De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Cargado de ruido: Bestia Festival 2014

Con una carga de diversos sonidos –jazz, rock, hardcore, metal e improvisación- el Bestia Festival llega en su segunda edición a la Ciudad de México del 19 al 23 de noviembre, y contará con la participación tanto de músicos nacionales como del extranjero; con ello, el festival pretende llevar los sentidos a otro nivel y lograr que las propuestas musicales generen su propia dimensión a través de la variedad y fusión de diversas vertientes sonoras y audiovisuales.

Imagen de: jorgeleon.mx

 Dentro del Bestia se podrán apreciar bandas que difícilmente son vistas en otros escenarios debido a los géneros que cada una maneja, sin embargo, el festival pretende borrar esas etiquetas y abrirle paso a la creación de nuevas propuestas sonoras.

 Entre la gama de artistas que se presentarán, aquí algunos:

Han Bennink y Terrie Ex – Dúo de batería y guitarra

Bennink, un emblema del jazz, se convirtió rápidamente en un baterista que ha inspirado a muchos artistas. Terrie Hessels, guitarrista de The Ex, ha logrado experimentar e incursionar en el mundo de jazz hace apenas una década, sin embargo, su trabajo es ampliamente reconocido. Este dúo se presenta por primera vez en México.

Bob Stewart

Uno de los representantes de la tuba, tiene más de 40 años de trayectoria en los que ha colaborado con Gil Evans, Sonny Rolling y Charles Haden, entre otros.  Formará parte del Heavy Metal Dúo junto con Ray Anderson en esta edición del festival. Ambos se presentan por primera vez en México.

Monogatari

Agrupación mexicana que experimenta con el punk, harsh noise y hardcore a través de sintetizadores, distorsiones e improvisación.

Foto de: bestiafestival.com
Foto de: bestiafestival.com

Para que no te pierdas de ningún detalle, aquí está la cartelera

19 de noviembre

Concierto de jazz en el Teatro de la Ciudad a las 20:30 horas

  • Han Bennink y Terrie Ex
  • Marc Ribot
  • Ray Anderson y Bob Stewart

21 de noviembre

Concierto acústico en la Biblioteca Vasconcelos a las 19:30 horas

Entrada libre *Cupo limitado

22 de noviembre

Concierto en la estación de metro Indianilla a las 21:00 horas

  • Neurosis
  • The Ex
  • Monogatari
  • Sic

Clínicas de Música

20 de noviembre de 2014

Museo Universitario del Chopo, foro del dinosaurio a las 18:00 horas

  • Mariana Flores
  • Han Bennink
  • Terrie Ex

Entrada libre *Cupo limitado para público general

Cine

19 al 23 de noviembre

Se presentarán cinco títulos y 22 funciones en diferentes sedes:

Cine Tonalá del 20 al 22

Cineteca del 20 al 23

Cinematógrafo del chopo del 19 al 22

Centro Cultural Universitario del 21 al 23

Los filmes que se presentarán son:

  • I Need a Dodge, Buscando el Coche de Joe Strummer, 2014

  • Get Action! La Historia de Teengenerate, 2014
  • Una Banda Llamada Death, 2012

  • Pat Metheny: The Orchestrion Project, 2012
  • Beautiful Frenzy, 2001

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La muerta que no se fue, pero tampoco regresa

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De cuando hay festejos que por más que quieras, no puedes festejar.

 Sé que podría decirse que los mexicanos esperan con fervor a sus muertos, que les sirven comida, alcohol y demás, sin embargo, la tradición era para mí todo un lujo, dejó de serlo hasta que murió mi sobrina, aunque mucho más que ese parentesco lejano, yo la sentía como a una hermana.

 Ni siquiera quiero hacer la cuenta de los años que han pasado desde que se colgó en el borde de su cama y no lo recuerdo, porque hasta la fecha no había escrito al respecto. Pero las fechas me obligaron a recordarlo y no es que no pueda asumirlo, o aceptarlo o superarlo. El caso es que no le ponemos ofrenda, no podemos, nos duele. Nos aniquila el tema, el poder de la palabra suicidio y su edad (11 años) es suficiente para evitar el tema y casi anular el hecho.

 Veo muchas ofrendas con fotos y guisados deliciosos, lo respeto, me gusta. Pero cuando se trata de “honrar” a la que se fue, el tema se complica. Un sólo año le pusimos un altar con flores naranjas y toda la parafernalia, pero para ser sincera, me retumbaba el interior el sólo pasar por ahí.

 Aunque me gustaría serle fiel a las “tradiciones mexicanas”, hay algo más profundo que me lo prohíbe, ni siquiera quiero ir a su tumba. No es que no quiera recordarla, es que sigue bien presente y no regresa con velas y flores. Vive en mi casa todavía y la herida brota. Duele menos, pero siempre lastima.

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

¿Cuántos diablos hay que cumplir para dejar de estar maldita?

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Soy la oveja negra de la familia, con modales de cabra.

 La que se tiene que tapar los tatuajes cuando llega a casa porque mi mamá, de 60 años de edad, se molesta conmigo por tenerlos.

 Soy la flor que emerge del pantano y huele bien.

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 Hay varios fluidos que se han derramado en estos 25 años:

 Las lágrimas que salieron cuando me abandonaste.

 El sangrado vaginal que dejé de segregar hace poco más de un año.

 El flujo nasal que siguió luego de jornadas largas de llanto.

 El semen que me tragué y el que dejaste adentro.

 La sangre que corrió por mis nudillos cuando golpearon sin descanso el concreto. Maldita ansiedad.

 La cebada de mis latas de cerveza y el whisky, el ron, el mezcal, el pulque, el brandy; casi todo menos el horrendo vodka.

 La saliva que lubricó mis porros y la que me faltó luego del silencio introspectivo que deja la hierba codiciada y juzgada por muchos.

 El sudor de mis manos y de mis axilas.

 La grasa facial que se escurre tras la actividad diaria.

 No han pasado tantos años, sólo los suficientes. No he madurado del todo y no sé cómo se llega a ese ideal.

 Sólo sé que seguiré esparciendo jugos y caldos, regando mi esencia; con desprecio y repudio a las situaciones que no puedo controlar: tu ausencia, desdén y olvido.

Fotos: Jaime Tena 

Cloud Nothings en México: un derroche de sudor asegurado

Cloud Nothings, la energética banda procedente de Cleveland, Ohio, visitará por primera vez la capital del país el próximo 18 de octubre. Después del lanzamiento de un aclamado “Hear and Nowhere Else”, tercer disco de larga duración del grupo, los liderados por el vocalista Dylan Blandi pisaran la tarima del Pasagüero en un sábado que promete derroche de sudor tanto de la banda como de los asistentes.

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A continuación les compartimos un par de temas de la banda para que se adentren a su sonido que por momentos remite a Fugazi y a Sonic Youth:

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Fecha: sábado 18 de octubre

Hora: 21 horas

Lugar: Pasagüero (Motolinea #33, colonia Centro)

Precio: $280

Redes sociales de la banda:

Facebook

Sitio web

 

T. Mills por primera vez en México

El rapero Travis Tatum Mills, mejor conocido por su nombre artístico T. Mills, visitará por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un show el 26 de noviembre en el José Cuervo Salón. El veinteañero originario de RiversideCalifornia,  presentará temas de “Ready, Fire, Aim!” (2010) , su material debut de larga duración, y de sus EP’s posteriores.

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 La música de Mills esta influenciada por una variedad de géneros: va del punk y el hip hop al  R&B y el pop.

 Les compartimos “All I Wanna Do”, el más reciente sencillo de este músico estadounidense que también da nombre a su ultimo EP:

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Fecha: 26 de noviembre

Hora: Por confirmar

Lugar: José Cuervo Salón

Precio: General de pie $500.00 / Balcón $600.00

Redes sociales del artista:

Facebook

Sitio web

De: “Casa con desván” Chéjov

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Antón Pávlovich Chéjov, médico, escritor y dramaturgo ruso, maestro del relato corto y autodenominado amante de la literatura, escribió en 1896 “Casa con desván”

 El de Chéjov es un cuento interesante no tanto en sí mismo como por la exposición y referencias que de la estructura social hace, el personaje: Lida, en representación del Gobierno como valor asignado, busca y procura el “bienestar” del pueblo mediante la generación de escuelas y hospitales para sanar y subsanar las principales carencias, acá, la alegoría de la sociedad.

 El protagonista, harto del mal trato que de su persona se hace, vale aclarar que él es  un artista, pintor para ser más específicos, paisajista con precisión; llega a un punto de desasosiego azuzado por la mención que de su falta de interés por “esos asuntos” hace Lida, minimizado, pone sobre la mesa lo que piensa de las labores filantrópicas por las que ella lucha y que son además razones potenciales de su existencia.

 Expone entonces, y es aquí de donde tomaremos tema, que el pueblo no necesita escuelas ni hospitales, no requiere de la alfabetización si esta sirve sólo para leer letreros en las cantinas, ni hospitales que pretenden sólo poner remedio a los daños que la sociedad en sí misma genera, es decir que el trabajo fatiga, dobla las espaldas, genera enfermedad por recaer sólo en unos cuantos, específicamente en la población más afectada y desvalida; sostiene que si el trabajo fuera distribuido equitativamente entre todos los que en el mundo habitan, terminaría en tener una duración no mayor a tres horas, el ser humano entonces, por inclinación natural tomaría partido por la ciencia y las artes, es decir, por el desarrollo y sublimación del espíritu, que es principio lo que realmente tiene valor.

 Entonces (En este orden de cosas) si el hombre requiere de libros para incentivar el intelecto, ha de pagar por ellos, es decir, trabajar más o hacer un sacrificio de dieta alimentaria para conseguirlo y vuelta al trabajo. Entonces termina todo en un ciclo ininterminable de a y b, b y a, que es asumido por las generaciones venideras una y otra y otra vez.

 El personaje entre todo el desahogo cae en la cuenta de que él mismo siendo que es artista forma parte innegable del sistema, haciendo la labor de entretenimiento permitido, vamos pues. Las decisiones tomadas por supuesto por ésta figura representativa que es Lida, afectan incluso y en apariencia, de modo terminante a sus pretensiones de romance con la joven hermana de Lida, Misius.

 El cuento se lee de una sentada, el manejo del paisaje es bello y detenido, Chéjov un escritor de calidad innegable.

 Todo parecido con la realidad, fue seguramente mera coincidencia.

Link: http://www.cuentosinfin.com/casa-con-desvan/

El almacén de la imagen: la fotografía de Rodrigo Maawad

Una de las ventajas del advenimiento de los programas de pos producción en la fotografía es que se pueden crear escenarios fantásticos, adaptaciones ambientales y escenas que generalmente producimos en nuestra mente a través del ensueño. Sin embargo, no todo en la fotografía, sobre todo en la que abarca el género del surrealismo, puede ser producido en su totalidad por medio de recursos de pos producción. El trabajo del fotógrafo, artista contemporáneo, se desarrolla tanto en la experiencia de la materialización de una idea al momento de hacer el montaje para una fotografía, así como también de la labor realizada en tanto la edición de su obra.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 Cuando vemos una fotografía es necesario observar el discurso visual que se está presentando, por un lado está la idea o el concepto que el fotógrafo pretende mostrar con su trabajo, es decir, qué está queriendo decirnos con una serie o con una fotografía. Podemos entender, de manera intelectual, aquello que el fotógrafo está representando, si se trata de una crítica social, si es más bien documental o si se trata de una propuesta a nivel artístico. Lo que intenta exponer el artista se puede volver aun más fácil de interpretar si tenemos como apoyo un texto curatorial. Sin embargo, a veces sólo observamos el resultado final del trabajo, la fotografía como producto final que se expone a nosotros como consumidores. En ese sentido, cuando nos detenemos a ver una fotografía podemos llegar a olvidarnos de pensar en el proceso de producción previa a la toma, es decir, qué hizo el fotógrafo para poder llegar a esa imagen que exhibe.

 Los fotógrafos mentalizan la imagen que van a crear a través del recurso de la fotografía. Para la realización de una toma fotográfica se parte primero de una idea, se eligen los escenarios, los personajes que aparecerán en ella, los elementos que ayudaran a la representación de aquello que quieren transmitir.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 El trabajo del fotógrafo mexicano Rodrigo Maawad (1982) es un ejemplo perfecto de que el trabajo del fotógrafo toma forma desde la producción del escenario, de los personajes, y de la selección de elementos de los que se servirá para realizar su obra. Al ver las fotografías de Maawad se piensa en el uso de programas de posproducción, pero también es importante observar la preproducción.

Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.
Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.

 Rodrigo Maawad es un fotógrafo que se distingue por realizar casi por completo la producción de sus imágenes. La caracterización de sus personajes, hecha a partir del uso de máscaras y otros elementos, está a su cargo. Además elige meticulosamente los escenarios para crear cuadros alucinantes y fantásticos que reflejan una sola cosa: crítica social. Esto sucede con su serie Homo videns, en la que según comenta el fotógrafo, intenta mostrar una crítica a ese ser humano que consume la cultura a través de los medios, que imponen comportamientos sociales. El hombre homo sapiens que reflexiona, comenta en una entrevista para CONACULTA, se vuelve homo videns, esto es, un ser que ve pero que no entiende. Se siente la influencia del investigador italiano Giovanni Sartori en el discurso visual de Maawad. La serie fotográfica Homo videns muestra esta crítica social a las telecomunicaciones.

Hasta la llegada de la televisión a mediados de nuestro sigo, la acción de “ver” del hombre se había desarrollado en dos direcciones: sabíamos engrandecer lo más pequeño (con el microscopio), y sabíamos ver a lo lejos (con el binóculo y aún más con el telescopio). Pero la televisión nos permite verlo todo sin tener que movernos: lo visible nos llega a casa, prácticamente gratis, desde cualquier lugar.

– Giovannni Sartori. Homo videns. La sociedad teledirigida.

 Así pues, vemos en esta serie a personajes en situaciones de encierro, paredes blancas que aluden a un estado de inconsciencia. Observamos personajes masculinos en el espacio de lo privado, aquel que solo permite al hombre experimentar todo aquello que hay afuera a través de los medios: la televisión, la radio. El espacio privado recluye y obliga, de cierto modo, a conocer el mundo a través del consumo de programas televisivos que plantean una visión manipulada de la realidad. Las fotografías nos muestran a seres humanos que no piensan, que solo ven, con la televisión tan incrustada en la cabeza que se ha vuelto parte de sus cuerpos.

Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.
Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.

 Por otro lado, Maawad muestra a otro tipo de humanos con cuerpos igualmente transformados, pero los vemos protagonizando escenas en el espacio de lo exterior. El mundo en el que aparecen estos seres antropomorfos no es el espacio del hombre moderno, es decir, un espacio urbano en el que se desenvuelve el hombre citadino, típicamente el homo videns. Sino que más bien se observan espacios agrestes. Algunas de las escenas pueden llegar a ser un tanto terroríficas, sobre todo por el énfasis que hace el fotógrafo por transformar la cara de sus personajes. Pero al mismo tiempo el horror se muestra en el efecto psicológico de miedo que puede causar en los espectadores. Este tipo de escenas pueden tener lugar incluso en la mente de cualquier persona, son ambientes recurrentes en pesadillas en las que el sin- sentido puede horrorizar a cualquiera.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

 La transformación del cuerpo es indispensable en el trabajo del fotógrafo hidalguense Rodrigo Maawad, así como la selección meticulosa de los espacios en los que representa su crítica social. Este fotógrafo es el caso de un artista completo, un individuo comprometido más que con el consumo de cultura, como él mismo lo menciona, con la creación de cultura.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

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Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

DE: Reencuentro con los libros ( I )

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Los libros nos han acompañado a lo largo de años de historia humana, prácticamente no existe casa en que no habite por lo menos uno, son los grandes amigos, los grandes maestros, los llenos de las palabras de los muertos, los que nos hablan, los fieles compañeros. Empecemos, por definir: del latín liber, libri, membrana o corteza de árbol: Un libro es un conjunto de hojas de papel, pergamino, madera, etcétera, que se rellena con datos, de la índole que fuere con el fin de preservación de un registro, unido por un costado, protegido con tapas, y puede tratar, de esencialmente cualquier tema.

 Según la UNESCO, un libro, para serlo, ha de poseer como mínimo 49 páginas o más, esto es, 25 hojas; de modo que si el compilado tiene menos  de la cantidad citada, hablamos de “algo” que ha de ser llamado folleto; este  último entonces, tiene una extensión de tres (5 páginas) y de hasta 24 hojas. Se le da el nombre también a una vasta obra que requiere, para ser publicada, de varios tomos, que son unidades independientes, aunque también se le conoce como tal a cada una de las partes de una misma obra, como en el caso de la Biblia, aunque todas estén publicadas dentro de un mismo libro.  A éstos últimos tiempos, un libro también es el compilado en soporte digital, “libro digital”  ( 1971, 1981 sale el primero) y los que pueden ser sólo escuchados gracias a una grabación previa “Audiolibros”. Éstas son sus partes:

  • Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente
  • Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro
  • Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
  • Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro
  • Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título
  • Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca
  • Portada: se indican los datos del libro
  • Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
  • Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro
  • Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro
  • Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados
  • Cita
  • Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
  • Paratexto
  • Epígrafe
  • Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra
  • índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etcétera
  • Prefacio
  • Preámbulo
  • Presentación
  • Capítulo
  • Bibliografía
  • Colofón
  • Epílogo
  • Bibliografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra

 Los orígenes de esta maravilla, parten de las manifestaciones pictóricas de quienes nos anteceden, son estas pinturas rupestres el registro impreso más antiguo. En las edades media y antigua, reinaba entre la población el analfabetismo, para reproducir libros se requerían hombres que copiaran a mano, los ejemplares por tanto y por los materiales de que los pergaminos estaban hechos (pieles de animales) eran costosísimos, escasos y se mantenían además resguardados bajo custodia en las grandes bibliotecas (Alejandría, Bizancio) y por algunos particulares.

 El mundo de los libros es increíble, y el reencuentro con ellos es necesario, nombrarlos, como conocer al cuerpo humano y todo lo que nos crea y antecede, por reencuentro, por restauración.

Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

El regreso de las bestias: Omar Rodríguez y Bixler-Zavala en México

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 Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala regresarán a tierras mexicanas con un nuevo proyecto musical: Antemasque. Los también fundadores y ex-integrantes de The Mars Volta y At The Drive-In planean visitar nuestro país a finales de octubre y principios de noviembre para ofrecer dos fechas en dos ciudades:

  • 31 de octubre – Pa’l Norte Music Fest en Monterrey, Nuevo León
  • 3 de noviembre – Circo Volador en el Distrito Federal

 Antemasque se presentó al mundo el 9 de abril del año en curso con un sencillo titulado “4 AM”:

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 En este proyecto también participan los músicos Flea (de Red Hot Chilli Peppers) en el bajo y Dave Elitch en la batería El grupo está en proceso de finalizar su disco debut, mismo que planean lanzar en el mes de octubre bajo el sello Nadie Sound. 

 La banda que abrirá el show de Atemasque en el DF será Le Butcherettes, proyecto liderado por la tapatía Teri Gender Bender, quien también forma parte de la banda Bosnian Rainbows  junto a Rodríguez-López.

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 Los boletos para el evento ya están disponibles en Ticketmaster y la taquilla del Circo Volador:

  • Preventa: $500
  • Precio regular a partir del 2 de octubre: $600

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La cinematografía mexicana en camino a 2015

Comedia, terror, ciencia ficción, drama o acción. Sea cual sea el género cinematográfico que se pretenda poner sobre la mesa como objeto de discusión, resultará por arrojarnos, casi invariablemente, un mismo resultado: la oferta que extiende la cartelera comercial de la industria se reduce a un puñado de producciones estadounidenses con un bosquejo de línea argumentativa que, al paso, se llena con distintos recursos pero, salvo contadas ocasiones, entrega productos genéricos prescindibles.

 Es imposible que las producciones mexicanas intenten, siquiera, seguir el ritmo de la maquinaria vecina. No es ningún secreto el lugar que tienen éstas con respecto a las otras; que, pese al reducido número de salas que se les asignan a lo largo del país, o bien, en el Distrito Federal y el área metropolitana, deben hacerse de una taquilla importante desde su primer fin de semana de exhibición para defender su lugar en estos grandes complejos

 Sin embargo, de hace algunos años y hasta ahora, hemos sido testigos de un crecimiento importante de la industria local, de una mejora considerable en la calidad de algunas de las producciones exportadas con sello mexicano. Dentro del gremio cinematográfico han destacado nombres de realizadores connacionales y de cintas gestadas en este país y, aunque nos encontramos todavía ante un caso de mexicanos en el extranjero, donde éstas entregas parecen ser mejor apreciadas por foráneos, es grato saber de películas que rompen este estigma con que carga el cine nacional y que son ejemplares de producciones sólidas, limpias, concisas, pensadas y bien logradas.

 Como muestra de ello, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematofráficas (AMACC) ha dado a conocer la lista de cintas que podrían representar a México en la 29 entrega de los Premios Goya, y en la 89 entrega de los Premios Oscar, ambas a llevarse a cabo en 2015. A continuación te la presentamos:

Cantinflas

Dirigida por Sebastián del Amo, fue estrenada apenas hace unas semanas en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Es una biopic del actor Mario Moreno vista desde los ojos de su alterego, este personaje que acaparó el género de comedia de la cinematografía mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Se ubica en el tiempo en que estaba por realizarse la cinta La vuelta al mundo en ochenta días (1965), durante el encuentro que su realizador, Mike Todd, tiene en con aquel pintoresco personaje tan arraigado en nuestra cultura, ícono hasta hoy día.

 Oscar Jaenada será quien dará vida al también llamado 'Mimo de México'.

Güeros

Road movie de 106 minutos de duración. Le valió a su realizador, Alonso Ruizpalacios, el premio a Mejor Ópera Prima en el marco del Festival de Cine de Berlín en el pasado mes de febrero, así como su proyección en el Festival de cine de Tribeca, de Nueva York. Recientemente se anunció que llegará a salas mexicanas en los primeros meses de 2015 gracias a la distribuidora Cine Caníbal.

 La cinta 'Güeros' se filmó en formato blanco y negro.

Guten Tag, Ramón

Trata una temática recurrente en el plano nacional: la migración. Esta coproducción germano-mexicana nos presenta a Ramón, interpretado por Kristyan Ferrer (Las Horas Muertas, 2013) y sus desventuras vividas del otro lado del mundo. La entrañable cinta de Jorge Ramírez-Suárez se encuentra actualmente en exhibición, y llegará a pantallas internacionales durante la segunda mitad del año y hasta 2015, distribuida por 20th Century Fox.

Kristyan Ferrer da vida a Ramón.

∙ La dictadura perfecta

Luego de lo que parecía terminar en una trilogía compuesta por La Ley de Herodes (1999), Un Mundo Maravilloso (2006) y El Infierno (2010), Luis Estrada volvió a aparecerse en el mapa con una nueva producción llena de humor negro, con personajes y situaciones que podrían parecernos extrañamente familiares. Caras conocidas, queridas y que han sido partícipes en las tres cintas anteriores, como Joaquín Cosío y Damián Alcázar, son parte de esta producción, aunque también se suman personalidades que quizá nunca pensamos ver en proyectos de éste tipo, tal como Osvaldo Benavides, Alfonso Herrera o Silvia Navarro. Incluso Sergio Mayer

De Luis Estrada.

Mi amiga Bety

Documental dirigido por Diana Garay, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Basado en una historia real, cuenta la vida de Bety, amiga de la infancia de la propia Garay, quien fue resuelta como culpable del asesinato de su madre y condenada a treina años de prisión a la edad de diecinueve. Aunque se encuentra en rotación nacional e internacional desde 2012, fue apenas en este año que llegó a las pantallas de la Cineteca.

 Documental de Diana Garay, basado en una historia real.

Quebranto

Parte del circuito de proyecciones de la gira de documentales de Ambulante, y del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) —esto en 2013—, y acreedora de premios como el Ariel a Mejor Documental, en 2014. Aquí, Roberto Fiesco desmitifica el tabú de la homosexualidad y de la condición transgénero: presenta a Fernando García y nos lleva por lo que vivió durante la transición a convertirse en quien ahora es, Coral Bonelli. Dentro de su labor de acercamiento con el público, ha sido proyectada en recintos como Cine Tonalá, la Casa del Lago y recientemente dentro de la programación de Canal 22.

Coral Bonelli.

 Los títulos restantes de la lista son El Incidente (dir. Isaac Ezban, 2013), González (dir. Christian Díaz Pardo, 2013), H2Omx (dir. José Cohen/Lorenzo Hagerman, 2013), Huérfanos (dir. Guita Schyfter, 2013), Inercia (dir. Isabel Muñóz Cota Callejas, 2012), La revolución de los alcatraces (dir. Luciana Kaplan, 2013), Mi universo en minúsculas (dir. Hatuey Viveros, 2013), La Obediencia Perfecta (dir. Luiz Urquiza, 2014), Paraíso (dir. Mariana Chenillo, 2014), Purgatorio: viaje a corazón de la frontera (dir. Rodrigo Reyes, 2012), ¿Qué sueñan las cabras? (dir. Jorge Prior, 2011), Volando bajo (dir. Beto Gómez, 2014) y Workers (dir. José Luis Valle, 2013).

 Sí, la oferta es muy amplia, y es alentador saber que se vislumbra un panorama viable y competitivo en la industria nacional. Quedaremos en espera de ver estos títulos en salas comerciales nacionales, y seguir la evolución del posicionamiento de nuestro país como potencial productor referente de la industria cinematográfica.

Especial Ghibli (Origenes): Series de Televisión

 Aunque el Studio Ghibli aún no ha presentado una producción oficial para la televisión como tal, más que el proyecto titulado Sansoku no Musume Ronja (dirigido por Goro Miyazaki), la verdad es que los orígenes de la compañía fueron muy de la mano con la pantalla chica. Series que hoy en día se consideran legendarias y clásicos llenos de nostalgia, las famosas “caricaturas bonitas” de antes, varias de ellas son prueba del enorme ingenio de estos artistas. De hecho, algunas personas se han interesado por este estudio con sólo recordar esos títulos que marcaron su infancia.

 Fueron diversas las series que llevaron a cabo, algunas como Ana de las Tejas Verdes (Akage no An, 1979), Chie la Gamberra (Jarinko Chie, 1981) y Sherlock Hound (Meitantei Hoomuzu, 1984), que quizá en México no sean demasiado conocidas. También tenemos otras series mucho más representativas como Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978), de la cual hablaremos en la siguiente sección, y también la exitosa Lupin III (Rupan Sansei, 1971), que también dejaremos para otra ocasión.

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 Como podrán apreciar, hablar de cada una de estas series nos llevaría mucho tiempo y muchas notas, por lo mismo, en esta ocasión hablaré de las dos series que mas destacaron del dúo Takahata/Miyazaki, tanto así que en México ganaron un público sólido y amante de su dulzura. Series que imagino todos conocemos aunque sea de oído. Basadas en famosas historias infantiles, estas series mantuvieron su target infantil, aunque con un toque ligeramente más maduro.

 La primera serie es la famosa Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), basada en la obra de Johanna Spyri y que nos cuenta las aventuras de una pequeña niña que vive en los Alpes suizos en compañía de su abuelo, un anciano reservado y enérgico con la gente, pero que guarda un amor y una dedicación ejemplar para con su nieta. La niña también cuenta con la amistad de Pedro el pastor, el único ser humano que parece tener una buena relación con el abuelo y con quien pasa momentos increíbles ante la belleza de las montañas. La vida perfecta de Heidi se ve afectada cuando su tía Dette la lleva por la fuerza a la ciudad Frankfurt, donde se convierte en la mejor y única amiga de Clara, una niña inválida que vive a la sombra de la soledad y el estricto dominio de la señora Rottenmeyer, su institutriz.

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 Es poco lo que puedo hablar de esta serie y que nadie sepa, se trata de una historia conmovedora en todo sentido. Constó de 52 episodios y es una de las caricaturas más famosas en la televisión mexicana de antaño. Con una animación magnifica (y mas para la época), un diseño de fondos y arte espectacular, obra del mismo Hayao Miyazaki y una gran dirección por parte de Isao Takahata, no es de extrañar que esta caricatura sea tan querida por casi todos los que la han visto.

 Cabe mencionar que la serie está llena de buenos mensajes y valores como la importancia de preservar la magia y la inocencia infantil, mantener la esperanza siempre aunque todo parezca en nuestra contra, la amistad, el amor familiar, el no juzgar a una persona sin conocerla antes, y por supuesto, lo maravilloso que puede ser alejarnos de aquello a lo que estamos acostumbrados y probar de repente cosas nuevas.

 Sin embargo también hay puntos que para algunos pudieran no ser perfectos, como el hecho de que el personaje principal es una niña adorable y de un corazón noble y agradecido a más no poder, pero a la vez acostumbrada a hacer lo que quiere siempre y cuando esa libertad se ve limitada, termina volviéndose una víctima de los “malvados” adultos que tratan de imponer cierta disciplina. En el mundo de los niños es una visión sin pecados, pero algunos adultos quizá piensen que lo mejor es que los niños vayan aprendiendo la importancia del deber desde que son pequeños.

 La segunda serie es una que no tuvo tanto impacto en México, pero eso no significa que no tuvo un muy merecido éxito. Muy similar a Heidi y basada en el libro “Corazón, EL Diario De un Niño” de Edmundo de Amicis, llegó Marco: De los Apeninos a los Andes (Haha wo Tazunete Sanzenri, 1976), también dirigida por Isao Tkahata  y que nos cuenta la historia de Marco Rossi, un niño que se ve separado de su madre cuando esta debe viajar a la Argentina en busca de empleo para ayudar a su esposo, un médico bondadoso pero pobre. Por un tiempo, Marco y su familia viven normalmente en la ciudad de Génova, Italia, hasta que el pequeño nota que las cartas de mamá tardan más en llegar y una serie de pensamientos, sueños y eventos le hacen creer que ella está en problemas y necesita de él. De ese modo, Marco emprende una gran aventura hacia el continente Americano en busca de su madre, descubriendo en el camino desde amigos maravillosos como Peppino y su Tropa, hasta obstáculos demasiado fuertes para un niño, y que sin embargo, debe afrontar solo.

 Esta serie ha sido comparada e incluso confundida con otra caricatura, Remi, el Niño de Nadie (le Nakki Ko, 1977), por la trama similar y la crudeza de algunos aspectos de la serie; pero no nos equivoquemos, que son dos caricaturas distintas. La serie es igual de conmovedora y bien hecha, con una animación y manejo artístico de primera, lecciones de vida que abarcan la amistad, el valor, la determinación y el porqué los humanos debemos apoyarnos entre nosotros. También muestra aspectos muy fuertes y negativos de la sociedad, gente capaz de robar a un niño indefenso y solo, o dejarlo a su suerte cuando este llega a pedir auxilio. Es una serie que nos muestra las dos caras de la moneda, la buena y la mala, ante la sociedad y en más de una ocasión nos hará reflexionar sobre nuestros actos.

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 Las dos son caricaturas brillantes y hermosas que todos deberíamos ver por lo menos una vez. Claro que es casi imposible que hoy tengan el impacto que tuvieron y que para algunos resulten series demasiado infantiles y hasta bobas en distintos aspectos. Pero recordemos que son caricaturas hechas para niños y contadas desde la perspectiva de los pequeños.  Un rato para imaginar, historias llenas de valentía y problemas adultos que al final son superadas por la mente y alma de los más chicos, y aparentemente, los más vulnerables. Luego de verlas podríamos preguntarnos si el mundo no sería un mejor lugar si esos niños internos que todos tenemos jamás desaparecieran.

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

Tengo la sensación

Es por eso que todavía cierro los ojos

para pronunciar tres veces las letras delgadas que forman su nombre

con la sensación de que…

cuando deje entrar un poco de luz

otra vez Juan esté enfrente de mi cuerpo,

atravesado en el aire…

O cuando sólo finjo dormir

y me acuesto para recordar la forma en que lo hacía,

para que cuando mis párpados se junten con la piel,

al asomarse, los ojos que tengo,

vean a Juan con la cara tan cerca de la mía como la ponía entonces

y vuelva a sentir en la piel su respiración pedregosa,

y vuelva a sentirlo mi piel tan encima, tan encima

y tan cerca que se me entierre entre los riñones

y entre el hígado.

Pero todo esto es sólo algo que puedo solamente seguir esperando.

Como espero el fin.

Porque la verdad es que…

aunque se hiciera posible…

aunque Juan encontrara la forma de salir de entre la tierra,

aunque una para salir desde el tártaro,

aunque burlara a Hades,

aunque otra para atravesar a nado el Aqueronte,

y hallara una moneda para pagar a Caronte

el viaje de su regreso,

aunque abrirse una grieta de entre mis recuerdos

y lograra hacerse llegar hasta ésta realidad donde nos encontramos

y desde los hilos de mi rencor lo lograra…

lo encontrara, llegara

Aunque aprendiera…

Aunque pudiera…

…Yo ya no puedo sentir nada

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

https://www.youtube.com/watch?v=q3v7cXDwUgI

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

60 Tigres en Casa del Lago

 Un escenario techado en un espacio al aire libre, en uno de los lugares mas visitados por miles de visitantes al día, es el sueño de muchas de las bandas de la escena emergente, no sólo citadina. El pasado sábado 9 de agosto el sueño se cumplió para una banda con poco mas de 10 años de haberse formado: 60 Tigres se presentó en Casa del Lago, ubicada en la primera sección del Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México.

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 60 Tigres es una banda proveniente de Monterrey, la agrupación actual está conformada por Miguel en la bateria, Roberto en el bajo y voces, Fernando y Pepino en las guitarras. Ellos son los encargados de hacer cantar, bailar y saltar a su público con canciones que en su mayoría tienen alto grado de contenido social.

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La música y gritos comenzaron viente minutos después de las 2 de la tarde, cuando 60 tigres apareció en el escenario. Fernando y “Pepino” fueron los primeros en subir, seguidos por “Polo” y Miguel, que al alistar sus instrumentos  tocaron como primer canción “Picoso”. Con la segunda canción llamada “Modelos sin personalidad”, los ánimos de todos los que acudieron se levantaron y pedían más rock.

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 En una presentación de aproximadamente una hora y media, la banda tocó canciones de su primer EP llamado Animal lanzado en 2013. Entre las canciones que mas se corearon se encuentra: “Cáncer de Pulmón” y “24 horas”, así como algunos tracks de su nueva producción, entre ellas sus dos sencillos “Diógenes” y “Jineteando”, con las cuales dejaron un buen sabor de boca en el público. A mi parecer dieron una excelente presentación.

¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

Pasaje coyuntural de Franz Liszt

Pintura de Franz Liszt.

Rapsodia y musicalidad, describen el célebre sentimiento de perpetuidad que envuelve al gran maestro de origen húngaro; alabado y materializado a través del tiempo. Caracterizado por la sincronía de sus acordes, de sus pasos y obstinados cambios en cada una de sus obras temáticas.

 La trascendencia del gran compositor ha tenido un sinfín de valores sincronizados en la historia de la música clásica de finales del siglo XIX y comienzos del XX. París fue el lugar idóneo para su desenvolvimiento ancestral en cada una de sus interpretaciones sobre sus grandes contexturas armónicas.

 Olvidándose de la banalidad que imperaba en la zona europea, él sólo presentó su singularidad para componer y admirar cada una de las tonalidades de la época que dio su gran paso hacia la musicalidad.

 Teniendo como precedente al majestuoso Niccoló Paganini; reconocido por la destreza para manejar el violín, se acompañaba del recuerdo de la fragancia de las melodías, de los retoques sincronizados de par en par y en conjunto con la suntuosa magia del alma; mientras que a lo lejos se escuchaba el eco inadmisible de los corazones desquebrajados y el reflejo proteico de anhelar una y otra pieza.

 Gran parte de su legado, se debe a las reflexiones en torno a grandes compositores como Schubert y Beethoven, de quienes haría sus mejores aliados para construir la pieza más conocida de éste, conocida como sueño de amor. Dicha pieza, fue la apertura central para su gran repertorio musical que impera en situaciones como una velada romántica hasta una película pintoresca sobre las emociones de la predilección del querer.

 ¿Quién no ha escuchado en una película alguna tonada perpetua del gran Franz Liszt? ¿No ha curado más de un lloriqueo en pleno siglo XXI?

Portada de la cinta autobiográfica del compositor.

 Versiones autobiográficas como la cinta de 1960, que también se titula con el mismo nombre y que trata la vida enigmática de Liszt, triunfando en 1961 con el Globo de Oro; trae consigo una mezcla aborigen de querer saciar el dolor y la frustración de la emoción sensorial, a raíz de la confabulación de nuestros días.

 Liszt nos transporta a lo inimaginable, a una conmoción, al acompañamiento de la palpitación cardíaca fuera de orden, a palabras inauditas imperceptibles y fugaces deseos; quebrantándonos en un solo destello de cinco minutos.

 Paradójicamente, además del amor; Liszt nos brinda la oportunidad de viajar a través de la melancolía, de ese sentimiento inaudito y persuasivo, como se hace entrever en la triste pero penetrante sinfonía de Fausto.

 ¿Cómo olvidar la majestuosidad de la sinfonía del desdichado e intransigente Fausto? Goethe supo blasfemar , además de admitir de una singular forma la cadena que envuelve al hombre y, metafóricamente se refiere al personaje de Fausto y al fatuo destino que le aguarda con el maléfico Mefistófeles.

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Caracterización de la obra de Goethe.

 Minuto ocho y los vellos de punta, los ojos desorbitados, la lámpara encendida tenuemente, la terquedad del viento azota contra la ventana y la cautela desaparece; para dar paso al anárquico meneo del brazo.

“Yo soy una parte de aquella parte que al principio era todo; una parte de las tinieblas, de las cuales nació la luz, la orgullosa luz que ahora disputa su antiguo lugar, el espacio a su madre noche”

“Plática entre Richard Wagner y Franz Liszt”           Crédito: The Muslim Times.

 Cumplidos sus 36 años; sentimientos como jubilo, serenidad y esperanza acechaban esa vida que auguraba más éxito y notoriedad entre los más afables a la apreciación de la música, pasó a convertirse en uno de los guías de las obras maestras de Richard Wagner, memorias que constituían una mágica e inigualable intensidad.

 Lo anterior se retrata en la frustración e ironía que refleja la ópera titulada La muerte de amor de Isolda, que muestra el retrato de una relación desalmada y siniestra entre dos seres que han vivido para amarse plenamente, a pesar de la crueldad y de la incipiente negación por no querer avanzar el resto de sus días.

 Del amor al odio, del rencor a la reconciliación; son sentimientos antagónicos que sólo la sonoridad a la Liszt nos brinda al caer la noche o al acercarse el ocaso de cualquier día de la semana que se avecine.

11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

av av4 av3 av2           Imagen del Festival Avándaro de 1971

  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

Especial Ghibli (Orígenes): Hols, El Príncipe del Sol

 Con motivo de la triste noticia del posible cierre del Studio Ghibli, abro una nueva sección especial homenajeando a esta legendaria empresa de animación. La verdad es que el futuro de esta compañía es incierto y todo parece indicar que no pasará nada que lamentemos, más aún tras declaraciones de sus directivos en el cual anuncian la producción de algunos cortometrajes para ser exhibidos en el museo del estudio, ubicado en Tokyo.

 Pero antes de hablar del estudio y sus logros, es importante conocer parte de sus inicios. Es bien sabido que el más famoso director que trabajó en el estudio fue Hayao Miyazaki, cuya fama se volvió tal que incluso ha opacado al genio que fuera su amigo, socio, y maestro, Isao Takahata.

 Takahata ya era un nombre relativamente conocido en el mundo de la animación cuando Miyazaki llegó con él. Su amistad surgió cuando Hayao entró a trabajar a la empresa Toei Doga y quedar bajo el liderazgo de Isao, quien se encontraba elaborando la primera obra de este dúo (y quizá una de las más complicadas), Las Aventuras de Hols: El Príncipe del Sol (Horus: Prince of the Sun, 1968), también conocida como La Princesa Encantada.

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 Con Takahata en la dirección y Miyazaki en el departamento de animación, la película fue uno de los proyectos más escabrosos de la compañía. La falta de recursos, altos costos, tiempos de entrega que no lograban cumplirse y como siempre, choques de visión entre la producción y el director hicieron de esta cinta una verdadera pesadilla en su proceso de elaboración. No obstante y a pesar de más de un momento en los cuales parecía que el proyecto quedaría estancado, la película fue terminada.

 Desafortunadamente dicha película costó más de lo que recaudó, de hecho hay quien asegura que fue un fracaso que le costó su empleo a Isao Takahata. Al final, pasaría a la historia en la lista de las cintas que se han vuelto cine de culto cuando en su época fue tan menospreciada. Es una película difícil de conseguir (prácticamente imposible en formato original), pero que se puede encontrar en internet y créanme, es una cinta que no se arrepentirán de ver.

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 La animación es amateur, la paleta de colores muy sencilla y tiene varios errores de proporciones y continuidad. Se nota que es obra de principiantes, sin embargo, unos principiantes que pusieron gran amor y esfuerzo a su creación y esos detalles son los que hacen de esta película una joya.

 Sí, la animación carece de muchas cosas, pero tampoco es una mala animación que no logre transmitir la historia que se pretende contar. Comparándola con los siguientes trabajos de este par, pareciera una obra menor, pero es una digna creación indirecta de Ghibli, que de hecho fue el parte aguas en una enorme faceta del animé.

 La historia se desarrolla en la Edad de Hierro en tierras europeas y cuenta la travesía de Hols, un muchacho que a la muerte de su padre queda solo y debe valerse por sí mismo. Antes de morir, su padre le pide que viaje en busca de otros humanos que puedan aceptarlo, tarea que Hols cumple sin dudar. No pasa mucho tiempo antes de encontrar una aldea de pescadores que vive atemorizada por un monstruo marino, mismo que Hols derrota ganándose la simpatía de casi todos.

 Las cosas parecen ser perfectas hasta que Hols conoce a Hilda, una niña solitaria con una hermosa voz que cautiva a los hombres cuando canta. Hols y Hilda entablan una bella amistad sin saber que la chica secretamente sirve al malvado Grunwald, un hechicero cuyo único objetivo es destruir a la humanidad.

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 El tono de la película es en su mayoría infantil, una historia de aventura y fantasía que incluye valores como la amistad, la determinación, el coraje y la importancia de luchar por el prójimo, sin mencionar animales que hablan. Aún así, la película no cae en un género que los adultos no puedan disfrutar, de hecho la cinta es madura y tiene momentos sumamente fuertes que abarcan temas como la muerte, la magia negra, traición, monstruos e incluso una sutil escena de desnudo.

 Como mencioné antes, es una película que no está exenta de errores de todo tipo, pero la calidad y la pasión con la que fue hecha, el trabajo y el corazón impregnados en ella a pesar de lo difícil que fue son notorios y al final, el espectador puede percibir eso y el sabor de boca es muy agradable. Es una película que todo fan del animé debería conocer, y si son fans de Studio Ghibli, con mayor razón. Ampliamente recomendable, una cinta para todas las edades y digna de verse sólo por ser la semilla que dio origen a ese inmenso roble de magia animada.

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

TEATRO FUERA DEL TEATRO PARA ESPECTADORES NO CONVENCIONALES

 Es cómodo hacer teatro dentro de un recinto destinado a ello, con luces dispuestas, paso de gato, butaquería, camerino, escenario frontal, piernas, escenografía, utilería, telón, baños, presupuestos, becas y todo lo que en general ayuda a construir un universo ficcional. Un lugar en que la gente sabe que va a ver una función y entra a la convención, porque, es menester decir, que no hay modo de pensar que esto es real, desde el pago de un boleto, desde el cruce de la puerta, desde la selección del asiento; actores amparados por todo lo que lo conforma, espectadores que saben su posición y la asumen.

 Y es que el público es voyeurista, va a “ver” a ser espectador de un suceso, de fragmentos de la vida de algo más, entonces guarda silencio, entonces procura no toser, no hacer ruido, por este momento no es visto, ni juzgado, guarda las defensas para la llamada “realidad”, lo más que le podría pasar es que lo callen, sentir algún peso de miradas si el celular le suena o si el bebé le llora, se le permite reír claro, pero comúnmente es lo más. Permanece amparado por una “cuarta pared”.

 Hay en el teatro mexicano cada vez más y más apuestas a la escena en espacios no convencionales con modos de producción alternativos, y sea que provenga de las reales ganas de comunicar, o del hastío que provoca la burocracia. Es una apuesta eficiente en muchos sentidos, y es que muchos textos dramáticos, muchas ideas de generación de puestas en escena, muchos actores, muchas posibilidades quedan en la imposibilidad por que permanecen en espera de recibir una beca para financiarse, o de ser puestas en teatros de renombre que resuelven producción y nómina y avalan al currículum, de ganar premios nacionales o internacionales y el caso es que si esto no sucede, porque no se es hijo o la suerte no corrió o porque son muchos en la fila, termina en una privación de experiencias valiosas como sea que fueren, para un número significativo de personas.

 El teatro en espacios no convencionales, y por “no convencionales” nos referimos a cualquiera, dígase: Bares, cafés, azoteas, iglesias, sótanos, baños, casas abandonadas, una pollería, el barrio de Tepito, alguna calle de la roma, las escaleras de un edificio, un vagón del metro, la explanada de la basílica, un camión, cualquiera de verdad, cualquiera, y no sólo por hacerlo en cualquiera con afanes innovadores, sino porque los creadores que se han atrevido saben de las posibilidades de que un espacio real dota, de lo que en el espectador y en los actores provoca, hay una libertad intrínseca, un diálogo en común: “esto puede pasar aquí, en el lugar que tú y yo como humanos compartimos”

 El teatro en su recinto es magnífico, el teatro es magnífico en todas sus formas y se dice que el peor teatro, es en realidad “el que no se hace”, sólo que éste involucra al público a niveles ricos y extraños, el lugar ejecuta un cambio en la percepción, el espectador ya no está amparado, el volver a que en realidad el mundo es el hogar del teatro, el mundo todo, salir los creadores del recinto que los ampara y echarse al mundo con el teatro en la maleta, sin “cubre-bocas ni guantes de látex” a ser generadores de nuevas experiencias…

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Animación Universal: Persepolis

 Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

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 Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros.  No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

 Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

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 No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

 Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

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Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Con sabor del norte: Los oídos absolutos

En canto siempre es importante tener un buen oído para entonar las notas adecuadas. Todo cuanto suena tiene un lugar en la escala musical (DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI) como una nota. El localizar todas las notas de cualquier cosa es un trabajo muy complicado, pero existen personas especiales que lo pueden lograr y son aquellos que gozan de un “oído absoluto”.

 Tener un oído absoluto es la capacidad de identificar una nota por su nombre sin la ayuda de una nota que lo ubique en la escala. De igual manera, si alguien le dijera “cuál es la nota de LA, sostenido” la persona con oído absoluto podría cantar esa nota sin necesidad de afinarse o ayudarse de un piano.

Partituras musicales

 Es como ser un catador de vino. El catador podría identificar la uva, el productor, decir si es vino mexicano o francés, e incluso decirte el año. Un oído absoluto es como el catador de la música e incluso, del mundo. Estas personas excepcionales son capaces de saber cuál es la nota musical que utiliza el claxon de un auto que va pasando a su lado en el tráfico.

 Oídos absolutos existen de tres tipos:

 –          Los pasivos que pueden identificar todas las notas que escuchan.

 –          Los activos que pueden tocar todas las notas que se les piden sin ayuda.

 –          Los de oídos muy finos que pueden oír cuando una nota está ligeramente más aguda o más grave.

 Ojo, no por tener un oído absoluto te vuelves Superman y puedes escuchar el aleteo de una mosca que pasa en el otro lado del edificio. También es necesario destacar que el Oído Absoluto no es lo mismo que el Registro Absoluto; las personas que pueden alcanzar el registro completo de la escala, pueden existir registros absolutos que no sean oídos absolutos y viceversa.

 En el mundo existen muy pocas personas con oído absoluto, pero es más probable que una persona con autismo presente este don. No obstante para desarrollarse completamente se necesita de estudio y práctica.

 Y aquí entramos a un punto crítico. Muchas personas creen que por tener talento ya pueden llamarse artistas completos cuando en verdad hay toda una preparación detrás. Shakira será una mujer muy influyente que baile muy bien y demás; pero en cuestión de música no la considero una cantante con técnica, aunque la falta de ella le otorgue una voz tan peculiar.

 Shakira hace vibraciones con su voz que la hace sonar rara, como si estuviera pujando- gimiendo al mismo tiempo, en el caso de cantantes como las integrantes de Celtic Woman, la voz sale pura y limpia, sin tantos tapujos. Compárenlo ustedes mismos.

 También te puedes encontrar a muchos guitarristas que toquen miles de canciones o las compongan, pero pocos podrán leer notas. El arte es muchas veces visto como mero vertedero de sentimientos cuando también es de cuadratura, matemática y composición.

Joshua Bell, el violinista de los “dedos de oro”.

 Un oído absoluto no nace, se hace con esfuerzo y dedicación, lo cual nos enseña que muchas partes de la música son difíciles de aprender porque no basta tener una linda voz, es necesario entender todo lo que hay detrás de las notas.

 El tema me llama mucho la atención porque en mis gustos no me fijaba mucho en lo que eran este tipo de cosas hasta que entendí la diferencia entre los músicos que le ponen empeño y cerebro a lo que componen, con lo que incluso se nota la diferencia entre estos artistas y los que no saben tanto.

 Cualquier comentario acerca de esto saben que mi twitter es @alixreyna para que me comenten cualquier idea sobre estos personajes tan escasos en el mundo y como saben: ustedes aprenden conmigo y yo con ustedes.

 

The Lee Thompson Ska Orchestra presenta: Bangarang

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Lee Thompson; saxofonista de Madness (una de las bandas más influyentes sobre el mundo del ska y de la música inglesa en general) se encuentra promocionando actualmente el nuevo sencillo de su proyecto alterno llamado: The Lee Thompson Ska Orchestra.

 El sencillo en cuestión es Bangarang, tema que cuenta con la participación vocal de la legendaria cantante de reggae, originaria de Jamaica, Dawn Penn [para quien no la ubique, es quien canta el mundialmente famoso tema de You don’t love me (no, no, no)]. Además este sencillo, el álbum también cuenta con la participación de la cantante multi-instrumentista irlandesa Sharon Shannon.

 Bangarang es un tema original de finales de los 60’s del cantante jamaicano Stranger Cole, que la Lee Thompson Ska Orchestra incluyó en su álbum debut titulado The Benevolence of sister Mary Ignatius, título que hace homenaje a Mary Ignatius Davis, una de las personas que estuvo al frente de la Alpha Boys School (escuela de música para jóvenes de escasos recursos en Jamaica y  de la cual surgieron varios de los más importantes músicos de la isla).

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 Éste álbum está enfocado principalmente a producir covers, ye entre sus méritos notamos el estar considerado entre los mejores álbumes del 2013.

 Esta es la recomendación de la semana, The Lee Thompson Ska Orchestra y su excelente manera de revivir temas clásicos con un estilo propio, sin dejar a un lado la calidad musical, y si nunca has escuchado las versiones originales, este disco te dejara con ganas inmediatas de hacerlo.

 

 

 

 

 

La ultima carta de Betania Lopez

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El pasado 21 de febrero por fin salió a la luz “La Ultima Carta”, nuevo álbum de la chilena Betania López; en el cual, con un sonido fresco y alegre, la cantante chilena nos cuenta historias de la vida cotidiana.

 Este álbum cuenta con una base ska y rocksteady, pero con una sutil mezcla de pop y sonidos latinoamericanos, que dan como resultado una mezcla muy agradable para el oído que a cualquier seguidor del ska le gustará. Pero sobre todo para aquellas personas que no están familiarizadas con este ritmo, les resultara un disco muy digerible y fácil de escuchar

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 Betania López incursionó en el ska en el 2010 cuando saco un pequeño E.P. titulado “En las calles de mi tierra”, si bien desde algunos años antes ya estaba dentro de la música, su sonido estaba más enfocado hacia el reggae y el hip-hop.

 Aquí está la opción musical de este fin de semana, esta vez Betania López directamente desde Chile con una propuesta musical bastante interesante y esperemos que ahora que está promocionando su disco, no se olvide de México y realice algunas presentación en tierra azteca para poderla disfrutar al máximo.