Ensayo acústico de The Smösh en Ensayódromo

Hace unas semanas tuvimos el gusto de grabar uno de los ensayos semanales en Ensayódromo de The Smösh. A diferencia de los ensayos regulares en los que la banda está preparando el setlist para las próximas fechas de promoción de “7 Días De Oscuridad”, en esta ocasión se aventaron un acústico bastante especial. Les compartimos el resultado de aquella velada con los jóvenes de Tampico, Matamoros y D.F.:

 

 

¿Quieren más de los The Smösh? Escuchen su nuevo sencillo “Animal sin Voluntad” y descárguenlo completamente gratis por acá cortesía de Chulavista y The Smösh.

Ya son 20 años sin la reina

El 31 de marzo de 1995, Selena Quintanilla Pérez, la reina del Tex-Mex, fue asesinada de un balazo en la espalda por Yolanda Saldívar, quien fuera presidenta de su club de fans, administradora de sus boutiques y amiga de la cantante. Desde entonces, la música latina no ha podido llenar ese hueco tan grande que ella dejó. A 20 años de su muerte, se le sigue recordando a través de conciertos tributo, transmisiones de Selena Live en televisión nacional, así como también la película de su biografía, Selena, protagonizada por Jennifer López (quien por cierto, despuntó a la fama después de este papel), discos recopilatorios o simplemente fans que no paran de escuchar y bailar sus canciones, sea 31 de marzo o no.

tumblr_msaveplrVI1qdoj20o1_400     ¿Cuál es el motivo del éxito y fama de Selena? Reivindicar a la mujer en un género musical que, hasta entonces, era sólo por y para varones, así como también enaltecer el nombre de México en los Estados Unidos, figuran entre las razones más fuertes que lograron que el nombre de Selena perdurara. Si bien es muy criticado que la cantante no tuviera un español muy fluido a la hora de hablar y que en sus roces con la prensa esto fuera notorio; así como también la proyección, en ella misma, de los sueños frustrados de su padre en el ámbito musical, Selena logró forjar un sentimiento de identidad que se consolidó, paradójicamente, al ella morir. Selena, entonces, se convierte en un ícono de la resistencia femenina, así como también del inmigrante mexicano en los Estados Unidos.

        De acuerdo con esta idea, viene a mi mente aquella escena de la película cuando su padre le dice: “Debemos probar a los mexicanos lo mexicanos que somos y probar a los americanos lo americanos que somos; debemos ser más mexicanos y más americanos al mismo tiempo”, y para muestra un botón: la trayectoria y legado de Selena.

        En una opinión muy personal, Selena es mi cantante favorita desde que tenía unos seis años. Desde la primera vez que vi la película basada en su vida y por herencia de mi madre y mis tías, Selena se convirtió en uno de los íconos femeninos más grandes para mí en muchos ámbitos. Saber que murió siendo tan joven y en la cúspide de su éxito pone en tela de juicio, para mí, el rumbo que tomaría su carrera, es decir, ¿hubiera mantenido esa línea?, ¿seguiría haciendo música para la gente y para traspasar fronteras?, ¿mantendría su lugar entre las mejores cantantes de música latina en Estados Unidos?, ¿hubiera ganado un segundo Grammy? No lo sabemos, lo que sí sabemos es que el título de reina se ha fortalecido, incluso 20 años después de su muerte.

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Selena Live ! from Cuby 2013 on Vimeo.

¿Qué pasa con el reggaetón?

Meses atrás en este mismo medio, escribí una nota que lleva por título “¿Por qué lo naco es chido?”, donde señalo, entre otras cosas, por qué lo naco es intolerable y difícil de asimilar a ojos y oídos de “la gente cool”. Esto tiene fundamento en que lo naco carece de cultura y erudición. Y, justamente, me es inevitable relacionar esta cuestión con el tema del reggaetón.

 Para empezar, ¿de dónde viene el reggaetón? Según lo que encontramos en internet, el reggaetón nace de la mezcla de varios ritmos: el reggae, el raggamuffin, el rap, el dancehall y el dembow, con diferentes variaciones a lo largo de las últimas dos décadas del siglo XX. En un principio fue llamado “reggae en español”, el cual surgió de un intercambio cultural y musical entre Panamá y Puerto Rico. No obstante, fue en el segundo país donde el reggaetón adquirió mayor popularidad y su nombre pasó de “reggae en español” a “reggaetón”, como una extensión de la palabra “reggae”; esto porque el género que estaba naciendo era concebido por sus artistas como algo grande, y como a lo grande en español se tiende a ponerle al final la sílaba –ón… pues el resto es historia. Artistas como El General y Nando Boom se mantuvieron en las listas de popularidad desde finales de los 80. Más adelante el género se extendió por todo el Caribe y el resto del continente, encabezando a través de sus letras un movimiento de identidad y resistencia hacia el imperialismo cultural producto de la presencia de Estados Unidos en América Latina.

 No obstante, es evidente que este objetivo ha cambiado mucho a lo largo de los años. Desde que el reggaetón –digamos “nuevo”– empezó a sonar en México con Daddy Yankee y su primer éxito “Gasolina” en el 2004, hasta la actualidad, queda claro que es un ritmo que las clases más bajas bailan como si de dos perros apareándose se tratara (perreo), cuyas letras hablan de calle y de mujeres como objetos sexuales. En Cuba y Guatemala está prohibido el reggaetón y muchos lo han celebrado porque es un ritmo que incomoda tanto a la vista como a los oídos; no se ve bien una mujer rozando su trasero de manera sensual en el pene de un hombre. Tampoco se ve bien que las clases marginadas de los países latinoamericanos expresen sus inconformidades e ideales a través de la música. A través del reggaetón.

  Regresando a la concepción de lo naco como una muestra de la ignorancia de algunas personas en cuanto a música y apariencia se refiere, en México es común que quien escucha reggaetón sea tachado de ignorante, delincuente y drogadicto que no sabe respetar a las mujeres. En México existe una tribu urbana que surge de la penetración de este género a principios del 2000: los reggaetoneros, quienes adoptan la estética de sus cantantes favoritos. Por lo regular viven en barrios populares, siendo Tepito la mayor referencia, lugar donde se concentran los niveles más altos de delincuencia, pobreza y violencia de la capital metropolitana. Es por ello que despectivamente se les ha llamado “chakas”, aunque ellos se sienten identificados con ese nombre: “yo soy chaka, tepiteño, me gusta el reggaetón y el perreo”.

  Y es que escuchar y bailar reggaetón no te hace un delincuente o un ignorante. He escuchado decir a varias personas que este género carece de creatividad y de sentido, al ser una mescolanza de diferentes ritmos que desemboca en letras que rompen la (¿poca?) armonía de los mismos. Realmente yo le atribuyo este rechazo, más que a otra cosa, a que se trata de una música que se oye en los barrios, que los chavos de Conalep ponen en sus fiestas mientras se dan una monita de Kool-Aid y las niñas quedan en topless. Y es que sí, como en un principio lo dije, parece que la gente tiene que nacer con un chip de intelectualidad y de cultura que, automáticamente, debe rechazar absolutamente todo lo que no demuestre que está a su nivel.

  Lo chistoso es que muchas de estas personas que rechazan profundamente el reggaetón y que son capaces de bajarse del camión si esa música está sonando, en secreto lo escuchan. Personalmente, desde que el reggaetón llegó a México, es un género que me gusta mucho. Iba en sexto de primaria cuando por primera vez lo escuché y logró ponerme a bailar, sin embargo, con el tiempo y por la presión social, claro, tuve que negar que me gustaba e incluso alguna vez lo odié. Poco a poco fui volviendo a aceptar mi gusto por él y logré sacarlo de mi lista de gustos culposos.

 ¿Gustos culposos? Nada con menos sentido que eso, porque si algo gusta, no tiene por qué dar culpa. Eso es algo que se nos ha enseñado sin parar desde que nacemos: a sentir culpa por lo que nos hace felices. Hay que poner atención en esto, gente. Ordenen sus prioridades por encima de lo que puedan pensar de ustedes.

 Para terminar, es importante aclarar que no intento cambiar la percepción de absolutamente nadie frente a este género musical, sin embargo, creo que es importante que dejemos de alzarnos el cuello frente a lo que es “diferente” a nosotros, ¿me explico?. Más de uno de los que están leyendo esta modestísima nota han perreado hasta abajo y sin piedad. Aunque tengan maestría, doctorado y les guste el jazz.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Una concierto con mucho poder: Motor en el DF

Si te gusta el rock mexicano y apoyas la escena musical de nuestro país este evento es para ti. Motor, la banda de rock duro, serio y directo, se estará presentando el próximo 13 de febrero en Bar Caradura (Nuevo León #73., Col. Condesa).

Motor es una agrupación formada en 2011 por Manuel Suárez, Toño “El Patas” Rodríguez, Christian Charpenell y Pablo Enríquez, a partir de la desintegración de Guillotina, una banda mexicana con estilo grunge de los años 90. A finales del año pasado se estrenó Motor II, su segundo material discográfico que es más agresivo y el cual se escuchará en esta presentación que la banda  ha preparado. Así que no te puedes perder la oportunidad de escuchar a esta agrupación que ya ha pisado grandes escenarios como el Vive Latino, South by South West en Austin Texas, El Rock Nos Une y Revolution Fest.

Compra tus boletos aqui y no te pierdas la oportunidad de escucharlos en vivo.

Bone Thugs-n-Harmony: una dosis de hip-hop para México

Si te gusta el hip-hop no puedes dejar pasar la visita de Bone Thugs-N-Harmony, grupo de raperos formado en 1993, que pisará el José Cuervo Salón el próximo 5 de febrero de 2015, así como Estudio Teatro Cavaret, en Guadalajara y Escena Monterrey, en Monterrey.

 En esta ocasión los acompaña La Banda Bastön, originarios de Santo Domingo, Baja California Sur. Recuerda que Bone Thugs-N-Harmony es el único grupo que pudo trabajar con Tupac, Notorious B.I.G., Big Pun y Eazy-E y que ha ganado 6 nominaciones.

Así que prepárate para disfrutar de éxitos como Crossroads, First Of The Month, Weed Song, Meet Me In The Sky, entre otros. Compra tus boletos aquí, recuerda, la cita es el 5 de febrero a las 20:30 horas.

Desde Corea del Sur llega FT Island

Amantes del K-Pop tiemblen, porque en febrero de 2015 FT Island, los chicos de Corea del Sur conocidos por sus éxitos como Love Sick, I believe Myself, The One, entre otros, llegan a México por primera vez para deleitar a todas sus fans.

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 Para ver a “5 tesoros de la isla”, la cita es el próximo 25 de enero a las 18:30 horas en el Pepsi Center WTC, lugar que el próximo año estará repleto de eventos de alto nivel, así que no te lo puedes perder.

 Es importante recordar que la canción Love Sick permaneció en la cima del K-Pop por 8 semanas, así como que su primer álbum en Japón fue el más vendido por la sextalista Oricon.

Compra tus entradas aquí

 

 

Música balcánica para tus oídos: Balkan Fest 2015

ilustbaklaAmantes de la música balcánica ¡ATENCIÓN! Si aún no tienen sus boletos que están esperando, cada vez falta menos para el Balkan Fest 2015, que se llevará a cabo el próximo 7 de febrero en el Foro Indie Rocks.

Si la edición pasada te dejo con ganas de más, no puedes perderte la de este año, ya que se contará con la presencia de Roberto Soko, Brass Street Boys, Eurhopa Orkestar, Disko Balkan y La Internacional Sonora Balkanera.

A pesar de que la música balcánica se ha alejado de sus raíces gitanas se ha podido ir nutriendo de nuevos  sonidos y generaciones, en las que ha mantenido su espíritu fresco.

Compra tus boletos aquí y no dejes pasar la oportunidad de vivir una noche llena de sonidos que muy pocas veces se escuchan en la ciudad.

 

 

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

La Roux en México

 

la-roux-591x900 Tras una larga espera, finalmente Elly Jackson, mejor conocida como La Roux, pisará tierras mexicanas el próximo 27 de enero para promocionar su segundo material discográfico Trouble In Paradise, que fue reconocido con un Grammy a Mejor Álbum Electrónico/Dance y nominado a los premios Brit Awards en las categorías British Breakthrough Act y British Single.

 Después de la separación de su compañero Ben Langmaid, co escritor y co productor del primer álbum, La Roux regresa con un álbum que combina diferentes géneros musicales como synthpop, new wave y disco.

 La cita es el próximo 27 de enero en el José Cuervo Salón (Lago Andromaco #17 esq. Moliere) a las 21:00 horas. El costo de los boletos es: General $550 y VIP $650, para adquirirlos da click aquí.

 

 

Mäbu en tierras mexicanas

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Tras una primera gira exitosa en 2012, Mäbu regresa a México este mes para promocionar su álbum “Detrás de las Luces”, que salió a la luz el pasado febrero, del cual se desprende su más reciente sencillo Quédate a dormir

 La banda española, estará en Guadalajara, Morelia, Querétaro, Ciudad Satélite, Cuernavaca, Toluca, Puebla y el Distrito Federal en compañía de Los Verdaderos Cabrera, Zoosonics, Alan Bonilla y Adiós Paris del 4 al 14 de diciembre.

 La importancia que ha tenido esta agrupación se basa en mostrar todo su contenido en conciertos y giras, dejando de lado las versiones de estudio y videos musicales. Así como deshacerse de los estereotipos del pop español a través del rock independiente, cabaret y música de cine para crear un estilo propio.

Foto de: efeeme.com
Foto de: efeeme.com

Mäbu nace a principios del año 2008 en Madrid y está conformada por María Blanco, Txarlie Solano y Cesar Uña. Después de un EP y dos producciones discográficas, la agrupación se ha consolidado como una de las bandas emergentes con mejor propuesta.

Mäbu comenzó tocando en pequeños locales dando conciertos por Bilbao y Madrid a mediados de 2008 con algunos temas que ya tenían compuestos. Cuentan con un EP titulado ‘Hallo’ y 2 producciones discográficas de larga duración, siendo ‘Buenos Días’ su álbum debut.

Venta de boletos aquí

*No olvides seguir a Mäbu en sus diferentes redes sociales

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Festival de jazz de Polanco 6 y 7 de Diciembre: Edición Otoño-Invierno


Para los amantes del jazz y de todos aquellos que disfrutan de un evento al aire libre, este 6 y 7 de Diciembre en el Teatro Ángela Peralta se presentará la edición Otoño-Invierno del Festival de Jazz de Polanco. Con la participación de músicos de talla internacional, esta muestra sigue la línea de la familia Schwarz; vislumbra un elenco desde el jazz en su renombre clásico hasta lo que aclama la vanguardia.

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 Desde el año 2013, dicho festival  se hace con la intención de recobrar  el legado histórico del jazz en nuestro país, por lo cual ha sido un evento que desde su creación atrajo un sinfín de personas que gustosas de deleitarse con el jazz, asistieron a los dos días en que dura este homenaje hacia la semblanza de la música que ha patrocinado un sinfín de géneros musicales.

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Teatro Ángela Peralta. Festival de jazz de Polanco,2013.

 A su inicio, el festival tuvo gran aceptación y ahora la sigue teniendo, además de tener un amplio público que está atento de las fechas constantemente. Eddie Schwarz –productor de esta idea– trata de dar el espacio necesario a los artistas independientes, que si bien tienen talento, en muchos de los casos no son conocidos por la opinión pública. En ese sentido, el Festival de Jazz de Polanco también apoya a artistas nacionales que están incursando a este tipo de música.Con un horario de 16:00 a 21:00 horas, este fin de semana se llenará de luces el teatro Ángela Peralta.

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Edición 2013 , Festival de jazz de Polanco.

 El día sábado 16 de diciembre se contará con la participación de los siguientes artistas:

  • Daniel Perri
  • Eduardo Piastro Quartet
  • Calacas Jazz Band
  • Fran Domínguez Smooth Jazz Project
  • Gerry López Quartet

 Programación del domingo 7 de diciembre:

  • Rotem Sivan Trío

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    Festival de jazz de Polanco, 2013.
  • Rodrigo Castelán Bass Master
  • Yael Guy
  • Alex Mercado
  • Los Betos Guitar Trío
  • Víctor Patrón y su Quinto Grado Jazz Fusion

Los boletos los puedes adquirir en la taquilla del Teatro Ángela Peralta en un horario de 12:00 a 16:00 horas ,el costo es de $150.00.

 

 

¡Festival NRMAL en el DF!

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Para todos los amantes del indie: ya está confirmado, el próximo 28 de febrero y 1 de marzo llega la sexta edición del Festival NRMAL al Deportivo Lomas Altas de la Ciudad de México con un line-up liderado por la leyenda del art-rock y del IDM experimental: Swans y Mouse on Mars.

 Con casi 50 actos y proyectos en vivo, este Festival logrará, al igual que en años anteriores, traer bandas que de otra manera sería imposible ver en México como Phantogram, de EE.UU.; Chancha Vía Circuito, de Argentina; Dorian and The Dawn Riders, de Francia; El Último Vecino, de España; HTRK, de Australia; Boogarins, de Brazil; Gudrun Gut, de Alemania; entre otros.

Swans
Swans
Mouse On Mars
Mouse On Mars

¿Festival NRMAL?

Su origen radica en 2010, tras enfocar el proyecto en presentar música fresca, positiva y por qué no, con un toque arriesgado. En cada una de sus ediciones  este festival se transforma en el punto de encuentro de audiencias ávidas de diversos sonidos, experiencias extraordinarias y la cercanía entre todos los participantes.

 A pesar de que en esta ocasión el Festival no se realizará en Monterrey (lugar donde nació) sigue en pie mantener el espíritu que ha caracterizado y llevado a este evento a ser uno de los más importantes a nivel nacional de música independiente global.

 En esta sexta edición, Festival NRMAL llega con dos propuestas de programación nuevas: NODO, una plataforma de colaboración para la música y #CocinaCentral de Comilona, espacio dedicado a la creatividad gastronómica.

NODO

Este programa se desarrollara la semana previa al Festival, del 23 al 27 de febrero, para detonar una serie de agentes creativos y profesionales de la música. NODO se nutre de actividades que fomentan compartir ideas para así poder crear una red orgánica, creativa y sólida.  Se integra por tres módulos: formación, encuentro  y red, que, mediante charlas, talleres y plataformas buscan generar vínculos entre agentes en activo interesados en desarrollar su proyecto.

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Para no dejar con el estoma vacío a ninguno de los asistentes, la zona de comida del Festival se transforma en #CocinaCentral, misma que en esta ocasión trae una alineación de chefs, mixólogos y gastronomía pop-up que compartirán métodos y aproximaciones de la cocina mientras los llevan a la práctica.

 Para ponerle más sabor, Comilona, en colaboración con BC Creativa, harán duelos entre los diferentes chefs, mismos que podrán ganar el trofeo Comilona a través del voto de los comensales que serán los jueces.

 Entre los encargados de la cocina se encuentran los chefs Javier Plasencia, Martín Vargas, Diego Isunza, y los mixólogos Ana Mena, Carlos Soto y Joseph Mortera; todos reconocidos a nivel nacional.

Su primera vez

En alianza con Festival NRMAL, el Austin Psych Fest, creado en 2008 por el sello The Reverberation Apreciation Society, llega por primera vez a México buscando promover y crear un nuevo espacio para la expresión musical y artística. Para eso el jueves 26 de febrero, en el foro IndieRocks!, trae un showcase que integra  bandas de estilo psych como Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo.

 De igual forma el Festival Sugar Mountain junto con el sello Siberia Records traen dos proyectos que se volvieron favoritos: la banda No Zu y el cantautor Kirin J. Callinan. En esta edición de NRMAL presentarán el regreso de Kirin y la primera vez de la agrupación HTRK en México.

Para que no pierdas ningún detalle, da click aquí. 

Cave
Cave
Oxomaxoma
Oxomaxoma
HTRK
HTRK

Ya viene la nueva edición de Festival Marvin: #Marvin15

¡Ya está confirmado! El próximo 16 de mayo del 2015 llega México la quinta edición del Festival Marvin, en el cual se presentarán proyectos emergentes  y consagrados de música, cine y arte. En sus ediciones anteriores, sobre todo la de este año, Festival Marvin ha dejado a todos sus asistentes con la piel erizada y con ganas de más, es por eso que no hay razones ni motivos para no asistir próximamente.

Festival Marvin 2012
Festival Marvin 2012

 Recordemos que  desde la creación de este festival han desfilado gran cantidad de artistas naciones y extranjeros como Holy Fuck, IMS, Juan Cirerol, Quiero Club, Fujiya & Miyagi, Carla Morrison, Crocodiles, Atlas Sound, Foxygen, Reptile Youth, Teen Flirt, Ruido Rosa, entre otros.

 En esta  última edición que se realizó el 17 de mayo en el circuito Condesa-Roma se presentaron 52 actos provenientes de diversos lugares como Los Tres, de Chile; Phèdre, de Cánada; Go!Zilla, de Italia y  los headliner Danny Brown, una de las figuras del hip hop contemporáneo de Detroit y Daniel Jonhston, que aparte de músico es escritor e ilustrador, quien visitó por primera vez México.

Dentro de las ocho foros que se repartieron a lo largo del corredor Condesa-Roma, también se pudieron apreciar esculturas,   fotografías, collages, pinturas y proyecciones de cine a cargo de CutOutFest.

¿Cómo surge el Festival?

 El origen del Festival se da en celebración de los 10 años de la Revista Marvin, la cual se encarga aparte de aspecto musical, de mostrar una recopilación de nuevas tendencias, corrientes y propuestas culturales.

Todos estos aspectos se han tocado a lo largo de estos cuatro Festivales. Música en vivo, caminatas que permiten apreciar otro tipo de arte, distinto a lo que se puede encontrar en las salas de museos, así como proyecciones cinematográficas en algunos de los parques más famosos de la Ciudad de México.

Festival Marvin 2014
Festival Marvin 2014

Los boletos ya están disponibles, entra aquí y consigue los tuyos.

Checa una probadita de lo que se vivió este año en Festival Marvin, sólo para que te animes a ir.

Un trío musical para todos: Jazz en la Ciudad

Para todos los amantes del Jazz, el próximo domingo 23 de noviembre se estará presentando en la Casa del Lago, como parte de Jazz en la Ciudad, Esteban Herrera Trío en punto de las 12:00 horas.

Foto de: correlavozcomitan.com.mx
Foto de: correlavozcomitan.com.mx

Esteban Herrera Trío es un agrupación de jazz contemporáneo integrado por Esteban Herrera, en el piano, composición y dirección; Miguel Rodríguez, en el bajo eléctrico y Jorge Servín, en la batería. La música de este trío se caracteriza por incorporar herencias africanas, como se puede encontrar en países como Israel, de medio oriente o de Europa del norte.

Jazz en la Ciudad es un proyecto que cuenta con la colaboración de MUSITEC-CONACULTA, el cual busca rescatar  la cultura musical del país y brindarles el acceso a la misma a aquellos que no tienen  recursos o espacios.

La cita es en el Foro al aire libre 1 a las 12:00 horas el 23 de noviembre

*Entrada libre

 

Cargado de ruido: Bestia Festival 2014

Con una carga de diversos sonidos –jazz, rock, hardcore, metal e improvisación- el Bestia Festival llega en su segunda edición a la Ciudad de México del 19 al 23 de noviembre, y contará con la participación tanto de músicos nacionales como del extranjero; con ello, el festival pretende llevar los sentidos a otro nivel y lograr que las propuestas musicales generen su propia dimensión a través de la variedad y fusión de diversas vertientes sonoras y audiovisuales.

Imagen de: jorgeleon.mx

 Dentro del Bestia se podrán apreciar bandas que difícilmente son vistas en otros escenarios debido a los géneros que cada una maneja, sin embargo, el festival pretende borrar esas etiquetas y abrirle paso a la creación de nuevas propuestas sonoras.

 Entre la gama de artistas que se presentarán, aquí algunos:

Han Bennink y Terrie Ex – Dúo de batería y guitarra

Bennink, un emblema del jazz, se convirtió rápidamente en un baterista que ha inspirado a muchos artistas. Terrie Hessels, guitarrista de The Ex, ha logrado experimentar e incursionar en el mundo de jazz hace apenas una década, sin embargo, su trabajo es ampliamente reconocido. Este dúo se presenta por primera vez en México.

Bob Stewart

Uno de los representantes de la tuba, tiene más de 40 años de trayectoria en los que ha colaborado con Gil Evans, Sonny Rolling y Charles Haden, entre otros.  Formará parte del Heavy Metal Dúo junto con Ray Anderson en esta edición del festival. Ambos se presentan por primera vez en México.

Monogatari

Agrupación mexicana que experimenta con el punk, harsh noise y hardcore a través de sintetizadores, distorsiones e improvisación.

Foto de: bestiafestival.com
Foto de: bestiafestival.com

Para que no te pierdas de ningún detalle, aquí está la cartelera

19 de noviembre

Concierto de jazz en el Teatro de la Ciudad a las 20:30 horas

  • Han Bennink y Terrie Ex
  • Marc Ribot
  • Ray Anderson y Bob Stewart

21 de noviembre

Concierto acústico en la Biblioteca Vasconcelos a las 19:30 horas

Entrada libre *Cupo limitado

22 de noviembre

Concierto en la estación de metro Indianilla a las 21:00 horas

  • Neurosis
  • The Ex
  • Monogatari
  • Sic

Clínicas de Música

20 de noviembre de 2014

Museo Universitario del Chopo, foro del dinosaurio a las 18:00 horas

  • Mariana Flores
  • Han Bennink
  • Terrie Ex

Entrada libre *Cupo limitado para público general

Cine

19 al 23 de noviembre

Se presentarán cinco títulos y 22 funciones en diferentes sedes:

Cine Tonalá del 20 al 22

Cineteca del 20 al 23

Cinematógrafo del chopo del 19 al 22

Centro Cultural Universitario del 21 al 23

Los filmes que se presentarán son:

  • I Need a Dodge, Buscando el Coche de Joe Strummer, 2014

  • Get Action! La Historia de Teengenerate, 2014
  • Una Banda Llamada Death, 2012

  • Pat Metheny: The Orchestrion Project, 2012
  • Beautiful Frenzy, 2001

Consulta los diferentes precios

El mundo sonoro de Enero Será Mío

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Foto por Andres Gambini

La escena musical argentina se caracteriza por ser una de las más fructíferas de América Latina.Cada día emanan más propuestas independientes, novedosas, dignas de escuchar. Tal es el caso de Enero Será Mío, el alter ego de la cantante y compositora Sol Fernández, un proyecto lleno de secuencias y atmósferas con tintes dream pop y down tempo.

 De la mano de uno de los mejores productores de Argentina (Tweety González), Enero Será Mío lanzó su primer LP Juego 0 en el 2012, el cual contó con colaboraciones de Benito Cerati y Lucas Martí, entro otros.

 Después de dos años, platicamos con Sol sobre sus inicios en la música, sus influencias, la escena argentina y su nuevo disco.

C: ¿Cómo te acercaste a la música?

S: Yo vivía en Trelew, Chubut, Argentina. Trelew es una colonia Galesa y tiene como tradición una fuerte movida en coros y poesía, el Festival  Eisteddfod. Comencé a cantar con varios coros y con uno en especial, logré presentarme en varios lugares y viajar. Siempre fui musical. A los 7 años empecé a estudiar en el conservatorio, después, llegó a mi casa un piano heredado de mi abuela y lo empecé a tocar. Sin embargo, siempre he estado en la música como cantante, siempre ha sido mi placer, de hecho amo cantar canciones de otros autores. Este año he hecho algunos proyectos con Sebastián Carreras del Grupo Musical “Entre Ríos”. Me convocó para cantar y estamos grabando unas canciones. También grabe un tema para una película con Antonio Birabent, con Marcelo Zeoli (Los Látigos) colaboré en lo que se viene de “El Dependiente” su proyecto solista y también con otros amigos músicos.

 Ahora estoy con El Asunto, un grupo de cantautoras (incluyéndome) que nos juntamos y cantamos nuestros temas en un formato más acústico y vocal. Así que siempre me estoy moviendo en la música. Yo vivía en la Patagonia y me vine a Buenos Aires a estudiar musicoterapia, por lo mismo, me interesaba saber que pasaba a nivel psíquico y cerebral con la música y a partir de ello, termine siendo terapeuta. Así que vivo en un mundo sonoro 24 horas, los 365 días del año, y eso me da felicidad.

C: ¿Cómo fue el proceso para dar vida a Enero Será Mío?

S: Un día me animé a mostrar mis canciones. Tenia ideas musicales que no terminaba grabadas, y les di forma. Armé una banda  con unos amigos y decidí grabar un EP en el 2009, algo casero que sonaba mas rockero a lo que yo andaba buscando. Fue una gran foto para ver como iba a encarar el disco.

 Ahí fue cuando me puse a trabajar con Tweety González  sobre ese material. Ese año fuimos al LAMC (Latin Alternative Music Conference)  en Nueva York para exponer el EP y después de eso empecé a grabar el LP. Benito Cerati se une a Enero y empieza a hacer unas programaciones y coros en vivo. Después trabajamos en su material y armamos un proyecto que se llamaba Blank Tiger. Le pedimos una mano a Tweety y se terminó el disco. Ahora su proyecto se llama Zero Kill, pero no tocamos mas juntos, nos separamos artísticamente para que cada quien tuviera su proyecto.

C: ¿Por qué el nombre de Enero Será Mío?

S: Me colgué demasiado en un estado de ánimo. En enero son las vacaciones de verano y yo pensaba que duraban 6 meses. Por otro lado nací un 3 de enero. Un mes sin tiempo, es metafórico. Querer tener algo que no se puede tener. Sale de esa idea. De un momento de mi vida musical que no determina todo.

C: ¿Cómo fue trabajar con Tweety González, conocido por muchos como “El cuarto soda”?

S: Todo se dio naturalmente, yo no buscaba un productor, ni sabía cual era el trabajo de un productor en un disco, pero las cosas se fueron dando así y estoy muy agradecida y contenta con el resultado.También participo Lucas Martí. Tiene los colores de distintos artistas.

C: ¿Cómo fue el proceso de composición del LP?

S: Cada canción tiene su historia. “Hermes” la compuse con Rodrigo, un amigo de la Facultad. “Fantasma” es un temazo de Benito, con él se produce una magia que no pasa siempre al interactuar con el otro, para que las ideas fluyan. Con Tweety paso lo mismo en “50/50”. Estaba tocando unas bases con el teclado y yo me puse a cantar y salió ese tema. Es un juego que se termina convirtiendo también en todo un trabajo grosso de producción. Es un proceso re lindo y súper bueno.

C: ¿Cuales son tus influencias musicales?

S: Crecí escuchando a Spinetta. En casa, mamá tocaba el piano y escuchaba rock. Mi papá escuchaba Pink Floyd, George Michael, y de todo. Recuerdo que en la radio escuché a los Pet Shop Boys por primera vez y empecé a escuchar pop.

 Acá hay artistas que me copan, por ejemplo, Pol Nada, Entre Ríos, Suavestar, LaKobraKei, Alud Negro, entre otros grupos que hacen cosas súper lindas. Me gusta la gente que hace cosas sin doblegarse ante las adversidades.

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Foto por Damian Benetucci

 

C: ¿Qué suena en la escena musical argentina?

S: Hay bandas barriales con un estilo más punk, con un formato más en directo. Está buenísimo porque es representativo. Grupos como Él mato a un policía motorizado por ejemplo, les va muy bien. Esta la movida pop, de la mano de Leo García, Daniel Melero, Altocamet.

 Por otro lado, es bastante complejo el proceso de tocar, siendo independiente. Pero nada, hay un montón de música y hay más chicas haciendo música. Ayer fui a un recital de Andrea Àlvarez, una artista que admiro desde siempre, y el lugar estaba lleno. Sin embargo, acá no se le da tanto espacio a las chicas. Como sea, hay un montón de posibilidades a partir de las ganas de cada persona.

C: ¿Cuales son tus planes a futuro?

S: Mi plan es seguir tocando y seguir haciendo música. Sale el disco nuevo en marzo del año que viene (2015). Va a tener un remix de Adrián Canu (Altocamet) y otro de Ezequiel Araujo (El  Otro Yo). En este nuevo disco participaron muchos amigos que quiero y admiro. Estoy contenta por cómo está sonando y agradecida de poder hacer lo que me gusta.

 

Para escuchar y conocer más de la música de Enero Será Mío, visita www.eneroseramio.com              

Colectivo 3N Radio,una plataforma de diversidad

Desde su aparición, la radio se ha desarrollado como una de las plataformas de comunicación más importantes de todos los tiempos. En la actualidad y gracias a la tecnología, cada día más personas interesadas en trasmitir su punto de vista, gustos y demás  pueden hacerlo por medio del internet.

 Las radios independientes son actores clave en la difusión de proyectos culturales emergentes de su contexto, tal es caso del 3N Radio, un colectivo originario de Azcapotzalco, que desde el 2011 se encarga de compartir música, arte y diversión con sus radioescuchas.

 El proyecto comenzó cuando un par de amigos se reunieron como de costumbre. Sin embargo, después de una plática amena surgió el tema de crear una radio por internet, con el afán de compartir su visión del mundo y, a su vez, conocer lo que opinan los demás sobre los temas del diario vivir; y la idea evolucionó hasta convertirse en una realidad. Actualmente, la misión de esta emisora es difundir y promover todas aquellas expresiones humanas, abstractas y concretas, así como los lugares o espacios aptos para desarrollar dichas manifestaciones.

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Luis, David, Lucero, Erick, Alejandra y Pablo, parte del equipo de 3N Radio

 A través de una programación constante, David, Lucero, Luis, Pablo,Erick y Alejandra se dan a la tarea de proporcionar un rato agradable con contenido diverso. Ellos mismos se definen como una estación incluyente, ya que parte de la música que se programa es por petición de la gente, por lo que se puede escuchar desde cumbia, salsa y merengue, hasta metal, jazz y folk pasando por el blues y rock. Además de incluir temas comerciales, también se cuenta con material independiente de todos los artistas  que se acercan para tener difusión de sus proyectos.

 Asimismo, 3N Radio promueve las actividades culturales de la delegación y realizan coberturas especiales de eventos como el Azcarockzalco, concurso de la región en donde participan más de 70 propuestas musicales emergentes.

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Más de 70 bandas participaron en la 2da. edición de Azcarockzalco 2014

 En el afán de compartir con más personas el gusto y la pasión por la radiodifusión, el colectivo realizará un taller de radio por internet en el cual, a través de 4 sesiones (todos los sábados del mes de noviembre) se capacitará a los interesados a trabajar sus proyectos. Estas sesiones se llevarán acabo en la galería “El Tintanísmo.

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3N Radio te invita a su taller.

 Finalmente, el colectivo 3N Radio extiende la invitación a otros colectivos,artistas y demás a colaborar con ellos:

“Estamos en constante desarrollo y evolución y  si tienen el gusto o el interés de dar a conocer algún conocimiento o simplemente quieren decir algo, se pueden acercar a nosotros y con gusto les haremos un espacio dentro de nuestra programación”

 Escucha esta propuesta radiofónica a través www.3nradio.com. Para estar al tanto de su programación y actividades,no dejes de seguirlos a través de Facebook y Twitter.

El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Mariana, Milton y la veleidosa fascinación adolescente

Entre pop, rock, folk, dance, punk, jazz, grunge, además de la decena de subgéneros que pudieran derivarse de cada uno de los géneros que conocemos… Sí, vivimos inmersos en un exorbitante y complaciente mundo musical en el que difícilmente habremos de habitar sin tener algún álbum o canción que persista en nuestra cabeza como repiqueteo constante. Bienaventurados sean los melómanos.

 Discos que habremos escuchado hasta el cansancio; canciones que se traducen en personas, momentos y etapas muy específicas de cada individuo; vaya, que hasta los llamados gustos culposos son un deleite total a los oídos de quien (secretamente) los guarda en lo más profundo de la biblioteca musical.

 Uno de los mencionados repiqueteos constantes de quien escribe y que ahora comparte, es una agrupación originaria de Chile. No es novedad hablar de aquella refrescante oleada de proyectos de exportación andina que se ha extendido por Iberoamérica e invadido cada país que recorren con su música de encantadora ligereza, calidad y notable versatilidad, que va desde proyectos como Alex y Daniel, Astro, Cólera Jet y Prehistöricos, hasta nombres mucho más conocidos como Gepe, Francisca Valenzuela y Javiera Mena. México ha sido un habitual consumidor de esa música chilena que desde hace algunos años se exporta en cantidades considerables, al mismo tiempo que nosotros, como público, nos hemos posicionado también como uno de los favoritos de los prolíficos sudamericanos.

 El proyecto en cuestión es, de hecho, un dueto. Dënver: Hombre y mujer, él y ella, que llevan dos emes por iniciales en sus nombres: Mariana Montenegro y Milton Mahan. El proyecto que toma su nombre del libro On the Road, de Jack Kerouac, ha plasmado su sonido clasificado como indie pop en tres álbumes de larga duración y tres EP’s a lo largo de su periodo de actividad que va desde 2004 a la fecha.

 “La gente que viaja equipada, en realidad nunca se va de su casa”: Totoral, de 2008, con un sonido sumamente dulce y con voces sutiles, delicadas y en tonos ligeramente agudos —que habrían de convertirse en una de las peculiaridades distintivas de su música—, entregó singles como Los últimos veranos, Paraíso de menta y Miedo a toparme contigo, ésta última, pieza musical aún rescatada en los gran parte de los setlist de sus presentaciones.

 “Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta […] Y si quieres suicidarte, yo podría dispararte, y también acompañarte al infierno, a cualquier parte… “. Con la salida al mercado de Música, gramática, gimnasia a finales de 2010 —coproducido por el mismo Mahan— es que se catapulta exponencialmente el éxito de la banda, y es durante la extensa promoción de este álbum, que el dúo chileno llega a escenarios mucho más grandes de los que acostumbraba. Como parte de la edición número trece del Festival Vive Latino, Dënver llega a México a presentar su segunda placa discográfica de la que se desprenden tracks como Diane Keaton, Olas gigantes, Cartagena y En medio de una fiesta.

 “Quizás acabamos en un bar […] Tal vez podríamos quedar en ir a la piscina fiscal, juntarnos un día para armar…”. Su tercer álbum llegó en 2013 para hacerse de críticas positivas por parte de los medios acerca de la consolidación de su sonido, y con un cálido y previsible recibimiento por parte de los acérrimos fans que les seguían desde el inicio y los se juntaron al camino. En contraparte, el dúo emitió un comunicado en el que, inesperadamente, anunciaba su separación. Aún después de dicha notificación, Dënver se presentó unas cuantas ocasiones más, entre ellas, en el D.F., y terminaron desistiendo a la ruptura del grupo argumentando que se trataba de diferencias que, finalmente, supieron resolver.

 El álbum titulado Fuera de Campo cuenta con la participación de Cristóbal Briceño, parte de la agrupación Ases Falsos, también de procedencia chilena, y es enteramente producido por Milton Mahan. Se desprende el primer single de nombre Revista de gimnasia, cuyo video fue dirigido por Bernardo Quesney y fue premiado como el Mejor Video Chileno de 2013.

 El pasado domingo dieron a conocer el video del segundo corte del álbum. De la pista número 3, Profundidad de campo, es nuevamente dirigido por Quesney y, además de ameno, resume a gran escala mucho de lo que el concepto de esta banda implica. En el video se perciben reminiscencias a los años ’70, se crea esa ilusión de que se les mira a través de un televisor con imágenes de baja calidad, fondeado con música disco y mientras participan en el programa ficticio ‘Tocando las Estrellas’; eso sin mencionar la fantástica química entre Mariana y Milton, evidente hasta en la pequeña coreografía de baile que se ve en el video —que, bien vale mencionar, replican en cada uno de sus actos en vivo—. Hay, además, una divertida referencia a cierto filme de Brian de Palma.

 A propósito de su reciente visita a México, apenas durante la semana pasada, Dënver en su última presentación en el D.F. antes del viaje de vuelta a Chile.

Mariana Montenegro
Mariana Montenegro
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Milton Mahan

 Además de posicionarse como una de las bandas más populares de Latinoamérica, el dueto de Montenegro y Mahan es responsable del sello discográfico Precordillera, firma que cobija proyectos amigos, como la más reciente producción de Prehistöricos.

 Dënver es un dueto joven que crea música también para jóvenes con temática de fiesta en sus propias palabras—, sintetizada en un pop ameno de letras con algo de coquetería y melodías contagiosas que cobran vida cuando se les echa un vistazo en vivo. No es la banda revelación del año, ni es nuevo hablar de estos dos chicos ya posicionados en el radar musical de miles de oyentes, pero sí es un proyecto sin prejuicios, desinhibido y una propuesta que aún promete bastante, y por la que bien valdría la pena dejarse seducir.

Impresiones francesas sobre los festivales en México

LA TRADITIONNELLE

  A Mexico City, il y a deux très très grands festivals. Le Vive Latino en Mars, et le Corona Capital en Octobre ! ! ! Les points d’exclamation tentent de vous communiquer mon émotion. Jamais je n’ai vu un festival avec une programmation réunissant autant de grosses têtes d’affiche que le Corona. Comment se passe les festivals de musique au Mexique ? D’après mon expérience, plutôt bien. Ou comment allier l’art de faire la fête dans une ambiance musicale !

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L’entrée du festival Corona Capital, édition 2013

  Les grands groupes se disputent l’affiche, avec entre autre pour la programmation 2013 : Arctic Monkeys, Vampire Weekend, Phoenix, The XX, MIA, Bondie…etc. Trop beau pour être vrai. Le lieu du festival est une énorme piste pour courses de voiture qui ceinture le terrain. Trois grandes scènes et plusieurs chapiteaux couvrent le terrain. D’habitude célébré dans la chaleur, l’édition de cette année a pris un tour plus Glastonbury-esque, laissant les festivalier dans une marée boueuse. Le Corona Capital 2014 ne fut pas en reste, avec Mo, Kasabian, Damon Albarn, Jack White pour ne citer que quelque uns dont les géniaux Hercule and The Love Affair, mon coup de cœur personnel. Et la foule, ça donne quoi ? Des festivaliers heureux d’être là, souriants, de bonne humeur, souvent en grande bande d’amis. Niveau style, il y aura toujours les éternelles jeunes filles aux couronnes de fleurs, les hipsters faisant dorénavant partie d’une caste internationale et le reste, nous. Ceux qui aiment la musique, voir ses groupes préférés joués en live, se laisser submerger par l’ambiance folle d’une journée de concerts en plein air. Le paradis.

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ça te dis, un petit mezcal ? 

En plus de ça, tu auras droit à des dégustations de mezcal –un alcool distillé de l’agave, qui tire vers le 42°-, de tacos, hamburgers…etc ; dans une aire restauration. Tu auras aussi l’éternelle bière vendue au prix fort. Particularité : tu verras des vendeurs ambulants se balader avec un plateau rempli de gobelets de bières, portés parfois sur l’épaule ou sur la tête, hélant la foule d’un « cervezaaa ». Traversant la masse avant les concerts, il suffit d’appeler un de ces vendeurs pour avoir une bière, plus ou moins fraîche en plein milieu de la fosse. Ça a ses côtés pratiques. Tu verras l’opération se répéter avec des vendeurs de chips, glaces à l’eau…etc. En conclusion, le Corona est un festival rassemblant des stars internationales. L’annonce de ses têtes d’affiche dès la fin du mois de Mai crée l’engouement !

CC - foule touchedTu te sens faire partie de la foule ? Concert de Capital Cities au Corona, edition 2013

L’année finit avec le Corona et…commence avec le Vive Latino ! Tout un tas de groupes du continent Sud de l’Amérique. Au prochain mois de mars, prépares ton billet pour le Vive. Tu en sauras bientôt plus !!

¡Grabemos un single!

 

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En Ensayódromo queremos que el mundo te escuche, por ello te grabaremos un single multitrack completamente gratis, ¿te interesa? Postea en nuestra página de Facebook una reseña de tu banda (si tienes material grabado en audio o video también es válido postearlo) y logra el mayor número de likes. Las 5 bandas con mayor número de likes en el post serán las seleccionadas para grabar su single con nosotros.

  El proceso de grabación será transmitido a través del canal de Ensayódromo, lo cual te permitirá compartir hasta el último detalle de la grabación de tu próximo éxito.

 Tienes de las 0:00 horas del 9 de octubre a las 23:59 del 16 de octubre de 2014 para postear tu reseña y ser de las primeras bandas con mayor número de likes. el 18 de octubre de 2014 daremos a conocer los 5 proyectos ganadores.

  ¡Aún hay más! Si no te sientes listo para grabar un single y requieres ensayar un poco más, durante la semana del 20 al 24 de octubre de 2014 podrás hacer uso de dos horas de Ensayódromo –Sí, ¡también gratis!– lo único que tienes que hacer es registrarte en ensayodromo.chulavista.mx del 9 al 16 de octubre  y agendar tus 2 horas gratis.

Bases:

Grabemos un single

– Solamente es válido un post por banda. Si la banda postea más de dos reseñas se tomará como ganadora la que tenga el mayor número de likes.

– Para el conteo de likes solamente valen los hechos en la publicación (no en los comments, no en los shares)

– Solamente son válidos los post y likes hechos del 9 de octubre a las 23:59 del 16 de octubre de 2014

– Las bandas ganadoras tendrán derecho a grabar solamente una canción

– El tiempo máximo de grabación por tema es de tres horas

– La canción que graben los proyectos deberá ser para libre descarga

*Sólo puede participar una vez cada proyecto con los mismos integrantes, si participan con dos proyectos distintos debe haber una diferencia notable entre dichos proyectos y entonces no importará que los proyectos sean integrados por los mismos miembros.

Horas de ensayo

Los horarios ensayo están sujetos a disponibilidad de la sala dentro de la semana del 20 al 24 de octubre de 2014 de 9:00 a 23:00 horas.

Del 9 al 16 de octubre de 2014 las bandas deben registrarse a ensayodromo.chulavista.mx y agendar sus dos horas de regalo que podrán disfrutar del 20 al 24 de octubre de 2014 de 9:00 a 23:00 horas.

La promoción es válida únicamente para proyectos que no estén registrados en ensayodromo.chulavista.mx.

 

FAQ

¿En qué página debo postear?

En nuestra página de Facebook

¿Qué debe encontrarse en la reseña?

Cuéntanos quiénes son los integrantes, a qué se dedican, qué proponen musicalmente y cuál es el objetivo del proyecto.

¿Cuándo darán a conocer al ganador?

El domingo 18 de octubre de 2014.

¿Cómo darán a conocer al ganador?

A través de Facebook publicaremos un resumen de los likes alcanzados por los participantes y las capturas de pantalla de los ganadores.

¿Pueden participar solamente bandas?

No, también pueden participar proyectos solistas.

¿Existe alguna restricción por género musical?

En lo absoluto.

Nota: Para participar es indispensable que los integrantes de tu banda tengan disponible los horarios de las 9:00 a las 17:00 del 27 al 31 de octubre de 2014, toda vez que en caso de resultar ganadores, nosotros les daremos la fecha que les corresponda.

La canción a grabar debe ser de su propia autoría o presentar una autorización firmada del autor de la obra.

 Te dejamos algunas sesiones para que no dudes y participes:

 

 

Otoño de #Latitud 19 º24 ‘, Live Ethereal Sessions en el Franz Mayer

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Quien diga que no hay música nueva en el cuadrante, miente. Cada día existen más propuestas mexicanas que escuchar y disfrutar. En el abanico de diversidad, podemos encontrar sonidos de distintos géneros, listos para abordarlos y hacerlos parte de nuestro cada día.

 Es por ello que nace Latitud 19 º24, Live Ethereal Sessions; proyecto basado en sesiones en vivo de grupos o solistas musicales independientes y/o emergentes de la República Mexicana realizadas en espacios públicos y trasmitidas a otras latitudes en tiempo real, vía streaming, gracias a la plataforma de Concierto Cable.

 El  auditorio del Museo Franz Mayer de la Ciudad de México será el primer recinto de Latitud º19 24 que, durante los sábados de octubre, de 4:00 pm a 7:00 pm, presentará doce proyectos en total de diversos géneros musicales, listos para envolver a los asistentes en una atmósfera única e irrepetible.

Sábado 4 de Octubre.

Erick Fryman

Azain

Mooi

 

Sábado 11 de octubre

Fonópolis

Lundem

La Era Vulgar

 

Sábado 18 de octubre

 

Chawa

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Venison

Acidandali

Vinnium Sabbathi

 

Sábado 25 de Octubre

 

Un Reve

Jules

Minor Shadows

 El primer episodio de Latitud 19´24 será  posible gracias a Chulavista Art House A.C., el programa Ensayódromo, el colectivo Aquí No Hubo Escena, la disquera independiente Pobre Diablo y la plataforma Concierto Cable

Espera pronto los horarios por proyecto.

El acceso a las sesiones es gratuito.

 

 

 

 

 

 

 

 

Diversidad artística: Festival Internacional Cultural Revueltas 2014


Más de 140 espectáculos, aproximadamente 1500 artistas locales, además de talento de talla internacional  se presentarán del 3 al 19 de Octubre en el estado de Durango, en el marco del Festival Internacional Revueltas 2013, como parte de una serie de eventos que busca homogeneizar la diversidad e identidad. Dicha celebración se abrirá paso a lo largo de casi un mes en la ciudad que fue capital de la Nueva Vizcaya. Portugal y Zacatecas, serán los portavoces primordiales de esta conmemoración.

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Crédito:Euroamérica
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Crédito:Momento de Zacatecas

 En su décima edición, el Festival Internacional Revueltas 2014 invita al público a disfrutar de una gran variedad de actividades en escena, además de un evento lleno de pluralidad cultural. Las presentaciones, se darán cita en diversos sitios, que van desde teatros hasta plazas públicas. Durango será el lugar sede que involucra a todo el talento artístico de esta época, mezclando la belleza barroca y ancestral de la ciudad con el gran elenco participante.

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Crédito:Facebook Festival Revueltas

 Jazz,  folklore, electro, pop y rock serán algunos de los géneros musicales que se podrán presenciar en esta presentación, que conmemora los 100 años del natalicio de José Revueltas. En lo que respecta a contexto musical, destaca lo siguiente:

  • Miguel Bosé
  • Solé Giménez
  • Susana Zabaleta
  • Café Tacvba
  • Proyecto alemán de música electrónica
  • Homenaje a
  • Festival internacional de arpa
  • Lila Downs
  • Tributo a José Alfredo Jiménez

 Toda esta celebración se acompañará de la inauguración del museo  de arte contemporáneo Guillermo Ceniceros; que contará con toda la gama artística del muralista mexicano reconociendo el talento de un gran artista nacional que ejemplifica al México austero y sobreviviente a través de los años.

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Crédito.Conaculta

 La gran aportación de José Revueltas, se verá  plasmada en el tiraje de  más 1000 ejemplares de su respectiva obra en aproximadamente 153 bibliotecas públicas.Además de incluir dentro de las actividades, diversos talleres (artes plásticas) para niños.

 El gran alcance de esta conmemoración radica en que más de 26 municipios, serán la base de presentaciones en todo el programa, dando también la pauta para acercarse a los grupos más marginados del estado. En ese sentido, se contará con el programa control remoto dirigido por tres medios de comunicación local; es decir, el evento se podrá presenciar en los respectivos sitios virtuales de transmisión.

 Cultura, novedad y un gran sentido de pertenencia serán los factores clave para dar paso a Octubre y a sus destellos mágicos e inigualables del Festival Revueltas en su décima edición. Augurando un mes lleno de patriotismo y una vinculación armónica con el arte internacional, se conjugará un solo objetivo: Crear un ambiente singular y que se acompañará de la cultura de toda una época.

 Un conjunto de vanguardia artística le dará el toque primordial a esta presentación, con el eje más concreto:  Vincular al arte local con el externo; además de buscar la pauta para generar lazos de fraternidad artística a lo largo de todo un mes y poder reforzarla a lo largo de cada edición.

 En palabras del gobernador Jorge Herrera del estado sede, se expresa el objetivo de esta décima muestra:

“Será la forma del arte, que se dará al mundo para apreciar la cultura”

 

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

HELL & HEAVEN: QUE SIEMPRE SÍ

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 Ya 5 meses han transcurrido desde que se dio la “cancelación” del festival de música Hell & Heaven 2014 en cual se presentarían bandas de rock y metal. Guns & Roses, Kiss y la alineación original Korn, entre otros, eran la agrupaciones que abanderaban el evento.

 La sede Texcoco, en el Estado de México, la cual anualmente alberga a miles de visitantes para la afamada Feria del Caballo. Pero en esa ocasión el Gobernador del estado Eruviel Ávila, argumentó que los organizadores no estaban cumpliendo con los lineamientos necesarios para poder llevar a cabo el mencionado festival.

 Live Talent, la empresa encargada de realizar el Hell & Heaven, entró en una disputa con los dirigentes del Estado de México, argumentando que sí contaban con las condiciones necesarias. Disputas en redes sociales, conferencias de prensa y mucho escepticismo rodearon al evento por lo menos por 10 días, debido al anuncio de la cancelación, a pesar de los más de 30 mil boletos que ya se encontraban en manos de los admiradores del metal.

 La intervención de las autoridades locales, la Alcaldesa de la entidad donde se realizaría en evento, Delfina Gómez Álvarez, afirmó que sí contaban con los adeptos adecuados y que se realizaría sin ningún problema el evento.

 Al final de todo el alboroto que llegó hasta la Cámara de Diputados, en rueda de prensa Javier Castañeda y Juan Carlos Guerrero, portavoces del festival anunciaron su cancelación definitiva, para esas fechas, asegurando que buscarían nueva sede y que se realizaría el festival antes de culminar el año. Queda de más decir la perdida económica que esto trajo al municipio mexiquense, así como la perdida debido a la devolución de todo el dinero que se encontraba vendido en boletos para el festival.

 Sin duda un golpe bajo para la música en México, sin mencionar la mala fama con la que cuenta el género de metal y por ende sus seguidores, que son tachados y señalados de manera oscura e incluso satánica. Se menciona que no fue cancelación debido al tipo de aficionados que se presentarían, al final de cuentas, las reglas y la seguridad de los asistentes se antepuso a cualquier cosa.

 Después de esta breve reseña de lo ocurrido durante el primer semestre de año, queda mencionar con grata pero escéptica emoción que el Hell & Heaven 2014 si verá la luz. El miércoles 20 de agosto se anuncio que el festival metalero ya tenía sede y fecha. El Foro Sol, en el Distrito Federal, será la nueva casa y el 25 de Octubre de este año será la fecha donde Kiss y Guns & Roses pisarán el escenario y harán saltar a miles.

 Con asociación con OCESA, experto en la organización de eventos en México, el festival se vio reducido a un sólo día, cuando constaba de dos fechas durante las ediciones anteriores. Aún se desconoce el costos que tendrán los boletos y el cartel se presume que estará conformado por más de 50 bandas nacionales e internacionales.

 Sólo resta esperar noticias las próximas semanas y alistar tanto la piel como la mezclilla para estar presentes en el Hell & Heaven.

A LA ESPERA DE MONTERREY CITY FEST EN SU PRIMERA EDICIÓN

Es el festival que promete darle un gran salto a lo que se acostumbra presentar y un toque especial a lo que se ha visto en demás espectáculos. Bandas como Travis, Of Montreal y Porter formarán parte de éste renombrado y tan aclamado festival, en donde se presentarán varios estilos de música que proporcionarán el sello distintivo al evento.website3-03

 Las fechas están contempladas los primeros días del mes de septiembre, específicamente 5, 6 y 7 con sede en Parque Acero Fundidora en la ciudad de Monterrey. Sin duda muestra un gran esquema para ofrecer, ya que el dinamismo y sincronía de diversos estilos se conjugarán en un solo evento que mostrará una perspectiva diferente e impactante.

 Lo anterior marca la pauta para abrir paso a nuevas bandas musicales o que no se hayan inmersas de gran forma en el mundo de la música, por lo cual surge una expectativa sumamente importante para brindarle al espectador un buen rato entre música y compañía.

 Estilos como el indie pop, afrobeat, rap, rock y un poco de house darán paso al talento multifacético que existe en torno a la tonalidad musical que le dará color al gran espectáculo. La promesa por pasar un rato ameno y agradable, parece cumplirse con el simple hecho de dar a conocer al público en general las bandas que tocarán durante esos días.

 Cabe mencionar que el lugar estará distribuido en tres escenarios, el primero será el Nico Stage, el segundo el Tato Stage y por último MCF Theater; distribuido también a través de un horario preciso que menciona banda y hora exacta de presentación.

ACCESO
Crédito: Página oficial Mty City Festival.

 La cobertura musical no solamente marca el paso al ámbito extranjero, sino también bandas nacionales formarán parte de éste gran proyecto. La temática abarca todo tipo de género, pasando desde lo más sobrio hasta lo más underground, el espectador podrá tener el placer de discernir entre lo que más le agrada y lo que no. Eso es lo que se ofrece, tener la posibilidad de escoger entre las diversas propuestas musicales que harán su aparición.

 Además, cuenta con un accesible sistema de precios que va desde $399.00 a casi $2,000.00 (dependiendo del día y de las bandas que se presenten) también se ofrece la posibilidad de adquirir boletos por todos los días que perdure el festival.

 Sin duda, el contenido muestra una gran variedad de música y estilo que le dará al público la posibilidad de asistir y quedarse con un buen sabor de boca.

 La lista de bandas asistentes que confirmaron son las siguientes:

    • Clubz

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      Crédito:Somosidolos.com
    • Dannic
    • Ezekiel
    • Hardwell
    • Porter
    • 60 Tigres
    • Azealia Banks
    • Bone Thugs-N-Harmony
    • Charli XCX
    • Def Leppard
    • Deftones
    • Goldroom (dj set)
    • Husky
    • Little Jesus
    • Miniature Tigers
    • Mother

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      Crédito:Rockandradio.net
    • of Montreal
    • Plastic Plates
    • Poolside (live)
    • Reputante
    • The Mud Howlers
    • The Pizza Underground
    • The Magician
    • Vicentico
    • Wooden Wisdom
    • Bomba Estéreo
    • Los Cafres
    • La Mala Rodríguez
    • Siddhartha
    • Caloncho
    • Morenito de Fuego
    • Zeta Bossio

Vaya Futuro: el ruido misantrópico de Tijuana

Vaya Futuro inició en el 2008 pero bajo el nombre “Celofán”. Tras cosechar un mediano éxito en Tijuana, su ciudad natal, decidieron tomarse un descanso. En ese lapso de reposo cambiaron alineación (actualmente son Miguel Ahuage, Aldair Cerezo, Luis Aguilar y Julio Pillado),  comenzaron a grabar un disco y finalmente cambiaron de nombre.

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“La idea de cambiar de nombre venía desde hace rato porque (Celofán) no nos convencía del todo, pero no fue hasta que este año (2014) otra banda de Acapulco registró el nombre y nos vimos forzados a hacerlo. Si no lo hicimos antes era por indecisión, pero ahora que lo hicimos estamos muy felices” cuenta Luis Aguilar, vocalista y guitarrista de la banda, respecto al problema que enfrentaron con su anterior nombre. Tomaron “Vaya Futuro” de una canción de Los Fresones Rebeldes.

 La música de Vaya Futuro está muy ligada a etiquetas como el pop y el shoegaze, pero, yendo más allá, para Luis lo que hacen es comparable con algo de Dostoievski (en caso de un libro) o con Taxi Driver (en caso de una película): “Ambos tienen ese mismo sentimiento misantrópico  y pesimista de mis letras, aunque hay excepciones en canciones del álbum y más en el nuevo material que se está componiendo”.

 En vivo, la banda gusta de ofrecer intensidad. “Tratamos de balancear la emotividad con la diversión, hay un poco de ambos. En general puedo decir que todos terminamos en un estado de trance” comenta Aguilar.

 Luis es quien se encarga de la mayor parte del proceso de composición de las canciones; inicia con algunos acordes y va tarareando la melodía, luego murmura sílabas hasta que llega a hilar frases completas. Él llega con la idea y el resto del grupo la va desarrollo y modificando.

 “Ideas Medias” es el título del primer disco de la banda. Lo empezaron a grabar el verano pasado en Tijuana con los productores Lou Ros y Fernando Fajardo. El título viene de una vieja canción que irónicamente no aparece en el disco. “El álbum es una colección de ideas a medias, porque podrían haberse desarrollado más… pero está bien dejarlas así y seguir con algo nuevo” cuenta Luis respecto a este material.

El contexto de dos canciones de “Ideas Medias”

Tu Forma De (Vomitar): “No tiene un origen específico y solo habla de un asco hacia alguien en especial, o como cultura/especie. Parece ser una canción de desamor pero no lo es, es una canción de decepción generalizada”.

Hoyos En el Mar: “Relata el proceso de un individuo en su pérdida de fe y su enfrentamiento con la muerte. Fantasea con ser enterrado en el fondo del mar al darse cuenta que Dios lo ha abandonado”.

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 Luis ve a Tijuana, musicalmente hablando, “como una incubadora de grandes proyectos. Estos  proyectos son como bebés, solo que el bebé tiene que crecer pero la incubadora queda chica, lo cual genera un efecto bonsái”. Para él, a la mayoría de las bandas de su ciudad les hace falta ‘hambre’; motivación e iniciativa para  irse de tour y buscar espacio en medios.

 Tras presentaciones exitosas en festivales como el All My Friends del 2011 (porque ahí la banda se reintegró) y el Festival Antes del éste año,  Vaya Futuro  planea seguir tocando en diferentes ciudades y terminar de grabar su segundo material, que ya va a la mitad.

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Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

 Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi
Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

  El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están  llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

 En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

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Capitán América al estilo Johnston

 En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

Kurt Cobain y Flea
Kurt Cobain y Flea

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

 En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

 En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

https://www.youtube.com/watch?v=q3v7cXDwUgI

¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

Con sabor al norte – el contrapunto de Bach

La semana pasada hice la nota de Johann Sebastian Bach, considerado por muchos (músicos y no músicos) como el gran maestro de la música. Tal título merece ser explicado con más detalle.

 Un punto famoso en la época barroca, y en especial de Bach fue el contrapunto.

 Para entender mejor el contrapunto citaremos la explicación de profesor de música en la WASHINGTON SCHOOL OF MUSIC, John Rahn:

 “Es difícil componer una canción realmente bella. Pero es más difícil aún escribir individualmente varias melodías bellas que, cuando suenan simultáneamente, se oigan como la más armoniosa composición polifónica. Las estructuras internas que crean cada una de las voces separadamente contribuyen a la estructura emergente de la polifonía, la cual debe reforzar y comentar sobre las estructuras de las voces individuales. El modo en que esto se lleva a cabo es mediante el “contrapunto.”

 Es parecido a lo que hacen en los coros. El cantante soprano se dedica a cantar las notas más altas, mientras que el contralto hace otras. Las notas entre ambos artistas no se toca en ningún momento, no son parecidas. Si acaso cantan parecido a la misma nota en su equivalente agudo o grave, pero en sí, son distintas.

 Al sonar al mismo tiempo te das cuenta que conviven ambas voces de manera hermosa. De hecho es hora de un ejercicio.

 La próxima vez que vayan al supermercado compren un poco de queso Gouda y uvas moradas (ustedes saben, las moradas grandes con semilla). Y a la hora de comer, pruébenlo al mismo tiempo. Esta combinación sale en la película de Ratatouille y es porque lo que dice Remy sobre cómo ambos sabores distintos pueden hacer una experiencia gastronómica es muy parecido a lo que pasa con el contrapunto. Ambas tonalidades solas son buenas, pero pueden formar algo hermoso una vez estando juntas.

 En cuestión de coros es más fácil porque meten arreglos o el equivalente a la misma melodía en otra tonalidad que viene a ser como una melodía un poquito diferente entre una voz y otra. El contrapunto son dos melodías independientes que al juntarlas se hace una armonía. Se podrá notar que es un trabajo complicado y existen diferentes maneras de hacer contrapunto las cuales son:

 Primera especie es nota contra nota: es cuando las notas se mueven de manera opuesta.

 Segunda especie es dos notas contra una: cuando hay dos voces que se contraponen contra una más larga.

 Tercera especie es movimiento rápido: cuando cuatro notas se mueven contra otra nota más larga.

 Cuarta especie es de notas suspendidas: es cuando las notas parecen quedarse en el aire y en eso se mueven otras así formando un compás.

 Quinta especie que es contrapunto florido: es el uso de todas las especies anteriores en una.

 Es un campo muy limitado para el compositor salirse de estas cuatro especies para formar algo de armonía. De hecho Bach fue muy famoso por su contrapunto, por lo tanto no es cualquier cosa. Ya veremos que más esconde Bach.