La cultura, factor clave para el desarrollo social

Los habitantes de un país son la fuerza principal para lograr el desarrollo de su nación, puesto que son los seres idóneos para detectar los problemas que aquejan a su comunidad, así como sus necesidades e inquietudes; además, debido al conocimiento de sí mismos y de los recursos con que cuentan, tienen un gran potencial para identificar posibles soluciones que faciliten la obtención de una mejor calidad de vida.

En este orden de ideas, la cultura se convierte en un factor que interviene en el conocimiento que los individuos pueden tener de sus características como integrantes de una comunidad para, a partir de ellas, saber qué cualidades les son útiles para realizar acciones que conlleven al bienestar de quienes habitan en un mismo espacio. Así, lo cultural se entiende como la transmisión de usos y costumbres, pero también se puede contribuir al desarrollo mediante otro tipo de manifestaciones que funjan como punto de encuentro para los integrantes de una sociedad.

Desde tiempos muy remotos, las manifestaciones artísticas eran consideradas parte importante de la educación de los individuos desde la infancia, puesto que gracias a éstas los niños adquirían una formación integral que tomaba en cuenta el desarrollo del espíritu humano y, además, constituía una manera de generar la convivencia, por tanto, con esto se lograba que los jóvenes crecieran en un ambiente social sano y fueran capaces de organizarse con los demás para actuar en beneficio de toda la comunidad, con esto se contribuía al crecimiento de ciudadanos útiles para el estado, según las ideas de Platón en su obra La República.

Con el paso del tiempo, se ponderaron otro tipo de actividades sobre las culturales y la idea del desarrollo se enfocó hacia los conocimientos científicos y técnicos que constituyeran una formación orientada al progreso y a la productividad de los individuos, de tal manera que se prefería que éstos aprendieran a manejar máquinas en lugar de que se dedicaran a las artes o cualquier manifestación que fortaleciera el espíritu humano.

Adeco, Acciones para el Desarrollo Comunitario, A.C.

Sin embargo, la cultura y el arte no han perdido su carácter formativo en el sentido de transmitir las ideas y costumbres de una comunidad, así como tampoco se descarta la función de punto de encuentro que cumplen las actividades que de manera recreativa puede realizar un conjunto de personas que tienen rasgos en común, por ejemplo, la danza, la música o el canto; esto es posible gracias a la organización de algunas asociaciones civiles que tienen como finalidad crear programas encaminados a la difusión cultural, alfabetización y promoción de las manifestaciones artísticas, tales como Adeco, Acciones para el Desarrollo Comunitario A.C.

Adeco fue fundada en el año 2005, como el resultado de una serie de campañas de alfabetización a adultos realizada por jóvenes de diversas preparatorias del Distrito Federal en 1982. Esta asociación civil entiende por desarrollo social el conjunto de procesos que tienen como fin elevar la calidad de vida de una comunidad, es decir, del conjunto de personas que comparten ciertas características y se identifican entre sí.

La misión de Adeco es: Fortalecer la organización y participación colectiva de comunidades de nuestro país, a través de diversos procesos educativos que desarrollen las capacidades y herramientas necesarias para enfrentar de manera autónoma e integral los problemas que afrontan, mejorando así su calidad de vida”, esto parte de la visión de desarrollar las capacidades de autogestión (actuar por sí mismos) y organización de los integrantes de la comunidad para que sean ellos mismos quienes logren su propio beneficio, independientemente de agentes externos que actúen y/o decidan por los individuos en cuestión.

Los proyectos impulsados por Adeco se basan, principalmente, en el fomento a la participación colectiva y la inclusión de toda la comunidad con la finalidad de proveerle herramientas para que sea ella misma la que resuelva sus propias problemáticas y necesidades. Actualmente, esta asociación civil cuenta con tres programas, estos son:

·         ¡Alfabetiza! Campaña de educación para adultos, el cual tiene como finalidad la alfabetización en comunidades rurales, pero también la promoción al trabajo y organización comunitarias.

·         Tlalana: Autogestión y jóvenes, este programa tiene como fin la formación de los jóvenes para ser promotores comunitarios capaces de generar proyectos de impacto positivo en las condiciones de su entorno y desarrollo personal.

·         Canto que florece, este programa hace uso del lenguaje musical para fomentar la convivencia entre los integrantes de la comunidad, además del aprendizaje, la sensibilización y la creatividad.

¡Alfabetiza! uno de los principales proyectos de Adeco.

Programas como estos invitan a revalorar el papel de la cultura y las manifestaciones artísticas como parte fundamental en el desarrollo humano de los individuos, además de su contribución en la sensibilización, promoción de valores para la sana convivencia social y difusión de conocimientos básicos, todo esto en conjunto es de gran utilidad para que las comunidades se vuelvan independientes y resuelvan sus propias problemas por sí mismas a partir de lo que en verdad requieren.

Adeco es presidida por Andrés Suárez Hernández y su consejo operativo está conformado por Fernanda Baena Díaz y Daniel Zúñiga Hernández, quien funge como el responsable de proyectos. Sus oficinas se ubican en 20 de agosto #35, tercer piso, en la colonia Churubusco de la delegación Coyoacán, en el Distrito Federal. Sus proyectos pueden consultarse a través de la página de Internet http://adeco.org.mx/

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Arranca el Cut Out Fest 2012

 

Este 1 de noviembre iniciaron las actividades del Cut Out Fest 2012. Desde el medio día, los talleres de diseño, guionismo y sonido entre otros abrieron sus puertas. A partir de las 4:00 pm, iniciaron las conferencias en el Cine Teatro Rosalío Solano.

El surcoreano Beomsik Shimbe Shim explicó durante su ponencia la manera en la que construyó durante dos años su cortometraje The Wonder Hospital, mientras era estudiante. El joven artista aseguró que tardó mucho más en idear el concepto que en crear las imágenes, ya que desarrolló un volumen teórico en el cual explica los elementos de la Alegoría de la Caverna de Platón en los que se basó para armar su historia. El cortometraje está pensado como una crítica hacia nuestra percepción de la belleza y equipara la cirugía plástica con una ilusión óptica. Más tarde, durante una conferencia de prensa, Shimbe animó a los universitarios a que aprovechen los recursos a la mano y experimenten ya que, aseguró, esta etapa es la ideal para realizar proyectos.

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A las 9:00 pm se celebró una ceremonia de inauguración, durante la cual los organizadores Mónica Escobedo y Miguel del Moral enumeraron los logros y el progreso del festival a través de los años, que en sólo cuatro ediciones ha pasado de recibir unas cuantas decenas de trabajos de menos de diez países a recibir más de 300 trabajos provenientes de más de 35 países.
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Ellen Beijers, titular del Departamento de Política, Prensa y Cultura de la Embajada de Holanda en México, agradeció a la organización el haber considerado a Holanda como país invitado al festival, y aseguró que su país está en planes de ampliar sus relaciones tecnológicas, culturales y económicas con el nuestro.

” Finalmente, y como bienvenida al país europeo, se presentó el cortometraje producido en Holanda Tears of Steel, financiado a través de crowdsourcing y producido con Blender, un software open source de animación en 3D. Les dejamos el corto a continuación.

Información de Abraham Bojórquez, fotografías de Paulina Enríquez

Originally posted 2012-11-02 10:00:47. Republished by Blog Post Promoter

Creadores Chulavista – Verde Agua

 

Alfredo Ballesteros es Verde Agua, un joven pintor y dibujante cuyo tema más recurrente es la memoria poética, o esa necesidad de plasmar los objetos y las imágenes para que perduren para siempre. Una técnica utilizada por Alfredo es la deconstrucción de textos y dibujos que modifiquen narraciones previas y provoquen evocaciones y sensaciones. Aunque no cree del todo en la inspiración, encuentra que la lectura de libros y las imágenes fantásticas son un estímulo primordial para su obra.

Originally posted 2012-12-23 19:12:50. Republished by Blog Post Promoter

El FIC Puebla regresa en su cuarta edición

Por Daniel Cervantes Hernández

Twitter: @DaniDanilov

Por cuarta vez consecutiva el Festival Internacional de Cine en Puebla regresa para acercar la cultura cinematográfica. Coordinador y fundador de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos, en tan solo tres años de vida rápidamente ha crecido al punto de ser considerado uno de los Festivales más importantes del país.

Ayudados por el Ayuntamiento de la ciudad, el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla y la iniciativa privada, el FIC Puebla es pionero en promover el Desarrollo Integral 2020, con perspectiva a 10 años, de la mano del arte y la cultura, con un perfil integrador, muy cercano a la gente.

Con la proyección de un aproximado de 150 películas, contará con la presencia de más de 150 realizadores y las cinematografías de Irán y Kurdistán. El festival se llevará a cabo de 29 de septiembre al 5 de octubre de 2013 en diversas cedes de la ciudad de los ángeles, para deleite de público de todas las edades.

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Originally posted 2013-08-12 17:57:38. Republished by Blog Post Promoter

Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

Originally posted 2012-11-04 19:30:35. Republished by Blog Post Promoter

Viernes de Remixes: Be my valentine

San Valentín: Un día mas o el mejor del año? Sin importar cuál sea tu respuesta la música nunca está de más, por esto decidimos dedicarle este Lunes de remixes a dos piezas elementales en cualquier playlist que (para bien o para mal) incluya la palabra amor. La primera es “Thinking about you” de Frank Ocean que es una canción que es perfecta, con una atmósfera cálida y al mismo tiempo melancólica. Ésta es llevada al siguiente nivel en el remix de Ryan Hemsworth dando un hermoso resultado que mantiene la genial estructura de la melodía original. El segundo remix es un clásico de Bon Iver: “Skiny Love”. Una gran pieza que toma otro aire en manos de Das Kapital; beats que, al compás de la canción, envuelven en delicados instantes de una melancolía que es para saborear y disfrutarse. Escuchen, disfruten y celebren su propio 14 de Febrero cualquier día del año.

 

 

Originally posted 2013-02-11 20:54:08. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.

 

Originally posted 2014-10-10 11:38:02. Republished by Blog Post Promoter

De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

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“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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Impresiones francesas sobre: El café.

LA TRADITIONNELLE

Quelque chose que les mexicains ont et que nous n’avons pas…les plantations et magnifiques grains de café frais.

 J’ai visité les plantations de café dans les collines humide postées aux alentours de Puebla. J’ai rencontré les cultivateurs: la terre où le café est cultivé est un héritage, un investissement qui se transmet de générations en générations et prospère avec le temps. Un père de famille nous racontait garder sa portion de terre afin de la leguer à ses enfants. Ceux-ci travaillent loin de leur village local, dans son témoignage comme routier et dans les métiers de la construction, pour gagner leur vie, économiser et injecter ensuite leurs économies dans la croissance de la plantation.

IMG_5676Les fameuses graines de café

 Les plantations de café se diversifient selon la forme du grain. Capricieuses, des maladies peuvent les ronger et dénuder les collines de leurs grains. J’ai pu visité une fabrique où sont traitées les graines de café. Les machines nous étaient expliquées: celle-ci retire la couche de la graine du café, celle-là toaste les graines…etc; tout en nous expliquant le changement qu’implique des machines plus modernes. Les procédés ne sont plus aussi artisanaux qu’avant. La technologie des machines a un coût qui doit être amorti.

 Amer, le propriétaire de la fabrique nous expliquait son dilemme: fabriquer en grandes quantités du café de basse qualité, rapidement, à bas coût et compétitif ou un café de plus haute-qualité, plus gourmet destiné à se vendre plus cher et en moindre quantité ? Evidemment, si le marché était mûr,  le fabricant se destinerait à fabriquer du café de bonne qualité à un prix équitable.

 Le marché de la consommation du café est en croissance. Il est encore relativement peu consommé, environ 1,5 kg par habitant et par an contre 6 kg en France et 13 kg dans les pays des plus gros buveurs. Le café est disponible à moindre coût dans le commerce, où plusieurs marques locales se sont développées. On peut le trouver en grain, moulu ou en poudre. Les chaines de café sont nombreuses, à titre de comparaison il y a plus de café à Mexico City qu’à Paris et à des prix plus compétitifs/avantageux. Le café bio est le nouveau produit à la mode. Les cafés achètent la qualité en grains et le moulent sur place. Certains ont une personnalité , image de marque définie: le café à l’italienne, qui servira surtout de petits expressos. Le café français, qui sera servie complémentée par des pâtisseries. Le café peu cher, le moins cher du marché qui sera disponible dans des supérettes en “Americano”: grande taille, coupée à l’eau.

café Roma - touchedUn petit expresso ?

 C’est un marché qui a de l’avenir devant lui, et mérite une pause en son honneur. Après ce petit cours sur le café, tu auras le plaisir de lire une note plus complète sur les différents endroits où le déguster.

Originally posted 2014-10-29 09:00:20. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo De Cine Express: Especial Guadalupana

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr 

En estos días el fervor y la devoción católica son palpables en las carreteras, calles, domicilios y conversaciones a lo largo y ancho de nuestro país. La celebración por el aniversario de la aparición de la Virgen de Guadalupe al chichimeca Juan Diego Cuauhtlatoatzin en 1531 es la fiesta religiosa mexicana por excelencia.

La leyenda cuenta que, para convencer al obispo Zumárraga de la veracidad de estas apariciones, la también llamada “virgen morena” le pidió al indio que recogiera unas flores del cerro del Tepeyac y las presentara ante el obispo y las autoridades católicas. Supuestamente, cuando Juan Diego presentó las flores, estas cayeron al suelo y en su ayate -vestimenta prehispánica- se descubrió milagrosamente impresa la imagen de la Virgen.

A partir de entonces, la figura de Guadalupe fue utilizada como medio evangelizador y elemento unificador de los pueblos indígenas que en aquel entonces estaban divididos en centenares de reinos, cada uno con sus propias creencias particulares y bagaje cultural. La aceptación generalizada del ícono religioso representó un giro de tuerca en el proceso de evangelización cristiana en la Nueva España. El culto a Guadalupe se extendió y el fervor por ella cuajó en la cosmovisión de los indígenas y mestizos con sorprendente éxito.

A pesar de que los hechos históricos apuntan a que el relato no es más que una conmovedora ficción, la fe en la Virgen de Guadalupe se mantiene encendida e impetuosa en nuestro país medio milenio después. Como suele suceder con toda creencia religiosa, lo importante no es que la creencia sea veraz, sólo que resulte lo suficientemente veraz como para satisfacer quizá la condición humana más esencial: la necesidad de creer.

La parte irrefutable del relato es la consecuencia de su difusión. Cuando Miguel Hidalgo hizo en 1810 un estandarte propio de un México libre, independiente y autónomo, fue la imagen de Guadalupe la inequívoca elección. Bajo esta bandera fue que nuestros antepasados unieron sus fuerzas y lograron romper con el orden colonial establecido desde España. Aunque las peregrinaciones caigan en la alienación típica del comportamiento de masas y muchos peregrinos no ubiquen ni la historia ni el significado de la celebración, la Virgen de Guadalupe se mantiene como el solitario y espontáneo símbolo de la unidad mexicana.

Este Ciclo de Cine Express es una edición especial para devotos y escépticos que busquen comprender integralmente la historia y el fenómeno de la Guadalupana.

La Sorprendente Imagen de la Virgen de Guadalupe es un recuento de History Channel sobre la historia apenas boceteada en este texto, con los puntos de vista religiosos e histórico. (En partes, en español)

Virgen de Guadalupe es un documental de Mariachi Films más cercano a los devotos y a las peregrinaciones. (En partes, en español)

En el fondo, la aparición de la Virgen fue exitosa en cuanto se entendió como milagro. Miracles for Sale es un programa especial sin relación directa con la Virgen de Guadalupe, pero que desentraña con descaro los engaños detrás de las manifestaciones milagrosas que proliferan en el ámbito religioso. (En inglés sin subtítulos)

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De caligramas: breve historia de la poesía visual

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Los caligramas buscan formar la figura más acorde al tema del poema escrito, mediante el acomodo de versos, frases, palabras y letras que lo conforman. Si tuviéramos que ir al punto exacto en que se genera la idea nos veríamos perdidos entre cientos de años de historia, es dicho que las tendencias al poema visual se encuentran presentes ya en la caligrafía árabe y se conservan según se sabe en forma escrita, algunos ejemplares desde el periodo Helenístico Griego,  pero sí, existe la certeza de que debemos al poeta francés Guillaume Apolinaire y a él atribuímos la expansión de los mismos en el siglo XX. Su influencia en la poesía posterior a 1918 supuso la creación de numerosos ejemplares de caligramas en gran variedad de culturas y países.

 Existe la teoría de que llega un punto en la historia de la humanidad en que ciertos “descubrimientos” de corrientes llegan y son difundidos de un modo u otro, por una necesidad de desarrollo y por la gestación precedida incapaz de ser controlada, del mismo modo en que no puede ser detenido un alumbramiento, un poco más concretamente el cubismo literario, el creacionismo y ultraísmo son los generadores del esparcimiento, o del re descubrimiento de los poemas visuales procurando justicia en la relación.

 Vamos a asirnos del leño del cubismo, entonces, éste nace a mediados de 1907 en París y es, dicho sea de paso de los movimientos más significativos de la pintura desde el Renacimiento, el  cubismo, por recuerdo,  busca representar la esencia de la realidad mediante el uso de las formas geométricas; el cubismo literario entonces nace a su vez del pictórico, como del surrealismo pictórico parte la poesía surrealista.

 En 1910, en Francia,  Apolinaire ya poeta cubista, experimenta juegos de palabras a los que se nombra caligramas, nombre al parecer propuesto por él en 1918, es de decirse que en lo que se refiere a los poetas del movimiento, se echa de menos lo auditivo y el enfoque como podemos apreciar, lleva el interés a lo visual.

 En 1913 el poeta chileno Vicente Huidobro incluye su primer caligrama “Triángulo armónico” en Canciones en la noche, poema largamente criticado en cuanto a contenido se refiere y del que en apariencia lo rescatable lo encontramos en la  “osadía” de perder el sentido estricto del acomodo de los versos.

  En lo que se refiere a  literatura hispánica mencionaremos a Juan José Tablada, mexicano; Francisco Acuña de Figueroa, uruguayo; Carlos Oquendo de Amat, Jorge Eduardo Eielson y Arturo Corcuera, peruanos, los españoles Guillero de Torre, Juan Larrea y Gerardo Diego y el argentino Oliverio Girondo.

 Lo enigmático e interesante de los caligramas está directamente relacionado con la transgresión a la palabra escrita en orden, y a la expansión cercana del tema a lo visual y la pérdida de exclusividad del texto, pero la necesidad de éste para la figura y la relación directa e imprescindible de ambos, las impresiones encuentran distancia entre que si el poema en sí mismo es bueno no debiera hacerse necesario el uso de “el artificio”, de un modo u otro, la literatura es siempre la que lleva la batuta.

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Calligramme

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La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

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“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

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Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Originally posted 2014-11-21 19:54:28. Republished by Blog Post Promoter

“Los irrespetuosos” cuestionan el arte

Por Miriam Martínez

@coopmi

A partir de hoy el Museo Carrillo Gil hospedará a 18 artistas a través de sus obras, visitantes de Colombia, Venezuela, Austria, Alemania, Ecuador y Argentina, además de mexicanos. Ellos estarán presentes a través de pinturas, instalaciones, videoarte y propuestas encaminadas al “happening” y arte conceptual. Lo anterior como parte de la exposición “Los irrespetuosos”.

El eje rector de la muestra es el cuestionamiento del arte. A través de las obras se cuestionan ciertos espacios de legitimación del museo y reúnen obras que parodian el arte canónico.

“Será una exposición muy entretenida y el público podrá apreciar la obra de artistas que han violentado la misma estructura del Museo de Arte Carrillo Gil, poniendo en duda la capacidad del espectador para entender si se trata de una burla o una vandalización” comentó el curador Carlos Palacios. Además señaló que el espectador podrá apreciar, en algunos casos, gestos iconoclastas que evocan el momento en que el artista francés Marcel Duchamp le pintó bigotes a la célebre obra “Mona Lisa”, de Leonardo da Vinci.

La muestra se exhibirá hasta el 17 de marzo de 2013.

Ubicación: Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Colonia San Ángel
Delegación Álvaro Obregón, C.P. 01000 México, D.F.

(Con información de El Universal)

Originally posted 2012-11-30 16:54:08. Republished by Blog Post Promoter

The Icebook: Instalación Fantástica

 

Desde hace décadas, los libros de cuentos en formato pop-up han encendido la imaginación de niños y adultos al brindar una experiencia tridimensional que acompañe la fantasía de las historias.

The Icebook es un proyecto de Davy y Kristin McGuire que por primera vez incorpora proyecciones de video a este formato. Al colocar un proyector detrás de las láminas traslúcidas del libro, combinan imágenes surreales y fantásticas con bellos escenarios hechos de recortes para crear una hipnótica sincronía teatral.

Esta pareja de artistas visuales se dedica a combinar técnicas y formatos para crear novedosas experiencias relacionadas con el mundo del teatro. The Icebook ha sido presentado en numerosos foros alrededor del mundo. En su página web se puede leer un artículo detrás de cámaras del impresionante artefacto.

Originally posted 2012-12-22 19:15:34. Republished by Blog Post Promoter

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

Captura de pantalla 2014-12-15 a la(s) 16.57.36

Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

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Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 3

Por Hernán Flores

[Jueves 25 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. ¿Se lo pido o no se lo pido?, discutía en mi mente mientras pensaba pedirle un trago de agua al chico de al lado. Pero qué condenada resaca me cargo: síntomas de una noche más que blandimos como un sable en llamas. Esta vez el metro iba más bien vacío, yo leía con comodidad mis Cuentos Completos de Capote y no me preocupaba por nada más que yo y mi ego. Con una que otra turbulencia y amarres de frenos, llego mi vagón hasta a la estación de Zócalo donde me repetía sin cesar que éste sí que sería un buen día. Jamás lo sería y yo lo sabía muy bien, sin embargo no perdía nada con intentarlo, o al menos eso creía.

 

3:30 p.m. “1) No usar condón te ahorra una lanérrima. Neta. Para que se den una idea, con esa lana ahorrada ayer fuimos (la mujer que amo y yo) a comer a Los Mercaderes, ese restaurante sostenido por cuatro Atlantes en la calle cinco de mayo.” fue lo único que escuché. Mi atención ya estaba dominada por sus palabras, no sé si porque era lo que más o lo que menos quería escuchar, pero de la manera que fuera, decidí sentarme y poner atención, obviamente. Uno no puede irse así como así después de escuchar esas palabras. Gerardo Díaz leía un fragmento del comienzo del onceavo número de la revista “Los Bastardos de la Uva”. Después de una lectura ligeramente torpe explicó que “éste fue un proyecto que nació en una cantina, junto con unas buenas caguamas y un plato con cacahuates picantes y salados.” Decía que ésta, su revista, era un verdadero logro y un bote que estaba saliendo muy bien a flote. Que publicaban bimestralmente y que éste era ya su número 11, que esperaban publicar muchos más. En las manos de Ricardo Lugo Viñas, se encontraba una tablet donde él leía una carta mandada por un poeta reconocido y que clamaba, exigía ser publicado por su revista. Ego. “No hay que vulgarizar el acto de robar libros” decía Gerardo, cosa que yo le celebré hasta el cansancio y la comezón característica después de aplaudir sin parar durante un rato. Decidí comprar un par de números y aunque no pensaba gastar más de 50 pesos, encontré una revelación: “Mariana con M de música” era su título. Curiosa coincidencia, (¿era ésta una coincidencia?) un día antes había querido desangrar ese nombre hasta la muerte, sin piedad y sin calma. Hoy lo volvía a poder pronunciar, podía leerlo de nuevo sin morderme los labios y apretar los puños. Compré un número y el libro. Esperaba que hubiera sido una buena inversión.

 

4:00 p.m. Con mis dos nuevas adquisiciones en mano decidí ir a trabajar más, a buscar algo atractivo. No tuve que buscar demasiado, enseguida que salí del “Café Literario” encontré el “Foro Carlos Fuentes” donde estaba a punto de comenzar un homenaje luctuoso a Alí Chumacero, el segundo. Me fumé un cigarro mientras preparaban todo. Dio comienzo el homenaje que bueno, más que un homenaje me pareció un taller de exposición a todas luces. Sí, hablaban de Alí y decían los grandes hallazgos que hizo, de las 25 lecturas que hizo de “La Picardía Mexicana”, que después de recibir un gran premio gordo donó toda la plata a la que era acreedor a los jóvenes invidentes, que gracias a él comenzó a forjarse, que le encantaba decir una que otra frase, por ejemplo: “Más vale pájaro en mano que SIDA en el ano.” O “de tanto darle y darle aunque sea quesito sale.” Lo que en verdad me sorprendió fue la lectura de Melquiades Sánchez Orozco que seguramente nadie lo sabe, pero es ese señor que anuncia las alineaciones del América cuando juega en el Estadio Azteca o ruega por información de los desaparecidos intermitentemente en canal 5. Su voz de gigante retumbó en el foro con una lectura sin muletillas, sin tropezones ni palabras atoradas. Una muy buena lectura. Sentí nostalgia y dejé a todos los participantes en la “barra de luto” seguir explayando su ego sin restricciones.

 

5:30 p.m. “Qué lugar tan bonito, aquí es cuando me doy cuenta de cuánto me hace falta por conocer de mi ciudad.” me decía a mí mismo mientras subía por el elevador para llegar a la sala donde me esperaban Héctor y Daniel, un par de poetas amigos míos. Llegué ligeramente tarde, justo acababa de comenzar la presentación de cada uno de ellos. Eran tres, Valeria Guzmán, una chica rusa/peruana lindísima, repleta de esa ternura andina y embellecida con las facciones características de su patria del otro continente, David Majano e Iván Cruz Osorio. Saludé a Héctor con una palmada muy leve para no hacer tanto ruido y a Daniel con un cordial apretón de manos. Comenzó la lectura. Al momento que comenzó a leer la chica no podía creerlo, pensé que por su hermosura leería una poesía bella hasta las lágrimas, pero no, recitó unos cuantos poemas con manos temblorosas mientras los camarógrafos intentaban dar con su perfil más estético. David, el guatemalteco, leyó una poesía muy bonita, un gran poema de largo aliento que tuvo que ser truncado por su autor por malestares de garganta. Después Iván no se quedó atrás, dijo algo así como “subámonos a un tanque de guerra, donde no encontraremos ningún reloj para que podamos disparar la muerte a todas horas.” con lo cual me dejó con la piel vuelta por el revés y con la mirada estática sobre su frente. Lástima que no hubiera más de diez personas escuchándolo.

 

6:00 p.m. Es hora de volver a “Las Escaleras”, la vecindad donde nos juntamos ayer a beber caguamas. Es hora de hablar de poesía un rato y después volver a casa. Al fin a casa. O bueno, al menos eso espero.

Originally posted 2012-11-04 12:30:50. Republished by Blog Post Promoter

La muestra del CCC: XL aniversario

La muestra del Centro de Capacitación Cinematográfica llega a la Cineteca Nacional del 16 al 19 de abril.
En esta ocasión reúne 24 producciones que se han terminado a lo largo del año 2014. La muestra incluye 19 cortos de ficción, 5 largometrajes y un documental. Cada una de las producciones es resultado de la formación de los estudiantes de la Licenciatura en Cinematografía.
CCC
Los largometrajes que se presentarán son:
‘El silencio  de la princesa’ de Manuel Cañibe, la ópera prima documental CCC-FOPROCINE, estrenada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Además,  ‘Los Hámsters’ de Gil González Penilla (tesis), Mejor Ópera Prima, Guanajuato.
Los Hamsters
‘El regreso del muerto’ de Gustavo Gamou (tesis), ganador del Premio Puma México en FICUNAM.
Y los documentales realizados en el taller de tercer año, ‘Memoria oculta’ de Eva Villaseñor, Mejor Mediometraje, Festival dei Popoli, Italia y ‘Gone Missing’ de Till Cöster.
Memoria oculta
Como toda producción de los del CCC, los cortometrajes se difunden en festivales de cine nacionales e internacionales, así como en una gira por distintos estados de la República. Los cortometrajes realizados en 2014 han participado en festivales destacados como Sundance, La Habana, Plus Camerimage, Bilbao y  han recibido premios y reconocimientos en Monterrey, Sao Paulo, Biarritz y Morelia. 
Como labor de apoyo a sus alumnos el CCC presenta aproximadamente 80 películas en más de 200 eventos al año. Ello con el objetivo de acercar los las producciones de la escuela al público. Los cortos se han transmitido en televisoras públicas en el DF, Michoacán y Morelos; actualmente se pueden ver 26 cortometrajes en línea de manera gratuita: bit.ly/CortosCCC
La programación de la muestra de este año la pueden revisar aquí.

Originally posted 2015-04-18 00:22:44. Republished by Blog Post Promoter

Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Originally posted 2012-12-28 18:00:38. Republished by Blog Post Promoter

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Originally posted 2015-02-25 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

Originally posted 2013-01-03 22:21:51. Republished by Blog Post Promoter

Jon Hopkins, más análogo que ayer

 

A sus 33 años, Jon Hopkins ha tocado en giras mundiales con Coldplay, colaborado con productores como Brian Eno y escrito la música para películas como The Lovely Bones, por lo que se declara satisfecho y contento con su vida y carrera.

Conversamos con él unas horas antes de su presentación en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México en el marco del MUTEK.MX y nos hizo algunas confesiones sobre sus gustos y forma de trabajo.

 

Originally posted 2012-10-07 18:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Blacka Di Danca en México

Desde Brooklyn N.Y llega Blacka Di Danca, uno de los dancehall dancers más populares en la actualidad. Se presenta el próximo 19 de octubre en el Club Atlántico. República de Uruguay #84, piso 3 esquina con 5 de febrero, a dos cuadras del Zócalo.

Inicio: 9 PM

Costo: $50.00

Evento para mayores de 18 años con IFE.

 

Originally posted 2013-10-12 09:17:40. Republished by Blog Post Promoter

Impresiones francesas, sobre la comida mexicana: Le Tacos

La traditionnelle:

Au Mexique, la base de la comida est le mais. Surprenant, peut-être moins quand on sait que d’après la mythologie maya l’Homme a pour forme et origine: un épis de mais!
Comment on prépare ce mais ? En tortilla: des petites galettes, fines, qui tiennent dans la paume de la main.
On l’utilise couramment dans un des plats les moins chers et le plus connu du Mexique: le fameux tacos !

 Démonstration:

Une montagne de tacos
Une montagne de tacos

 On accompagner des tortillas de viandes finement coupées au centre: poulet, bœuf,…etc; on ajoute à son goût oignon, nopal, et pour finir la salsa: verde, roja, picante ou no picante. Ce sont des sauces présentées dans des petits pots. Généralement nous avons le choix entre 4 sauces: à base de chili vert, chili rouge, un mélange de tomates et oignons ou bien aux cacahuètes. Les saveurs peuvent être relevées!

 Comme boisson, on pensera à la agua de jamaica ou à une agua de horchata. Boissons fraiches, préparées à base d’herbes florales pour la jamaica et de lait, cannelle et riz pour la horchata. Parfait pour calmer le goût de pimente et de léger gras dans la bouche.

 On découvre ces tacos dans la rue: des stands couverts plantés sur le trottoir; mais aussi dans des taqueria qui sont des restaurants. Les menus peuvent être long: de 3 spécialités à des combinaisons qui portent le choix jusqu’à 15 types de tacos différents. Chaque Mexicain a sa sauce, son tacos et son endroit favori.

 Le tacos est un plat national bon et peu coûteux. On différencie les gros mangeurs qui commande de 5 à plus de tacos aux appétit plus légers. C’est un plat qui s’accommode facilement: après avoir sa tortilla garnie de viande on choisit nous-mêmes notre garniture ainsi que la sauce qui accompagnera le tacos.

Un plat de quesadillas accompagnées de salsa verde et salsa roja.Trucs bons con honguitos  + horchata
Un plat de quesadillas accompagnées de salsa verde et salsa roja

 Après avoir essayé le tacos, il faut vous aventurer plus loin sur la voie de la tortilla: enchiladas, chilaquiles ainsi que des tacos dorados vous attendent !

 

Originally posted 2014-03-21 06:49:54. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

Captura de pantalla 2014-12-09 a la(s) 21.15.21

Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Originally posted 2014-11-10 09:00:14. Republished by Blog Post Promoter

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter

Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

Originally posted 2012-12-13 22:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

De: Pita Amor, poetisa mexicana.

Mis pensamientos son muy taciturnos

 Mis sueños de pecado son nocturnos

Soy histérica, loca, desquiciada;

pero a la eternidad ya sentenciada.

Pita Amor decía en una entrevista a Ofelia Medina que las nueve musas asistieron a su bautismo y la coronaron poeta. Cuando ésta le solicitó definirse, Amor respondió: “¿Cómo puedes definir a las cataratas del niágara?¿Cómo puedes definir las hemorragias de sangre? Pita Amor no se puede definir, Pita Amor es infinita, como el universo, no tiene principio ni tiene fin… Yo cada instante, cada momento de mi pulso, cada átomo de tiempo que pasa soy diferente”.

 Pita Amor, hija de Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmicltlein García, creció en Abraham González 66. Séptima hija. Actriz y modelo de pintores en juventud de entre los que recordamos, por grandes a Raúl Anguiano, Diego Rivera y Raúl Anguiano. Entrañable de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro entre otros.

pita amor

 Tenía por costumbre no utilizar ropa interior ni medias y salir abrazada de un abrigo de Mink sin nada que la cubriera debajo, según sus amigos; tal vez entendamos algo de la personalidad de la poetisa si la relacionamos con genios de la talla de Salvador Dalí, dotado de una excentricidad implacable, de María Félix, diva del cine mexicano, y los mencionados arriba.

 Pita Amor tenía un poder especial para convocar a sus muertos, para traer al universo a sus versos. Fue apadrinada de Alfonso Reyes, quien se refirió sobre ella usando palabras como las siguientes:

 “(…) y nada de comparaciones odiosas, aquí se trata de un caso mitológico”.

 Mujer dueña de sí misma, de vida intensa, de amores pasionales y personalidad extravagante, mucho de ella podemos rescatarlo teniendo en cuenta la pérdida de un hijo, el único. Al ponerlo bajo la custodia de su hermana mayor, el niño se ahoga en una pileta contando un año con meses. La crisis no se hace esperar, la poetisa se derrumba, y se aleja del mundo entero al que entregó su pluma, y de lo que ella misma fuera.

 Reaparece en los setenta, renovada, rehecha, otra. Recita poesía mexicana de Sor Juana hasta Pita Amor, el recital es un éxito y vuelve a las entrevistas para televisión

 La nombrada undécima musa, muere en el 2000 presa de los demonios en su recinto de carne, de la postración de dos años en cama, la rescata la muerte.

Dios, invención admirable,
hecha de ansiedad humana
y de esencia arcana,
que se vuelve impenetrable.
¿Por qué no eres tú palpable
para el soberbio que vio?
¿Por qué me dices que no
cuando te pido que vengas?
Dios mío, no te detengas,
¿o quieres que vaya yo?

(Décimas a Dios)

Originally posted 2014-11-01 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

+ Havre – Havre #64 Col. Juárez

+ Cancino –Rafæl Rebollar #95 Col. San Miguel Chapultepec

Originally posted 2014-05-29 02:16:24. Republished by Blog Post Promoter

Estación Delay estrena primer temporada

El camino de una banda es abrupto, es difícil, mas no imposible, algunas bandas le ha costado bastante ubicarse dentro de la escena musical, sin embargo, la satisfacción de recorrer la sendera del rock siempre marca a la banda, dándole personalidad e incluso historias que contar, cantar y tocar.

Bienvenidos a Estación Delay, disfruten de nuestra estadía, siéntanse a gusto, bienvenidos a un lugar donde podrán platicarnos de su trayecto, de lo acontecido en el camino y sobre todo hacer lo que más les gusta: tocar su música.

radio

Pónganse cómodos y disfruten de la estadía musical todos los jueves a partir de las 19 horas por medio de www.chulavista.mx a través de Radio Chulavista.

Programa conducido por Leon Del Real y Viko Zarate

Originally posted 2014-07-23 19:07:09. Republished by Blog Post Promoter

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Originally posted 2014-12-24 12:35:34. Republished by Blog Post Promoter

Amor en medio del bosque: Sueño de una noche de verano

Con luces tenues y movimientos armónicos da inicio aquella obra escrita escrita alrededor de 1595, “Sueño de una noche de verano” que se presentará este viernes 7, sábado 8 y domingo 9 de noviembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario en punto de las 19:00 horas.

 Con la coreografía de James Kelly y música de Felix Mendelssohn, la puesta en escena contará con la participación de más de 100 artistas en los que destacan bailarines como Elisa Ramos y Quetzalcóatl Becerra, además de coreógrafos, iluminadores y vestuaristas.

 En esta ocasión la Compañía Nacional de Danza del INBA trae la coreografía de ballet de esta obra como homenaje del 450 aniversario del natalicio del dramaturgo inglés William Shakespeare. A pesar de que ésta ha sido inspiración para diversas adaptaciones alrededor el mundo, James Kelly comentó para el INBA que su pieza  trata de ser fiel a la historia original de Shakespeare al utilizar un lenguaje clásico y neoclásico.

 Cabe destacar que la participación de James Kelly en México ha sido importante: ha presentado diversas coreografías como Secretos, Para ser tú, Sinfonía para nueve hombres, Debo curarme de ti y Tiempo fuera.

 La cita es en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario (Insurgentes sur 3000), el costo de acceso es de $80.00, con 50% de descuento con credencial vigente UNAM, Prepa Si, INAPAM y Jubilados ISSSTE e IMSS.

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Originally posted 2014-11-07 09:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Arte Glitch: belleza en la imperfección

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Glitch es el nombre que se le da a los errores temporales en el funcionamiento de aparatos electrónicos y archivos informáticos. Un letrero luminoso cuyos focos se prenden y apagan arbitrariamente. Una televisión con mala recepción. Un viejo VHS cuyas imágenes saltan y se deforman. Una fotografía mal subida a Internet. Distorsión excesiva en un fragmento de audio. En general, detalles en la operación de los dispositivos tecnológicos con los que convivimos diariamente y que, por lo general, nos provocan frustración.

Artistas y programadores alrededor del mundo, sin embargo, han encontrado la manera de utilizar estas imágenes y sonidos fallidos para crear arte a partir de ellos. Se trata, como describe el artista glitch estadounidense Phillip Stearns, de “encontrar el alma de la máquina”.

El arte glitch es una respuesta a la proliferación de imágenes en alta definición y a la perfección gráfica lograda con herramientas de manipulación digital de la imagen que son difundidas actualmente alrededor del mundo. La idea detrás de crear este tipo de arte es demostrar la belleza que puede existir en todo, aun en lo que generalmente consideramos indeseable o incluso desagradable.

Algunos de los artistas glitch más destacados explican y muestran su trabajo en este episodio de Off Book, una serie web dedicada al arte de vanguardia producida por la cadena de televisión estatal estadounidense PBS.

Más sobre el trabajo de los artistas que aparecen en el video en

Phillip Stearns http://yearoftheglitch.tumblr.com/
Scott Fitzgerald http://www.ennuigo.com/
Anton Marini http://vade.info/
Daniel Temkin http://danieltemkin.com/

 

Originally posted 2012-10-21 21:00:30. Republished by Blog Post Promoter

“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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Originally posted 2014-12-05 10:52:27. Republished by Blog Post Promoter

Ayotzinapa está presente hasta en el arte: el performance de la ENAT

Desde el pasado 26 de septiembre del año en curso, México ya no es el mismo. Iguala, Guerrero, se convirtió en una trinchera más dentro de la guerra que ha sofocado a nuestro país los últimos años. Una guerra que se ha llevado “entre las patas” a miles de inocentes a causa de ese enorme deseo de poder y control de quienes la han orquestado. Sabemos quienes son. Sabemos y no.

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 La Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos” ha sido, a lo largo de la historia de Guerrero y sus escuelas rurales, un semillero de guerrilleros, una cuna de “libre-pensadores” mexicanos que se han destacado por luchar desde la subalternidad por y para el pueblo. No en vano de ahí salieron importantes personajes como Lucio Cabañas y Genaro Vázquez, quienes impulsaron la guerrilla en el estado de Guerrero en los años 60.

 La disidencia ha permanecido, y es a partir de la misma en que nos podemos explicar los hechos del 26 de septiembre. 43 compañeros de los cuales no sabemos nada, no sabemos si están vivos o muertos. 43 compañeros que habían salido a hacer una colecta, por falta de recursos económicos, para costear un viaje a la Ciudad de México y hoy están desaparecidos. Es una rabia que se ha manifestado en diferentes sectores de la sociedad. Pareciera que el descontento ha llegado más allá de las aulas: señoras, señores, ancianos, niños, trabajadores, transeúntes se han unido al grito de: ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

 En el marco de estas acciones por alzar la voz, tenemos un sinfín de muestras de apoyo, tanto en las marchas, los actos simbólicos en las calles, en los hogares, así como en el arte. Numerosos performances se han realizado como un acto más de protesta e inconformidad por la desaparición forzada de 43 compañeros de la normal de Ayotzinapa. Entre ellos, se encuentra el realizado por los compañeros de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), realizado el pasado 16 de octubre, en la explanada del Museo Nacional de Arte (MUNAL).

 Este performance rescata el testimonio del compañero Omar García, sobreviviente del ataque por parte de la policía federal hacia los compañeros de la normal de Ayotzinapa. Los actores aparecen vestidos con playera o blusa blanca, jeans de mezclilla y un pañuelo o paliacate rojo atado al cuello o la cabeza. En la mitad de la cara llevan pintada una línea con pintura blanca.

 De inicio vemos a los actores caminando sobre la explanada del MUNAL. Es muy interesante cómo empieza, ya que los compañeros van caminando, aparentemente apurados y sin rumbo alguno, mientras van hablando y, lo que se escucha, son los nombres, las edades, los apodos y la forma de ser de los normalistas desaparecidos, como si los estuvieran buscando, ya que algunos dicen “¿alguien lo ha visto?”, “¿alguien sabe dónde está?”. Esas descripciones han estado circulando en línea. Así pues, caminan y hablan, hasta que de pronto los vemos caminar rapidísimo y escuchamos que casi gritan mientras más van apresurando el paso. En ese momento paran de caminar, se quedan en silencio, y un actor grita: “¡Ya dejen de disparar, cabrones!”, haciendo total alusión al ataque. De pronto, todos se concentran al centro de la explanada y se cubren, cual si se resguardaran de las balas. Gimen, tiemblan y es notable que están asustados, temen por sus vidas. Es entonces cuando empiezan a recitar el testimonio de Omar, metiéndose en su papel, como si ellos fueran él durante el ataque.

 Mientras recitan a Omar, los actores corren de un lado a otro, se arrastran, gritan, se empujan, se toman de los brazos. Alrededor de la explanada, empieza a juntarse la gente y podemos observar a otros compañeros sosteniendo mantas que dicen: “¿Por qué nos asesinan? si somos la esperanza”, “México despierta”.

 Así se va desarrollando este performance, donde los actores gritan desesperados, algunos lloran. Casi para cerrar, dos de ellos recitan lo siguiente: “En México y en Guerrero, se mata gente, en esos llamados daños colaterales de su chingada política, que luchan entre ellos. Nosotros no queremos ser eso, queremos un México justo y libre”, tal cual lo dice Omar en el video de su testimonio.

 El performance termina con los compañeros caminando de nuevo, retirándose de la explanada, repitiendo “un México justo y libre”, y también, nuevamente, diciendo los nombres de los compañeros, sus apodos, preguntando sí los han visto. Al final, mientras se van retirando, una participante dice: “Tengo 19 años y me apodan el Chucky. Sólo espero que me regresen con vida para poder enseñarle a los chavitos”.

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Por: Pedro Sosa

 Observar los diversos performances hechos a partir de los ocurrido en Ayotzinapa, así como las muestras de apoyo por parte de diversos sectores de la sociedad en las marchas, los paros, la difusión de la información, la empatía que se ha hecho notable en la población mexicana, nos habla de una suerte de “despertar” de quienes habitamos este país. Un país que ha sido azotado por la violencia de la manera más dolorosa y perversa, lo que ha sembrado el miedo en todos nosotros. Pero no todo está perdido. Que una sociedad se levante en tiempos de odio y egoísmo demuestra que estamos más unidos que nunca, por los 43 y por todos los demás que claman justicia en México y para México. El uso del performance es sólo una muestra más de que las expresiones artísticas también pueden sanar una herida tan grande como esta. ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

Originally posted 2014-11-14 09:00:28. Republished by Blog Post Promoter

Musica y cine, Festival Internacional Rubber 2014

Muchas veces creemos que la música está divorciada del cine, sin embargo esto es totalmente erróneo la música nos acompaña en la mayor parte del tiempo de nuestras vidas y es imposible no poder ligarlas.

La música es parte importante dentro del cine sin la música a veces el cine nos sabe diferente y es precisamente lo que este festival viene a mostrarnos Rubber Film.

Este festival viene a enseñarnos que la música nos acompaña en todas partes y que podemos disfrutarla, que podemos cambiar nuestra perspectiva de las cosas a través de sonidos e imágenes.

Después de una serie de preparativos de avanzar contra corriente en algunas ocasiones de sufrir y a veces tronar dedos este festival ve la luz por primera vez en un recinto muy importante: El Soumaya.

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Después de unas palabras de su organizador agradeciendo la asistencia y explicando un poco acerca de este festival que liga la música con el séptimo arte dio el banderazo inicial con una película acerca de la chica que los Beatles amaban la película de titulo.

Comenzó este festival la sala totalmente llena , parecía llenarse de sonidos que generaciones pasadas disfrutaban como hoy lo hacemos con música de nuestro tiempo, que buen inicio de este festival creo que mejor banda no pudieron escoger para el comienzo del Rubber film.

Al termino de la película los asistentes degustaron de un pequeño coctail a cargo de los organizadores de dicho festival la sala se lleno de comentarios acerca de la película y de observaciones asi como de lo próximo en venir en este festival.

Esperamos pacientemente cada una de las peliculas que se estarán proyectando en diversos recintos salas de cine museos y lo que mas da gusto que es un festival hecho por jóvenes que hacen su trabajo para que generaciones pasadas y futuras y por supuesto presentes no olviden que el cine nos abre las puertas a lo nuevo a lo visceral a lo desconocido a lo lindo a lo feo y que a la par la música es un puente a nuevas formas de expresión.

Originally posted 2014-07-23 19:14:30. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Originally posted 2013-02-20 19:28:47. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Originally posted 2013-12-16 15:24:49. Republished by Blog Post Promoter

Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

Originally posted 2013-01-21 16:15:20. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo Le Mat

67604_306833329429153_967340860_nLe Mat es un colectivo cultural que busca impulsar a artistas emergentes que comienzan su carrera dentro del campo cultural a través de exposiciones y eventos complementarios. Actualmente las oportunidades de estos artistas de exponer su obra en galerías reconocidas, son limitadas. Le Mat buscar ser un trampolín que sirva para romper esa barrera en su carrera y generar una estructura que sustente su quehacer artístico y cultural, que además les permita vivir de ello.

Como parte del desarrollo cultural que se busca, está latente la necesidad de que la cultura se vuelva accesible a todo tipo de público, y que genere espacios de diálogo entre los consumidores culturales y los artistas, por ello el Colectivo creará dichos espacios a través de las exposiciones y eventos planeados.

Metalenguajes es el nombre de su próximo evento, el cuál será una muestra colectiva de más de 20 artistas que realizarán reinterpretaciones de obras de arte de diferentes períodos.  De este modo se mostrará una cronología de las piezas con una visión contemporánea. Se realizará en colaboración con Mat Colisión que será la galería de exhibición. Y con Techo con el objetivo de vincular el arte y la cultura con ayuda social.

Originally posted 2013-10-28 13:36:12. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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Originally posted 2015-01-23 12:59:35. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

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“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

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 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

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 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

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Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Gabo, Fidel, Arenas y otras mentadas de madre (Segunda Parte)

Alrededor de cuatro novelas y dos décadas después de Celestino Antes del Alba, García Márquez gana el nobel de literatura. Cuatro años antes de suicidarse, Arenas vivía en Estados Unidos y logró publicar todas las obras que, debido a persecuciones y censuras, tuvo que reescribir varias veces, entre las que aparece Necesidad de Libertad (1986), dado a conocer inicialmente en Kosmos y quince años después en Ediciones Universal. En este compilado de textos de todo tipo, sobresale Gabriel García Márquez, ¿esbirro o esburro?, redactado en Nueva York en 1981, donde el cubano llama al Nobel “rata acosada”, “niño mimado de la prensa occidental” y “vedette del comunismo”, por ponerse del lado del autoritarismo en casos conocidos de Cuba, Vietnam y Polonia.

La escritora nacida en La Habana en 1959, es una de las voces más importantes de la desmitificación de la revolución cubana. 

 Zoé Valdés, la escritora más importante de la desmitificación de la revolución cubana en nuestros días, asegura que Arenas le entregó un artículo titulado La insoportable fealdad de García Márquez (1989) a Antonio Valle Vallejo, quien mecanografió Antes que Anochezca (1990) debido a que el autor ya estaba en un etapa terminal del sida. En él, Reinaldo Arenas compara a Márquez con los colaboradores de Hitler, lo llama plagiario: “hace más de veinte años que García Márquez debió comparecer ante los tribunales norteamericanos por haber plagiado incesantemente a William Faulkner” y humilla su físico, diciendo que tiene un cuerpo de – tortuga– caguama y no siéndole suficiente insulto, señala que “es un hombre casi completamente desarmado de la cintura para abajo”. Continúa señalando:

¿Cuál es el motivo de que un hombre de talento hasta para el plagio se haya plegado a los servicios secretos de Fidel Castro? La respuesta me la dio un cineasta colombiano a quien le comenté con tristeza que sus compatriotas debían sentir una gran vergüenza por ser conciudadanos de una persona como el señor García Márquez. “Es una gran pena”, me respondió. “Pero, por suerte, en Colombia, García Márquez es casi sólo conocido bajo el nombre de Cara de Fo”.

Fidel Castro y Gabriel García Márquez.

 Si hacemos un acercamiento detenido a la literatura de Arenas, este enigmático texto ofrece por lo menos una justificación que podría comprobar que Zoé Valdés no se lo sacó de la manga. En el Color del Verano (1991), la última novela del disidente cubano, como parte de una pequeña obra de teatro, insertada a manera de prólogo, titulada La fuga de la Avellaneda. Obra ligera en un acto (de repudio), en la que desfilan personajes como José Martí, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Julián del Casal, José Lezama Lima, José María Heredia, Raúl Kastro, Virgilio Piñero, Silbo Rodríguez, Fifo (Fidel Castro), Zebro Sardoya (Severo Sarduy), Delfín Proust (Delfín Prats) y muchos otros personajes de la intelectualidad cubana repartidos en coros que musicalizan desde Cuba, Cayo Hueso y el mar Caribe. Este esperpento es ejecutado, en parte por “la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Manuel Gracia Markoff, alias Cara de Fo y Marquesa de Macondo” (El color 18).

 La misma Zoé Valdés llamó “hijo de puta” públicamente al Nobel colombiano.

Me llena de satisfacción, repito, el que se haya enterado lo que dije en aquella ocasión, por cómplice de dictadores, por arrastrapanza de dictadores, por haberle hecho la vida imposible en varios periódicos a escritores como Reinaldo Arenas y como Guillermo Cabrera Infante, y a servidora. Los tres lo hemos puesto en su lugar, el lugar de los arrastrapanza. El día en que se haga la historia de la literatura cubana habrá que decir que al menos tres escritores cubanos le cantamos las verdades en su cara, y habrá que contar también que muchos otros fueron aupados, publicados bajo su ala, y es la razón por la que todavía hoy tienen que cantarle loas y darles el culo y lamerle las hemorroides celebrarles para que, gracias a esa guataquería al Nobel colombiano que no ha sido exiliado en México ni la cabeza de un guanajo, que vive entre México y Colombia, les sigan dando bombo en los periódicos del mundo entero

 Gabriel García Márquez, que falleció hace unos siete meses, dejó impune varias de las injusticas que su gran amigo Fidel Castro llevó a cabo. Dos de las que más se le achacan son el Exilio del Mariel en 1980, el que decenas de miles de cubanos, incluyendo al propio Arenas, se abalanzaron al mar en busca de libertad; y la Primavera Negra del 2003, en la que 75 disidentes pacíficos fueron condenados entre 6 y 30 años de cárcel por escribir en actitud crítica hacia el gobierno.

Las enemistades de García Márquez no se limitaron a territorio latinoamericano: Susan Sontag, escritora estadounidense, también arremetió contra él.

 Pero Márquez encontró enemistades incluso fuera de la literatura caribeña. Las omisiones a las injusticias del régimen de Fidel Castro también fueron señaladas por Susan Sontag, según Berenice Bautista, en la feria del libro de Bogotá en el 2003. Tres acusados fueron ejecutados por secuestrar un barco intentando escapar de Cuba. Márquez se defendió argumentando que ha ayudado en silencio a incontables disidentes y perseguidos, pero Susan Sontag arremetió en su contra al poco tiempo, en la feria del libro de Frankfurt, llamándolo ridículo.

 Del mismo modo, el incansablemente homenajeado Octavio Paz, a propósito de la ausencia de García Márquez y Carlos Fuentes a la mesa “El siglo XX: la experiencia de la libertad”, que él mismo organizó unos meses antes de recibir el premio Nobel, los llamó “apologistas de tiranos” y también señaló: “Hay que aprender a decir y a escuchar la verdad: hay que criticar tanto el estalinismo de Neruda como el castrismo de García Márquez”, según apunta El País.

 Resulta interesante el paralelismo de Gabriel García Márquez con Jorge Luis Borges, ya que se dice que éste último recibió premios directamente de dictadores, apoyó la represión del 68 en Tlatelolco e incluso a la CIA; por su parte,  el escritor colombiano, según Gerald Martin (uno de sus biógrafos), también fue cercano a Bill Clinton y Felipe González. Gabriel García Márquez fue unos los principales narradores que le dieron prestigio internacional a las letras latinoamericanas sin lugar a dudas. Arenas, por su parte, inauguró un género completamente nuevo en la literatura cubana que, como reacción natural al realismo socialista, desacraliza esa izquierda cheguevarista, dejando las puertas abiertas a un realismo que algunos han criticado de soez, por donde han entrado y sabido salir adelante escritores como Pedro Juan Gutiérrez y la misma Zoé Valdés.

Gabriel García Márquez.
Reinaldo Arenas

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Jam de escritura en México

Si te gustan la literatura y la música, definitivamente no te puedes perder esta edición de Jam de Escritura que se llevará a cabo este 21 de noviembre en el Museo Tamayo.

Foto de: masaryk.tv
Foto de: masaryk.tv

 En esta ocasión se contará con la presencia del escritor Jorge F. Hernández, el trazo de Alejandro Magallanes y la musicalización en manos de DJ Uriel Waizel, coordinados por el artista visual Nómada.

 Jam de Escritura es un proyecto creado por Adrián Haidukoski y producido por Tai La Bella Damsky en el cual no hay espacio para la lectura en vivo, sino para la escritura, que junto con la música improvisada cada obra se vuelve única e irrepetible. Es importante recordar que el público forma parte de la creación literaria y visual de cada una de las historias, para que con el autor, obtengan una nueva experiencia de artes visuales.

 En esta ocasión la marca de libretas Moleskine está organizando el evento, por lo que dentro de las actividades coordinadas por la productora Damsky se repartirán algunas libretas entre los asistentes.

 En las ediciones de Jam, México ha contado con la participación de escritores como Juan Villoro, Alejandro Almazan, Mónica Lavín, Xavier Velasco, Tryno Maldonado y Alberto Ruy Sánches, entre otros.

 Recuerda que la cita es este 21 de noviembre a las 19:00 horas en el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51). *Confirma tu asistencia escribiendo a jamdeescrituramx@gmail.com

 

Originally posted 2014-11-21 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

¡QUEREMOS CONOCERTE!

¿Qué es Ensayódromo?

Un día, la idea llegó a Chulavista Art House A.C. En teoría, un Ensayódromo sería un espacio acondicionado profesionalmente en el cual las bandas y solistas pudieran ensayar, grabar el audio de su sesión y tener su material en vídeo gracias al streaming. Para ello se contemplaba contar con ingenieros de sonido listos para auxiliar a los proyectos musicales y contribuir a que su sesión fuera increíble. Todo esto a un precio accesible para la comunidad.111

Después de un año arduo de trabajo, el sueño se materializó. Chulavista Art House A.C.  y Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo Universidad, ubicado en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4. Todos los proyectos musicales tienen un lugar en la primera sala de ensayo del proyecto.

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O´ Tortuga

Con el primer Ensayódromo de la Ciudad, llega un movimiento en pro de los músicos del país, el cual tiene como premisa la recuperación de espacios públicos para generar más y mejor infraestructura artística. Creemos que, a la par, podemos aumentar los esfuerzos de difusión del talento artístico. Queremos que la población logre una vinculación con lo que sucede  musicalmente en su contexto.

Es por ello que los invitamos a sumarse a la causa. También agradecemos el apoyo de medios y proyectos amigos comprometidos con la escena artística  nacional como lo son: Distrito Global, Joyride Magazine México, Revista Literaria Infame y Concierto Cable.

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El costo de recuperación de Ensayódromo Universidad es de $150.00 pesos por hora. Para celebrar que el espacio esta listo para ti, regístrate en ensayodromo.chulavista.mx . Además del 23 de junio al 4 de julio te damos dos horas gratis con la grabación en audio de tu sesión incluida, ¿qué esperas…? Cualquier duda, puedes llamar al 36039228.

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Y a ti, ¿en dónde te gustaría tener un ensayódromo?

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Mabe Senso. El blanco perfecto para todos los días

 

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Originally posted 2015-03-29 00:32:41. Republished by Blog Post Promoter

Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

Originally posted 2013-06-18 18:32:23. Republished by Blog Post Promoter