Lion Guard: El Reinado Continúa

Es poco probable que a estas alturas exista alguien que no conozca la película El Rey León (The Lion King, 1994), misma que celebra 20 años de haberse estrenado en cines y la cual es considerada, junto a La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1991) como una de las magnas obras del estudio Walt Disney. La cinta está inspirada en la obra de William Shakespeare, Hamlet, y fue acreedora no solo a varios premios, sino a dos secuelas que se estrenaron en formato casero e incluso a un musical de Broadway; que como dato adicional, próximamente se estrenará la versión mexicana.

 Ahora, Disney Television Animation, ha anunciado la realización de un producto más de esta saga. El titulo será Lion Guard y consistirá en una serie y película animada para la televisión que pretenden ser transmitidas por el canal Disney Jr y que nos contarán la historia de Lion, el segundo cachorro de Simba y Nala. El pequeño león será nombrado jefe de la guardia de las tierras del reino y como parte de sus deberes tendrá que formar su propio grupo de guardianes, los cuales a pesar de que las leyes dicten que deben ser leones jóvenes, terminaran siendo otro tipo de animales que a su criterio serán los más aptos para el trabajo.

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 Los que conocen el canal Disney Jr. saben que uno de los sellos característicos de sus producciones es el toque educativo que suelen tener. En el caso de esta nueva producción no será la excepción, ya que los realizadores están documentándose con diversos expertos en el tema, incluido el personal de Disney´s Animal Kingdom, para hacer de esta serie y película no solo una nueva aventura a contar; sino que sea una experiencia educativa para los niños. Probablemente como algún documental o una versión animada de las películas de Disney Nature.

 El proyecto está bajo la dirección de Howy Parkins, quien también es responsable de la serie Jake y los Piratas del País de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), además del equipo de producción de otras series infantiles como es La Casa de Mickey Mouse (Mickey Mouse Clubhouse, 2006). Aunque si bien es cierto que no se trata de un producto orientado a todo público como lo fue la cinta de 1994, hay que reconocer que es una buena manera de conmemorar los 20 años de la misma y que bien llevado podría no solo dar un buen  producto a las generaciones actuales, sino que tal vez podría incluso acercarlas a otras películas de la época de oro de Disney.

Lion-Guard

 Por ahora sólo nos queda esperar y tener buenas expectativas, después de todo El Rey León es un ícono en la historia de la animación y aunque sus secuelas no se consolidaron como clásicos. La verdad es que se trata de una historia que ha cautivado a la gran mayoría del público. Ya veremos si Lion Guard logra consolidarse como un digno sucesor del trono.

 

Originally posted 2014-06-29 23:53:44. Republished by Blog Post Promoter

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Originally posted 2013-08-19 12:32:06. Republished by Blog Post Promoter

¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!

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¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.

 Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.

 Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.

 En base a dicha experiencia es que esté año logran crear  la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse  leyendas, o bien;  iconos de la cultura popular contemporánea.

Zapoteco_Beatles En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).

 Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.

 Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).

Originally posted 2014-05-20 01:24:42. Republished by Blog Post Promoter

Arte y realidad

¿Qué es el arte emergente? O ¿a qué se le llama arte emergente? Todos tenemos un concepto o una vaga idea del arte, de lo que llamamos arte, tenemos nuestros propios parámetros (aunque a veces por alguna causa desconocida es similar a las de otros), pero cuando le agregamos la categoría de emergente, la idea está más delimitada, e incluso cambia pues ¿Qué es el arte en sí? ¿Cómo podemos decir que una obra es arte?, ¿cuáles son los parámetros “reales”, “exactos” “verdaderos” para poder definir eso?

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 Es un gran problema poder definir una obra artística. Además de ser un tema complicado con su gran extensión en muchos aspectos, también es muy subjetivo, cambia según la persona que habla de ello. Afortunadamente con el paso de la historia le hemos dado el poder de decidir a algunas personas sobre eso, estas dichosas personas crearon escuelas con reglas, parámetros y conceptos de belleza, arte, estética entre otras cosas, y mucho tiempo la civilización conocida estuvo apegada a ello, hasta que llegaba algún revolucionario ¿realmente era un revolucionario? También cabe ponerlo en duda, con nuevas ideas y propuestas que hacían cambiar todos estos o algunos de estos parámetros, había otros que iban en contra de la escuela, otros más que evolucionaban lo establecido, etc.

 Ha existido de todo y siempre ha sido así, los revolucionarios son parte de este proceso, son justificables e inevitables, no son novedad son necesidad, pero ¿Por qué son una necesidad? ¿Por qué aparecen? ¿Por la imaginación y su ingenio? ¿Por la necesidad insatisfecha de la humanidad? ¿Buscan fama, placer o algo parecido? Este proceso de rompimiento del arte conocido en determinada época ¿es un proceso individual que se vuelve colectivo? O ¿siempre ha sido un proceso colectivo?

 Uno de los aspectos que debemos tomar en cuenta para poder aclarar en parte esto, es que, el arte es producto de un contexto social, político, religioso y económico, no es un área aparte de la realidad, sino que está muy relacionada con ella. A lo largo de la historia en cada periodo establecido han habido conceptos del arte, ideas acerca de lo que es bello y lo que no, pero todo eso ligado a las situaciones sociales, así lo fue el barroco, el romanticismo y el clasicismo, que respondían a su realidad, de igual modo en nuestra época, llena de avances tecnológicos, problemas ambientales, globalización y capitalismo desmesurado, modos de vida monótonos y vertiginosos, en donde vivir cada día depende de un salario, el arte responde a eso, a los ingresos de capital.

 No podemos negar que siempre el arte ha estado relacionado con el dinero pues un artista come, compra materiales, etc. pero ahora mucho del arte tiene por fin venderse; Aunque también tenemos una respuesta contraria sobre un arte que no tiene por fin venderse, sino su fin es ser arte, generar conciencia, protesta, nuevas ideas de belleza, arte y estética, en un principio fue una novedad, una corriente con fuerza, pero que con el tiempo se hundió sin darse cuenta en las corrientes del capitalismo, ahora, estos artistas, solo generan un arte vendible con una facha de arte nuevo.

 Puedo agregar a esta mezcla agria una afirmación bastante peligrosa, pero no por eso interesante: La revolución como parte de esta globalización, es evidente que ante periodo de la humanidad, también hay un rompimiento en el arte, y nuestra época no es la excepción. Existe una demanda que tiene que ser cumplida, junto  a una necesidad en los artistas de crear algo original, poniendo algo de dinero de por medio para la creación y la venta puede haber una remuneración bastante satisfactoria, además de que existe un mercado que busca este arte emergente, nuevo y diferente, cosa que al final no lo resulta desde una vista más amplia. No sé si podríamos decir que el arte puede funcionar de manera similar al comportamiento humano, aunque de él procede también tiene sus propias reglas,  funciona por otro lado de manera casi similar, está siempre en un proceso de cambio.

 No abordaré el tema de la belleza, pues es otro aspecto bastante complicado y amplio, lo dejaré pues para otra ocasión. Para concluir podemos observar de manera general que el arte se mueve por una constante, está siempre en cambio, pero lo está de manera paralela y unida a los cambios políticos, sociales, religiosos, etc. Y que al final, el arte alternativo (independiente o la categoría que les guste ponerle) no es más que otra forma de arte comercial o vendible, pero con otra portada. Es parte de este proceso y de igual modo es producto de un contexto. Aun nos quedaremos con muchas dudas acerca del arte, de los conceptos de belleza, estética y otras cosas, pero espero el tiempo nos deje resolverlas.

Originally posted 2014-04-09 01:07:32. Republished by Blog Post Promoter

Creadores Chulavista – Verde Agua

 

Alfredo Ballesteros es Verde Agua, un joven pintor y dibujante cuyo tema más recurrente es la memoria poética, o esa necesidad de plasmar los objetos y las imágenes para que perduren para siempre. Una técnica utilizada por Alfredo es la deconstrucción de textos y dibujos que modifiquen narraciones previas y provoquen evocaciones y sensaciones. Aunque no cree del todo en la inspiración, encuentra que la lectura de libros y las imágenes fantásticas son un estímulo primordial para su obra.

Originally posted 2012-12-23 19:12:50. Republished by Blog Post Promoter

Cierra con estruendo el #COF2012

El Cut Out Fest vivió un intenso tercer y último día. Mientras lo mejor de la animación internacional era proyectado en el Teatro Alameda, el Museo de la Ciudad y el Cine Teatro Rosalío Solano se convirtieron en centros de aprendizaje intensivos en los cuales algunas de las sorpresas emergentes más interesantes en el mundo de la animación, el cine y el arte independientes compartieron su experiencia con cualquiera que quisiera escuchar.

Durante la mañana, alternaron secciones de cortometrajes como Recreo -dedicada a la animación para niños-, País Invitado -producciones holandesas- y la Selección Oficial. En ésta última se vieron cortos como Reality 2.0 del mexicano Víctor Orozco, una audaz apuesta que retrata la cruel realidad de la violencia en México apoyada en el método de la animación por rotoscopía. Aquí el trailer:

Más tarde, alrededor de la 1:00 pm, MEMOMA expuso su historia y forma de trabajo frente a una grada repleta en el Museo de la Ciudad. Los integrantes del estudio responsable de este comercial de Buchanan’s entre muchos otros trabajos explicaron que utilizan el 3D para distorsionar y modificar los elementos de la realidad, por lo que no les interesa crear un 3D demasiado hiperrealista como el que se ve en muchas películas animadas recientes.

A la salida se encontraba Jon Burgerman junto al mural que pintó con Saner, respondiendo preguntas y posando junto a la obra. Ahí comentó que fue un placer trabajar con el mexicano, y que la pieza que habían creado era en realidad una conversación entre ambos.
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Ya en la tarde, el holandés Florentijn Hofman relató la historia de cómo recorrió el mundo instalando patitos de hule gigantes.  El primer día del festival le preguntamos acerca de la mosca muerta inflable que instaló en la azotea de una Zapetería Tres Hermanos en el centro histórico de Querétaro y respondió que la idea es darle importancia a ver y a fijarnos en lo que vemos. Es decir, si hay una pequeña mosca muerta en nuestra ventana es posible que ni la veamos, pero no podemos eludirla si mide siete metros y está encima de un edificio.
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El estudio mexicano Viu Masters explicó en su ponencia que basan su trabajo en documentos porque consideran que la situación en México no está para hacer ficciones. Su trabajo, dijeron, era también resultado de las diversas inquietudes de los miembros, ya que su forma de operar es apoyarse unos a otros para realizar proyectos que a los distintos integrantes les resulten socialmente relevantes.

En el Teatro Alameda, Belio Magazine ofreció una nutrida conferencia en la que contó su turbulenta pero exitosa historia, de cómo lograron levantar su revista de arte a pesar de la crisis en España y otros imprevistos. También compartieron qué fue lo que aprendieron y dieron consejos como no dejarse intimidar por las circunstancias difíciles y trabajar para superarlas. Sobre todo, aconsejaron siempre ser fiel a lo que te guste hacer y pensar en eso más que en los números o el dinero.

Por la noche, Post Panic se presentó en el Cine Teatro Rosalío Solano y sus miembros revelaron que se encuentran a la mitad de un proyecto que será filmado en la Ciudad de México. Se trata de un cortometraje futurista que sería la primera etapa para un ambicioso largometraje de ciencia ficción. La película, insistieron, es inteligente y no busca utilizar la tecnología en exceso sino apoyarse en una buena historia que provoque a pensar. Aquí dejamos el video que hicieron para su campaña en Kickstarter, la cual terminó con éxito.

Finalmente, Aaron Duffy compartió sus frustraciones como estudiante de arte y cómo utilizó sus problemas para crear proyectos divertidos y útiles experimentos. El estadounidense expuso que él predica el enfrentar cualquier problema y trabajar concentrado en él en lugar de eludir o darle la vuelta a dicho problema. Más temprano nos contó en exclusiva que en la escuela aprendió que era mucho más importante poner el énfasis en desarrollar tu pensamiento y tu capacidad de resolver problemas que en desarrollar tus habilidades técnicas.
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En la noche, después de una función en autocinema, el Centro de Convenciones de Querétaro fue la sede de la entrega de premios y la fiesta de clausura del Cut Out Fest 2012. Luego de anunciar a los ganadores de las diferentes categorías -de los cuales muchos eran extranjeros y no se encontraban en el lugar-, Miguel del Moral subió a la tarima junto con todo el equipo del festival y dedicó algunas palabras de agradecimiento a las partes que hicieron posible el evento.
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La música comenzó y los asistentes al festival se mezclaron con el staff, artistas invitados, prensa y agregados para bailar y despedir el que sin duda se ha convertido en el festival de animación y artes afines más importante de México.
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Con información e imágenes de Abraham Bojórquez y Paulina Enríquez. 

Originally posted 2012-11-04 19:30:35. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Originally posted 2014-10-03 10:00:46. Republished by Blog Post Promoter

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.

 

Originally posted 2014-10-10 11:38:02. Republished by Blog Post Promoter

Autos usados: Daniel Espartaco Sánchez

Las semejanzas entre el comportamiento humano y la misma naturaleza nunca dejan de sorprendernos. No todo es fluido o continuo, muchas veces se paraliza, se detiene. Obedecemos con fiel ironía a un ciclo impuesto que no nos cansamos de alterar.

 El calor quema; sin embargo, se alude a las pasiones y a la viveza. 40° y contando…se vuelve insoportable. El calor hostiga y cansa ¿Qué tanto arde dentro de nosotros?

 La contraparte: el frío. Es cierto, el frío también quema; algunas veces refresca, y otra tantas congela. Nos hace indiferentes, insensibles. ¿Qué tan frígido se puede mantener antes de quebrarse?

 Autos usados, primera novela del autor mexicano Daniel Espartaco Sánchez, está escrita en el frío que te parte los labios aún cuando hay algo más que decir. Elías, protagonista de esta historia, narra la insulsa carrera en contra de la realidad, porque no siempre las fantasías nos asombran más que la inmediata materialidad.

Daniel Espartaco Sánchez
Daniel Espartaco Sánchez

 Elías deja a un lado el sueño de comprarse al contado –como verdadero hombre- un auto usado junto con la idea de “un sueño americano reciclado y más barato” y asentar su vida en Amarillo, Texas. Obedeciendo el camino autoimpuesto termina en la Ciudad de México para ser testigo de cómo las personas que estuvieron en su vida se convierten en personajes de la violencia.

“Me pareció que la vida era en gran parte escoger entre una y otra frase trillada en determinados momentos.”

 Daniel Espartaco Sánchez, nació en Chihuahua uno de aquellos años que sentimos perdidos del norte. Ha sido acreedor a diversos premios literarios como el Nacional de Cuento Agustín Yáñez, el Nacional de Literatura Gilberto Owen y el año pasado fue galardonado con el Premio bellas Artes de Narrativa Colima para Obra Publicada (este reconocimiento le fue otorgado a grandes personajes como José Agustín, Elena Garro, Federico Campbell, entre otros).

 Dentro de su trabajo literario no sólo destaca Autos usados (2012), también se distingue Cosmonauta (2011), Bisontes (2013) y La muerte del pelícano (2014). Este último título fue escrito en colaboración con su hermano Raúl Aníbal Sánchez.

 Autos usados no es otra historia de narcotráfico y violencia que se desenvuelve en el norte del país, gastando testimonios al por mayor de lo que ya hemos escuchado sin que nos importe lo mínimo. No. Esta novela narra una nueva perspectiva, del que oscila entre el crimen, la pasividad y la muerte. Es donde todos los que nos encontramos (o sentimos) lo suficientemente alejados de allá, inventamos un mejor pretexto para olvidarlo, para no entenderlo.

 Espartaco Sánchez es un escritor claro, espontáneo, irónico y agudo. No hacen falta las reverencias para un autor que escribe por sí mismo y, sin lugar a duda, debemos mantener presente.

“Luego la calma, aún más odiosa; el aborrecimiento de uno mismo por ser incapaz de destruir y hacer daño; el pacto entre la falta de voluntad y el inmenso espacio de allá afuera; la transacción éntre la cobardía y la conformidad.”

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Especial Ghibli: El Viaje de Chihiro

El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)

 La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.

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 La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.

 Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.

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 En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.

Originally posted 2014-11-10 09:00:52. Republished by Blog Post Promoter

De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

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“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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Originally posted 2014-11-10 09:00:29. Republished by Blog Post Promoter

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

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“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

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Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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“Los irrespetuosos” cuestionan el arte

Por Miriam Martínez

@coopmi

A partir de hoy el Museo Carrillo Gil hospedará a 18 artistas a través de sus obras, visitantes de Colombia, Venezuela, Austria, Alemania, Ecuador y Argentina, además de mexicanos. Ellos estarán presentes a través de pinturas, instalaciones, videoarte y propuestas encaminadas al “happening” y arte conceptual. Lo anterior como parte de la exposición “Los irrespetuosos”.

El eje rector de la muestra es el cuestionamiento del arte. A través de las obras se cuestionan ciertos espacios de legitimación del museo y reúnen obras que parodian el arte canónico.

“Será una exposición muy entretenida y el público podrá apreciar la obra de artistas que han violentado la misma estructura del Museo de Arte Carrillo Gil, poniendo en duda la capacidad del espectador para entender si se trata de una burla o una vandalización” comentó el curador Carlos Palacios. Además señaló que el espectador podrá apreciar, en algunos casos, gestos iconoclastas que evocan el momento en que el artista francés Marcel Duchamp le pintó bigotes a la célebre obra “Mona Lisa”, de Leonardo da Vinci.

La muestra se exhibirá hasta el 17 de marzo de 2013.

Ubicación: Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Colonia San Ángel
Delegación Álvaro Obregón, C.P. 01000 México, D.F.

(Con información de El Universal)

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The Icebook: Instalación Fantástica

 

Desde hace décadas, los libros de cuentos en formato pop-up han encendido la imaginación de niños y adultos al brindar una experiencia tridimensional que acompañe la fantasía de las historias.

The Icebook es un proyecto de Davy y Kristin McGuire que por primera vez incorpora proyecciones de video a este formato. Al colocar un proyector detrás de las láminas traslúcidas del libro, combinan imágenes surreales y fantásticas con bellos escenarios hechos de recortes para crear una hipnótica sincronía teatral.

Esta pareja de artistas visuales se dedica a combinar técnicas y formatos para crear novedosas experiencias relacionadas con el mundo del teatro. The Icebook ha sido presentado en numerosos foros alrededor del mundo. En su página web se puede leer un artículo detrás de cámaras del impresionante artefacto.

Originally posted 2012-12-22 19:15:34. Republished by Blog Post Promoter

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

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Winde Rienstra: Geometría poética y viajes nómadas

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Armaduras futuristas que cubren el cuerpo como obras de arte: esta es la firma de Winde Rienstra, una diseñadora holandesa que complementa la sustentabilidad con el arte y la naturaleza.

Graduada de la escuela de Diseño de las Artes en Utrecht en el año 2010 y despúes de recibir varios reconocimientos por su trabajo decidió crear su propia linea de ropa hecha con procesos totalmente artesanales que usan materiales como madera, vidrio y cartón, conjugados con un estilo geométrico que usa lineas arquitectónicas que le dan contraste y tensión a las prendas. Toda una locura.

Para su nueva colección primavera-vernano 2013:  Ithaca, Winde se inspira del poema de Konstantinos Kavafis en homenaje a la Odisea de Homero:

As you set out for Ithaka
hope the voyage is a long one,
full of adventure, full of discovery.
Always keep Ithaca on your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for many years
Así, nos conduce a través de diferentes culturas que muestran su propia identidad, tomando elementos de tribus nómadas que usa por medio de técnicas tradicionales de tejido con lana y seda en matices de colores en tonos suaves como el verde, azul y beige.
Manteniendo su línea de contrastes, esta temporada diseñó el calzado con bloques de Lego, detalles con cordones y pequeños pompones al frente, que sinceramente, están increíbles.
La personalidad de cada colección de Winde es única, su enfoque en los detalles y la experimentación en cada prenda hacen incomparable su estilo. Minuciosamente perfecto.

Winde Rienstra SS13

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Animación Mexicana 17: La Leyenda de la Llorona

Casi llegando a la recta final de las producciones actualmente terminadas de Ánima Estudio, y siguiendo con las aventuras de Leo San Juan, la historia que originalmente fuera desarrollada por Animex, cambió de hogar para una secuela, que abordó la misma temática y los mismos personajes, esta vez enfrentándose al que quizá sea el espectro más conocido de la cultura mexicana. De ese modo hace algunos años llegó a las pantallas de cine La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011).

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 Para empezar tenemos la gran pregunta, ¿Por qué Animex hizo la primera película y Ánima la segunda? Pues bien, hay muchas teorías al respecto; Algunas personas aseguran que el estudio Animex pasó por complicaciones económicas y por lo mismo decidió vender los derechos de la historia, sin embargo el propio director y escritor de la cinta original, Ricardo Arnaiz, declaró que esta decisión constaba de una alianza estratégica en la cual Ánima produciría la nueva aventura ya que Animex se encontraba con una gran carga laboral por dos proyectos fuertes, uno de ellos está próximo a estrenarse y el otro aún se encuentra en producción, mas adelante indagaremos sobre ellos.

 De ese modo, el nuevo director Alberto “Chino” Rodriguez, responsable de la dirección en varios capítulos de El Chavo (El Chavo, 2006-2013) y de la cinta AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010) retomó la historia con producción, historia y guión del propio Ricardo Arnaiz y volvió realidad ese sueño que varios fans de la Nahuala tenían (el final de la primera película daba pie a una secuela).

 En la historia, Leo San Juan y sus amigos llegan hasta el pueblo de Xochimilco, donde varios niños han sido secuestrados por el malvado espíritu de la llorona, una mujer resentida por la pérdida de sus propios hijos. En su camino, Leo conocerá a una nueva amiga: Kika, una simpática niña que está decidida a salvar a su hermano Beto, quien fuera capturado por la mujer fantasma. Así mismo, la llorona no es el único peligro que Xochimilco guarda, ya que también está la amenaza de la Isla de las Muñecas donde extraños sucesos se desarrollan.

 La premisa es muy atractiva y es una digna continuación a la aventura que ya conocíamos, además no se detiene ahí, sino que abrió camino a una tercera parte que pronto podremos disfrutar en cines: La Leyenda de las Momias (La Leyenda de las Momias, 2014). Pero…  ¿es tan buena como su predecesora? La cinta originó todo tipo de comentarios y es difícil optar por una verdad absoluta, sin embargo la opinión de su servidor es la siguiente.

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 Para empezar se aprecia mucho que la mayoría de la esencia de la nahuala sea respetada, de hecho hay una secuencia al principio que nos resume la primera película. No obstante, el estilo de Ánima resalta mucho. Animex usa un estilo en diseño de personajes y fondos muy característico, manual y artesanal. Ánima ya usa un concepto un poco más tecnológico con escenarios hechos casi enteramente en 3D y con diseños de personajes más apegados al programa de Adobe Flash.

 Esto, aunque mínimo, resultó un problema para los amantes de la primera parte. Además de eso, el cambio de voces fue fundamental también. Cuando la nahuala nos trajo las voces de monstruos de la actuación muy reconocidos, la llorona cambió casi a todo el elenco, siendo la voz de Rafael Inclán la única que aparentemente fue respetada como el Alebrije.

 Dicha situación costó la perdida de chispa en varios personajes como el de Don Andrés (La voz de Andrés Bustamante es simplemente inigualable) y un Leo San Juan mucho más maduro. No es que sea malo, al contrario, es aplaudible ver a un protagonista que va creciendo y madurando, sin embargo en cuestiones de continuidad, es extraño suponer que un niño asustadizo se volvió un joven más alto y con voz más adulta en el viaje a Xochimilco que, en teoría, habrá durado unos cuantos días en globo. (Nuevamente cito, la nahuala termina cuando salen de Puebla rumbo a Xochimilco y la Llorona empieza cuando llegan a su destino).

 Lo cual suma a otros errores de continuidad, al hecho de extrañar a varios personajes de la cinta anterior, la ausencia de la banda sonora original compuesta por Gabriel Villar y la aparición de nuevos personajes que no pueden dejar de compararse con algo ya visto en cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) haciendo aún más evidente la inspiración que esta historia ha tenido en el universo de Tim Burton nos hacen desear que Animex hubiera continuado el relato. No obstante, el trabajo tampoco es malo, a su modo y estilo se trata de una muy buena película, disfrutable para todas las edades, una animación mucho mejor lograda y con un equilibro de comedia, drama y hasta un toque de horror muy aceptable.maxresdefault

 A mi parecer es una de las mejores cintas de Ánima y como punto adicional, el diseño de la llorona es magnífico, me emocionó ver algo que pocos logran al dar un espectro de caricatura en verdad temible que incluso pudiera compararse a fantasmas como los aparecidos en The Gruge: La Maldición (The Grudge, 2004) o La Dama de Negro (The Woman in Black, 2012).

 En conclusión, La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) es un trabajo excepcional, ampliamente recomendable y digno heredero de las aventuras de Leo San Juan. Al final de la película nos deja con dos deseos, ver la tercera parte de la saga y que el personaje de Kika (que en serio se gana al público) aparezca en esta misma.

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Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Originally posted 2012-12-28 18:00:38. Republished by Blog Post Promoter

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Originally posted 2015-02-25 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

SOMBRA AQUÍ, SOMBRA ALLÁ. U HONOR A QUIEN MERECE.

Ya sé queridos lectores, apenas en mayo pasado les hablé de la puesta en escena para México de Hoy No Me Puedo Levantar, si por algún motivo del destino no la leyeron hagan clic aquí pues les ayudará más a entender este texto. Pero toco el tema de nueva cuenta porque hay nuevas cartas que en verdad necesito poner sobre la mesa, así que breves y concisos, ¡a darle!

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 Como comenté en su momento, para mí el único gran detalle de la obra era la participación de María León en el personaje de Ana, comenté mis porqués y varios fans me apedrearon por dar mi crítica sobre dicha interpretación. Pues bien, tuve el placer de asistir a la presentación de la cantante ahora en el personaje principal, María. Señoras y señores: María León está finalmente en el papel que debía llevar desde un inicio. 

 María es el papel que da sentido y guía a la feminidad de la trama, una mujer entregada al amor y que ha sufrido mucho por él. En su resguardo están temas de suma importancia como “Lía”, “El 7 De Septiembre” e “Hijo De La Luna”, a los cuales León impregna de su característico sello vocal lleno de adornos breves con franqueza, ritmo, energía y fuerza.

 Resaltaré en especial la ligereza y limpieza de las líneas que emplea en sus coreografías. Sin duda una bailarina nata con un talento enorme. En el rango actoral finalmente se siente en confianza, fresca y empática al personaje, con los tonos correctos, tiempo y astucia. Sin querer se roba el foco y los aplausos del público al delimitar cuadros bien ejecutados, además de lograr la transmisión de emociones acertada a la audiencia con cada escena.

 En verdad me emociona poder escribir esto acerca de una persona que denota perseverancia, carisma, sencillez y talento desde la posición que ocupa en el escenario. Me da mucho gusto como simple espectador el poder asistir de nueva cuenta y ver que las cosas han caído ya donde deben estar y que los dones que cada miembro del elenco tiene son aprovechados.

 Pero no solo León me sorprendió querido lector, oh no. Carmen Sarahí esta vez como Ana, simplemente deja con la boca abierta. Ella es una actriz fantástica y con una voz poderosa, basta recordar que es la de la Reina Elsa en Frozen (ya saben: “Libre soy”)  para asegurarles que el trabajo que desempeña tiene una sensibilidad auténtica, vive la desesperación, la tristeza y la melancolía de Ana en cada nota a manera tal que uno podría desmoronarse en lágrimas tras escucharle interpretar “El Fallo Positivo”.

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 Otra sorpresa: Regina Blandón como Patricia, no sé de dónde saca tanto dinamismo y chispa esta actriz, pero es apabullante y llena el foro con su simple presencia. Sigo destacando con Jorge Anzaldo, Omar Hernández y Diosnini Hondares como Las Pepas, estos actores brillan y arrancan carcajadas cada que aparecen con los simpáticos personajes travestis, ejecutan las coreografías con maestría, naturalidad y agilidad.

 Solo me quedó un pero al final y se llama Diego Amozurrutia y es que el actor se queda bastante corto al interpretar a Colate. Actoralmente, la degradación a causa de las drogas y el VIH que exige el rol no se da orgánicamente, es más bien un salto notorio  por el maquillaje. Vocalmente se esfuerza pero a veces por la colocación, otras por la respiración y otras por la dicción, las canciones que ejecuta no alcanzan a conectar tanto y eso le resta el peso de debe imponer al total.

 No diré más que no haya dicho en mi texto anterior, simplemente me era necesario darle la relevancia que merecen estas intervenciones en la obra y destacar de nueva cuenta que Hoy No Me Puedo Levantar es y seguirá siendo de las mejores opciones que la cartelera teatral – musical específicamente- ofrece hoy por hoy.

Originally posted 2014-08-18 02:05:05. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter

Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

Originally posted 2012-12-13 22:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Abrir ventanas en el espíritu

Catarsis, plenitud alcanzable con la transformación interior. Permite liberar ataduras, remover emociones encontradas, equilibrar. Cuando en el teatro se logra esto a través de una obra poderosa tanto en texto como en dirección, escenografía, iluminación, vestuario, musicalización, etc., el público lo recibe con el corazón, porque  encuentra la magia que posee la experiencia teatral y deja una parte de sí en el producto generado a manera de intercambio con los responsables. Hacer teatro debe ser un ritual solemne, donde se honre a la vida desde cualquier arista posible, comunicando un mensaje íntegro, sólido. No importa el género elegido para contar la historia, sino que la historia misma sea contada con efectividad.

 Harwan es estudiante de teatro, está a punto de presentar la tesis con la que se graduará, para terminarla debe entrevistarse con el autor que lo ha inspirado a formularse la cuestión de la necesidad del teatro en el mundo actual. A pesar de tener la cita pactada desde hace meses, los planes han cambiado y le han ofrecido una residencia artística, pero para ella necesita el título, por lo tanto entrevistar al autor, entregar la tesis así como argumentar su defensa en un tiempo menor al que tenía planeado. Harwan deberá alcanzar al artista en Rusia, país donde se encuentra montando su nueva puesta, deberá realizar un viaje para descubrir si está listo para dedicar su vida al teatro, encontrando lo que había olvidado de si mismo en el camino.

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“Las grandes obras de arte guardan un secreto”

 Hugo Arrevillaga toma dos textos de su autor de cabecera, Wajdi Mouawad, para cruzarlos en una sola historia. Solos y Sueños se funden en Ventanas. El resultado es una dramaturgia que suma la ambición de enmarcar al arte como respuesta a la identidad humana de Mouawad, sobre la delicada y vertiginosa técnica de Arrevillaga a la perfección. Esta fantástica obra teatral toma forma en la Caja Negra del Centro Universitario de Teatro.

 Dentro del discurso propone viajar hacia el ser, enfrentarse a la realidad en una aventura que lleva el tiempo medido, sabiendo que aquello que se busca es precisamente lo que no se va a encontrar, además de que se pueden perder muchas cosas en el trayecto, de las cuales uno nunca está consciente pero que ahí están, aferradas. Empero, existe un peligro más grande al decidir no actuar: volverse común. La esencia de Mouawad parte la narrativa desde un lugar común para explotar al máximo la idea de los nexos que guarda todo autor con su obra. Por medio de la belleza de las palabras en poesía absoluta y equilibrio, transporta un problema a un mundo amplio y complejo.

 Casi se puede tocar la sensibilidad que produce hablar de las decisiones que tomamos en la vida, en esperanza de alcanzar aquello que nos proponemos, desear a través de las órdenes mientras intentamos sostenernos frente al mundo. Aquí la meta es el autoconocimiento mediante la vía teatral, como un espacio para expiar, nutrir o perdonar. El mensaje del autor original orilla a transformar todos los sentimientos que aparecen durante toda la puesta en un factor común, del cual forman parte y a la vez generan: la vida.

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“Nadie puede ser tu amor y tu jaula al mismo tiempo”

 La dirección sujeta esta visión sobre un desfile de imágenes tan ambicioso como efectivo, en el que cada elemento que aparece brilla y justifica su existencia. El ritmo es persistente, aprovecha en muchos momentos la sabiduría de la inmovilidad, combinada en un trazo que refleja una batalla contra el dolor de saberse incompleto. Puede ir de la fuerza a la suavidad tanto en el diálogo como las acciones con entera ligereza, pues hay una constante en la construcción: franqueza y amor, sólo así se puede hablar de la pérdida para comenzar de nuevo. Amén de la genialidad encerrada en los giros de tuerca de la trama.

 Esta es una obra hecha para todo el público, pero en especial para aquellos que se quieren dedicar, se están preparando o son ya gente de teatro, a cualquier nivel. Si bien la base de Mouawad convoca a no renunciar a los sueños por más incoherencia que puedan tener (sino luchar por darles forma y que lleven un cauce correcto) al unirse con el sentido de Arrevillaga el mensaje es claro para decirnos que la única forma en la que las metas se alcanzan es con la ayuda de otro, porque los seres humanos tenemos la necesidad de ser gregarios para poder sorprendernos constantemente y no ahogarnos en la monotonía.

 El director convoca a 14 actores -estudiantes en la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM–  para darles la oportunidad de formar un mismo personaje, dividido en todas las formas con las que se concibe, un ser que se refleja de manera constante pero no puede reconocerse en ese reflejo, tan solo percibe un espectro de color que logra entender que posee un alma. Así, Tania Sofía Álvarez Núñez, Iván Caldera, Eduardo Carranza, Elena Del Río, Liliana Durazo, Xóchitl Galindres, Kevin M. García Gallardo, Alejandro Guerrero S, David Illescas, Daniela Luque, Geovanna Moo Caamal, Arantza Muñoz Montemayor, Eduardo Orozco y Nicolasa Ortiz Monasterio entregan un trabajo de calidad y firmeza que deja ganas de seguir presenciando más de estos jóvenes, verlos brillar en más y más puestas gracias a la muestra de talento y dedicación que ejecutan.

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“La existencia se fue, me abandonó”

 Arrevillaga deja una lección a estos alumnos como a todo creador teatral en general: el teatro tiene el poder de tocar para dejar algo en la audiencia, expresar críticamente los aspectos sociales de repercusión contemporánea. Contar historias desde un espacio escénico no es tan solo un ejercicio de entretenimiento, es la posibilidad de formar mejores personas a través de la narración, apartados de la cuestión moral, más bien cultural, o bien simplemente estar ahí con las palabras precisas para quien necesita contactar con su humanidad tan perdida en una sociedad de avaricia entre tecnologías reemplazantes. Ahí está la belleza de esta profesión, a la cual más que lealtad o respeto hay que darle orgullo y forma de ventana.

 Pero sobre todo, concluye como un acto de demanda social pertinente y muy justo. Algo que desgraciadamente necesitamos con desesperación en estos tiempos violentos que enfrentamos en México es reconocer y actuar por un cambio. No son 43 normalistas desaparecidos, ni tampoco las más de 700 muertas de Juárez o las víctimas sin justicia resuelta del caso de la guardería ABC, es la de existencia impunidad ante los delitos que existen sumada a la incompetencia para su esclarecimiento. Cuando el sistema reacciona en contra de aquellos para los que debería trabajar, es momento de alzar la voz, contagiar la rabia y mostrar una oposición efectiva, sostenida en hechos, no en simbolismos. De nueva cuenta el teatro es una respuesta que demuestra como el arte nunca será ajeno al terreno en el que se manifiesta.

 Ventanas es sencillamente uno de los trabajos más enternecedores y válidos de la cartelera mexicana. El método para identificar la autenticidad y la pertenencia. La oportunidad de entender como el teatro cambia la vida. 

“El arte es una ventana en medio de un muro”

Originally posted 2014-11-03 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

Originally posted 2014-11-06 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter

Nuestro Jaime

La estancia llena de gente; sin embargo, están solos (los enamorados se descubren en un vacío inmerso de todo). El tiempo no cuenta, se vuelve cómplice del que mira primero y enemigo del que mira después. El día se vuelve noche y la soledad se vuelve amor.

“Te conocí a tiempo, a tiempo de encontrarte, para saber que existías, para llenar mis ojos y mi boca de tu sabor… No fuiste antes ni después, fuiste a tiempo. A tiempo para que me enamorara de ti.”

          Llegaste a tiempo

Jaime Sabines
Jaime Sabines

 Conforme pasa la ocasión, más y más son los que se encuentran pronunciando esas palabras y emitiendo aquellos silencios que lo dicen todo y nada. Cada vez son más. El que ama se enfrenta ante un dilema: ¿Cómo decirte lo que ya está dicho?, ¿te lo repito?, ¿lo leo? La urgencia de expresar lo que el alma siente se vuelve incontrolable e imposible. Cualquiera que ama se desespera ante un lenguaje desprovisto y corto para poder decir lo que realmente quiere.

“Y todo lo que decimos no es sino una minúscula parte, inexpresiva, de lo que no decimos. Y todo lo que queremos, es inalcanzable. Y todo lo que anhelamos es imposible.” Cartas a Chepita

 La poesía es un síntoma humano. No me malentiendan; ser humano no es una enfermedad. Quizá “síntoma” no sea la palabra correcta. Mejor dicho: la poesía es un futuro obligado propio del humano. La consecuencia inmediata del amor es la poesía. El poema, el que surge de afuera hacia dentro y viceversa, no se hace, sino se va construyendo con la vida misma.

 Las cartas de amor requieren de tiempo y unas cuantas arrugas, se crean con la mirada estando ciegos, con las manos carentes de piel, y luego, con la pluma. Es precisamente eso lo que escribió y con lo que escribió Jaime: la vida y con la vida, con amor y al desamor.

“Morimos en el sitio que le he prestado al aire
para que estés fuera de mi,
y en el lugar en que el aire se acaba
cuando te echo mi piel encima…” No es que muera de amor

 Jaime Sabines, el poeta y el hombre, nació todos los días. Un lunes, un martes, un domingo. Fue en Chiapas y también al otro lado del mundo. Sabines nace cuando alguien se atreve a querer de a de veras. Y también para el que sufre hasta con las uñas. He aquí su infortunio: habrá quien se atreva a orar en su nombre, malgastando sus letras en brisas vacías y sin sentido.

 Arriesgado e inocente, se enamoró joven. Y así siempre fue su amor: como del que empieza, ilusionado. Su nombre: “Mi Chepita linda”

 Las cartas, los poemas, los discursos, todo lo que salía de Jaime era por su amor: amor a ella y a la literatura, a las horas y los besos, al papel y al cansancio. Chepita es aquella o aquél al que amamos y tenemos a un lado. Es la forma en que se respira, el aire desnudo golpeando el ojo de la boca, haciendo tronar los dientes que pronuncian palabras inciertas para el que escucha sin querer y alimento para el que ama también.

Jaime y Chepita
Jaime y Chepita

 La genialidad de este artista reside en lo que algunos no comprenden. Si bien, ser poeta requiere de enormes virtudes, una sensibilidad nata y un dominio del lenguaje mayor, Sabines escribió para que todos lo pudieran entender y sentir. El arte de escribir, fue para el artista, hacerlo como cuando se habla, con la cualidad de elevarse.

“Al fin y al cabo soy poeta –y a la poesía, como a la flor que crece en la falda de los volcanes, si la tocan, la deshacen.” Cartas a Chepita

Sabines lo dice por nosotros. Su arte, su poesía, es la poesía de todos los días. Es la mía, la tuya, la nuestra, la ajena y la personal. Es una caminata, una mano encerrando otra, un día de lluvia, el cabello sin estar quieto, es su mirada, es estar sentado, un cigarro. Él lo dice por nosotros.

Jaime Sabines. Homenaje en Bellas Artes. 1996

 

Originally posted 2014-06-02 00:24:00. Republished by Blog Post Promoter

En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

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Originally posted 2014-05-29 02:16:24. Republished by Blog Post Promoter

Arte Glitch: belleza en la imperfección

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Glitch es el nombre que se le da a los errores temporales en el funcionamiento de aparatos electrónicos y archivos informáticos. Un letrero luminoso cuyos focos se prenden y apagan arbitrariamente. Una televisión con mala recepción. Un viejo VHS cuyas imágenes saltan y se deforman. Una fotografía mal subida a Internet. Distorsión excesiva en un fragmento de audio. En general, detalles en la operación de los dispositivos tecnológicos con los que convivimos diariamente y que, por lo general, nos provocan frustración.

Artistas y programadores alrededor del mundo, sin embargo, han encontrado la manera de utilizar estas imágenes y sonidos fallidos para crear arte a partir de ellos. Se trata, como describe el artista glitch estadounidense Phillip Stearns, de “encontrar el alma de la máquina”.

El arte glitch es una respuesta a la proliferación de imágenes en alta definición y a la perfección gráfica lograda con herramientas de manipulación digital de la imagen que son difundidas actualmente alrededor del mundo. La idea detrás de crear este tipo de arte es demostrar la belleza que puede existir en todo, aun en lo que generalmente consideramos indeseable o incluso desagradable.

Algunos de los artistas glitch más destacados explican y muestran su trabajo en este episodio de Off Book, una serie web dedicada al arte de vanguardia producida por la cadena de televisión estatal estadounidense PBS.

Más sobre el trabajo de los artistas que aparecen en el video en

Phillip Stearns http://yearoftheglitch.tumblr.com/
Scott Fitzgerald http://www.ennuigo.com/
Anton Marini http://vade.info/
Daniel Temkin http://danieltemkin.com/

 

Originally posted 2012-10-21 21:00:30. Republished by Blog Post Promoter

“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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Originally posted 2014-12-05 10:52:27. Republished by Blog Post Promoter

Ayotzinapa está presente hasta en el arte: el performance de la ENAT

Desde el pasado 26 de septiembre del año en curso, México ya no es el mismo. Iguala, Guerrero, se convirtió en una trinchera más dentro de la guerra que ha sofocado a nuestro país los últimos años. Una guerra que se ha llevado “entre las patas” a miles de inocentes a causa de ese enorme deseo de poder y control de quienes la han orquestado. Sabemos quienes son. Sabemos y no.

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 La Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos” ha sido, a lo largo de la historia de Guerrero y sus escuelas rurales, un semillero de guerrilleros, una cuna de “libre-pensadores” mexicanos que se han destacado por luchar desde la subalternidad por y para el pueblo. No en vano de ahí salieron importantes personajes como Lucio Cabañas y Genaro Vázquez, quienes impulsaron la guerrilla en el estado de Guerrero en los años 60.

 La disidencia ha permanecido, y es a partir de la misma en que nos podemos explicar los hechos del 26 de septiembre. 43 compañeros de los cuales no sabemos nada, no sabemos si están vivos o muertos. 43 compañeros que habían salido a hacer una colecta, por falta de recursos económicos, para costear un viaje a la Ciudad de México y hoy están desaparecidos. Es una rabia que se ha manifestado en diferentes sectores de la sociedad. Pareciera que el descontento ha llegado más allá de las aulas: señoras, señores, ancianos, niños, trabajadores, transeúntes se han unido al grito de: ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

 En el marco de estas acciones por alzar la voz, tenemos un sinfín de muestras de apoyo, tanto en las marchas, los actos simbólicos en las calles, en los hogares, así como en el arte. Numerosos performances se han realizado como un acto más de protesta e inconformidad por la desaparición forzada de 43 compañeros de la normal de Ayotzinapa. Entre ellos, se encuentra el realizado por los compañeros de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), realizado el pasado 16 de octubre, en la explanada del Museo Nacional de Arte (MUNAL).

 Este performance rescata el testimonio del compañero Omar García, sobreviviente del ataque por parte de la policía federal hacia los compañeros de la normal de Ayotzinapa. Los actores aparecen vestidos con playera o blusa blanca, jeans de mezclilla y un pañuelo o paliacate rojo atado al cuello o la cabeza. En la mitad de la cara llevan pintada una línea con pintura blanca.

 De inicio vemos a los actores caminando sobre la explanada del MUNAL. Es muy interesante cómo empieza, ya que los compañeros van caminando, aparentemente apurados y sin rumbo alguno, mientras van hablando y, lo que se escucha, son los nombres, las edades, los apodos y la forma de ser de los normalistas desaparecidos, como si los estuvieran buscando, ya que algunos dicen “¿alguien lo ha visto?”, “¿alguien sabe dónde está?”. Esas descripciones han estado circulando en línea. Así pues, caminan y hablan, hasta que de pronto los vemos caminar rapidísimo y escuchamos que casi gritan mientras más van apresurando el paso. En ese momento paran de caminar, se quedan en silencio, y un actor grita: “¡Ya dejen de disparar, cabrones!”, haciendo total alusión al ataque. De pronto, todos se concentran al centro de la explanada y se cubren, cual si se resguardaran de las balas. Gimen, tiemblan y es notable que están asustados, temen por sus vidas. Es entonces cuando empiezan a recitar el testimonio de Omar, metiéndose en su papel, como si ellos fueran él durante el ataque.

 Mientras recitan a Omar, los actores corren de un lado a otro, se arrastran, gritan, se empujan, se toman de los brazos. Alrededor de la explanada, empieza a juntarse la gente y podemos observar a otros compañeros sosteniendo mantas que dicen: “¿Por qué nos asesinan? si somos la esperanza”, “México despierta”.

 Así se va desarrollando este performance, donde los actores gritan desesperados, algunos lloran. Casi para cerrar, dos de ellos recitan lo siguiente: “En México y en Guerrero, se mata gente, en esos llamados daños colaterales de su chingada política, que luchan entre ellos. Nosotros no queremos ser eso, queremos un México justo y libre”, tal cual lo dice Omar en el video de su testimonio.

 El performance termina con los compañeros caminando de nuevo, retirándose de la explanada, repitiendo “un México justo y libre”, y también, nuevamente, diciendo los nombres de los compañeros, sus apodos, preguntando sí los han visto. Al final, mientras se van retirando, una participante dice: “Tengo 19 años y me apodan el Chucky. Sólo espero que me regresen con vida para poder enseñarle a los chavitos”.

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Por: Pedro Sosa

 Observar los diversos performances hechos a partir de los ocurrido en Ayotzinapa, así como las muestras de apoyo por parte de diversos sectores de la sociedad en las marchas, los paros, la difusión de la información, la empatía que se ha hecho notable en la población mexicana, nos habla de una suerte de “despertar” de quienes habitamos este país. Un país que ha sido azotado por la violencia de la manera más dolorosa y perversa, lo que ha sembrado el miedo en todos nosotros. Pero no todo está perdido. Que una sociedad se levante en tiempos de odio y egoísmo demuestra que estamos más unidos que nunca, por los 43 y por todos los demás que claman justicia en México y para México. El uso del performance es sólo una muestra más de que las expresiones artísticas también pueden sanar una herida tan grande como esta. ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

Originally posted 2014-11-14 09:00:28. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

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 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

Originally posted 2014-08-28 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

Originally posted 2014-04-04 02:26:14. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Originally posted 2013-12-16 15:24:49. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

Originally posted 2013-01-21 16:15:20. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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Originally posted 2015-01-23 12:59:35. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

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“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

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 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

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 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

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Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Originally posted 2014-12-22 10:03:08. Republished by Blog Post Promoter

Sobre la paz prometida al pasar el temporal

“NO PUEDES ENCONTRAR LA PAZ AL EVADIR LA VIDA”

Virginia Woolf

Siempre he pensado que el verdadero teatro debe ser capaz de acercarse a las raíces griegas que tenían como meta principal la catarsis. No sentencio que todo el teatro deba tener esta intención, pero sí debe de pasar en algún momento por dicho paraje. Encontrar al espectador aunque sea en una línea, gesto, o tono que lo ubique como parte de y facilite la experiencia teatral al conectar en pleno. Por supuesto, no todas las obras son para todos los públicos, los textos son diferentes, las visiones de la dirección, etc. Pero si acarician ese aspecto, entonces tendrán una calidad asegurada.

 En su cuarta temporada, Nuevas directrices para los tiempos de paz, despide el año los martes en Centro Cultural Carretera 45. Escrita por Bosco Brasil, dirigida por Gabriel Figueroa Pacheco, la obra se monta en un contexto histórico actual que la vuelve no solo importante, sino además franca. Necesaria y cruda.

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 1945, Brasil. La segunda guerra mundial ha terminado. Un inmigrante Polaco aguarda en la oficina del encargado de los asuntos migratorios para poder obtener la preciada oportunidad de una residencia. Comenzar de nuevo en un país nuevo del cual conoce únicamente el idioma junto al oficio al que busca consagrarse, la agricultura. Sin embargo, antes será necesario pasar por el cruel e indolente interrogatorio del agente, quien buscará tentar el temple del individuo, que era actor en su país natal, recordándole aquello que ha vivido. El teatro será la principal arma para quemar las naves, entre las cuales está la de la memoria. 

 Bosco Brasil explora con una efectividad magistral los horrores de la guerra en un argumento que lejos de rodear lugares comunes que asienten la brutalidad de los actos, pretende definir a la esperanza de un futuro mejor como la salida idónea ante los desperfectos mundanos. En los personajes del autor se define una incredulidad que se demuestra a través de la descalificación a través de las circunstancias reales.

 Perfilados están la víctima y el victimario, sin embargo el autor propone cambiar los roles acercando como responsables a factores externos, dejando a ambos seres en la desnudez de cada historia tratando de esquivar el dolor y la maldad de sus propios actos, tan solo para chocar violentamente con las del mundo. A través de un llanto honesto critica la ambición consumista de los sentimientos impuros. La sociedad será una hoguera que devora la paz, la tolerancia, se aviva.

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“casi me olvidaba de la guerra, casi me olvidaba de la maldad”

 Ante la sensibilidad del texto, la dirección de Gabriel Figueroa apuntala sencillez en todo elemento de producción para explotar la voz de los parlamentos en sus actores. Rescata la idea de que las palabras carecen de sentido si no conllevan la verdad, acentuando la fatal condición de la libertad como atadura principal de la libertad sobre un escenario de atmósfera oscura prácticamente limpia de principio a fin.

 Cuando la pausada coreografía retrata la utilidad de la vida, queda por sentado que solo es necesario conocer la misma para saber que es útil, porque crea acciones que permitirán el desarrollo de quienes la viven, el cual será escuela para las generaciones que procedan ya sea por sus logros o por sus errores. Conecta de nuevo con el autor, la promesa de la esperanza existe.

 Más al desarrollarse el producto, no es la monstruosa serie de atrocidades que aquellos que vivieron e hicieron la guerra ejecutaron o presenciaron la que hiere, conmueve e indigna, sino la  cercanía a la realidad de nuestro México. La temible actualidad en la cual los problemas se solventan con violencia, represión; en dónde la gente no participa hasta que se ve afectada, entre aquellos que protestan argumentados  en contra y se estrellan frente al estado opresor.

 Catarsis es purificar mediante compasión y el miedo en pleno. Lo mismo aquí, el relato se transforma dejando ver la necesidad de unificación social teniendo como antorcha la petición del cese a la tortura, a la mutilación de la humanidad en su condición. No es pretensión. Es un reclamo orgánico.

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 Los dos actores convocados ejecutan con delicada precisión esta labor. Un justo  José Antonio Falconi, medido  en su accionamiento se adhiere a la esencia del funcionario de inmigración que antes de ocupar tal labor tuviera que obedecer ante la empresa bélica en el papel de torturador. Permite descubrir los claroscuros con un trabajo sólido, empero, es en su trabajo como traductor dónde realmente brilla al generar un texto de fácil acceso y recepción que conserve sus tintes de origen.

 Hay una presencia equilibrada entre la dulzura y la desesperación que imprime Julien Le Gargasson a su actuación desde el momento en que pone un pie en el escenario. Poéticamente traza una ruta emocional genial que trasciende apresuradamente. El actor logra que una simple mirada encierre la belleza de la desolación de su alma, ganándose totalmente al público que adopta al polaco afectado por la guerra, dándole un cobijo acertado.

 Inexplicable, efímero, vital. Son solo adjetivos breves que no alcanzan a describir ni una parte mínima de lo que es el teatro, aquí es un espejo invitante y violento al reflejo, pero acciona al que haga uso del mismo, da impulso a la justicia marcando efectivamente nuevas directrices para los tiempos de paz, solo falta seguir el camino.

Originally posted 2014-12-05 16:58:23. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

SILO 468: arte con luz en Helsinki

 

SILO 468 es una escultura luminosa creada por el Lighting Design Collective  y recién inaugurada en Helsinki, capital de Finlandia. El proyecto recupera un espacio industrial abandonado para convertirlo en obra de arte y plaza pública.

Se trata de un silo petrolero en desuso a orillas del mar, de 36 metros de diámetro y 17 de altura. El imponente cilindro fue transformado en una impresionante obra de arte luminoso cuyo interior estará abierto al público. Durante el día, los orificios en la superficie de la estructura, en combinación con la posición del Sol, crearán juegos de luz y sombras con los cuales los visitantes podrán interactuar. Por la noche, se encenderán cientos de LED controlados por un software que ha sido programado para que las pantallas simulen los movimientos de una bandada de pájaros. Las corrientes de viento regionales sirvieron como modelo para crear los patrones de movimiento de las luces electrónicas.

La obra forma parte del proyecto Helsinki World Design Capital 2012. Aquí dejamos un video con los renders del proyecto que explican a detalle su realización y funcionamiento.

 

Originally posted 2012-10-25 18:00:23. Republished by Blog Post Promoter

La poesía armada hasta los dientes: Miguel Hernández

 

 

 

“No, no hay cárcel para el hombre.

No podrán atarme, no.

Este mundo de cadenas

me es pequeño y exterior…

…Libre soy. Siénteme libre.

Sólo por amor”.

— Miguel Hernández (Antes del  odio)

 

 

Las  montañas de Orihuela, la  yunta de  cabras, el  pasto, el amor, la muerte  y la  vida  son los  ingredientes que nutrieron  al niño pobre que  escribía sobre el lomo del  ganado, aquel de la casa  pintada y nunca vacía, el hombre  con  oficio de  poeta que durante la  Guerra  Civil  Española y el  fango de  las  trincheras del  bando  republicano, afiló su  pluma, un personaje que quiso arrancarse de cuajo el  corazón en  cada  palabra, el hombre  que  se  llama barro, la  muerte  enamorada,  aunque Miguel lo  llamen.

 

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En el centro de la parte superior, Miguel Hernández en la escuela Ave María.

Miguel  Hernández  Gilabert o simplemente  Miguel Hernández  nació el 30 de octubre de 1910 en  Orihuela, Alicante. Proveniente de una  familia  con  recursos  limitados, estudió la primaria  en la  escuela  para  pobres anexa al Colegio de Santo Domingo, Ave María. Su papá era un pastor  de  cabras,  así  conoció el valor del trabajo desde muy niño, motivo por  el cual tuvo  que  abandonar  sus  estudios en  diversas  ocasiones.

 Su  acercamiento a  la poesía sucedió de  manera  temprana, acompañado por José Ramón Marín Gutiérrez  mejor  conocido  como Ramon Sijé -quién fue  su  gran  amigo- Miguel cultivó sus  inquietudes literarias y políticas a su lado, se  esforzó en ser autodidacta con los libros que conseguía en la biblioteca del Círculo de Bellas Artes, orientado por el clérigo Luis Almarcha,  descubre a  autores  como  Cervantes, Lope, Calderón, Góngora, Paul Valery, Garcilaso y Antonio Machado. Sijé, quien fue estudiante de derecho en la universidad de Murcia, resultó  fundamental  dentro  de  la  vida  y  obra  de  Miguel Hernández, orientó  su  lectura hacia los clásicos y la poesía religiosa, también lo alientó  a desarrollar su habilidad creadora que,  para  entonces,  veía  la luz  sobre  papel  destraza,  mientras  las  cabras  pastaban en  la  montaña.

“No quiero morir -dormir-,
no quiero dormir muriendo
en la sagrada tierra estéril…
¡Yo quiero morir viviendo!”

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Miguel Hernández

 Para inicios de la década de 1930, Hernández publica algunos poemas en el semanario El Pueblo de Orihuela y el diario El Día de Alicante.  Pronto su nombre hizo eco en  revistas y diarios locales. En el amanecer de  esa  década, viaja por  primera vez  a Madrid  donde ya  es  conocido  el mote de “cabrero-poeta”; el impacto de la  capital mezclado  con sus  influencias  literarias  y su infancia dan como  producto  a su  pirmer  obra, Perito en lunas (1933). Un  crisol  de  una poética épica-mística como  muestra  inexorable  de  un estilo, la  capacidad de  agencia  del  poeta, había  llegado  para  quedarse.

“Pero al fin podré vencerte,
ave y rayo secular,
corazón, que de la muerte
nadie ha de hacerme dudar.
Sigue, pues, sigue cuchillo,
volando, hiriendo. Algún día
se pondrá el tiempo amarillo
sobre mi fotografía”.

Después  de su  auto-afirmación,  regresó  a Madrid para  conocer a Josefina  Manresa – quien sería  su mujer-, más  tarde publicó El  rayo  que  no  cesa (1936) , obra  que  aún mantenía  los  rasgos  de métrica, misticismo  y  formalidad que  hasta  entonces eran distintivos de Hernández, posteriormente conoció a  Pablo Neruda y  Vicente Alexaindre quienes  influirían de  manera definitiva  en su  estilo, le  abrieron  el campo del verso  libre  y el surrealismo, se alejó de  sus  creencias  religiosas, desde  entonces,  se vio a si mismo como  poeta del  y para el pueblo.

España  pasaba  entonces  una  inestabilidad  política  y efervescencia social importante. La  Guerra  Civil  estaba en puerta,  Ramón Sijé  había  muerto  en 1935 y Miguel  le dedicó una elegía  que se distinguría  de  la  poesía de  su  tiempo en El rayo  que  no cesa.

“No perdono a la muerte enamorada,
no perdono a la vida desatenta,
no perdono a la tierra ni a la nada…
…Quiero escarbar la tierra con los dientes…
…Quiero minar la tierra hasta encontrarte
y besarte la noble calavera
y desamordazarte y regresarte.” 

Al  estallar  la  guerra, Miguel  tomaría  partido  en el  bando  republicano,  el 18 de septiembre de 1936 se  alistó en el 5º regimiento, se  alejó del Hedonismo académico que practicaban Rafael Alberti y Luis Cernuda, por eso se  fue  a combatir, a ver  caer  a su compañeros  y amigos, sin embargo,  más  tarde  fue  designado Comisario de Cultura del Batallón de El Campesino. En  esta  época  su  poesía se  volvió  una llama de  denuncia, que se  plasmó en sus obras Vientos del pueblo (1937) y El hombre acecha (1939). Hernández  recibió  invitaciones para  simpatizar con los  franquistas, y alcanzar  el  indulto, a lo que  siempre  respondió: “Como  si Miguel Hernández  fuera  una  puta  barata”.

“Cantando espero a la muerte,
que hay ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas”.

El 9 de marzo de 1937 logra escapar durante la  guerra a Orihuela para casarse con Josefina Manresa. En diciembre de ese año nace Manuel Ramón su primer hijo que muere a los pocos meses, a  él está dedicado el poema Hijo de la luz y de la sombra, para enero de 1939 nace Manuel Miguel su segundo hijo,  a quien dedicó las famosas Nanas de la cebolla.

“Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma”.

 

Ese  año   transcurrió  para  Miguel entre arrestos   y libertad momentánea, un detrimento  en su  estado de  salud  y  carencias  económicas. La cárcel le quitó el  aliento de  a poco, las prisiones de Madrid, Ocaña y Alicante, lo resguardan  hasta  que una tuberculosis pulmonar aguda atacó ambos pulmones,  se intento un traslado al Sanatorio Penitenciario de Porta Coeli  pero se  fue  imposible. Neruda  intentó  abogar  por  él, sin embargo  tampoco  tuvo  éxito. El 28 de marzo de 1942 a los treinta y un años de edad Miguel Hernández  cerró los  ojos y se  fue  como  llegó,
con sus  tres  heridas.

“Llegó con tres heridas: 
la del amor, 
la de la muerte, 
la de la vida.”

 

¿Te  interesa  leer  más sobre él y su poesía ?  Pásale por acá.

Originally posted 2014-12-19 08:35:27. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

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Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

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Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

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“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

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