Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Originally posted 2013-12-16 15:24:49. Republished by Blog Post Promoter

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

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Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Originally posted 2013-11-21 15:05:09. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

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De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Originally posted 2015-01-01 21:19:59. Republished by Blog Post Promoter

Tiembla iPod

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 Desde el 21 de Octubre del 2001, la manera de escuchar música dio un paso enorme en  lo que existía en el mundo hasta ese momento. Creado por Apple Inc. queda de sobra explicar las características del iPod, pero para quien aún no lo conozca, el dichoso aparatito tiene la capacidad de almacenar grandes cantidades de información, a partir de un disco duro, en un principio sólo archivos de corte musical, posteriormente su capacidad de almacenaje se agrandó, al igual que sus distintas capacidades, reproducción de video, cámara fotográfica, WiFi, entre muchas otras aplicaciones más.

 Como todo lo que refiere a la tecnología, el iPod se actualizó y mejoró, por lo que en poco tiempo un modelo era remplazado por uno mejor, no dejaba obsoleto al anterior del todo, pero con cambio no sólo en su capacidad también su apariencia sufrió modificaciones. En fin el invento de Apple lo llevo a la cima de la industria en reproducción musical.

 ¿Aún no queda claro el asunto de Tiembla IPod, cierto? Por la sencilla razón de que un nuevo rival está por hacer su entrada al mercado, PONO…sí, PONO. Dentro de poco podremos escuchar este nombre en el mercado de reproductores de música. Creado por Neil Young, músico y compositor de nacionalidad canadiense, Young buscó con esta creación, mantener la fidelidad de estudio de la música, esto por la pérdida de esta al ser convertida en formatos como el MP3. Con una capacidad de 24-bits, una frecuencia de 24-bit y una frecuencia de iguala Este formato posee una profundidad  kilohertz, iguala la calidad de un estudio profesional.

pono-Music                                                                                                       PONO promete venir a mejorar la manera en que escuchamos música. Con una capacidad de almacenamiento de 128 GB, además por si eso pareciera poco, el dispositivo tiene la capacidad de expansión de memoria por medio de una tarjeta externa. Capacidad que Ipod no cuenta y con el tipo de producción que utilizan no han insertado en su producto, pero quizá con este nuevo contrincante nos les vendría mal añadir esta opción.

 Aunque aún no existe una fecha para que pise tierra mexicana, se tiene previsto que salga a la venta en el otoño del 2014, con un costo aproximado de cuatrocientos dólares ( cinco mil 278 pesos) y la manera de obtener música es por medio de descarga en su página www.ponomusic.com.

Y con esto concluyo la presentación de “quien” puede hacer temblar a iPod o por lo menor darle un susto.

Como un dato extra y refiriéndome al creador de PONO, Neil Percival Young, ha sido una figura importante en el mundo musical ya que con más 40 años en la industria ha sido referente para muchos músicos, con el rock and roll de su lado no dejo de probar suerte en distintos géneros como el blues, swing y el rockabilly. Considerando su experiencia en el medio es una persona apta para proporcionar al público un audio con mejor calidad y fidelidad.

“Yo realmente no sabía lo que hacía cuando empecé. Acabo de empezar a escribir canciones. Después de dos canciones que se limitó a seguir para explorarlo”

Neil Young

Originally posted 2014-08-04 11:02:50. Republished by Blog Post Promoter

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

Tres libros de mexicanos jóvenes del 2013

El premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa pasea por la Feria Internacional del Libro de Guadalajara con un séquito de seguidores, cuidadores y colegas. Al llegar junto al stand de Sexto piso, se desvía y toma un libro de la mesa de novedades. Vargas Llosa no eligió la novela de autor consagrado alguno; bajo el brazo llevaba, con expresión de quieroterminarloestamismanoche, un ejemplar de “En Medio de Extrañas Víctimas”, la primera novela de Daniel Saldaña Paris. En su poco tiempo circulando en el mercado, esta novela ha sorprendido al mundo de la cultura y ha sido reseñada en las principales publicaciones nacionales e internacionales. Daniel Saldaña es editor, ensayista y tiene publicados un par de libros de poesía, uno de los cuales no le causa a él mismo tanto orgullo. Valeria Luiselli ha dicho sobre el libro que es “Desenfadado y socarrón pero también vulnerable y diáfano, el lenguaje de Saldaña París le estalla en la cara al lector: un resplandor”.

Léete un adelanto AQUÍ

Una voz que vino a refrescar la así llamada literatura del narco es Carlos Velázquez. Carlos, ya había irrumpido en la escena literaria exitosamente con sus libros “La Biblia Vaquera” y” La Marrana Negra de la Literatura Rosa” (libro del que, por cierto, deriva su apodo “La marrana”); a esta cadena de hits se suma “El Karma de Vivir al Norte”. Velázquez ensaya una crónica de indudable calidad con un estilo ágil y desparpajado para hablar de los sucesos más crudos, envueltos en cotidianeidad. El gran Elmer Mendoza ha dicho sobre La marrana: “Carlos Velázquez es un escritor con proyecto, no sólo para desarrollar un estilo de humor corrosivo hasta el hueso y un tipo de historias donde todos quedamos expuestos en paños menores, sino de un territorio lingüístico como identidad de una región que, ahora, es también testigo y generadora de una época en la literatura mexicana”

Léete un adelanto de El Karma de Vivir al Norte.

La tercera joya literaria que nos legó el 2013 es “Juárez Whiskey” de Cesar Silva Márquez. Se trata de un libro suave, construido de imágenes cotidianas y sucesos diarios. Es interesante el libro por que nos muestra el lado más íntimo de una ciudad asediada por la violencia, sin referirse directamente a ella. Es maravilloso porque, sin tener sobresaltos, el clima de angustia se siente. Esta es una de esas novelas que se instala: si bien no sientes la necesidad de terminarla de un trago, estás pensando constantemente en ella cuando no la estás leyendo y aún después de terminarla. No se la pierdan.

Originally posted 2014-01-21 16:36:35. Republished by Blog Post Promoter

STRFKR: Una hipnosis natural

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Hay sensaciones indescriptibles, así como hay música que acompaña esos fragmentos en el tiempo que difícilmente se pueden repetir. Strfckr los crea y logra invocarlos una y otra vez de una manera hipnótica y natural. Esta banda es un cocktail de sonidos electrónicos experimentales mezclados con un poco de rock y una pizca de psicodelia que siempre transmiten un sentimiento diferente, un “algo” que crea una perspectiva distinta de su música en cada track, algo que (en lo personal) es un poco complicado de describir pero que puedo resumir a través de “Isabella Of Castille”  una de las mejores canciones de su primer disco homónimo lanzado en 2008 que a pesar de su gran talento se guardó sólo para unas cuantas personas que lograron dar con su trabajo, conocerlo y seguirlo. Así, después de su visita en la Ciudad de México en 2011 con su segundo LP  “Reptilians” a dos años su nuevo álbum en puerta “Miracle Mile”  saldrá a la venta el 19 de febrero. Ahora ya se pueden escuchar dos canciones con un sonido renovado que vibra y se desborda: “Say to you” y “While I’m alive”. Estamos seguros  de que este será el mejor trabajo hasta ahora de Strfckr que transmitirá en todo su esplendor la energía única que poseen. Sin más sólo queda esperar y que su música hable por sí misma, ¡Disfruten!

 

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-02-11 18:23:35. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias aurales: Bodysong de Jonny Greenwood

Ésta es una recomendación para todos aquéllos que gustan de escuchar un poco (o un mucho) de Radiohead, así como para todos los que simplemente tengan ganas de acercarse de una manera amable a la música experimental. Jonny Greenwood -multiinstrumentista, compositor y guitarrista de Radiohead- compuso esta música en 2003 como soundtrack para una película de arte llamada Bodysong (Bodysong, 2003). Este documental, dirigido por el británico Simon Pummel, es una recopilación de vídeos hechos en el transcurso de un siglo que hablan acerca de la vida humana. El soundtrack de Greenwood les da vida y voz, pues no hay un solo diálogo.

Jonny Greenwood
Jonny Greenwood

Así como la vida, la música de Greenwood es inmensamente variada y nace de múltiples influencias. Lo increíble es que de todas maneras escuchamos la voz personal del compositor en cada una de ellas. El disco comienza con Moon Trills, una rola en la que podemos escuchar reminiscencias de Pyramid Song (Radiohead), así como del Cuarteto Para el Fin de Los Tiempos de Messiaen: acordes al piano en frente de una cortina de cuerdas (interpretadas por el Emperor String Quartet) y Ondas Martenot. El recién nacido y su serpenteante llegada al mundo. Poco después viene Iron Swallow, una pieza para cuarteto de cuerdas donde una melodía arrebatada se desliza sobre una cama de pizzicatos.

En Convergence nos encontramos con una pieza para percusiones donde un proceso de transformación nos lleva de lo rítmicamente estable al unísono rítmico, pasando por lo semi-caótico. Splitter es una pieza más arraigada a la tradición del jazz, pero que también recuerda de alguna manera a rolas como The National Anthem: la locura de los metales soportada por la locura del bajo y la batería.

24 Hour Charleston es una de las pocas piezas donde aparece la guitarra eléctrica (lo cual resulta sorprendente tomando en cuenta el papel de Greenwood en Radiohead), tocando un riff que podría haber sido sacado de Hail to The Thief. Ya a punto de terminar, Milky Drops From Heaven es una inyección cargada de free jazz y densidad electroacústica, probablemente la pieza más ruidosa del disco (¿representa acaso la agonía de un moribundo?).

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Greenwood termina con Tehellet, pieza para cuarteto de cuerdas y electrónica, que parece ascender interminablemente: la energía en su forma más pura es liberada de la prisión corpórea y se pierde en las inmensidades del universo.

Algo que llama mucho la atención es que al escuchar este disco, uno se percata de cuáles son los ingredientes que Jonny Greenwood ha aportado al guiso que es Radiohead. Junto con Thom Yorke y Nigel Godrich, Greenwood es una parte esencial de la ecuación creativa. En esta obra encontramos muchos de los timbres característicos de Radiohead, así como sucede en Amok de Atoms for Peace (donde la mano de Thom Yorke resalta clara como el agua) y en Sea Change de Beck (producido por Nigel Godrich y Nigelgodrichesco en su plenitud).

Después de componer Bodysong, Greenwood ha hecho numerosos soundtracks para películas como Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2007), Tokio Blues (Norwegian Wood, 2010), Tenemos que hablar de Kevin (We Need To Talk About Kevin, 2011) y The Master (The Master, 2012). También ha compuesto varias piezas para la orquesta de la BBC, que lo contrató en el 2004 como compositor en residencia. Es muy inspirador ver cómo artistas como Jonny Greenwood, a pesar de tener un lugar asegurado en la historia de la música gracias a su trabajo con Radiohead, siguen superándose, experimentando, probando cosas nuevas y buscando expresarse a través de distintos medios. Pocos lo hacen como él, debo decir: Jonny Greenwood es un músico hecho y derecho.

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De: “Casa con desván” Chéjov

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Antón Pávlovich Chéjov, médico, escritor y dramaturgo ruso, maestro del relato corto y autodenominado amante de la literatura, escribió en 1896 “Casa con desván”

 El de Chéjov es un cuento interesante no tanto en sí mismo como por la exposición y referencias que de la estructura social hace, el personaje: Lida, en representación del Gobierno como valor asignado, busca y procura el “bienestar” del pueblo mediante la generación de escuelas y hospitales para sanar y subsanar las principales carencias, acá, la alegoría de la sociedad.

 El protagonista, harto del mal trato que de su persona se hace, vale aclarar que él es  un artista, pintor para ser más específicos, paisajista con precisión; llega a un punto de desasosiego azuzado por la mención que de su falta de interés por “esos asuntos” hace Lida, minimizado, pone sobre la mesa lo que piensa de las labores filantrópicas por las que ella lucha y que son además razones potenciales de su existencia.

 Expone entonces, y es aquí de donde tomaremos tema, que el pueblo no necesita escuelas ni hospitales, no requiere de la alfabetización si esta sirve sólo para leer letreros en las cantinas, ni hospitales que pretenden sólo poner remedio a los daños que la sociedad en sí misma genera, es decir que el trabajo fatiga, dobla las espaldas, genera enfermedad por recaer sólo en unos cuantos, específicamente en la población más afectada y desvalida; sostiene que si el trabajo fuera distribuido equitativamente entre todos los que en el mundo habitan, terminaría en tener una duración no mayor a tres horas, el ser humano entonces, por inclinación natural tomaría partido por la ciencia y las artes, es decir, por el desarrollo y sublimación del espíritu, que es principio lo que realmente tiene valor.

 Entonces (En este orden de cosas) si el hombre requiere de libros para incentivar el intelecto, ha de pagar por ellos, es decir, trabajar más o hacer un sacrificio de dieta alimentaria para conseguirlo y vuelta al trabajo. Entonces termina todo en un ciclo ininterminable de a y b, b y a, que es asumido por las generaciones venideras una y otra y otra vez.

 El personaje entre todo el desahogo cae en la cuenta de que él mismo siendo que es artista forma parte innegable del sistema, haciendo la labor de entretenimiento permitido, vamos pues. Las decisiones tomadas por supuesto por ésta figura representativa que es Lida, afectan incluso y en apariencia, de modo terminante a sus pretensiones de romance con la joven hermana de Lida, Misius.

 El cuento se lee de una sentada, el manejo del paisaje es bello y detenido, Chéjov un escritor de calidad innegable.

 Todo parecido con la realidad, fue seguramente mera coincidencia.

Link: http://www.cuentosinfin.com/casa-con-desvan/

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Lonely Motel: Music From Slide (o “King Crimson meets Renaissance Music meets Performance meets Contemporary Art song”)

Hoy me gustaría hablar sobre un disco que es uno de mis grandes favoritos: Lonely Motel: Music From Slide. Esta grabación fue hecha para permitir que el mundo conociera la música de una pieza teatral llamada Slide, coproducción de Steven Mackey y Rinde Eckert (que ya han trabajado en conjunto para llevar a cabo otras obras galardonadas como Ravenshead y Dreamhouse), ganadora del Grammy a Mejor Interpretación de Ensamble de Cámara en el 2011 y nominada a otros 3 (entre ellos Mejor Composición Contemporánea).

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 Se podría pensar que, a falta de representación escénica, el disco sufriría de algunas carencias insalvables, pero resulta sorprendente percatarse de que el audio por sí mismo se sostiene impecablemente. Es muy probable que tenga que ver con el hecho de que Slide, más que una ópera o un musical, es más bien una colección de 11 canciones que retratan la personalidad y la vida del personaje principal: un psicólogo que, después de ser abandonado por su prometida en el día de su boda, irónicamente (o tal vez no tan irónicamente) comienza a volverse un poco loco.

 Steven Mackey: compositor, guitarrista, improvisador y maestro de Princeton, compuso esta pieza especialmente para el ensamble Eighth Blackbird, que, según palabras del propio Mackey,

“Es un raro grupo que puede tocar una polirritmia compleja y además “groovear” sobre un pulso constante” (http://stevenmackey.com/composer. 2010)

 

 Utilizo “groovear” como un intento de latinizar la palabra “groove” o “swing”, que es el sentimiento rítmico característico de estilos como el jazz o el rock. Y es que esta obra, como muchas de las cosas que ha hecho Mackey, busca sintetizar muchas de las características de la música popular con las de la música “culta”. Y es muy cierto que pocos ensambles podrían haber realizado el trabajo que hizo Eighth Blackbird, pues Slide tiene un poco de todo y, por esta misma razón, presenta múltiples y complicados retos para los intérpretes.

 Es increíble pensar que una canción como “She Walks”: dulce, con tintes renacentistas y con la voz de Rinde Eckert cantando en un falsete a la castrati; pueda encontrarse al lado de “Ghosts”: una rola netamente rockera, donde la guitarra eléctrica de Steven Mackey lanza furiosos riffs distorsionados al lado de una cruda batería y un bajo eléctrico. Y lo más impresionante es que a pesar de esto, Mackey logra mantener una coherencia absoluta a través de toda la obra.

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Como ya he dicho, Slide cuenta la historia de un psicólogo llamado Renard que está perdiendo un poco la cordura. Rinde Eckert se basó en un experimento psicológico real para crear a su personaje. En este experimento se les mostraba unas imágenes borrosas a algunos sujetos para que intentaran adivinar qué era lo que realmente se encontraba en dichas imágenes. Después, al aclarar las fotos, se tomaba el tiempo en el que los sujetos se percataban de si habían acertado o no. Renardal estar recordando el experimento, comienza repentinamente a observar su vida en una alternancia de imágenes borrosas y claras: todo de lo que estaba seguro se difumina y se vuelve confuso; y las cosas mágicas que le daban misterio y sabor a sus recuerdos se aclaran dolorosamente y desaparecen.

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Steven Mackey utiliza esta contraposición entre lo borroso y lo claro para conseguir unos efectos musicales bastante interesantes. En “She Walks”, por ejemplo, la canción termina con un solo de chelo que fluctúa entre una melodía tremendamente apasionada y unos glissandos terribles que imitan la estática informe de la señal de radio. Otro ejemplo es la rola más importante de la obra: “Stare”, que comienza con una progresión armónica en el piano que tiene un ritmo tan difuso que es imposible de metrificar. Poco a poco, se le une la percusión y más tarde el clarinete y el violonchelo, haciendo del ritmo algo cada vez más concreto. Al final, cuando entra la voz, lo abstracto ha entrado en foco, y la masa musical sin forma se ha convertido milagrosamente en una linda canción.

Realmente es complicado describir Lonely Motel: Music From Slide con palabras. Es una obra sumamente energética, llena de contrastes y con un trabajo compositivo finísimo. Es fácil ver por qué Steven Mackey es hoy uno de los compositores más importantes de su generación: en él se ven perfectamente realizadas tanto las formalidades y complejidades de la academia como la fuerza y la emoción del rock.

Originally posted 2014-04-08 13:56:08. Republished by Blog Post Promoter

The Skatalites anuncian gira por su su 50 aniversario

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La legendaria banda de Jamaica ha anunciado una gira mundial con motivo de la celebración de su 50 aniversario, y aunque hasta ahora no se han dado a conocer todas la fechas de la gira, por lo pronto la banda ha anunciado que andarán por Europa, Asia, Norteamérica y Sudamérica – lo que nos hace pensar que seguramente visitaran tierras mexicanas-.

The Skatalites comenzaron su andar en 1964 siendo la primera banda de ska en el mundo y  contando en su alineación con músicos de gran reconocimiento en la isla, los cuales pocos años antes estuvieron involucrados en la invención de este ritmo, por lo que banda es conocida a nivel mundial como Los Padres del Ska.

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Durante la década de los 60’s el grupo se convirtió en la banda de estudio de prácticamente todos los cantantes de la isla, desde cantantes de renombre hasta aquellos nuevos que iban surgiendo; sirviendo también de gran influencia para estos últimos. Incluso fueron los Skatalites aquellos que le enseñaran a pararse sobre el escenario al mismisimo Bob Marley.

Como suele pasar con bandas tan longevas, actualmente solo 2  miembros originales -Lester Sterling y Doreen Shaffer-  forman parte de la alineación de The Skatalites; y aunque atrás quedó aquella mítica formación de los 60’s -que contaba con la presencia de Roland Alphonso, Tommy McCoock o Don Drummond solo por mencionar a algunos-  la banda ha sabido escoger muy bien a los nuevos músicos que ha pasado a formar parte de la banda, y si seguramente si la banda actuara bajo otro nombre de igual manera seguirían siendo consideradas como una de las mejores bandas del planeta.

 

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Originally posted 2014-02-03 11:59:49. Republished by Blog Post Promoter

Regresa “La gloria de las prostitutas”

Tras haberse presentado en el 33° Foro Internacional de la Cineteca Nacional, este 25 de Octubre volverá a sus pantallas La gloria de las prostitutas (Whore´s Glory , 2011) de Michael Glawogger.

El director fue ganador de Premio Especial del Jurado durante la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico en Venecia, Italia, durante 2011 y del Premio a la mejor fotografía durante el Festival Internacional de Cine de Viena, Austria, en 2012.

La cinta documental muestra la prostitución en tres zonas de tolerancia de países tan diferentes entre sí: Tailandia, Bangladesh y México. Su obra se caracteriza por no enfocarse en el tema político, sino en un amplio carácter social, retomando el ámbito laboral y la forma en que sobreviven las personas.

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El filme estará disponible a partir del 25 de octubre en Cineteca Nacional, Cinemas Lumiere Reforma, Cine Teresa y Cinemanía Loreto.

Originally posted 2013-10-25 17:34:39. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

Originally posted 2014-08-12 12:45:24. Republished by Blog Post Promoter

Review: The Grand Budapest Hotel, o de cómo ser un gerontofílico refinado

Para todos aquellos fans insaciables de Wes Anderson y también para aquéllos que no están familiarizados con el trabajo de este singular director estadounidense, El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) es una película que sin duda recomiendo ir a ver. Sólo estará dos días más en la 56 Muestra Internacional de Cine en la Cineteca Nacional, así que apresúrense a hacer planes cinéfilos para esta Semana Santa o se la perderán.

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 ¿Por qué vale tanto la pena ir a verla? No sólo es Wes Anderson en su máxima expresión (los que lo conocen seguramente sabrán a qué me refiero; los que no lo conocen, sigan leyendo y ya se enterarán), sino que son 99 minutos de un humor fino y ameno que les alegrará sumamente el día y les sacará un número bastante considerable de carcajadas inesperadas.

 Como es su costumbre, Anderson se consiguió un tremendo cast para realizar esta película, conformado por grandes actores como Ralph Fiennes, Edward Norton, Adrien Brody, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Jeff Godlblum, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Jude Law, Tilda Swinton, Bill Murray y Owen Wilson. La protagonizan Ralph Fiennes y dos jóvenes actores que hacen un papel admirable al lado de tantas estrellas: Tony Revolori y Saoirse Ronan.

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 El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) es una mezcla bastante particular de humor liviano, aventura (incluyendo persecución en trineo y esquís), amor y suspenso. Tiene mucho de películas como Quémese Después de Leerse (Burn After Reading, 2008), de los hermanos Coen, donde uno puede presenciar horrorizado un asesinato mientras se ríe de lo absurda que es la situación.

 La trama gira en torno a Gustave (Ralph Fiennes), concierge del Gran Budapest Hotel, y Zero (Tony Revolori), el nuevo lobby boy, que después de la muerte de una de las ancianas y millonarias amantes de Gustave, Madame D (Tilda Swinton), se ven envueltos en una avalancha de misterio e intriga. Junto con la joven panadera y hermosa esposa de Zero, Agatha (Saoirse Ronan), deberán de resolver una serie de enigmas y hacer lo que sea necesario para salvar el pescuezo.

 Como es común en las películas de Anderson (recordemos la improbable amistad de Max Fischer y Herman Blume en Rushmore), Gustave y Zero pasan de tener una relación formal de jefe-empleado a crear una de hermandad profunda. Los dos personajes están solos en el mundo y encuentran en el otro el apoyo, la comprensión y el amor incondicional que todos los humanos deseamos y necesitamos.

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 No sólo es El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) una película con una gran trama y excelentes actuaciones, sino que también es una muestra incomparable de belleza estética. Wes Anderson se caracteriza por ser tremendamente obsesivo con los sets y escenarios que usa, y en su nueva película no sólo continúa con esta costumbre sino que la lleva hasta sus últimas consecuencias. Predominan las tomas simétricas, las coreografías largas perfectamente sincronizadas y la selección sumamente cuidadosa de los colores.

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 Wes Anderson ha dicho alguna vez que si no hubiera sido cineasta, sería arquitecto, y tal vez es por eso que pone tanto empeño en que sus espacios sean no sólo funcionales, sino hermosos. (Si quieren una probadita de la usual monocromía de Wes Anderson, pueden ver este cortometraje). Toda la película está repleta de escenas que, si fueran estáticas, podrían haber salido de la mano de un pintor amante de los tonos pastel. Esto es algo que sin lugar a dudas define a este joven director como uno de los más importantes de nuestra época, que no sólo busca entretenernos, sino crear una obra de arte en su totalidad, donde cada detalle está perfectamente colocado para lograr una impresión profunda sobre el espectador.

 Espero que esto sea más que suficiente para animarlos a darse una vuelta por la Cineteca Nacional para ver esta increíble película. Y no sólo eso: ojalá y sea un incentivo para ahondar en el trabajo de este espectacular director, que con películas como Rushmore (Rushmore, 1998),  Los excéntricos Tenenbaum (The Royal Tenenbaums, 2001), El Fantástico Señor Zorro (Fantastic Mr. Fox, 2009 ) y por supuesto Un Reino Bajo La Luna (Moonrise Kingdom, 2012), ha establecido una marca muy personal en el mundo del cine que estoy seguro perdurará a través de la historia: una película de Wes Anderson es, inconfundiblemente, una película de Wes Anderson.

Originally posted 2014-04-15 01:26:07. Republished by Blog Post Promoter

Armadillo Pots: La dualidad entre la vida y la muerte en una maceta

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Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.

 En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.

 Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.

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 Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.

 Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.

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 La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.

 Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.

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Originally posted 2014-09-09 11:17:54. Republished by Blog Post Promoter

Il Visore Lunatique, para volverse (literalmente) locos de gusto

Es complicado imaginar que una banda que suena como Descartes a Kant, no sólo esté teniendo cada vez más éxito y reconocimiento, sino que lo esté consiguiendo dentro de México. La primera vez que escuché “Buy All My Dreams”, su primer sencillo del disco Il Visore Lunatique (2012), sencillamente no podía creer lo que estaba escuchando (conózcanlo aquí). Y no es cuestión de ponernos a valorar si son mejores o peores que las otras bandas que normalmente escuchamos en este país, sino que son indiscutiblemente originales.

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 Es complicado encasillar a este disco en un estilo definido, aunque definitivamente una de las características que mantienen la cohesión es el uso constante de la contraposición entre melodías dulces con tintes infantiles y la energía disonante del Noise Rock. Aunque también podemos encontrar familiaridades con la música de cabaret, los musicales de Broadway, el jazz, el rap, y el blues.

 Ellos mismos han mencionado como una influencia importante de toda la banda a Mr. Bungle, conjunto musical lidereado por el legendario vocalista Mike Patton y caracterizados por no poder (ni querer) estarse quietos en ningún estilo. Yo me atrevería incluso a ir un paso más atrás y decir que tienen algo de la tradición musical de John Zorn (lo cual no es sorprendente si tomamos en cuenta que Zorn fue el productor del primer disco de Mr. Bungle): no tanto por los rasgos musicales que utilizan, sino por la cualidad casi caricaturesca con la que manejan sus materiales, donde no hace una falta una transición calculada o una preparación auditiva para pasar de un elemento a otro sumamente contrastante.

Así como sucede en la pieza para cuarteto de cuerdas “Cat O’ Nine Tails”, de John Zorn, en Il Visore Lunatique los cambios anímicos suceden de golpe y sin aviso.

 Algo digno de notar es la evidente evolución musical que han sufrido (o disfrutado, más bien) desde su primer disco Paper Dolls (2008). No sólo les costó más de 3 años de afinación, sino algunos cambios de alineación y una intensiva investigación estilística. Pero es claro que valió la pena. No sólo obtuvieron un disco que es muy disfrutable y que mantiene al escucha al borde del asiento preguntándose qué pasará después, sino que la abundancia de detalles en los arreglos musicales resulta tanto gratificante como sumamente interesante. Tomemos por ejemplo la “reexposición” (me abstengo de llamarle “segundo verso” por el simple hecho de que el “coro” funciona más bien como una parte B contrastante) del tema principal en “The Peter Pan Syndrome”. En poco más de un minuto y medio de música suceden muchas cosas que vale la pena mencionar: Por sobre una base rítmica con motivos reiterativos llevada por la batería y el bajo, un teclado lleva una especie de riff melódico que enloquece con bendings, cambios repentinos de octava, glissandos disonantes y secciones que parecen sacadas de una pieza electroacústica. Las voces femeninas se quejan, gritan desgarradoramente y lloran sin consuelo. Sin aviso alguno, el tempo se acelera repentinamente y sentimos que caímos vertiginosamente en la desesperación. Y todo esto intercalado por unos característicos “truenos” musicales: momentos de ruido e intensidad máxima que duran tan sólo un instante, un golpe de adrenalina para llamar nuestra atención (como si esto fuera necesario).

 Para terminar, me gustaría mencionar que el ambiente general de locura que transpira esta producción no es para nada un atributo fortuito: para llevar a cabo este proyecto, Descartes a Kant se basó en la vida y obra de la escritora neoyorquina Victoria Dickens. Tomaron a algunos de los personajes que dicha escritora ha creado mientras se encuentra en una clínica de rehabilitación psicológica y los plasmaron en cada una de las 11 canciones que conforman el disco. No sólo influenció esto el estilo tan bipolar de la música y de las letras, sino también el interés tan particular de la banda por ejercitar la teatralidad en sus shows en vivo. Para lograr esto, se apoyan en diversos vestuarios, actuaciones excéntricas y elementos de performance. Resulta muy emocionante ver cómo las cantantes salen del escenario (como ilustraciones que escaparan de un libro) para interactuar con el público y arrojar espuma y confeti sobre sus cabezas.

 Espero que esta nota baste para incentivar su curiosidad acerca de esta increíble banda. Busquen sus discos y, sobre todo, asistan a sus tocadas. El apoyo que les podemos dar es lo que se necesita para que más agrupaciones con esta calidad y originalidad surjan y se mantengan en este país.

Originally posted 2014-04-01 00:00:21. Republished by Blog Post Promoter

Rhye, no es un dúo electrónico más

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Hace más de un año, una misteriosa banda, llamada Rhye, comenzó a publicar su música por Internet. Aunque la información sobre la misma era escasa, siendo imposible contactarla, la prensa internacional comenzó a interesarse por el sonido de la banda que en sus dos primeros sencillos, “Open” y “The fall”, mostraban una mezcla armónica de electrónico con soul, jazz y arreglos de música clásica. Además la voz era comparada con la de la cantante Sade.

Más tarde se develó que la banda era un dúo establecido en Los Angeles, California, Michael Milosh y Robin Hannibal, quienes trabajaban para la disquera independiente Research Plug.

Ambos músicos se conocieron en el 2010, cuando el canadiense Milosh voló a Dinamarca para ayudar a Hannibal en un remix para su banda Quadron. Sin embargo, la empatía entre ambos concluyó con la creación de canciones propias que poco a poco irían definiendo el sonido de Rhye.

Woman es el primer álbum de este duo. Fue presentado el 04 de marzo de este año. Desde “Open” hasta “Woman”, las diez pistas se encadenan con un bajo hipnótico, arreglos sencillos de teclado, cuerdas dulces al fondo, un sintetizado que rompe o refuerza la cadencia, y letras melancólico-románticas en la voz contralto de Molish.

Aunque su duración no pasa los 36 minutos, la mezcla de géneros hace de Woman un disco sensual que puede pasar del romanticismo de “The Fall” al funk puro y bailable de “Last Dance”. Reflejo de ello se muestra incluso en los videos con los cuales presentaron sus primeros dos sencillos.

Sin duda, Rhye es un dúo cuyo inicio augura un futuro prominente, no sólo para su carrera, sino para la música contemporánea. Un dúo interesante que presentó un disco que incluso nos podría hacer pensar en el Random Acces Memory de Daft Punk.

 

Aquí el video The Fall, dirigido por el danés Daniel Kragh-Jacobsen

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Review: Ninfomanía Volumen 1 (Lars von Trier… lo has hecho de nuevo)

Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol. 1, 2013), última y controversial creación del cineasta danés Lars von Trier, se estrenó en México en el marco de la 56 Muestra Internacional de la Cineteca Nacional. Los boletos para esta película se terminaron días antes de la primera función (en parte porque von Trier es un director consagrado, en gran parte porque el morbo que se condensó alrededor de la película fue inmenso), pero para alegría de todos los fans de el director y de todos los morbosos de clóset, la cinta se estrenará de nuevo el 15 de mayo en el cine comercial.

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Cast de Nymphomaniac

 Previo a su estreno, la película comenzó a generar mucha expectativa debido al tema que iba a tratar: la vida sexual de una ninfómana (interpretada por Charlotte Gainsbourg) desde su adolescencia hasta sus 50 años. von Trier aumentó la expectativa cuando retrasó la producción de la película para seguir entrevistando mujeres acerca de sus vidas sexuales (sí, quién no lo hubiera hecho). Además, es fácil imaginar que cuando una película tiene el nombre que ésta tiene y una publicidad con todos los protagonistas desnudos en una explosión orgásmica, no necesitarás un gran esfuerzo para que la gente quiera ir a verla. No contento con esto, el director (que fue llamado varias veces un “genio” de la mercadotecnia), fue sacando poco a poco a la luz pequeños fragmentos de cada uno de los capítulos que conforman esta primera parte, ocasionando la salivación mental (y por qué no, física) de aquéllos que los vieron.

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Los pósters orgásmicos de Joe y K

 Joe (Charlotte Gainsbourg) es encontrada por Seligman (Stellan Skarsgård)  golpeada e inconsciente en una calle. Después de llevarla a su casa para ofrecerle té y pastelillos judíos, ella comienza a contarle la historia de su vida: la historia (según ella) de una pecadora. Ella se detesta a sí misma, él trata de convencerla de que no ha hecho nada malo. Su plática navega entre el sexo, la pesca, Edgar Allan Poe, la religión, el sexo, Bach, los números de Fibonacci y el sexo (sí, casi siempre es algo relacionado con el sexo). Seligman es culto, y encuentra analogías muy poéticas de todo lo que le cuenta Joe, buscando siempre sublimar acciones que para los ojos de ella resultan horripilantes. Es un relato emocional, duro, confrontativo, muy bello, que sólo podría haber sido logrado por la genialidad de von Trier. Algunas escenas son tan perfectas y emocionantes que lo único que queda es agradecer de rodillas y con lágrimas en los ojos al dios del cine (no puedo dar spoilers, pero cuando vean la película, lo discutimos).

 Ahora, es importante aclarar una cosa: Pese a todo lo dicho, es altamente probable que una persona que asista a la película con la sola intención de echarse un taco de ojo y no de regocijarse con el arte del maestro responsable de Melancolía (Mencholia, 2011), salga decepcionado de la sala. Lo importante no es de lo que trata la película, sino cómo está hecha. Algunos reseñistas de revistas renombradas (cuyo nombre mantendré en el anonimato) critican a la película por no ser lo suficientemente “retadora”. Pues si “retador” significa para ellos un torrente de salvajismo y sadomasoquismo vulgar sin censura, definitivamente no fueron al lugar apropiado.

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Lars von Trier

 Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol 1, 2013) es una maravilla por su cinematografía, desarrollo de los personajes, simbolismos y analogías, referencias a la ciencias y a las artes y finalmente por su humor negro. Predominan las tomas hechas cámara en mano, una de las fuertísimas reminiscencias  del movimiento Dogma 95, del cual von Trier fue co-fundador (si quieren saber más de Dogma 95, una revolución fílmica de los 90’s que buscaba luchar contra las tendencias ilusionistas, superficiales y tecnológicas de la época, entren aquí). Este tipo de tomas, así como la crudeza de los diálogos y los escenarios, son la manera en la que este director busca dotar de realismo a su cine, diferenciándose de la falsedad imperante del cine comercial.

 Lars von Trier es un director sin pelos en los ojos (sí, ojos), que no teme mostrarnos las profundidades más obscuras de la psique humana. En sus películas, los personajes son capaces de cualquier cosa (así como en la vida real, pues). De alguna manera, su arte es un reflejo de la crudeza con la que puede funcionar el mundo, donde no hay espacio para el “vivirán felices para siempre”. Recomiendo mucho que vayan a ver esta película en mayo, les aseguro que es una experiencia que sin duda los amantes del buen cine disfrutarán inmensamente.

Originally posted 2014-04-22 01:32:10. Republished by Blog Post Promoter

De cómo se perdió y recuperó el maíz

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Tu’til o bit’il-a tup’ te ixim sok te tut’il o bit’il cha’ jajch te ixime

 La tradición oral de los pueblos, de todo un país, conforma la riqueza del territorio, de la historia y, por encima de estos dos elementos, del individuo como miembro de una sociedad. Fue así, a partir del habla, que los hombres empezaron a soñar despiertos, a contar sus quiméricos pensamientos, lo imposible, sobrenatural y mágico de sus vidas: alma, mente, espíritu.

 Hablando, manifestando el poder del raciocinio con un lenguaje elaborado convirtiéndose después en una especie de rito las generaciones transmitieron saberes y conocimientos que hoy sustentan no sólo la cultura, sino la medicina, la astrología, la magia…

 La literatura, antes de ser, se manifestaba de manera oral. Contar una historia que se quedará impregnada no en las hojas de papal, sino en el viento…

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 ¿Qué no es acaso el arte una reverencia a la naturaleza? Es la musa que inspira; somos nosotros mismos los que nos llegamos a elogiar. Háblese de todas las expresiones artísticas de todos los tiempos. Sin embargo, es importante resaltar una de las primeras manifestaciones para preservar esa experiencia estética, esa duda, ese “ser hombre”: la mitología.

 La mitología es el principal elemento que se encarga de distinguir las civilizaciones. Indispensable es, pues, conocer las raíces de dichas sociedades para así, entender el por qué de lo que hoy somos, tanto de nuestra historia inmediata como la más vieja.

 Pensamos en dioses, creación, cosmología, Universo, hombre, naturaleza. Mitología griega, nórdica, egipcia, hindú, maya, etcétera. Fue (y es) ella, el más puro pensamiento; nuestra religión.

 A través de México y otros países de Centroamérica, las grandes culturas construyeron un imperio inigualable. Fue la cultura maya, una de las más trascendentes, hermosas, magistrales e importantes.

 La civilización maya, no sólo se extendió territorialmente, también esparcieron y tuvieron un alcance impresionante en cuanto a sus ideas y costumbres.

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Gracias a CONACULTA Y La caja de cerillos, nos podemos adentrar más a la mitología maya. De cómo se perdió y recuperó el maíz trata el mito sobre la relación entre los dioses, el hombre y el maíz, contacto vital para la cultura mexicana.

 Se encuentra narrado en español y en tseltal (lengua maya hablada predominantemente en Chiapas). Este libro, determinante para la literatura infantil y juvenil, cuenta con ilustraciones que evocan los esplendores de la época, corriendo a cargo de Jazmín Velasco.

 Esta versión de Ignacio Plá, empieza con los hombres descuidando el alimento primordial: maíz. Los dioses, al percatarse de dicha situación, deciden esconderles las semillas en una cueva. Es así como los hombres, desesperados, les piden ayuda a los animales.

Mural de Diego Rivera (fracción)
Mural de Diego Rivera (fracción)

 Una lección aprendida por los hombres para cuidar uno de los tesoros más preciados que la naturaleza les dio.

De cómo se perdió y recuperó el maíz no sólo nos deja ver la maravilla de la tradición oral maya, también permite que los niños se interesen por cuestiones que vemos tan lejanas, ajenas.

“Los hombres estaban desesperados. Sin maíz, se decían, no se puede vivir, es nuestra alimentación, nuestra base”

“Sojknax k’inal la ya’iyik te winik antsetike: Teme ma’yuk te ch’ul ixime, ma’yuk skuxlejalik te winik antsetik, jich ma’yuk skuxlejalik-euk te chanbalametik, xchiik”

Originally posted 2014-08-14 11:46:37. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: el cuerpo en la ilustración de Fernando Vicente

 Pensar en ilustraciones anatómicas es remontarse a los libros propiamente de medicina, en el que normalmente se explica la conformación de las estructuras internas del cuerpo humano típicamente representado por la figura de un hombre. La anatomía, o el estudio de los órganos y los tejidos, ha quedado estrechamente ligada al mundo de la medicina y de la salud.

Fernando Vicente, Human anatomy
Fernando Vicente, Human anatomy

 En la actualidad podría parecer incluso extravagante aquello que nos remita a la anatomía y que no se encuentre dentro de la esfera de la medicina. Sin embargo, algunos artistas contemporáneos han hecho uso de la anatomía para exhibir conceptos de belleza a través de una muestra del interior del cuerpo humano. El trabajo del pintor e ilustrador madrileño Fernando Vicente (1963) es un ejemplo del vínculo que existe entre la anatomía y el arte.

 El cuerpo ha sido un tema recurrente en la creación artística desde la antigüedad. Es claro que la concepción del cuerpo y sus formas de representación han cambiado a través del tiempo. Esta representación del cuerpo humano y las ideas que se tienen de él se han ido transformando según las necesidades y las mentalidades de diversas sociedades en diferentes épocas históricas.

 La manera en la que se expone el cuerpo, ya sea masculino o femenino, responde a ciertas ideas que se tienen con respecto al hombre y a su lugar en el mundo. El trabajo de Fernando Vicente es una muestra de la exhibición del cuerpo, propiamente femenino, en función de los ideales de belleza que se han planteado en el siglo XXI. Fernando pinta mujeres bellas en las que se exhibe su anatomía interna de una manera un tanto seductora, sin dejar de lado la naturaleza encantadora de la mujer. Así pues, su obra tiene como objetivo demostrar que la belleza puede observarse incluso dentro del cuerpo humano.

We are all the same inside; all you have to do is find that beauty. 
Fernando Vicente

 Fernando Vicente basa gran parte de su trabajo en las ilustraciones anatómicas del siglo XVIII y del siglo XIX y fusiona esa idea con la imagen de las modelos que aparecen en las revistas de modas. Así, la figura femenina que se presenta en los medios ilustrados y que generalmente propone un ideal de belleza se ve diseccionada para mostrar su cuerpo desde dentro. La belleza no sólo es lo que se ve por fuera, en apariencia, sino también es todo aquello que nos conforma por dentro.

 La relación entre el estudio de la anatomía y la creación artística puede ser vista claramente desde la época del Renacimiento, sobre todo a partir de los estudios anatómicos del pintor Leonardo Da Vinci. Durante el Renacimiento el arte voltea la mirada a la antigüedad clásica, por lo que las pinturas comienzan a tener temas de tipo mitológico. Resurgen las representaciones de Venus y el antropocentrismo resuena en las ideas que se ven fuertemente enmarcadas en el arte. El hombre comienza a ser la medida de todas las cosas.

 Durante este periodo, se inicia el estudio del cuerpo humano por medio de la disección, lo cual plantea una fuerte revolución a nivel epistemológico. En principio se estudia la estructura del cuerpo humano con el objetivo de mejorar su representación en el arte. Conocer  es perfeccionar. El estudio de la anatomía con fines artísticos impulsa a los artistas de la época a desarrollarse en la anatomía clínica. Enrique Flores menciona, en “El anfiteatro y la cámara oscura”, que para Leonardo Da Vinci (quien dedicó parte de su vida a los estudios de la anatomía) dibujar un cadáver era pintar un alma, esto es, la esencia de la anatomía es el arte. Por ello, abrir un cuerpo significaba no sólo la belleza de descubrirlo, sino también el horror de la carne expuesta y de la sangre derramada en beneficio del conocimiento.

 Los artistas del Renacimiento realizaban disecciones a cuerpos disecados para hacer ilustraciones del interior del cuerpo humano con el objetivo de mejorar la representación de éste en su quehacer artístico. Por otro lado, Fernando Vicente hace uso de las ilustraciones anatómicas ya existentes como base de sus representaciones del cuerpo femenino, para plantear un modelo de belleza que rompe con los paradigmas del tipo ideal propuesto en nuestro tiempo.

Fernando Vicente, Vanitas.
Fernando Vicente, Vanitas.

 En su serie Vanitas, por ejemplo, nos muestra mujeres que siguen entrando en el estándar de belleza (mujeres esbeltas, bien peinadas y maquilladas), pero al mismo tiempo las expone desde dentro. Incluso exhibe en tres de sus pinturas a mujeres embarazadas como una forma de representación no sólo de la belleza física de la mujer, sino también de la hermosura de su figura de madre, de creadora, de dadora de vida. Nos enseña pues, la belleza del embarazo en el sentido de cómo puede existir un cuerpo dentro de otro. Los músculos, los huesos y el sistema nervioso aparecen como eje central de la pintura anatómica de Fernando Vicente.

 La ausencia de sangre nos alivia del horror de pensar en la disección de la que se servirían los artistas del Renacimiento. La belleza, menciona Fernando, es sublime en su trabajo y se apoya de la idea de que ésta se puede encontrar incluso dentro del cuerpo humano.

Fernando Vicente, Materia Rosa.
Fernando Vicente, Materia Rosa.

Originally posted 2014-09-10 09:00:17. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

Originally posted 2014-08-18 10:37:09. Republished by Blog Post Promoter

a/rythmia: No apto para melómanos con insuficiencias cardiacas

Para todos los amantes de los problemas cardiacos, los andares embriagados y el tartamudeo desigual, a/rythmia (2009) de Alarm Will Sound seguramente los pondrá a bailar como desquiciados. Este increíble disco, único en su tipo (al menos hasta donde mi ignorancia me permite saber), reúne música de épocas muy distantes pero con una característica en común: el ritmo y el pulso tienen complejidades estratosféricas. Desde Josquin des Prez hasta Michael Gordon, pasando por Conlon Nancarrow y György Ligeti, Alarm Will Sound nos deleita con una recopilación sumamente colorida, llena de contrastes, humor e impredictibilidad.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Vamos a dar un pequeño tour a través de algunas de las rolas que podrán encontrar en esta producción. Yo Shakespeare (1992), del compositor norteamericano y “forajido de la tradición” Michael Gordon (que por cierto es uno de los fundadores del ensamble/festival Bang on a Can), es una pieza delirante: superpone tres capas musicales que parecen moverse a velocidades distintas, como si escucháramos tres escenarios del Corona Fest a la vez. El resultado es el rock más alucinante que escucharán jamás.

Alan Pierson
Alan Pierson

 Es sorprendente en un disco con inclinaciones contemporáneas y experimentales, encontrar algo como Le Ray Au Soleyl (siglo XIV), pieza medieval del compositor belga Johannes Ciconia que resulta tan confrontativa como sus compañeras del siglo XX y XXI. Aquí encontrarán tres voces que corren a diferentes velocidades con una proporción de 4:3:1. A pesar de los desfases rítmicos, es una música que alivia el cuerpo y la mente, un verdadero bálsamo auditivo.

 Player Piano Study 6 (c. 1950) es una de las dos piezas del norteamericano Conlon Nancarrow que aparecen en esta recopilación. Esta bella pieza fue compuesta originalmente para pianola, puesto que las experimentaciones rítmicas tan radicales que utiliza Nancarrow no eran humanamente tocables (o al menos eso se creía). Un isorritmo (la repetición de un patrón melódico y uno rítmico que tienen longitud distinta) complejísimo que cambia de tempo (velocidad) cada cuatro notas, corre en el piano de manera continua, mientras que una melodía suave con tintes de blues y españoles se desliza en los alientos y en un glockenspiel, construyendo cánones (la repetición de una melodía empezando en un lugar diferente a la primera) cada vez más densos. El resultado es simplemente pasmoso.

Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa
Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa

 Cfern es de otra especie: pertenece al género del IDM o Música Inteligente Para Bailar (del inglés Intelligent Dance Music). Originalmente del dúo inglés de música electrónica Autechre, esta pieza tiene esencialmente dos capas que trabajan semi-independientemente: una armónica-melódica que se acelera y desacelera a discreción, no permitiendo nunca que nuestros oídos descansen en un tempo regular; y otra capa rítmica que lleva la batería, que permanece en disonancia rítmica con todo lo demás la mayor parte del tiempo, manteniendo una tensión constante a través de toda la pieza.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Las demás piezas de este disco son todas igual de maravillosas, cada una con un reto muy específico tanto para el intérprete como para el espectador. Es fascinante observar cómo compositores de géneros y épocas dispares trabajan el mismo problema de maneras totalmente disimiles. La constante es lo maravilloso de todos los resultados y el reto encantador que nos presentan en cada escucha: este disco es de aquéllos que se deben de oír una y otra vez, pues en cada regreso hay nuevos descubrimientos y nuevos placeres.

Top 5 Los mejores regresos del 2013

El mes de Diciembre ya está aquí y con él llegan la temporada navideña y el clima invernal, además del fin de año. Como es común, en muchos medios de comunicación se publican algunas listas donde se reseña algo de lo más destacado del año que termina, desde películas, producciones musicales, libros, etcétera. En esta ocasión, Chulavista Art House La Revista mostrará a través de breves listas hechas por cada uno de los colaboradores un poco de lo más destacado de este 2013.

En esta ocasión, la temática refiere al Top 5 de los regresos musicales más destacados de este año que está por concluir; regresos musicales relevantes a gusto de este colaborador, que de alguna forma lograron acaparar la atención de la mayoría de los medios musicales de nuestros días, y que a la vez han permanecido en el gusto del gran público.

5.- Nine inch nails – Hesitation marks

Sin duda, Trent Reznor es conocido por ser un músico muy versátil y creativo. Desde que Nine Inch Nails (el proyecto musical más importante de los varios en que participa) se fundó en 1988, la banda ha pasado por varios procesos de transformación, teniendo como hilo conductor el rock industrial. Aunado a sus presentaciones en directo, que implican el uso de visuales de alta calidad, así como el uso de una instrumentación variada, este proyecto destaca por sus líricas así como por el uso inteligente e, incluso, elegante del sonido. Este álbum, lanzado el 3 de Septiembre, es una prueba irrefutable de ello. Reznor hízo público durante Mayo del mismo año que estuvo trabajando con Atticus Ross y Alan Moulder en un nuevo material de larga duración que se lanzaría próximamente. Los incondicionales de la banda recibieron un disco plagado de creatividad y belleza.

 

4.- My bloody valentine – mbv

My Bloody Valentine es una banda más conocida por ser parte de la influencia de muchas otras bandas que por su material en sí, esto no es debido a que sea carente de calidad, sino porque se trata de canciones que demandan mucho de quien las escucha. Grupos como Sonic Youth han admitido la fuerte influencia que esta banda tuvo en ellos. Siendo pioneros del post punk y a la vez fundadores de un género que a la postre sería bautizado como shoegaze, su presencia no ha dejado de sentirse a pesar de que transcurrieron 22 años desde la edición de su último material de estudio (Loveless, 1991). Después de múltiples separaciones y noticias falsas sobre su reunión como grupo, de forma inesperada salió a la venta el 2 de Febrero su más reciente material, que deja claro por qué son lo que son. A pesar de ser un material difícil, es sin duda algo de una calidad increíble que merece ser escuchado.

 

3.- arcade fire – reflektor

La banda canadiense Arcade Fire ha sabido como desenvolverse en un medio artístico plagado de trampas y caminos falsos. Desde la salida de su primer LP en 2004 (Funeral), el grupo ha mantenido una línea a seguir en sus siguientes materiales, que deja paso a cierto grado de reinvención. Sin duda, un claro ejemplo de su talento es haber llamado la atención de David Bowie como para colaborar con un grupo que aún no contaba con reconocimiento alguno dentro del medio musical. Es así que han sabido construirse un nombre, y este material (Reflektor) es la prueba que puede necesitarse. Se trata de un material temático que gira en torno al mito griego de Orfeo y Eurídice y que nos lleva a través de un viaje musical lleno de creatividad pero también de una madurez que se siente a cada momento en esta producción realizada por el ex lider de LCD Soundsystem, James Murphy.

 

2.- Daft Punk – Random Access Memories

El dúo francés Daft Punk dificilmente necesita de una presentación, debido al gran éxito que crearon a su alrededor en la escena de la música house con su disco Homework (1997). El éxito más rotundo llegó con el Discovery (2001) que es un parteaguas dentro de esta escena musical. Sin embargo, con la salida del Random Access Memories (2013) Daft Punk dejó en claro que no planeaban seguir en la misma línea creativa. Este material, fuertemente inspirado en la música disco, es especial debido al gran número de colaboradores que tiene (Julian Casablancas, Nile Rodgers, Todd Edwards o Giorgio Moroder, el legendario músico/productor de italodisco) así como por el sonido que intenta emular utilizando instrumentos reales (baterías, guitarras, bajo) y materiales de grabación propios de los 50’s, 60’s y 70’s. Es, sin duda, un tributo a toda una etapa de la música que, con cierta frecuencia, se pone de moda en nuestros días.

 

1.- david bowie – the next day

Después de pasar por una cirugía a corazón abierto, de desaparecer prácticamente de la escena musical y de dedicarse de lleno a su familia, el genial músico David Bowie regresó de forma totalmente inesperada a principios de este año con su último material titulado The Next Day. Bowie es, sin duda, un músico que no requiere de presentación, pero sí tal vez de introducción debido al gran número de materiales editados por él, así como las varias colaboraciones hechas con otros músicos. Este es un disco mesurado pero no por ello menos genial, encontramos a un Bowie más que maduro, tal vez añejado sea la palabra, porque pareciera que, como músico, David solo mejora con el tiempo. La salida al mercado de este material provocó gran emoción en el público y es merecedor de ser escuchado de principio a fin, una y otra vez, para recordar (o nunca olvidar) por qué Bowie es la institución que es desde hace muchos años.

Boris, la elegancia de la experimentación musical

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Boris. Wata, Takeshi y Atsuo

Cuando se va a un concierto, los asistentes, por lo regular, gustan de la agrupación que van a presenciar y tienen cierta predisposición debido al conocimiento del trabajo de su agrupación o músico preferido. Sin embargo, en un festival de música totalmente fuera de lo comercial, Aural, no sabes qué esperar.

Liturgy
Liturgy y su black metal

En el Lunario, la noche pintaba para sorprender con Boris, se tenía justo esa expectación, ¿qué tipo de show nos darán? Japoneses en tierras mexicanas, rock sin una clara etiqueta, banda de culto consagrada con su trabajo de más de 15 años, pero desconocida en este lado del Pacífico.

Monogatari fue el grupo encargado de abrir la velada, un sonido del screamo al trash, con medias que simulaban máscaras como vestuario y una presentación corta, hizo mover varias cabezas entre la multitud. Liturgy dio paso a las presentaciones internacionales, el dúo sonó su black metal a los asistentes, quienes los recibieron de manera calurosa

Sin embargo, el público no podía esperar a ver a los japoneses. Al salir el trío nipón, los escuchas no pudieron guardar la emoción. La banda inició con canciones tranquilas, y como era de esperarse, su sonido exploró un vaivén de sutileza, por momentos, y rugidos y estruendos de las guitarras en otras piezas musicales, por parte de Wata y Takeshi, quien también se encarga del bajo, mientras Atsuo le daba la teatralidad a la presentación detrás de su batería y su enorme gong, disfrazado con la actitud de trascender, guió la presentación y terminó surfeando entre la multitud de espectadores al cierre de su participación.

Wata
Wata y el poder de su guitarra

Wata, la fémina, exhibió la dualidad de la cultura japonesa en torno al rol de las mujeres. La elegancia de su presencia, de su interpretación vocal y musical detrás de la guitarra, mostró que a pesar de su género, tiene actitud y aporte musical, más allá de ser solo el elemento decorativo, a pesar de venir de una cultura donde las mujeres son sumamente cuidadas por los hombres japoneses, deben aún guardar recato, muy diferente a la libertad, aunque se les permite desarrollarse tanto personal como profesionalmente donde ellas decidan. Una lección para aquellas quienes gustan de la música y sienten miles de trabas por recorrer en cuanto a la interpretación o simplemente, plan de vida.

Boris vino a México a tocar música y así lo hizo. Complació a un público expectante de conocer su sonido, tanto en vivo como por primera vez, mostró por qué su trabajo no entra en ninguna etiqueta más allá de la exploración de acordes y arreglos, lo suyo, es la experimentación, la ruptura de categorías, la destreza musical.

Sun Ra Arkestra en México. Back to the 50’s

Sun Ra Teatro

Una noche llena de gala. Un viaje al pasado, a la época del jazz de Chicago, aquellos años cuando Sun Ra comenzó con su Arkestra  a ser parte del movimiento musical de esos entonces, cuando afirmaba ser ajeno a este planeta, sin embargo, a partir de su visión cósmica y mitológica, marcó un momento con su trabajo dedicado a lo cósmico, a lo espacial.

La noche del 15 de mayo en en Teatro de la Ciudad será recordada por muchos como esa excursión sonora, con una orquesta liderada por Marshall Allen ante un recinto prácticamente lleno y un público muy joven quien se divirtió, meneó cabezas y manos a ritmo de ese jazz de hace por lo menos cincuenta años, ante un espectáculo que pocas veces se tiene la oportunidad de observar, sobretodo con figuras de talla histórica, en nuestra ciudad.

El conjunto hizo bailar al ritmo de los saxofones, los tambores y demás instrumentos, además de la bailarina vestida a una manera egipcia que contagiaba a la multitud al candor de sus movimientos. Los músicos, tocaron, cantaron, se divirtieron, y con la gala de su atuendo, mostraron como su concepto puede transmitirse de esa manera, un poco más teatral, sin el atascamiento visual que muchos de los asistentes están acostumbrados a ver en una presentación musical, en los ropajes se condensó la elegancia de las lentejuelas brillantes, lo cósmico, con esa fusión mitológica egipcia en los adornos y sombreros.

El trío Cosmic Brujo Mutafuka fue el encargado de abrir la noche con su free jazz que sorprendió a la asistencia con la armonía de la improvisación ejecutada por la batería, el contrabajo y el sax del estadounidense Marco Eneidi, el mexicano Itzam Cano y el suizo Gabriel Lauber.

La presentación de la Arkestra nos deja como lección, qué se quiere hacer para prolongar el legado de un músico como Sun Ra, de aquél que ha hecho cambios y marcado su tiempo, si evocar al pasado, con piezas extraordinarias, pero carecer de inventiva ante el talento de los diversos músicos que pueden llegar a tocar en una orquesta de tal renombre. La velada fue un viaje a los cincuenta, sí, sin embargo, cuáles son los aportes que pueden dar en este siglo XXI para continuar con la magia musical.