chulavista Art House A.C. llevará acabo para seguir apoyando a las bandas emergentes.

Y lo más importante, a partir del 9 de junio podrás disfrutar de la experiencia #Ensayódromo Universidad. Este se encuentra en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

Puedes empezar a reservar al 36039228 en un horario de 9:00 am a 6:00 pm.

Las sorpresas siguen, no te las pierdas.

Fotos por Viko Zárate.

Originally posted 2014-06-03 15:07:50. Republished by Blog Post Promoter

Discodeine: psicodelia para bailar.

Por:  Lalo Cruz 

@Lalo_Croix 

Desde finales de la década de los 80, Francia se ha caracterizado por sus aportaciones en la escena electrónica , partiendo con Laurent Garnier, Daft Punk, Cassius o Justice, por mencionar algunos. Discodeine se une estos creadores proponiendo un sonido fresco para sacarle brillo a la pista de baile.

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El dúo conformado por los productores Pentile (Benjamín Morando) y Pilooski (Cédric Marszewski), iniciaron su proyecto gracias a su gusto mutuo por la música y las películas de ciencia ficción en el 2007. Cuatro años después lanzaron  su primer álbum  de larga duración donde se incluyeron temas con Jarvis Cocker, Baxter Dury y Matías Aguayo.

Este año regresan con “Aydin”, tema en el que colabora Kevin Parker de Tame Impala con su singular voz. La canción se caracteriza por tener  beats relajantes y cuerdas al estilo árabe,  sin olvidar un poderoso bajeo que acompaña sus tenues notas de piano. Su EP ya está a la venta y también incluye los remixes de Jeremy Greenspan, Timothy J. Fairplay  y Para One.

Aunque no existe el nombre ni la fecha de lanzamiento de su próximo material, Aydin se muestra como una fuerte carta de presentación. Ahora solo queda esperar  las sorpresas que tienen para este año las mentes bizarras de Discodeine.

Originally posted 2013-07-29 07:00:13. Republished by Blog Post Promoter

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

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El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

Originally posted 2013-12-27 14:32:10. Republished by Blog Post Promoter

La ultima carta de Betania Lopez

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El pasado 21 de febrero por fin salió a la luz “La Ultima Carta”, nuevo álbum de la chilena Betania López; en el cual, con un sonido fresco y alegre, la cantante chilena nos cuenta historias de la vida cotidiana.

 Este álbum cuenta con una base ska y rocksteady, pero con una sutil mezcla de pop y sonidos latinoamericanos, que dan como resultado una mezcla muy agradable para el oído que a cualquier seguidor del ska le gustará. Pero sobre todo para aquellas personas que no están familiarizadas con este ritmo, les resultara un disco muy digerible y fácil de escuchar

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 Betania López incursionó en el ska en el 2010 cuando saco un pequeño E.P. titulado “En las calles de mi tierra”, si bien desde algunos años antes ya estaba dentro de la música, su sonido estaba más enfocado hacia el reggae y el hip-hop.

 Aquí está la opción musical de este fin de semana, esta vez Betania López directamente desde Chile con una propuesta musical bastante interesante y esperemos que ahora que está promocionando su disco, no se olvide de México y realice algunas presentación en tierra azteca para poderla disfrutar al máximo.

Originally posted 2014-03-21 06:57:34. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Originally posted 2014-10-07 11:19:35. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

Originally posted 2014-08-20 11:29:33. Republished by Blog Post Promoter

Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

 

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

 

 

Originally posted 2012-11-16 18:02:24. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

Originally posted 2012-10-30 18:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Holy Other en el arranque del Mutek

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Este lunes en la noche arrancó el MUTEK.MX con el concierto de Holy Other en el Centro Cultural Estela de Luz.

A las 20:00 horas el lugar lucía repleto. Tras una breve demora, el productor inglés saltó al escenario sin mayor preámbulo que un anuncio en el que pedía al público no tomar fotografías ni grabar video.

El británico subió a tocar sin cubrirse la cara, como suele hacerlo. Como pasos de mastodonte, los primeros bajos comenzaron a sonar. Poco a poco se iban incorporando las capas de música una sobre la otra hasta llenar el lugar, cuya acústica lució.

Con el oficio de un maestro titiritero controlaba los sonidos que iban y venían y rebotaban en el recinto abierto. Cuerdas, vientos, voces pronunciando palabras a medias. Movía las manos con destreza por su secuenciador y lanzaba sonidos que parecían omnipresentes.

Los visuales que acompañaban la música eran discretos y se vieron opacados por los juegos de luz del joven monumento, inaugurado a principios de año. Parte del público permaneció sentado y una parte se puso de pie. Los barandales del monumento, al igual que las gradas, terminaron por llenarse.

Al terminar su set, el tímido músico bajó del escenario y desapareció sin hacer un gesto ni una seña.

Por respeto a la petición del artista, se publica una fotografía del escenario unos instantes previos al inicio del concierto.

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Pueden escuchar la música de Holy Other en su perfil en SoundCloud 

Originally posted 2012-10-02 10:10:01. Republished by Blog Post Promoter

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Originally posted 2014-10-31 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

MEMORIA: instalación visual y sonora

 

Este jueves 15 de noviembre será inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación visual y sonora Memoria, de Daniel Hidalgo Valdés.

Se trata de una pieza interactiva que permite al espectador emitir sonidos que generan una representación visual lumínica. Estos sonidos y su respectiva representación gráfica sufren los efectos de la reverberación al grado en que se reducen a ecos y estelas del sonido original.

La obra pretende hacer un paralelismo entre entre la memoria humana y la reverberación, desde la perspectiva de que ambos conceptos son evocaciones del pasado que con el tiempo se ven distorsionadas y reducidas, de manera que el resultado final es sólo un vestigio del hecho original. En palabras del autor, es “una metáfora sonora de la memoria humana, algoritmos que generan una pieza cuya organización es equivalente a los procesos de la memoria del ser humano”.

La idea es que el espectador sea testigo de la forma en que ambos, recuerdos y reverberación, se degradan hasta transformarse en silencio y olvido.

Daniel Hidalgo Valdés es miembro de la Sociedad Nacional de Creadores de Arte y ha trabajado como compositor y productor de música y sonido en películas y series mexicanas como 2033 y Los Minondo.

El evento comenzará a partir de de las 19:00 horas en el recinto, ubicado en Paseo de la Reforma.

 

Originally posted 2012-11-14 18:00:52. Republished by Blog Post Promoter

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

aclassdivided

 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Originally posted 2014-11-24 12:45:15. Republished by Blog Post Promoter