Especial Ghibli: El Viaje de Chihiro

El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)

 La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.

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 La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.

 Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.

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 En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.

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Animación Mexicana 17: La Leyenda de la Llorona

Casi llegando a la recta final de las producciones actualmente terminadas de Ánima Estudio, y siguiendo con las aventuras de Leo San Juan, la historia que originalmente fuera desarrollada por Animex, cambió de hogar para una secuela, que abordó la misma temática y los mismos personajes, esta vez enfrentándose al que quizá sea el espectro más conocido de la cultura mexicana. De ese modo hace algunos años llegó a las pantallas de cine La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011).

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 Para empezar tenemos la gran pregunta, ¿Por qué Animex hizo la primera película y Ánima la segunda? Pues bien, hay muchas teorías al respecto; Algunas personas aseguran que el estudio Animex pasó por complicaciones económicas y por lo mismo decidió vender los derechos de la historia, sin embargo el propio director y escritor de la cinta original, Ricardo Arnaiz, declaró que esta decisión constaba de una alianza estratégica en la cual Ánima produciría la nueva aventura ya que Animex se encontraba con una gran carga laboral por dos proyectos fuertes, uno de ellos está próximo a estrenarse y el otro aún se encuentra en producción, mas adelante indagaremos sobre ellos.

 De ese modo, el nuevo director Alberto “Chino” Rodriguez, responsable de la dirección en varios capítulos de El Chavo (El Chavo, 2006-2013) y de la cinta AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010) retomó la historia con producción, historia y guión del propio Ricardo Arnaiz y volvió realidad ese sueño que varios fans de la Nahuala tenían (el final de la primera película daba pie a una secuela).

 En la historia, Leo San Juan y sus amigos llegan hasta el pueblo de Xochimilco, donde varios niños han sido secuestrados por el malvado espíritu de la llorona, una mujer resentida por la pérdida de sus propios hijos. En su camino, Leo conocerá a una nueva amiga: Kika, una simpática niña que está decidida a salvar a su hermano Beto, quien fuera capturado por la mujer fantasma. Así mismo, la llorona no es el único peligro que Xochimilco guarda, ya que también está la amenaza de la Isla de las Muñecas donde extraños sucesos se desarrollan.

 La premisa es muy atractiva y es una digna continuación a la aventura que ya conocíamos, además no se detiene ahí, sino que abrió camino a una tercera parte que pronto podremos disfrutar en cines: La Leyenda de las Momias (La Leyenda de las Momias, 2014). Pero…  ¿es tan buena como su predecesora? La cinta originó todo tipo de comentarios y es difícil optar por una verdad absoluta, sin embargo la opinión de su servidor es la siguiente.

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 Para empezar se aprecia mucho que la mayoría de la esencia de la nahuala sea respetada, de hecho hay una secuencia al principio que nos resume la primera película. No obstante, el estilo de Ánima resalta mucho. Animex usa un estilo en diseño de personajes y fondos muy característico, manual y artesanal. Ánima ya usa un concepto un poco más tecnológico con escenarios hechos casi enteramente en 3D y con diseños de personajes más apegados al programa de Adobe Flash.

 Esto, aunque mínimo, resultó un problema para los amantes de la primera parte. Además de eso, el cambio de voces fue fundamental también. Cuando la nahuala nos trajo las voces de monstruos de la actuación muy reconocidos, la llorona cambió casi a todo el elenco, siendo la voz de Rafael Inclán la única que aparentemente fue respetada como el Alebrije.

 Dicha situación costó la perdida de chispa en varios personajes como el de Don Andrés (La voz de Andrés Bustamante es simplemente inigualable) y un Leo San Juan mucho más maduro. No es que sea malo, al contrario, es aplaudible ver a un protagonista que va creciendo y madurando, sin embargo en cuestiones de continuidad, es extraño suponer que un niño asustadizo se volvió un joven más alto y con voz más adulta en el viaje a Xochimilco que, en teoría, habrá durado unos cuantos días en globo. (Nuevamente cito, la nahuala termina cuando salen de Puebla rumbo a Xochimilco y la Llorona empieza cuando llegan a su destino).

 Lo cual suma a otros errores de continuidad, al hecho de extrañar a varios personajes de la cinta anterior, la ausencia de la banda sonora original compuesta por Gabriel Villar y la aparición de nuevos personajes que no pueden dejar de compararse con algo ya visto en cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) haciendo aún más evidente la inspiración que esta historia ha tenido en el universo de Tim Burton nos hacen desear que Animex hubiera continuado el relato. No obstante, el trabajo tampoco es malo, a su modo y estilo se trata de una muy buena película, disfrutable para todas las edades, una animación mucho mejor lograda y con un equilibro de comedia, drama y hasta un toque de horror muy aceptable.maxresdefault

 A mi parecer es una de las mejores cintas de Ánima y como punto adicional, el diseño de la llorona es magnífico, me emocionó ver algo que pocos logran al dar un espectro de caricatura en verdad temible que incluso pudiera compararse a fantasmas como los aparecidos en The Gruge: La Maldición (The Grudge, 2004) o La Dama de Negro (The Woman in Black, 2012).

 En conclusión, La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) es un trabajo excepcional, ampliamente recomendable y digno heredero de las aventuras de Leo San Juan. Al final de la película nos deja con dos deseos, ver la tercera parte de la saga y que el personaje de Kika (que en serio se gana al público) aparezca en esta misma.

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Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

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Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

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 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

Originally posted 2014-08-28 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

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Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Originally posted 2014-12-22 10:03:08. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

Originally posted 2014-07-28 09:25:21. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

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Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

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Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

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Especial Laika: Coraline y la Puerta Secreta

Celebrando el anuncio de la primera película de animación stop motion en México, en esta ocasión comenzaré con un muy pequeño especial acerca de un estudio estadounidense que aunque no cuenta con una gran cantidad de películas hechas, sus productos poseen con una enorme calidad al grado de que han sido de los pocos estudios (quizá el único) que cada película que hace es nominada a toda clase de premios. Este estudio ha ganado fama por su habilidad en animación stop motion con tres películas que comparten un tema, el horror dirigido a niños.10891629_800

 Hablo del estudio Laika, propiedad de Phil Knight y la empresa Nike. Este estudio se dio a conocer oficialmente y a nivel internacional en el 2009 tras el estreno de su ópera prima, Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009) del director Henry Selick, aquel que ya mostrara ser un titán en la animación de este estilo tras dirigir cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) y Jim y el Durazno Gigante (James and the Giant Peach, 1996). La película de Coraline está basada en la novela de Neil Gaiman, publicada en el 2002 y fue un éxito a nivel taquilla y critica.

 La cinta nos cuenta la historia de Coraline (No, no es Caroline), una niña que vive enojada y aburrida de su existencia rutinaria. La relación con su madre es tensa y las cosas empeoran cuando su familia decide mudarse a una vieja casa que ha sido dividida en departamentos que son habitados por excéntricos vecinos. Un día, Coraline descubre una puerta extraña que la lleva a un mundo paralelo al suyo, una especie de mundo del espejo donde cada persona de su mundo está reflejada ahí, pero siendo totalmente diferente a lo que es realmente. Como característica de este mundo, todos sus habitantes tienen ojos de botón. En ese lugar, Coraline conoce a su Otra Madre, quien parece tener siempre tiempo para ella y un carácter mucho mas agradable y divertido que su madre real. Coraline queda fascinada con este universo al grado de querer regresar una y otra vez, sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que descubra que nada es lo que parece y que un oscuro y aterrador secreto se esconde detrás de la puerta.

 La película resulta ser una propuesta más que interesante, con una animación impecable, un diseño de producción sin igual y una banda sonora peculiar, aunque totalmente cumplidora. El mensaje que da es importante para todos aquellos que no aprecian lo que tienen y que fácilmente pueden sucumbir a aquello que parezca ser perfecto en un mundo donde no todo lo que brilla es oro. Así mismo, la película es una opción familiar y dirigida a niños, pero sorpresivamente tiene el suficiente nivel de suspenso y horror para complacer a los amantes del género. Es una película que puede ser disfrutada por todos, incluso es considerada de culto por un sector del público, sin embargo esta característica puede ser un punto negativo para aquellos niños que sean muy asustadizos.

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 Además de eso, la película podría tranquilamente catalogarse como cine de arte, con un manejo de situaciones donde el surrealismo domina casi todo. A veces puede ser confusa, muy extraña para algunos espectadores. Aquellos que no disfruten de este tipo de historias mejor absténgase de verla, pero al menos los invito a ver algunas escenas y descubrir que visualmente esta película es una maravilla. Fue la primera película del que se ha vuelto un titán de la animación. Una obra maestra en todo su esplendor, aunque como dije, para un público muy específico. Los invito a verla y dar su propia opinión. Háganlo y créanme, no volverán a ver los muñecos con ojos de botón con algo adorable.

https://www.youtube.com/watch?v=LO3n67BQvh0

 

Originally posted 2015-02-12 10:10:26. Republished by Blog Post Promoter

3D: Escultura animada

Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.

Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.

Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.

Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.

Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.

El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.

Originally posted 2013-11-13 16:49:05. Republished by Blog Post Promoter

Vista al Futuro: Película de los Supersonicos

Como bien sabemos, los famosos reboots o reinvenciones de los clásicos animados ha estado de moda desde hace varios años. Personajes como Scooby Doo, El Osos Yogui, Los Picapiedra y Don Gato han dado el salto a la pantalla grande y a las nuevas generaciones, algunas con mayor éxito que otras, pero indudablemente siempre nos produce curiosidad ver como enaltecieron o arruinaron las caricaturas que muchos veíamos de pequeños… o seguimos viendo.

 Hace algún tiempo se habló de una adaptación Live Action de la popular serie de Hannah Barbera, Los Supersonicos (The Jetsons, 1962), misma que recientemente ha sido desmentida por Deadline, quien informó que se ha confirmado la realización de una película basada en esta caricatura, sin embargo, se ha llegado a la decisión de que la cinta sea animada.

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 La película será adaptada por Warner Bros y escrita por Matt Lieberman. El director y la trama de la cinta aún son desconocidos, aunque algunos opinan que podría respetarse a quien estuviera considerado para dirigir la versión en acción real, Kanye West.  Tampoco se ha confirmado si la adaptación continuará con la animación 2D que caracterizaba a la serie o si se hará una versión en 3D como sucederá con los personajes de Charlie Brown y Popeye próximamente.

 Recordemos que ya existe una película animada sobre estos personajes hecha en 2D y con un ligero uso del CGI (que en esa época era casi irreal para los espectadores) y que la serie en cuestión tuvo una duración total de 4 años dividida en 4 temporadas. Una de las creaciones más populares de Hannah Barbera, ya veremos si esta nueva película le hace justicia y logra el gran reto, gustar a las nuevas generaciones acostumbradas a otro tipo de caricaturas.

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Originally posted 2015-02-03 12:48:45. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 22: Brijes

 on motivos de los festejos del 2010 en honor al bicentenario de la independencia de México, las salas de cine abrieron espacio para un importante número de cintas hechas en nuestro país. La mayoría de ellas se trataban de películas en acción real que trataban sobre crítica social, algunas de ellas incluso se escudaban del eslogan “Nada que Celebrar” en protesta a la situación que se vivía, y que aún se vive.

 Se trataban de trabajos interesantes y de mucha calidad, no obstante, unos de ellos sobresalían en llamar la atención. No me refiero a que fue una película cuya magnificencia opacó a las demás, sino al hecho de que en ese pequeño maratón de cine mexicano, esa cinta era la única que como tal no hablaba de los hechos históricos, ni de la forma en la que el país se encontraba, ni nada de eso. Se trataba de una cinta animada dirigida por Benito Fernández y que ciertamente rompía con todos los tópicos que se estaban manejando. Se trataba de la película Brijes (Brijes, 2010).

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 No fue la única cinta animada que fue transmitida en esas fechas, ni tampoco fue la más taquillera ni de la que más se habló. ¿Entonces que la hizo destacable? Para empezar, estamos hablando de un proyecto que en la búsqueda de ser innovador tuvo el acierto de mezclar diversos tipos de animación, la 2D y la 3D. Así mismo, los fondos de dicha cinta fueron muy variados, algunos fueron hechos a mano, otros dibujados directamente en flash, otros el 3D e incluso algunos fueron maquetas. En cuanto a diseño de producción podemos sugerir que es la cinta animada mexicana que más ha aportado y se ha arriesgado. Esto aunado al hecho de ser una de las primeras cintas hechas enteramente en México que gozó de un tratamiento en 3D para las salas de cine, y si, hablo de ese 3D con el cual parece que los objetos salen de la pantalla.

 

 La historia trataba de tres niños que en una visita al museo de antropología descubren el legendario código Brije, y al hacerlo despiertan a tres dioses ancestrales que les encomiendan una importante misión. La oscuridad está llenando al planeta, poniendo en peligro no sólo el equilibrio de la vida, sino el vínculo que los hombres tenían con el mundo mágico tiempo atrás.  De ese modo los tres niños, cada uno acompañado por un guardián Brije, deben viajar en el tiempo y a diversos lugares del mundo para detener esta amenaza y devolver la estabilidad a la tierra.

 Con respecto a la trama debo decir que fue gratificante tener una película mexicana que se salía de los temas que siempre se trataban (corrupción, drogas, pobreza, etc). Educativamente hablando, la película tiene mucha fuerza al mostrarnos hechos históricos importantes y datos culturales de este y otros países. La cinta es entretenida y aunque también va dirigida a un público enteramente infantil, tiene ciertos momentos que los adultos también pueden gozar.

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 Ahora hablemos de los puntos débiles de la cinta, los cuales comienzan con el guión y la historia. Si, acabo de decir que era una historia fresca en México, no obstante, la película tiene demasiados parecidos con otras cosas ya vistas. Creo que no soy el único que en algún momento vio la película como el “Pokemon” o “Digimon” mexicano, de hecho el diseño de los personajes es muy similar al estilo animé. No digo que esto sea malo, de hecho es una propuesta interesante, sin embargo ante esta situación es imposible catalogar la película como algo totalmente original.

 La animación también tiene diversas fallas, no siempre es fluida y en una sala de cine se veía demasiado el hecho de que algunas escenas fueron hechas totalmente en flash, que aunque es un programa que permite elaborar un proyecto entero, le quitaba brillo a un proyecto que visualmente pudo ser espectacular. De igual forma el guion tiene partes que no terminan de desarrollarse, algunas incluso son algo incoherentes aún en el  mundo fantástico que se nos propone.

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 Pero no todo es malo, la historia está bien llevada, los personajes son carismáticos y hay escenas muy vistosas. La inclusión de criaturas mágicas variadas es un concepto muy grato y no puedo dejar de mencionar el extraordinario “giro de tuerca” que la historia nos tiene preparada al final, un desenlace que definitivamente nadie ve venir hasta que nos lo muestran.

 La película al final resulta ser un buen proyecto, no de los mejores ni mucho menos perfecto, pero  aceptable. Una buena opción para ver en familia y para aquellos que gozan de las historias llenas de magia y aventura (ejem… los fanáticos de Pokemon y Digimon) les parecerá algo muy positivo siempre que se dediquen a ver la película y dejen por un momento las comparaciones. Brijes 3D, una interesante propuesta que los entretendrá y los hará pasar un buen rato. ¿Y tú ya tienes tu Brije?

 

Originally posted 2014-06-05 01:31:54. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 25: El Secreto del Medallon de Jade

 Continuando con la filmografía animada en nuestro país. Hoy hablaremos del estudio Kaxan Animation, quienes (en el 2012) nos trajeron una de las pocas cintas hechas en Motion Capture en México. Se trata de una historia de magia y aventuras que busca estar a la par de otras producciones (al menos en narración) del legendario Steven Spielberg tales como: Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Arc, 1981) o Los Goonies (The Goonies, 1985).

 La película en cuestión se titula El Secreto del Medallón de Jade (El Secreto del Medallón de Jade, 2012), dirigida por Leopoldo Aguilar y Rodolfo Guzmán, que nos cuenta la historia de un grupo de niños que tras la muerte de su abuelo quedan inmersos en una gran aventura por recuperar un mágico amuleto. Matías, el protagonista de la cinta, siente una gran necesidad de descubrir el gran secreto debido al gran cariño que sentía por su abuelo y las historias que este les contaba. Desafortunadamente su camino se verá plagado de peligros como: templos con trampas mortales y un par de peligrosos cazadores que harán lo que sea para apoderarse del medallón.

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 La premisa prometiera darnos una película llena de acción que por lo menos nos daría un buen rato “palomero”. No obstante, y aunque la historia no está mal, la forma de llevarla no fue la mejor. Para empezar, estamos ante un producto orientado totalmente a los niños olvidándose casi del público juvenil o adulto. La aventura sería emocionante de no ser por la gran cantidad de chistes, diálogos y personajes demasiado inocentes para una historia de este tipo.

 Y es que siendo honestos, el factor de que un niño gordo esté más mortificado por tener hambre que por el hecho de que sus vidas peligran (no es precisamente lo más realista o coherente que hemos visto). Los villanos (cuyo estereotipado acento extranjero bien puede pasar por alto) tienen todo para ser personajes temibles, pero al final terminan siendo una versión en 3D del torpe equipo Rocket de la serie Pokemón (Pokemón, 1998). Además de graves fallos en las situaciones, por ejemplo: una escena en donde los personajes viajan en auto y literalmente disfrutan al ritmo de una canción de la radio, a pesar de saber que los persiguen unos cazadores que desean liquidarlos.

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 Pero como dije, es una cinta orientada al público infantil y en ese sentido es más que cumplidora. Los pequeños disfrutarán de ella sin problemas. Con respecto al trabajo de voces, cabe mencionar que es bastante aceptable en su mayoría destacando el gran trabajo de maestros del doblaje como: Esteban Siller (q.e.p.d.) e Isabel Martiñón. En el caso de los “star talents”: Adriana Barraza, Arath de la Torre y Eleazar Gómez, cumplen con el objetivo. Aunque por la misma naturaleza del proyecto no creo que nadie les dé un premio por dicha interpretación.

 En aspectos técnicos también hay una mezcla de sentimientos, se agradece la incursión del Mocap en producciones mexicanas y considerando la complejidad de esta técnica puedo decir que la película también cumple en los riesgos que toma. No obstante, sólo se queda en un buen intento ya que la animación (que en teoría debería ser perfecta por la captura de movimiento) sigue viéndose robótica y lenta en casi toda la cinta.

 El diseño de personajes, texturas y escenarios están bien (aunque con un estilo muy sencillo). Puede ser que esa sea la imagen que quisieron darle a la película y que pareciera a producciones como la más reciente serie del gato Garfield, o puede ser que la falta de experiencia en texturización, render, modelado y demás elementos sean los responsables. Otro aspecto a mencionar es sobre la captura facial (aún necesita mucho trabajo), ya que las expresiones de los personajes son muy básicas.

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 Así mismo la cinta cuenta con algunas escenas animadas en 2D que de hecho son las cosas más rescatables. No sólo la animación está bien lograda, sino que da un toque perfecto de un relato antiguo. Es como la cinta en Live Action que en sus recuerdos recurre al blanco y negro, pero aquí, recurre a los orígenes de la animación (detalle que me parece verdaderamente aplaudible).

 Como tal, la película no es mala pero definitivamente podría (y debería) ser mucho mejor. Es un proyecto muy bien intencionado que quizá realizándose con más tiempo o con mejor tecnología y con un guión más sólido que pensara mas en el público mayor podría haber sido grande. También se agradece el uso de otro tipo de historias que involucren fantasía y aventura en la cartelera mexicana.

 Se ha hablado de una secuela, y personalmente no me desagrada la idea. Siempre y cuando los productores decidan modificar el rumbo y acercarse más a su idea original. Recomendable totalmente para los niños, el público objetivo que quedará complacido. En resumen, la cinta cumple, pero una mayor visión del target hubiera sido más que genial.

http://www.youtube.com/watch?v=g9S9jbme0uM

 

Originally posted 2014-07-06 21:17:23. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 2)

Seguimos con este concepto tan exitoso y tan controversia en el que se ha vuelto el Chavo Animado, quizá la mayor creación  de Ánima Estudio. En la nota pasada hablé sobre los elementos que considero positivos de la serie tales como el doblaje y el diseño de personajes. Ahora indagaré un poco en las debilidades que considero que tiene.

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En el caso del desarrollo de las historias, veo muy difícil que los que crecimos con la serie original nos acoplemos a esta nueva propuesta. Los guiones, las historias, los diálogos y los chistes son los mismos, sin embargo se vuelve evidente que el genio de Roberto Gómez Bolaños al escribir se veía complementado en gran manera por el talento de sus actores, quienes lograban efectos que los personajes animados no. La animación permite ir más allá de los límites y en este caso se intentó provechar esto. No obstante, es discutible que esta serie lo requiriera ya que la mayoría de las situaciones resultaban ser más divertidas con los pocos elementos que se tenían antes. A lo que voy es que diversas escenas tratan de explicarse demasiado, quizá para que los niños las entiendan, y eso hace perder el brillo de las mismas.

 Aunado a esto, la animación resulta un tanto acartonada en la mayoría del tiempo. Sabemos que Chespirito usaba mucho la comedia fársica o el Clown, misma que se viera inspirada gracias a personalidades como Charles Chaplin. Los personajes animados carecen totalmente de esta magia y a pesar de que podemos indagar más en la fantasía de los niños (llegando a verlos incluso en secuencias imaginarias en la selva o en la época medieval), creo que el concepto humorístico de la serie decayó. Claro que estoy generalizando, hay momentos en la versión animada verdaderamente divertidos.

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Así mismo, no puedo evitar mencionar la ausencia del personaje de la Chilindrina. Es bien sabido (y no asunto nuestro) que la relación entre la actriz María Antonieta de las Nieves y Chespirito tiene sus diferencias actualmente, y esto se ve reflejado en la caricatura. Ignoro si el personaje no está ahí por una actitud despectiva del creador con esta actriz, o si se deba a que este ya no posea los derechos del personaje.

 Se entiende esta decisión, sin embargo como espectador no me siento satisfecho. La Chilindrina era uno de los personajes más carismáticos de  vecindad (con un llanto inigualable) y definitivamente se extraña demasiado. La producción optó por cubrir este hueco con el personaje de la Popis, decisión que no consideraría la más acertada, ya que para hacerlo, el mismo personaje tuvo que cambiar en varios aspectos que también lo caracterizaban.

 La calidad de la serie como tal es innegable (no digo perfecta, pero aceptable), sin embargo como adaptación queda mucho a deber. Sin embargo también debemos considerar que el target al cual está dirigida es al público infantil actual, el cual no creció viendo a los actores interpretando a esos personajes. Me queda claro que un gran sector del público infantil disfruta y de hecho prefiere esta versión, por lo que no nos queda más que decir que para sus fines está muy bien hecha.

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En conclusión, ¿es una buena serie?: Sí ¿Es mejor que su predecesora?: Depende mucho de la perspectiva de cada espectador ¿Es una serie que yo veo, disfruto y recomiendo?: No, pero no me es difícil encontrar todo aquello positivo que ofrece. A fin de cuentas, el mejor critico es uno mismo, por lo mismo los invito a verla si tienen esa inquietud y ustedes mismos decidan cual de las dos prefiere, o incluso si gustan quedarse con amas… o con ninguna.

A continuación un par de ejemplos del tipo de humor de la versión original y la versión animada, por si no han tenido la oportunidad de verlas.

http://www.youtube.com/watch?v=CUgVG3Sv3xo

V.S.

http://www.youtube.com/watch?v=8DyoqaEmbtM

Originally posted 2014-04-07 10:08:17. Republished by Blog Post Promoter

Review: Cómo Entrenar a Tu Dragón 2

Luego de una larga espera de casi 4 años, finalmente llegó la secuela de la que por muchos es considerada como la obra maestra de Dreamworks (en cuanto a sus producciones en 3D), Cómo Entrenar a Tu Dragón (How To Train Your Dragon, 2010). Efectivamente nos referimos a aquella cinta que rompió con los estándares de las películas de esta empresa, las cuales parecían dar más importancia al lado humorístico sacrificando elementos básicos para tener historias sólidas y con el adecuado nivel de drama. Por supuesto que habían excepciones como el caso de la entrañable Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008), junto a esa cinta, los dragones de Berk lograron quedarse en los corazones de los espectadores mediante una verdadera joya de la animación.

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 El hacer una secuela era prácticamente una obligación de los productores, y de ese modo este fin de semana las salas de cine nos ofrecen la continuación de esta historia (en el cine, recordemos que existen cortometrajes y una serie animada). ¿El resultado?, una digna sucesora. La película resulta brillante en lo que al aspecto visual se refiere. La animación, texturas, efectos y edición son sencillamente impecables. Cabe mencionar que en ocasiones pudiéramos olvidar que estamos ante una cinta hecha por computadora y no vemos un vídeo tomado en live action.

 La historia nos habla de nuevo sobre Hipo y su dragón Chimuelo, cuya amistad sigue tan fuerte como siempre al igual que su vida tranquila en su hogar. No obstante, esta paz pronto se ve alterada por la posibilidad de que Hipo pronto sea el nuevo jefe de la tribu de vikingos (responsabilidad que atemorizaría a cualquiera), así como la llegada de un nuevo y poderoso enemigo que pretende hacerse de un ejército de dragones para arrasar todo lo que esté a su paso. La trama no es lo más novedoso ni tiene giros de tuerca espectaculares, sin embargo esto ni se nota gracias al maravilloso manejo de los otros elementos que la componen. 

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 Hay situaciones en la cinta mucho más maduras y arriesgadas que en la primera, más emotivas e incluso pudiéramos compararla un poco con El Rey León (The Lion King, 1994). Hechos más crudos que nos dejan con una cinta familiar; más no algo infantil que a los adultos pudiera aburrir. Pero esto no significa que las dosis de humor y acción estén perdidas, por el contrario, la película es realmente emocionante. A mi parecer, el equilibrio entre todos esos elementos está balanceado casi a la perfección.

 No diré que es mejor que la primera parte, pero si diré que está a su nivel  y que nos deja muy en claro por qué estos vikingos y dragones siguen estando en el gusto del público. El diseño de los personajes es fascinante en cuanto a ese detalle de que todos han crecido, esos pequeños rasgos como barbas que comienzan a crecer en los jóvenes, rostros y cuerpos que ya no son de niños, sino de adolescentes y modestas canas y arrugas en los personajes de más edad le dan un toque más realista.

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 Para terminar, la música es tan grandiosa como la primer parte, también hecha por John Powell. En ella se fortalecen todas las situaciones que ocurren durante la trama. A fin de cuentas es lo que debe lograr un buen soundtrack. Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How To Train Your Dragon 2, 2014) es una de las mejores cintas de animación de este año que divertirá a chicos y grandes. Llena de emoción y mensaje, ideal para verse en cualquier momento y si es en familia, mucho mejor. Quién sabe, es probable que la próxima entrega de los Academy Awards finalmente le haga justicia al director Dean DeBlois y le dé el Oscar a mejor película animada que, a mi criterio, se merecía desde la primera película de esta saga. Aquí el trailer: 

http://www.youtube.com/watch?v=kxGkbv_HLZ0

 

Originally posted 2014-06-22 23:29:22. Republished by Blog Post Promoter

El Libro de la Selva vuelve a los cines

El nombre de Jon Favreau ha pasado de ser un modesto actor y director de cintas como El Duende (Elf, 2003) y Zathura: Una Aventura Espacial (Zathura: A Space Adventure, 2005) a volverse todo un ícono del cine de acción y de grandes producciones desde su incursión en el Marvel Cinematic Universe con la cinta Iron Man: El Hombre de Hierro (Iron Man, 2008). Hoy día, este realizador se ha enfocado en otro tipo de proyectos, y aprovechando la adquisición de la empresa Marvel por parte de Disney, y el éxito comercial de este director en dichas producciones, la empresa le ha encomendado un nuevo reto; llevar a la pantalla grande una nueva versión del que fuera el último clásico que el mismísimo Walt Disney supervisó: El Libro de la Selva.

 002982_1LLa película está basada en la obra de Rudyard Kipling y aunque no se ha dicho si también contará con la misma historia del clásico animado, podemos suponer que al tratarse de una producción de la misma compañía si tendrá cierta similitud, aunque con cambios que la hagan una cinta más acorde con la época actual. Cabe destacar que la cinta será hecha en formato Live Action, sin embargo entra también en la categoría de producto animado puesto que la mayoría de los personajes tendrán que ser hechos en CGI. El  único que hasta ahora se ha confirmado que literalmente veremos en pantalla es al debutante Nell Sethi en el papel del protagonista Mowgli.

 En los otros papeles, que consistirán en animales animados como mencioné antes, tendremos a Bill Murray interpretando la voz del oso Baloo, Ben Kingsley como la Pantera Bagheera y a Lupita Nyong´o como la madre loba. En el lado de los villanos tendremos a Scarlett Johansson como la víbora Kaa, a Christopher Walken como el Rey Louie y la intimidante voz de Idris Elba será la encargada de dar ferocidad al tigre Shere Khan. Cabe mencionar que otro proyecto relacionado con esta historia se está llevando a cabo bajo la dirección del experto en Motion Capture, Andy Serkis, sin embargo aún no se han dado a conocer muchos datos de esa cinta, por lo cual lo dejaremos para otra ocasión.

 El desafío será grande al tratarse de una de las cintas más queridas y emblemáticas del estudio del ratón, además de un debut complicado para el joven Nell quien tendrá que actuar prácticamente sólo frente a las cámaras en esta producción que combinará la animación con la actuación real. Por ahora no se han dado más detalles al respecto salvo por una ilustración de arte conceptual que nos adelanta un poco de lo que podremos ver en pantallas. La cinta está planeada para estrenarse en formato 2D y 3D a partir de Octubre de este año. Así es que, fanáticos de Favreau y de este tipo de cintas, estén atentos para volver a la jungla.

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Originally posted 2015-01-16 09:00:34. Republished by Blog Post Promoter

Stop Motion: Animación palpable

Si bien el proceso de animación provoca un efecto de movimiento en objetos fijos como dibujos o gráficos de computadora, no deja de tratarse de una ilusión óptica. No así sucede con el cuadro por cuadro o stop motion. Esta técnica de animación es casi tan antigua como el 2D, aunque mucho más compleja.
La animación stop motion es un verdadero deleite a la vista; sin embargo, debido a la enorme cantidad de trabajo y material que ésta requiere, pocos son los animadores que se ANIMAN a llevarla a cabo. Algunos consideran, con bastante razón, que esta técnica es la única animación “real”.

Al decir “real” quiero decir que en esta técnica lo que vemos en pantalla realmente existe afuera de ella. El 2D nos presenta dibujos que no van más allá del papel y el 3D elementos que siempre vivirán dentro de una computadora, pero el stop motion nos muestra objetos que comparten nuestro espacio, podemos verlos, tocarlos y manipularlos. En otras palabras, el stop motion se realiza con modelos -similares a las marionetas- que tienen una armadura articulada o esqueleto y cuyo exterior puede ser rígido, de plastilina u otro material moldeable.

Para elaborar esqueletos que faciliten la movilidad de los modelos y después recubrirlos detalladamente, en esta técnica intervienen otros procesos artísticos, como el modelado e incluso la escultura. Los esqueletos pueden ser de metal o de alambre según el presupuesto con el que se cuente. El esqueleto se recubre con látex, tela, plastilina o cualquier otro material. Realmente no hay una regla que obligue a que los modelos estén fabricados con un material específico. Incluso, algunos animadores utilizan materiales como carne, huesos y comestibles.

Aunado a esto, es necesario elaborar los escenarios, vestuarios y utilería. El proceso de preproducción resulta un trabajo extraordinariamente cansado y que requiere mucha más habilidad, concentración y amor por lo que se está haciendo. Después viene el proceso de animación, donde para conseguir movimiento hay que hacer minúsculos cambios a cada modelo: gesto por gesto, movimiento por movimiento, fotografía por fotografía. Son horas y horas de trabajo. Para darnos una idea, un animador promedio logra tan sólo unos segundos de animación en toda una semana de trabajo.

Al conocer el proceso que hay detrás de cintas en stop motion, no es extraño que el número de animadores que utilizan esta técnica sea reducido, ni que al utilizarla tarden en producir y finalizar su proyecto. Ciertamente, esperar vale la pena pues el resultado es majestuoso, provoca la ilusión de estar viendo una película que oscila entre lo real y lo fantástico. Si el 3D es la escultura animada, el stop motion es la animación palpable.

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El animado ganador de los Golden Globe Awards 2014

El pasado domingo 11 de enero se llevó a cabo la anual premiación de los Golden Globes, la cual reconoce lo mejor en cine y televisión y que es considerada por muchos como una especie de simulacro a los Academy Awards (Oscar). El evento estuvo lleno de luminarias y muchas producciones de la pantalla chica y grande fueron condecoradas y otras al menos fueron mencionadas. Como es costumbre, la categoría de película animada no estuvo exenta de este evento.

 Cinco nominadas se disputaron este codiciado premio, grandes titanes de la industria que nos brindaron una competencia en verdad reñida. Los candidatos fueron La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014), Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014), Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014), Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life, 2014).

 

 

 Como podrán notar, este año destacaron las producciones hechas en formato 3D, siendo únicamente Los Boxtrolls la cinta realizada en stop motion. Todas las cintas tenían fuertes posibilidades de ganar y elementos destacables, desde la increíble animación de Lego y boxtrolls, hasta el fabuloso diseño de producción del libro de la vida, las emocionantes secuencias de grandes héroes y los dragones. Pero al final sólo podía haber una ganadora.

 El globo de oro al final fue para Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, la cinta de Dreamworks Animation dirigida por Dean Deblois y que continúa la historia del joven vikingo Hipo Horrendo Abadejo III y su dragón Chimuelo. La cinta, al igual que su predecesora, está basada en la serie de libros infantiles de Cressida Cowell y ambas tuvieron muy buena aceptación en crítica y taquilla. Recordemos que la primera película fue una de las favoritas en su año de estreno y una de las nominadas más fuertes, terminando con una polémica derrota detrás de Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) de Disney y Pixar.

 ¿Conformes con este resultado? ¿Emocionados por la entrega de los Oscar cada vez más próxima? Su servidor sí lo está y por supuesto estaremos al pendiente de que cintas serán nominadas para el premio gordo de la academia, y eventualmente, sabremos quién es la gran ganadora de película animada del 2014.

Originally posted 2015-01-16 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Dreamworks en apuros

Con una nominación al Oscar y una victoria en los Globos de Oro, cualquier pensaría que la empresa Dreamworks Animation está en su mejor momento; no obstante, nada está más alejado de la realidad puesto que recientemente se dio a conocer una inquietante noticia. Resulta que el estudio pasa por una crisis económica tras el poco existo en taquilla de varias de sus más recientes producciones. Esta situación ha sido la causa del despido de aproximadamente 500 empleados de diversos departamentos, así como la inesperada decisión de que varios estrenos programados de dicho estudio sufrirán retrasos para poder ser vistos en la pantalla grande.

 Entre estas alteraciones de calendarios, que les impedirán llevar a cabo sus planes de estrenar tres películas por año, tenemos casos como el de Kung Fu Panda 3, que ahora tendrá que esperar hasta marzo del 2016 para darse a conocer; la cinta Trolls igual esperará hasta el 2016. El 2017 recibirá a las películas Baby Boss y The Croods 2; y por desgracia tendremos que esperar hasta el 2018 para las películas Larrikis y la tan anhelada How To Train your Dragon 3.

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 Ante estos cambios, el estudio se dispone a estrenar únicamente dos películas al año. La cantidad de producciones no resulta ser una gran tragedia, recordemos que es el número de cintas que el Marvel Cinematic Universe estrena anualmente y les ha funcionado muy bien. Aquí el conflicto para los fanáticos del estudio es precisamente la espera para ver estas películas, sin mencionar que estas fechas son exclusivamente para Estados Unidos, lo que abre la posibilidad de que a nuestro país tarden aún más en llegar.

 Los únicos proyectos que no se han visto demasiado afectados con la cinta Home, que aún mantiene su fecha de estreno para el 27 de marzo, y por otro lado la cinta B.O.O., que si tendrá que reagendarse pero aún no se ha dado a conocer que tanto le afectará. Esta situación es lamentable y preocupante, ya que hace menos de un año recordarán que el Studio Ghibli comenzó a pasar por una situación similar, ¿será acaso que la industria de la animación está por pasar tiempos difíciles? Esperemos que no.

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Especial Ghibli: Susurros del Corazón

Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.

 Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.

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 Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.

 En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.

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 La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.

 Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.

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 La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.

 Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.

 

Originally posted 2014-10-27 10:42:19. Republished by Blog Post Promoter

Primeros avances de “Song of the Sea”

 Los amantes de la animación extranjera, y en general de la buena animación, estarán contentos ante esta noticia. La empresa de animación irlandesa Cartoon Saloon, famosa por la película El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009), de la cual hablaremos próximamente, ha dado a conocer el poster y tráiler de su nueva producción. El título de la misma será Song of the Sea.

 La cinta contará la historia de Ben y su pequeña hermana Saorise, quienes deberán emprender un viaje fantástico por el mar en un mundo lleno de magia y leyendas con el fin de volver a su hogar. Como podemos ver en el tráiler, el diseño de personajes y la calidad de animación es realmente agradable a la vista y después de la cinta que la antecede podemos tener expectativas enormes ante este nuevo proyecto.

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 Según se ha mencionado, el talento de Kells se repetirá en esta producción, siendo el mismo director Tomm Moore, el mismo estudio (como ya dijimos) e incluso se ha confirmado la participación del actor Brendan Gleeson dando voz a un personaje de nuevo para este equipo. Si bien no se trata de un estudio muy famoso o no tenga un gran número de cintas en su haber, la calidad de sus productos nos hace olvidar el concepto de cantidad.

 Es interesante ver ese estilo “bonito” de dibujos que nos remontan a los libros de cuentos infantiles en historias que aunque van orientadas a los niños, tienen mucho más mensaje y una profundidad destacable que incluso los adultos podemos disfrutar (¿por qué no? ) y por supuesto, nos permite soñar.

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 Aún no se ha confirmado la fecha exacta del estreno, de hecho ni siquiera se ha dicho si llegará a nuestro país, pero cruzemos los dedos para que así sea. Aunque sea en formato casero. Song of the Sea (Song of the Sea, 2014), una nueva y muy prometedora película que sin duda bien valdrá la pena esperar (o buscar para ver).

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Originally posted 2014-06-25 23:21:43. Republished by Blog Post Promoter

Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Originally posted 2014-08-18 10:27:11. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: Nocturna

Cuando los aspirantes a estudiar carreras que tengan que ver con animación comienzan a buscar opciones para comenzar su travesía en este medio, y de paso se interesan en expandir sus horizontes y probar suerte en otros países, seguramente en algún momento se encontrarán con la propuesta de un país que conocemos bien: España. Hay quien dice que existen muy buenas escuelas y una gran industria de animación en la madre patria, y aunque personalmente no he tenido la oportunidad de constatarlo, me ha quedado claro que este país es capaz de producir grandes proyectos de enorme calidad como el que a continuación cito.

 nocturnaNocturna (Nocturna, 2007) es una producción española-francesa dirigida por Adriá García y Víctor Maldonado que nos cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que tiene un enorme miedo a la oscuridad. Todas las noches, antes de dormir, este niño se acomoda cerca de una ventana y contempla una distante estrella que él ha adoptado como suya; al mirarla, sus temores desaparecen al sentirse acompañado y protegido. Desafortunadamente y para su sorpresa, una noche la estrella simplemente desaparece, obligándolo a indagar al respecto. Su investigación lo llevará a conocer una verdad oculta, el grupo secreto de Nocturna encargado de hacer que las noches sean como deben serlo.

 Desde extraños seres que producen el rocío matutino, empleados que se ocupan de los sonidos nocturnos, otros que se ocupan de los sueños; cada aspecto de la noche es reflejado como una compleja producción industrial. El niño conoce entonces al Pastor de Gatos, un ser encargado de reunir a los gatos para que maúllen a la luna, y es así como su amistad nace y pronto termina siendo ayudado por él. El niño y el pastor buscarán en los confines de Nocturna para resolver el enigma de las estrellas desaparecidas (porque cada vez desaparecen más y más) envolviéndose en una fascinante pero peligrosa aventura.

 La animación 2D es elegante y encantadora, ejecutada con verdadera maestría y con una paleta de colores fríos y oscuros que en verdad nos sitúa en el ambiente apropiado para la historia. La música cumple con crear una atmósfera mágica y en general el trabajo de audio es sorprendente. Es curioso cómo las voces españolas (que a veces no son del total agrado del mexicano) están muy bien ejecutadas dándole a cada personaje su propia identidad e incluso les dan clase. Es maravilloso ver cómo se ha creado un mundo que combina la fantasía y la magia con una organización como cualquier otra, una verdadera muestra de ingenio adulto y espíritu infantil trabajando en armonía.

Credit: FILMAX / Album

Estamos acostumbrados a la animación americana y oriental, a veces llegamos a olvidar que hay joyas en otras partes del mundo y es un completo placer encontrarse con estas más que agradables sorpresas. Nocturna es una película dirigida a los niños, pero ejecutada con tal maestría y amor que llega al corazón de los más grandes.  No es difícil de encontrar a la venta o incluso por internet, así que si tienen la oportunidad de verla, háganlo y descubran porque el continente europeo se ha ganado su lugar en el mundo de la industria animada.

Originally posted 2015-01-22 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter

Review: Se Levanta el Viento

Ok, ok, ya nos hemos retrasado con el recuento de animación mexicana y aún falta para llegar a la animación japonesa. Pero la verdad es que las noticias no esperan a nadie y los acontecimientos siguen llegando. Hace poco se llevó a cabo la entrega de los Oscares y mencionábamos que la ganadora, Frozen, tuvo a una digna rival a vencer. Esta película es nada menos que la última obra del famoso director japonés, Hayao Miyazaki. El título, The Wind Rises, o en español, Se Levanta el Viento.

 Finalmente la espera terminó y la película ha sido mostrada en algunas salas de nuestro país. Gracias al festival internacional de cine de la UNAM, este servidor tuvo la oportunidad y el gozo de verla. En otra ocasión indagaré en el legado de Miyazaki y el Estudio Ghibli, pero para los conocedores de este artista saben que cuando se habla del buen Hayao, se habla de buen cine. La cinta es simplemente magnífica.

THE WIND RISES. © 2013 Nibariki - GNDHDDTK

 Ciertamente no es algo para todo público, puede haber algunos sectores que no gusten de este tipo de narración o del tema que toca la cinta. Se trata de la historia de Jiro Horikoshi, diseñador de aviones que vivió en la época de la gran depresión de Japón, por los tiempos del levantamiento Nazi e Alemania. Mucha polémica ha generado esta historia ya que el trabajo de Jiro fue usado para fines bélicos, uno de los hechos más representativos fue el bombardeo a Pearl Harbor.

 No obstante resulta fascinante como el tema de la guerra queda tratado al mínimo, sólo lo necesario. La película no es bélica, sino que es una historia de la determinación humana, el trabajo para lograr nuestros sueños y el valor de la amistad y el amor. Al tratarse de Ghibli ni siquiera vale la pena buscar errores en la animación o el arte de la cinta, todo siempre resulta impecable. Las metáforas, la estética y ese mundo de sueños que solo Miyazaki nos puede dar termina convirtiéndose en una película sin más, extraordinaria.

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 El primer tercio pudiera tornarse un poco pesado y lento para algunos, pero eventualmente la historia nos atrapa y nos cautiva. Personalmente, esta cinta me dejó una sensación de gran placer y melancolía por pensar que podría ser el último trabajo de este genio. No es fácil verla hoy día por cuestiones de distribución, pero si les es posible encontrarla, admírenla y prepárense para un viaje lleno de emociones e imaginación. Un agasajo a los sentidos, Se Levanta el Viento, una película que te hace volar. A continuación, el trailer de la película.

 

Originally posted 2014-03-20 00:51:00. Republished by Blog Post Promoter

Marnie: La Nueva Cinta de Ghibli

 Para algunos quizá el nombre de Studio Ghibli no diga demasiado, sin embargo para los amantes de la animación y el animé definitivamente es uno de los términos más emblemáticos, amados y legendarios del medio. Próximamente podremos disfrutar en cines comerciales la más reciente producción de este estudio, (y curiosamente) uno de los más esperados al ser la obra de despedida de uno de los dos genios detrás de esta maravillosa empresa: Hayao Miyazaki.

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 ¿Pero… ya que él y su compañero, Isao Takahata, junto a otros talentos característicos del estudio están prácticamente en el retiro, la calidad de sus producciones se verá afectada? Si bien es cierto que no todas las cintas han sido dirigidas por estos dos maestros, siendo ejemplos de ello películas como: Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea, 2006), El Regreso del Gato (The Cat Returns, 2002), Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1993), La Colina de las Amapolas (From Up the Poppy Hill, 2011), El Mundo Secreto de Arriety (The Borrower Arriety, 2010) y la queridísima Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995); la verdad es que tanto Miyazaki como Takahata han estado siempre al pendiente de lo que se realiza en sus dominios.

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 Luego de varios años de intenso trabajo, el estudio finalmente se despide de ambos (al menos eso parece) y algunos pudieran estar preocupados al respecto. No obstante, recientemente se ha revelado el tráiler del que será el primer largometraje hecho enteramente con la ausencia de los antes mencionados. El título del proyecto es When Marnie was There (con una traducción tentativa de “El Recuerdo de Marnie”), estará basado en la novela de la británica Joan G. Robinson y será dirigido por Hiromasa Yonebayashi.

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 La historia trata sobre Anna, una adolescente solitaria y con serios problemas para relacionarse que pasa una temporada con una familia cerca de la costa. Ahí conoce a Marnie, una extraña muchacha que se volverá su amiga y juntas irán develando varios misterios que las implican a ambas. Como podemos apreciar en el tráiler, el estilo de Ghibli se mantiene muy fiel y de hecho los conocedores de su filmografía podrán encontrar diversas similitudes con cintas anteriores, quizá algunos homenajes a sus fundadores. Sin embargo, el estilo también tiene cierta frescura y promete algunas sorpresas y cambios, se ha mencionado que la cinta será de un tono un poco más oscuro.

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 Por lo pronto podemos estar tranquilos y expectantes de lo que esta nueva producción nos ofrece, seguramente el estudio está en muy buenas manos y aún seguirá fascinándonos por muchos años más. Lo único malo de todo esto es que aunque la película se estrenará pronto en Japón, aún faltará tiempo para que llegue a México. Mientras tanto, (como mencioné) pronto podremos disfrutar de películas, como: Se Levanta el Viento (The Wind Rises, 2013) y muy posiblemente La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013). Así que otakus, animadores y amantes del buen cine, la espera ha comenzado.

Originally posted 2014-07-10 01:06:57. Republished by Blog Post Promoter

Mickey vs el Vicio

Censura, una palabra que todos los que se dedican al espectáculo temen. No es novedad que la empresa Disney se ha valido de ese concepto para adaptar varias producciones a una clasificación para toda la familia. La empresa del ratón nos ha mostrado toda clase de elementos fuertes en sus películas, desde niños convertirse en burros sin esperanza, hasta la muerte del padre de un tierno leoncito. También cintas live action han evitado mostrar escenas intensas de sexo o violencia, todas siendo apadrinadas por esta compañía.

 Pues bien, Disney ha anunciado una nueva censura a las empresas con las cuales labora: Pixar, Marvel y Lucasfilm. En esta ocasión lo que se prohibirá mostrar no es sangre o muestras de amor extremo, sino todo lo relacionado con el tabaco. Esta prohibición de personajes fumando se ha impuesto en las cintas Disney desde hace tiempo, pero ahora también afectará a las compañías antes mencionadas debido a la expansión de la póliza de The Disney Company, en este caso a todo lo que lleve de alguna manera su nombre.

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 El motivo es muy obvio, pero aún así cabe mencionar que la razón de esta nueva regla es evitar darles a los jóvenes ejemplos de adicciones o del consumo de tabaco por parte de los personajes que admiran. Si bien es cierto que el cigarro es un hábito sumamente dañino y que nadie podría criticar estas medidas, hay quienes se oponen a esta prohibición por temor a que afecten la calidad o madurez de ciertas películas por detalles aparentemente simples.

 Pero no es un designio total, ya que se ha anunciado que dicha medida no aplicará si en la empresa se llevan a cabo producciones acerca de personajes históricos a los cuales se les sabía, eran fumadores. Es decir, en la ficción será impensable fumar, pero en cuestiones reales e históricas podría permitirse a fin de ser más fieles a los hechos que se pretendan mostrar.

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La pregunta que se hacen todos los fans: ¿Afectará esto en gran medida próximas adaptaciones de historias como Star Wars, Indiana Jones o los Vengadores? Quizá no necesariamente, tendremos que confiar en la habilidad de los realizadores para mostrar algo bueno con las manos atadas en varios aspectos.

 

Originally posted 2015-04-07 20:28:22. Republished by Blog Post Promoter

Se revela nuevo proyecto de Ánima Estudios en 3D

 Ánima Estudios es quizá el estudio de animación mexicano más famoso hasta la fecha, con diversos proyectos para cine y televisión en su haber y convenios con importantes empresas de entretenimiento y publicidad la han mantenido como una de las compañías más importantes en la industria, no sólo de animación, sino quizás del cine en general. Próximamente podremos disfrutar de la tercera entrega de las aventuras de Leo San Juan (creación de Ricardo Arnaiz) en la cinta “La Leyenda de las Momias”, pero los planes del estudio para el futuro ya están más que preparados.

 Recientemente José Carlos García de Letona, Vicepresidente del estudio, dio a conocer que el próximo proyecto de la empresa llevará por título “Campeones de Oz” y que será un ambicioso proyecto hecho nada menos que en formato 3D. Cabe mencionar que aunque Ánima ha usado esta técnica para algunos elementos de sus cintas, como los fondos, esta será la primera película hecha totalmente con este medio. Dijo sentirse orgulloso de los resultados hasta ahora y del gran esfuerzo que sus colaboradores han puesto para desarrollar esta película, cuyo reto técnico y artístico fue verdaderamente grande.

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 No dio detalles de la trama de la película, sin embargo, comentó que la idea original y el diseño de los personajes estuvieron a cargo de otro grande de la animación: Jorge R. Gutiérrez. Para los que aún no identifiquen a este artista, se trata del director de la exitosa serie “El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera” y de la película próxima a estrenarse “El Libro de la Vida” que constará de un romance basado en el día de muertos y que está respaldado por la producción de Guillermo del Toro.

 El proyecto lleva aproximadamente 38 meses de producción y finalmente está entrando a la etapa de post producción. Será dirigida por Alberto Mar, responsable del gran logro de Ánima Estudios, la película de Don Gato y se comenta que la película tuvo cierta participación extranjera aunque el equipo de trabajo fue en su mayoría mexicano. Seguiremos al pendiente sobre este tema y esperaremos que la mente de Jorge Gutiérrez y el trabajo de Ánima nos traigan una película digna de recordar y enorgullecer más a la industria mexicana.

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Originally posted 2014-08-25 11:39:44. Republished by Blog Post Promoter

¿Studio Ghibli Cerca del Fin?

Un alarmante rumor se está difundiendo por la red, y aunque aún es algo que ninguno de los involucrados y/o algún otro portal han siquiera mencionado, la sola idea hace temblar a los amantes de la animación y el animé. Con la última película del maestro Hayao Miyazaki en salas de cines comerciales, y con la expectativa de dos nueva producciones circulando por el mundo, el legendario Studio Ghibli podría cerrar sus puertas y detener la creación de largometrajes animados.

 Según el sitio de Internet Koi-Nya.net, el estudio ha decidido abandonar la labor realizada por tantos años. Si bien el futuro de la compañía ya era incierto con el retiro de Miyazaki e Isao Takahata, se ha hablado mucho de que aún hay vida después de estos dos genios. Hay que recordar que hace poco se dio el anuncio de una serie animada que ya estaba en proceso de producción y que sería dirigida por Goro Miyazaki, de la cual no se ha hablado nada al respecto.

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 Personalmente, veo poco probable que eso ocurra, sin embargo tampoco parece ser una noticia tan inverosímil. El reto de mantener la calidad de las películas sin el equipo que creó y levantó el estudio es grande, sin embargo no es imposible.

 Ahora, es más factible la razón que este portal explica, y que considera que los altos costos de producción y las bajas ganancias del estudio recientemente los ha llevado a retirarse. Se menciona que la penúltima película ya presentada La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2013) no recaudó el dinero esperado, volviéndose un fracaso y condenando el futuro de la empresa.

 Es desconcertante escuchar este tipo de noticias, sobre todo porque sabemos que Ghibli es un estudio que se ha caracterizado por la calidad que maneja, aunque no siempre sea comercial. Pensaríamos que luego de tantos años de proyectos con altas y bajas, los propietarios ya estarían listos para crisis de esta índole. Por lo pronto nos sentimos aliviados de que parece ser un mero rumor y esperamos que resulte serlo.

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 Mientras se da una confirmación o negación de esta noticia, seguimos en espera de las aventuras de Kaguya y de la más reciente cinta, El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014), la cual reveló hace unos días su más actualizado tráiler, que les compartimos a continuación. La cinta acaba de estrenarse en cines japoneses, así que roguemos por que el éxito que tenga sea lo suficientemente aceptable para salvar el futuro de este extraordinario estudio que nos da más que películas de animé, nos da arte en todos los sentidos.

Originally posted 2014-07-24 01:07:20. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: El Increible Castillo Vagabundo

Sin duda alguna, la obra más famosa y conocida (aunque no la más premiada) del maestro Hayao Miyazaki es una cuya elaboración tomó muchos años, pasó por las manos de varios directores algunos incluso que no eran de la familia Ghibli—, y que muestra la belleza de la música, el arte y las clases sociales en una mezcla de la modernidad con la edad media. Una obra entrañable que no por nada está entre las favoritas del estudio. Un proyecto muy agotador que incluso indirectamente causó conflictos entre Miyazaki y su hijo Goro (asunto que explicaré en otra nota).

 El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) está basada en la novela de la escritora inglesa Diana Wynne Jones y nos cuenta la historia de Sophie, una joven bella y dulce, pero con una autoestima y una seguridad deplorables. Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su madre y tiene una vida aparentemente simple hasta el día en que conoce a un extraño joven mago en la calle. La aparición de este mago traerá consigo muchos cambios a la vida de Sophie, siendo el mayor de ellos un hechizo arrojado por la bruja Calamidad que convierte a la muchacha en una mujer anciana.

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 El mago en cuestión resulta ser Howl, dueño del castillo vagabundo que le sirve de refugio (portátil) para no ser descubierto por la bruja  Calamidad ni otros adversarios que están detrás de él. Sophie termina viviendo con Howl y sus ayudantes Mark y el demonio Kaisifer, y juntos emprenden una gran aventura con el fin de ayudar a Howl a conseguir eso que tanto le falta: un corazón, y de paso, romper la maldición que pesa sobre Sophie.

 Como podrán ver, es una de las tramas más complejas de la filmografía de este estudio y aunado con la brillante y hermosa música de Joe Hisaishi, más el talento de los animadores Ghibli, los artistas de fondos y la dirección de Hayao, la película es una verdadera joya del anime, la animación y el cine. Tuvo un éxito muy grande siendo una de las películas más fructíferas del estudio, pero no sólo por la genialidad con la cual está elaborada, sino por su contenido.

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 La construcción de personajes es magistral, resaltando a la adorable Sophie y su transformación a lo largo de la cinta de ser una muchacha tímida a una valiente mujer capaz de arriesgarse a todo con tal de proteger a los que ama. En ocasiones incluso nos recuerda al cuento clásico “La Bella y la Bestia”, donde la hermosa joven ve la belleza en un ser que todo mundo considera un monstruo, y es que literalmente, Howl en ocasiones es un monstruo.

 Nos muestra la importancia de cosas como el valor, el amor, la amistad e incluso la piedad. La importancia de apoyar a otros, pero de una forma moderada que no incluya el abandono propio, además de la valía de la gente por su interior dejando de lado la belleza exterior, misma que a veces nos lleva al camino del egoísmo y la vanidad. Es una película brillante que nos ofrece una tierna historia de amor y magia en medio del horror de la guerra por cuestiones banales de ciertos gobiernos.

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 La cinta ganó diversos reconocimientos alrededor del mundo, incluyendo la segunda nominación al Academy Award por la categoría de película animada, y aunque no logró llevarse la estatuilla, es indiscutiblemente una de las cintas más sobresalientes de aquella premiación. Un regalo a los sentidos, un viaje fantástico del cual nadie debe perderse. Los invito a ver la película y dejarse llevar por ese maravilloso y misterioso castillo, ¿A dónde? A donde su imaginación se los permita.

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Animación Mexicana Parte 2: Oliver Twist

La semana pasada dimos inicio a la sección de la industria mexicana en animación e indagamos un poco en la primera producción hecha en nuestro país. A partir de aquí ya no seguiremos cronológicamente, sino por secciones que incluyan a las empresas, estilos y directores mexicanos. La producción de la que hablamos antes, Los Tres Reyes Magos, fue obra del señor Fernando Ruiz. La siguiente película de la que hablaremos se trata de la segunda de las dos películas que este hombre dirigió.

Pero antes les cuestiono: ¿La tienda Sears tiene algo que ver con la industria de la animación?… la respuesta es un SÍ. Hace ya varios años, esta tienda tuvo como promoción navideña obsequiar un VHS al realizar cierto número de compras. Dicho video contenía la película “El Pequeño Ladronzuelo”, también de Fernando Ruiz.

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Es un poco confuso encontrar esta película, ya que es conocida también como “Las Aventuras de Oliver Twist” y fuera de aquella promoción la película no se ha distribuido. Puede no ser una cinta muy popular, sin embargo es una película que vale la pena ver. Con un estilo muy similar a su predecesora en cuanto a animación y diseño de personas, aunque tomando una estética más europea al tratarse de una historia que se desarrolla en Londres.

En esta ocasión tenemos una película musical con bellas canciones hechas por Plácido Domingo Jr. La historia es la que todos conocemos, el clásico de Dickens es muy bien transportado al dibujo animado con algunos ligeros cambios para hacerlo más apto al público infantil. Tiene de todo, drama, comedia, escenas emotivas e incluso algunas partes de terror ligero que en verdad proyectan el sufrimiento de Oliver ante las desventuras que se le ponen al frente.

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El único detalle que quizá podría mencionar, y que creo que pudo manejarse de otra manera, es el diseño del protagonista. Según esta versión, Oliver es un niño muy frágil y noble, de rasgos muy finos y delicados. Un personaje muy vulnerable pero muy dulce a la vez, lo que lo hace víctima perfecta de las malvadas autoridades del orfanato y por supuesto el siniestro Bill Sikes.

Este manejo del personaje resulta interesante y aceptable, no obstante, entre ese diseño “muy bonito” y el que la voz de Oliver sea interpretado por la actriz de voz, Rocío Garcel (Bulma en Dragon Ball), hacen que sea fácil confundir a Oliver con una niña. Garcel hace un gran trabajo y su voz le queda al personaje, la mayor parte del tiempo sí parece que habla un niño, pero en ocasiones no puede evitar sonar muy femenina.

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Fuera de este detalle, “El Pequeño Ladronzuelo”  es una obra muy buena, agradable a la vista y al oído y un deleite para quien guste de las producciones animadas, las historias clásicas de Dickens… y por supuesto, orgullosamente mexicana.

 

Originally posted 2014-02-04 15:58:53. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: Persepolis

 Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

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 Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros.  No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

 Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

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 No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

 Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

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Lo mejor del 2013: Top 5 en animaciones

El 2013 fue uno de los años más animados, y al decir esto me refiero a la gran cantidad de opciones de cine de animación que pudimos apreciar. A continuación, las producciones más taquilleras y de mejor calidad.

5) Mención Especial: “The Dark Knight Returns” y “Ani Fest”

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Vale la pena mencionar: estos dos estrenos especiales fueron posibles gracias a una de las dos principales cadenas cinematográficas en el país. Su periodo en cartelera fue breve, pero fue algo muy bien recibido por los fans. En el caso del “Ani Fest” (Festival de animación japonesa) pudimos disfrutar en pantalla grande éxitos como “El Mundo Secreto de Arriety”, “Wolf Children” y “Macross”. En cuanto a Batman, fue un deleite ver la gran obra de Frank Miller fuera del DVD.

4) “El Viento se Alza” y “La Leyenda de la Princesa Kaguya”

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Dos cintas que aún no llegan a nuestro país, pero que deben ser mencionadas ya que, para los apasionados en el tema, son obras importantes. Del legendario estudio Ghibli (que eventualmente tendrá su merecido análisis) finalmente vieron la luz El Viento se Alza y La Leyenda de la Princesa Kaguya, de Hayao Miyazaki e Isao Takahata respectivamente. La expectativa por estas dos obras así como el historial de ambos directores, llaman la atención aún incluso antes de su estreno. En lo que al mundo de la animación se refiere, es uno de los hechos más relevantes.

3) “Los Croods” y “Frozen”

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Disney y Dreamworks estuvieron presentes este año y trajeron dos cintas divertidas con el estilo característico de cada casa productora. Ambas con personajes memorables, una animación muy buena e historias entrañables. “Los Croods” y “Frozen” son excelentes opciones para pasar el rato en familia.

2)  “Metegol” y “El Reino Secreto”

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Dos películas poco afortunadas en taquilla, pero de gran potencial. La primera muestra un mundo de diminutos seres en el bosque mientras que la otra muestra pequeños personajes dentro de un juego de futbolito. La animación de ambas películas está perfectamente lograda, en el caso de “Metegol” se trata de una revelación del cine argentino.

 

1)  “Monsters University” y “Mi Villano Favorito 2”

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Ambos ocupan el primer puesto debido al éxito obtenido así como a las expectativas y comentarios despertados. Curiosamente, las dos películas cuentan con una primera producción y con el doblaje de Andrés Bustamante. Sobra decir que incluso los que no son afines al género de animación supieron de estas cintas… y terminaron viéndolas, admítanlo.

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Especiales Navideños Animados: Parte 2

Continuando con nuestra sección de especiales navideños de programas animados, nos vamos ahora a dos caricaturas cuyos personajes tenían algo en común: eran ratones. Todos identificamos nombres como Hannah Barbera y Steven Spielberg. Los primeros grandes creadores de conceptos para niños como El Oso Yogi, Scooby Doo, Los Supersonicos y los Picapiedra. El segundo un hombre legendario en la industria del cine que usó parte de sus recursos para la producción de algunas series animadas llenas de encanto infantil, aunque también de adulta irreverencia.

 El primer especial del que hablaremos es precisamente el que estuvo de la mano de Spielberg y una de sus series: Pinky y Cerebro (Pinky and the Brain, 1995). La serie nos contaba las desventuras de dos ratones de laboratorio genéticamente alterados que intentan apoderarse del mundo mediante una serie de elaborados planes que siempre terminaban en derrota. Uno de estos planes se dio lugar en el especial “Una Navidad con Pinky y Cerebro”, en el cual Cerebro (el líder) diseñaba a Cabezota, un muñeco hipnótico que podía poner a quien lo viera a los ojos en trance y obligarlo a esclavizarse ante su poder.

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 Aprovechando la época festiva y sabiendo que no hay taller de juguetes más completo, rápido y grande que el de Santa Claus, Cerebro y su amigo Pinky se embarcaban al Polo Norte con el fin de que el muñeco Cabezota fuera agregado a la lista de regalos de todo el mundo. De ese modo, en la mañana de navidad, todos abrirían sus obsequios y quedarían a su merced. Se trata de un plan de apariencia diabólica pero los conocedores de la caricatura sabrán que la serie estaba llena de humor absurdo pero inteligente al mismo tiempo, y este especial no es la excepción.

 La navidad de Pinky y Cerebro no sólo nos brinda un rato de carcajadas, sino además uno de los momentos más entrañables de la serie. Una lección de que hay días en los que vale la pena dejar de odiar y de querer ser más poderoso que el prójimo, hay momentos en los que el amor y la amistad pueden más que cualquier otra cosa y un detalle tan simple como una pequeña carta puede ser la diferencia cuando se escribe de corazón y pensando en algo más que el beneficio propio. Definitivamente es un especial navideño que nadie puede perderse y que vale la pena rescatar en estas fechas.

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 El segundo especial es el de una caricatura famosa de la empresa Hannah Barbera: Tom y Jerry (Tom & Jerry, 1995). Sí, me refiero a esa serie que ha sido parodiada infinidad de veces y que consistía en los esfuerzos del gato Tom por atrapar al ratón Jerry en una serie de secuencias divertidas aunque a veces extremistas. Una serie con un humor negro en ciertos puntos pero disfrutable para todo público, con personajes cuya relación rayaba entre el odio y la amistad.

 Hay varios especiales de esta serie, pero hablaré del que en mi opinión es el más memorable de todos; una película que fue lanzada directo a DVD con el referente de uno de los cuentos más clásicos de navidad. La cinta en cuestión es Tom y Jerry en El Cascanueces (Tom & Jerry: A Nutcracker Tale, 2007). ¿Por qué este especial es tan… pues especial? Ahora mismo se los explico.

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 La historia trata sobre Jerry, quien disfruta junto a su amigo Tuffy de su evento anual preferido: El Ballet del Cascanueces. El pequeño ratón resulta ser un gran admirador de dicho espectáculo al grado de sentirse triste una vez que este termina. Jerry sueña con algún día poder ser parte del cuento y este deseo se vuelve realidad esa noche de navidad cuando, por arte de magia, él y Tuffy entran en el mundo del Cascanueces. Para empezar resulta fascinante como este mundo encantado es una mezcla entre un sueño y una obra de teatro, donde los espacios pueden variar desde un hermoso palacio, bosques nevados o simplemente un telón o camerino.

 En este nuevo reino de sueños y magia, Jerry es nombrado el soberano y pronto  se hace amigo de todos los juguetes encantados que ahí habitan. Para su desgracia, un grupo de gatos callejeros y su rey se dan cuenta de esto y en un ataque sorpresa toman posesión del reino. Mandan a Jerry y a sus amigos al destierro, y no conforme con eso, el rey gato manda a su capitán Tom a eliminar a Jerry para evitar que pueda volver y reclamar su trono.

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 La ambientación de la película es sin duda magistral y aunado con la banda sonora original compuesta por Chaikovski, convierte a esta película en un verdadero clásico de navidad. Con el humor característico de esta serie y una aventura que cualquier niño desearía vivir, la película es un éxtasis visual que gustará a muchos. No obstante, he de admitir que es un proyecto dirigido más a los niños que a los adultos, pero no por eso es algo que los mayores no podrán disfrutar. Como punto adicional, si ustedes gustan de este famoso Ballet, la experiencia mágica será aún mayor.

 Dos nuevas opciones ampliamente recomendables, tan distintas como similares entre sí. Si tienen la posibilidad de verlas en estas fechas, háganlo; no se arrepentirán.

Originally posted 2014-12-15 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

Review: Justin, el Caballero Valiente

Aunque usualmente no soy alguien que se deje llevar por apariencias y pensamientos, si soy alguien que gusta conocer las cosas antes de opinar al respecto, he de admitir que esta ha sido una de las pocas veces en que mis expectativas me hicieron dudar sobre si ver o no está película. Afortunadamente a final de cuentas decidí darle una oportunidad a Justin: El Caballero Valiente (Justin and the Knights of Valour, 2013), y debo decir que la película resultó no sólo ser entretenida, sino una gran película a mi parecer.

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 La cinta dirigida por Manuel Sicilia y producida por Antonia Banderas, nos relata la historia de Justin, un joven soñador y de noble espíritu que sueña con ser un caballero; sin embargo sus anhelos se ven limitados por la presión de su padre, quien es el abogado más importante del reino y cuyo afán por que su hijo siga sus pasos le causa un gran pesar al muchacho. Justin parece resignado a llevar una vida de leyes y renunciar a su sueño hasta que escucha hablar sobre la mítica espada perdida de su abuelo, un legendario caballero, y decide ir en la búsqueda de esa reliquia (además de ganar el corazón de su princesa en el proceso), lo que lleva a Justin a buscar a la antigua orden de la caballería para ser entrenado. En su camino deberá pasar por múltiples retos en compañía de sus nuevos amigos, una valerosa camarera y un bipolar hechicero, a la vez que enfrenta a un malvado caballero desterrado que desea apoderarse del trono.

 La premisa puede no ser algo demasiado novedosa, es quizá la misma historia medieval que hemos escuchado incontables veces con algunos detalles adicionales; sin embargo la trama está muy bien llevada. Los momentos de humor en ocasiones son demasiado infantiles pero es mínima está situación y es compensaba por otros detalles graciosos que serán agradables al público de todas las edades. Además, la película tiene una adecuada cantidad de drama como para volverse una película sólida, emotiva y cautivadora. Uno de mis temores principales era encontrarme con una de esas películas que parecen ser meras parodias del género, pero encontré una historia de caballeros que me hizo disfrutar como hace tiempo no lo hacía.

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 La animación cumple al darnos movimientos fluidos, un 3D muy bien logrado e incluso una encantadora secuencia en 2D maravillosamente lograda; sin embargo tampoco hablamos de una labor que compita con las grandes producciones de Dreamworks o Pixar, ofreciéndonos más una estética y un estilo muy similar a películas como Donkey Xote (Doneky Xote, 2007). No es algo impactante, pero cumplidor. Mención aparte para el diseño de escenarios y personajes, los cuales son muy agradables a la vista y rápidamente nos permiten sentir simpatía por los héroes. En cuanto a la psicología de los mismos, quizá no sean los personajes más complejos jamás vistos (los buenos son muy buenos y los malos muy malos), pero es una sorpresa agradable ver a un personaje como Justin, que es pequeño, delgado, con un espíritu tan valeroso y con tanta determinación.

 Entre el reparto original tenemos a las voces de Freddie Highmore, Rupert Everett, Alfred Molina, Julie Walters, Mark Strong y el propio Antonio Banderas. Si, efectivamente estamos ante una película dirigida sobre todo al público infantil, pero creo con firmeza que no es algo que los adultos sufrirán. Perfecta para pasar el rato en familia y aunque seguramente pasará desapercibida (y más luego de esta semana cuando los dragones de Dreamworks hagan su aparición) es una cinta que vale mucho la pena ver.

http://www.youtube.com/watch?v=njrUgdXpt64

 

Originally posted 2014-06-19 00:30:53. Republished by Blog Post Promoter

Guardianes de Oz: el proyecto de Ánima y Gutiérrez

Hace algún tiempo tuvimos la oportunidad de hablar de El Libro de la Vida (Book of Life, 2014), película producida por Guillermo del Toro y dirigida por Jorge R. Gutiérrez, así mismo, se había hablado del rumor de que este director mexicano tenía un proyecto con Ánima Estudios del cual se darían a conocer más datos próximamente. El día ha llegado, y es que el proyecto en cuestión no sólo ya salió a la luz, sino que está casi terminado y tiene ya su fecha de estreno programada para proyectarse en salas mexicanas.

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 El nombre de la cinta es Guardianes de Oz (Wicked Flying Monkeys, 2014) y como he mencionado, parte de una idea original de Gutiérrez, además de diseño de personajes de este mismo artista. La trama seguirá las aventuras de Ozzy, un mono volador que no se siente feliz con servir a la malvada bruja que todos conocemos del cuento clásico El Mago de Oz. Esta infelicidad lo llevará a rebelarse ante su poder y emprender una gran aventura en busca de los legendarios guardianes para derrotar a la hechicera.

 Cabe mencionar que este es el primer largometraje hecho enteramente en animación 3D por parte del estudio, que si bien ya había tenido experiencia en este tipo de animación con Gaturro (Gaturro, 2010), esta cinta es la primera de este estilo que ellos hacen solos. Según palabras del propio vicepresidente del estudio, José García de Letona, la animación 3D es el medio ideal para contar esta historia tan ambiciosa y se dijo muy satisfecho con los resultados.

 La cinta será distribuida por Videocine, es dirigida por Alberto Mar (conocido por llevar a cabo la película de Don Gato) y contará con las voces de personalidades como Susana Zavaleta, Raúl Araiza y Jorge “El Burro” Van Rankin. El estreno en todo el país está programado para el próximo 10 de abril. Dos talentos mexicanos se vuelven a unir: el estudio más prolífico actualmente de animación mexicana y el nominado al Golden GlobeJorge Gutiérrez (aunque esta vez no se sabe que del Toro haya intervenido en este proyecto) son un motivo muy poderoso para ir a ver esta cinta que ha generado enormes expectativas.

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Originally posted 2015-01-26 11:39:10. Republished by Blog Post Promoter

Mascotas y Sabandijas: la primer película mexicana de stop motion

44242_1La industria de la animación en México está avanzando a pasos agigantados. Tan sólo este año 2015 tenemos diversos proyectos hechos por talento mexicano que pronto podremos disfrutar en cine. Desde producciones en 2D, 3D e incluso Motion Capture, nuestro país ya ha experimentado prácticamente con todos los tipos de animación; tan sólo faltaba un estilo en el cual no se había tomado el reto de elaborar un largometraje (porque cortometrajes si hay muchos), el Stop Motion. Finalmente podemos decir que esta parte del mundo se ha atrevido a todo (mientras no se invente alguna otra técnica).

 La prometedora empresa poblana Cerberus Studio se encuentra en este momento trabajando en un proyecto que se ha dado a conocer como la primera película stop motion en México. El nombre del proyecto es Mascotas y Sabandijas y será dirigida por Oscar Aragón. La cinta se encuentra finalizando el proceso de pre-producción y pronto iniciará la parte más difícil, la producción. Recientemente se ha lanzado una convocatoria para los animadores especializados en esta técnica, lo que significa que están listos para empezar a desarrollarla.

 Aragón se ha dicho muy emocionada ante la perspectiva que la industria de animación en México está ofreciendo, además de que señaló que este proyecto que ahora tiene entre manos es un reto muy grande, un proceso de animación muy complejo, pero que tiene plena confianza en el talento mexicano. Dijo que en este país de ha hecho muy buen stop motion y que ya era tiempo de que se intentara un proyecto de este tipo con un guión que tardó tres años en desarrollarse. Es un proyecto que ya lleva algún tiempo en desarrollo, pero resulta emocionante pensar que sigue en marcha y que en un futuro no muy lejano ya tendremos la primera película stop motion, el cual debemos tener la confianza de que sea tan bueno como el trabajo hecho en los estudios Aardman y Laika o en las producciones de directores como Henry Selick y Tim Burton.

 La cinta tratará temas importantes como el bullying y dará el mensaje de que sin importar como sea uno (una sabandija, por ejemplo), siempre podemos ser especiales y destacar. La grandeza se puede encontrar siempre que tengamos la determinación y el coraje de buscarnos a nosotros mismos. Así mismo, la película contará con las voces de Vanessa Bauche y Miguel Pizarro entre otros.

 El proyecto  está contemplado para estrenarse a finales del 2017 debido a la gran calidad y cuidado que pretenden darle. Quizá ahora suene como algo muy distante, pero un proyecto que se toma su tiempo tiene ese plus de que será algo muy bien hecho. ¿Emocionados ante este nuevo horizonte en la industria del cine animado en México?

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Animación Mexicana 23: Héroes Verdaderos

Como mencioné anteriormente, el festejo del bicentenario de la independencia de México (Y centenario de la revolución), las salas de cine se vieron ocupadas por diversas producciones de nuestro país, dos de ellas pertenecientes al  género de animación. Ya hablamos de la primera de ellas, Brijes (Brijes, 2010) y ahora toca turno a la segunda cinta, una mucho más acorde al festejo en cuestión y que de igual forma buscó la innovación mediante fórmulas ya utilizadas en otro país.

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 La película en cuestión llevó por nombre Héroes Verdaderos (Héroes Verdaderos, 2010) y consistió en un interesante y ambicioso proyecto de reflejar la historia de nuestra independencia al más puro estilo de la época de oro de Walt Disney. Esto quiere decir que un hecho histórico fue retratado de forma animada, con un pequeño toque de comedia, una historia alterna al acontecimiento real y, por supuesto, con un musical.

 La trama de la película es en sí la que todos conocemos, sin embargo no es vista desde la perspectiva de los héroes como Hidalgo, Morelos, Doña Josefa y otros (aunque si aparecen en la cinta), sino de tres jóvenes que se vieron envueltos en el conflicto. El primero de ellos es Mixcóatl, un muchacho indígena que es acusado injustamente por su medio hermano de la muerte de su abuelo, lo que lo obliga a huir de su hogar. El segundo es Carlos Navarro, el mejor amigo de Mixcóatl, un emprendedor y soñador criollo frustrado por la falta de equidad entre el trato de los peninsulares y los que son como él. Y como en toda historia debe haber una chica, tenemos a Tonatzin, prima de Mixcóatl y amor platónico de Carlos, en la cual encontramos a una mujer fuerte y valiente que a pesar de conocer su lugar en la sociedad, no duda en arriesgarlo todo por sus seres queridos.

 Y es así como los tres compañeros emprenden una gran aventura que los llevará a enlistarse en el movimiento armado liderado por el cura Don Miguel Hidalgo. La premisa es muy atractiva en especial considerando la época en la que la película fue estrenada, además de que a los padres siempre les encantará tener un medio más para educar a sus hijos sobre hechos tan importantes para el país como ese. La animación es enteramente 2D haciendo uso moderado del 3D para los escenarios, y ambas partes están muy bien logradas aunque, como todo, esta cinta no se escapó de ciertos errores, los cuales pasaron desapercibidos por la producción hasta su formato en DVD (Por ejemplo, un anciano caminando que de pronto desaparece de escena por unos instantes, claro error de algún fotograma que no fue considerado en la duración de la cinta.

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 Entre las voces tenemos a talentos como Kalimba, Víctor Trujillo y Jacqueline Andere, además de otros grandes del mundo del doblaje. Actoralmente la cinta cumple enteramente, en ese sentido creo que no hay queja alguna. En lo visual también se hizo un trabajo muy bueno, la dirección de arte es lo suficientemente buena para mantener al espectador en el ambiente correcto, ya sea de tranquilidad, tristeza, tensión, etc.

 Por desgracia la película también tuvo comentarios muy diversos, algunos de ellos quizá con justa razón. El motivo principal es justamente el que a muchos fascinó (y me incluyo), el parecido extraordinario con cintas como Pocahontas (Pocahontas, 1995) y Aladdin (Aladdin, 1992). Mencioné anteriormente que la película es un musical y como tal, los personajes cantan. No es un defecto en sí, de hecho hay momentos que se enaltecen gracias a ese medio… pero admitámoslo, no a toda la gente le gusta ese género y a varios les podría parecer ridículo ver a Hidalgo cantando el grito de dolores y a Morelos cantando en plena batalla.

 Pero recordemos que esto no es un pecado y si una cuestión de gustos, ya anteriormente cintas como El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt, 1998) han logrado llevar con éxito un hecho histórico a la pantalla mediante los musicales. La única parte en la que si coincido de que pudo no ser tan… excesivamente patriota, es el final. Así es, el cierre de la cinta consiste en una especie de homenaje a los héroes y a la esencia de México como una nación grande, fuerte e independiente que lamentablemente termina pareciendo un comercial televisivo o una escena sacada de La Rosa de Guadalupe (La Rosa de Guadalupe, 2008).

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 Por lo demás, a mi parecer la película, dirigida por Carlos Kuri, es una extraordinaria adaptación. Si, se toma algunas libertades pero son mínimas y no afecta el desarrollo de la historia que todos conocemos. Las canciones son buenas, el guion también en su mayoría, la animación tiene un muy aceptable nivel de calidad y como tal la película es algo que vale mucho la pena ver, e incluso tener en la colección. Como último detalle no puedo dejar de mencionar esa pequeña leyenda al principio que dice “Episodio Independencia”, ¿será acaso que los Héroes Verdaderos regresarán en otros hechos importantes como la Revolución Mexicana?, este servidor lo único que puede decir es: “Ojalá que si”.

http://www.youtube.com/watch?v=0mfDeMUMrFY

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¡Oye Arnold!… ¡Estás de Vuelta!

Si tienen la suerte de ser tan viejos como su servidor, estarán de acuerdo en que nuestra infancia fue marcada por la que considero una de las mejores etapas en la industria del entretenimiento animado; claro, esto sin demeritar las cosas del ahora, recuerden que las caricaturas de hoy también tienen lo suyo. El primer canal oficialmente considerado “para niños” fue Nickelodeon, el cual nos trajo muchas de las series más originales (y extrañas) que jamás hemos visto.

Una de esas caricaturas era la de aquel niño con cabeza de balón que poseía un corazón de oro, vivía con sus abuelos en la vieja casa de huéspedes y tenía una imaginación muy viva; por supuesto hablo de “¡Oye Arnold!”. Ya he hablado antes de esta serie, y como recordarán la considero una de las obras mayores del canal. No solo era una caricatura divertida, sino que estaba llena de enseñanzas y valores que aún a estas alturas sigo recordando con cariño y tratando de aplicar a mi vida.

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Triste fue el día en que nos enteramos que la serie había llegado a su fin tras 100 capítulos y una película, pero más triste era que no teníamos un final concreto. En su momento, el creador Craig Bartlet declaró que la serie había finalizado porque así había sido planeada; no era que hubiera sido cortada, simplemente había cumplido su ciclo y lo único que faltaba era un gran desenlace que nos revelara la gran pregunta que tuvimos siempre: ¿Qué fue de los padres de Arnold?

El último capítulo de la serie era el gancho perfecto para querer más; tras leer el diario de su padre, Arnold se había enterado que sus orígenes eran mucho más impactantes y hasta mágicos de lo que pensaba, y que sus padres se habían perdido luego de viajar en busca de la misteriosa tribu de los Ojos Verdes. Este fue un giro muy inesperado, pero bienvenido, en una serie que casi siempre se había valido del encanto de los hechos cotidianos para contarnos las aventuras del niño. Por si esto fuera poco, las últimas palabras del protagonista nos dejaban claro lo que seguía: “¡Abuela!, ¡Abuelo!, ¡Tienen que ver esto!, ¡Encontré un Mapa!”.

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¿Acaso era el inicio de una nueva aventura? Todo indicaba que sí y esta sería presentada en una segunda película que pondría fin a la historia de una manera excelente. Desgraciadamente, el proyecto no encontraba el apoyo necesario y muchos llegamos a pensar que se trataba de una promesa inconclusa más en la larga lista de series canceladas… Pero hoy sabemos que no fue así.

¡La espera casi termina!, Nickelodeon al fin anunció que se llevará a cabo la tan esperada película y que pronto veremos de nuevo a nuestros queridos personajes. Arnold, Gerald, Helga, Harold, Sid, Stinky, Ronda, Phoebe, Eugene y todos los demás. Aún no queda claro para cuando se espera la película ni si será un proyecto para televisión o tendremos la suerte de verla en los cines como su predecesora, pero sea cual sea la decisión que se tome, es muy gratificante saber que una serie como esta no quedará en el olvido como muchos temíamos.

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¿Emocionados ante esta noticia? Personalmente yo sí. Si no conocen la serie, los invito a verla, les aseguro que no se arrepentirán. Seguiremos al pendiente y con enormes expectativas.

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Animación Mexicana 16: La Leyenda de la Nahuala

Otro de los estudios de animación que vale la pena mencionar por la calidad de sus producciones es Animex, una empresa creada por Ricardo Arnaiz y Eduardo Jiménez, junto con el apoyo del gobierno de Puebla (en donde actualmente tiene su sede). Animex es una empresa un tanto más pequeña que Ánima Estudios, pero no por eso es menos profesional, de hecho las películas creadas por éste estudio son realmente buenas en muchos aspectos.

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 La primera producción de Animex originalmente llevaría como título “Maya, la primera gran historia” y se trataba de un ambicioso proyecto que contaría con el apoyo del actor Bruno Bichir. Así mismo, el estudio tenía otros proyectos para la televisión como era una serie animada de la clásica historieta de Gabriel Vargas, La Familia Burrón. Por desgracia ninguno de estos proyectos logró consolidarse, dándole a Animex un verdadero dilema para colocarse como un estudio formal.  No fue hasta el año del 2007 cuando el primer largometraje del estudio pudo llegar a las salas de cine, una historia basada en una de las fiestas más tradicionales de nuestro país: El Día de Muertos.

 La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) es una película de animación 2D que cuéntala historia de Leo San Juan, un asustadizo niño que vive en la ciudad de Puebla de los Ángeles, en la época de la colonia. Su hermano Nando constantemente lo fastidia con la escalofriante leyenda de la Nahuala, una bruja que existiera tiempo atrás y que fuera capaz de robar la vida de los niños para obtener poder absoluto y vida eterna. Un día de muertos, Nando es capturado por aquella malvada hechicera, obligando a Leo a enfrentar sus miedos y enfrentar las fuerzas de ultratumba para salvarlo.

 Algunas personas consideraron la historia de la cinta como algo no demasiado original, pero el encanto de la misma es la forma en la que nos la relata. La película está llena de guiños a la cultura mexicana, con escenarios elaborados de manera impecable (si alguien conoce Puebla, se dará cuenta de ello) y con un guión que aunque a veces peca de estar demasiado orientado al público infantil, la mayor parte del tiempo resulta lo bastante sólido para dar una buena experiencia al público adulto también.

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 Los productores no repararon en gastos para la elección del elenco de voces, teniendo así personajes interpretados por personalidades como Jesús Ochoa, Rafael Inclán, Martha Higareda, Andrés Bustamante, Manuel “Loco” Valdés, Ofelia Medina y el primer actor (e icono del cine mexicano de horror) Germán Robles. La animación cumple en su mayoría aunque la película no está exenta de errores en la misma, así como otros detalles de continuidad, acting, y otros elementos.

 La música, hecha por Gabriel Villar, resulta ser uno de los mejores soundtracks en el cine mexicano (a opinión de este servidor) logrando un buen equilibrio entre melodías de suspenso, acción, comedia, drama y por supuesto, la esencia de México. Si a esto le sumamos el uso de canciones ya conocidas como “El Médico Brujo” y “No Es Serio Este Cementerio”, y de otras canciones originales como “Pan de Muerto” y obvio, “Calaverita de Azúcar”, obtenemos una banda sonora por demás rica y disfrutable.

 Como mencioné antes, el principal problema con la película es estar a veces muy orientado a los niños solamente y algunos detalles de la animación, pero si logramos superar esto nos quedamos con una cinta que no solamente es entretenida, sino además un clásico festivo que bien vale la pena ver en las fechas de muertos. Mención aparte a que la película fue lo bastante sólida para ser acreedora a una segunda y hasta una tercera parte… que no fueron hechas por Animex, mas adelante hablaremos de ellas.

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 Los personajes son entrañables, el héroe es un ejemplo del alcance que puede tener creer en nosotros mismos y la importancia de enfrentar los miedos. La mezcla entre la cultura católica (España) con la Prehispánica es una delicia al mostrarnos un universo donde ambas creencias pueden coexistir y complementarse. Personalmente espero y creo que Leo San Juan puede tener muchas más aventuras en este país donde las leyendas abundan. ¿Por qué no decirlo? Estamos ante una franquicia animada, orgullosamente mexicana, que bien pudiera estar a la altura de sagas como Piratas del Caribe o Indiana Jones, por supuesto que no en producción, pero si en contenido. Leo San Juan, el nuevo héroe de acción mexicano.

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Animación Mexicana Parte 9: El Agente 00-P2

Ya prácticamente ostentando el reinado del estudio de animación más importante del país, Ánima decidió arriesgarse y buscar nuevos horizontes para su tercer proyecto de larga duración. Como se comentó en la nota acerca de la cinta Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003), el humor que se manejaba estaba muy dirigido a un sector infantil, cuestión que abarcó también a Imaginum (Imaginum, 2005) y a El Chavo Animado (El Chavo, 2006). En palabras de uno de los (en ese entonces) productores del estudio, se consideraba un humor demasiado “fresa”.

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 Con la esperanza de llegar al público juvenil, e incluso adulto, el tercer largometraje adoptó elementos mucho más maduros como una historia tipo Thriller policiaco combinado con simpáticos personajes animales, y un estilo de humor un poquito más subido de tono: El Agente 00-P2 (El Agente 00-P2, 2009). La historia nos habla de un guacamayo que trabaja como conserje en una importante agencia de espionaje y que sueña con ser un agente. Su ilusión se ve cumplida cuando por accidente se le asigna el mayor caso de todos, detener los siniestros planes de la criminal “Mamá Osa” para congelar al mundo entero.

 Este proyecto resulta interesante por la variedad de elementos que lo conforman, a simple viste pudiera ser una película más para los niños, pero el argumento es bastante sólido para los amantes del género. Se usa mucho el doble sentido, aunque de forma muy familiar (sigue siendo para toda la familia, pero los adultos podrían disfrutarla más que producciones anteriores), e incluso tiene momentos bastante crudos y/o emotivos que, al menos en mi opinión, no esperaba de una cinta así.

 La actuación de voces cumple ampliamente con nombres como Jaime Camil, Dulce María y los primeros actores Rogelio Guerra y Silvia Pinal. La animación muestra una gran mejoría, además de que la cinta se arriesga a complejas secuencias de acción (la mayoría con momentos jocosos) que nos dejarán satisfechos. Aún así, este proyecto dista de ser el mejor hecho por la empresa. Quizá ese punto a favor de tener una buena variedad de elementos tanto infantiles como maduros pudiera ser su punto en contra también, ya que en ocasiones el público puede confundirse.

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 ¿A que me refiero con esto? Un ejemplo: la cinta comienza con una familia de personajes adorables en pantalla disfrutando un día de campo, momentos después algo acontece y termina en tragedia (los niños pequeños sufrirán por esto). Luego tenemos partes de humor puro y al siguiente momento, un momento demasiado serio. Por supuesto que es sólo una opinión, pero me parece difícil definir esta película en una categoría en específico y aunque jamás se torna aburrida, el público sensible difícilmente podrá disfrutarla como aquello para lo que se planeo: Una comedia familiar.

 A pesar de eso, considero al Agente 00-P2 (desde el título pueden darse una idea) como una buena evolución del estudio y una película que aunque no se corona entre las preferidas de Ánima, si es una digna creación que vale mucho la pena ver.

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Animación Mexicana 15: Don Gato

Además de trabajar en la película de Gaturro, Ánima Estudio se fijó el que sin lugar a dudas es su proyecto más emblemático, ambicioso y complejo: Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011). En bien sabido que la caricatura creada por Hannah Barbera no tuvo un gran éxito en su país natal, pero en México fue poco más que un titán de la televisión que trascendió generaciones y llegó a público de todas las edades.

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 Era sólo cuestión de tiempo antes de que se decidiera hacer una película de ese popular y astuto gato, pero lo que casi nadie esperaba era que la iniciativa, la producción y el crédito del largometraje serían casi enteramente de México. Nuevamente nos encontramos ante un producto que para algunos no debería considerarse como cine nacional, pero realmente lo es y aunque las voces originales y los derechos pertenecen a estados unidos, la película es producto del esfuerzo de nuestro país.

 Siguiendo el ejemplo de Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010), el plan inicial era de una película hecha en 3D, de hecho algunos modelos fueron creados en ese formato antes de la producción. No obstante, la empresa decidió segur más el estilo clásico del 2D para dar vida a Don Gato y recurrir al 3D únicamente para escenarios y props como vehículos, escritorios y botes de basura. No fue la primera vez que Ánima usó este estilo (Imaginum (Imaginum, 2005) fue el pionero), pero al ver el producto final podemos saber que fue la mejor decisión para esta cinta. Ambos estilos, aunque destacables uno de otro, están muy bien coordinados y en ningún momento son un punto débil para la película.

 La película nos cuenta la historia de Don Gato y su inseparable pandilla, cuyos esfuerzos por obtener ganancias en la tranquila ciudad de Nueva York son causa de molestia del oficial Matute, la trama que todos los que vimos la serie recordamos. No obstante, el mundo de Don Gato se ve perturbado con la llegada del nuevo jefe de policía, Lucas Buenrostro, un vanidoso y ambicioso hombre amante de la tecnología que abusando de su nuevo poder toma el control de la ciudad con la ayuda de un ejército de robots.

 Quizá el tema de los robots pareciera que no va para nada con el mundo de Don Gato, este servidor pensó lo mismo al principio, sin embargo la historia está muy bien llevada y de hecho resulta en una buena moraleja sobre la importancia de no perder el lado humano en este mundo atascado de tecnología. La cinta es inteligente y divertida, en especial para los amantes de la serie quienes disfrutarán toda la película por sus múltiples cameos de figuras ya conocidas como el violinista Lazlo Lozla, el Marahá de Pocaju, la yegua Arabella, entre otros. Sin olvidar el homenaje a la clásica introducción del programa que resulta un deleite a la vista con ese nuevo estilo un poco más moderno.

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 Finalmente no podemos dejar de lado el trabajo de doblaje. Muchas personas están en contra de este proceso y siempre prefieren ver los productos en el idioma original, cuestión totalmente respetable. Sin embargo a veces se olvidan de que México es (o debería ser) una potencia en lo que a este trabajo se refiere, y hablo de los estándares de calidad del mismo. La serie misma destacó en gran medida por los trabajos de grandes actores como Julio Lucena, Jorge Arvizu y Víctor Alcocer. Desgraciadamente la mayoría del elenco original ya había fallecido cuando la película se hizo (actualmente, todo el elenco), sin embargo la empresa Dubbing House realizó un espléndido trabajo en la selección de las nuevas voces. A diferencia de El Chavo Animado (El Chavo, 2006), las voces en esta cinta son muy similares a las originales y funciona perfectamente. Y por supuesto, lo más destacable quizá fue la participación del se Jorge Arvizu “El Tata” (q.e.p.d.) interpretando a Benito Bodoque y a Cucho.

 Ánima Estudio es la empresa con mas proyectos y éxitos en su haber en México, sin embargo, nadie puede negar que su magno trabajo es Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011), una película hecha por y para fans de aquel gato amarillo (que incluso pudiéramos comparar con emblemas de nuestro cine como Germán Valdés “Tin Tan”). Una cinta hecha verdaderamente con el corazón y que se puede definir como un parte aguas en la historia del cine nacional.

www.youtube.com/watch?v=3MNCu1KTveI

Originally posted 2014-05-05 00:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Frozen ganadora del Oscar a Mejor Cinta Animada

El pasado 2 de marzo se llevó a cabo la 86 entrega de los Academy Awards. Como es bien sabido, nuestro país se llenó de regocijo ante la victoria de nombres como Alfonso Cuarón, Lupita Nyong´o y Emmanuel Lubezki, en las categorías de Mejor Director,Mejor Actriz de Reparto y Cinematografía, respectivamente. Según la opinión pública, esta ha sido una de las entregas del Oscar más esperadas y reñidas en varios años, los candidatos tenían mucho que dar, por lo que era realmente complicado elegir a un favorito. La categoría de Mejor Película Animada no fue la excepción.

 Ya antes dimos la lista de las películas que compitieron por la anhelada estatuilla, y aunque de las 5 nominadas sólo 2 de ellas eran las que verdaderamente se disputaban el premio, no por eso dejó de ser un momento de sumo interés en la ceremonia. Por un lado teníamos al legendario estudio Disney con su primera producción fuerte en bastante tiempo, sin el nombre de Pixar adornándolo. Basada en la obra de Has Christian Andersen, “La Reina de las Nieves”, Frozen: Una Aventura Congelada.

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 En la otra esquina teníamos desde el lejano oriente la gran (y posiblemente última) obra de Hayao Miyazaki, uno de los grandes genios del anime contemporáneo: Se Levanta el Viento. Por un lado este era un premio que Disney disputaba ya de mucho tiempo atrás, un trabajo que rebasó récords en taquilla y arrasó con otros premios. Por el otro, una historia entrañable dirigida a una audiencia no precisamente infantil, que marcaba el fin de una era crucial para los amantes de la animación (el retiro de Miyazaki).

 Al final la estatuilla fue para Frozen, la que siendo honestos se postulaba como la gran favorita. Opiniones encontradas ha marcado esta decisión, aunque hemos de aceptar que aunque el trabajo de Miyazaki es excelso, Frozen también tenía mucho para defenderse. Sea cual sea el caso, y estén  no estén de acuerdo con el ganador, la verdad es que esta nominación resultó ser ya un gran aliento para la animación japonesa y una magnífica noticia para nosotros, ya que próximamente podremos disfrutar de esta cinta en las salas mexicanas. Cabe mencionar que el resultado fue anunciado por Kim Novak y el ahora ganador del Oscar, Matthew McConaughey.

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 Si no han visto Frozen, háganlo. Sobre todo es recomendable hacerlo en familia y con niños, les puedo asegurar que la experiencia será mágica para todos. Claro, si son de aquellos que no gustan de las historias infantiles y los musicales… quizá sí podrían evitarla. Lo mismo va para The Wind Rises (título en inglés de Se Levanta El Viento), la cual ya he tenido el placer de disfrutar, pero mi opinión se las daré en otra ocasión.

 Y es así como tenemos una nueva ganadora de lo mejor de animación del 2013. Ahora a esperar ansiosos lo que el 2014 tendrá para nosotros, que he de decirles, comenzamos muy bien con cintas como La Gran Aventura Lego y Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman, esperen pronto la reseña de esta última cinta también.

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Originally posted 2014-03-06 08:43:07. Republished by Blog Post Promoter

Zelda Insiste en Salir de las Consolas

Mucha gente estaba sorprendida cuando notaron la enorme cantidad de fanáticos que asistieron al concierto “Symphony of the Godesses” del video juego “The Legend of Zelda”. Y es que aunque para muchos este es un concepto demasiado genérico, para otros se trata de algo más que un videojuego. Estamos ante una de las franquicias de entretenimiento mejor cuidadas y más prolíficas en todos los sentidos. Para muchos seguidores, y me incluyo, se trata de un estilo de vida y un escape a un mundo donde literalmente nos volvemos héroes legendarios.

Si, quizá un pensamiento demasiado geek, pero lo que nadie puede objetar es que este título promete durar por muchos años más. Tanto es su éxito que se ha intentado llevar a la pantalla chica y grande esta historia, sin embargo Nintendo no ha querido ceder los derechos hasta ahora. El mas reciente intento consistía en una serie Live Action para Netflix, misma que fue desechada al poco tiempo de darse a conocer. Pues bien, hay una nueva propuesta para llevar las aventuras de Link a otro sector del público, los otakus.

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Aeipathy Industries, en colaboración con Kickstarter, está intentando llevar el juego (y el manga) de la historia “A Link to the Past” al mundo del anime. Se trata de crear una serie animada que cuenta esta historia al más puro estilo de la animación oriental. Esta decisión pudiera resultar más aceptada y afortunada, ya que recordemos que Zelda es a fin de cuentas un concepto japonés y el anime podría por fin darnos una versión para televisión que respetara casi totalmente la esencia del video juego.

En el 2014 se había lanzado un primer capítulo piloto (o demo) en el cual podemos darnos una idea de lo que esperaríamos. Cabe mencionar que es un proyecto muy bien realizado que bien pudiera convencer a los directivos de la empresa. De ser aprobado se estaría hablando de la realización de nuevos episodios y probablemente una película en este estilo. Actualmente se lleva a cabo una disputa de propiedad por los derechos de este concepto, pero si están interesados en estar al tanto y apoyar esta causa pueden hacerlo en esta liga:

https://www.kickstarter.com/projects/aeipathyind/zelda-anime-series?ref=video

¿Estaremos finalmente ante otro avance de esta serie? Mientras tanto aquí pueden disfrutar del primer capítulo. Seguiremos al tanto.

https://www.youtube.com/watch?v=6FVGqzeUe3w&feature=player_embedded

Originally posted 2015-07-21 09:57:44. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

 Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen.  Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

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 Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

 La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

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 La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

Originally posted 2014-10-09 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 21: Juan Escopeta

 Como recordarán, una de las primeras cosas que comenté cuando expliqué algunos conceptos de la animación era aquella idea errónea que tienen algunos sobre que una producción animada debe ser enteramente para público infantil por ser una caricatura. Ya anteriormente di un ejemplo con El Santos vs la Tetona Mendoza (El Santos vs la Tetona Mendoza, 2012) de que esto no es verdad y la animación puede enfocarse al público adulto. En el caso de Animex, su última producción hasta la fecha también abordó de forma mucho más sutil estas historias maduras con el suficiente peso dramático como para caer en una historia para adultos.

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 Cuando supe que el título de la siguiente película de Animex sería nada menos que La Revolución de Juan Escopeta (La Revolución de Juan Escopeta, 2011) no pude evitar pensar en que sería una cinta orientada al sector infante. No obstante, la película resultó ser una grata sorpresa que si bien no carece de múltiples errores tanto en animación, como en el acting y la continuidad, termina siendo una película que combina de forma muy buena una travesía infantil junto con el lado oscuro de la vida, todo esto aprovechando la situación bélica de la revolución mexicana.

 Al igual que Nikté (Nikté, 2009) la película se desarrolla en una época histórica del país, mas no es si intención dar una clase de historia al respecto. Se trata de la aventura de Gaspar Tena, Gapo, un niño que vive en un humilde pueblo acompañado de su madre en espera del regreso de su hermano Damián, quien tiempo atrás partiera a la batalla.

 La vida de Gapo en es cierto modo sencilla y agradable, pero cuando el horror de la guerra llega a su hogar y lo deja desamparado, el niño no tendrá mejor opción que unirse a un legendario forajido llamado Juan Escopeta, lo cual lo llevará no solo a alejarse de su ciudad, sino de formar parte de ese cruel movimiento que todos recordamos en noviembre.

 El lado cómico es prácticamente nulo en esta cinta (cosa que caracterizaba al estudio en sus filmes anteriores), mas la cinta jamás se torna aburrida. La historia está bien estructurada en su mayoría y es lo suficientemente sólida para dejarnos con ese sabor de boca curioso por ser tan agradable y tan crudo al mismo tiempo. El final es verdaderamente inesperado pero me parece muy bien logrado, ya que sin el fin de dar spoilers, digamos que pasa de un momento en que todo parece haberse perdido a otro donde la esperanza y la determinación de continuar lo son todo. Podría decirse que es hasta un final un poco feliz… aunque no tanto.

 Donde la cinta falla es, como dije, un poco en la animación que no siempre es fluida y en el uso del 3D que en más de una ocasión resalta demasiado, quizá jugar un poco más con las texturas e iluminación no le hubiera caído nada mal. Así mismo, aunque la película tiene personajes bien estructurados, es lamentable el hecho de que salvo Gapo y Juan Escopeta, el resto del elenco tenga una participación tan corta. Esto es evidente sobre todo en el villano de la historia, El Zopilote, quien nos es presentado como un forajido siniestro, astuto y malvado hasta los huesos para ser derrotado de una forma, a mí parecer, demasiado rápida.

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 La dirección esta vez no estuvo a cargo de Ricardo Arnaiz (quien es productor de la cinta) sino de Jorge A. Estrada, aún así el diseño de personajes y el manejo artístico sigue siendo el que caracteriza a este estudio. Entre las voces tenemos de nueva cuenta a un elenco de primera con Joaquín Cosío, Bruno Bichir y Carlos Cobos (q.e.p.d).  La historia no es en sí demasiado fuerte, creo que es apta para todas las edades, pero si es recomendable no verla esperando un cuento de hadas donde los buenos se la pasan muy bien. Es una historia más madura, más realista y más fuerte.

 En conclusión, esta cinta es un muy interesante experimento que incluso pudiera ser digno de verse en épocas patrias, es entretenida y con un buen mensaje de lo difícil que es para un niño volverse hombre cuando menos lo espera. No es una obra maestra, pero tampoco una película olvidable, a mi parecer si es ampliamente recomendable.

Originally posted 2014-05-29 01:27:48. Republished by Blog Post Promoter

Especial Laika: Los Boxtrolls


Llegamos al final de este brevísimo especial, y lo hago hablando de una cinta que en su momento pasé por alto su respectivo review debido a causas de fuerza mayor. Se trata de la cinta, actualmente nominada al premio Oscar en la categoría de mejor cinta animada, Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014). Esta película es amada por muchos y no tan aceptada por otros, hay quien dice que se trata del trabajo más flojo de Laika y quizá lo es en el sentido de que cuenta con una historia más sobria, tiene menos elementos de crítica social y elementos surrealistas para centrarse en una suerte de cuento infantil cuyo única función es entretener. No obstante, debo decir que me incluyo en la lista de los que disfrutaron ampliamente la película y personalmente esta es la que más disfruté y con esto no digo que sea la mejor película del estudio, simplemente son gustos diversos.

La película nos habla de un pueblo que es aterrorizado por un grupo de criaturas que se esconden en las alcantarillas y que usan cajas de todas formas, tipos y tamaños como vestimenta. Estos entes son famosos por robar cosas a los humanos, siendo un bebé el tesoro más valioso del que se tiene noticia y el motivo por el que todos odian a estos monstruos al grado de crear un grupo especial para cazarlos y eliminarlos. Todo mundo cree muerto al bebé raptado, sin embargo ignoran que el niño en realidad fue adoptado por estos seres y criado como uno de los suyos. Los años pasan y llega el momento en que Huevo (el niño) debe salir al mundo, descubriendo cuan similar es ese mundo con su persona y el lado bueno de los humanos; aunque por desgracia, también el malo.

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La historia podría recordarnos la historia de Rudyard Kipling, El Libro de la Selva, y la premisa podría ser sencilla, sin embargo se trata de una película muy bien lograda con una historia sencilla pero contada de forma muy adecuada. Tiene una carga emocional e incluso secuencias de acción que cumplen con creces, pero es el trabajo de animación el que destaca en este trabajo. La animación stop motion es una de las mas tardadas y complicadas de hacer, y esta película se luce en este estilo. Desde secuencias donde vemos a los personajes cayendo por una pendiente con una fluidez impresionante, hasta las expresiones totalmente bien logradas, esta película es una delicia para aquellos que gustan de analizar el trabajo detrás del entretenimiento.

Si tienen la oportunidad de ver la película en inglés, cabe destacar el extraordinario trabajo del actor Ben Kingsley interpretando al villano de la historia. La voz de este gran señor le da un toque de elegancia y carisma que aunado con la malignidad que le da al personaje resulta irresistible. La película fue dirigida por Graham Annable y Anthony Stacchi y está basada en la novela de Alan Snow llamada “Here Be Monsters!”.

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Como mencioné antes, es una película incomprendida e incluso minimizada en comparación con los dos titanes que la precedieron. Se trata de una propuesta más sencilla, pero sin duda hecha con cariño. El único detalle que no me parece sobresaliente, de hecho algo incomodo, es el diseño de algunos personajes (igual que con ParaNorman). El personaje de Huevo, por ejemplo, tiene un hermoso diseño cuando es un bebé y cuando crece mantiene cierto encanto, de hecho es uno de los personajes cuyo trabajo de expresión me gustó más, no obstante hay algunos cuadros donde su rostro me parece extraño, incluso deforme.

Pasando eso, considero a Los Boxtrolls como una película ampliamente recomendable, perfecta para el entretenimiento familiar y muy disfrutable si se quiere ver una excelente animación o simplemente disfrutar un cuento. No indaga mas allá de lo que ofrece como ocurrió con las dos cintas anteriores de Laika, pero es una gran opción en animación, e incluso puedo decir que no me molestaría que fuera la gran ganadora del Academy Award este año (aunque honestamente dudo que lo sea.)

Originally posted 2015-02-25 09:00:40. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli (Origenes): El Castillo de Cagliostro

Continuando con las travesías del apenas naciente Studio Ghibli por la pantalla chica, y tras la realización de varias series de aceptable éxito, los dos amigos animadores sin saberlo estaban llegando a la culminación de sus sueños justo cuando se encontraban trabajando en la serie Lupin III (Rumpan Sansei, 1967), esta serie es quizá el mayor logro televisivo de estos dos artistas nipones, ya que se trata de un concepto que fue muy bien recibido por el público, contó con más de 200 capítulos realizados, películas animadas, live action, musicales, videojuegos y hasta obras de teatro.

 La historia se centraba en las aventuras de Arsene Lupin III, creado por el novelista Maurice Leblanc, uno de los más grandes y carismáticos ladrones jamás conocidos, quien con la ayuda de su inseparable colega, Daisuke Jigen, llevaban a cabo todo tipo de misiones peligrosas y emocionantes, siempre huyendo del alcance del valiente y noble, pero algo torpe, inspector Koichi Zenigata. Se trata de un concepto que contaba con historias entretenidas, secuencias de acción que incluso asombraron al mismísimo Steven Spielberg y unos personajes con quienes era prácticamente imposible no simpatizar.

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 Hablar demasiado a fondo de esta serie tomaría mucho tiempo, por lo que me limitaré a hablar de la segunda película (la más representativa) basada en esta serie. Se trata no sólo de la aventura más conocida de Lupin III, sino el debut oficial como director de largometrajes de Hayao Miyazaki. La película en cuestión fue nombrada El Castillo de Cagliostro (Rupan sansei Kariosutoro no shiro, 1979).

 En esta cinta, Lupin y Jigen comienzan a notar que sus últimos robos se han visto afectados por un misterioso falsificador que ha estado cambiando el botín por copias de dinero. En un intento de resolver esta situación, deciden ir al ficticio ducado de Cagliostro, en donde suponen se encuentra el falsificador. En su camino se cruzan con una hermosa joven que huye de un grupo de sicarios, poco a poco los protagonistas descubrirán que esta jovencita es en realidad heredera de una importante familia que está siendo obligada por el perverso Conde Cagliostro para casarse con ella. Lupin siente que algo en esa chica le resulta familiar y es así como decide ayudarla, pero dicha aventura no le resultará nada fácil considerando la intromisión de la interpool, el inspector Zenigata (su eterno rival) y los siniestros planes del Conde, quien resulta ser un villano en verdad despiadado.

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 A pesar de su estilo clásico, la película tiene una animación que raya en la perfección, un diseño de arte extraordinario, un guión sólido que aunque en momentos peca de ser demasiado estrafalario y hasta absurdo (característica de Miyazaki), una historia emocionante y conmovedora e incluso un nivel de suspenso que muchos thrillers para adultos desearían. Es una película que no sólo marcó la llegada a los cines del gran Miyazaki, sino que fue un parteaguas para muchas cintas de este género. Una joya de la animación y la cinematografía que nadie puede darse el gusto de perderse. Denle una oportunidad y verán cómo este ladrón terminará robando su atención, y eventualmente, su corazón.

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