Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

Daniel Soares

 

Daniel Soares

 

Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

De Skinheads a Cara Delevingne: Nick Knight

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En la década de los 80 sale a la luz un libro fotográfico de la subcultura de los Skinheads (cabezas rapadas) y era más que nada un diario de los jóvenes que llevaban ese estilo de vida, lo realizó un estudiante de fotografía llamado Nick Knight.

 Con este libro llamó la atención del diseñador Yohji Yamamoto quien le dejó a cargo el catálogo otoño-invierno del 96 y ese sería el primero de 12 catálogos consecutivos; el resultado fue un contraste de lo oriental, acentos de colores y contraluces.

 A la par de los catálogos de Yamamoto también realizó la serie “Flora” la cual tardo tres años en concretar, pues recolectó y clasificó casi 6 millones de ejemplares de los cuales escogió solo 45 fotografías a las que sometió a una novedosa técnica de agua y altas temperaturas la cual desdibuja los contornos.

 Knight, desde sus inicios, mostró el interés por nuevas técnicas y tecnologías, en lo que a temática respecta siempre está desafiando la belleza convencional, poco a poco se fue abriendo paso en el mundo de la moda y hoy por hoy es uno de los fotógrafos más prestigiados.

 Entre las personalidades que ha retratado su cámara se encuentran Madonna, Kanye West, Kim Kardashian, Lady Gaga, Marina Abramovic, David Bowie entre otros, incluyendo campañas para grandes firmas como; Dior, Calvin Klein, Audi, Alexander McQueen y John Galliano. También realizo una sesión con la modelo Cara Delevingne llamada “Pussycat, Pussycat”, la cual fue realizada con un iPhone y publicada únicamente en la aplicación Instagram.

 

“Muy raramente consigues lo que quieres en fotografía. Siempre te gustaría llegar a más y a menudo no puedes.”

– N.K.

 Pero Knight no solo se ha dedicado a la fotografía: en 2001 fundó SHOWstudio con la finalidad de generar una nueva forma ver la moda por internet y además ha sido el pionero del Fashion Film, lo que ha hecho que la imagen en movimiento en la era digital sea más accesible a todo público, con sesiones de foto en vivo o desfiles.

 Por otra parte, ha sido catapulta para talento emergente y no solo se ve como una plataforma de moda sino como un espacio enteramente creativo para la ilustración, la palabra escrita y la fotografía. Otro de los grandes aciertos en la carrera de Knight ha sido generar polémica a través de la dirección de algunos videos musicales como el de la canción “Pagan Poetry” de la islandesa Björk en el cual aparecen escenas de sexo difusas y la cantante semidesnuda perforándose con cuerdas unidas a un vestido. No olvidemos la realización de “BLKKK SKKKN HEAD”, de Kanye West, en donde se ayuda de animación digital para conseguir un producto visualmente siniestro acompañado de lobos y vestimentas tipo Ku Klux Klan.

 Esto es solo una pequeña muestra de todo el trabajo que tiene Knight pero con ello queda claro que aunque él comenzó su carrera en la era de lo análogo se adaptó y abrió paso de la mejor forma posible.

Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic

Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.

 "Downtown Divas"Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como  portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.

 Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.

 No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.

 Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics”  del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.

Jamie King

 En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).

 Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).

 Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.

Kate Moss Downtown Divas from LA on Vimeo.

Sweatshop: moda barata de la muerte

Muchas veces, al observar la etiqueta de la sudadera que acabas de comprar en Forever 21 o cualquier tienda de ropa cuya marca sea reconocida a nivel mundial, además de las instrucciones de cuidado y la talla, encontramos el “Made in Vietnam”, “Made in Camboya” o cualquier país asiático que quizá ni nos pase por la mente que existe. Pero ¿alguna vez haz pensado quién estuvo detrás de la máquina de coser que hizo cada una de las costuras de esa sudadera tan padre que traes puesta? O, ya yéndonos muy al extremo, ¿cuánto ganó por ello? ¿cuántas horas trabajó? ¿le pagaron siquiera? Es bastante conocido que en los países de economía periférica (subdesarrollados) las condiciones laborales sean precarias y los salarios estén por debajo de las necesidades básicas del trabajador, sobre todo en industrias como la textil. Sin embargo, el tema se presta a una reflexión más allá de estas condiciones.

 En abril del presente año, el periódico noruego Aftenposten creó un reality show donde tres blogueros de moda de ese mismo país Anniken Jørgensen, Frida Ottesen y Jens Ludvig Hambro Dysand— viajarían al sudeste asiático por un mes, específicamente a Camboya, para conocer las condiciones laborales de quienes se encargan de coser la ropa que cada temporada está en los aparadores de tiendas como H&M. De este reallity salió una serie de 5 capítulos, titulada Sweatshop dead cheap fashion, los cuales, a modo de documental, muestran las condiciones laborales y de vida de los trabajadores. Los jóvenes tendrán que conocer las condiciones por ellos mismos, es decir, tendrán que sentarse por 12 horas frente a una máquina de coser y vivir con el equivalente a 3 dólares diarios para pagar el alquiler, la comida y la vestimenta. Cabe señalar que Sweatshop es una expresión inglesa utilizada para señalar a los talleres de explotación laboral (maquilas) que normalmente presentan condiciones precarias y salarios de miseria en los países tercermundistas, sobre todo asiáticos.

 Es muy importante señalar tres cosas de dicho documental. La primera sería el hecho de que estos tres jóvenes, provenientes de un país de primer mundo, pertenecen a la clase que tiene la capacidad de gastar hasta 600 euros al mes sólo en ropa. Ludvig, al principio del documental señala que compra mucha ropa y al final suele no usarla. Así que, desde aquí, podemos explicarnos en qué contexto se está desarrollando dicho documental y qué pretende reflejar en quien lo vea. La segunda cosa que llama la atención al mirar Sweatshop es el choque cultural entre el primer mundo y el tercero. Pensar Noruega y Camboya en un mismo plano parece difícil, sin embargo, en este caso podemos observar cómo se reconoce la otredad de los habitantes de Camboya conforme los jóvenes van conociendo sus condiciones de vida y la manera en que sobreviven. Y en un tercer plano, la forma en que los jóvenes visitantes tratan de entender la manera de vivir de quienes trabajan en las maquilas: dormir en un departamento de 50 dólares al mes con un sueldo de 3 dólares al día y comprar comida y enseres con ese salario. No debemos olvidar el hecho de que ellos se acercan a conocer las historias de algunos de los trabajadores y eso les impacta mucho, hasta el punto de remover las fibras más sensibles de su conciencia y sus corazones.

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 Este documental también señala las demandas reales de los trabajadores de la industria textil en Camboya. La lucha que actualmente llevan a cabo gira en torno a percibir un mejor salario: 160 dólares, lo cual les permitiría mejorar sus condiciones de vida, por ejemplo acceder a una mejor alimentación para no morir por no poder satisfacer las necesidades más básicas. Sin embargo esta lucha se ha visto truncada por amenazas de muerte y represión pero aún así persiste.

 Sweatshop intenta hacer conciencia respecto a nuestros hábitos de consumo. Actualmente es muy común ver que algunas empresas independientes tratan de fomentar un consumo de moda “sustentable”. Incluso empresas importantes de moda han puesto atención en el modo de producción de sus prendas y qué tanto afecta al medio ambiente. Sin embargo se presta muy poca atención a quienes se encargan de unir cada una de las piezas de una blusa, una chamarra. Se cuestiona muy poco el hecho de que quizás el valor de un solo abrigo de esos podría cubrir el gasto mensual de una familia de trabajadores de la industria textil.

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 Pensando nuevamente en las preguntas formuladas al principio de esta nota, Sweatshop hace mucho hincapié en este asunto. Es normal que a los jóvenes participantes del reallity les impacte mucho la pesada jornada laboral que a veces los trabajadores la completan incluso sin haber comido. Y es que la reproducción del capital va más allá de las condiciones de explotación: las conciencias también son explotadas a favor del mismo sin importar la clase social.

El almacén de la imagen: fotografía de modas de Tim Walker

La fotografía de modas ha legitimado la industria de la moda provocando que se reafirme cada vez más en el contexto sociocultural de cada país. Pero también ha permitido que los fotógrafos exploten las posibilidades de la fotografía, aún con las limitaciones que implica trabajar para un medio como las revistas.

Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.
Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.

 A pesar de estar dirigida a los medios de comunicación y de ser vista como una producción más bien artística, la fotografía de moda también tiene las características propias de un documento social, pues muestra la cultura de una época. Esto es evidente no sólo en el hecho de que exhibe la indumentaria característica de un momento histórico determinado, sino que en ella también se pueden leer códigos de comportamiento, normas y actitudes aceptadas por los distintos géneros según los roles sociales que les han sido asignados.

 Concha Casasus menciona que cuando una imagen es testigo fidedigno de lo que acontece, de los pensamientos, comportamientos y de los sueños de un individuo o de un colectivo se convierte entonces en un documento social. En este sentido la fotografía de modas puede leerse desde la perspectiva artística, buscando elementos de la estética, así como también desde la perspectiva sociológica.

 Los fotógrafos que se desenvuelven en el mundo de la moda y que se dedican a crear contenido para las revistas, pueden verse vistos en la imposibilidad de realizar las fotografías con base plena en sus ideas, ya que deben ajustarse a los parámetros del medio, sobre todo aquellos que trabajan fuera de la documentación de pasarelas y que se centran más en el trabajo de estudio. Aquel que trabaja desde su estudio, menciona Casasus, conoce lo que la firma o lo que los publicistas desean, por lo que los modelos y las temáticas suelen ser impuestos, lo cual podría limitar sus capacidades creativas. Sin embargo algunos fotógrafos han logrado fusionar ambos elementos creando sesiones que cumplen con lo que las revistas buscan sin dejar de lado sus propios ideales y propuestas creativas.

Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.
Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.

 Tal es el caso del fotógrafo británico Tim Walker (1970), quien ha trabajado para revistas de renombre en la industria de la moda, tales  como Vogue, Love, W Magazine y Bazaar. El trabajo de Walker se distingue por apegarse a los lineamientos de los medios para los que trabaja sin dejar de lado su toque personal. En sus fotografías imperan los elementos fantásticos, creando así imágenes que además de cumplir con el elemento fashion también crea un discurso visual que gira en torno a su propia concepción de lo fantástico, lo bello y lo incoherente. En una entrevista realizada por Karl Smith en 2012, Walker menciona que se anticipa al pedido haciéndo saber al interesado en su trabajo que tiene cierto apego por los insectos y en los cuentos de hadas. Esto dice mucho del proceso creativo del fotógrafo, pues antes de saber la propuesta de la revista para la cual ha sido llamado, el interesado debe estar enterado de que su trabajo puede involucrar algún fairy tale o cualquier otra idea extraída de libros para niños. “Fashion is not my leading direction as a photographer”.

 Es interesante observar cómo es que Walker combina la fotografía, la literatura y la moda para crear imágenes explosivas, llena de colores pastel, creando escenarios y dándoles vida a personajes de cuentos o películas populares. La narrativa visual que crea en sus imágenes se impregna de él y de sus gustos. Sin embargo, no deja de lado el papel del espectador al momento de hacer fotografía. En este sentido, Walker hace, en esa misma entrevista, una analogía entre la fotografía y una ventana entre lo que hay fuera en el mundo real y lo que hay dentro de su obra, la fantasía. Así pues, Walker hace una invitación al espectador a entrar en su mundo, en su fotografía, a pasar a través de la ventana que te transporta al mundo mágico, como si se tratara más bien del agujero de Alicia en el país de las maravillas por el cual se accede al mundo de la magia y del sinsentido.

Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.
Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.

 Al mismo tiempo en el que Walker explora la fotografía desde su visión en combinación con los parámetros establecidos por los medios, se muestra el tinte surrealista en su obra. Concha Casasus menciona que la fotografía surrealista de moda permite el triunfo de la creatividad y la aceptación de una publicación publicitaria. El trabajo de Walker es un coctel delicioso de moda, surrealismo, literatura y criaturas fantásticas, una mezcla de colores y texturas y diversos elementos que no deja el ojo quieto ni un solo momento mientras se mira sus fotografías.

Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.
Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.

¿Todos somos moda? Reflexión sobre la moda y las normas sociales

Comme des Garçons, una de tantas marcas que crean micromundos en sus colecciones. Crédito: Les Do It.

En el desfile, las modelos caminan y dan sentido a la colección. Con las luces, la atmósfera envuelve al espectador convirtiéndolo en más que un público,  en un universo interno de la colección. Cada desfile, cada pieza es un micromundo con sus sentidos y sus significados, con su trabajo y con su pertenencia.

 Los hilos son cosidos, pero también se cosen los significados en la ropa. ¿Cuál es significado real de la ropa? ¿cubrir? ¿demostrar? ¿comunicar o incomunicar? Seguro las preguntas filosóficas de la moda se responderán observando y sacando conclusiones con cada conducta de la moda. El qué se pone, y porqué lo hace. Cómo es que el impacto de cualquier movimiento social trae consigo una moda en textil o si esta moda textil causa movimientos sociales. Cómo es que dentro de estos micromundos se crean micropensares que arriesgan y expresan ideas subversivas al sistema.

 Pero, ¿qué sistema? ¿existe un sistema de la moda? ¿los cánones son sistema?¿cómo es este sistema el que rige las reglas de cómo vestir y ser vestido? Rojo con azul, zapatos bajos con faldas o bolsas que combinen con el color del cinturón han sido algunas “reglas” impuestas duran siglos ¿por quiénes? Por los que han tenido el poder de las decisiones.

 La confección de una prenda con base a estos cánones representará una conformidad de cómo está organizada una sociedad. Las faldas cortas en los sesenta implementaron una nueva moda entre las jóvenes, aunada a la liberación sexual femenina. A su vez, la confrontación y revelación de los hombres al traje formal también estuvo presente.  Quizá estos cambios de paradigmas en la moda permitieron a los sujetos cambiar su mentalidad también.

 Sin embargo, pienso que la utilización de cánones y de reglas en la moda solo es para el control de estos micromundos, que de tanto he hablado en entradas anteriores (con Michel Foucault) no obstante es interesante hacer la reflexión de cuándo aparecen estas nuevas modas y si actualmente contamos con una nueva moda que nos lleve a cambiar de mentalidad hacia el mundo y sus sistemas.

Maison Martin Margiela, considerada como una de las marcas antimoda en los 90s y actualmente. Crédito: tumblr.com

 ¿Será lo mainstream? ¿será lo hipster? ¿o el seapunk? Lo cierto es que cada una de estas “categorías” son simples etiquetas para clasificar lo que está fuera de este canon, de este control y por ende de lo “normal”. La antimoda y las diferentes manifestaciones que van en contra de la normatimidad en la moda son considerados diferentes, locos y por ende ajenos. Pensando siempre que  sólo un grupo muy pequeño de individuos puede tener acceso a el.

 Pero, a pesar de tener esta visión de que la moda es exclusiva, y que cierto grupo de personas es extraño a ella y no están inmersos en la industria se equivocan. El uso de ropa definía y clasificaba a la gente según su estatus social. Si una persona se vestía “bien” era considerada persona con una jerarquía social mayor que alguien que vistiera “mal” los términos bien y mal son usados en esta reflexión por el tipo de telas o la calidad de la tela.

 Una vez que el comercio empezó a surgir en la era medieval, los burgueses empezaron a vestirse mejor que los nobles y el clero, lo cual hacía verse mayores (socialmente) a los burgueses. Por esta razón, el clero y toda la clase monárquica empezó a buscar formas para controlar que los burgueses dejasen de vestirse mejor.

 Este control ha estado presente actualmente, si bien no tan marcado como hace cientos de años, las transformaciones en la moda y en los diseños siempre han significado un ajuste social al qué vestir y qué no vestir. Luego vendría la industria, las colecciones y los cambios de ropa por estación. Es así como  todos somos parte de la moda, todos somos parte de un sistema, con sus normas y reglas, con sus cambios cíclicos e industrializados. Y no se puede decir que no se es parte de la moda, pues, al contrario, la moda va mucho más allá que de unos zapatos bonitos. Los microuniversos son universos al final.

Formas de vestir en la Edad Media. Crédito: Arquehistoria

 

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

¿Cuántos diablos hay que cumplir para dejar de estar maldita?

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Soy la oveja negra de la familia, con modales de cabra.

 La que se tiene que tapar los tatuajes cuando llega a casa porque mi mamá, de 60 años de edad, se molesta conmigo por tenerlos.

 Soy la flor que emerge del pantano y huele bien.

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 Hay varios fluidos que se han derramado en estos 25 años:

 Las lágrimas que salieron cuando me abandonaste.

 El sangrado vaginal que dejé de segregar hace poco más de un año.

 El flujo nasal que siguió luego de jornadas largas de llanto.

 El semen que me tragué y el que dejaste adentro.

 La sangre que corrió por mis nudillos cuando golpearon sin descanso el concreto. Maldita ansiedad.

 La cebada de mis latas de cerveza y el whisky, el ron, el mezcal, el pulque, el brandy; casi todo menos el horrendo vodka.

 La saliva que lubricó mis porros y la que me faltó luego del silencio introspectivo que deja la hierba codiciada y juzgada por muchos.

 El sudor de mis manos y de mis axilas.

 La grasa facial que se escurre tras la actividad diaria.

 No han pasado tantos años, sólo los suficientes. No he madurado del todo y no sé cómo se llega a ese ideal.

 Sólo sé que seguiré esparciendo jugos y caldos, regando mi esencia; con desprecio y repudio a las situaciones que no puedo controlar: tu ausencia, desdén y olvido.

Fotos: Jaime Tena 

T. Mills por primera vez en México

El rapero Travis Tatum Mills, mejor conocido por su nombre artístico T. Mills, visitará por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un show el 26 de noviembre en el José Cuervo Salón. El veinteañero originario de RiversideCalifornia,  presentará temas de “Ready, Fire, Aim!” (2010) , su material debut de larga duración, y de sus EP’s posteriores.

T Mills

 La música de Mills esta influenciada por una variedad de géneros: va del punk y el hip hop al  R&B y el pop.

 Les compartimos “All I Wanna Do”, el más reciente sencillo de este músico estadounidense que también da nombre a su ultimo EP:

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Fecha: 26 de noviembre

Hora: Por confirmar

Lugar: José Cuervo Salón

Precio: General de pie $500.00 / Balcón $600.00

Redes sociales del artista:

Facebook

Sitio web

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

Manual de “niñas bien” para impresionar a un chico

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Para que alguien admire tu intelecto antes que a tus encantos físicos hay cosas que puedes hacer. Para empezar ponte un vestido bonito que deje entrever lo madura que eres. Habla con mesura, ríe discretamente, sonríe y dale la razón en todo lo que diga. Recuerda que el contacto visual es muy importante.

 Tomen unos tragos, pero sólo lo suficiente para que la soltura se agilice. No te emborraches. Recuerda que la primera impresión es muy importante.

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 Todo lo anterior hubiera sido indispensable en una primera cita. Por fin tenía frente a la persona con la que había estado hablando tarde y noche por los chats modernos. El hombre por el que me dan ganas de ser correcta y decir pocas groserías. Al que estoy dispuesta a dejar que se asome a mi abismo y no sólo lo contemple sino que le agregue sabor. Yo quiero robar su color.

 En lugar de seguir esos útiles tips que vi en una revista para adolescentes, lo hice a mi estúpida manera. Llegó al lugar pactado: la salida de un bar, yo llevaba tres horas bebiendo y cuando llegó, yo carecía de lucidez.

Caminamos dos cuadras o menos, pero olvidé soltar mi trago y policías de esos que “combaten el ampa” me llevaron al juzgado cívico, por una falta administrativa, beber alcohol en vía pública.

 Mi maldita primera cita la pasé rodeada de vendedores ambulantes, simpáticos, hasta eso y borrachos peleando por su bebida. Mi estancia en Paraguay 37 fue de lo más amena, aunque mi acompañante, (él, aquel) seguro no la pasó tan bien. Después de todo era la primera vez que me veía y ya estaba solucionando mi salida de aquella reja para infractores cívicos.

 Quiero volver a verlo, pero esta vez bajo los útiles consejos para “niñas bien”. Quiero más de ese breve momento en que me rodeó con sus brazos y volví a tocar el suelo, o me hundí o me desvanecí, no sé bien qué, pero algo pasó. Algo de él se quedó entre vacilaciones y recuerdos alcohólicos, tengo que ir por el resto. Quiero que bebamos juntos y disfrutemos de la atracción joven y despreocupada. He muerto muchas veces. Mis ojeras tienen tonos distintos tras cada resaca. Puedo renacer una vez más.

 Fotos: Alan Isol 

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

Karlie Kloss la modelo que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días

Crédito: vogue.com

Hace un par de días, Chioma Nnadi columnista  de Vogue USA, publicó un artículo en la pagina web que quisiera retomar para ustedes. Este articulo trata sobre la modelo Karlie Kloss y su fashion travel a través del mundo.  Nnadi escribió que Phileas Fogg y su viaje en globo se quedó corto a comparación con esta travesía de la modelo. ¡Quizá lo más impresionante no sólo fue eso, sino que Karlie Koss ni siquiera salió del país!

 Exacto. No se trataba de la verdadera Karlie Kloss, sino de una impresión 3D que varias personas realizaron y tomaron fotos en los lugares más representativos del planeta, como la Torre Eiffel, El Coliseo en Roma, entre muchos otros.

 En total fueron 80 muñecas las que se imprimieron para realizar este proyecto. Los vínculos moda-arte emergen  y demuestran una vez más que no es necesario hacer una hazaña muy elaborada para dar una fusión entre estas dos disciplinas. En este caso la fotografía de moda está alcanzando un nuevo nivel de expresión: La impresión 3D

Karlie Kloss en NYC. Crédito Vogue.com

 No sólo en este ámbito ha sido utilizado la impresión 3D. Cantantes como Will.I.Am lo utilizó en ‘Scream and Shout’ para imprimir su propia cabeza. No importa con qué objetivo, si es egolatría o para generar controversia, como lo hizo M.I.A. en ‘Double Trouble Bubble’, la impresión tresdé se está convirtiendo en una herramienta artística que podría usarse con mayor frecuencia en unos años, y ¿por qué no? en algunos meses.

 Los vínculos entre la significación y la exposición de estas muñequitas de la modelo entran en una discusión. Misma que se presentó en el artículo de Vogue y aquí. Karlie Kloss no viajó por el mundo. Lo hizo una representación de esta persona, un ícono.

Crédito: Vogue.com

 El juego semiótico que se observa en este momento es, más que complejo. ¿Quién o qué es lo que se presenta en las fotografías de este proyecto? ¿Es una representación de la representación de Karlie Kloss en un lugar del mundo?

 La moda y el arte una vez más se unen para obtener como resultado un producto complejo, que, si lo desmenuzamos poco a poco, podremos llegar a una conclusión mucho más simple y no con tanto enredo como se ha pensado en estos últimos años. Las percepciones serán múltiples. Cada una de ellas con su propia explicación. ¿Y si sólo imprimieron una muñequita y le tomaron foto, así nada más? ¿Y si hay algo mucho más profundo en cuanto a la percepción y significación de la belleza, y un nuevo uso estético que no involucre a humanos, pero sí representaciones de ellos?  La respuesta la tienen ustedes, queridos lectores.

 Si desean consultar el artículo completo, y ver el resto de las fotografías en Vogue, da click aquí.

 

El almacén de la imagen: Batten y la crítica al modelo de belleza

 La belleza femenina, menciona Giles Lipovetsky en La Tercera mujer, se ha estandarizado a partir de un proceso en el que el desarrollo de la cultura industrial y la mediática han sido fundamentales. Desde inicios del siglo XX, la prensa femenina, el cine, la publicidad y la moda han difundido un modelo de figura femenina idealizada.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Las mujeres hemos crecido viendo y escuchando sobre el ideal físico y mental femenino, la imagen de la mujer bonita, esbelta e inteligente permanece en nuestro imaginario de feminidad y de éxito, aunque esto último pueda ser más subjetivo. Las imágenes que representan ese modelo de belleza nos rebosan la cabeza día con día. La nueva historia del bello sexo tiene lugar en el momento en la que el ideal de belleza entra en la era de las masas.

 Algunos artistas han consumado su obra a partir de una crítica a estos estándares de belleza que promueven el uso excesivo de maquillaje y plantean la cirugía estética como una herramienta para lograr acercarse a ese ideal al que aspira el bello sexo del siglo XXI. El universo de las mujeres se ve compuesto también por ejercicios físicos y dietas para conseguir ser delgada y valorada por ello. El cuerpo de la mujer ya no tiene como fin único agradar a los hombres, sino que también debe embelesar a otras mujeres. En este sentido la fotografía de moda ha mostrado un modelo de belleza, tanto femenino como masculino, que condiciona la naturaleza del cuerpo. Este tipo de fotografía está más bien dirigida a un público femenino que consume los estándares culturales y de hermosura que esta propone.

 Sin embargo, la fotografía también ha fungido como medio de denuncia contra el modelo que se ha venido impuesto a partir de la segunda década del siglo XX.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Un ejemplo de ello es la fotógrafa alemana Julia Fullerton- Batten (que trabajó para la revista Vogue durante algún tiempo), quien realiza una crítica social con respecto a los estándares de belleza en el mundo a través de su serie Unadorned (2012). Es importante mencionar que Fullerton- Batten se desarrolla como fotógrafa surrealista contemporánea, haciendo uso de herramientas de pos producción que le permiten crear paisajes y escenas que podría remitirnos al mundo onírico. Así pues, la serie se centra en una crítica al concepto de belleza manipulada, según expone la fotógrafa al hablar de su serie.

 Lo que quiere mostrar es precisamente todo lo contrario a lo que se observa en las revistas de modas, esto es,  la forma en la que se expone a la mujer en el ideario cultural de hermosura: mujeres frías, plásticas que modelan inmóviles y ligeras. Es decir, dejar de lado aquellos estándares que aprisionan a la mujer. Así pues, exhibe mujeres que normalmente no se muestran en el mercado que va dirigido al cuerpo, a la delgadez: presenta mujeres voluminosas, que parecen no tener miedo a sus cuerpos curvos. Usa la imagen de la mujer corpulenta como medio para criticar a una sociedad que se hace énfasis en la figura y el tamaño del cuerpo de la mujer. Se trata de chicas que aceptan que sus cuerpos son como la naturaleza quiso que fueran.

 A pesar de la crítica social que Julia Fullerton- Batten hace a través de la figura de modelos corpulentas y de su  intento por juzgar ese mundo en el que la idea de belleza ha sido manipulada, es importante observar que su trabajo no se libra de los estándares de belleza femenina que ella misma critica. Fullerton enmarca a sus modelos en un ambiente cálido, eso parece obvio por la paleta de colores que selecciona para la mayor parte de las fotografías de esta serie. El uso de tonos cálidos, entre amarillos y marrones, así como la voluptuosidad de las modelos se contrapone al modelo de mujer plástica y fría que se muestra en las revistas.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 A eso se le añade el uso de muebles de madera con estilo clásico que recuerdan a los retratos del siglo XVIII en los que la figura de la mujer aparece rodeada de objetos propios de las actividades femeninas: instrumentos musicales y libros que exhiben a la mujer culta. La fotografía de Fullerton- Batten sigue exponiendo a la mujer en el escenario de lo privado. Así pues, podemos observar que los ambientes propuestos por esta fotógrafa giran en torno al hogar: aparece una sala, la cocina, salones propios de las actividades de la mujer noble del XVIII en donde se puede observar un piano e incluso libros. También incluye la figura masculina en el entorno de lo femenino, sin embargo los hombres que aparecen en estas fotos se notan ausentes o incluso molestos por ello.

Julia Fullerton- Battern, fotografías de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, fotografías de la serie Unadorned, 2012.

 Los elementos naturales no se hacen ausentes, sino todo lo contrario. La fotógrafa añade flores, plantas y frutas con colores cálidos, tal vez para darle un toque de feminidad a la foto. Algunas veces las flores aparecen un tanto marchitas o en el proceso de marchitarse. Como si aquello femenino que pudieran estar representando estuviera a punto de morir. Algunas fotografías exponen a las mujeres obesas en escenarios de abandono, es decir, dentro de casas o invernaderos desgastados… al igual que sus cuerpos.

Julia Fullerton- Battern, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.
Julia Fullerton- Batten, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.

  ¿Será que la fotógrafa logra su objetivo de criticar a una sociedad que oprime, modela y manipula la belleza? Las mujeres voluptuosas de sus fotografías parecen más bien abrumadas y los escenarios a veces desgastados reafirman el sentimiento de vergüenza ante un cuerpo que no se adecua a los estándares de belleza y esbeltez. De pronto aparece la imagen de una mujer que se asoma al espejo, tal como lo hace Narciso cuando mira su reflejo en el agua, que se observa a sí misma maquillada, peinada, atiborrada de joyas, como queriendo encajar justamente en ese modelo de belleza propuesto por revistas como Vogue. Pero es gorda y su gesto es más de confusión que de aceptación de sí misma. Nos encontramos ante la contraposición entre el lujo y el abandono, la delgadez y la gordura, la felicidad y la tristeza, la aceptación y la negación de un cuerpo que no es como la sociedad plantea que debe ser.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Al final del día se puede observar tanto en las fotografías como en la visión crítica de la fotógrafa  la concepción de la mujer con respecto a su papel en la sociedad del siglo XXI. Es decir, se ve a una mujer que sigue sumergida en lo que Lipovetsky llama la prisión estética, aquella que sucede a la prisión doméstica y que sigue subordinando a la mujer a su rol tradicional estético- narcisista.

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

Entre montones de ropa y precios bajos: Las Pacas

Hay montones de ropa en todos lados. Las montañas de prendas que quizá jamás usaríamos se encuentran dispersos por toda la calle. Algunos puestos cuelgan los mejores “trapos” en largos tubos que tienen función de  clósets improvisados. Remates, gritos, gente sumergida en mares de ropa.  Así es como se vive un día en las pacas de la ciudad de México.

 Ya sea en la de Pino Suarez, en las de la Lagunilla o en cualquier otro tianguis, las pacas han sido parte de la vestimenta de miles, quizá millones, de personas que acostumbran escarbar  en lo más profundo de un gran bulto de ropa que ha adquirido un sin número de mitos: Ropa de muerto, ropa usada, ropa robada, o simplemente ropa que no se vendió y que termina tirada en un puesto de lona roja y marchantes gritando dos piezas por cinco.

 ¿Qué tiene o qué ha tenido de extraordinario esta forma de consumo del vestido? Si bien, las pacas han estado presentes durante muchos años, éstas han adquirido un mayor auge gracias a los jóvenes o personas no tan jóvenes que frecuentan el uso de una moda, una tendencia en su manera de vestir: Lo vintage.

crédito: telemundo

 Sería una generalización decir que todos los jóvenes y los no tanto, que usan ropa vintage han subido las ventas en las pacas de Pino o de la Lagu. O que todos los hipsters compran en pacas. No. Hay gente que le agrada comprar en pacas, los más aventurados, los temerarios que no hacen caso de los mitos urbanos sobre estos montones de ropa, fueron y serán los primeros sumergidos en, como ya lo he descrito, este mar de trapitos.

 Se debe  recordar que el universo de las pacas posee muy pocas prendas vintage o de aspecto viejo. Los afortunados encontrarán ropa muy barata y acorde a sus gustos. Chamarras ochenteras, camisas con estampados poco comunes, zapatos, bolsas y demás prendas que darán un estilo retro a la vida de quien lo porta, generalmente, habrán sido comprados en alguna venta de garaje o en alguna paca bajo una extenuante búsqueda y una talento innato de regatear.

 Claro, existen tiendas especializadas en ropa y accesorios súper vintage, como si el tiempo no hubiera pasado y los suéteres con chaquiras y lentejuelas que se usaba The Nanny estuvieran esperando a alguien lo suficientemente valiente para usarlo y para comprarlo. Goodbye Folk es una de estas tiendas vintage.

 Sin embargo, la diferencia con una tienda como esa y un puesto del tianguis es inmensa. No sólo por la selección de ropa y el espacio físico que representan. Sino más bien por los precios que son dos extremos diferentes: Un suéter vintage en una tienda establecida quizá valga poco menos que 600 o 700 pesos; no obstante, en el tianguis un suéter (que posiblemente tendrás que lavar tres veces) de esa misma línea, saldrá en, por mucho 100 pesos (los más talentosos podrán conseguirlo en 50 o menos) Eso sí, el precio siempre será diferente y será algo que lleve a lamentaciones o a la gloria misma del “fashionismo”.

 Sin duda, las pacas podrán ser una buena opción para los que no le temen a los mitos y leyendas que rodean a estas montañas de ropa. Buena opción para aquellos que sean pacientes para buscar buenas gangas, buenas prendas y cuidar su dinero sin perder estilo. Las pacas ofrecen tesoros vintage que debemos buscar, tal como se busca la aguja en un pajar.

crédito: chihuahuaexpres

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Louboutin: la moda, un chispazo y el arte

Siempre he considerado que la moda es un arte. Es una expresión y reinterpretación sutil de infinidad de elementos, épocas, profesiones, entre muchas otras fuentes de inspiración que los diseñadores, y por supuesto cada una de las personas, llevan a cabo. Creo que muchas de esas reinterpretaciones, con el sello de cada diseñador, o cada persona, se dan por esa búsqueda que cada individuo está constantemente viviendo. Nadie siente lo mismo, ni ve lo mismo en el mismo instante.  Por ello, son el resultado de una serie de factores, algo de técnica y trabajo y en gran parte un chispazo de creatividad que ninguna otra persona pudo haber tenido por lo aleatorios que son los factores que se conjuntaron. Precisamente ese chispazo es el que considero que lo hace algo especial, para mi, un arte.

Louboutin

 Un ejemplo de lo anterior mencionado es el sello característico de ciertos zapatos con un gran prestigio mundial: los Louboutins. Estos, que llevan el nombre de su creador, consolidaron su distinción por una de esas búsquedas que derivó en el ‘chispazo’. Hace más de 20 años, en 1992, Christian Louboutin estaba diseñando el modelo ‘Pensée’, inspirado en AndyWarhol y el movimiento del Pop Art, sin embargo, su prototipo no lo hacía sentir satisfecho del todo y al ver que su asistente se pintaba las uñas con un esmalte rojo lo tomó y completó su prototipo. Fue justo ese detalle el que afirmó el estilo de cualquier Louboutin.

Prototipo

 Ahora, Christian Louboutin lanza una nueva línea: Beauté. En la que busca regresarle al esmalte de uñas lo que sus suelas tomaron hace mucho. Y ello lo quiere realizar al ofrecer al público ‘verdaderos objetos de arte’, pues en cada pieza plasma su esencia: la fórmula del esmalte tiene ingredientes de la más alta calidad, los colores que ha decidido ofrecer son emblemáticos y el envase hace parecer al esmalte estar en un cristal encapsulado, y la punta de su tapa evoca a su icónica Ballerina Ultima: alta y estilizada.

Ballerina Ultima

 

Los ‘Noirs’

Noirs

Los ‘Pops’

Pops

Los ‘Nudes’

Nudes

Y el color emblemático de la firma y la colección: Le Rouge.

Beauté Rouge

 

 El desarrollo de este tipo de conceptos es lo que me fascina de los trabajos de los diseñadores, pues todo tiene una razón, un origen, una inspiración. Por ello, como cualquier obra de arte, si no se toma el tiempo de ver un contexto, aquello que provocó el ‘chispazo’ parece burdo y, en ocasiones, ridículo. El detalle está en saber mirar y saber imprimirle el sello propio.

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

60 Tigres en Casa del Lago

 Un escenario techado en un espacio al aire libre, en uno de los lugares mas visitados por miles de visitantes al día, es el sueño de muchas de las bandas de la escena emergente, no sólo citadina. El pasado sábado 9 de agosto el sueño se cumplió para una banda con poco mas de 10 años de haberse formado: 60 Tigres se presentó en Casa del Lago, ubicada en la primera sección del Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México.

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 60 Tigres es una banda proveniente de Monterrey, la agrupación actual está conformada por Miguel en la bateria, Roberto en el bajo y voces, Fernando y Pepino en las guitarras. Ellos son los encargados de hacer cantar, bailar y saltar a su público con canciones que en su mayoría tienen alto grado de contenido social.

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La música y gritos comenzaron viente minutos después de las 2 de la tarde, cuando 60 tigres apareció en el escenario. Fernando y “Pepino” fueron los primeros en subir, seguidos por “Polo” y Miguel, que al alistar sus instrumentos  tocaron como primer canción “Picoso”. Con la segunda canción llamada “Modelos sin personalidad”, los ánimos de todos los que acudieron se levantaron y pedían más rock.

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 En una presentación de aproximadamente una hora y media, la banda tocó canciones de su primer EP llamado Animal lanzado en 2013. Entre las canciones que mas se corearon se encuentra: “Cáncer de Pulmón” y “24 horas”, así como algunos tracks de su nueva producción, entre ellas sus dos sencillos “Diógenes” y “Jineteando”, con las cuales dejaron un buen sabor de boca en el público. A mi parecer dieron una excelente presentación.

Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

Sobre moda y arte, una introducción

Moda.  Una palabra que ha causado un sinnúmero de reacciones. Algunas buenas, algunas malas. Que si es discriminatoria, que si no lo es. Que si la moda es para unos pocos… que es exclusiva. Anna Wintour, editora en jefe de la revista VOGUE decía que la moda puede causar nervios y miedo a la gente. ¿Por qué será? ¿Por la revista que ella dirige donde muestra ciertos cánones de belleza? ¿Por los medios de comunicación? ¿Por qué temerle a la moda?

Anna Wintour respecto a la moda en su documental: The September Issue. crédito: tumblr.com

 Antes de hablar de esta palabra tendremos que definir qué es moda, que viene del francés mode. Según la RAE,  una fuente primaria de consulta de datos, se define a la moda como el “uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.”

 Si bien, la costumbre de usar ciertas prendas, ciertos estilos de pelo, e incluso ciertas maneras de caminar o actuar con base al atuendo que uno posee,  el término, por más que te de cierta seguridad para decir que estás en boga, no siempre se puede considerar como un proceso textil y social.

 En una entrevista a Emmanuele M.M. De Román, Directora de IES Moda, Casa de Francia, cuando se realizó el primer desfile de moda más grande del mundo en México, comentaba que la moda era algo que todos usábamos y que todos somos parte de ella. En una definición más específica, se puede mencionar que es el hecho de estilarse, es decir, ponerle un toque personal a las prendas, por lo que todos, sin excepción están dentro de este sistema.

 Sin embargo, si nos quedamos  con un concepto de que la moda es sólo prendas y estilos personales de cómo vestir un pantalón o una chamarra, se caerá en el miedo y el nerviosismo que Anna Wintour mencionaba antes. No por una cierta conspiración, sino porque todos están preocupados en ser aceptados, a pesar de que todos estemos dentro de un espacio discursivo.  La moda, como bien dice, es una costumbre. La moda, puede ser, entonces, no sólo hacía la ropa, sino conductas sociales o  formas de expresión (como el arte, la danza etc.)

 Debo hacer un paréntesis en este punto. Cuando me invitaron a colaborar en este espacio, me pidieron hablar sobre moda. ¿Moda en qué? Pregunté. ¿Moda en ropa? ¿Moda en el arte? ¿En la danza? Yo quisiera abrir el concepto de lo que es moda. Porque también la moda es el uso masivo de ciertas ideas. Basta con recordar las clases de estadística para entender que la moda eran  los números con mayor frecuencia en los cálculos.

 Así que  esta palabra no sólo debería hablar de ropa y su parte artística como podríamos pensar comúnmente que es de lo que se trata este tema. Si tan sólo pudiéramos abrir un poco más el significado, y pudiéramos vislumbrar  otro tipo de miradas hacia lo que es “la moda” podríamos, entonces, descubrir que puede ir en algún estilo fotográfico, algunas formas de creación artística, porque como bien decía YSL: ” La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella, hay que ser un artista.”. Que el Mainstream es moda, como la moda es Mainstream.

 Así que dentro de estas colaboraciones, no sólo se hablará de ropa, estilos de vestir,  sino de las visiones sobre el arte, fotografía  y otros productos  que puedan caber dentro de un concepto más amplio de lo que es la moda.

Yves Saint Laurent inspirado en la obra de Mondrian. Crédito: Ottodisanpietro.

 Y parte importante es la raíz y principio de todo. El diseñador o el que crea. Parte de todo lo que es creado y material ha estado en cabeza de alguien, los productos finales y la reacción de la gente ya es la parte secundaria, lo que llamaríamos moda o arte. Así, entonces, podemos ver que son simples traducciones y que tienen mucho en común, tanto, que se pueden hacer fusiones interesantes.

 Tal vez, con este análisis  podríamos dejarle de temer a la palabra o mínimo dejar los nervios de lado, así de podrá incursionar hacia algo más sencillo de explicar, y que ojo, no trata de encasillar y decir: Todas las obras de arte son moda. No, el objetivo no es ese. El objetivo es encontrar en las formaciones discursivas de la moda, los toques de arte, lo estético o no, de la obra, etc.  Abrir significados permitirá voltear a ver más cosas y no sólo enfocarse en una sola. Todos somos moda porque consumimos y elegimos discursos, todos tenemos eso en común.

Nueva parte de Chulavista : ¡Visita la Store!

 

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Estamos orgullosos de presentar un nuevo componente de nuestro grupo, una tienda en línea: Chulavista Store. Teniendo el concepto de promover a creadores mexicanos que elaboran diseños nacionales, queremos mostrar el potencial de México en la escena de moda, objetos y arte al nivel nacional y también internacional.

 Presentamos a diseñadores que saben crear obras creativas e innovadoras, dándoles el tiempo de crear y nosotros de poner sus obras en la tienda, teniendo el respaldo de nuestros asociados, firmes a la idea y propuesta de ser una comunidad que desarrolla talento y promueve a los que ya existen pero faltan de comunicación. También comenzaremos con temporadas dedicadas a los diversos estilos que manejaremos. Entra aquí: http://store.chulavista.mx/.

 Ofrecemos una nueva visión de la cultura con nuestro look Chulavista. Te acompaña en todos los lugares. Llévate un poco de nuestra comunidad contigo.

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Chulavista est fier de vous présenter un nouvel arrivant: la boutique en ligne Chulavista Store ! C’est un Concept Store qui a pour vocation de promouvoir les œuvres de créateurs mexicains produits au Mexique.

 Le Store leurs donne la possibilité de se commettre à leur créations pendant que Chulavista s’occupe de promouvoir ces produits. Nous présentons des créateurs talentueux, capables d’œuvres innovantes et créatives. C’est pour cela que nous souhaitons leur donner le temps de créer pendant que nous nous chargeons de la communication et promotion de leurs œuvres. Nous avons l’idée et le but de former une communauté, pour cela nous prenons soin de nos collaborateurs.  Nous faisons grandir, aidons les créateurs qui déjà existent et à qui manque de se faire connaitre. De même, nous construisons des campagnes selon chaque saison avec  chacune son propre style. Cliques sur le lien : http://store.chulavista.mx/.

 Nous offrons un peu de l’Art Mexicain avec notre look Chulavista. Il t’accompagne partout. Emmènes quelque chose de notre communauté avec toi !

ENGLISH

Chulavista is proud to introduce you a new component: the Chulavista Store! It is a Concept Store that aims to promote Mexican designers at a national and international level. All products are made in Mexico.  It wants to promote fashion, accessories, and Mexican art on the international scene. We collaborate with designers who can create and innovate in their Art. This is why we want them to be able to create while we work on the promotion and communication of their incredible products.

 As a matter of fact, we take care of our creators. We have in mind the idea to form a community, linking our artists to our customers.  We create campaign for every season, each with a unique style. Check it out now!: http://store.chulavista.mx/.

 We offer another part of the Mexican culture with our look Chulavista. You can take us with you everywhere you go. Take some of our community with you:

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Un ejemplo de look Chulavista. Un exemple de look Chulavista.

An example of  a look from Chulavista.

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Acid Summer by SKVM

Todos los días calurosos son bien recibidos, y más cuando tenemos algo bonito para lucir mejor, esta noche se presenta el lanzamiento Spring-Summer.

La mezcla de un espíritu desenfadado y la inocencia de la adolescencia son el contexto que tendremos en esta celebración, bailando el viento al ritmo de LAO y las luces de la ciudad.
Esta pasarela que vestirá a un increíble lugar de la ciudad tras el esfuerzo de un diseñador mexicano que demuestra que la vida de moda y aparadores seguirán por el resto de nuestros días.

Diseñador:

Nombre: Sussan Kerent Violante Mendoza.
Edad: 25 años
Nacio:Puebla,Puebla.Estudios de artes plásticas, arquitectura,Diseño patronaje y textiles, fotografía.

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Isabelle Manhes, desafiando las pasarelas

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Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.

Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.

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Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.

 

No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:

 

#Bahidoritos

https://twitter.com/Doritos_MX

https://www.facebook.com/DoritosMX?fref=ts

Marc Jacobs celebra con Coca-Cola

La moda, el arte y la cultura, en especial la cultura pop, siempre han estado sumamente relacionadas. La moda no sólo está en las pasarelas o en las calles y hay muchas otras formas de hacerla, lo mismo con el arte y la cultura, no están en un lugar determinado y no tienen una forma específica. Este año Coca-Cola ha nombrado a Marc Jacobs como su director creativo, puesto que antes han ocupado otros grandes creativos del mundo de la moda como Karl Lagerfeld y Jean-Paul Gaultier, y ha iniciado este con un proyecto en donde el arte, la cultura pop y la moda se fusionan: “Sparkling Together for 30 Years”, la campaña con la que Coca-Cola Light celebra tres décadas de haber nacido.

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Para esta edición las latas y botellas están inspiradas en las década de los 80, 90 y  2000. La primera, tiene su inspiración en  el  lanzamiento de la Coca-Cola Light en el Radio City Music Hall de Nueva York, en 1982. Para la década de los 90 Marc presenta una reinterpretación moderna de una década en la que la moda, la música y el arte se transformaron. Y para la de los  2000 decidió utilizar una silueta más deportiva con leggins de rayas geométricas. Todas tienen el sello del diseñador:  colores vibrantes y figuras geometricas muy definidas.

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Este proyecto resultó muy atractivo para Marc debido a que compartía la misma idea que el tiene de la moda: algo que es para todos. “Me disgusta esa antigua noción de que la moda es exclusiva, como Andy Warhol dijo: ‘Lo mejor de tomar Coca-Cola es que la Coca-Cola de Nacy Reagan sabe igual que la tuya’ todas saben igual, no son inalcanzables en absoluto, ni están investidas de snobismo y exclusividad como muchos creen”

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Por acá pueden ver el video oficial

http://www.youtube.com/watch?v=tBE8pa_PhdE

 

Verde Primavera: Moscot

Desde 1915 Moscot se ha dedicado a hacer gafas que hasta nuestros días sobresalen por su atemporalidad y gran diseño,  caracterizados  por ser elaborados artesanalmente a mano en el mismo lugar por el que durante casi 100 años también se han fabricado. Este lugar es una boutique que ha quedado intacta a lo largo del tiempo en la ciudad de Nueva York. Hay un sentimiento que evoca a otras épocas sigue estando presente en la marca, como prueba está la nueva colección de Verano 2013 donde optaron principalmente por el uso de metales en donde sobresalen espléndidamente los grabados y la pasión por los detalles de cada una de estas piezas que emana un espíritu juvenil contrastante con su ya conocido estilo vintage. Una colección infaltable para cualquier fanático de la marca.

 

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Naked Boutique abierto 24hrs

Por: Knuxx Vomica

@KnuxxVomica

 

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Poder observar las cosas desde adentro da una perspectiva diferente sobre su concepción: aumenta su significado, duplica su valor y sobre todo nos hace parte ellas. Hace unos días una afortunada casualidad me llevó a involucrarme con Naked Boutique, una tienda en línea que conjuga lo más propositivo de la moda nacional e internacional. Desde 2007, este proyecto ha ido tomando diferentes formas, pero no ha dejado de lado su inspiración por el estilo, se ha mantenido constante en su esfuerzo por difundir en nuestro país una manera más fácil de comprar: una forma que sea amigable y transmita la dedicación que hay detrás. Ello lo llevan a cabo a través de su página de internet que cuenta con piezas únicas seleccionadas a detalle por Deya Tano, fundadora y curadora de cada una de las marcas que forman parte de Naked Boutique: Gala is Love, Celestial, Paul Frank, Lorena Saravia, Vestal, Francesca Ronci, L’ Imperatrice y más… que hacen brillar este interesante trabajo por impulsar esta iniciativa por y para los emprendedores. Ahora puede ser apreciado de cerca en su nuevo showroom en la Colonia Roma donde podrán encontrar algunas de las piezas que hay en la página. La idea principal es que las compras se realicen principalmente en linea ya que el stock es más amplio y se puede vivir mejor la experiencia de esta tienda pionera en el apoyo al talento mexicano emergente.

http://www.nakedboutique.com/

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Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

Las nuevas reglas del lifestyle: GIST

Desde Monterrey llega GIST Magazine, una nueva revista gratuita a cargo de Adriana Alvarado; con un diseño editorial impecable, gran sentido de la estética y muchas ganas de impulsar a los grandes emprendedores de nuestro país. Con apenas dos números  y un tercero en puerta, han sabido abrirse paso definiendose como: “Una guía de estilo para hombres y mujeres de buen gusto. GIST es el lifestyle hecho revista”.

GIST

GIST

Su contenido se divide principalmente en siete categorías:

Moda e imagen

Belleza y salud

Perfiles

Desarrollo Humano

Ciencias Especializadas

Turismo

Cultura general

GIST

GIST

Las cuales engloban artículos sobre tecnología, educación, economía, arquitectura y más lo que la hace una revista muy completa y llena de detalles, lo que la hace única en su tipo. GIST no sigue ningun estándar, ellos mismos los crean.

GIST

GIST

GIST

GIST

 

www.gistmagazine.com
FOLLOW: @GistMagazine_

Las Apariencias Engañan: Los Vestidos de Frida Kahlo

A la inmortalizada figura de Frida se añade un espacio más en la llamada Casa Azul de Coyoacán, que en colaboración con Vogue y BMW, exhibirá a partir de este próximo sábado 24 de noviembre joyas, accesorios y vestidos que la pintora utilizó. Derivado de ello, Vogue realizó como suplemento en su número de noviembre una edición especial cuyo énfasis en los elementos y color aluden en cierto modo a un culto al ícono que Frida constituye.

La actitud desafiante que Frida plasmó en su obra se extiende también como expresión de lo anticonvencional. El uso que ella dio a texturas, accesorios, colores y atuendos, además de los distintos razgos estéticos de ciertas raíces indígenas, quizá revelan con mayor detalle sus cualidades creativas y emocionales.

Carlos Phillips, Director General de los museos Dolores Olmedo, Diego Rivera y Frida Kahlo, declaró al respecto:

“En la forma de vestir de Frida se puede reconocer la creatividad y el profundo sentido del colorido que tenía la artista. Su ropa, además de ser en sí una manera de esconder flaquezas físicas y emocionales, traducía su temperamento. Su atuendo fue un elemento fundamental en la construcción de su fuerte personalidad que la ha hecho trascender en la historia de la pintura del siglo XX”.

Como complemento a la exposión, pueden asistir también a las conferencias de especialistas que el museo preparó.

Más detalles acerca de ésta exposición en la página del Museo Frida Kahlo.

 

 

Bernhard Willhelm Lookbook SS13

Por Knuxx

@knuxxvomica

Uno de los diseñadores favoritos de este año, Bernhard Willhelm, presentó hace unas semanas el lookbook de su colección primavera/verano 2013: gifs animados e imágenes intervenidas que fueron el resultado del trabajo en conjunto del diseñador brasileño y animador en 3D Geoffrey Lillemon.

Una forma diferente e irreverente de plasmar el trabajo que presentó en el Fashion Week de París, donde prendas estampadas y con cortes irregulares y asimétricos fueron las protagonistas principales. Un styling original y una gran dirección creativa.

Les dejamos las imágenes del lookbook y las del making of. Para conocer más visiten: http://www.bernhard-willhelm.com

 

BW SS13

BW SS13

Director + 3D Animation : Geoffrey Lillemon | Photography : Petrovsky&Ramone | Styling : Niki Pauls | Production : Valtteri Laihanen, Random Studio | Interactive : Hugo Dechesne, Random Studio.