Originally posted 2013-03-09 19:52:03. Republished by Blog Post Promoter
Solar Year
Escena: Santificarás las fiestas
Mentiría si dijera que recuerdo los diez mandamientos católicos después de años de aquellas pesarosas clases de catequismo de la niñez. Son de esas cosas que eventualmente se olvidan, como los nombres de los niños héroes, creo que no conozco a muchas personas que puedan enunciar la lista completa de sus nombres de un solo jalón. En fin, la cosa es que sí, memoricé algunos pero, salvo la temporada de películas de temática bíblica transmitidas durante la semana santa, la verdad es que muchos de nosotros nunca más acostumbramos hacer evocación de ese Decálogo.
“Santificarás las fiestas”, sentencia uno de ellos, aunque lo cierto es que en nuestra realidad los días feriados resultan un mero pretexto para reunirnos, y casi todos podríamos testificarlo con base en lo vivido apenas hace unos días en la cena del 15 de septiembre, por ejemplo. Motivos para estar en familia o amigos, celebraciones en grande, mucho alboroto y sobre todo mucha comida. El día de la madre, el del padre y ni qué decir de fechas como Nochebuena, Navidad y Año Nuevo.
Y puede ser, quizás, que llegue un momento en que el presenciar esas fiestas se cumpla más por mera tradición y obligación moral que por verdadero deseo. Esa parte de la familia que no te agrada o que ni conoces, reuniones tan grandes que pierdan la intimidad que se tendría con un reducido número de invitados, o reuniones tan pequeñas que te hagan creer que se trata de una cena cualquiera en una fecha cualquiera…
La historia se ubica en la lluviosa noche de un 31 de diciembre. Marisa busca la manera de lograr llegar a la cena, puntual y con un acompañante. Mientras, en casa le esperan Otilia, su hermana menor, encargada de cocinar los manjares a degustar, y tía Felisa, quien ha quedado al cuidado de ambas hermanas luego de la muerte de su hermana, la madre de ellas. A detalle, los personajes se vuelven más particulares y poco menos convencionales: Marisa padece de sobrepeso, Otilia, por el contrario, es bulímica, la tía Felisa fuerza a ambas a “superar” estos complejos muy a su manera, además de hablar a diario con su difunta hermana, y ese acompañante de Marisa resulta un total desconocido con quien coincide accidentalmente horas antes de la cena y a quien le pide fingir ser su novio solamente por esa noche.
Santificarás las fiestas es el nombre de esta puesta en escena basada en un texto de Conchi León que, llena de sentido del humor y de líneas satíricas e hilarantes, presenta en prácticamente un solo acto y haciendo uso de esta fiesta decembrina con pastel de elote, fuegos artificiales y rituales de calzones rojos, un detallado retrato de la disfuncionalidad humana de forma individual y en interacción con otros. Una crítica a los patrones sociales, sujetos a convencionalismos, y en donde, parafraseo una línea de la obra, “sería bueno que vendieran sonrisas falsas junto con las esferas para los árboles de navidad”. Aunque —mencionan, también— de cerca, nadie es normal.
En esta obra nadie come, nadie habla, el vacío se instala en
nuestros platos y la negrura acompaña.
Pero somos cursis y creemos que quizá los fuegos artificiales
que anuncian la llegada del nuevo año (o el amor)
puedan iluminar un poco esta pinche noche oscura.
– Conchi León.
Esta pieza teatral reúne en un mismo escenario a cuatro destacadas figuras de la escena: Conchi León, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), es autora del texto y también da vida a Marisa. Otilia es representada por Mariana Hartasánchez, galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia en 2014 por la obra El último de los hermanos Salmón. Alfonso Cárcamo, escritor, actor y director de numerosas obras que han sido llevadas a ciudades como Bogotá, Sao Paulo, Nueva York y Buenos Aires, interpreta a ese novio ficticio —y por cierto, de oficio poeta— llamado Sergio. Finalmente, la tía Felisa es personificada por Paloma Woolrich, actriz de cine, teatro y televisión activa en el medio desde 1968.
Con la impecable dirección de Boris Schoemann y producida por Compañía Los Endebles, Santificarás las fiestas fue estrenada apenas el pasado 11 de septiembre y formará parte de la siempre nutrida cartelera del Centro Cultural del Bosque hasta el 19 de octubre, ofreciendo funciones de jueves a domingo.
Originally posted 2014-09-18 10:27:33. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin
Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.
El horror está asociado al sentimiento de miedo causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.
Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.
Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.
El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.
En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.
La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.
La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.
La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.
El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.
Originally posted 2014-10-15 11:45:36. Republished by Blog Post Promoter
The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat
En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.
El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.
Flower power won’t stop the fascist power
-Black Mask
The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.
Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.
La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.
The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.
Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.
Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.
Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.
The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.
Originally posted 2014-10-14 12:17:56. Republished by Blog Post Promoter
¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!
¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.
Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.
Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.
En base a dicha experiencia es que esté año logran crear la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse leyendas, o bien; iconos de la cultura popular contemporánea.
En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).
Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.
Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).
Originally posted 2014-05-20 01:24:42. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa
La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.
Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.
Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos. Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.
People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México. Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.
La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.
El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.
Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.
Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.
El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.
Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.
La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.
Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter
No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez
Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.
No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.
Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.
Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.
Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.
Entonces pienso:
No hay esperanza, no hay amor.
No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.
No hay fe.
No hay redención.
No hay riqueza para los vulnerables.
No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.
No hay congruencia en la juventud.
No hay trabajos justos y bien remunerados.
No hay tolerancia.
No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.
No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.
Fotos: Paco Macilla
Originally posted 2014-12-16 12:21:24. Republished by Blog Post Promoter
El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015
Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.
El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.
La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.
“Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.
Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.
Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.
De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.
Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter
MICGénero 2014
La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.
En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.
Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.
Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.
La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.
La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.
Te dejamos el teaser oficial:
Para más información:
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Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter
Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)
Se podría pensar que hemos sido presa de una formación de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.
Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.
La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.
Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.
Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.
¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.
Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso en el mundo consumista y tecnológico.
Originally posted 2014-11-12 09:13:10. Republished by Blog Post Promoter
De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo
“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”
Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840) era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.
Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)
“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”
“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.
Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”
“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “
“Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.
El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.
En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”
Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.
Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba. Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.
Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.
En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma
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Nos faltan 43
Nos faltan 43
3a acción a favor de los 43 desaparecidos de Ayotzinapa.
Ciudad de México, 2014.
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The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder
The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.
Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio, créanme que ese álbum es oro puro.
El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.
Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”, con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.
The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.
Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.
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De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos
Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.
¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.
El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.
Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.
Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.
El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.
Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.
Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).
Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes
La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.
Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.
Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.
Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.
La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.
El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.
Originally posted 2014-11-05 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter
Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché
Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.
Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.
El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.
Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.
La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.
Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.
Originally posted 2014-09-03 11:53:32. Republished by Blog Post Promoter
Viernes de Remixes: Se ve.
Tal vez no lo sepan, pero es casi seguro de que ya hayan tenido un encuentro casual con Disclosure o con Iamamiwhoami y no se hayan enterado. Ellos han estado prácticamente en el centro de la escena electrónica alternativa en los últimos meses: los primeros con tracks como White Noise y Latch, los segundos con increíbles vídeos que forman parte de un proyecto de arte audiovisual donde cambiaron la forma de interpretar el cómo ver la música (literalmente).
Estos artistas sobresalen por hacer sus proyectos toda una experiencia con ciertos elementos visuales, los cuales, los han distinguido creando todo un concepto, y si no los han escuchado, seguramente vieron por ahí:
Disclosure. El dúo británico utiliza la silueta de una cara a modo de máscara y también es la protagonista en la portada de su primer álbum: Settle, próximo a lanzarse en junio y en donde podrán encontrar la versión original del remix de Hudmo a “White Noise”.
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Mientras que Iamamiwhoami en su polifacética naturaleza ha transformado de diferentes maneras su físico en cada uno de sus videos donde cabe destacar la increíble ejecución de sus canciones, sobresaliendo “Y” remixeada por Moby.
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Originally posted 2013-05-27 23:03:51. Republished by Blog Post Promoter
Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo
Jean Jullien
La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.
En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.
La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.
Prasad Bhat
Gordon Armstrong
Chris (Simpsons Artist)
Naolito
Julia Sonmi
Alexandre Godreau
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Originally posted 2014-08-12 14:48:08. Republished by Blog Post Promoter
DE: Reencuentro con los libros ( I )
Los libros nos han acompañado a lo largo de años de historia humana, prácticamente no existe casa en que no habite por lo menos uno, son los grandes amigos, los grandes maestros, los llenos de las palabras de los muertos, los que nos hablan, los fieles compañeros. Empecemos, por definir: del latín liber, libri, membrana o corteza de árbol: Un libro es un conjunto de hojas de papel, pergamino, madera, etcétera, que se rellena con datos, de la índole que fuere con el fin de preservación de un registro, unido por un costado, protegido con tapas, y puede tratar, de esencialmente cualquier tema.
Según la UNESCO, un libro, para serlo, ha de poseer como mínimo 49 páginas o más, esto es, 25 hojas; de modo que si el compilado tiene menos de la cantidad citada, hablamos de “algo” que ha de ser llamado folleto; este último entonces, tiene una extensión de tres (5 páginas) y de hasta 24 hojas. Se le da el nombre también a una vasta obra que requiere, para ser publicada, de varios tomos, que son unidades independientes, aunque también se le conoce como tal a cada una de las partes de una misma obra, como en el caso de la Biblia, aunque todas estén publicadas dentro de un mismo libro. A éstos últimos tiempos, un libro también es el compilado en soporte digital, “libro digital” ( 1971, 1981 sale el primero) y los que pueden ser sólo escuchados gracias a una grabación previa “Audiolibros”. Éstas son sus partes:
- Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente
- Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro
- Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
- Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro
- Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título
- Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca
- Portada: se indican los datos del libro
- Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
- Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro
- Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro
- Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados
- Cita
- Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
- Paratexto
- Epígrafe
- Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra
- índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etcétera
- Prefacio
- Preámbulo
- Presentación
- Capítulo
- Bibliografía
- Colofón
- Epílogo
- Bibliografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra
Los orígenes de esta maravilla, parten de las manifestaciones pictóricas de quienes nos anteceden, son estas pinturas rupestres el registro impreso más antiguo. En las edades media y antigua, reinaba entre la población el analfabetismo, para reproducir libros se requerían hombres que copiaran a mano, los ejemplares por tanto y por los materiales de que los pergaminos estaban hechos (pieles de animales) eran costosísimos, escasos y se mantenían además resguardados bajo custodia en las grandes bibliotecas (Alejandría, Bizancio) y por algunos particulares.
El mundo de los libros es increíble, y el reencuentro con ellos es necesario, nombrarlos, como conocer al cuerpo humano y todo lo que nos crea y antecede, por reencuentro, por restauración.
Originally posted 2014-09-05 09:09:39. Republished by Blog Post Promoter
Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo
Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.
La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.
En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.
El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.
Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.
Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.
Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter
Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional
“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”
Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.
En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.
El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.
La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.
Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.
Originally posted 2014-12-12 17:50:26. Republished by Blog Post Promoter
Sobre fotografía y movimientos sociales (segunda parte)
Tal vez el título que he escrito por primera vez, la semana pasada, sobre este tema sea el menos adecuado para este pequeño ensayo de dos partes. Sin embargo, he decidido dejarlo tal y como está por dos simples razones: descubrir que por más que escribamos siempre, haciendo un ejercicio de reflexión, encontraremos fallas. Dos: que las fallas que hayamos descubierto nos permitirán enmendar cierto camino, pero al darles la importancia, nos damos cuenta que la grandiosa estupidez humana seguirá permaneciendo, pues siempre tendremos errores.
Si bien “movimientos sociales” no dice mucho de lo poco que he querido abordar en este pequeño texto, me es pertinente aclarar que la razón por la que quise reflexionar acerca de esto fueron las marchas recientes, la exposición de Yayoi Kusama y el memorial del 68. Pues, en estos tres casos se ha manifestado el uso de la cámara como interpretador social, con múltiples fines, ya sea personales, documentales, periodísticos o quizá intimidatorios.
Quizá en mi ingenuidad he descartado que el movimiento social no sólo son las manifestaciones de protestas, sino también están las modas, las corrientes ideológicas, las vanguardias, y el lenguaje que lleva a la lengua.
La utilización de la cámara como una herramienta viene desde sus inicios. Sus inicios tenían la intención de “atrapar” la realidad en cierta área específica, como cuenta César González Ochoa en sus “Apuntes acerca de la interpretación” donde expone la manera en cómo la cámara inicio con este propósito de atrapar una imagen, delimitarla y retenerla de manera física.
Las imágenes y los mecanismos de representación han cambiado a lo largo de la historia. La tecnología se actualiza constantemente y se crean nuevas cámaras que permiten nuevas formas de interpretar y representar mas no es la imagen la que no cambia.
Las fotografías de guerra son expuestas como memoria, pues representaron (y ahora representan) que existió la guerra. (Esto quizá podría parecer ambiguo tomando en cuenta que existe ya el montaje y todos estos trucos digitales que hacen que la realidad, como en la pintura, quede a expensas de los humanos) ¿Lo mismo sucede con las marchas, los museos y demás aconteceres masivos?
¿Se necesita tener una imagen para comprobar que se realizó una marcha? ¿Se necesita una selfie en la habitación infinita para uno: recordar que se estuvo ahí; dos: representar que la habitación existe? Pero, más allá de estas preguntas que he pensado a manera de reflexión me hacen suponer el qué pasaría si las intenciones y el análisis que he apenas expuesto, va más allá de un campo significante que sólo ve estas posibles formas de interpretar y representar una realidad como tres posibles acciones de saber el porqué la fotografía impacta en movimientos sociales.
La memoria tiene que ver en esto. La memoria humana, que es tan abstracta que imaginamos una pequeña nube que almacena imágenes, letras, lenguas, lenguajes, rostros, números, calles, direcciones, nombres, cumpleaños, experiencias y demás. Pero que en cualquier momento, esa nube podría irse, dejando sólo recuerdos inertes, vacíos o inexistentes.
La necesidad del humano por guardar y transportar esa memoria en una memoria material se ha visto desde la escritura. El guardar cosas que permitan ser un medio para que el cerebro haga una sinápsis y por ende un recuerdo se adapte a este objeto ha estado presente desde mucho antes de que la fotografía existiera.
La memoria y la fotografía han estado estrechamente ligadas por la significación de lo material. La fotografía recuerda el momento pero es el papel, o donde se haya impreso lo que funciona como recuerdo. Es decir, (Y como diría Susan Sontag) nosotros no recordamos lo acontecido, sino la fotografía de lo acontecido.
En un mundo sumamente lleno de imágenes, los movimientos sociales, los museos, las fiestas y toda forma de convivencia se mediará por medios de cámaras. Para que la memoria resurga en una pantalla, para que se almacene en un mundo virtual que no es palpable. Las personas se toman fotos en marchas para demostrar que sí fueron y que sí apoyaron pues si no suben su imagen al mundo no podrán comunicar que apoyan al sentido. Las personas, también, suben sus selfies para demostrar al mundo que pueden tomarse fotos. ¿Es quizá que la imagen nos consuma, o nosotros consumimos imágenes?
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De: 36 situaciones dramáticas Polti (II)
Siguiendo con la situaciones dramáticas de Georges Polti —cuya primera parte se enlistó en mi publicación anterior— tan recurridas en las telenovelas, entre las cuales la Biblia (libro por demás dramático) ha hecho uso indiscriinado: en el presente texto presento las últimas 16.
20.- AUTO-SACRIFICIO POR UN IDEAL:
Elementos: el héroe; el ideal.
Casos: sacrificio de la vida por el cumplimiento de la propia palabra; sacrificio de la vida por bienestar de un pueblo, de una nación; sacrificio de la vida por piedad filial; sacrificio de la vida por sostener la creencia religiosa; amor y vida sacrificados por la fe religiosa; amor y vida sacrificados por un ideal, por una causa noble; el amor sacrificado en aras de los intereses del Estado; sacrificio de la situación económica brillante en aras del deber; el ideal del honor sacrificado al ideal de la fe.
21.- AUTO-SACRIFICIO POR LOS PARIENTES:
Elementos: el héroe; el o los parientes por los que el héroe se sacrifica.
Casos: la vida sacrificada para salvar la de un pariente o persona amada; la vida sacrificada por la felicidad de un pariente o persona amada; la ambición sacrificada por la felicidad de los padres, o del padre solamente; amor sacrificado para evitar pena a los padres; sacrificio de la vida, el bienestar o el amor por la felicidad de la persona amada; sacrificio ocasionado por la vigencia de leyes injustas; la vida y sacrificados por la vida de un padre, una madre o una persona amada; la decencia y el pudor sacrificados por la vida de un pariente o la persona amada.
22.- TODOS SACRIFICADOS POR UNA PASIÓN:
Elementos: el enamorado; el objeto de la pasión fatal; la persona sacrificada.
Casos: los votos religiosos de castidad, rotos por una pasión fatal; un voto de pureza que se rompe; el futuro arruinado definitivamente por una pasión; el poder arruinado por una pasión; la ruina de la mente, de la salud y de la vida; la pasión conseguida al precio de la vida ; la ruina de la fortuna , de vidas y honores por una pasión; tentaciones que destruyen el sentido del deber, de la piedad y de la fe; destrucción del honor, de la fortuna y de la vida por el vicio erótico; el mismo resultado anterior producido por cualquier otro vicio).
23.- NECESIDAD DE SACRIFICAR PERSONAS AMADAS:
Elementos: el héroe; la víctima amada; la necesidad de sacrificio).
Casos: deber de sacrificar a una hija por una promesa o un voto hecho a la divinidad; deber de sacrificar a los benefactores o personas amadas en aras de la fe; deber de sacrificar a un hijo, sin que los demás lo sepan, obedeciendo a la terrible presión de hacerlo ; bajo las mismas circunstancias, deber de sacrificar al esposo; deber de sacrificar a un yerno por interés público ; deber de sacrificar a un yerno en bien de la reputación; deber de combatir a un cuñado en aras del interés público; el deber de combatir a un amigo.
24.- RIVALIDAD ENTRE SUPERIOR E INFERIOR:
Elementos: el rival que es superior; el rival inferior; el objetivo.
Casos: rivalidades masculinas en general -por una mujer amada, por interese, por cuestiones políticas, etc.; rivalidad entre un mortal y un “inmortal”; rivalidad entre dos divinidades de poder desigual (una divinidad tiene mayor poder que la otra); rivalidad entre un mago un hombre común y corriente; rivalidad entre el conquistador y sus conquistados o dominados; rivalidad entre un rey y uno de sus nobles, inferior a él; rivalidad entre un poderoso y un advenedizo o pobre diablo; rivalidad entre el rico y el pobre; rivalidad entre un hombre honorable —o que se le considera como tal— y otro, de quien se sospecha con respecto a su conducta y comportamiento; rivalidad entre dos que son casi iguales; rivalidad de dos que son iguales, pero uno de los cuales cometió un adulterio en el pasado; rivalidad entre un hombre que es amado y otro que no tiene el derecho de amar; rivalidad entre dos sucesivos esposos de una divorciada; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidad entre un conquistador y su prisionero; rivalidad entre una reina y uno de sus esclavos; rivalidad entre una gran dama y su sirviente; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; una doble rivalidad (A ama a B, el que ama a C, quien a su vez ama a D); rivalidades orientales; rivalidad entre dos esposas.
25.- ADULTERIO:
Elementos: un esposo o esposa traicionados; los dos adúlteros.
Casos: una amante traicionada, traicionada por una mujer más joven que ella; la esposa traicionada; el esposo traicionado; una esposa traicionada por una mujer casada; esposa traicionada por una mujer más joven que ella, la que, además, no ama al traidor; una esposa envidiada por una joven que está enamorada de su esposo; rivalidad entre una esposa que es dominante y tiránica y una amante que es complaciente y dulce; rivalidad entre una esposa toda generosidad y una muchacha vehemente y apasionada; la esposa que sacrifica a su esposo tiránico y dominante por un amante complaciente; el esposo, dado por muerto, es olvidado por el amante de su esposa; un marido corriente sacrificado por un amante simpático; un marido noble y bueno traicionado por un rival de calidad inferior a la del esposo; marido traicionado por un rival grotesco; marido traicionado por una esposa perversa, que prefiere a un amante despreciable; esposo traicionado por su mujer, que da la preferencia a un rival inferior en todo a su marido; venganza de un marido traicionado; el marido es perseguido por un rival rechazado por la esposa.
26.- CRÍMENES DE AMOR:
Elementos: el amante; la persona amada por él.
Casos: una madre enamorada de su propio hijo —un caso repugnante y que no debe utilizarse en una transmisión radiofónica decente—; una mujer enamorada de su hijastro; el hijastro y la mujer enamorados uno del otro; mujer que es amante al mismo tiempo del padre y el hijo, y ambos (padre e hijo) aceptan la situación; un hombre se convierte en amante de su cuñada.
27.- DESCUBRIMIENTO DE LA DESHONRA DE LA PERSONA AMADA:
Elementos: el que descubre la deshonra; la persona culpable de esa deshonra.
Casos: descubrimiento de la deshonra de una madre; descubrimiento de la deshonra del padre; descubrimiento de la deshonra de una hija; descubrimiento de la deshonra de toda la familia por el prometido de una de las hijas; descubrimiento del marido recién casado de que su esposa fue violada antes de su matrimonio; descubrimiento, por el marido, de que su esposa cometió ana falta antes del matrimonio con él; descubrimiento por el amante de que la mujer, que fue antes una prostituta, ha vuelto a su vida de mujer de la calle; descubrimiento por el padre de que su hijo es un asesino; deber de castigar a un hijo que es un traidor a la patria; deber de condenar a un hijo de acuerdo con una ley creada, formulada y hecha aprobar por su propio padre; deber de castigar a un hermano que es un asesino; deber de castigar a la propia madre para vengar al padre.
28.- OBSTÁCULOS DE AMOR:
Elementos: dos que se aman; el obstáculo.
Casos: matrimonio impedido por desigualdad de rango; la desigualdad de fortuna como impedimento para el matrimonio; el matrimonio impedido por enemigos o rivales de la novia o del novio; matrimonio impedido porque ella es una divorciada; el mismo caso, pero complicado con un matrimonio imaginario; una “unión libre” impedida por la oposición de los padres; matrimonio impedido por desigualdad de caracteres; matrimonio impedido por los padres de la novia porque el novio lleva mala vida.
29.- UN ENEMIGO AMADO:
Elementos: el enemigo amado; la persona que lo ama; el que odia a ese enemigo amado.
Casos: el novio es odiado por los parientes de la novia; el novio es perseguido por los hermanos de la novia; el novio es odiado por la familia de la novia; el novio es hijo del hombre odiado por el padre de la novia; el novio asesinó al padre de su novia; el novio asesinó a un hermano de la novia; el amante es el asesino del esposo de la mujer que lo ama; el novio es hijo del hombre que asesinó al padre de la novia.
30.- AMBICIÓN:
Elementos: una persona ambiciosa; el objeto codiciado; un adversario.
Casos: la ambición de un hombre contenida por un pariente; por un hermano; rebelión ambiciosa contra el poder establecido y legal; ambición que produce crimen sobre el crimen; ambición parricida; ambición que lleva a la ruina de la familia; ambición que hace que el padre sacrifique a los hijos, a la madre, a las hijas, a los parientes, a los amigos.
31.- CONFLICTO CON DIOS:
Elementos: un mortal; Dios, el inmortal.
Casos: lucha contra dios; lucha contra los que creen en Dios; controversia con Dios; castigo que cae sobre un mortal por despreciar a Dios; castigo por mostrarse soberbio ante Dios; rivalidad con Dios.
32.- CELOS EQUIVOCADOS O ERRÓNEOS:
Elementos: el celoso; la persona por la que está celoso; el supuesto rival; la causa o autor del error.
Casos: los celos erróneos se originan en la mente misma del celoso; los celos equivocados son originados por un cambio fatal; cambio en el modo de ser de la persona de la que se tienen celos; cambio de situación de esa misma persona sobre la que caen los celos equivocados ella mejora súbitamente de posición económica y social sin ayuda del que siente celos por ella, aunque equívocos, etc; celos equívocos en un amor que es exclusivamente platónico; celos equívocos y bajos, rastreros, originados por rumores malévolos; celos sugeridos por un traidor, impulsado por el odio; el traidor es impulsado por propio interés en provocar los celos equívocos; el mismo caso anterior en que el villano es impulsado por sus propios celos y su propio interés; celos equívocos recíprocos entre marido y mujer provocados por un rival; celos sugeridos al marido por una ;mujer enamorada de él; celos sugeridos al esposo por un pretendiente rechazado; celos sugeridos a la esposa por un rival despechado; celos sugeridos a un amante feliz por el marido traicionado.
33.- JUICIOS ERRÓNEOS:
Elementos: el equivocado; la víctima del error, la causa o autor del error; la persona verdaderamente culpable.
Casos: falsa sospecha cuando la fe se hace indispensable; falsas sospechas de una amante; falsas sospechas originadas por una actitud mal entendida de la persona amada; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente para salvar a un amigo; el inocente tenía, en realidad, una intención aviesa, pero solo la intención, sin llegar al acto; caso en que un inocente, por las sospechas que caen sobre él, llega a creerse realmente culpable sin serlo; un testigo de un crimen, por interés en la persona amada, deja que las sospechas caigan sobre un inocente; la falsa acusación se deja caer intencionalmente sobre un enemigo inocente; el juicio erróneo es provocado por un enemigo; el error es dirigido sobre el inocente por su propio hermano; la falsa sospecha es arrojada por el verdadero culpable sobre un enemigo; falsas sospechas arrojadas sobre un rival inocente; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente porque se rehusó a ser cómplice de un crimen o una intriga; falsas sospechas provocadas por una amante abandonada y dejadas caer sobre el amante que se negó a seguir siéndolo al saber que era casada, no queriendo engañar al marido; lucha del inocente para rehabilitarse ante la sociedad de un error judicial provocado intencionalmente.
34.- REMORDIMIENTO:
Elementos: el culpable; la víctima.
Casos: remordimiento por un crimen no conocido, que se mantiene en secreto; remordimiento por un parricidio; remordimiento por un homicidio; remordimiento por el asesinato de marido y mujer; remordimiento por un pecado de amor.
35.- RECUPERACIÓN DE UNA PERSONA PERDIDA:
Elementos: el perdido; el que lo encuentra.
Casos: hijo perdido encontrado casualmente; padre perdido encontrado por la madre; hija extraviada encontrada por su hermano; madre perdida que es encontrada por uno de sus hijos o hijas.
36.- PÉRDIDA DE PERSONAS AMADAS:
Elementos: la parienta o pariente que es asesinada; otro pariente como simple espectador; un verdugo.
Casos: se presencia el asesinato de un pariente o persona amada sin poder evitarlo; la desdicha que cae sobre una familia al través de secreto profesional; presentimiento de la muerte de una persona amada; conocimiento de la muerte de una persona amada; reacción salvaje, por desesperación, al tener conocimiento de una persona amada
Originally posted 2014-10-24 09:00:45. Republished by Blog Post Promoter
The Holydrog Couple en el #festivalNrmal
Originally posted 2013-03-09 19:46:05. Republished by Blog Post Promoter
Especial Ghibli: Porco Rosso
Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.
Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen. Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.
Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.
La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.
La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.
Originally posted 2014-10-09 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter
México lindo y querido
Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97
(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.
– Rufino Tamayo
Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro a través de algunas de mis fotografías.
Originally posted 2014-09-19 10:12:03. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman
La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.
La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.
Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.
Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.
La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.
Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.
La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.
Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.
Originally posted 2014-10-17 13:10:28. Republished by Blog Post Promoter
Con sabor al norte – Percy Jackson y los viejos cuentos que parecen nuevos
Entre los grandes clásicos de la literatura se encuentra la Íliada y la Odisea, ya que además de la historia sobre la Guerra de Troya, se ve también el origen del universo según la creencia de el gran pensador Homero. A partir de ello, se explica la mitología griega, el origen de los dioses y la jerarquía entre ellos.
Leer mitología es (o era) de ayuda porque, además de ser un gran clásico, hace comprender muchas historias modernas. Hoy en día, podemos ver caricaturas con personajes como Cupido, Neptuno, los sátiros, las ninfas y las sirenas. El punto de comprender la mitología es que también podrías tener un sentido entero de lo que eran estos seres y la razón de su existencia. Muchos directores no tocan todo lo que comprenden estos seres pero sí los dejan como una referencia que el espectador puede analizar y entender algún sentido oculto en la historia que termina dándole más riqueza a su argumento.
Por tanto, cuando apareció esta historia sobre Percy Jackson y el ladrón del rayo fue una revelación que podría haber sido un gran movimiento literario.
La historia viene a ser sobre un chico problema que resulta ser un semidios, hijo de Poseidón. Se retomó el conocimiento mitológico para hacer una nueva generación de héroes olímpicos en la modernidad.
El acierto con Percy Jackson fue el retomar el sentido de promiscuidad entre los dioses con los mortales para explicar cómo podría haber sido la situación de un semidios que vive en este mundo moderno y cómo afectan los monstruos en una sociedad como la nuestra. Pero la manera en que se trata de hacer que funcione eso con la vida de una ciudad como Nueva York llega casi a lo absurdo.
La razón de que un centauro de siente en una silla de ruedas para esconder su parte de caballo y convivir con los normales, que las armas se expandan de pulseras y que el Olimpo esté situado sobre el Empire State suena bastante descabellado. Puede ser que la gente guste de estas historias porque es activo, es fácil de leer y más que nada, porque explican la mitología de una manera más entendible que leyendo la Ilíada y la Odisea.
No obstante, es un libro creado para quienes no desean digerir tanta información. Lo que quiere decir, que todo se explica en ese momento, no se deja un sentido de análisis profundo, sino que sólo alcanza a comprender circunstancias cotidianas en un ambiente llamativo. En resumen: el lector no batalla en pensar nada porque el libro todo lo explica de manera rápida y sin profundidad.
He leído la saga porque es lectura ligera y porque, teniendo en cuenta la nueva moda, ahora no se hablan de los clásicos sino de una “nueva generación” a partir de ellos. Como Once Upon a Time, que es una historia entre los personajes de cuentos de hadas donde conviven y se pelean; Monster High, donde las protagonistas son las hijas de los monstruos de las historia clásicas; o Ever After High, que viene a ser lo mismo que Monster High, pero con todo lo que escribieron los Hermanos Grimm. Al menos Percy Jackson no creó a los semidioses de la nada, sino que partió de la realidad en la que los dioses gozaban bajar a enamorar mortales.
Y no es la única versión que traen a la éra moderna. También existen series como Sleepy Hollow en Fox sobre el jinete sin cabeza que revive en esta época y resulta ser un misterio para el departamento de policía, y Grimm, la cual era también una serie policiaca-fantasiosa.
La moda de la fantasía llegó a tener estos giros deprimentes por querer copiar el gran éxito que fue Harry Potter y Crepúsculo. La única historia que fue mejor fundamentada (hasta donde yo he leído), fue la trilogía de Los Juegos del Hambre.
Los Juegos del Hambre tomaron el coliseo griego para convertirlo en algo más tecnológico. Era mejor que las demás historias porque no nació de la fantasía, sino de la distopia de un mundo que acabó y se volvió a regenerar de manera diferente.
Es mejor cuando se exponen bien las leyes de un mundo, aunque este sea crudo y cruel, que presentar millones de objetos mágicos que salvan en el momento preciso. Lo mejor fundamentado se aprecia más realista. Incluso Harry Potter tuvo reglas, con grandes huecos en la historia, como el giratiempo, pero tenía más estabilidad que todas las nuevas series que se estrenan con estas temáticas.
Originally posted 2014-09-23 11:00:17. Republished by Blog Post Promoter
Maude White y el espacio negativo en sus ilustraciones
Crédito: Julian Montague, para Maude White
“I want my art to communicate to the observer what my words cannot do effectively.”
La delicadeza va de la mano con la técnica. Cualquier cosa, por más delicada que sea deberá ser parte de un trabajo meticuloso, cuyo método se imprima en el resultado de la pieza. Hay quienes los detalles son de gran importancia para que una obra sea perfecta para una exhibición o para cualquier propósito que se le incurra.
Quizá esta técnica de los detalles sea precisa para personas con obsesiones ocultas que manifiesten a través de sus piezas artísticas. El propósito de una obra es comunicar. Tal como lo hacen las ilustraciones de Maude White.
Maude White es una reconocida ilustradora en Estados Unidos. En su pagina web, expone todo el trabajo que con gran esfuerzo, trabajo y delicadeza crea para todos sus fans en el mundo. Su técnica es sencilla: cortar papel para crear espacio negativo.
Dentro de su pagina web, se podrá encontrar una pequeña explicación de sus obras y el porqué el uso de papel y navajas para crear grandes y detalladas figuras de animales, personas y cualquier cosa que la imaginación de Maude White le ayude a lograr.
El arte y la ilustración se vuelven medios, herramientas para trasladar pensamientos, ideas, visiones, etc. al mundo material. Ya sea como lo hace White, o una escultura, el arte busca comunicar, expresar y transmitir. Lo que expone Maude White en su trabajo es el claro uso del Op Art; el uso de juegos visuales hacen parecer a las ilustraciones como una fotografía en negativo o un stencil listo para usarse.
La autora de estos dibujos cortados en papel menciona algo que debe rescatarse. El espacio negativo en sus obras. El espacio dentro de un no espacio. Se puede leer que desde muy pequeña, Maude White se interesó en el espcio negativo que había en distintas cosas. Este espacio negativo llenado con la nada hace que sus obras adquieran un sentido filosófico, metafísico que va más allá de una simple interpretación de su servidor.
Aún creando propuestas artísticas y pensamientos filosóficos, White describe en su web oficial, que la relación con los materiales y ella son realmente respetuosos. Esta artista de Buffalo menciona que el usar papel le hace ver la gran fuerza que tiene esta fibra cuando está en el proceso de creación.
Originally posted 2014-09-17 00:03:42. Republished by Blog Post Promoter
100th Room presenta:
Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.
Todo comienza este viernes 25 de Octubre a partir de las 18hrs con el desarrollo de la intervención plástica a cargo de Yanin Ruibal, seguida de la masterclass de Alexis Rayas, fotógrafo autodidacta con cinco años en el medio.
Para terminar Exit Lace le pondrán ritmo al 100TH ROOM. Pau Rodríguez y Yoan Lokier colaboran para crear una mezcla complementaria entre los escénico y lo musical, mezclando ritmos crudos y oscuros con tendencia funk y groove.
Originally posted 2013-10-25 18:13:50. Republished by Blog Post Promoter
Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R
“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.
El Retrofuturismo es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.
Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.
Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.
Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.
Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.
Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.
Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.
Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.
Twitter: @Anaimponderable
Originally posted 2014-08-19 10:44:48. Republished by Blog Post Promoter
Zorra Roja: Diseños, artes y oficios
Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.
En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.
El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.
Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.
Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook. Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.
Aquí el VIDEO de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.
Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.
Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.
Originally posted 2014-10-15 11:55:17. Republished by Blog Post Promoter
Dickpic, peculiar performance y gran mezcla musical
Originally posted 2013-03-09 17:09:07. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: Ricardo Modi
La difusión del trabajo de artistas emergentes que recién comienzan a entrar en la escena cultural es realmente importante. Es así como algunas revistas digitales promueven y apoyan a estos artistas para dar a conocer su obra y con ello impulsar el arte y la cultura en nuestro país. Es necesario introducir nuevos artistas, presentarlos al público para que los conozcan. En este sentido es indispensable hacer eco de su trabajo y dejar que su obra hable por si misma.
Conozcan a Ricardo Modi, fotógrafo mexicano de 24 años con una inclinación por crear realidades ficticias y captarlas con su cámara. Estudió 1 año en el Centro Morelense de las Artes, siendo este su primer acercamiento a la fotografía. Posteriormente estudió durante 1 año en el Centro de Estudios Audiovisuales en Guadalajara, para luego comenzar la carrera en la Facultad de Artes de la UAEM. Ha participado en algunas exposiciones colectivas tanto en Cuernavaca como en la Ciudad de México. Actualmente estudia en el Centro de Artes de San Agustín (Oaxaca) y trabaja en un proyecto personal de fotografía que será publicado próximamente en Vice México.
La obra de este fotógrafo es relevante, (sobre todo) porque al observar uno puede darse cuenta de su intento por insubordinarse ante la realidad. Intenta mostrar la realidad no tal como es; sino como le gustaría que fuese, dice Ricardo Modi al hablar de su obra. Así, intenta captar el drama que habita dentro de cada ser humano, componer una escena en su mente y ver la manera de capturarla con la cámara. Su obra se basa en visiones y contextos del mundo imaginario del cual se sirve para crear imágenes que le permiten visualizar aquello que surge de la posibilidad del mundo real. Esto es precisamente lo que quiso mostrar con su serie Interludio, en donde algunas mujeres se encuentran suspendidas en el aire, como alguien que pudiera pausar el momento exacto en el que se encuentran cayendo.
El próximo mes, Modi presenta su exposición: Las Tres Miradas, con la cual pretende mostrar que su forma de trabajo se basa en: la del retratado, que es a quien se expone ante la cámara. La del fotógrafo, que es quien crea la imagen, y la del espectador, quien consume el producto final.
Para Ricardo Modi lo que importa es la mirada, pues retratar algo que tenga mirada es indispensable a la hora de crear su obra. Necesita siempre de la mirada del otro, quizás en un intento por definirse a sí mismo, por revelarse. Su mirada como fotógrafo es más bien el intermedio, el vehículo del cual se sirve la mirada del retratado para llegar a la mirada del espectador. Su cámara es el ojo mecánico que observa de manera objetiva, pero la idea es creada en la mente de Modi que le impregna la subjetividad y el surrealismo a la imagen.
Las Tres Miradas se presentará el día 06 de agosto en la galería Víctor Manuel Contreras, que se encuentra en la planta baja de la Torre Universitaria de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM). La cita es a las 17:00 hrs y la entrada es libre. Ojalá puedan visitar dicha exposición.
Originally posted 2014-07-11 00:28:24. Republished by Blog Post Promoter
Patrones Inculcados
Texto y fotografías: Ale Assad
Instagram: aleassad97
“Todas las personas nacen como original
la mayoría muere como copia”— Rafael Pintada
Si bien todas las personas nacemos únicas e inigualables, la mayoría morimos siguiendo patrones e ideas que la sociedad nos inculca. Por ello al final de la vida todos terminamos viendo hacia la misma dirección, pero no precisamente con el mismo propósito.
Originally posted 2014-09-09 18:06:48. Republished by Blog Post Promoter
Con sabor al norte- Erotismo Artístico
No señoritas, no pienso hablar de las 50 Sombras de Grey, sino de cómo desapareció el erotismo en el arte. Erotismo era una palabra originalmente usada para definir un amor apasionado, unido a un deseo sexual. Ahora es más común encontrarte esa palabra como sinónimo de picardía o pornografía. Para ello nos basamos en la definición original.
Picasso una vez dijo- “El arte y la sensualidad son la misma cosa, no existe un arte casto”. Y es aquí donde muchos pueden tener el problema porque en esta época no entendemos el erotismo de la misma manera que lo harían antes. Ya no hay un tabú tan grande por el tema de la sexualidad, pero al liberarlo también lo hemos banalizado. Antes Shakespeare hacía sonetos y ahora vemos como Ted Mosby tuvo relaciones con muchas mujeres antes de encontrar a “la madre”.
El erotismo es la importancia que se le da a la persona que se expone, es amor al cuerpo. El David no es la pornografía de su época, sino una alabanza a la anatomía humana.
Por lo tanto, en lo que se refiere en sentido artístico, todas las canciones, esculturas, novelas y pinturas que toquen un tema sexual y también sean de amor o alabanza entran como erotismo artístico.
La comparación de eso a lo que se ha convertido es un punto trascendental. Cosas como el reggeaton y la pornografía escrita llega a estar de moda cuando son el claro ejemplo de la liberación sexual de la que estoy hablando.
Viene a ser importante poder tocar la diferencia porque de otra manera no eres capaz de explicarlo. Si no se sabe el concepto de erotismo artístico tampoco se puede defender uno cuando ve una película de arte y alguien justamente entra a la habitación cuando hay una escena sin ropa.
El hecho de que la Venus de Nilo sea un clásico artístico de todos los tiempos no educa en nada a las masas. La mayoría de las personas sólo saben que es arte porque lo ven y oyen que “es arte”, pero no lo reflexionan detenidamente, sólo repiten lo que es.
En la literatura existe el mismo problema. El sexo se puede tomar como en los libros de THE CLAIM OF SLEEPING BEAUTY, de Anne Rice (el cual tuvo críticas muy fuertes), o puede ser como el ensayo casi clínico de la crítica de arte de Catherine Miller en LA VIE SEXUEL E DE CATHERINE M.
La cultura occidental tiene en sus manos todo ese tema para explotar sin que quede banalizado. Ahora lamentablemente, por ser un tema libre, muchos artistas hacen cosas basadas en el simple sexo para escandalizar y llamar la atención de las masas porque eso es lo que vende.
Por lo tanto dejo este concepto explicado de la mejor manera que puedo, para que cuando se encuentren con exposiciones puedan distinguir si es erotismo artístico o alguien que simplemente está vendiendo sexo. Quisiera saber sus opiniones acerca del tema, en Twitter pueden encontrarme como: @alixreyna, y por lo demás hablamos la siguiente semana.
Originally posted 2014-06-26 00:19:55. Republished by Blog Post Promoter
Si miráramos siempre al cielo
Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97
“Si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas”.
– Gustave Flaubert
Una de las principales razones por las que un instante puede llamar toda mi atención y siguiente a ello surja la necesidad de capturarlo en una fotografía, es debido al hermoso cielo que se monta sobre el momento.
Originally posted 2014-10-02 11:59:04. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía
El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.
La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco. No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.
Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.
La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.
La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.
El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia
Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.
Originally posted 2014-07-30 08:34:14. Republished by Blog Post Promoter
Impresiones francesas sobre la comida mexicana: El Chile
Quand on te dit le mot “Mexique”, à quoi penses-tu?
On évoquera la chaleur, les sombreros, de mystérieux homes à moustaches cachés dans le désert ardent…pour tous ceux qui ont foulés le sol mexicain et plus spécialement entré dans un restaurant mexicain, ça sera la fameuse question « Pica (ça pique) ? » qui vous viendra à l’esprit.
Les sauces rouge, verte, et sucrée que tu croiseras sur ton chemin dans une taqueria.
Premières impressions dans un restaurant mexicain : des coupelles de sauces en dégradées de vert et de rouge qui ont l’air de me regarder. En suivant les conseils de l’ami mexicain vient la dégustation : une petite cuillère à café sur le dos de la main de chaque sauce et… ça arrache ! Première conclusion : les sauces vertes piquent davantage que les rouges. Les pots contenant des tomates et oignons en dés ne sont pas moins piquants : le chile y est finement coupé, ce qui le ferait presque passer pour une herbe aromatique le traitre. Tu apprendras que quelques gouttes de la sauce de ton choix suffiront largement à relever le goût de ton tacos et autre plat.
Un exemple de salsa: sauce au chile de árbol frais
Souvent présentées dans un assortiment de deux à quatre voir cinq variétés, les sauces sont obligatoires à chaque table. Verte claire, plus foncée, rouge, ou caramel les sauces sont composées de tomate rouge ou verte, oignons, ails et de chile frais, séché, cuit…les combinaisons sont multiples. Tous types de chile sont utilisés, du habanero, au serrano, morita…etc. C’est en effet un des trois piliers de la gastronomie mexicaine, qui va de pair avec le maïs, et les haricots noirs (frijoles). Cultivé et utilisé depuis l’époque préhispanique, le chile est l’élément principal de plat traditionnel comme le mole : un savoureux mélange de chile, d’épices et de cacao. Le plat compte une trentaine d’ingrédients.
Un plat préparé à base de mole de la ville de Puebla, accompagné de frijoles, riz et tomate fraiche.
La coutume de manger du chile à chaque repas a donné naissance à quelques expressions comme « s’enchilarse » : s’enchiliser -littéralement-, apprécier le goût du chile jusqu’à avoir les yeux rouges et larmoyants, des couleurs aux joues, puis le stade ultime : avoir mal aux oreilles. Un vrai plaisir pour certains, où on m’a conté l’histoire d’oncles heureux et larmoyants de « s’enchilarse » lors de repas familiaux. Le chile est d’ailleurs comparé à la virilité masculine. Comment ? Sa force, vigueur et la bravoure nécessaire à le manger ferait écho à des attendues qualités masculines.
Finalement, le chile garde une importance culinaire primordiale : comme avait déclaré Bartolomé de las Casas « Sans chile, les mexicains ne croient pas qu’ils mangent. »
Originally posted 2014-09-09 11:18:42. Republished by Blog Post Promoter
Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún
Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.
La alineación se compone con Chucho Arvizu, es el vocalista, Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.
Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.
Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.
Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.
En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro
Originally posted 2015-02-11 09:00:16. Republished by Blog Post Promoter
Visita obligada anual: World Press Photo 2014
“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”
Susan Sontag.
¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.
Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.
Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?
Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?
En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.
A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:
La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.
Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.
Originally posted 2014-09-02 12:19:58. Republished by Blog Post Promoter
Armadillo Pots: La dualidad entre la vida y la muerte en una maceta
Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.
En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.
Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.
Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.
Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.
La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.
Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.
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Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic
Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.
Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.
Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.
No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.
Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics” del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.
En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).
Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).
Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.
Downtown Divas from LA on Vimeo.
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Unelefante
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Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro
Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.
La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.
RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque —menciona— “le gustan las chicas con rasgos latinos”.
Es pasante de la carrera de sociología y lleva seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.
Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.
Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.
El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.
Originally posted 2014-08-05 09:59:01. Republished by Blog Post Promoter
60 tigres en el Festival Nrmal
Originally posted 2013-03-09 18:57:21. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: reflexiones en torno a la fotografía de prensa
Cuando se trata de fotografía de prensa suelo evocar a los fotorreporteros, tanto mexicanos como extranjeros, de la primera mitad del siglo XX. Pienso en su trabajo y llegan a mi mente algunas fotografías que muestran la realidad de un pasado que si bien aún existe es imposible cambiar. En ese sentido, las fotografías de algunos de los fotorreporteros como Henri Cartier- Bresson, Robert Capa o Agustín Víctor Casasola, por mencionar algunos de los nombres más populares, pueden ser analizadas con los lentes de la perspectiva histórica que, debe quedar claro, no es del todo imparcial. Incluso la fotografía de prensa puede llegar a conmover a quienes la analizan, sobre todo porque expone acontecimientos de un pasado muchas veces doloroso que penetra en lo más profundo de la memoria histórica colectiva.
Sin embargo, no es lo mismo observar las fotografías de prensa del pasado que las fotografías de prensa del presente, pues a pesar de que la realidad del pasado puede llegar a ser incomoda y lacerante, la realidad actual suele despertar sentimientos desgarradores. Concuerdo con el fotógrafo de prensa Pepe Baeza cuando menciona en Por una función crítica de la fotografía de prensa, que la imagen de realidad es molesta pero necesaria.
“La sociedad necesita imágenes que informen, analicen y transformen. Las necesita mucho.” Pepe Baeza.
La fotografía de prensa sirve no sólo para informar y generar consciencia, sino también para generar crítica sobre los temas de la actualidad que nos incumben y que nos afectan directa o indirectamente. La fotografía de prensa, a diferencia de otros géneros fotográficos, es cruda, y puede llegar a recordarnos que del mismo modo en el que los seres humanos tenemos una gran capacidad para crear cosas hermosas también tenemos una gran capacidad de destrucción de nosotros mismos y del otro. Los humanos tenemos esa condición dual de la cual nos es imposible poder desprendernos.
La semana pasada tuve oportunidad de asistir a la World Press Photo 2014 exhibida en el Museo Franz Mayer, y debo decir que, como consumidora poco asidua de la fotografía de prensa, las imágenes me impresionaron mucho, tal vez más de lo que esperaba. Generalmente me detengo mucho en analizar la fotografía artística excesivamente producida que sugiere la contemplación de mundos ficticios, es decir, aquellos que simulan al mundo real a través de la exploración artística que disimula la crítica social impresa en ella. Por lo que suelo dejar de lado la fotografía de prensa, sobre todo, y me apena decirlo, porque la información que presenta transmite emociones negativas: dolor y tristeza. Muchas de las fotografías que se muestran en la exhibición nos recuerdan nuestro lado más humano, se puede llegar a sentir incluso compasión por las personas retratadas y desconsuelo por los temas que se presencian en las imágenes. La sensación de impotencia y coraje se hacen presentes al ir haciendo el recorrido por cada sección de la exposición. Definitivamente la fotografía de prensa muestra una realidad severa que golpea hasta el lado más superficial de cualquier ser humano.
La World Press Photo 2014 expuesta en el Franz Mayer en la Ciudad de México nos recuerda que la fotografía de prensa sigue siendo vigente, que la denuncia también puede ser hecha a través del reflejo de la realidad y no tanto de la creación de un mundo ficticio que exagere ciertos elementos para hacer más obvia la crítica a la sociedad en la que vivimos. La realidad, en la fotografía de prensa, es la mejor forma de denuncia. Se trata de contar historias reales que informen sobre la situación actual en torno a los conflictos sociales, pero que también transmitan emociones, que nos devuelvan esa sensibilidad por los acontecimientos del mundo real en lugar de alejarnos de ellos. La fotografía de prensa busca, sobre todo, informar y, en muchos casos, denunciar las realidades sociales, es decir, registra lo colectivo. Según menciona Pepe Baeza, la dimensión de lo colectivo y aquello que apela a la solidaridad se encuentra en profunda crisis, y es justamente la fotografía de prensa la que refleja ese estado de cosas. ¿Será que realmente las imágenes de prensa se encuentran en una crisis? En la actualidad se enaltece la idea de individuo y del individualismo que favorece las leyes del mercado del sistema capitalista. El uso de la imagen publicitaria y de moda exalta justamente el ideario individualista. Así pues, la exhibición de la World Press Photo 2014 está para invocar la idea de comunidad y de solidaridad, para recordarnos que somos seres sociales, que somos parte de un mismo mundo y que los conflictos que se presenten en él nos afectan a todos.
Originally posted 2014-09-24 11:05:14. Republished by Blog Post Promoter
El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard
Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.
Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Saint-Étienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.
Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.
En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.
En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.
“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.
— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.
Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.
La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es —en mi opinión— una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.
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El almacén de la imagen: el cuerpo en la ilustración de Fernando Vicente
Pensar en ilustraciones anatómicas es remontarse a los libros propiamente de medicina, en el que normalmente se explica la conformación de las estructuras internas del cuerpo humano típicamente representado por la figura de un hombre. La anatomía, o el estudio de los órganos y los tejidos, ha quedado estrechamente ligada al mundo de la medicina y de la salud.
En la actualidad podría parecer incluso extravagante aquello que nos remita a la anatomía y que no se encuentre dentro de la esfera de la medicina. Sin embargo, algunos artistas contemporáneos han hecho uso de la anatomía para exhibir conceptos de belleza a través de una muestra del interior del cuerpo humano. El trabajo del pintor e ilustrador madrileño Fernando Vicente (1963) es un ejemplo del vínculo que existe entre la anatomía y el arte.
El cuerpo ha sido un tema recurrente en la creación artística desde la antigüedad. Es claro que la concepción del cuerpo y sus formas de representación han cambiado a través del tiempo. Esta representación del cuerpo humano y las ideas que se tienen de él se han ido transformando según las necesidades y las mentalidades de diversas sociedades en diferentes épocas históricas.
La manera en la que se expone el cuerpo, ya sea masculino o femenino, responde a ciertas ideas que se tienen con respecto al hombre y a su lugar en el mundo. El trabajo de Fernando Vicente es una muestra de la exhibición del cuerpo, propiamente femenino, en función de los ideales de belleza que se han planteado en el siglo XXI. Fernando pinta mujeres bellas en las que se exhibe su anatomía interna de una manera un tanto seductora, sin dejar de lado la naturaleza encantadora de la mujer. Así pues, su obra tiene como objetivo demostrar que la belleza puede observarse incluso dentro del cuerpo humano.
We are all the same inside; all you have to do is find that beauty. Fernando Vicente
Fernando Vicente basa gran parte de su trabajo en las ilustraciones anatómicas del siglo XVIII y del siglo XIX y fusiona esa idea con la imagen de las modelos que aparecen en las revistas de modas. Así, la figura femenina que se presenta en los medios ilustrados y que generalmente propone un ideal de belleza se ve diseccionada para mostrar su cuerpo desde dentro. La belleza no sólo es lo que se ve por fuera, en apariencia, sino también es todo aquello que nos conforma por dentro.
La relación entre el estudio de la anatomía y la creación artística puede ser vista claramente desde la época del Renacimiento, sobre todo a partir de los estudios anatómicos del pintor Leonardo Da Vinci. Durante el Renacimiento el arte voltea la mirada a la antigüedad clásica, por lo que las pinturas comienzan a tener temas de tipo mitológico. Resurgen las representaciones de Venus y el antropocentrismo resuena en las ideas que se ven fuertemente enmarcadas en el arte. El hombre comienza a ser la medida de todas las cosas.
Durante este periodo, se inicia el estudio del cuerpo humano por medio de la disección, lo cual plantea una fuerte revolución a nivel epistemológico. En principio se estudia la estructura del cuerpo humano con el objetivo de mejorar su representación en el arte. Conocer es perfeccionar. El estudio de la anatomía con fines artísticos impulsa a los artistas de la época a desarrollarse en la anatomía clínica. Enrique Flores menciona, en “El anfiteatro y la cámara oscura”, que para Leonardo Da Vinci (quien dedicó parte de su vida a los estudios de la anatomía) dibujar un cadáver era pintar un alma, esto es, la esencia de la anatomía es el arte. Por ello, abrir un cuerpo significaba no sólo la belleza de descubrirlo, sino también el horror de la carne expuesta y de la sangre derramada en beneficio del conocimiento.
Los artistas del Renacimiento realizaban disecciones a cuerpos disecados para hacer ilustraciones del interior del cuerpo humano con el objetivo de mejorar la representación de éste en su quehacer artístico. Por otro lado, Fernando Vicente hace uso de las ilustraciones anatómicas ya existentes como base de sus representaciones del cuerpo femenino, para plantear un modelo de belleza que rompe con los paradigmas del tipo ideal propuesto en nuestro tiempo.
En su serie Vanitas, por ejemplo, nos muestra mujeres que siguen entrando en el estándar de belleza (mujeres esbeltas, bien peinadas y maquilladas), pero al mismo tiempo las expone desde dentro. Incluso exhibe en tres de sus pinturas a mujeres embarazadas como una forma de representación no sólo de la belleza física de la mujer, sino también de la hermosura de su figura de madre, de creadora, de dadora de vida. Nos enseña pues, la belleza del embarazo en el sentido de cómo puede existir un cuerpo dentro de otro. Los músculos, los huesos y el sistema nervioso aparecen como eje central de la pintura anatómica de Fernando Vicente.
La ausencia de sangre nos alivia del horror de pensar en la disección de la que se servirían los artistas del Renacimiento. La belleza, menciona Fernando, es sublime en su trabajo y se apoya de la idea de que ésta se puede encontrar incluso dentro del cuerpo humano.
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El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte
Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.
We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.
Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.
Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.
“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.
La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.
Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.
Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.
En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.
El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.
Originally posted 2014-12-12 18:05:36. Republished by Blog Post Promoter