“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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Edgar Allan Poe: el sueño dentro del sueño

Son pocos los escritores que logran trascender el ámbito académico y se colocan entre los referentes populares de los lectores sin importar el género, el momento histórico ni el tiempo transcurrido desde que se publicó su obra. Cuando la producción artística cuenta con la calidad suficiente logra trascender estas limitantes y toma un lugar dentro de la historia como un punto cardinal e, inclusive, piedra fundacional que habrá de influir a otros. Es el caso de Edgar Allan Poe (1809-1849), de quien se cumplió un aniversario luctuoso más el pasado 7 de Octubre.Edgar_Allan_Poe_portrait_B

La influencia de Poe como escritor se percibe en áreas muy diversas: desde su producción poética y de narrativa (donde encontramos sus más famosas historias) hasta la crítica lúcida, su obra es algo que ha permeado más allá de la Literatura: músicos, artistas visuales y el imaginario colectivo son deudores del amplio universo creado por Poe. ¿Qué razón hay detrás de esto? ¿Cómo es que Poe ha logrado colocarse como un escritor tan popular? Podríamos considerar lo más evidente: la temática que maneja, o más bien las diferentes temáticas, ya que Poe no se limitó a un campo único, sino que con su obra se convirtió en uno de los renovadores de la novela gótica y el cuento de terror. En este punto es inevitable mencionar a otros grandes escritores en los que Poe dejó una marca imborrable: personajes como H.P. Lovecraft, Ambrose Bierce, Guy de Maupassant, Charles Baudelaire (quien se encargó de introducir su genial obra en Francia), Thomas Mann o Julio Cortázar son apenas algunos de sus influidos.

Resultan bastantes las áreas en las que Poe mantiene cierto efecto; se trata hoy en día de un escritor ampliamente citado y mencionado entre los lectores más disciplinados y aquellos que son más ocasionales. Con frecuencia es uno de los escritores con el que muchas personas se inician en la lectura. Han pasado 164 años desde su nacimiento, y parece ser claro que su vigencia se mantendrá por algún tiempo más. Con sus creaciones literarias, Poe logró consagrarse como un escritor ascendente, a pesar de la trágica y corta vida que mantuvo.

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Gabo, Fidel, Arenas y otras mentadas de madre (Segunda Parte)

Alrededor de cuatro novelas y dos décadas después de Celestino Antes del Alba, García Márquez gana el nobel de literatura. Cuatro años antes de suicidarse, Arenas vivía en Estados Unidos y logró publicar todas las obras que, debido a persecuciones y censuras, tuvo que reescribir varias veces, entre las que aparece Necesidad de Libertad (1986), dado a conocer inicialmente en Kosmos y quince años después en Ediciones Universal. En este compilado de textos de todo tipo, sobresale Gabriel García Márquez, ¿esbirro o esburro?, redactado en Nueva York en 1981, donde el cubano llama al Nobel “rata acosada”, “niño mimado de la prensa occidental” y “vedette del comunismo”, por ponerse del lado del autoritarismo en casos conocidos de Cuba, Vietnam y Polonia.

La escritora nacida en La Habana en 1959, es una de las voces más importantes de la desmitificación de la revolución cubana. 

 Zoé Valdés, la escritora más importante de la desmitificación de la revolución cubana en nuestros días, asegura que Arenas le entregó un artículo titulado La insoportable fealdad de García Márquez (1989) a Antonio Valle Vallejo, quien mecanografió Antes que Anochezca (1990) debido a que el autor ya estaba en un etapa terminal del sida. En él, Reinaldo Arenas compara a Márquez con los colaboradores de Hitler, lo llama plagiario: “hace más de veinte años que García Márquez debió comparecer ante los tribunales norteamericanos por haber plagiado incesantemente a William Faulkner” y humilla su físico, diciendo que tiene un cuerpo de – tortuga– caguama y no siéndole suficiente insulto, señala que “es un hombre casi completamente desarmado de la cintura para abajo”. Continúa señalando:

¿Cuál es el motivo de que un hombre de talento hasta para el plagio se haya plegado a los servicios secretos de Fidel Castro? La respuesta me la dio un cineasta colombiano a quien le comenté con tristeza que sus compatriotas debían sentir una gran vergüenza por ser conciudadanos de una persona como el señor García Márquez. “Es una gran pena”, me respondió. “Pero, por suerte, en Colombia, García Márquez es casi sólo conocido bajo el nombre de Cara de Fo”.

Fidel Castro y Gabriel García Márquez.

 Si hacemos un acercamiento detenido a la literatura de Arenas, este enigmático texto ofrece por lo menos una justificación que podría comprobar que Zoé Valdés no se lo sacó de la manga. En el Color del Verano (1991), la última novela del disidente cubano, como parte de una pequeña obra de teatro, insertada a manera de prólogo, titulada La fuga de la Avellaneda. Obra ligera en un acto (de repudio), en la que desfilan personajes como José Martí, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Julián del Casal, José Lezama Lima, José María Heredia, Raúl Kastro, Virgilio Piñero, Silbo Rodríguez, Fifo (Fidel Castro), Zebro Sardoya (Severo Sarduy), Delfín Proust (Delfín Prats) y muchos otros personajes de la intelectualidad cubana repartidos en coros que musicalizan desde Cuba, Cayo Hueso y el mar Caribe. Este esperpento es ejecutado, en parte por “la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Manuel Gracia Markoff, alias Cara de Fo y Marquesa de Macondo” (El color 18).

 La misma Zoé Valdés llamó “hijo de puta” públicamente al Nobel colombiano.

Me llena de satisfacción, repito, el que se haya enterado lo que dije en aquella ocasión, por cómplice de dictadores, por arrastrapanza de dictadores, por haberle hecho la vida imposible en varios periódicos a escritores como Reinaldo Arenas y como Guillermo Cabrera Infante, y a servidora. Los tres lo hemos puesto en su lugar, el lugar de los arrastrapanza. El día en que se haga la historia de la literatura cubana habrá que decir que al menos tres escritores cubanos le cantamos las verdades en su cara, y habrá que contar también que muchos otros fueron aupados, publicados bajo su ala, y es la razón por la que todavía hoy tienen que cantarle loas y darles el culo y lamerle las hemorroides celebrarles para que, gracias a esa guataquería al Nobel colombiano que no ha sido exiliado en México ni la cabeza de un guanajo, que vive entre México y Colombia, les sigan dando bombo en los periódicos del mundo entero

 Gabriel García Márquez, que falleció hace unos siete meses, dejó impune varias de las injusticas que su gran amigo Fidel Castro llevó a cabo. Dos de las que más se le achacan son el Exilio del Mariel en 1980, el que decenas de miles de cubanos, incluyendo al propio Arenas, se abalanzaron al mar en busca de libertad; y la Primavera Negra del 2003, en la que 75 disidentes pacíficos fueron condenados entre 6 y 30 años de cárcel por escribir en actitud crítica hacia el gobierno.

Las enemistades de García Márquez no se limitaron a territorio latinoamericano: Susan Sontag, escritora estadounidense, también arremetió contra él.

 Pero Márquez encontró enemistades incluso fuera de la literatura caribeña. Las omisiones a las injusticias del régimen de Fidel Castro también fueron señaladas por Susan Sontag, según Berenice Bautista, en la feria del libro de Bogotá en el 2003. Tres acusados fueron ejecutados por secuestrar un barco intentando escapar de Cuba. Márquez se defendió argumentando que ha ayudado en silencio a incontables disidentes y perseguidos, pero Susan Sontag arremetió en su contra al poco tiempo, en la feria del libro de Frankfurt, llamándolo ridículo.

 Del mismo modo, el incansablemente homenajeado Octavio Paz, a propósito de la ausencia de García Márquez y Carlos Fuentes a la mesa “El siglo XX: la experiencia de la libertad”, que él mismo organizó unos meses antes de recibir el premio Nobel, los llamó “apologistas de tiranos” y también señaló: “Hay que aprender a decir y a escuchar la verdad: hay que criticar tanto el estalinismo de Neruda como el castrismo de García Márquez”, según apunta El País.

 Resulta interesante el paralelismo de Gabriel García Márquez con Jorge Luis Borges, ya que se dice que éste último recibió premios directamente de dictadores, apoyó la represión del 68 en Tlatelolco e incluso a la CIA; por su parte,  el escritor colombiano, según Gerald Martin (uno de sus biógrafos), también fue cercano a Bill Clinton y Felipe González. Gabriel García Márquez fue unos los principales narradores que le dieron prestigio internacional a las letras latinoamericanas sin lugar a dudas. Arenas, por su parte, inauguró un género completamente nuevo en la literatura cubana que, como reacción natural al realismo socialista, desacraliza esa izquierda cheguevarista, dejando las puertas abiertas a un realismo que algunos han criticado de soez, por donde han entrado y sabido salir adelante escritores como Pedro Juan Gutiérrez y la misma Zoé Valdés.

Gabriel García Márquez.
Reinaldo Arenas

Originally posted 2014-11-19 09:00:52. Republished by Blog Post Promoter

La poesía armada hasta los dientes: Miguel Hernández

 

 

 

“No, no hay cárcel para el hombre.

No podrán atarme, no.

Este mundo de cadenas

me es pequeño y exterior…

…Libre soy. Siénteme libre.

Sólo por amor”.

— Miguel Hernández (Antes del  odio)

 

 

Las  montañas de Orihuela, la  yunta de  cabras, el  pasto, el amor, la muerte  y la  vida  son los  ingredientes que nutrieron  al niño pobre que  escribía sobre el lomo del  ganado, aquel de la casa  pintada y nunca vacía, el hombre  con  oficio de  poeta que durante la  Guerra  Civil  Española y el  fango de  las  trincheras del  bando  republicano, afiló su  pluma, un personaje que quiso arrancarse de cuajo el  corazón en  cada  palabra, el hombre  que  se  llama barro, la  muerte  enamorada,  aunque Miguel lo  llamen.

 

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En el centro de la parte superior, Miguel Hernández en la escuela Ave María.

Miguel  Hernández  Gilabert o simplemente  Miguel Hernández  nació el 30 de octubre de 1910 en  Orihuela, Alicante. Proveniente de una  familia  con  recursos  limitados, estudió la primaria  en la  escuela  para  pobres anexa al Colegio de Santo Domingo, Ave María. Su papá era un pastor  de  cabras,  así  conoció el valor del trabajo desde muy niño, motivo por  el cual tuvo  que  abandonar  sus  estudios en  diversas  ocasiones.

 Su  acercamiento a  la poesía sucedió de  manera  temprana, acompañado por José Ramón Marín Gutiérrez  mejor  conocido  como Ramon Sijé -quién fue  su  gran  amigo- Miguel cultivó sus  inquietudes literarias y políticas a su lado, se  esforzó en ser autodidacta con los libros que conseguía en la biblioteca del Círculo de Bellas Artes, orientado por el clérigo Luis Almarcha,  descubre a  autores  como  Cervantes, Lope, Calderón, Góngora, Paul Valery, Garcilaso y Antonio Machado. Sijé, quien fue estudiante de derecho en la universidad de Murcia, resultó  fundamental  dentro  de  la  vida  y  obra  de  Miguel Hernández, orientó  su  lectura hacia los clásicos y la poesía religiosa, también lo alientó  a desarrollar su habilidad creadora que,  para  entonces,  veía  la luz  sobre  papel  destraza,  mientras  las  cabras  pastaban en  la  montaña.

“No quiero morir -dormir-,
no quiero dormir muriendo
en la sagrada tierra estéril…
¡Yo quiero morir viviendo!”

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Miguel Hernández

 Para inicios de la década de 1930, Hernández publica algunos poemas en el semanario El Pueblo de Orihuela y el diario El Día de Alicante.  Pronto su nombre hizo eco en  revistas y diarios locales. En el amanecer de  esa  década, viaja por  primera vez  a Madrid  donde ya  es  conocido  el mote de “cabrero-poeta”; el impacto de la  capital mezclado  con sus  influencias  literarias  y su infancia dan como  producto  a su  pirmer  obra, Perito en lunas (1933). Un  crisol  de  una poética épica-mística como  muestra  inexorable  de  un estilo, la  capacidad de  agencia  del  poeta, había  llegado  para  quedarse.

“Pero al fin podré vencerte,
ave y rayo secular,
corazón, que de la muerte
nadie ha de hacerme dudar.
Sigue, pues, sigue cuchillo,
volando, hiriendo. Algún día
se pondrá el tiempo amarillo
sobre mi fotografía”.

Después  de su  auto-afirmación,  regresó  a Madrid para  conocer a Josefina  Manresa – quien sería  su mujer-, más  tarde publicó El  rayo  que  no  cesa (1936) , obra  que  aún mantenía  los  rasgos  de métrica, misticismo  y  formalidad que  hasta  entonces eran distintivos de Hernández, posteriormente conoció a  Pablo Neruda y  Vicente Alexaindre quienes  influirían de  manera definitiva  en su  estilo, le  abrieron  el campo del verso  libre  y el surrealismo, se alejó de  sus  creencias  religiosas, desde  entonces,  se vio a si mismo como  poeta del  y para el pueblo.

España  pasaba  entonces  una  inestabilidad  política  y efervescencia social importante. La  Guerra  Civil  estaba en puerta,  Ramón Sijé  había  muerto  en 1935 y Miguel  le dedicó una elegía  que se distinguría  de  la  poesía de  su  tiempo en El rayo  que  no cesa.

“No perdono a la muerte enamorada,
no perdono a la vida desatenta,
no perdono a la tierra ni a la nada…
…Quiero escarbar la tierra con los dientes…
…Quiero minar la tierra hasta encontrarte
y besarte la noble calavera
y desamordazarte y regresarte.” 

Al  estallar  la  guerra, Miguel  tomaría  partido  en el  bando  republicano,  el 18 de septiembre de 1936 se  alistó en el 5º regimiento, se  alejó del Hedonismo académico que practicaban Rafael Alberti y Luis Cernuda, por eso se  fue  a combatir, a ver  caer  a su compañeros  y amigos, sin embargo,  más  tarde  fue  designado Comisario de Cultura del Batallón de El Campesino. En  esta  época  su  poesía se  volvió  una llama de  denuncia, que se  plasmó en sus obras Vientos del pueblo (1937) y El hombre acecha (1939). Hernández  recibió  invitaciones para  simpatizar con los  franquistas, y alcanzar  el  indulto, a lo que  siempre  respondió: “Como  si Miguel Hernández  fuera  una  puta  barata”.

“Cantando espero a la muerte,
que hay ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas”.

El 9 de marzo de 1937 logra escapar durante la  guerra a Orihuela para casarse con Josefina Manresa. En diciembre de ese año nace Manuel Ramón su primer hijo que muere a los pocos meses, a  él está dedicado el poema Hijo de la luz y de la sombra, para enero de 1939 nace Manuel Miguel su segundo hijo,  a quien dedicó las famosas Nanas de la cebolla.

“Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma”.

 

Ese  año   transcurrió  para  Miguel entre arrestos   y libertad momentánea, un detrimento  en su  estado de  salud  y  carencias  económicas. La cárcel le quitó el  aliento de  a poco, las prisiones de Madrid, Ocaña y Alicante, lo resguardan  hasta  que una tuberculosis pulmonar aguda atacó ambos pulmones,  se intento un traslado al Sanatorio Penitenciario de Porta Coeli  pero se  fue  imposible. Neruda  intentó  abogar  por  él, sin embargo  tampoco  tuvo  éxito. El 28 de marzo de 1942 a los treinta y un años de edad Miguel Hernández  cerró los  ojos y se  fue  como  llegó,
con sus  tres  heridas.

“Llegó con tres heridas: 
la del amor, 
la de la muerte, 
la de la vida.”

 

¿Te  interesa  leer  más sobre él y su poesía ?  Pásale por acá.

Originally posted 2014-12-19 08:35:27. Republished by Blog Post Promoter

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Poesía: significado y retrospectiva

Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio.
— Federico García Lorca

La poesía, es, por tomar definición, una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra y hay qué aclarar que no necesariamente reposa en el verso.

Precisiones:

  • Según los griegos puede haber tres tipos de poesía: Lírica, dramática y narrativa.
  • Antiguamente en Grecia el concepto abarcaba a la narrativa actual.
  • El término “poiesis” significaba “hacer” en un sentido técnico y en realidad, se refería a trabajos artesanales de todo tipo.
  • El creador, el artesano, hacedor, legislador, poeta, autor etcétera era llamado “poietés” el generador de algo que antes del paso por  su mano creadora era inexistente. En literatura entonces, era el arte creativo que utilizaba el lenguaje.

Es menester decir, que la poesía  no era creada para ser leída, sino representada.

Al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta.
— Platón

En la República, Platón establece tres tipos de “poesía”: Poesía imitativa, no imitativa y épica. El teatro es poesía imitativa, lo propio era no imitativo y lo restante: Poesía épica. En la Grecia antigua todo se componía en verso.

 Pasa algo interesante con Platón y es que siendo él peta, consideraba también a la poesía como la forma más elevada del arte, es en este libro (La República) que postula la necesidad del destierro de los poetas de una metrópoli moderna; aparentemente y dados los antecedentes, no se refería a todos los poetas, sino a los practicantes de la mimesis fantastiké, las apariencias, los encargados de reproducir fantasías, los hacedores, de la ficción, de lo fantástico.

 Lo que hay que recordar es que Platón consideraba que ésta realidad era una copia de las ideas, por tanto, éste tipo específico de poeta, era un ejecutante de la copia de una copia. Estas personas, luego, no son filósofos sino meros ejecutantes con posibilidades de persuadir al pueblo a seguir sus teorías no instruídas.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.
—  Octavio Paz

 La poesía se consideraba como una realidad espiritual más allá del arte,  la calidad de lo poético trasciende a la lengua y al lenguaje. De acuerdo con la Poética de Aristóteles, es el género en que el autor expresa sentimientos y visiones personales.

 La poesía actual se se relaciona con su capacidad de síntesis y de asociación y para ésto, se vale de la metáfora, que es diferente de la imagen, que se acerca a la nueva realidad mediante significados que refieren un sentido estricto y a la vez uno distinto, a diferencia de la metáfora que es la correlación entre dos símiles, según muchos una clara muestra de inteligencia y sensibilidad puras.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.
— Octavio Paz

 El lenguaje escrito en forma de poesía fue encontrado en el Antiguo Egipto en jeroglíficos, 25 años antes de Cristo. Son cantos de labor y religiosos. El poema de Gilgamesh, fue escrito con caracteres cuneiformes y sobre tablas de arcilla, 2000 años antes de Cristo. La Iliada y la odisea de ocho siglos antes de la era Cristin, Los veda del hinduísmo del siglo iii a.C.

 La poesía de Roma se basó en Grecia. La primera obra maestra de la literatura latina es “La Eneida” de Virgilio,también valdrán Propercio, Ovidio y Cátulo.

Si la poesía no nace espontáneamente como la hoja de un árbol, es mejor que no nazca de ningún modo.
— John Keats.

 Alguien hace poco me recordaba la cita de un libro para jóvenes poetas, y era justo lo que arriba se menciona, que no hay que angustiarse para escribir poesía por lo que no se conoce del mundo, todo lo del mundo se lleva dentro, un grano de arena, la sal del mar, el viento, es cuestión de encontrarlo y permitirlo salir.

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Originally posted 2014-11-24 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

“Cuentos mágicos y del intramundo” Jodorowsky

 

cuentos mágicos

Alejandro Jodorowsky Prullansky (Iquique, Chile 17 de Febrero de 1929) es más de lo que en la actualidad se espera de un artista. Como escritor ha abarcado novela, dramaturgia, poesía, ensayo, cuento y guión, también es director de teatro y cine, conductor, actor, mimo, escultor, pintor, escenógrafo, ilustrador, historietista, dibujante, tarotista, psicoterapeuta y creador de la psicomagia.

 Fueron sus padres: Jaime Jodorowsky Groismann y Sara Felicidad Prullansky Arcavi. De sus primeros años y de relación con estos se desprende la historia de infancia, que con algunas adaptaciones propias del género, hemos visto en “Memorias de un niño bombero” en Tres cuentos mágicos (para niños mutantes), Siruela, 2009; que también incluye “Loie del cielo” y “La increíble Mosca humana”, la habíamos conocido antes en el libro: La danza de la realidad, memorias, Siruela, 2001 de la que se desprende la película: “La danza de la realidad” (La Danse de la réalité, Francia-Chile, 2013).

 He de decir que me entró una suerte de decepción cuando leí “Cuentos mágicos y del intramundo” siendo sobretodo un best sellar. Encontré la repetición de anteriores textos de Jodorowsky de los libros antes mencionados; en uno tal cual y en otro modificado por amplitud, disminuído, dicho sea de paso. Al final del libro hay microrrelatos, varios que hemos encontrado en las tan aclamadas fábulas pánicas,  Textos e imágenes extremadamente valiosos y que ahora en internet son objeto de culto. Al respecto de ellas, Jodorowsky ciertamente dijo que al principio las temáticas eran un tanto agrestes, fueron modificándose a medida que él también se modificaba, por eso en ellas se encuentra la transición del alumno al maestro, siendo éste Jodorowsky, Que como Jehová crea un mundo y luego se interna en él como Jesucristo, como el maestro, el transmisor.

 Yo que, dicho sea también de paso, crecí desde niño con sus fábulas pánicas, y que desde los cuatro años tengo una profunda relación con ellas por mi madre, tornándose en mi “libro infantil” más recurrido, y habiendo recorrido parte de la extensísima obra de un creador fuera de éste mundo, por pensamiento, obra y acto, argumento que no hay necesidad de recurrir al libro, y que desde luego lo mejor para conocer su interior, serán “La danza de la realidad” y las irreemplazables fábulas pánicas, que ofrecen desde un lugar mejor posicionado, más amplio y vasto, la obra del portentoso creador.

fábulas pánicas

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Desenfreno Iracundo

infame

por Gerardo Gerry Méneses

Ahí me tenías, corriendo como estúpido, partido en dos.

No sé si fue la peor mañana de mi vida.

No, realmente fue una asquerosa mañana,

pero no la peor.

La peor ni siquiera tiene que ver contigo,

sino con la muerte.

En todo lo horrible siempre está la muerte:

la de mi amigo que piloteaba cerca de Morelia

(aquel maldito día en que perdieron el control de la avioneta ¡sólo eran cuatro niños!);

la de mi abuela por culpa del cáncer que la diluyó;

la del más querido de mis tíos

quien no sobrevivió a un hospital infectado de neoliberalismo;

la muerte de suicidas con gesto de arrepentimiento;

la del beatle sorprendido en lo furioso de una noche estúpida.

La de mi banda de rock.

 En mi vida eso fue horrendo

                                                    y permanece,

                                                                             porque saber de la muerte es enfermar de agonía.

Así esa mañana, en que corría como demente,

sin otro rumbo que un renacimiento salvaje, triste.

A fuerza de morir en vida me volví otro.

Yo no toleraba los fines de semana,

de lunes a viernes trabajar sin descanso

hasta ser sorprendido por el sueño

era tolerable, aunque se tratara de esas noches

en que nada de lo que leía tenía caso.

Sin embargo, sábados y domingos eran morir mil veces.

Beber, berrear, extrañar, no soportar el cuerpo

ni el vacío. Y nadie hablaba de posmodernidad

pero punzaba el alma su agonía.

Yo despertaba en lugares extraños

con extrañas personas

que me dejaban sentir su extraña compasión,

hasta enredarme de negra necedad en las botellas…

Así que la mañana trágica en que te dejé de sentir

en que te vi deseosa de otro deseo

en que evaporaste lo que creí mi felicidad,

salí corriendo como desesperado

huyendo como maleante

desangrado de sexo y soledad

componiendo canciones que nunca comprendiste;

y decidí matarme

lanzándome al abismo

en que ahora vivo.

el que no puede

Ilustración: Emilio Valencia / El que no puede

Texto que podrán encontrar en:

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/5to

Originally posted 2014-06-16 23:39:35. Republished by Blog Post Promoter

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Originally posted 2014-10-31 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

La muerta que no se fue, pero tampoco regresa

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De cuando hay festejos que por más que quieras, no puedes festejar.

 Sé que podría decirse que los mexicanos esperan con fervor a sus muertos, que les sirven comida, alcohol y demás, sin embargo, la tradición era para mí todo un lujo, dejó de serlo hasta que murió mi sobrina, aunque mucho más que ese parentesco lejano, yo la sentía como a una hermana.

 Ni siquiera quiero hacer la cuenta de los años que han pasado desde que se colgó en el borde de su cama y no lo recuerdo, porque hasta la fecha no había escrito al respecto. Pero las fechas me obligaron a recordarlo y no es que no pueda asumirlo, o aceptarlo o superarlo. El caso es que no le ponemos ofrenda, no podemos, nos duele. Nos aniquila el tema, el poder de la palabra suicidio y su edad (11 años) es suficiente para evitar el tema y casi anular el hecho.

 Veo muchas ofrendas con fotos y guisados deliciosos, lo respeto, me gusta. Pero cuando se trata de “honrar” a la que se fue, el tema se complica. Un sólo año le pusimos un altar con flores naranjas y toda la parafernalia, pero para ser sincera, me retumbaba el interior el sólo pasar por ahí.

 Aunque me gustaría serle fiel a las “tradiciones mexicanas”, hay algo más profundo que me lo prohíbe, ni siquiera quiero ir a su tumba. No es que no quiera recordarla, es que sigue bien presente y no regresa con velas y flores. Vive en mi casa todavía y la herida brota. Duele menos, pero siempre lastima.

Originally posted 2014-11-04 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Originally posted 2015-02-12 10:04:44. Republished by Blog Post Promoter

Reencarnación

Escupió cerca de la puerta de su casa pensando que el gargajo no alcanzaría su propiedad, pero no fue así. Resbaló de la madera comida como un caracol. Tomó los papeles, respiro fuerte y empezó a correr hacia el rancho.

A su paso podía ver las casas desmoronándose como mazapán, los caballos llenos de costras asustando a las moscas con su cola, la tierra mojada de tristezas y seca de otras tantas, árboles cansados, y el aire, pesado y sucio, tanto, que le costaba dar el siguiente respiro.

Llegó a la entrada de “Los Sandovales” y le chifló al borracho de Jacinto. Chifló tres o cuatro veces. Nada, no aparecía nadie. Abrió los papeles que llevaba en la mano, sudados por la carrera que se había echado. Volvió a ver ese conjunto de letras manchadas y sintió la misma emoción de días pasados.

Se sentó a la entrada, dejó su sombrero unos pasos adelante y comenzó a lanzarle piedras.

Después de un rato, apareció Jacinto tambaleándose. Se reía y gritaba, le chupaba a la botella dejando caer más alcohol en su pecho que en la boca. Escuchó el silbido y volteó hacia la entrada, logró distinguir a alguien detrás de la reja y sonrió al percatarse de que era su amigo.

– Si yo reencarnara, y Dios mediante no lo haga –al mismo tiempo que se persignaba- rogaría para hacerlo en ti, Encarnación.

Soltó una de sus sonoras carcajadas y lo abrazó.

– ¿Qué se te ofrece, Chon?, ¿andas buscando a la patrona, tan chula?

– ¡Cállate, tú! Te van a jalar las patas, burro. Vengo a ver a la Teresita pa’ que me lea lo que dice aquí. Pa’ mi que es algo importante y aquí no’mas ni nos enteramos de lo que pasa en la capital.

– ¿Y pa’ qué te quieres enterar de tanta burrada? Que si esto, que si’l otro, que la chingada…nada puede ser pior. Mira, mira –y le enseñó sus manos, negras y partidas por el trabajo de las minas de unos años antes- estas manos ya no sirven en el campo, y si sirvieran de algo, preferiría cortarlas antes de servirle a estos desgraciados. O, ¿qué?, ¿ya no ti acuerdas, Encarando de mi alma?

– ¡Ay, Jacinto! Se le olvida que ai’ que comer y vestir, y pa’ uste’, pues chuparle fondo al tarro. Hasta el vicio sale caro, Jacinto.

– ¡Vete a la fregada!

– Ándele, lléveme con la muchacha, ella es la única que sabe leer y escribir en este méndigo pueblo.

Empezaron a caminar por la vereda empolvada mientras Jacinto cantaba las canciones de la Revolución. Por primera vez, Encarnación se dio cuenta que las manos de su amigo eran idénticas a las suyas, simplemente unas estaban lastimadas de  tanta oscuridad y las otras de luz. Pobre Jacinto –pensó- pa’ pronto se nos va.

Al llegar a la cocina de la casa, las mujeres saludaron al hombre sin hacer mucha cuenta de su presencia.

Hablaban de la mascare a los campesinos del pueblo vecino. Mataron 17 hombres y una mujer que iba pasando, que para su mala suerte sirvió de testigo. Por eso –decían ellas- las mujeres no deben salir de la cocina.

– Vete por la Teresa, Lupe –dijo Jacinto- Chon necesita verle.

La mujer salió corriendo de la cocina hacia el establo. Teresa era la única muchacha educada del pueblo porque era hija del patrón y de una de las hermanas de la difunta señora. La patrona, al enterarse del desatino de su esposo, obligó al mismo a no reconocer a la niña. Dejó que la cuidaran las criadas, pero permitió que se le diera educación y un plato más de comida al día.

Lupe regresó con Teresa y le señaló al hombre que quería hablar con ella.

– ¿En qué le sirvo, Encarnación? – le dijo sonriendo mientras se limpiaba las manos con un trapo.

Se fueron al otro lado del rancho, por donde estaba el establo y los camastros de los peones, todos juntos como teclas. A unos cuantos metros estaba el cuarto de Teresa. Mejor acomodado, menos apestoso, menos húmedo, menos indecente. Se metieron alejado uno del otro. Todos en el rancho pensaban que dormían juntos y, aunque no era cierto, los dos dejaron que el pueblo entero pensara eso.

– ¿Qué traes en las manos que lo agarras como si fueran los muslos de una mujer? – se rio.

– Nada, patrona. Con la noveda’ de que yo ya sé leer tan bien como uste’.

– Ya era hora, Chon. Llevas años viniendo. ¿Si leíste todo lo que te di?

– Si, patrona. Todo y un cachito más. Periódicos que llegaban a la cooperativa hablando del Tata  y las reformas, y por lo que nuestros papacitos se murieron hace 20 años. La noveda’ de la repartición de tierra, como decía Zapata, patrona…

– Ten cuidado con lo que lees, Encarnación –dijo Teresa interrumpiendo el entusiasmo de aquel hombre –deja te digo que las ideas son de los dueños y para los dueños, no para nosotros, mucho menos para ti…

Él bajó la mirada con vergüenza y rabia. ¿Cómo carajos se atrevía a menospreciarle así? Después de todo, pensó, él era el único indio que sabía leer. Sólo le faltaba aprender a escribir para largarse a la capital y verse como los dones que visitaban al patrón.

– No tienes buen nombre, Chon –continuó Teresa.

– Con todo respeto, patroncita –se quitó el sombrero apretándolo contra su pecho –uste’ tampoco.

– ¿Los periódicos te enseñaron a insultar?

– No, patrona. No’mas me ando dando cuenta, a estas alturas de la vida, que la culpa y la jodida es di uno. Pero así, di uno a uno, se van a ir yendo como fueron llegando, sin nada.

– No me estarás diciendo que fue justicia divina la muerte de los 17 miserables del otro pueblo, ¿verdad?

– Pues yo que voy a saber, patrona. Dios dispone y uno se agacha. Y se lo digo, de uno a uno.

– El que lo hizo es un perro, y los perros dependen de un amo.

Se salió del cuarto maldiciendo a la mujer. Eso le pasa a los hocicones –se dijo a sí mismo- primero aprendí a callarme y luego a hablar. Se puso el sombrero y dispuso volver a su casa. No dejaba de escuchar las últimas palabras de Teresa: “Cuando aprendas a escribir, fíjate que la tinta no sea roja, Encarnación”. Pinches viejas, dijo, son como la diarrea, no’mas nos aguadan hasta el alma.

Siguió cuesta abajo, convencido de su labor, de su tarea, del papel que habría de jugar en los nuevos tiempos.

La mató sin que se quejara, no hubo llanto ni lamentos, mucho menos suplicas. Deseaba que Jacinto y todas las gallinas fueran igual de obedientes, pero sabía que no sería así, que toda esa bola le iba a dar batalla al igual que los otros 17 y la viejilla sin suerte del otro lado.

–  ¿Por qué no entiende, patroncita? -le dijo al cuerpo aún tibio de Teresa- aquí dice -golpeando las hojas amarillas y quebradizas con el dorso de su mano negra- y no lo digo yo, lo dice el Tata, “La miseria, la ignorancia, las enfermedades y los vicios esclavizan al pueblo”.

Mató a todos sin saber que el pueblo era Jacinto, eran los 17 peones, la mujer desafortunada, él mismo.  Mató a todos sin saber que el Tata  era pasado. Mató a todos sin saber nada.

Llegando a la casa, se detuvo. Al final, pensó, la puerta de esta casa nunca fue mía. Y escupió hasta sentir la garganta seca como la tierra.

Originally posted 2014-10-23 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 2

Por Hernán Flores

[Miércoles 24 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. Me arde la piel. Otra vez no debí haber comido tantos tacos de canasta. El calor es insoportable. A pesar de todo estoy seguro de que será un día increíble, veamos qué más puede ofrecerme esta feria, seguro habrá mucho de qué hablar, musitaba para mi interior tranquilamente mientras el vagón andaba por el subterráneo y veía como un niño se admiraba de unos nuevos anuncios luminosos incrustados en un buen tramo del trayecto entre una estación y otra. Maravilloso. Sin darme cuenta habíamos llegado a nuestro destino y estaba listo para ir a la carga.

3:30 p.m. Como lo había predicho días antes, “Macondo” me permitiría escuchar cosas fabulosas. A mi llegada curiosa y algo apresurada escuché un contrabajo y un teclado que armonizaban la plancha del Zócalo al ritmo de música de cabaret. Una música oscura y llamativa daba brincos y abría las piernas como una prostituta ofreciéndonos su olor y su sexo sin límites. Terminó la primer canción y quedé maravillado, tenía un sonido parecido a The Dresden Dolls pero con esa peculiaridad que tienen todas las bandas argentinas, un carisma difícil de apreciar. Tocaron un par más de temas fabulosos en los que ora tocaban el chelo ora el contrabajo, ora un tambor grande ora una pequeña lata de frijoles. “Lo nuestro es la noche, estamos en un ambiente extraño” dijo la vocalista despreocupadamente. Como si no nos hubiéramos dado cuenta de sus maquillajes semiteatrales y algo escalofriantes de mimos y payasos de circo sobre ruedas. Vinieron desde la Plata, Argentina, para darle un toque más de diversidad a nuestra feria. En ese instante me enamoré del escenario, la música iba perfecto con todos los detalles. Palacio Nacional estaba parado justo detrás de él como un hombre avaro vestido de traje. Qué impositivo puede ser un uniforme o un traje, como dicen por ahí, le da autoridad a cualquiera.

4:00 p.m. Me detuve a llorar desconsoladamente a orillas del Fondo de Cultura, sin importarme la vergüenza que sentía, sin importarme nada ni nadie más que yo mismo. Mis lágrimas suavizaron mi corazón de acero y éste se volvió lentamente un erizo al que ahora nadie puede acercarse. Las gotas de mi llanto rociaron el pasto donde crecieron flores nuevas y desconocidas. Nueva flora pobló mis dedos y mis manos. Floreció nueva poesía. En pocas palabras, agregué uno más a la lista de engaños, daños. Fue uno terrible e irreparable. Sin embargo, para mi sorpresa y buena fortuna me encontré a mis amigos los poetas vagando por ahí. Confeccionamos un credo de desprecio e ira, de intestinos y saliva que escupimos sin parar durante un rato en su contra. Me puse de pie y todos acordaron cancelar sus planes (uno ver a su chica y el otro ir a la escuela) para irnos a beber cerveza.

4:30 p.m. Llegó Héctor. Héctor Hernández Montecinos. El poeta chileno, no un simple poeta chileno, si es que cualquiera de ellos puede ser un poeta cualquiera. El autor de La Divina Revelación. El poeta del cosmos. Llegó Héctor y las cosas poco a poco fueron yendo a mejor. Recibí un mensaje suyo diciéndome que ya estaba en el asta donde horas antes habíamos acordado vernos y caminé a su encuentro. Sus gafas oscuras reflejaron el sol sobre mi piel que aun ardía por mi visita a Acapulco y lo primero que hizo al verme fue darme un largo y fuerte abrazo. Un abrazo como ningún otro, era un abrazo cósmico. Toda la fuerza del cosmos estaba concentrada ahí y con él me cobijaba. Me dio un par de palmadas y dijo “Hola, Hernán, ¿damos una vuelta y vemos algunos libros?”

5:00 p.m. Dimos varias vueltas a la feria, anduvimos desde Tusquets hasta Acantilado y Anagrama, pasamos por Siglo XXI hasta que finalmente llegamos a la Editorial 2.0.1.2. la editorial de Yaxkin, el poeta que no sólo es poeta, sino también poema. La editorial que en exclusiva edita y publica a David Meza, una de las promesas más grandes de la poesía contemporánea, también amigo nuestro. Aún con el corazón carbonizado decidí no perder más el tiempo y eché un vistazo a todo lo que había sobre la mesa para poder recuperar las horas perdidas en el día y escribir acerca de la editorial. Y bueno, descubrí que cada tiraje, o al menos muchos de ellos, estaban hechos a manos y además estaban numerados. También vi el póster del Festival Subterráneo de Poesía, el cual daría inicio el Domingo comenzando con lecturas en la pirámide de Tenayuca, después el Lunes con lecturas y encuentro de poetas latinoamericanos en la “Hostería La Bota” para seguir así también el martes, pero ésta vez en el CCH Sur hasta terminar el Domingo siguiente con un campamento poético. Una cosa de poetas: una cosa hermosa. Pues vamos por esas chelas, ¿no? Los escuché decir con insistencia. Vamos pues, les dije, sin imaginarme siquiera cómo terminaría todo esto.

7:00 p.m. Quedaron rezagados algunos poetas en el camino intentando encontrar algo valioso entre los puestos. Debemos irnos ya, que si no, no llegamos – le dije a todos con intención de movilizarnos lo más rápido posible. Habíamos acordado ir a la presentación del poemario más reciente de uno de los amigos de Héctor. Espero no sea demasiado tarde, quiero tener algo de qué hablar para éste día perdido y miserable.

7:30 p.m. Llegamos a la exposición, pero ya había terminado. No escuchamos más que un par de palabras del final, sin embargo con aplausos pagamos nuestra deuda, nuestro retraso. Ordenamos una ronda más para todos los poetas sin pensar en el precio. Ir a ese lugar, después de todo, no fue una pérdida de tiempo, también pude recuperar algo del trabajo sin hacer durante la tarde. Nos encontramos a un par de cuenta cuentos y un poeta, todos guatemaltecos, que habían venido por la invitación que les fue hecha por los organizadores de la FIL para dar pequeñas sesiones de cuentos leídos en voz alta para los pequeños que habían asistido a la feria. Me contaron que habían tenido un grupo lindísimo de niños que jugueteaban y parecían sentir amor, incluso tal vez pasión, por los cuentos. Que partían al día siguiente a mediodía con una gran sonrisa, que se les había tratado muy bien en la feria. Y ahí fue cuando me di cuenta de todo, sería una noche más para ser un detective salvaje y no pensaba dejarla ir. “Espero mañana no estar muy podrido, mañana sí tengo que trabajar”.

 

Originally posted 2012-11-03 18:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- recomendaciones literarias

Bien saben que me encanta leer (y si no, pues ya lo saben). Pero aquí hablaré de qué tipo de lecturas me agradan, pero en especial de la construcción literaria que me gusta a la hora de leer un libro.

 Cabe aclarar que dentro de mi lista de preferidos hay incluso cuentos para niños y eso es porque, a pesar de ya ser mayor, nunca dejé de leer cosas para niños. También dejaré los libros que están en mi lista de espera para aquellos que quieran ver lo que sigue para mí y la liga de donde pueden descargar todos los textos en versión .epub

 Todos los libros de Epublibre.org son legales, por favor leer su Proyecto Scriptorium para mayor información.

Comencemos:

 Jodi Picoult con

The Storyteller

 Un libro que realmente te hace pensar en la moral que tienes como persona al encarnar a Sage, una chica de descendencia judía que se hace amiga de un anciano que le pide ayuda para terminar con su vida ya que fue un soldado nazi. La construcción del personaje es excepcional y la lectura, a pesar de ser larga, se torna muy ligera porque Picoult sabe explicar exquisitamente la manera en que se prepara el pan. Casi puedes olerlo.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/11789

 El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares

volumen 1 y 2 de Ranson Riggs.

 Chicos, yo creí que después de Harry Potter jamás tendría amor por una saga de fantasía, pero esta novela me ganó. Ransom Riggs no solo escribió un mundo paralelo. En realidad Riggs es un famoso fotógrafo que buscaba imágenes de antaño, las fotos de antes eran bastante peculiares y algunas dan bastante miedo.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/4281
Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/4281

 Lo que hizo el autor fue tejer las aterradoras imágenes en una novela juvenil que se esta volviendo cada vez más oscura. Existe el rumor de que Tim Burton hará las películas de esta historia y lo vale. Para dar una síntesis sin arruinar nada a nadie diré que los niños peculiares son como los mutantes de X-Men y cómo se cuidaban en los años de la segunda guerra mundial antes del Dr. Xavier.

 Sobre la escritura en sí, es ligera y tiene algunos huecos muy grandes, pero va creciendo como es debido, pensé que se arruinaría con la secuela pero tal cosa no pasó y me alegra

 El hombre que quiso entrar en Auschwitz,

por Denis Avey.

 Sé que ya hay muchos libros de la segunda guerra mundial, este hombre no estuvo más que dos noches en el campo de concentración suplantando a un judío. Lo interesante de esta no- ficción fue la explicación de todos esos años lidiando con la ansiedad post-traumática de la guerra. De hecho se habla de los problemas psicológicos que tuvieron casi todos los soldados y de la cual no recibieron ayuda hasta cuarenta años después. Las descripciones sobre su tiempo trabajando al lado de los judíos también es bastante interesante.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/12297

 Howl’s Moving Castle

por Diana Wynne Jones.

 Fanáticos de Studio Ghibli, la famosa película del Castillo Vagabundo es en realidad una trilogía en libros de la cual se tocó menos de la mitad en la película. En el film no se habla sobre qué hay detrás de la puerta de color negro, pero en el libro se explica que tal puerta va al verdadero hogar de Howl, quien es originariamente de nuestra época moderna. Tranquilos, esa revelación es poco a comparación de lo que toda la trilogía les aguarda.

Disponible en: http://literatori.files.wordpress.com/2013/08/jones-diana-wynne-howls-moving-castle.pdf

 Con esto son todos los libros que recomiendo pues ya los he leído y los que deseo leer ahora son:

 Maldito Karma

 por David Safier

 Es una desternillante novela sobre el secreto de la felicidad que ya ha hecho reír a un millón de lectores en Alemania. Para este libro hay que tener ideas básicas de la religión budista.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/678

THE PHYSICS OF SUPERHEROES

por James Kakalios

Un libro que te explica cómo es posible que Superman pueda salvar a alguien. (Recomendado para ingenieros).

Advierto, que aparecen formulas matemáticas en este libro, pero es muy entretenido. Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/10882

 Un monstruo viene a verme,

por Patrick Ness.

 Una novela de misterio sobre un monstruo que busca algo importante, la verdad.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/16373

 Y en este momento estoy leyendo

Más allá de los sueños,

por Richard Matheson.

 Ustedes recordarán la película donde actuó Robin Williams en 1998. El libro tiene mucho parecido con la película, a excepción de todo el discurso existencial sobre la materia del alma en el “paraíso” y la idea de que aquello que hicimos en la tierra se cosechó en el cielo, pero a casi nadie le gusta lo que ha hecho. Es muy interesante puesto que no está exactamente en el término cristiano, sino que es un “estado de la mente”. Lo que llevo leído vale la pena.

Disponible en: http://www.epublibre.org/libro/detalle/16214

Originally posted 2014-07-23 00:44:40. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Originally posted 2014-09-10 16:19:00. Republished by Blog Post Promoter

Jamás incontables: 5 de noviembre

“Pies, para qué los quiero…” y nuestras voces se convirtieron en alas, crecimos, se supera un duelo infinito. No se sintió ni el calor, mucho menos el frío; se sintió la gente, la “lucha estudiantil”. Ayer, 5 de noviembre, miles de personas y estudiantes marcharon por la justicia, por una respuesta y una mano amiga que calmara el dolor.

 “¿Por qué nos asesinan, si somos la esperanza de América Latina?”, gritaban con una fuerza específica en la voz. Se escuchaba en las voces de nuestros poetas estudiantes, palabras que lograban curar la identidad perdida.

 Lo sucedido en Ayotzinapa ahogó la indiferencia y por fin la venció. Finalmente, el mexicano se dio cuenta que todos somos maestros de nuestra historia, de nuestra familia. Desaparecen maestros, desparecen estudiantes, periodistas, niños, sin pensar que el hambre y la sed no se calma con el olor de la sangre, mucho menos el de la piel quemada.

 No importa que al pueblo le duelan los oídos, hasta el cansancio lo vamos a decir. Como decía nuestro Sabines en aquella carta de amor: “hasta que te cansaras tú de oírlo pero no yo de pronunciarlo”. Cuidado, no es un dolor de agonía, muerte o ausencia, pero sí de consciencia.

 Muerta la democracia, la igualdad y la justicia, encontramos en Ayotzinapa y otros tantos, muerta la vida del hombre en sociedad, como nación.

 El gobierno cometió el gravísimo error de buscar cadáveres, asumiendo ya la muerte; sin embargo, miro noble la necesidad de insistir la búsqueda del mexicano como tal (individuo, ciudadano, obrero, campesino y estudiante). No hay muerte tras la muerte en vida. No han muerto.

No desaparecieron 43, desaparecimos millones. Búscame y te encontrarás…

 Palabras que se han convertido en canciones, poemas que arden, poesía por el pueblo y para el pueblo. Cuando mojes tus labios, amigo, un arrebato me obligará a gritar tu nombre.

América,

no puedo escribir tu nombre sin morirme.

Aunque aprendí de niño,

no me salen derechos los renglones;

a cada sílaba tropiezo con cadáveres,

detrás de cada letra encuentro un hombre ardiendo,

y no puedo ni cerrar la a

porque alguien grita como si se quedara dentro.

 

Vengo del Odio,

vengo del salto mortal de los balazos;

está mi corazón sudando pumas:

sólo oigo el zumbido de la pena.

 

Yo atravesé negras gargantas,

crucé calles de pobreza,

América, te conozco,

yo mismo tendí la cama

donde expiró mi vida vacía.

 

Yo tenía dieciocho años

yo vivía

en un pueblo pequeño,

oyendo el diálogo de musgo de las tardes,

pero pasó mi patria cojeando,

los ahogados empezaron a pedir más agua,

salían de mi boca escarabajos.

Sordo, oscuro, batracio, desterrado,

¡era yo quien humeaba en las cocinas!

 

¡Amargas tierras,

patrias de ceniza,

no me entra el corazón en traje de paloma!

¡Cuando veo la cara de este pueblo

hasta la vida me queda grande!

 

¡Pobre América!

En vano los poetas

deshojan ruiseñores.

No verán tu rostro mientras no se atrevan

a llamarte por tu nombre, ¡América mendiga,

América de los encarcelados,

América de los perseguidos,

América de los parientes pobres!

¡Nadie te verá si no deshacen

este nudo que tengo en la garganta!

— América, no pudo escribir tu nombre sin morirme. Manuel Scorza

Originally posted 2014-11-07 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Emmanuel Carballo y su crítica implacable

“Soy una figura molesta pero necesaria. Mi papel se presta más a la censura que al elogio. Y es natural, el crítico es el aguafiestas, el villano de película del Oeste, el resentido, el amargado, el ogro y la bruja de los cuentos de niños, el viejo sucio que viola a la chica indefensa, el maniático, el doctor Jekyll & Mister Hyde: en pocas palabras, el que exige a los demás que se arriesguen mientras él mira los toros desde la barrera”

Así se autodefinía el crítico literario, aunque también escritor, ensayista y periodista, Emmanuel Carballo. Nació en Guadalajara, Jalisco el 2 de junio de 1929 y  falleció el 20 de abril del 2014 en la Ciudad de México. Fue uno de los críticos más reconocidos del país y entre sus obras más importantes destacan: “Protagonistas de la literatura mexicana” (1965), “El cuento mexicano del siglo XX” (1964), “Gran estorbo la esperanza” (1954), “La narrativa mexicana de 1910 a 1969” (1979) y “Diccionario crítico de las letras mexicanas del siglo XIX” (2001).

 Carballo fundó la editorial Diógenes, la Revista Mexicana de Literatura (junto con Carlos Fuentes) y el suplemento La Cultura en México de la revista Siempre!. También en su natal Guadalajara fundó las revistas Ariel y Odiseo cuando aún era estudiante de la Universidad. En 1954 se muda a la Ciudad de México  y ya desde entonces se gana una reputación de joven crítico, contundente con lo que tenía que decir sin importar lo incómodo que fuera. Años después se convertiría en un personaje esencial en la vida de la literatura mexicana, y  al mismo tiempo alguien necesario para poder entenderla.

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 Su crítica siempre fue motivo de controversias y disputas. Tanto que hasta le decían “Carballo, el hombre sin amigos”, ya que “Cada semana perdía un amigo por mi quehacer, por comentar un libro”, dijo Carballo en entrevista.

Muchos han considerado que su crítica rayaba en la imprudencia y hasta descortesía. Dolorosamente honesto, comentó sobre todo tipo de autores con un filo demasiado punzante, pero siempre con bases bien estructuradas.

 Él mismo dijo: El crítico tiene el compromiso de probar que sus juicios son correctos, que no habla de memoria sino que, por el contrario, sus ideas están respaldadas por la realidad estética de la obra que analiza”.

 Una reciente muestra, fue la manera en que se refirió a los escritores mexicanos contemporáneos: Laura Esquivel y Xavier Velasco, a los que dice, “son escritores de segunda, tercera y cuarta categoría, facilones, para secretarias que mascan chicle y para muchachos que no tienen la menor cultura literaria”

 Entre los ejemplos que podemos apreciar acerca de la implacable “puntería” que tenía éste crítico (le llamaban el francotirador), están las críticas hacia los escritores Gabriel García Márquez, Octavio Paz y Carlos Fuentes, que forman parte de la historia de la literatura latinoamericana del siglo XX y son los más elogiados en todo el mundo.

 Contra García Márquez, Carballo argumentó que si bien había ponderado en la época de “Cien años de soledad”, después criticó por haber “dejado atrás la humildad y recorrer los retorcidos caminos de la soberbia, de la autocomplacencia”.

 Acusó que el García Márquez posterior a “Cien años de soledad” ya no era un descubridor de nuevos territorios para la literatura de nuestro tiempo, sino como “un escritor dueño de un poderoso estilo (que en sus numerosos seguidores se convierte en parodia), de una habilidad estructural notable y de un vasto y suculento repertorio de recetas de cocina que permiten al lector inexperto confundir el hallazgo con la repetición.”

 “El García Márquez de hoy escribe frente al espejo, da la impresión de que se detiene a mirarse y felicitarse cada que escribe una frase redonda, una metáfora afortunada, un párrafo irreprochable: ha dejado atrás la humildad y recorre los retorcidos caminos de la soberbia, de la autocomplacencia”, remataba el texto, ahora fechado en 1983.

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 Con Octavio Paz perdió la relación de amistad que tenían, ya que después de ser uno de los primeros en hacer una reseña de “El Laberinto de la Soledad” publica un texto bastante polémico donde demuestra que Octavio Paz “quitó muchas de las comillas” ya que las ideas que expresaba en el ensayo no eran propias, sino ajenas.

 A Carlos Fuentes le criticó haber deteriorado la calidad de su trabajo después de su primera novela “La Región más Transparente”, cuando comenzó a publicar cada 10 meses aproximadamente, nuevas novelas que no tenían el mismo brillo que su antecesora.

 De esta manera Carballo perdería muchísimas amistades, y hasta dinero, como alguna vez comentó, debido al fracaso de su editorial.  Lo curioso es que sus amigos siempre lo describieron como alguien muy alegre, confiable y ameno. Entre sus grandes cualidades, siempre se ha mencionado el apoyo que brindaba a los jóvenes escritores, al igual que su capacidad para enseñar.

 Pocos críticos en México han podido tener tanta presencia en el mundo de las letras y representar al mismo tiempo, a través de sus críticas, entrevistas y memorias, la llave para entender la literatura mexicana de casi todo un siglo. Por eso, lo recordamos con gran entusiasmo y recomendamos ampliamente sus obras, para cualquier persona que guste de las letras o esté interesado en aprender la fascinante cultura literaria de México en el último siglo.

Originally posted 2014-05-11 18:30:10. Republished by Blog Post Promoter

Invitación

Rompe la expectativa
y ven a posar desnudo para mí.
Haz la fiesta de mis hormonas. Dame oportunidad
de brillar entonces como una supernova
posada ya para siempre sobre tu techo…

Te quiero por lo que no tengo tuyo; e imagino:
una lluvia plateada tras muchas cervezas,
el pie amordazando mi boca,
la bragueta palpitando en mi cara… La orgía
con los más bellos de nuestros amigos,
el cigarro tras la diaria muerte pequeña. Y,
algún día, la cama conyugal
sin riñas posibles por las sábanas
ni hormigas que suban por migajas…

Ven a imitar la lubricidad del perro conmigo.
Ven a rodearme.

Ven a darme cucharaditas de ti cuando enfermo,
a exprimirte en mis caldos.
A contar conmigo los cabellos de la noche
y recobrar la inocencia en un juego de adultos.
Hazme la vida posible.

Ven escuchar de mí, al oído, palabras mágicas
que te hagan querer tocar estrellas con la mano:
mi poesía a la orilla del mundo…

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Originally posted 2014-11-21 09:00:48. Republished by Blog Post Promoter

No me dejes nunca, un concepto diferente de la novela gráfica

Del caricaturista noruego
No me dejes nunca. Jason

Con la película de Woody Allen,  Midnight in Paris (2011), se recordó al París de los años 20 con sus artistas bohemios sumergidos en tabernas y fiestas. Esta misma época sirvió como escenario para el cómic del cartonista noruego Jason (John Arne Sæterøy), No me dejes nunca (2006), protagonizada por Ernst Hemingway, Scott Fitzgerald, Ezra Pound y James Joyce.

Representados como animales antropomorfos, los personajes principales, en vez de ser escritores, se dedican a dibujar tebeos. Cada uno vive sus dificultades, desde carencias económicas y problemas conyugales, hasta el deseo por ser genios reconocidos. Serán estas peripecias las que los lleven a robar un banco en conjunto. Sin embargo, un error inesperado los separará por el resto de la historia, dejando a cada uno en su propia versión del suceso.

Como toda la obra de Jason, No me dejes nunca se caracteriza por su minimalismo en tanto dibujo como diálogos, pero el ritmo, aunque pausado, ayuda al desarrollo de una lectura rápida y entretenida por su precisión. Nada falta, nada sobra. Las historias son redondas, los personajes definen su carácter en pocas escenas. Una constante melancolía, un humor sarcástico y una perenne soledad se asoman entre cada viñeta.

El trabajo de Jason es recomendado para quienes desean encontrar otra cara en las novelas gráficas distinta los héroes clásicos de DC o Marvel. Es en la pluma del artista noruego donde reside esta nueva opción de lectura, donde el heroísmo no es para quienes salvan la vida de otros, sino la propia.

Jason recibió el premio Eisner por No me dejes nunca, el cual es considerado como el Oscar de los cómics. Dicho premio le sería otorgado también en 2008 por Yo maté a Adolf Hitler. Comenzó su carrera como caricaturista en la revista Konk en 1981, en 1995 publica su primera novela gráfica Bolsillo lleno de lluvia. Su último trabajo fue Athos en América.

Viñetas de No me dejenuncas
Viñetas de No me dejes nunca

Originally posted 2013-05-30 10:48:43. Republished by Blog Post Promoter

Un tal “Sábado”

Se despertó bien. Pocas veces había dormido tan cómodo. No supo en que momento, ni dónde dejó los calambres del pasado. Miró a Gelman echado en la orilla de la cama. Como siempre, tenía pesadillas. Ladraba en murmullo, y movía sus patas de atrás hacia delante, como si corriera.

 Sonrió ante la idea de que un perro pudiera tener recuerdos y exponerlos en sueños, sueños felices donde corretean un hueso gigante o las tinas de baño no existen. Lo acarició y se levantó de la cama.

 La empezó a tender no sin antes realizar un ritual más sagrado: oler la almohada de Nica. Siempre olía a vainilla. Ese olor le recordaba a su tía Matilda que, entre más se enojaba, más desprendía su olor dulce. Por eso, todos los días hacía exactamente lo que no debía. Él tenía 9 años y la tía Matilda, 16. Era la mujer más hermosa y regordeta que había visto; tenía una piel rosa, nariz redonda, ojos grandes y tristes.

 Se sonrojó con sólo pensar que ella fue la primera en desvirgar sus labios inexpertos. Lo que nunca supo fue que los labios de Matilda eran igual de vírgenes que los de él.

Recordó. Ese era el día que había estado esperando. El día que pudiera recordar sin morirse un poco en el trayecto.

 Evocó a su papá. Lo primero que le vino a la mente fueron sus enormes manos, siempre cargando un libro viejo. Recordó a su mamá, y la única foto que tenía de ella. Salía caminando tapándose del Sol con una mano. “Qué tonta es mamá”-decía. Cuando era niño, imaginaba que él estaba a su lado, sonriendo como ella y haciendo el ridículo acto de taparse del Sol. Inmóviles.

 Su papá le había explicado que así como en las fotos, donde ninguno de los personajes se pueden mover; así había quedado mamá. “Tu mamá estaba enferma y por eso murió. Pero, no te pongas triste. Será más cómoda una cama de nube que un colchón normal”, y le cerraba un ojo de donde descendían un sinfín de lágrimas todas las mañanas al ver que la almohada de su mujer estaba intacta.

 Los libros que leía papá eran para gente grande. Papá conocía a todos los que leía. Hablaba de ellos todo el tiempo. Un día robó uno de ellos. Un tal Sábado o Sabato que nunca apareció en la casa. Después de las primeras siete palabras…Esa tarde decidió que no había nacido para leer ni para que sus manos olieran a hojas viejas como las de su padre.

 El vicio de la “no lectura” lo llevó hasta Verónica. Desbancó a la tía Matilda con sólo verla una vez y de reojo. Con Verónica siempre era al revés. Cada vez que sonreía, salía el olor. Como si en su boca, en sus brazos y en sus piernas plantaran vainilla.

 Todo el tiempo que le debiera de dedicar a la lectura, lo dedicó al cine. Asistía a clubs de cine pequeños, con entusiastas y muchos pseudo intelectuales que no hacían más que decir idioteces. Prefería no decir su opinión frente a los idiotas.

 Fue un 24 de Septiembre que encontró a Nica. Estaban proyectando una de las mejores películas de todos los tiempos según él: In the mood for love. Estaría eternamente agradecido con Wong Kar-Wai por la obra cinematográfica que le regaló. Sentía que esa película era para él. Desde Maggie Cheung hasta la música de Umebayashi.

In the mood for love
In the mood for love

 No sabía si Verónica había entrado a propósito, en el momento justo para que todos la voltearan a ver, o fue una simple y perfecta coincidencia. Prefería las coincidencias, al igual que su papá. Después se enteró que esa idea de las coincidencias era de Julio y no tanto de su padre.

Julio Cortázar
Julio Cortázar

 Entró y comenzó a retumbar la música, aquellos violines y el desconsuelo de los mismos. Caminaba lento, como lo hacían en la película. “Así caminaba mi mamá”-pensó.

Luego de pensar, se enamoró. Con Verónica siempre era al revés.

 No vivió una historia de amor digna de contarse en una novela o una película china, pero pensaba que Verónica merecía ser inmortalizada de alguna u otra manera. Es simplemente hermosa. Tiene los ojos de un color que, mientras la amara y lo amara, nunca podría descifrar. Sin embargo, no era tanto el color porque, aún con los ojos cerrados es igual de linda.

 Se le antojó Nica un poco más que el habitual café de la mañana. Fue a la cocina a preparar la respectiva dosis. La taza de Nica estaba medio llena (o medio vacía), y a la cafetera le quedaba un charquito de café. Se extrañó de eso. El día que se casaron, prácticamente se habían jurado tomar café en las buenas, en las malas y en la mañana después de despertar.

 Preparó la segunda ronda. No le dio mucha importancia a la “infidelidad” de Nica. “Verónica, mi Nica”-dijo.

 Escuchó la regadera. Supuso que podía ser la oportunidad perfecta de abrazarla, de arrancarle la piel a besos. Se fue desvistiendo mientras caminaba hacia el baño. Abrió la puerta y el vapor lo vistió. No se veía nada. Entró a la regadera y la vio. Contempló toda su espalda llena de cicatrices. La comenzó a besar, a tocar su cuello, bajar las manos hasta la cadera. Sentía que sus manos eran peces. Nica nunca volteó. Nica no dejaba de llorar.

 Se puso enfrente de ella. Siempre que Nica lloraba, él secaba sus lágrimas con los labios y después la besaba. Le decía, “No me hagas limpiarte los mocos”, y se reían.

 Hizo exactamente lo mismo, pero Verónica nunca rió.

 Poco a poco fue desapareciendo. Cada parte de él se fue con las lágrimas, una a una. Él, sólo podría existir en el café de Nica. Cuando sólo quedaba un pedazo pequeño, una lágrima, entendió todo.

Se despertó bien. Había dormido en una cama de nube.

Originally posted 2014-06-12 00:34:52. Republished by Blog Post Promoter

De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

teatro de altura

Originally posted 2014-08-08 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Amor así

Mi pensamiento ha adquirido las dimensiones
del espanto y el castigo: es ya unas tijeras
que podan mis mínimas capacidades,
ya una silla eléctrica que se activa si vuelvo a pensar en ti.
(¿Y el corazón? ¡Una bomba de tiempo…!)

Hay días últimamente
en que me siento a la orilla de mí mismo
sólo para esperar verte pasar;
en los que el aire, por mí enrarecido, apaga las pocas señales
que me atrevo a encender buscando tu atención.
Hay noches de plomo. Que aplastan…

Quiero ir a donde tú vayas,
seguirte como un perro babeante, pero cariñoso,
que retoce dando vueltas a tus pies
buscando tu mínima caricia.

Y porque te amo a sangre fría…
Salgo de mí, voy en tu persecución
como una alondra queriendo disparar al cazador.
Pero no pretendo asesinarte;
sino sólo hacerte un poco de daño,
por comprobar que existes.

Originally posted 2014-12-22 11:13:11. Republished by Blog Post Promoter

Cuento de muerte: Horacio Quiroga

“No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir y evócala luego. Si entonces eres capaz de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.”

 La diferencia entre distancia y tiempo se mide entre palabras. Fueron lejanos y, a la vez, tan similares. O eso es lo que muchos afirman sobre dos grandes autores que no pertenecen a nada igual, ni siquiera a ellos mismos.

 Hablo del genio, Edgar Allan Poe y el gran cuentista de habla hispana, el padre del cuento latinoamericano, Horacio Quiroga.

 A simple vista y con una revisión superficial de estos dos escritores, bien se hubieran hundido juntos en el desatino, tristeza, tinta y fatalidad (¿o será acaso que este último “elemento” fue el impulso devastador detrás de la genialidad?)

 Bien, Quiroga nació en un Uruguay en proceso de modernización, en 1878. Desde pequeño, el destino desgraciado se mostró ante él al presenciar la muerte de su padre. Tiempo después, su padrastro se suicidó; y así, le regaló el segundo acercamiento con la muerte. Ha pasado el tiempo y Horacio vuelve a caer de rodillas, ahora frente al fracaso y el hambre. Una vez más estuvo a su lado junto al fallecimiento de sus hermanos. Y continúa, una de las mayores tragedias para el escritor uruguayo fue la muerte accidental de su amigo Federico Ferrando, a causa de un disparo detonado por el propio autor. Posteriormente, la muerte culminó con el suicidio de su esposa…

 Una muerte más y se convierte en ficción.

Horacio Quiroga
Horacio Quiroga

 Nos resulta difícil pensar en destinos cuando las tragedias se funden en el viento, en el agua, en todo lo que sea vida.

 Su estancia en la selva muestra la frágil situación del hombre frente a seres y situaciones desconocidas. La autonomía, según Horacio Quiroga, es crucial para la supervivencia en un ambiente “hostil” como la selva. Sus vivencias inspiran una de las publicaciones más famosas del autor: Cuentos de la selva, en la cual se reúnen nueve relatos breves donde se traza una naturaleza dual: enemiga y fiel.

 Los relatos dentro de este libro terminan con una enseñanza. Bien parecen ser cuentos infantiles, como si fueran fábulas. A pesar de que en algunos intervienen los seres humanos, los protagonistas principales son los animales. Flamencos que se disfrazan, yacarés que luchan contra un buque, abejas que enseñan una lección, cachorros coatíes junto a cachorros humanos y más.

Caricatura de Quiroga
Caricatura de Quiroga

 La relación entre los ciclos de cada uno de los seres vivos que intervienen en las historias de Horacio nos muestra la idea obsesiva que tiene el artista con la muerte. Nadie lo culpa.

 Entre las recomendaciones más notorias de su obra se encuentran Una estación de amor, Los arrecifes de coral, Diario de viaje, Anaconda, Cuentos de amor, de locura y de muerte, Las sacrificadas, Historia de un amor turbio, Los desterrados, etcétera.

 No sólo trabajó en el mundo de la literatura, los cuentos, la novela, poesía, el teatro y la crítica; también fue fotógrafo, agricultor, carpintero, educador, activista y “misionero”.

 Después de la muerte de Horacio en 1937, siguieron los suicidios de dos de sus hijos y el de su mejor amigo (y no es la muerte) Leopoldo Lugones. Fiel amiga, como si fuera un reflejo.

 Para sentirnos más cerca de la literatura de Quiroga, es necesario ver en el autor la quietud, paciencia y, sobretodo, el conocimiento de vida en sí misma. Observador, detallista, rotundo, maduro y leal. Así se lee a este artista. Sin lugar a duda, el infortunio en la vida de Quiroga sólo deja ver una de tantas pruebas superadas por el autor y que al final, logran determinar su escrito y la estrecha relación que mantiene con la aventura y el riesgo.

 Horacio Quiroga y la muerte, como si fuera una obsesión; quizá lo único que no le faltó en la vida pero, ¿quién quisiera ser amigo cercano de ella?

Originally posted 2014-08-07 09:00:07. Republished by Blog Post Promoter

Carlos Monsiváis: Misógino feminista

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La literatura juega un papel importante no sólo en el campo de las artes, sino también en la política y en la historia. No es un simple documento que resguarda ideas a través del tiempo y espacio, tampoco se reduce a una forma de entretenimiento para los que se piensan bien estudiados. No. Bastante le ha costado a la literatura plantarse como una fuente histórica; no refiriéndonos al texto enfocado al aprendizaje del mismo, sino a la novela, al cuento y a la poesía. Estas tres manifestaciones nos presentan la rutina de lo que fue y de lo que puede llegar a ser.

 Ahora, el elemento grande del arte surge de la imaginación, de la posibilidad de ser real sin serlo. Por tanto, los personajes tienen la posibilidad de adquirir un papel en la realidad del lector. Esto quiere decir que tanto ilustran como alteran comportamientos, sentimientos e ideas. La pregunta central que nos plantearemos a razón del libro de hoy es la siguiente: ¿qué tanta credibilidad pierde un personaje cuando se presenta en la ficción como un individuo real, pero poco conocido para nosotros en la realidad?

Pensemos en la mujer no como autora ni creadora; pensemos en ella como personaje de cuento y de novela. A lo largo de la historia, el modelo se ha ajustado a las ideas, costumbres o cultura de la época. Mujer resignada, mujer fértil, mujer producto, mujer propiedad, mujer virgen y Virgen, mujer prostituta, mujer santa, mujero que no es…

 Misógino feminista es un conjunto de ensayos del autor Carlos Monsiváis, todos enteramente comprometidos con el movimiento feminista del país. Quizá esta faceta del autor se mantenga un tanto oculta, pero es importante agradecerle a Monsiváis su colaboración, su diálogo, sus argumentos y sus letras, importantes no sólo para el círculo feminista de México y Latinoamérica, sino para todos aquellos que emprenden una lucha diaria por ser y por negar aquello que los demás disponen que sean. En él, se plantean diversos escenarios en esta recopilación tales como Pero ¿hubo alguna vez once mil machos?, Huesos en el desierto: escuchar con los ojos de las muertas, El segundo sexo: no se nace feminista, Soñadora coqueta y ardiente, entre otros. En cada una de las obras, en concreto donde el escenario es México, queda clara la entidad cultural del machismo (¿acaso al igual que la corrupción se debiera de institucionalizar?) que tanto ha afectdo el desarrollo de la nación.

El sexismo y su esquematización, la virginidad como propiedad, la timidez mexicana, el papel de la literatura, el reconocimiento del problema.

 Carlos Monsiváis, autonombrado Misógino feminista –“alterna su misoginia con una encendida defensa del feminismo”– fue (es y será) un intelectual mexicano al cual le debemos el reconocimiento de un problema que va más allá de la política, el cine y la canción popular. Monsiváis dio vuelta a la pagina, acepto la existencia y la hizo suya, abrió la brecha a un diálogo que debe absorber cientos  de años e intentos.

Imágen extraída de Periódico Enfoque
Carlos Monsiváis

 Asumió, a diferencia de nuestros antepasados, una actitud valiente, enfrentando tal cual el designado símbolo de incivilización que tanto orgullo y reconocimiento le ha causado al mexicano, devaluó el valor del machismo y lo congeló con sus escritos. Misógino feminista, editado por Océano, es un testimonio, una documentación que nos acerca a una realidad que sentimos ajena. Nos duelen episodios terribles de la humanidad como el Holocausto, la Santa Inquisición; sin embargo, volteamos la cara frente a la discriminación, la desigualdad y la muerte del ser.

Originally posted 2014-09-11 09:59:45. Republished by Blog Post Promoter

La anatomía del verso, por la poeta Nelly Sachs

 

Por Alfonso Meza

 

Antes de ser escuchado, el latido ya abrió los ojos. El sistema circulatorio echa a andar su maquinaria antes que cualquier otro en el cuerpo del hombre, reclama su sitio. Cada uno de los senderos sanguíneos se distribuye a lo largo de músculos, tendones, huesos y abismos del ser para abastecer de movimiento el continente que habita. Sin ese minúsculo aleteo, la mujer tampoco sería posible.

Una poeta no es distinta a un hombre. El corazón de cada uno se angustia y se regocija entre 70 y 80 veces por minuto. Se trata de un vaivén desobediente, involuntario. Poco a poco, las contracciones bombean luz hasta los ojos de la niña. Sabemos el sexo porque sus padres ya han pensado el nombre: Nelly. Es hija de un acaudalado judío; corre el año de 1891. Nelly Sachs respira en Berlín.

Los vasos sanguíneos han madurado hasta alcanzar los 97 kilómetros de longitud.

Sachs tiene 17 años.  Las líneas de su mano ahora se confunden con los renglones de sus primeros versos. Su educación ha sido estricta y minuciosa. Múnich y Berlín se han encargado de propagar sus letras gracias a diversas publicaciones impresas.

Tal como sucede con la desastros-a-rmonía del encuentro y la fuga, la sangre cambia  de sitio por las calles y avenidas del interior humano. A esta imagen y semejanza, también emigra la tinta del pensamiento a la hoja en blanco.

Nelly

 

Con el estallido de la Segunda Guerra mundial, Nelly y su madre huyen a Estocolmo, auxiliadas por la escritora Selma Lagerlof. Allí se establecen hasta el último día de la poeta. Pero no continuemos, aún no es tiempo de invocar a la muerte cuando es temprano en la historia.

En 1947, sale al mundo el poemario En las moradas de la muerte, una de las obras más representativas en el trabajo de la literata. En este libro, Sachs rindió un merecido homenaje lírico a todos “sus hermanos y hermanas desaparecidos durante los exterminios nazis”, de acuerdo con sus propias palabras.

Para entonces, la adolescente se ha transformado en una mujer de convicciones firmes y un pulso a prueba de catástrofes, pero no del olvido. Vendrían más tarde otras guerras, otras víctimas, otros libros, más poemas: Eclipse estelar (1949), Y nadie sabe más (1957), Huida y metamorfosis (1959), todos reunidos en la antología titulada Más allá del polvo (1961).

Se equivocan: el corazón no está del lado izquierdo. La mentira anda en una silla de ruedas hasta que alguien la tira por la escalera. Ubicado entre los pulmones, direrccionado un poco hacia la izquierda, el músculo orquesta los altos y bajos de la circulación. Los hombres que nacen con el corazón desordenado, es decir, mirando en dirección opuesta a la izquierda, padecen una malformación genética denominada situs inversus,

Sachs fue una escritora de corazón invertido –permítase aquí una licencia poética-. A cada latido, una catarata de palabras le subía por los ojos hasta tocar el mundo. El placer y el drama de la realidad la acompañaron toda su vida. En 1970, el 12 de mayo para ser justos, los latidos dejaron su oleaje para otro instante.

Cada vez que llevamos una concha de mar a la oreja, no es la voz del mar lo que escuchamos, es el eco de nuestra sangre fluyendo en el oído. Visto de tan dulce manera, preguntemos, ¿cuántos latidos se necesitan para llegar al mar? Nelly (aún) tiene la respuesta:

“Aquí
donde naufragué en sal,
aquí en el mar
con sus azules niños de pecho,
que se nutren
posesos de luna
en el ama del alma…”

 

 

 

Originally posted 2013-12-19 15:18:01. Republished by Blog Post Promoter

DE: Reencuentro con los libros ( I )

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Los libros nos han acompañado a lo largo de años de historia humana, prácticamente no existe casa en que no habite por lo menos uno, son los grandes amigos, los grandes maestros, los llenos de las palabras de los muertos, los que nos hablan, los fieles compañeros. Empecemos, por definir: del latín liber, libri, membrana o corteza de árbol: Un libro es un conjunto de hojas de papel, pergamino, madera, etcétera, que se rellena con datos, de la índole que fuere con el fin de preservación de un registro, unido por un costado, protegido con tapas, y puede tratar, de esencialmente cualquier tema.

 Según la UNESCO, un libro, para serlo, ha de poseer como mínimo 49 páginas o más, esto es, 25 hojas; de modo que si el compilado tiene menos  de la cantidad citada, hablamos de “algo” que ha de ser llamado folleto; este  último entonces, tiene una extensión de tres (5 páginas) y de hasta 24 hojas. Se le da el nombre también a una vasta obra que requiere, para ser publicada, de varios tomos, que son unidades independientes, aunque también se le conoce como tal a cada una de las partes de una misma obra, como en el caso de la Biblia, aunque todas estén publicadas dentro de un mismo libro.  A éstos últimos tiempos, un libro también es el compilado en soporte digital, “libro digital”  ( 1971, 1981 sale el primero) y los que pueden ser sólo escuchados gracias a una grabación previa “Audiolibros”. Éstas son sus partes:

  • Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente
  • Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro
  • Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
  • Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro
  • Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título
  • Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca
  • Portada: se indican los datos del libro
  • Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
  • Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro
  • Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro
  • Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados
  • Cita
  • Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
  • Paratexto
  • Epígrafe
  • Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra
  • índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etcétera
  • Prefacio
  • Preámbulo
  • Presentación
  • Capítulo
  • Bibliografía
  • Colofón
  • Epílogo
  • Bibliografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra

 Los orígenes de esta maravilla, parten de las manifestaciones pictóricas de quienes nos anteceden, son estas pinturas rupestres el registro impreso más antiguo. En las edades media y antigua, reinaba entre la población el analfabetismo, para reproducir libros se requerían hombres que copiaran a mano, los ejemplares por tanto y por los materiales de que los pergaminos estaban hechos (pieles de animales) eran costosísimos, escasos y se mantenían además resguardados bajo custodia en las grandes bibliotecas (Alejandría, Bizancio) y por algunos particulares.

 El mundo de los libros es increíble, y el reencuentro con ellos es necesario, nombrarlos, como conocer al cuerpo humano y todo lo que nos crea y antecede, por reencuentro, por restauración.

Originally posted 2014-09-05 09:09:39. Republished by Blog Post Promoter

POETUITEROS: LOS POETAS DE TWITTER

No cabe duda que la tecnología crece a pasos agigantados y siempre hay que mantenerse a la vanguardia, aunque, en algunos aspectos, los métodos tienen que permanecer. Por ejemplo: el escultor sigue utilizando su martillo y cincel, el pintor sus pinceles, pero el poeta ha comenzado a buscar y renovar su pluma y su hoja por un archivo y varios otros lo han cambiado por 140 caracteres.

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¿Poetas en Twitter? El espacio virtual para nuevos poetas, para muchos una burla, para otros un lugar donde escribir bellas frases. Algunos afirman que las tonterías cursis escritas en Twitter son una ofensa y que no pueden ser consideradas poesía, pero para muchos otros, que gustan de escribir, han encontrado su lugar ideal en este mundo virtual, desde frases de amor hasta pensamientos profundos que se deben analizar con bastante detenimiento.

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Aquellos que hacen poesía en Twitter son conocidos como poetuiteros. Muchos cuestionan el uso de esta herramienta (en algunos blogs se habla de ser solo un truco para conquistar), para otros hacer poetuits es la forma de expresar sus sentimientos y emociones comprimiéndolas en una pequeña frase. Algunos hacen burla de los poetuiteros, llamándolos “princesos” otros admiran sus creaciones y les dan follow, retweet e incluso marcan los tweets como favoritos.

Hace varios años los poetas esperaban años he incluso décadas para que sus versos fueran leídos, ahora con la ayuda de Twitter, las creaciones de éstos son leídas apenas unos pocos segundos después de dar clic en twittear. Muchos agradecen esa facilidad y utilizan sus cuentas de Twitter para mostrar sus más bellas frases como @SinUsuario_, @norespiro_, @PsicoVersos entre muchos otros (si gustas de leer frases bonitas, románticas o simplemente buscas una linda frase para dedicar).

Al final del día, siempre es interesante leer frases lindas, románticas y reflexivas que entre muchas otras, alimenten el alma y la imaginación.

Originally posted 2013-09-24 15:39:14. Republished by Blog Post Promoter

Con mis garras una vela (poesía Sir Brenda Mítchelle)

revista

Estoy caminando en el desierto

Piso sangre, cráneos, cuerpos

Danzo desnuda entre las dunas del desierto

forjadas con los huesos de nuestros muertos

¿Dónde hay luz? Una estera

Escucho el llanto del Dios Tláloc a lo lejos

Se crean ríos, se forman lagos

Océanos y mares de sangre y llanto

árboles gruesos de venas rojas crecen

sus raíces no dan tregua, se adhieren a la tierra

entre un viento carmesí iracundos se mecen

y entregan frutos azufrosos

tuve la visión de un mundo en llamas

en que Huitzilopochtli gobernaba

de monstruos que rezan a santos amorfos

De ojos inyectados, henchidos, rojos

se arrastran, reptan, entre ellos se comen

Gobiernan sierpes, lobos, leones

Sudo, me remuevo, me parece que despierto

Elevo los brazos a aquello que los humanos llaman cielo

cobijo con mis garras la luz de una vela

y pido por nosotros

          ruego por la paz

una luz

una escalera…

 

Originally posted 2014-12-17 18:38:31. Republished by Blog Post Promoter

Juan Rulfo: El Llano que no se apaga

A mediados de la década de los 40’s, Juan Rulfo (1917-1986) comenzó a publicar una serie de relatos que, con el paso de los años, marcarían un mito dentro de la historia de la literatura en México. No sería hasta 1953 que, con el apoyo del Fondo de Cultura Económica (FCE), Rulfo reuniría en un solo libro la mayoría de sus escritos, logrando así la consolidación de un escritor dentro del panorama cultural mexicano: El Llano en llamas cumple 60 años desde su primera aparición, y tal parece que este volumen de diversos cuentos tiene aún bastante que decir.

Escritos entre 1944 y 1950, los diecisiete relatos de la edición definitiva (que en un principio eran solo quince, fue en 1970 que Rulfo agregaría dos historias más) tienen en su mayoría a Comala como el escenario donde acontecen una serie de hechos varias veces relacionados con la Revolución Mexicana (momento convulso de nuestra historia en la que Rulfo habría de perder a casi toda su familia, eventos que dejarían su huella en él). Narraciones que recogen la vox populli, plagados de referencias propias de algunas zonas de Jalisco y que, a momentos, rayan con ciertos matices del realismo mágico (corriente surgida en nuestra América, dando cobijo a personajes como Julio Cortázar o Gabriel García Márquez) dando origen a una finísima mezcla de narrativa y referencia histórica, donde ninguna eclipsa a la otra.

Aunque la obra rulfiana es más bien breve (compuesta únicamente por dos libros, en sentido estricto), es lo suficientemente profunda para albergar sentimientos encontrados como el humor, la magia, el sentido de la tragedia vivida en carne propia, el horror de la muerte y los delirios de la carne: Eros y Tánatos una vez más reunidos, dando pie a una bella interpretación sensible (que no en un sentido de rechazo) de nuestra condición humana, motivo que Rulfo nunca abandonaría desde que prefirió dedicarse a las labores académicas en vez de continuar como escritor. Sería difícil acercarse a El Llano en llamas sin obtener a cambio algún desconcierto: ¿Qué pretende decir el escritor a través de tramas, en apariencia sencillas, en las que no deja de acecharnos la posibilidad de encontrar algo que va más allá? Es como si la historia que leemos de repente comenzara a mirarnos, como esperando algo de nosotros. A poco más de medio siglo de su brillante entrada en la literatura mexicana, Rulfo continúa con la vigencia de la obra maestra reunida en este breve y bello volumen.

Originally posted 2013-09-17 18:10:27. Republished by Blog Post Promoter

Nuccio Ordine: “la cultura es inútil”

En un lugar donde todo lo material es lo que que prevalece y que ha ganado terreno como elemento de máxima importancia, áreas como las humanidades, las ciencias o las artes han perdido el valor intrínseco que debieran suponer. El mundo avanza (o es lo que se nos dice) sin cesar, y ello nos obliga a mantenernos en constante evolución con él. ¿Por qué preocuparnos por materias como la Filosofía, la Ética o las artes en general que no parecen seguir ese patrón de desarrollo? Los problemas de las humanidades son, en varios casos, asuntos que llevan miles de años ahí, como esperando algo que, irremediablemente, no llega.

Nuccio Ordine (Diamante, 1958) debiera ser una de las personas más inútiles del planeta: matriculado en la Universidad de Calabria como filósofo y profesor de literatura italiana, ha enseñado en la Universidad de Yale, de Nueva York, la Sorbona de París o el Instituto Warburg en Londres; es, también, caballero de la Legión de Honor francesa. Una persona que se ha desempeñado toda su vida como eso que en algún momento de la historia se denominó “pensador”. ¿Qué piensa una persona como él en un mundo como este? ¿Piensa en verdad? ¿Hay algo qué pensar? Ordine cree que es así, de tal forma que utiliza la palabra escrita como vehículo para embestir contra la ignorancia promovida desde las instituciones:

“Si dejamos que nos roben el legado de nuestros antepasados y que se mutile el conocimiento, no es que dejemos de ser personas cultivadas: es que las generaciones futuras dejarán de ser personas en sentido estricto”.

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La utilidad de lo inútil es el medio que Ordine utiliza para dar testimonio de las ideas que ha amasado durante algún tiempo. Éste, su último libro de ensayo, tiene como tesis central la idea de que la literatura, la filosofía y otras áreas de las humanidades no son inútiles (como podría inferirse del progresivo destierro que han sufrido de los planes educativos y los presupuestos gubernamentales) sino imprescindibles.

“El hecho de ser inmunes a toda aspiración al beneficio (material/económico) constituye una forma de resistencia a los egoísmos del presente, un antídoto contra la barbarie de lo útil, que ha llegado incluso a corromper nuestras relaciones sociales y nuestros afectos más íntimos”.

Pero Ordine no la tiene comprada, todo lo contrario: se trata de una embestida frontal (y, tal vez, brutal) de un individuo contra la idea básica del capitalismo: la acumulación material. “La gente piensa que la felicidad es un producto del dinero”, afirma, “¡se engañan!” El problema mayor reside en que semejante idea se ha extendido ya a todos los ámbitos:

“El utilitarismo ha invadido espacios en los que que no debería haber penetrado nunca, como las instituciones educativas. Cuando se recorta el presupuesto para las universidades, las escuelas, los teatros, las investigaciones arqueológicas, las bibliotecas… se está cercenando la excelencia de un país y eliminando cualquier posibilidad de formar a toda una generación”.

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La utilidad de lo inútil resulta un texto acorde a los tiempos que vivimos, donde no solo se argumenta en contra de la deriva a la que nos lleva el utilitarismo: es, también, un manual pensado para superar lo que el autor denomina el invierno de la conciencia y para recordar, con Montaigne, que es el gozar, no el poseer, lo que nos hace felices.

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Burroughs: cien años de paranoia

El cinco de Febrero de 1914, el mundo fue testigo del nacimiento de uno de los escritores más especiales de la historia de la literatura. Si bien no se trata de un personaje leído por el gran público, su figura se ha mantenido en un lugar especial al que se accede no sin resultar ileso. Sea por enigmática, poco común, única e, incluso, por ser la obra de un adicto a las drogas (tal vez no cualquier adicto) es que los escritos de William Burroughs (1914-1997) mantienen una vigencia vital para nuestros días. Su mensaje (si es que hay tal) se mantiene con un eco perpetuo, como un silbido distante dispuesto a ser escuchado por quien preste la suficiente atención.

“Toda legislación que castiga maneras de vivir es propia de un estado policial.”

Este defensor de las armas de fuego, inventor de máquinas de sueños, dador de vida a la Interzona, pintor, bisexual, libertario y amigo fiel de las agujas hipodérmicas nació en Estados Unidos, el mismo año en el que meses después estallaría la Primer Guerra Mundial y dejaría las marcas que todos conocemos hoy en día. Autor de varias novelas (las más recurrentes: Naked Lunch y Junkie) que una y otra vez fueron vetadas por su alto contenido perverso (siendo el verbo fuck su incondicional), Burroughs formó parte de los poetas Beat beatniks, grupo de escritores cuya creación se mostraba a contrapelo del contexto en el que se desarrollaron.

“La democracia es cancerígena y su cáncer es la burocracia. No somos responsables. Roben todo lo que esté a su alcance.”

Del 5 al 9 de Febrero se celebrará en varias partes del mundo el centenario Burroughs, un merecido homenaje a un personaje tan completo como incomprendido; colaborador de diferentes celebridades como Kurt Cobain y Patti Smith, se nos adelantó en áreas como el imaginario político cuando calificó a toda forma de estado como un acto contranatura de las libertades inherentes del ser humano. México es uno de los pocos países que no organizaron ningún evento al respecto (a pesar del episodio en el que, estando en nuestro país, Burroughs asesinó accidentalmente a su esposa en una repetición del acto en que Wilhelm Tell flecha una manzana sobre la cabeza de su hijo); sin embargo, el escritor Alberto Chimal ha convocado a rendir tributo al poeta beat a través de Twitter (#Burroughs100).

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Originally posted 2014-02-05 15:52:00. Republished by Blog Post Promoter

En la recta final: FILIJ 2014

Si no has tenido la  oportunidad de  asistir a  la 34 edición de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil que se está llevando a cabo en el Centro Nacional de las Artes (Cenart) desde el 7 de noviembre,  aún existe la posibilidad de que vayas hasta  el 17 de noviembre.

Imagen de: lapequenaficticia.com
Imagen de: lapequenaficticia.com

 Recuerda que hay alrededor de 350 fondos editoriales y que en estos últimos días podrás disfrutar de narraciones orales, cine, música, teatro, ópera para niños y presentaciones de libro.

 En esta 34 edición, la FILIJ presenta la sala de lectura interactiva que acerca a los visitantes a los medios digitales con el fin de facilitarles el contacto con determinados temas. Así como el fomento a la creación, estudio y distribución de libros para niños y jóvenes.

 El horario de acceso es de 10:00 a 20:00 horas con entrada libre en el Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco, esq. Calzada de Tlalpan. Colonia Country Club)

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Sartre: ¿hay algo mejor que ganar el Nobel?

Existen ocasiones en que los escritores, conscientes de la hermética situación en que se encuentran, deciden dirigir su voz hacia otros caminos, hablarle a otros oídos que no sean los mismos de siempre, apáticos y estériles. Dentro de la historia reciente encontramos un claro ejemplo de esto, cuando en 1964 Jean Paul Sartre rechazó el Premio Nobel de Literatura.                         Jean-Paul-Sartre

Apasionado de las discusiones y debates extensos, sin olvidar sus frecuentes altercados, tomó la bandera del existencialismo y lo enfocó de manera acorde al mundo que se vivía en aquellos días. La duda existencial, aquella perplejidad surgida de nuestra miserable condición humana, así como la permanente oscilación entre la libertad y la represión hacia la sociedad fueron elementos que catapultaron a Sartre como uno de los grandes escritores surgidos en Francia.

Como pocos, fue un personaje fácilmente reconocible entre las personas: frecuentaba cafés, donde permanecía horas escribiendo, participaba en los movimientos de resistencia a la par de otros miles, se le veía en el lugar que (según él mismo) debía tomar el intelectual: en las calles, dando el ejemplo a seguir. Es debido a todo esto que, de manera casi natural, se le nomina y gana el Premio Nobel de Literatura en 1964 “por la  calidad de sus escritos, su anhelo de la verdad y la influencia fundamental que su pluma ha ejercido en estos tiempos”. Aunque nadie entendió su decisión, fue algo que causó un fuerte impacto: ¿Cómo podía alguien rechazar un premio que merece? No suena razonable; sin embargo, Sartre dio a conocer sus argumentos en una carta que dirigió a la academia sueca días antes de conocer el veredicto que le concedería el galardón. http://goo.gl/qlpnqF

La especulación no se hizo esperar, diversos medios argumentaban no sin sorna que tal vez Sartre “estaría herido porque Camus lo había obtenido antes que él o tendría miedo a que Simone de Beauvoir se sintiera celosa…”. Lo cierto es que Jean Paul argumentó a su favor que las relaciones entre la cultura y la sociedad deben darse de forma directa, sin tener que recurrir a las instituciones llenas de vicios y en proceso de decadencia. Además, le parecía que recibir un reconocimiento monetario era aceptar el statu quo del mundo, era como si la academia “lo hiciera parte de ella” y ese no era su lugar. Sea cualquiera la verdadera razón, el impacto que deja es especial: nadie más ha cometido la empresa de rechazar este premio y, tan solo por ello, ocupa un lugar en la memoria. ¿Hay algo mejor que ganar el Nobel? Sí, tal vez: rechazarlo.

Originally posted 2013-10-22 09:02:28. Republished by Blog Post Promoter

De Flores y Cerdos: Henry Miller y Anaïs Nin

¿Qué tienen en común los escritores Henry Miller y Anaïs Nin?

 Podríamos decir, fácilmente y en primer lugar, que sus textos formaron las bases de toda una generación que luchó abiertamente contra el puritanismo en la mayoría de los países occidentales con la llamada “Revolución Sexual” desde los años 50’s hasta nuestra actualidad.  También se puede hacer una relación entre sus estilos narrativos que conjugan, casi en su totalidad, un erotismo manchado de perversiones transgresoras…Pero con estos dos escritores, cualquier aproximación puramente literaria parece siempre quedarse corta, ya que justamente ambos se relacionarían de manera personal, rayando en lo excepcional y casi abrupto, que ocasionó una etapa precisa en sus vidas y que más tarde el mundo tendría libre acceso a la intimidad que plasmarían en papel.

Miller y Nin

 Curiosamente, tanto Miller que siempre se catalogó como autobiográfico en la mayoría de sus obras, y Nin, que obtuvo su éxito básicamente con los diarios personales donde relataba su vida, ambos escritores consagraron su lugar entre la historia, gracias a la realidad de sus pasiones que no tenían cabida sólo en su imaginación.

 Se encontraron por allá de los años 30´s donde su relación pasó de ser puramente profesional, a constatar un triángulo amoroso que protagonizaba a Nin como la amante, entre el matrimonio de Miller y June. (Véase el primer volumen de las versiones sin censura de los diarios de Anaïs Nin: Henry, su mujer y yo).

 Así, ambos escritores se formarían a través de las excéntricas realidades con las que se caracterizaban sus vidas. Y lo harían de tal forma que la mayoría de sus obras, en el caso de Miller, serían tachadas de obscenas, pujantes y hasta pornográficas.

 En este contexto surge la puesta en escena de la compañía Teatro del Vacío llamada De Flores y Cerdos, que es una versión libre de Luis Rodríguez Leal sobre los textos de estos dos autores.

 “Mediante una imaginaria terapia de grupo llevamos al escenario la voz y la narrativa de dos extraordinarios escritores de amplio reconocimiento, Henry Miller y Anaïs Nin, caracterizados por su poder de transgresión, su beligerante erotismo y su capacidad para el escándalo”

de flores y cerdos

 De Flores y Cerdos es dirigida por Alejandro Ainslie quien estudió Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.  Y  que posteriormente tomó seminarios de Dirección con Héctor Mendoza y Ludwik Margules. Es director de escena en teatro y en televisión, actor, iluminador, adaptador y traductor.

 El elenco lo conforman Susana Ugalde y Luis Rodríguez Leal; la música original es de Vladimir Sagaydo, interpretada en vivo por él mismo y Alejandro M. Xolalpa; y la escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez.

 “Pretendemos presentar una lectura contemporánea de esos textos ya clásicos. Una lectura no exenta de ironía, que subraye el carácter lúdico. Por eso, proponemos crear un teatro dentro del teatro, para subrayar el carácter ‘de espectáculo del sexo’ que tiene la obra de estos autores. La idea es presentar una concepción teatralizada del mundo de la sexualidad a través de los textos y relatos de estos autores. Crear un pequeño circo de la sexualidad, donde las osadas aventuras del Henry y la Anaïs de la leyenda se conviertan en materia de reflexión”, comentó Luis Rodríguez Leal en entrevista para Bellas Artes.

 La obra se estará presentando hasta el 25 de Mayo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural Del Bosque. Con funciones los jueves y viernes a las 20:00 hrs. Los sábados a las 19:00 hrs. Y los domingos a las 18:00 hrs. Aquí la cartelera

 Ésta puesta en escena sirve como una especie de introducción hacia la literatura de ambos autores, y aunque funciona de manera superficial, logra aproximar al espectador a un interés por las historias que se cuentan a manera de terapia de grupo, y que exponen “el terreno minado de las fantasías sexuales y sentimentales de hombres y mujeres” en la actualidad.

Originally posted 2014-05-12 00:00:03. Republished by Blog Post Promoter

El individuo frente a la modernidad: un acercamiento a la vanguardia literaria latinoamericana

La modernidad es un tema que se puede debatir y abordar de diversas formas, sin embargo, es importante señalar que, a finales del siglo XIX y principios del XX es más tangible su presencia, sobre todo en América Latina gracias a su entrada en el capitalismo y la industrialización de las ciudades. Los cambios no sólo fueron en el ámbito socioeconómico, sino también dentro de los individuos que vivieron esa transición. Existen muchas manifestaciones artísticas que proyectan los sentimientos y hacen cognoscible esta realidad y, sin duda alguna, la literatura de vanguardia es una muestra importante de ello.

OJO: En este artículo no pretendo hacer un análisis exhaustivo de la misma, pero sí una descripción de sus características más importantes.

 vallejo

 “La ruptura de la tradición y la tradición de la ruptura”, es como comúnmente se denominan a las vanguardias, tanto en la literatura como en otras artes. Y es que las vanguardias sirvieron para eso, para romper con una tradición, lo cual venía muy “ad hoc” con el proceso de industrialización y el auge de las ciudades fabriles en la primera mitad del siglo XX. Esa nueva realidad parecía ensordecer frente a los ecos de la tradición literaria, la cual devino en un boom de contra cultura. Y también de contradicciones.

 Es muy difícil definir a la vanguardia literaria de manera formal, es decir, presentar un listado de características específicas que nos permitan tipificarla. Existen muchas formas de definirla y a la vez son escasas, ya que depende mucho del contexto y la forma en cómo se enuncia y quién la enuncia. Sin embargo, una generalidad que predomina es la incomodidad y el pesimismo frente a un mundo completamente nuevo, a la dificultad que representaba vivir en una sociedad fundada en la cultura de consumo y deshecho, pero al mismo tiempo, las ganas de romper con los esquemas tradicionales dominantes del arte.

 La verdadera modernidad se hacía presente al culminar la Primera Guerra Mundial y, en el nuevo orden (ahora) mundial, el progreso y el desarrollo arrasaban incluso también con las mentalidades y los valores. La estética de lo inacabado prima tanto en el orden plástico como en el literario, y toda Europa se sacude en una dialéctica en las opciones estéticas, así creando las tendencias que llegaron hasta América Latina.

 Sin embargo, la vanguardia latinoamericana tiene un proceso muy particular que difiere del futurismo europeo, aunque conserva esa predisposición a refutar los valores del pasado y la apuesta por una renovación radical. La vanguardia latinoamericana en sí, se produce a modo de utopía, ya que al hombre nuevo se le exige proyectar un imaginario a futuro. Ese imaginario necesita de la metáfora para poder hacer más, digamos “soportable” esa nueva realidad. Esta fue la característica principal en los escritos de los años 20, donde es fácil reconocer rasgos europeizados de esa producción literaria.

 No obstante, existe una cualidad importante dentro de los autores vanguardistas latinoamericanos más destacados, y es aquí donde entran las contradicciones, las cuales, irónicamente, nutren a la creación de una vanguardia latinoamericana genuina y producida desde una realidad diferente a la europea.

 Y es que algunos autores, tal es el caso de Jorge Luis Borges, quienes empezaron su producción literaria vanguardista desde Europa al volver a América, se dieron cuenta de que la realidad difería y que su postura parecía una mala copia de lo europeo. Pareciera que la ruptura prevalece en la vanguardia latinoamericana en todos los aspectos, ya que, los autores mismos rompen con sus propias percepciones, rayando en la incoherencia. Esa es la esencia de la vanguardia: la ruptura.

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 En una postura personal, creo que la vanguardia literaria latinoamericana es un reflejo del individuo frente a la modernidad y su miedo a reconocerse dentro de esa nueva realidad. Las artes también son un reflejo del carácter periférico de América Latina en el mundo y, por ello, es que los autores formados en la vanguardia europea al generar la crítica hacia ese tipo de literatura, quieren romper, también, con esa realidad. La hostilidad frente a la modernidad no sólo está dentro de los poemas o novelas vanguardistas, sino también dentro de sus creadores. La nueva sociedad de consumo transforma la cultura también en un producto que puede venderse y también desecharse. El miedo a no trascender pero también a quedarse en el pasado son características del arte en las primeras dos décadas del siglo pasado. “La ruptura de la tradición y la tradición de la ruptura” no es más que una contradicción/dialéctica.

Originally posted 2014-10-03 10:26:51. Republished by Blog Post Promoter

De tripas corazón

 

 

“No es nada agradable ser clavado en la cruz, abandonado,
es mucho más placentero olvidar a un amor
que no funcionó
ya que finalmente
ningún amor funciona”

– Charles Bukowski

A veces quisiera  haber  sido ese  centauro semental  y  montar

a ninfas y musas,   jugar  al  Diógenes  de barrio  en  el Zócalo,

saberme más  que ideas y huesos

y quejidos desmoronándose

en los tejidos  de una soledad  generalizada.

A  veces   quisiera  que  la  lengua

no  se  deshiciera  en  la  boca

para  no callar  sin  sentido

hacer lo que  cualquier pseudo esquizoide haría,

escribir  ridículos poemas sobre  amor  en harapos,

aunque,  pensándolo   bien

debería  escribir la  más  divina  pornografía,

toda  una  gama  de  fascículos  de lectura  para  el  baño

sólo para acumular  la  rabia del  naufragio de  los  cuerpos,

o quizá,  debería asumir que todas  las mujeres  son  de agua.

A veces quisiera  caer como  hilera de  dominó

como mi propio declive y gemido.

Fluir como  cascada, como profunda  laguna donde

se araña  la  ley de  la  gravedad.

A veces  quisiera que la  gravedad se  enseñara con   la caída

y curvatura  de unos senos.

quisiera no haber sido embaucado

con  las  historias de super mujeres,

mujeres  místicas

y aladas,

mujeres  terribles

y de  olfato  sensible,

mujeres  carnívoras

y chupacabras,

mujeres  marabunta,

mujeres  apocalípticas

e integradas,

mujeres  diosas

inmaculadas

malditas

maravillosas

mujeres…

A  veces quisiera que no  todo lo que exista

sean éstas ganas de  verte

y poder  salir  de este   congal  que  se  llama

“ojalá  el  amor  exista”

quisiera hacer  de  tripas  corazón

 y  del  corazón un papalote

y del  papalote  un  fractal.

Originally posted 2015-04-07 20:50:58. Republished by Blog Post Promoter

Entrevista a Salvador Medina Barahona

Salvador Medina Barahona

“La juerga intensa hace más poesía que los libros. La poesía no es simplemente escribir o simplemente leer. La poesía es un estilo de vida.” -sentencia Salvador Medina Barahona (Mariabé de Pedasí, Panamá, 1973).

Lo dice con orgullo en la mirada, con candor en su sonrisa, con cada uno de sus más de 20 años de experiencia en la movida. A sus 17 años, recuerda, escribió su primer poema. Ya no habría manera de escapar y eso nadie se lo dijo, aunque bueno, ¿A quién se lo han advertido? La poesía, de ahora en adelante, sería la única respuesta.

“Beber ese esencial para el poeta, así como respetar el lenguaje y su majestad.” -advierte el poeta. Autor de ya más de 5 libros, entre los que destacan “Pasaba yo por los días” ganador del galardón más preciado de las letras panameñas, el Premio Nacional de Literatura “Ricardo Miró” (2009), en la sección de poesía, “Mundos de sombra” (1999), su primer libro y “La hora de tu olvido, una intensa elegía al padre” (2008), Salvador también ha sido acreedor a distintos premios y menciones, como en el año 2000 cuando ganó el Premio Nacional de Poesía “Stella Sierra” o la Mención de Honor del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2001-2002, además de publicaciones en prestigiosas revistas nacionales e internacionales como el Black Renaissance Noire de la Universidad de Nueva York y la revista Carátula de Sergio Ramírez. Además de ser el autor de una antología de poetas jóvenes panameños en 2004 y creador del sitio en línea “El duende gramático”, destinado a promover la poesía de nuevos autores hispanos.

Su poesía es una mezcla de síntesis, música, fuerza y ternura y su editorial más reciente algo deficiente, no muy efectiva, y éstas últimas palabras son tomo prestadas de su boca. Su poesía está influida por autores como el español Antonio Gamoneda, el mexicano Octavio Paz, el hondureño Roberto Sosa o el panameño Manuel Orestes Nieto. Él se declara como un apasionado de la poesía así como un país entero se apasiona por el fútbol.
“La poesía es un diálogo. La hoja en blanco debe estar conectada por un cordón umbilical con el poeta, así como el poeta tiene que estarlo a su vez con el Universo.” su poesía propone, a diferencia de muchas otras, matices poéticos e imágenes bien logradas, imágenes que parecieran estar modeladas hasta el cansancio, además de una mirada mucho más interiorista, más de ir de vuelta al núcleo para desde ahí, refugiado, escribir con comodidad.
– Salvador, ¿Qué le ofrece la poesía panameña al mundo? ¿Qué la caracteriza? – Si hay algo que la caracteriza es que transita, que es heterogénea, además de haber sido el estilo más resistente a lo largo del tiempo aquí en Panamá, junto con el cuento y el ensayo. Pero bueno, no podemos comenzar a hablar de la poesía sin antes presentarla. La poesía en Panamá comienza desde 1500, así es que bueno, para no hacer la cosa más larga te puedo citar algunos autores como Manuel Orestes Nieto, José de Jesús Martínez o incluso el mismo Rogelio Sinán. El problema con la poesía panameña no es cuándo haya comenzado o no, tal vez después de todo no sea necesario presentarla, sino que no sale del cascarón. No se da a conocer y no se manifiesta. Y ese es uno de los pecados más graves que comete. Aunque la verdadera inquisidora es la poca importancia que tiene ahora. Por ejemplo, a diferencia de México aquí no existen las becas creativas. Sí quieres publicar será mejor que ganes un premio porque no hay otra manera sencilla.
– Para concluir, ¿Cuál crees que sea la inyección de adrenalina que la poesía panameña necesita? ¿Crees que hay una?- Por supuesto que la hay y no es otra que la revaloración de la poesía y el trabajo del autor, que el propio poeta se diga poeta y que se dedique a serlo. El poeta tiene que ser práctico y preocuparse por su obra, como gestor cultural, como autor, debes estar involucrado directamente con tu obra y su desarrollo. Que la creación de más concursos y las primeras becas al fin vea la luz. Y por su puesto que nuevas generaciones se interesen en éste oficio que es  uno de los más tiernos de todos.

En pocas palabras, resumiendo al autor, el poeta debe sentarse a escribir a sus anchas.

Salvador Medina

Originally posted 2013-05-07 18:08:10. Republished by Blog Post Promoter

Gabo, Fidel, Arenas y otras mentadas de madre (Primera Parte)

Por: Alfredo Bojórquez

El 17 de abril del presente año puso a temblar las fibras de cada uno de los morrales chiapanecos y las playeras del Ché Guevara a lo largo de América Latina. Murió Gabriel García Márquez. 24 años antes, Reinaldo Arenas se quitó la vida tratando de frenar la tradición que conformó don Gabo, acompañado de Silvio Rodríguez, el fidelismo y toda la izquierda latinoamericana trasnochada. Arenas explicó en su carta de suicidio que lo hacía por el mejor amigo de García Márquez, Fidel Castro, no sin antes dejar un legado bibliográfico de enorme calidad literaria atiborrado de críticas al socialismo cubano.

En 1999, Gabriel García Márquez fue diagnosticado con cáncer linfático y fue hasta el 17 de abril de 2014 que la muerte se hizo presente.

 Mientras los demás optan por seguir guardándole luto evitando estos temas, prefiero sacar estos trapitos al sol –tal vez sea más preciso decir a la lluvia- antes de que termine el año de la muerte del autor que le dio notoriedad internacional a la literatura latinoamericana. Se ha dicho mucho sobre la relación entre Gabriel García Márquez y Fidel Castro, aunque a estas alturas del año el periodismo cultural apunta bombo y caja hacia Efraín Huerta, Silvestre Revueltas y Octavio Paz. Más lo que acostumbra mencionarse de Gabo no suelen ser sus enemistades ni el odio que lo acompañó a lo largo de su vida, si acaso la famosa pelea del colombiano con Mario Vargas Llosa.

 El boom latinoamericano surge por varias razones, en su mayoría ajenas a la literatura misma, como la inversión de Carlos Barral y Harper and Row, la revolución cubana, el interés de Carmen Balcells, la creciente alfabetización y urbanización de América Latina, entre muchos otros factores que generaron una explosión en el arte hispanoamericano que hasta el día de hoy no pierde su prestigio.

 En los años 60’s y 70’s, el mundo entero volteó la mirada hacia la literatura que se estaba creando en nuestra región, pero no todos los escritores que publicaban en esa época fueron alumbrados por los enormes y generosos reflectores del boom. Fernando del Paso, Manuel Puig y Reinaldo Arenas, entre otros, se quedaron a la sombra de este que fue en algún tiempo un grupo de amigos. El tercero particularmente por su postura política.

Reinaldo Arenas fue conocido por su oposición al régimen de Fidel Castro.

 En 1943 nace Reinaldo Arenas, 16 años después que Márquez, en un pueblo olvidado de Cuba. Habiendo peleado con los revolucionarios, Arenas fue parte de los cambios importantes que vivió su país en la segunda mitad del siglo XX. Autor de las novelas El Color del Verano (1991), El Palacio de las Blanquísimas Mofetas (1980), El Mundo Alucinante (1969) y su contundente autobiografía Antes que Anochezca (1992), llevada al cine por Julian Schnabel, protagonizada por Javier Bardem (grabada parcialmente, por cierto, en Veracruz, Yucatán y con apariciones momentáneas de Johhny Depp y Diego Luna). Su obra, a través de la exageración de lo cómico y lo sexual, expone injusticias que sufren los escritores, intelectuales, disidentes y homosexuales en Cuba; es un parteaguas de la literatura desmitificadora de la revolución cubana tanto en lo estético como en lo ideológico, como demuestra Emilia Yulzarí en La configuración literaria de la revolución cubana, su aburridísima investigación al respecto.

 A sus 24 años, es decir en 1967, Arenas publica su primera novela: Celestino Antes del Alba, dentro del panorama de una novelística fundamental: La muerte de Artemio Cruz de Carlos Fuentes y El siglo de las luces (1962) de Alejo Carpentier; Rayuela de Julio Cortázar, La ciudad y los perros, de Mario Vargas Llosa (1963); Paradiso de Lezama Lima (1966), y justo el mismo año que Celestino, el mundo conoce Cien años de soledad. Arenas comienza a publicar cuando García Márquez ya estaba en una edad madura. Una de las novelas más experimentales de Arenas es paralela al texto que va a hacer famoso no sólo a Márquez, sino a todas nuestras letras. Este primer esfuerzo literario por parte de Arenas va a ser el único texto que publica legalmente dentro de la isla hasta nuestros días, a pesar de que fuera de ella pueden encontrarse por lo menos una decena de sus títulos. El peso estético de Celestino la hizo merecedora del Premio UNEAC 1964, entregado al joven Arenas directamente de las manos del monstruo de la literatura cubana: Alejo Carpentier.

“Soy amigo de Fidel y no soy enemigo de la revolución. Eso es todo”, llegó a decir García Márquez.

 La Habana se convirtió, en la época del LSD y el rock psicodélico, en la capital literaria de América Latina. La bomba que resquebraja el boom latinoamericano es la revolución cubana y particularmente El Caso Padilla. El apoyo que estos escritores dieron al gobierno de Fidel Castro trazó una frontera entre dos bandos. El poeta Heberto Padilla publicó el poemario Fuera de Juego (1971), en el que expone textos sutilmente nostálgicos con el inicio de la revolución cubana que le hicieron merecer persecución, encarcelamiento, tortura; obligado a redactar, memorizar y declarar 30 páginas retractándose de todos sus gestos antifidelistas.

 Casi todos los intelectuales cubanos fuimos invitados por la Seguridad del Estado a través de la UNEAC para escuchar a Padilla (…) Aquel hombre vital, que había escrito hermosos poemas, se arrepentía de todo lo que había hecho, de toda su obra anterior, renegando de sí mismo, autotildándose de cobarde, miserable y traidor. Decía que, durante el tiempo que había estado detenido por la Seguridad del Estado, había comprendido la belleza de la Revolución y había escrito unos poemas a la primera. Padilla no solamente se retractaba de toda su obra anterior, sino que delató públicamente a todos su amigos, que, según él, también habían tenido una actitud contrarrevolucionaria; incluso a su esposa.

— Reinaldo Arenas, 1992.

 Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa dejaron de apoyar a Castro a partir de esta polémica. Cortázar, también insultado por Arenas en el texto Cortázar ¿Senil o pueril?, va a seguir apoyando el fidelismo a pesar de lo sucedido. Como leal opositor a este régimen autoritario, Arenas, quien publica a la par que los mencionados escritores, se posicionó política y estéticamente al margen del boom. Esta decisión, que mantiene hasta su muerte, es a la vez su gran condena. Perdió la oportunidad de tener el apoyo que recibió su gran amigo José Lezama Lima, entre otros. Arenas, que sufrió las injusticias de ser un homosexual en un país duramente machista, fue perseguido y no pudo expresar jamás su opinión política, de manera que veía en la literatura un escape, un desahogo, por lo que fue una profunda decepción que escritores de talla tan grande no se percataran de las injusticias del socialismo cubano y se dedicaran a consagrar su creación literaria al régimen de un dictador.

Rostros del boom latinoamericano

Originally posted 2014-11-12 17:24:59. Republished by Blog Post Promoter

Neruda en el fin del mundo

La figura del poeta Pablo Neruda (1904-1973) mantiene un peso y vigencia notorios en nuestros días: el pasado 23 de Septiembre se cumplió un aniversario luctuoso más del chileno que hizo mancuerna con el presidente Salvador Allende (removido del cargo por un golpe de estado que derivó en su muerte). Figura casi legendaria del Chile contemporáneo, el también senador y activista político, miembro activo del Comité Central del Partido Comunista, embajador en Francia y precandidato a la Presidencia de su país, posee una obra extensa que no se limita al verso: nerudasus memorias (cargadas de encuentros y desencuentros con otras figuras destacadas del arte contemporáneo, como Octavio Paz o Federico García Lorca), discursos, cartas e, incluso, una obra pensada como libreto para una ópera (Fulgor y muerte de Joaquín Murieta, 1967) mantienen siempre la constante del pensamiento crítico que mantuvo el escritor a lo largo de su vida.

 Neruda fue perseguido durante algunos años debido al activismo político que mantuvo, esto lo orilló a vivir en cierta clandestinidad (mientras en otros países como México sus obras se editaban en amplios tirajes, en Chile los mismos ejemplares circulaban de forma oculta y modesta). Es hasta 1952 que el poeta puede regresar sin mayor problema a su país, una vez que deja de ser buscado por las autoridades chilenas que lo acusaban de injuriar al presidente Gabriel González Videla, así como por estar afiliado al Partido Comunista. Al poco tiempo de asumido el cargo de presidente de Chile, Salvador Allende lo designa embajador en Francia y es, casi a la par, que recibe en 1971 el máximo galardón de las letras: el Premio Nobel.

 Reconocido por los chilenos, y los lectores en general, como uno de los grandes símbolos contra la dictadura de Augusto Pinochet, Pablo Neruda nos lega una obra tan extensa como interesante: desde narrar la empatía con el resto de los seres humanos hasta elogiar la nobleza por la construcción de un mundo mejor (sin dejar de lado ciertos pasajes oscuros en los que el poeta pareciera haber perdido la fe). En fechas recientes la muerte de Neruda comenzó a cubrirse de un halo de misterio, debido al presunto asesinato del que sería víctima (según versiones de su chofer en aquellos días).

pn2Todo esto ha llevado a la exhumación de sus restos con la finalidad de realizar estudios y buscar nexos con el posible crimen cometido en su contra. Aunque era conocido por todos que el poeta contrajo cáncer de próstata, no deja de ser relevante su fallecimiento a pocos días de consumado el golpe de estado contra Salvador Allende, en el que algunas personas ven más que una coincidencia. En todo caso, podemos estar seguros de contar con un material excepcional y harto fecundo que merece siempre ser revisado: “No nos hagamos ilusiones/ nos aconseja el calendario, todo seguirá como sigue,/ la tierra no tiene remedio:/ en otras regiones celestes/ hay que buscar alojamiento.” (Fin del Mundo, 1969)

Originally posted 2013-09-24 15:28:16. Republished by Blog Post Promoter

Arthur Rimbaud: Qué NO hacer en caso de ser un poeta

(NO) conservar la calma: la tinta es un océano que se antoja indomable, intempestivo; cabalga a discreción pero jamás en silencio. Gira la luna alrededor de los nombres, y es su luz un faro contra la nostalgia. Identifica el origen de las llamas. Acércate. Más. Más. Un verso más. Sí, tenías razón: la poesía dinamita el mundo.

Es poderosa la voz cuando se le acompaña con música; el canto hilvana las letras. Vocal, CONSONANTE, vocal, consonante, VOCAL, consonante, y cobra ritmo la palabra: Rimbaud, Arthur. Los nombres nacen de cabeza; el poeta a los quince años. Francia es madre de la poesía maldita. Francia es madre de la poesía maldita.

Francia es madre de la poesía maldita.

Maldita poesía.

Maldita, Francia, estás llena de poesía.

Tratar de apagar a un hombre es inútil.

Arthur Rimbaud engarza las palabras después de muerto, nos conduce al desasosiego de lo increíble; juega con la voz de sus manos. En 1869 compone versos en latín y gana un certamen académico con presumible facilidad. A los quince años, Rimbaud ya planeaba librarse del domicilio que nadie le preguntó.

(NO) incurrir en el crimen del extintor: alimenta el fuego de tus entrañas hasta volverlo palabra entrañable. Arthur leía a escondidas Los Miserables de Victor Hugo por temor a las represalias de su madre, Vitalie Cuif; y qué nos importa. Valioso es no ceder al embate de la restricción siempre a destiempo. Finalmente, Rimbaud escapó de casa a los 16 años: se arrojó a soñar.

 

Arthur Rimbaud en 1871

 

(NO) solicitar el auxilio del mundo: la aprobación del resto es un tronco que se nos viene encima, y no hay caso: son astillas innecesarias. La ayuda arribará en su justo momento. Georges Izambard, Paul Verlaine, Victor Hugo, Charles Cros y André Gil son tan sólo algunos de los personajes que convidaron su ayuda a un poeta damnificado.

Durante sus más de tres fugas de casa, el poeta asume un motivo político. El entorno sociopolítico de la Francia de siglo XIX determina el cantar poético de un errante navío de carne y hueso. Para entonces, su admiración por Charles Baudelaire ya es innegable. El niño muda el patio de juegos en páginas grabadas con insomnio. No se detiene.

Paul_Verlaine-bar-ret

(NO) temer a la desazón de un beso: los labios, esa mayúscula felicidad y desdicha, describen a las personas que cruzan por nuestro camino. Tienen memoria propia. Rimbaud se enamora de Paul Verlaine. Verlaine viaja junto al chiquillo por Londres y Paris. Juntos, sortean los pensamientos de un niño mayor o un hombre inmaduro mientras se toman de las letras, y así, entrelazados en su delirio, ambos terminan recluidos en su propia distancia. El amor no fue culpable.

RIMBAUD

 

(NO) resignarse: en exactas palabras, Rimbaud señaló alguna vez que “el poeta debe hacerse vidente a través de un razonado desarreglo de los sentidos”, su filosofía es lapidaria: el verdadero poeta es indómito, y jamás será de rodillas un arropado entre el resto. Ahora lo saben, el próximo 10 de noviembre se sumará un año más al ficticio deceso de poeta parisino. Finado a los 37 años, su poesía arde todavía. No se salven nunca mujeres y niños.  Arthur Rimbaud aún canta. Soñar nos mantiene despiertos.

 

 

Originally posted 2013-11-04 19:54:29. Republished by Blog Post Promoter

La noche del corazón

Te has ido, brevedad de la inocencia del amor;
y no puedo siquiera buscarte:
todo entero me estás vedado.
Querer desgarrar, con este pequeño cuchillo de mi voz,
el corazón de la tiniebla por traerte,
sería como pecar un millón de veces:
imposible volver las enigmáticas páginas
del libro del destino.

No. Nada es suficiente.
Ni la herencia legítima de tus zapatos de baile,
el espejo donde aprendiste a peinarte,
la cama con las sábanas intactas,
la silla en la que practicabas la correcta postura del caballero,
ni lo demás: todo lo que sin ti sobra.

Oscuridad total. Se apagó hasta la última estrella,
se ha congelado la atmósfera.
El cielo está herméticamente cerrado.

¿Cómo vivir, si eras mi única forma de vida,
la soldadura de mis huesos, la velocidad de mi sangre,
mi única persona para conjugar el verbo amar,
el universo detenido sólo para que pudiera jugar con él?

¿Cómo resucitar las golondrinas del verano
que han muerto contigo? ¿Cómo pensar
en otra cosa que no sea mi propia muerte?
¿Cómo evitar querer seguir el cortejo de La Muerte,
encantadora, ladrona de niños, destructora de hogares?

Cuervos aletean en mi ventana
queriendo entrar a devorar el cadáver andante que soy.
Copa de sombras, voy derramándome amargamente.
Y un demonio me hiere, si pretendo olvidarte.

Esta soledad, esta ruina, este cansancio infinito,
este grito horrendo hendiendo el vacío…

No… Ya no quiero hablar…

Leda y el cisne de Joel Peter Witkin

Originally posted 2014-11-07 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Ricardo Cartas: Tus zapatillas suenan a sexo

Oyó de él y del título de aquel libro donde el color rojo domina la portada, con la imagen de unas piernas delgadas y largas; en clase de literatura del señor Valera hace tres años; y es verdad solo oyó de él porque no le tomó importancia. Un par de años después, volvió a escuchar su nombre, ahora de alguien con menos años que el señor Valera, entonces ese individuo de cabello rizado puso en sus manos el libro, pudo palparlo, olerlo y leer el título en voz alta “Tus zapatillas suenan a sexo”.

Fragmento “El origen de la soledad”:

“Desde los primeros instantes del día, a Lilián la acechaban los gritos ñeros del hombre moreno y sudoroso que cada mañana subía y bajaba las escaleras del edificio en busca de compradores de gas. Más tarde la lechera piernas gordas y su olor inconfundible, los recados de la contestadora, aboneros y vecinos gustosos del hip-hop centroamericano, hacían del amanecer un escenario perfecto para que Lilián despertara amando a la humanidad”.

zapatillas
Ricardo Cartas, rival de amores del señor Valera, según le contó, poblano nacido un 26 de abril de 1978, actualmente desfila por los pasillos de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Es un escritor joven y precursor de un movimiento literario “… con características bien definidas, crítica, ironía, sentido del humor, diversión, escritos con temas no literarios y en español, breves y que muevan“, así define él al movimiento “ultracostumbrista”. En el prólogo de la segunda edición del libro, escrito por René Avilés Fabila, habla de Cartas como un caso interesante, evidenciando que debajo de un traje sastre, se esconde todo un personaje con mucho sentido del humor a la menor provocación.

Fragmento “Berlioz, el fotógrafo”.

“Lo primero que uno se preguntaba al ver las fotografías de Berlioz era cómo le hacía para captar ese brillo en las miradas de las novias. Mucho tiempo me lo pregunté y en poco tiempo lo averiguaría. El estudio fotográfico de don Berlioz era el único lugar del pueblo en donde se podía ver a la gente sonreír…”

“Tus zapatillas suenan a sexo” fue el tercer libro que escribió Cartas y se publicó en el 2006, se trata de trece cuentos cortos, que demuestran que lo impensable o lo indecible también hacen literatura, entre los títulos figuran Escuchando a Ninón, El origen de la soledad, La vida es una jodida broma, Maldecida, entre otros.

literatura

El título del libro es sugerente. Las primeras líneas del cuento “Escuchando a Ninón”, atrapan todos los sentidos, genera continuidad y aunque parece que se va hacía la misma dirección que Cartas, entonces él cambia la historia en dos líneas, se pasa de una página a otra, Ricardo dibuja escenarios conocidos por todos, escarba en las historias comunes de gente común, que dejan de serlo cuando las hace líneas, con sutileza y sin señales, se termina el libro y se desea que existan más historias impresas como esas.

Escritor efebo aunque pasen los años, Ricardo Cartas seguirá maquilando historias en su universo literario ultracostumbrista.

Originally posted 2013-07-31 18:48:52. Republished by Blog Post Promoter

Carrera contra el tiempo

 infame

CARRERA CONTRA EL TIEMPO 

por Oliver Alejandro

Vivo apresurado
porque el reloj en mi habitación
libera un alma que me persigue,
cada que el segundero en sus entrañas da un paso.

(Tales espíritus se bofan de mí.)
Saben que no puedo huir de su asecho
pues conocen mis pasos incesantes
incomparables a los suyos.

Corremos por calles

definidas como horas,
cada que supero alguna
mi fatiga se turna desmesurada.

(En cada minuto 60 demonios me hostigan)

Visten remembranzas
que disparan hacia mí,
trazando obstáculos, contratiempos
en la ruta de mi huida.

(Al superar 24 calles me desplomo de cansancio.)

Las almas que ya suman 86.400
invaden mi cuerpo,
atraen la muerte de un día
me presentan una nueva trayectoria
con 24 manzanas, que debo trazar con un cuerpo envejecido.

(Hasta que el último espíritu me alcance.)

avion-papel-copia

           *Texto que podrán encontrar en:
           http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/6to_tiempo_transici__n_inexorable

Originally posted 2014-06-02 00:27:30. Republished by Blog Post Promoter

Una voz con silencios: Nadine Gordimer

 Se protesta antes que lo primero y no tiene importancia. De nacionalidades se habla mucho y tiene poco que ver. Hay quienes se han proclamado sin tierra, nadie los vio nacer y por eso, nadie los ve morir. Al final, el discurso de un artista trasciende espacio, tiempos, lenguas, condiciones, etcétera.

 No importa qué tan lejos haya surgido una figura que, en esencia, habló por los que no saben pronunciar palabra alguna porque le temen al sonido y a la música. Son aquellas palabras que no necesitan definición y mucho menos una explicación; me refiero a esas que nacen de todas las cosas: libertad, amor, justicia

 Nadine Gordimer nació en Sudáfrica en 1923. Es un lugar tan lejano que nos parece desconocido, y es ese misterio el que nos acerca. Crimen y odio, pobreza y crueldad, injusticia y represión, y el miedo, es el que enloda la tierra de sangre y silencio.

Nadine Gordimer (1923-2014)
Nadine Gordimer (1923-2014)

 Gordimer se convirtió en la literata tenaz y crítica. Hablaba de puras verdades, pues sabía que una mentira disfrazada terminaría por mancillar el terreno que sus pies bien conocían y, peor aún, el terreno de su alma.

 A más de uno, y sin intentar ser la constante, los años no les bastaron; 90 para ser exactos. Hay tantos a quien escuchar, tanto que repetir, tanto que decir.

 Al escuchar la palabra apartheid  (segregación racial) es común hacer referencia a la denominada “Gran Dama de la Literatura Sudafricana”. Junto con Nelson Mandela ofreció más que su pluma, todo su espíritu, para abolir injusticias y demencias; fue con valentía y valor que durante más de 50 años, escribió lo que ya había observado, sin vacilar, sin temor.

Apartheid sudafricano
Apartheid sudafricano

 A pesar de las tragedias, nunca perdió la capacidad de sorprenderse, de descubrir un mundo dentro de otro mundo; es por eso que su importancia interviene con nosotros. Porque era una verdadera artista, escritora, combatiente de causas que muchos encontraríamos perdidas.

 Escritora, novelista, ensayista, héroe, fue ganadora del Premio Nobel de Literatura en 1991 (unos años después de que Octavio Paz lo recibiera), también fue galardonada con el Premio Booker en 1974 por su novela El conservador. Su trabajo literario ha sido traducido a más de 20 idiomas

 Entre sus obras más destacadas se encuentran: La hija de Burger (1979),  La suave voz de la serpiente (1956),  Ocasión para amar (1963), El conservador (1974), Ningún lugar semejante (1978), The Lying days (1953, año de publicación de su primer novela), entre otras.

 Faltan las palabras para describir a una de las mujeres que hizo del arte una lucha, una idea de vida, una voz, esperanza, y un silencio justificado, necesario. La lucha de Nadine aún no se termina, y está lejos de cesar; sin embargo,  su literatura representa uno de los avances más grandes en contra de la injusticia social, no sólo en su país, sino en todas partes.

Gracias por interpretar el silencio de quién lo está diciendo todo

Originally posted 2014-07-17 01:07:26. Republished by Blog Post Promoter

Lecturas Compartidas: Juan José Arreola

“Creo que esto no se acostumbra: dejar cartas abiertas sobre la mesa para que Dios las lea.”

Hoy en día, todos sabemos que la cultura literaria en México está por los suelos. Nos lo dicen encuestas, estudios, artículos en los periódicos, notas en la red, e incluso las propias campañas de fomento que tanto pasan por la televisión.  Así, mientras caminamos por las calles de nuestra querida ciudad, observamos el paisaje obvio de espectaculares y anuncios mercadotécnicos que apuntan a toda clase de productos incluyendo comida, telefonías etc. y muy rara vez (afuera de las librerías) observamos un anuncio de algún nuevo libro que esté a punto de lanzarse. 

Arreola-por-Rulfo

 Y aunque de cualquier forma, también se ha señalado un aumento en los grupos de jóvenes y adultos con nuevos hábitos de lectura a lo largo de los últimos años,  desafortunadamente con ellos llegan a colación toda una serie de interrogantes que ponen sobre la mesa nuevos parámetros en la percepción de la clase de “lectores” en México.  En lo particular, el problema más preocupante se encuentra en los contenidos. Porque seguro nos ha tocado ver a muchos jóvenes adolescentes sosteniendo un libro de autores como John Green, Stephen Chbosky, James Dashner, Suzzane Collins o J. K. Rowling. Y no es que haya un verdadero problema con eso (ya que por algo hay que empezar ¿no?), lo que sucede es que la mayoría de los jóvenes que leen a estos autores, se quedan en el mismo círculo de libros, historias y contenidos que representan la mala calidad de la literatura. Estancándose  e incluso despreciando a autores representativos y de “grandes vuelos”.

 En todo caso generar una buena y amplia cultura literaria, nos lleva toda la vida. Entrar e ir subiendo en las categorías de lectores por obligación, por gusto, por hábito,  y por habilidad, es básicamente una tarea que requiere de disciplina, concentración, rigor y mucho pero mucho amor al arte de las letras.

 Es por esto que surge esta nueva sección en Chulavista La Revista  llamada Lecturas Compartidas, donde buscamos justamente compartirles a todos ustedes las obras de diferentes autores que representen un gran ente en la cultura literaria de México y el mundo, a través de la web y de manera gratuita. Con lecturas rápidas que no nos quiten demasiado tiempo (y no nos cansen demasiado al estarlo leyendo desde la computadora), como cuentos, relatos, poemas etc. con el fin de iniciar a nuevos lectores con las obras completas de los diferentes escritores que se verán aquí.

 En esta ocasión toca el turno del escritor mexicano Juan José Arreola. Nació el 21 de septiembre de 1918 en Ciudad Guzmán, Jalisco (Zapotlán el Grande), y murió el 3 de diciembre del 2001. Fue un escritor, académico y editor mexicano.  Publicó Varia invención (1949), Confabulario (1952), La hora de todos (teatro, 1954), Bestiario (1958), La feria (novela, 1963); su última obra escrita, La palabra educación (1973), es una recopilación de sus intervenciones orales.

Juan JosŽ Arreola

 Recibió numerosas distinciones, como el Premio Nacional de Lingüística y Literatura 1976, el Premio Nacional de Periodismo, el Premio Nacional de Programas Culturales de Televisión o la condecoración del gobierno de Francia como oficial de Artes y Letras Francesas.

 Sus cuentos tienen la característica de adentrarte por completo en un mundo nuevo y diferente que sólo por coincidencia se parece un poco al nuestro. Despierta olores, sensaciones y emociones imaginarias de lugares fantásticos, con personajes totalmente fuera de serie que te hacen volver a tu niño interior, cuando imaginabas absolutamente todo con una claridad auténtica.  Aquí te pasamos 10 cuentos para que te sumerjas en un su imprescindible universo, o si lo prefieres una antología para descargar donde recoge sus cuentos de sus obras Confabulario y Bestiario.

1.- El Guardagujas (Borges dijo alguna vez que éste cuento figuraba entre los mejores del siglo XX.)
2.- El Rinoceronte
3.- De Balística 
4.- El Silencio de Dios
5.- La Canción de Peronelle
6.- Parábola del Trueque
7.- Un Pacto con el Diablo
8.- Eva
9.- Monólogo del Insumiso 
10.- Pueblerina

Antología de Cuentos 

 

Originally posted 2014-05-22 03:00:14. Republished by Blog Post Promoter

75 d.P.: Después de “El principito”

Por Jorge González

@SoyFish

 

Arranca un lunes normal en el planeta Tierra. Han pasado varios atardeceres, para los exactos corre el año 75 d.P. El sol ha salido y los niños, acompañados de sus padres, caminan lentamente hacia la escuela. Platican sobre temas serios, por ejemplo si la flor ha sido devorada por el cordero o si ésta se ha podido defender con sus cuatro espinas.

El horario escolar es completamente liberal, los niños eligen a que salón entrar. En uno, grandes lienzos con una gran variedad de pinturas están. Desde corderos hasta serpientes pueden dibujar, pues no se necesita explicar. En otro, los niños simplemente se dedican a cantar; abundan muchos más, para actuar, gritar, correr y preguntar, entre otros.

Por la calle la gente en bicicleta al trabajo va. Por allá van los científicos, algunos con sus turbantes, otros con gorras de muchos colores y unos más con sus pantalones fosforescentes. Se dirigen al centro de imaginación. Se rumora que en las últimas semanas han descubierto un nuevo color; sin embargo, hay otros que afirman que han tratado de contestar por qué las cebras tienen rayas.

En el teatro la nueva comedia ha sido un éxito. Sobre el escenario y con un marco en forma de televisión se observan dos personas con trajes extravagantes, los cuales desesperadamente no dejan de escribir números sobre sus hojas, ni de repetir que son hombres serios. Finalmente, uno de ellos, al resolver sus sumas, se pone de pie se quita el sombrero y grita: “Soy un hombre serio y por eso me debes de admirar”. A lo que el otro contesta “¡No! Yo soy un hombre serio y tengo más dinero que tú. Debes de admirarme”. El público no para de reír, mientras los personajes a golpes deciden quién es más serio.

En los últimos años la policía no ha tenido mucho trabajo, pues a pesar de la dificultad que implica, las personas se han encontrado a ellos mismos como su mejor juez. Aunque el presidente, primer ministro o rey siga siendo la figura de autoridad, se ha convertido en un amigo más de la ciudad porque ellas saben exigir a cada uno lo que pueden hacer.

Sin duda, la convivencia social es de lo mejor debido a que al crear lazos, la gente juzga por los actos y no por las palabras; saben cómo mirar y apreciar. Por los ratos libres, las personas van a los parques. Cada una de ellas tiene un lugar personal en dónde sentarse, pues ha sido ahí donde ha ocurrido algo importante, algo que hace especial a esa banca, árbol o escalón. A pesar de que a simple vista no lo parece, con el corazón de cada quien se observa lo esencial. Hay unos que van a admirar cómo las plantas empiezan a crecer, otros se destinan a escuchar, pero la mayoría se dedica a preguntar sin tener que responder; las explicaciones no son necesarias. Es este lugar donde se crean lazos, donde sin importar que quizá nunca más volverán a ver a esa persona, el tiempo pasará y su esencia siempre seguirá. Y aunque ese espacio sea ordinario para los demás, para alguien será especial.

Empieza la puesta de sol. Pese a que la gente pueda o no estar triste, deciden salir a observar cómo el sol lentamente se despide. Reflexionan, recuerdan y sonríen. Es un mundo donde a pesar de que juntos no puedan deshollinar volcanes, si pudieran lo harían. Aquél donded la mayor felicidad es que lo esencial siga siendo invisible a los ojos, porque se acordarán que con el corazón también se puede observar.

Originally posted 2012-08-07 13:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Tres libros de mexicanos jóvenes del 2013

El premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa pasea por la Feria Internacional del Libro de Guadalajara con un séquito de seguidores, cuidadores y colegas. Al llegar junto al stand de Sexto piso, se desvía y toma un libro de la mesa de novedades. Vargas Llosa no eligió la novela de autor consagrado alguno; bajo el brazo llevaba, con expresión de quieroterminarloestamismanoche, un ejemplar de “En Medio de Extrañas Víctimas”, la primera novela de Daniel Saldaña Paris. En su poco tiempo circulando en el mercado, esta novela ha sorprendido al mundo de la cultura y ha sido reseñada en las principales publicaciones nacionales e internacionales. Daniel Saldaña es editor, ensayista y tiene publicados un par de libros de poesía, uno de los cuales no le causa a él mismo tanto orgullo. Valeria Luiselli ha dicho sobre el libro que es “Desenfadado y socarrón pero también vulnerable y diáfano, el lenguaje de Saldaña París le estalla en la cara al lector: un resplandor”.

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Una voz que vino a refrescar la así llamada literatura del narco es Carlos Velázquez. Carlos, ya había irrumpido en la escena literaria exitosamente con sus libros “La Biblia Vaquera” y” La Marrana Negra de la Literatura Rosa” (libro del que, por cierto, deriva su apodo “La marrana”); a esta cadena de hits se suma “El Karma de Vivir al Norte”. Velázquez ensaya una crónica de indudable calidad con un estilo ágil y desparpajado para hablar de los sucesos más crudos, envueltos en cotidianeidad. El gran Elmer Mendoza ha dicho sobre La marrana: “Carlos Velázquez es un escritor con proyecto, no sólo para desarrollar un estilo de humor corrosivo hasta el hueso y un tipo de historias donde todos quedamos expuestos en paños menores, sino de un territorio lingüístico como identidad de una región que, ahora, es también testigo y generadora de una época en la literatura mexicana”

Léete un adelanto de El Karma de Vivir al Norte.

La tercera joya literaria que nos legó el 2013 es “Juárez Whiskey” de Cesar Silva Márquez. Se trata de un libro suave, construido de imágenes cotidianas y sucesos diarios. Es interesante el libro por que nos muestra el lado más íntimo de una ciudad asediada por la violencia, sin referirse directamente a ella. Es maravilloso porque, sin tener sobresaltos, el clima de angustia se siente. Esta es una de esas novelas que se instala: si bien no sientes la necesidad de terminarla de un trago, estás pensando constantemente en ella cuando no la estás leyendo y aún después de terminarla. No se la pierdan.

Originally posted 2014-01-21 16:36:35. Republished by Blog Post Promoter

Los nevrosés de Arthur Schnitzler

Tras el lento declive político que concluiría hacia finales del siglo XIX y que señala el ocaso de la época liberal y el inicio de una nueva crisis, aparece Arthur Schnitzler quien, junto con Freud, pertenecía a esa burguesía que tras asumir el poder sería el alma de la vida vienesa. La ascensión de esta burguesía vienesa comienza después del Congreso de Viena, pues la aristocracia había quedado endeudada con los banqueros, en su mayoría extranjeros.

 El prestigio y el poder siempre se han encontrado del lado del dinero, y la burguesía, principalmente constituida por banqueros industriales y comerciantes mayoristas, ganaba cada vez mayor poder no sólo en la esfera económica, sino también en la social. El advenimiento de la burguesía va de la mano con el declive de la aristocracia. Mientras ésta última se empobrecía e iba perdiendo a su vez el poder, la burguesía, por el contrario, ascendía y se enriquecía. El propio emperador Franz Joseph colaboró con el poder creciente de la burguesía. “… para ganarse a esos poderosos personajes, les distribuyó cierto número de títulos de barón”.

 Así, en medio de cambios y declives políticos, aparece en la escena literaria el mejor representante del monólogo interior en la literatura en lengua alemana.

 La Viena de Schnitzler, era la Viena ávida de cultura; la Viena de Hermann Bahr, el cual atribuía los nuevos impulsos que animaban a la cultura francesa de la época a sus amigos vieneses que frecuentaba en el famoso Café Griensteidl, tenía el propósito de “superar el naturalismo”. Obras de autores como Mallarmé, Gide, Baudelaire, Claudel, Maeterlinck, entre otros, fueron traducidas y difundidas en las páginas de la Wiener Rundschau, convirtiéndose rápidamente en patrimonio de la cultura vienesa de aquel entonces. De igual manera que en Paris se hicieran famosos los salones que resguardaban a los prominentes jóvenes poetas de la época y que suponían su punto de encuentro, la llamada Jung Wien (Joven Viena), que contaba entre sus filas a escritores como Karl Kraus, Felix Salten, Hugo von Hoffmansthal y el propio Schnitzler, respondía al estímulo literario de esta época de declive.

 El arte de Schnitzler  se desarrolla por medio de dos líneas paralelas correspondientes entre sí; por un lado, vemos elementos de índole psico-sociológico y, por el otro, principios técnico-formales; la unión y equilibrio de ambos explica la medida de modernidad del autor.

 La influencia de la decadénce francesa en la obra de Arthur Schnitzler se puede observar en tres de sus obras más importantes, que escribiría no de manera simultánea, pero que a mi parecer contienen los mayores elementos y características de dicho estilo. Estas obras son El Teniente Gustl, escrita en 1900,  Fräulein Else en 1924 y Traumnovelle de 1925.

 El estilo de decadencia que muestran estas tres obras de Schnitzler abarca distintos temas que van desde la figura del dandy, con sus extravagancias y excentricismos, hasta el de la doble moral en la sociedad imperante de aquella época, cuya burguesía desplazaba a la monarquía decadente y hacía de ésta un recuerdo nostálgico de glorias pasadas.

 Los temas imperantes son el de la realidad en el relato en contraposición con la apariencia. Los personajes muestran dos caras, una que pertenece a su real estado de cosas y otra en la que aparentan algo totalmente distinto, mostrando así la hipocresía  de aquella sociedad que intenta rescatar valores que no tiene y que a su vez juzga. Si bien en el Traumnouvelle la diégesis transcurre entre ensoñaciones, en las otras 2 obras el sueño juega un papel importante, donde los personajes dejan ver su verdadera personalidad, sus miedos y manías, así como sus intenciones y verdaderos valores. Es dentro del sueño donde se hacen notar los proyectos a veces inverosímiles, exagerados y fuera de la realidad de estos personajes. El decir y hacer contra el pensar hacer son una constante en sus discursos.

  Así pues, nos encontraremos con tres nevrosés más, la señorita Else y su aristocracia venida a menos, el falso orgullo de un teniente que ve amenazado su honor y el interior de la familia burguesa de comienzos de siglo XX.

Originally posted 2014-01-03 18:34:32. Republished by Blog Post Promoter

La crónica como expansión del universo: Juan Villoro en el Villaurrutia

El pasado lunes 12 de enero de 2015, el Centro de Creación literaria Xavier Villaurrutia abrió puertas para recibir a Juan Villoro, aclamado escritor de actualidad, invitado por Josefina Estrada, cronista y narradora mexicana, para presentar el libro “Hay vida en la tierra” y hablar en términos generales del lado que lo identifica como cronista.

 Josefina Estrada imparte la materia de crónica al Diplomado en Creación Literaria, que tiene como parte importante del calendario de actividades el acercamiento de los escritores en ciernes con los de prestigio; entonces Estrada, que no escatima ni como cronista ni como maestra y que no es egoísta, echó la casa por la ventana y tuvo a bien llevar al escritor, no en una clase privada acorde al plan, sino como propuesta abierta al público y a prensa.

 La predicción hecha un mes antes, ante el conocimiento del arribo del escritor fue: “Se va a abarrotar” Y ciertamente, se abarrotó. Personas por todas partes, cámaras y Almadía con “Conferencia sobre la lluvia”, “Llamadas desde Amsterdam” “¿Hay vida en la tierra?” y demás listos para irse con alguien.

 La charla por demás amena, corrió entre anécdotas en que se recordó a Ibargüengoitia y a Scherer en complicidad con el público, en que se podía ver a un Villoro dueño de sí mismo y de los relatos contados, afianzado del pasado del que se sirve para explicarse, de lenguaje fluido y voz firme, cuando se le ve, uno entiende el hipnotismo que ha ejercido en incontables personas.

 Entonces habló de la necesidad de traer a cuento las pequeñas cosas de la existencia que finalmente son las que la constituyen, lo que pudiera pasar desapercibido, las pelusas en el ombligo, el calcetín que casi de modo inevitable se pierde en lo que bien podría ser un universo paralelo de calcetines perdidos, el México de los calcetines siempre viudos y esto recuerda a un poema de Cortázar:

Por grande que sea el mundo 
hay los recortes de uñas, las pelusas,                                                                                                               los sobres fatigados, las pestañas que caen.                                                                                               ¿Adonde van las nieblas, la borra del café,                                                                                       los almanaques de otro tiempo?”

 De la posibilidad de comparación, de mundos aparentes que no se tocan y sin embargo lo hacen, establecer relaciones entre lo que en apariencia no se reconcilia y nosotros que vivimos en un mundo por demás surrealista. En la necesidad del cronista de no moverse por el mundo sin gana ni asombro, sino con la mente activa, con la imaginación presente a un universo en expansión constante.

Originally posted 2015-01-15 12:52:25. Republished by Blog Post Promoter