Les Adieux

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Les Adieux.

He pensado incontables ocasiones acerca de las despedidas.
De tanto escudriñar llegué a una conclusión;
Ellas con su manto son idénticas a la naturaleza.
Habitan entre nubladas estepas, otras empapadas con frialdad ártica, llana y raquítica envuelven la irrepetible despedida,
las hay teñidas de color desierto, áridas y mudas,
incluso llegan a ser coléricos discursos donde lo incineramos todo,
sin embargo para otros se contemplan como alboradas,
siendo solemnes ceremonias de proporciones primaverales,
semejantes a brotes de Nardos, incesantes bríos multiplicados incansablemente durante el día y la noche.

 Yo,
las he vivido en todos sus aromas existentes,
han sido compañeras maltrechas,
otras frutos inconclusos,
algunas más coléricas que otras salpicaron mí pasado,
escupiendo una voz tempestivamente grotesca hirieron al remanente que nos queda y al cual llamamos recuerdo,  yo, tú  y algunos otros llevamos la memoria entre puñales.

Parecíamos inseparables ellas conmigo, yo con ellas,
hasta que reconocí ésas que alimentan al alma y no al remordimiento,
son ellas las ceremonias desbordadas  entre tonalidades de Abril semejantes a semillas ya germinadas.

Reconozco que:
Acerca de las inconclusas y sus tormentos,
Son ellas como un choque en el rompeolas, trance repetitivo vaivén nutrido de un frenesí doliente entre rocas.
Que con cada golpe viene una erosión irreparable.
voy plomizo ante tanta andanza y desencanto,
intento esconderme de ellas;
ya sea detrás de un inquieto arbusto, detrás de todo un continente,
sin duda,
ellas,
las despedidas siempre me encuentran y pienso:
–Todo son lecciones pues un río no canta sin su eco, yo de día/noche siempre camino con mi sombra; y aquel desolado eco de montaña no es mudo pues alimenta a todas las Araucanias, a las floridas Retamas sin llegar a olvidar al espinoso Cardo–

Así me ha sucedido,
Todos los cantos de Ceremonias me han encontrado,
me perforan,
me llegan,
me acusan,
me habitan,
las acepto y conservo en mi rincón Pardo
Al ellas desenterrarme nace una sonrisa llena de pureza, voy en plenitud despierta de todos mis sentidos,
¡destellantes!
apuntando siempre al azul cielo.
Tales ceremonias me transforman,
son la sal del océano,
el fruto del árbol,
la sangre en la herida.
Para mis ojos, somos inseparables.
Las despedidas alimento que permite seguir caminando,observando…
Meditabundo voy,
Pareciese que mi vida por momentos sólo se convierte en desprendimientos,
Ser un testigo vivencial de mi propio  desmembramiento,
tan parecida a la naturaleza misma con ojos de estruendo al observarnos,
Ella madre creadora atestiguando nuestros  lánguidos y cíclicos infortunios pues quien a muletas se traslada lleva aquel punzante peso de la herencia.
Por largos lapsos así pareciese nos embarcamos, navegamos sin mástil ni direcciones.
Confirmo que no solo de dolor se habla, existen tantas glorias pasajeras e ínfimos frutos de felicidad, aprendamos pues que:
–Ningún llanto es eterno y el desprendimiento es el síntoma vital de la naturaleza–
Ella, se fortalece en silencio,
¡lo mismo comienzo a practicar yo!
que en tantas ocasiones
he callado, tantas otras enardecí como tormenta,
sigo aprendiendo el arte de vivir, mi deseo es conquistar mí propia cumbre
Aun me falta toda otra vida para lograrlo
ya que mi montaña es tan escarpada como la cordillera andina.
Agradezco que viva esta ceremonia, este adiós pasajero, pues sin él jamás nos hubiésemos encontrado, mil gracias al inamovible pasado, a mis muertos y a los que renacieron.
Allí donde esté mi vuelo también tendrán un nido en el cual reposar apaciblemente.
Me llevo su fortaleza y su comunión,
Toda mi gratitud
Todas mi sonrisas… todos mis silencios para ustedes.

 

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Ilustraciones por: Diáfana & Niña Arbol

Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

crédito: MoMA & Tadanori Yokoo
Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

¿Acaso hay predador más peligroso que el humano?

Hace unos días recordé algunas animaciones que he tenido la oportunidad de ver, y pensando precisamente en una de ellas —que fue la que más me ha gustado hasta ahora, tanto en contenido como visualmente— me pregunté: ¿acaso hay predador más peligroso que el humano? La animación de la que hablo se llama “MAN” y es de Steve Cutts, un ilustrador y animador que radica principalmente en Londres.

 Man de Steve Cutts“MAN” es la animación más popular de Cutts y, aunque es aparentemente “simple”, genera en tres minutos toda una reflexión acerca de cómo hemos hecho una serie de destrozos al planeta, contaminando y aniquilando todo a nuestro paso, lo que a consecuencia nos está matando a nosotros mismos. A eso, sumado el consumo de FastFood y productos cada vez más procesados, que a su vez generan enfermedades que hace unos años ni siquiera existían. En sí, el mensaje es claro y demoledor: la inminente amenaza que somos para nosotros mismos.

 Steve Cutts también realiza ilustraciones, pinturas e incluso esculturas, que tienen como constante el cómo coexistimos con el medio ambiente, los animales y, por supuesto, entre nosotros.

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 Otros títulos de animación, son “In The Fall” y “How Will You Die?”, la primera trata sobre si realmente estamos viviendo nuestras vidas o sólo estamos sentados frente a un escritorio llenos de preocupaciones, frustraciones y carentes de anhelos viendo nuestra vida pasar cuando está a punto de concluir; la segunda trata de cómo elegimos morir de un ataque al corazón o un derrame cerebral por el puro gusto de fumar o beber, mientras vivimos una “buena vida” clase mediera estándar, mientras que al otro lado del mundo la gente muere por hambre, por falta de medicamentos o por VIH debido a la falta de dinero para poder comprar un preservativo, esos que son tan sencillos de conseguir aquí.

 En ocasiones, Steve Cutts hace uso de personajes icónicos como Mickey Mouse y Roger Rabbit, todo con el fin de satirizar y criticar el entorno de manera constante sobre todo a la sociedad norteamericana—, con el fin de concientizar a la gente de la forma en que las grandes corporaciones han hecho lo que han querido con nosotros con el fin de enriquecerse a costa de lo que sea.

Layout: Cuarto de Máquinas, la posibilidad del mundo al revés por medio de los objetos

…Estamos imaginando, con esta frase se presenta Cuarto de Máquinas cuando buscas más información en redes sociales o su tienda en línea.Cuarto de Máquinas

 Ya sea una libreta, una taza, un cuadro o un libro ilustrado, Cuarto de Máquinas tiene una propuesta fresca que evoca a los objetos para llamar a la nostalgia a través de la formas que se van reconociendo cuando se hace una lectura detallada de sus diseños.

 Con un toque de humor y frases sencillas elaboran una poesía visual traducida en un objeto cotidiano, propiciando una conexión emocional que provoca la necesidad de quererlo de inmediato. El proceso de diseño consiste en la retroalimentación de las ideas de sus creativos y que comparten sobre algo que les interesa en particular permeado por su entorno.

Asumimos dos procesos creativos distintos que en algún momento se deben conectar para identificar si esa idea, esa imagen, ese sueño que nos ronda la cabeza se puede realizar… Consideramos fundamental para nuestro proceso creativo, todo; caminar, ver películas, escuchar música, ir al teatro, leer, revisar blogs, hojear revistas, visitar cafés, platicar con los amigos, dibujar, andar en bicicleta, jugar…

 

Detrás de las máquinas1_4Maquinas-08Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas está conformado por Raquel García y Mauricio López, quienes han unido su talento para producir objetos que se distinguen rápidamente por las ilustraciones cargadas de formas cotidianas y naturales con un toque de poesía visual y diseños tipo collage que fusionan formas geométricas con elementos orgánicos.

Estudiamos juntos en la Universidad, después nos hicimos novios, con el paso del tiempo ya teníamos proyectos en conjunto que nos llenaban de emoción y nos hacían creer en el mundo al revés.

Lo bueno y malo de los bazares…Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas transmite buena vibra cuando los conoces en persona, ya sea en algún bazar o en la calle. Su popularidad ha ido en aumento y estos últimos meses han sido muy importantes para ellos ya que el participar en los bazares de diseño, les ha permitido que más personas los conozcan y tengan un canal de venta directo, sin embargo, reflexionan sobre la posibilidad de encontrar nuevas caminos de difusión y no estancarse.

Reconocemos la importancia de los bazares para darle visibilidad al diseño independiente, pero también pensamos que el diseño no debería construirse únicamente desde el planteamiento comercial, sería importante no perder de vista el plano creativo, el experimental y las contribuciones sociales y culturales que el diseño puede generar. 

Diseño AutogestivoCuarto de Máquinas

En Tráfico Bazar han encontrado un lugar para conocer gente que se ha identificado con su proyecto y poder tantear el terrero sobre lo que están haciendo otras marcas de diseño independiente, aunque ellos se describen como un proyecto autogestivo que permite hacer las cosas de distinta manera a las establecidas en el campo laboral del diseño.

A nosotros nos gusta explicar el diseño autogestivo como aquel que surge por iniciativa del diseñador, y en lugar de centrarse en las necesidades del cliente, busca generar un diálogo con el usuario final del objeto de diseño. Digamos que no importa quien está detrás, sino delante del diseño. 

Cuarto de MáquinasSu adaptabilidad a la corriente de formas de venta los ha llevado a poner su tienda en línea a través de Kichink para comercializar sus productos proporcionándoles visibilidad a otro nivel, sin embargo, y bajo su percepción ese alcance aún es limitado.

Prejuicios femeninos: Perspectiva del siglo XXI


Me negué a reconocer que realmente tenía un problema de autoestima desde muy pequeña. Me la pasé viviendo con prejuicios en torno a la opinión pública, al cómo te están viendo, al si te aceptarán o no y otras frases que no difieren de este contexto que tanto le pega a la mujer, y que paradójicamente no es cuestión de novedad, sino que esto ya se vislumbraba desde que comenzó a presentarse como objeto para el mundo, es decir, como si fuera la mercancía más demandada en el mercado.

 Cuestiones simples como la ropa, el calzado y demás situaciones divergen en el poder para manipular a la mujer en un sólo instante, lapso que puede determinar su cambio abrupto en estados de ánimo y que la vuelven presa fácil de los estándares sociales. Mientras más flaca, mejor –piensan las más vulnerables-, mientras que las más fuertes sólo tratan de aparentar que todo está bien y que la aceptación fue algo fácil de ejercer.

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Ilustración elaborada por Pedro Sosa.

 La venta de un cuerpo con las medidas que más desaten el pensamiento del hombre, la creación de un estereotipo que por genética no tiene pertenencia alguna, la constante publicidad en torno al “debería” de una mujer, la manipulación a través de sus funciones sociales y otras cuestiones más la arropan para crearla al molde de requerimientos sociales que no le pertenecen. La hacen parecer un maniquí de aparador que no debe moverse y sólo acatar una serie de normas que enaltecen un ego injustificado.

 Tal vez parezca un simple problema de autoestima femenino, pero la situación va más allá de un cotidiano prejuicio mortal. La cultura occidental –principalmente a mediados del siglo XX- , ha adoptado una serie de patrones que desmoralizan a la mujer y en su acervo cultural, sólo hace hincapié en lo que está bien visto, sin importar que tan vacía o seca se sienta. El eje, muchos lo piensan desde un problema de peso/sobrepeso, otros  desde el significado de belleza y los más ortodoxos desde una diferencia de género. Entonces, ¿Qué define a los prejuicios femeninos?

 Los prejuicios femeninos forman parte de nuestro andar ; en el proceso de desarrollo adoptamos una serie de objetivos que han sido impuestos. De ahí, surgen maneras de poder compenetrar en cada meta como es el ingreso al trabajo, a la escuela, a cierto círculo social y entonces las preguntas empiezan a adentrarse de mayor forma en el pensamiento de la mujer y es cuando la inseguridad llega de repente, de manera que no da paso para crear condiciones de identidad. Desmotivaciones y una indignación hacia sí misma es el resultado de querer aparentar y no ser, de forma que la máscara se convierte en el artilugio de mayor precio en un mundo que se corrompe por cuestiones tan superfluas que no cobran un significado inherente al ser humano. Una existencialismo dudoso y que enaltece las condiciones más vertiginosas del mundo contemporáneo, visten a la mujer entre sedas e interrogantes de quiero….pero no puedo.

 Una sonrisa llena de botox, un pensamiento rígido, un debo hacer y un dilema entre querer y poder incrementan la inseguridad de la mujer. El énfasis no radica en una comparación entre su misma condición biológica, sino en una cuestión de subordinación social, ahí es donde se encuentra el conflicto principal, no en el peso, no en las vestimentas;la disyuntiva es mucho más compleja.

 El tormento de los prejuicios femenino recae en la posición ante un papel que ha sido adoptado y que no se ha modificado desde el momento en que se aceptó como una imposición; su determinante ante hechos que por sí mismos no se han esclarecido, además  no se dio el tiempo preciso para cuestionarlos. Con grandes barreras por reflexionar sobre sus méritos a diferentes lapsos, la mujer creció en el olvido de lo que realmente quería.

 Reitero, no es el vestido, no es el cuerpo, el prejuicio es cuestión tan arraigada al individuo que un simple análisis lo relaciona con cuestiones que tengan que ver con situaciones atípicas a personalidad, y por lo tanto la vulnerabilidad de la sociedad femenina se fomenta desde una condición biológica y no de aptitud – he ahí la gran limitante-.

 La mujer es requerimiento social, pero en ese afán por serlo niega su capacidad de crear y transformar ciertas condiciones que ya le fueron impuestas; se aferra a esa zona de confort que tanto le place y que sucumbe entre su afirmación o negación –según sea el caso-. Mientras los vestidos son más ajustados, las tallas parecen abrumarla de una manera abominable, si su ser ya no está tendencia por medio de la exigencia, su vida corre peligro entre si reflexiona o no. ¿Cuántas de verdad critican su situación ante el mundo? Es entonces, cuando el prejuicio invade el ejercicio de opinión, para impedir tener un posicionamiento claro sobre su desempeño en todas las facetas de la vida.

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

#IlustradoresConAyotzinapa: a un mes del siniestro

Se ha cumplido un mes ya. Poco más de treinta días transcurridos desde aquél en que comenzó a correr la noticia de la atrocidad que para algunos —acaso los crédulos, ingenuos— parecía algo falaz, bárbaros actos inhumanos que simplemente no figuraban en la idea de realidad que se concebía.

 Menuda realidad… Que con este hecho vino a destaparse lo legítima y brutal que es para los desventurados, carentes de oportunidades para hacerse escuchar, de armas para defenderse, y de medios para hacer justicia a todos los futuros amordazados, los caminos coartados, los anhelos arrebatados. Víctimas, mártires del terror, la cobardía, la miseria y la repulsión de la misma especie. Esos desventurados que fueron seis, son 43 y la cifra se agrava a cada día que pasa.

 Continúa siendo estremecedor tocar el tema. ¿Qué tan vago es referirse a ellos con la palabra «desaparecidos»? ¿Es todo esto una suerte de sinécdoque que se sitúa ante nosotros a manera de reality check? ¿Ya despertamos? ¿Y qué con el repudio que despiertan estos reprobables sucesos hacia la pesadilla que han hecho los dirigentes de nuestro país con él? ¿Qué remedo de autoridades tenemos? ¿Qué se hace con la indignidad y la humillación como el sentir común de una nación entera? Por si eso no fuera suficiente, ¿qué se hará con la desaprobación categórica hacia tal infamia por parte de países, intelectuales y ciudadanos del mundo que no dejan solidarizarse?

 Hay muchas preguntas que se formulan al instante y pocas respuestas que puedan sosegar la urgencia de resolverlas. Tampoco es fácil encontrar soluciones para llevar a la práctica ante incidentes que se detonan como consecuencia de un truculento trasfondo del que incluso hay temor por conocer. Potenciar la lucha o apaciguar la resignación, es el dilema. Aunque el incalculable compendio de muestras de apoyo y fraternidad que se han hecho a las familias de los 43 normalistas de Iguala resulte, sin lugar a dudas, un empuje inequívoco a no darse por vencido. Que la unión hace la fuerza, lo sabemos.

 Recientemente comenzó a aparecer por las redes la leyenda #IlustradoresConAyotzinapa. Este proyecto nació de Valeria Gallo con la intención de humanizar las cifras y dar rostros a los desaparecidos puesto que, señala, puede tratarse de algún conocido o familiar cercano, y cualquiera de nosotros podría verse envuelto en la vulnerabilidad de las circunstancias. Invitó a colaborar a Margarita Sada y otros colegas, se fueron esparciendo los resultados y a apenas pocos días de haber arrancado, ha sido acogido de manera satisfactoria entre la comunidad artística aludida con más de 200 aportaciones a la causa, y contando.

"Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista".
“Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista”.

 

"Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández".
“Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández”.

 La sensibilización que trae consigo el arte es, en ocasiones, difícil de expresarse con palabras. Como al ver un cuadro o una fotografía, es casi imposible traducir a la oralidad la cantidad de emociones que despierta y de ideas que evoca.

 Sucede justamente así. Es sobrecogedor cómo miles de voces claman aún por Saúl Bruno García, por Leonel Castro Abarca, por Cutberto Ortiz Ramos y por Alexander Mora Venancio.  Cómo personas que ni siquiera conocían a Carlos Iván Martínez Villareal o a Doriam González Parral exigen que se les regrese con vida a sus familias. Vivos se los llevaron y vivos los queremos.

 Porque para la reparación de esa realidad mencionada, no bastarán cientos de noches más que reflejen cambios significativos y poco podrá revertirse a como antes era. Porque a veces hace falta creer. Porque el mínimo gesto del prójimo, la empatía y el brindar apoyo sin que se pida, puede traer consigo una resonancia inconmensurable, como el aleteo de una mariposa. Porque son más de 43. Porque no es sólo México, es cada persona del globo que se solidariza con ellos. Porque ¿quién dijo que todo está perdido?

| Galería completa de #IlustradoresConAyotzinapa

"Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz".
“Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz”.

 

"Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos".
“Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos”.

 

"Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza".
“Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza”.

 

"Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero".
“Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero”.

 

"Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin".
“Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin”.

 

"Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral".
“Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral”.

 

"Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo".
“Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo”.

 

"Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres".
“Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres”.

 

"Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos".
“Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos”.

 

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

El almacén de la imagen: el cuerpo en la ilustración de Fernando Vicente

 Pensar en ilustraciones anatómicas es remontarse a los libros propiamente de medicina, en el que normalmente se explica la conformación de las estructuras internas del cuerpo humano típicamente representado por la figura de un hombre. La anatomía, o el estudio de los órganos y los tejidos, ha quedado estrechamente ligada al mundo de la medicina y de la salud.

Fernando Vicente, Human anatomy
Fernando Vicente, Human anatomy

 En la actualidad podría parecer incluso extravagante aquello que nos remita a la anatomía y que no se encuentre dentro de la esfera de la medicina. Sin embargo, algunos artistas contemporáneos han hecho uso de la anatomía para exhibir conceptos de belleza a través de una muestra del interior del cuerpo humano. El trabajo del pintor e ilustrador madrileño Fernando Vicente (1963) es un ejemplo del vínculo que existe entre la anatomía y el arte.

 El cuerpo ha sido un tema recurrente en la creación artística desde la antigüedad. Es claro que la concepción del cuerpo y sus formas de representación han cambiado a través del tiempo. Esta representación del cuerpo humano y las ideas que se tienen de él se han ido transformando según las necesidades y las mentalidades de diversas sociedades en diferentes épocas históricas.

 La manera en la que se expone el cuerpo, ya sea masculino o femenino, responde a ciertas ideas que se tienen con respecto al hombre y a su lugar en el mundo. El trabajo de Fernando Vicente es una muestra de la exhibición del cuerpo, propiamente femenino, en función de los ideales de belleza que se han planteado en el siglo XXI. Fernando pinta mujeres bellas en las que se exhibe su anatomía interna de una manera un tanto seductora, sin dejar de lado la naturaleza encantadora de la mujer. Así pues, su obra tiene como objetivo demostrar que la belleza puede observarse incluso dentro del cuerpo humano.

We are all the same inside; all you have to do is find that beauty. 
Fernando Vicente

 Fernando Vicente basa gran parte de su trabajo en las ilustraciones anatómicas del siglo XVIII y del siglo XIX y fusiona esa idea con la imagen de las modelos que aparecen en las revistas de modas. Así, la figura femenina que se presenta en los medios ilustrados y que generalmente propone un ideal de belleza se ve diseccionada para mostrar su cuerpo desde dentro. La belleza no sólo es lo que se ve por fuera, en apariencia, sino también es todo aquello que nos conforma por dentro.

 La relación entre el estudio de la anatomía y la creación artística puede ser vista claramente desde la época del Renacimiento, sobre todo a partir de los estudios anatómicos del pintor Leonardo Da Vinci. Durante el Renacimiento el arte voltea la mirada a la antigüedad clásica, por lo que las pinturas comienzan a tener temas de tipo mitológico. Resurgen las representaciones de Venus y el antropocentrismo resuena en las ideas que se ven fuertemente enmarcadas en el arte. El hombre comienza a ser la medida de todas las cosas.

 Durante este periodo, se inicia el estudio del cuerpo humano por medio de la disección, lo cual plantea una fuerte revolución a nivel epistemológico. En principio se estudia la estructura del cuerpo humano con el objetivo de mejorar su representación en el arte. Conocer  es perfeccionar. El estudio de la anatomía con fines artísticos impulsa a los artistas de la época a desarrollarse en la anatomía clínica. Enrique Flores menciona, en “El anfiteatro y la cámara oscura”, que para Leonardo Da Vinci (quien dedicó parte de su vida a los estudios de la anatomía) dibujar un cadáver era pintar un alma, esto es, la esencia de la anatomía es el arte. Por ello, abrir un cuerpo significaba no sólo la belleza de descubrirlo, sino también el horror de la carne expuesta y de la sangre derramada en beneficio del conocimiento.

 Los artistas del Renacimiento realizaban disecciones a cuerpos disecados para hacer ilustraciones del interior del cuerpo humano con el objetivo de mejorar la representación de éste en su quehacer artístico. Por otro lado, Fernando Vicente hace uso de las ilustraciones anatómicas ya existentes como base de sus representaciones del cuerpo femenino, para plantear un modelo de belleza que rompe con los paradigmas del tipo ideal propuesto en nuestro tiempo.

Fernando Vicente, Vanitas.
Fernando Vicente, Vanitas.

 En su serie Vanitas, por ejemplo, nos muestra mujeres que siguen entrando en el estándar de belleza (mujeres esbeltas, bien peinadas y maquilladas), pero al mismo tiempo las expone desde dentro. Incluso exhibe en tres de sus pinturas a mujeres embarazadas como una forma de representación no sólo de la belleza física de la mujer, sino también de la hermosura de su figura de madre, de creadora, de dadora de vida. Nos enseña pues, la belleza del embarazo en el sentido de cómo puede existir un cuerpo dentro de otro. Los músculos, los huesos y el sistema nervioso aparecen como eje central de la pintura anatómica de Fernando Vicente.

 La ausencia de sangre nos alivia del horror de pensar en la disección de la que se servirían los artistas del Renacimiento. La belleza, menciona Fernando, es sublime en su trabajo y se apoya de la idea de que ésta se puede encontrar incluso dentro del cuerpo humano.

Fernando Vicente, Materia Rosa.
Fernando Vicente, Materia Rosa.

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

 Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi
Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

  El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están  llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

 En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

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Capitán América al estilo Johnston

 En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

Kurt Cobain y Flea
Kurt Cobain y Flea

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

 En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

 En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Migrar: se vive, se escribe, se dibuja

“Así, un día, mi mamá puso sus cosas en una bolsa, nos tomó de la mano y dejamos nuestra casa.”

De vez en cuando (porque cuando no se quiere, el tiempo se cuenta de cuando en cuando), el espíritu de un niño se ve obligado a endurecerse, a no sentir, a no llorar. El cuerpo del niño tiene que migrar.

 Antes de asistir al destino obligado, los pies se encontraban desnudos, llenos de tierra con olor a semilla recién sembrada. Las bocas están tan rojas como una sandía joven y hermosa; y esas sandías se ríen a carcajadas porque la vida es verde. Los ojos sonríen y se mojan con el único propósito de dormir bajo aquella luz encargada de alumbrar los troncos oscuros.

 Migrar es un tributo, una memoria para todos aquellos que en el intento de ir a las grandes ciudades en busca de una sola oportunidad, desaparecen junto con la esperanza. Migrar es una consciencia latente, eterna

Este libro nos dice que alguien se acuerda de los que todos se olvidan, que alguien los quiere y los extraña. Nos repite que ellos tienen el derecho y la necesidad de ser recordados, “de existir”.

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 Llegado el tiempo, todo se termina. El campo muestra la otra cara. Aquel pueblo lleno de todo, se queda sin nada; poco a poco dejan de nacer niños porque las mujeres no tienen hombres. Los pies huelen áridos; en las bocas se seca la fruta; los ojos duermen obligados por tanto llorar.

 La esperanza les dice que afuera hay tierras fértiles, pero la realidad los golpea con el concreto. Una parte de nosotros muere cuando abandona su hogar.

 Saltar, correr, respirar hondo, ahogarse de cansancio deja de ser divertido. Finalmente, ya no se vive, se sobrevive.

 Todos somos lectores e ilustradores; la imaginación juega con el diseño de lo que se va leyendo. Aquí es diferente. Esta obra nos ofrece una lectura doble, cuya finalidad radica en complementarse una a otra. Por un lado, se narra con letras una historia rápida y triste sobre las desventuras de irse al otro lado, y por otro, se lee la misma historia con base en dibujos.

 José Manuel Mateo es un poeta, ensayista y cuentista mexicano, becario por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, así como doctor en Letras de la UNAM. Él estuvo encargado de relatar el testimonio de un niño arrancado de su hogar.

 Javier Martínez Pedro, es un artista de Guerrero que colaboró como ilustrador en este innovador libro, realizando su trabajo sobre papel amate, para que quede impregnada parte de la historia indígena que sobrevive sin que se escriba su historia.

“Por eso hicimos este libro, para no olvidar que las niñas y los niños migrantes existen y padecen…y también porque otra realidad reclama fuerte su derecho a existir.”

 Las letras, el dibujo, el papel y el corazón tienen un propósito en este título editado por Ediciones Tecolote.edic tecolote

 Esta editorial fue galardonada con el Premio “Nuevos Horizontes” en 2012 gracias a la publicación de esta obra. Migrar resulta una lectura obligada para todos.

Gabriela Granados: una visión infantil

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Ella es Gabriela Granados, es de México D.F. y trabaja como ilustradora desde hace diez años. Su ilustración va más enfocada al público infantil.

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Gabriela ha colaborado con editoriales nacionales y extranjeras, como MacGraw-Hill Nueva York.

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Trabaja con ilustración tradicional, que es la que se realiza a mano, Gabriela no trabaja en medios digitales, su técnica es utilizar acrílicos y acuarelas. Puedes encontrar su trabajo en cojines, tarjetas, fundas para ipod, ipad y laptops.

 

Conoce mas de Gabriela Ganados en http://gabriela-granados.blogspot.com­

 

 

6&Pico: Principio y muerte

La polarización de ideas y conceptos permean el sustento cultural y esencial de la vida de múltiples civilizaciones junto con su devenir histórico. Por la vida tenemos el principio de todo, incluyendo la muerte. Vida y muerte, como opuestos que se enfrentan, palpables de la imaginación y del pensamiento holístico de cualquiera y de todos. Vida y muerte como los opuestos más trillados, pero que no se olvide que a su vez son éstos consecuencia de otros incontables opuestos más.

Desde la trinchera de la ilustración, 6&Pico reluce su cobertura temática en diversos trabajos, que tal vez de primera impresión no se reconocen dentro de una hermandad técnica o conceptual, sin embargo en el trasfondo, las obras expuestas a continuación mantienen una relación inerte que en secreto mantienen como tal. Migraña, La Muerte también es fértil, Héroes, y Natividad son las cuatro ilustraciones de 6&Pico que resguardan una conversación mística entre sí, apalabrando en sus significados e inspiraciones cuatro opuestos de gran incertidumbre y recurrente para la humanidad: vida y muerte, y principio y fin.

Técnica digital 6&Pico 27x14cm
Técnica digital
6&Pico
27x14cm

Generalmente el final siempre se anuncia con una crisis, el caos o la decadencia: a diario muere algo, a diario mueren muchos, a diario muere algo dentro de nosotros. A razón biológica del cuerpo humano, éste posee células que se regeneran a diario, existen partes del cuerpo condicionadas al cambio y a la regeneración constante, aunado a que la enfermedad o el malestar del mismo vaticinan la transformación fisiológica del cuerpo de lo bueno a lo malo y viceversa. Migraña retrata la mutación constante del cuerpo, y trasluce la enfermedad como la improvisación burlesca de la impredecible llegada de la muerte. Migraña en palabras de 6&Pico es  la aparente destrucción de la materia por medio de la putrefacción”.

Técnica mixta sobre opalina 6&Pico 36x26cm
Técnica mixta sobre opalina
6&Pico
36x26cm

A paso desafortunado de la enfermedad, la muerte llega como culminación de ésta, pero la muerte no es punto final de algo o de alguien, es más bien renovación de un ciclo, del ciclo de los opuestos. En La Muerte también es fértil, 6&Pico pretende incorporarnos en la reflexión de la muerte vista como principio de algo, la fertilidad como simbolismo y cualidad no sólo de lo que vive, sino también de lo muere, fertilidad hambrienta de la renovación a beneficio o maleficio de aquello en lo que renace.

Técnica Tinta sobre cartulina 6&Pico 21.5x28cm
Técnica Tinta sobre cartulina
6&Pico
21.5x28cm

Continuando en el discurso gráfico de los opuestos, una de las ilustraciones de 6&Pico, Héroes, divaga en una fuerte carga conceptual con la ilustración científica. Héroes es la alegoría fantasiosa de la realidad e historia animal y por qué no, hasta del hombre mismo: en dicha ilustración los débiles se convierten en presas fáciles para la captura y supervivencia del más fuerte. La muerte es el arma del poderoso, y el principio de supervivencia de unos y el final de vida de otros. Los opuestos, antes aquí retomados, en la ilustración Héroes, se vitalizan en la perspectiva biológica, vista desde la interacción natural de la especie animal y como un reflejo de la interacción humana.

 

Técnica  tinta china sobre fabriano 6&Pico 44.5x29cm
Técnica tinta china sobre fabriano
6&Pico
44.5x29cm

Así, en Natividad, se reafirma el postulante conceptual de la ilustración pasada, ahora el simbolismo de la muerte y la vida, y el principio y el fin, cohabitan en una gráfica de aspecto escalofriante y esquizofrénico, gráfica que homogeniza los opuestos y se vuelve  un reto visual que cuestiona a los mismos.

De la enfermedad a la muerte, de la muerte a la regeneración, de la regeneración a la vida, de la vida a la fuerza, de la fuerza a la debilidad, de la debilidad a la enfermedad y de la enfermedad a la muerte, es así como todo se vuelve un ciclo que no descansa en su renovación circular. 6&Pico es la loa gráfica del ya descrito ciclo, y con sus ilustraciones nos envuelve calurosamente en el interminable debate de los opuestos y de los contrarios.

6&Pico; personajes y retratos

Ilustración reciente de 6&Pico De camino a la imagen, el trazo y el color han dado testimonio del otro y del nosotros, del que reconocemos y del que nos negamos; imagen y testimonio a semejanza del dialogo anónimo entre el artista y el espectador. El artista gráfico es el sujeto activo constructor de la memoria humana, constructor sin naufragios en el vacío y con el triunfo de la sensibilidad por destino. Dada la gran extensión de la memoria humana, cabe rescatar los diferentes modos de representación icono gráficos que la historia de la gráfica ha hecho del hombre mismo, del hombre otro y del hombre aquel; representaciones carcomidas por el dualismo y navegantes asiduos de la ambigüedad.

Técnica Acuarela 6&Pico
Técnica Acuarela
6&Pico

Aún nos quedan por relatar más motivos que razones de un colectivo apreciado y ya conocido de Chulavista Art House, aún nos  queda por indagar los impulsos de su memoria, las sensibilidades pábulo de su manifiesto artístico, y el dialogo que han iniciado desde el anonimato personal por lenguaje de sus ilustraciones; en fin, aún nos queda por rememorar más a 6&Pico.

Hoy las ilustraciones seleccionadas de 6&Pico van en dirección a persuadir en la reflexión del yo, del nosotros y de la antítesis de ambos. El retrato, la creación de personajes o la simple expresión gráfica del rostro y de la figura humana, han sido temas inagotables para el quehacer artístico del hombre, resulta tan primigenio hablar del lenguaje como cualidad reconocible de la especie humana, como también, hablar de la representación de sí mismo a través del dibujo como capacidad única de la misma especie.

Técnica; maderas contrastadas con acrílico 6&Pico De la serie; "Pérdidas constantes"
Técnica; maderas contrastadas con acrílico
6&Pico
De la serie; “Pérdidas constantes”

6&Pico sin mayor complicación, nos lleva con sus ilustraciones al ultimátum artístico para cuestionarnos de los anteriores temas ya mencionados. Los retratos y personajes de 6&Pico cobran inspiración de la banalidad y cotidianidad en la que se encuentran inmersos, inspiraciones de no mayor profundidad que de un espacio fácilmente compartido por muchos. Para satisfacer la moción artística de 6&Pico, basta con entender a diferente modo la mirada rutinaria al espejo, la comunicación imperceptible entre el uno y el otro en los encuentros urbanos y triviales, los recuerdos desprovistos  de la presencia imaginaria del invocado y aclamado aquél, y la razón o sin razón de la percepción auto mencionada de sí y por sí que cada humano, sujeto o individuo tenga por impresión de la figura o del rostro humano.

Técnica; Acuarela sobre papel de algodón 6&Pico 46x70cm
Técnica; Acuarela sobre papel de algodón
6&Pico
46x70cm

La versatilidad de los soportes es bien explotada por la creatividad de  6&Pico, la reproducción de una sola obra en varios de estos, difumina el sentido de sus ilustraciones desde varios aristas y significados. Los problemas diarios y constantes en las sociedades contemporáneas, dan vida a los rostros retratados por las ilustraciones de 6&Pico, mismas que resultan un espejo memorial e interrogante para todo aquel espectador en disfrute de su trabajo artístico.

Finalizando, en goce visual del trabajo que amablemente nos comparte 6&Pico, no podemos concluir o equidistar en un solo  y rígido significado que pueda distinguir entre el retrato o el personaje, la ilustración nos ha enseñado que ambos alternan connotaciones volátiles a sus diferentes momentos de anunciación. 6&Pico no concluye, en su contrario abre las puertas dialécticas para debatir a diferentes posturas la razón y motivación del personaje o el retrato, y en dado caso hasta la simbiosis de ambos. Lo que sí, es que algo está seguro; el retrato o el personaje son memorias gráficas en interrogante, reflexión y representación de lo memorable y cotidiano humano, y por tanto, del yo, del nosotros, del aquél y de los otros.

 

6&PICO; CUENTACUENTOS ILUSTRADOS

Ilustración 6&Pico Acuarela sobre fabriano
Ilustración 6&Pico
Acuarela sobre fabriano

Existen un mil realidades de lo terrenal, y por fortuna tenemos un millones de fantasías que nos ayudan a remendarla. Salvación de escenarios monocromos, personajes rutinarios y vigilias ordinarias, el cuento y los relatos han rescatado al ser humano del vacío, y de a mucho, la historia del mismo tiene más impacto por sus mitos imaginarios que por la crudeza y lo cotidiano de su realidad.

6&Pico. Ilustración digitalEl cuento no sólo ha sido de resguardo literario, el paso icono-gráfico de la memoria humana viste sus razones y conceptos en las prendas imaginarias de los cuentos y de las narraciones.

El cuenta cuentos ha sido de las profesiones más viejas en la historia del hombre; el cuenta cuentos como forjador de mitos, cohesionador del imaginario colectivo, el gritón de la disidencia, y el primer comunicador en masa antes que existieran los medios masivos de comunicación. Antes del cuento está la imagen, antes del cuenta cuentos está alguien a quién se pretende hacer oír lo contado. Desde siempre y en vida de hoy, la gráfica ha presumido de sus dotes de cuenta cuentos a calladas palabras y en gritos exhaustivos del trazo, la forma y el color.

No todos los cuentos gráficos son contados antes de ser ilustrados, apresurados por la imaginación icónica, 6&Pico trae para nosotros distintas series de micro-cuentos, historias y relatos ilustradas. En esta ocasión, de la serie “Microcuentos ilustrados”  6&Pico retoman en su quehacer una de las profesiones más viejas de la humanidad; el cuenta cuentos. La imagen primero que la palabra, y la fantasía primero que la realidad ilustran de magnánima calidad. . En breve los invitamos a conocer “Microcuentos ilustrados”, serie hecha sin previa inspiración literaria, fotográfica o de algún personaje.

“En su mundo de fantasía el cielo era el mar- por lo que ella sabía- era hoy el día, sí, el día de salir a volar en pez”.

Ilustración 6&Pico Acuarela sobre fabriano 50x60cm
Ilustración 6&Pico
Acuarela sobre fabriano
50x60cm

“En la oscuridad encontró la paz -si miras atrás la respuesta estará- su largo cabello eran olas de alta mar”.

Colores grafito sobre papel sintético
Colores grafito sobre papel sintético

“Al mirarse al espejo un rostro encontró, pero no era el suyo. ¿Entonces de quién?- se preguntó”.

Técnica mixta sobre fabriano 50x60cm
Técnica mixta sobre fabriano
50x60cm

Con una pequeña bocanada de imaginación, 6&Pico reluce por sus trazos, sus capacidades narrativas y temáticas más allá de la técnica, sus imágenes resultan un complejo de aventuras reflexivas para cualquier espectador y sale a resaltar su versatilidad de alcance, cualquier persona puede apreciar su trabajo y siempre encontrará elementos para adoptarlas, identificarse y reconocerse.

6&Pico; por y desde el placer de la Ilustración

Chulavista Art House A.C La Revista, se complace hoy en darles a conocer el programa de difusión y divulgación de arte contemporáneo mexicano “Somos Talento”, dicho programa aborda la necesidad actual de brindar espacios de difusión a aquellos artistas jóvenes mexicanos que empiezan a incursionar en diferentes manifestaciones de las artes visuales. “Somos Talento” escucha los gritos de artistas emergentes, que desde diferentes técnicas, temáticas y composiciones buscan expresar su trabajo artístico capaz de contar historias, sensibilizarnos y de reconocer al humano antes que al ser.

¿De qué tanta razón gozamos para contar historias? El ser humano es la única especie viva, aferrada a  documentar su paso en un enmarañado de historias compiladoras de sensaciones, percepciones y emociones. Verbigracia de aquello; es la construcción y trayectoria de las artes y la historia, de la historia y las diferentes vías de comunicación, de la comunicación y de los otros, de los otros y de la vida, de la vida y de la muerte. Reconocernos, recordarnos, memorizarnos, justificarnos, sensibilizarnos  e identificarnos, resultan premisas enaltecedoras y únicas de lo humano, por ello el arte no muere y en consuelo de la vida, hoy sigue siendo el día que nos recuerda cómo hacernos humanos.

logo6ypicoAbierta la invitación para incitarte a que hagas memoria de lo humano, y ávidos de contarte historias, hoy en “Somos Talento” te presentamos un colectivo de artistas gráficos mexicanos llamados 6&Pico, colectivo formado por seis jóvenes ilustradores insertos en la novedosa escena mexicana de la Ilustración. 6&Pico anuncia su  conformación desde el año 2012, desde entonces los seis integrantes reafirman su necesidad de manifestarse y reconocerse a través de la experiencia gráfica, misma que es  lucida de una calidad plausible de magnificas técnicas, temáticas y composiciones.

Lolbe, Andrés, Alina, Carlos, Rosario y Caro son los seis integrantes de 6&Pico, todos ellos egresados de la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas), misma que pertenece a la Universidad Nacional Autónoma de México, como el único plantel de nivel superior que exclusivamente está enfocado a la profesionalización de las  Artes Visuales, el Diseño y  la Comunicación Visual. 6&Pico integra su acervo creativo de trabajos con diversas técnicas de producción digital y tradicional, tales como acrílico, acuarela, scratch, grafito, prisma color, gouache, collage, modelado y la versión de éstas en ilustración digital. Estas técnicas son complementadas por su conocimiento, gusto y especialización en el diseño editorial, diseño gráfico, los soportes tridimensionales y la multimedia.

Ilustración hecha por y de los mismos integrantes de 6&Pico
Ilustración hecha por y de los mismos integrantes de 6&Pico

Como individuos cada uno tiene sus preocupaciones, inspiraciones y problemáticas favoritas, así como diferentes fortalezas y debilidades, gracias a ello nos complementamos y  tratamos de explotar nuestros diferentes talentos”; así es como los integrantes de 6&Pico se auto describen. 6&Pico incita en sus ilustraciones reflexiones insaciables de ser culminadas, desde lo imaginario hasta lo real, desde lo sutil hasta lo complejo, sus composiciones están nutridas de elementos propios de lo humano, humano que se deja ver en historias ausentes de palabras y urgentes de la gráfica armoniosa de la forma y el color.

6&Pico hace gala de su trabajo en Chulavista Art House, y desde hoy y por las presentes dos semanas próximas los invitamos a saciarse visualmente de su trabajo. Ojalá 6&Pico les incite más allá del deleite visual y comiencen, como ellos, a conocer y a convivir con la ilustración por y desde el placer.

Ilustración de 6&Pico, técnica mixta en homenaje al artista Otto Dix
Ilustración de 6&Pico, técnica mixta en homenaje al artista Otto Dix

Ely Ely, ilustraciones y contrastes

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Se llama Melissa Sánchez, es de Aguascalientes, México y con apenas 25 años de edad hace arte y plasma sus ideas de una forma diferente. Estudió en la Universidad Autónoma de Aguascalientes la licenciatura de Diseño Gráfico, y actualmente trabaja en una agencia de marketing.

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Melissa desde siempre le gustó dibujar,   ”cuando crecí y tuve internet me di cuenta de que no era la única, que incluso había personas que hacían cosas increíbles y yo quería como loca ser como ellos”, y al pasar el tiempo, con preparación y esfuerzo descubrió su estilo.

Ella conceptualiza sus ilustraciones a partir de frases que nacen de pensamientos, situaciones o canciones,  generalmente tienen un toque melancólico escondido, haciendo referencia a la muerte o a la desolación pero también al romanticismo y al enamoramiento, por lo que  al final su concepto es la mezcla de sentimientos  totalmente contrastantes.

 

Actualmente se encuentra  en el proyecto Periplo ,que es una mezcla de arte urbano y obra intervenida, en la que hace ilustraciones en gran formato sobre madera y las abandona en la ciudad para que tengan su propio viaje,  “vivan sus propias aventuras” y compartan el mundo de la ilustración.

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Conoce más sobre  el trabajo de Melissa en  Facebook y Twitter.

 

 

ORI TOOR, CREACIONES ALUCINANTES

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Ori toor, es una página donde podemos encontrar un sin fin de ilustraciones y vídeos alucinantes, los creadores de estar obras combinan ilustración con animación y muchos garabatos hipnotizantes, que dan como resultado vídeos muy interesantes. Esta por demás resaltar que todo el material audiovisual es creado con vectores sencillos y colores brillantes.
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Sus trabajos, los cuales simulan el movimiento de las lámparas de lava para crear paisajes, personajes y momentos únicos, son el rasgo distintivo de las creaciones de Ori toor. Este es uno de los videos únicos  y  que se pueden encontrar en su página oficial la cual te recomendamos visitar, www.oritoor.com

JORDI RINS; DECORACIÓN CON TIPOGRAFÍAS.

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El español Jordi Rins es un diseñador gráfico, director de arte y freelance,  el cual ha creado muchas cosas creativas he innovadoras. En su página de behance se puede encontrar una gran muestra de su trabajo, como la publicidad  de las paletas Chupa Chups y de la marca Adidas, entre otras cosas.

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Uno de los trabajos más llamativos que realizo fue el desarrollado para una tienda de comida vegetariana, la cual decoro únicamente con tipografías, mostrando que basta ser creativos para darle vida a un lugar.

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Jordi Rins utilizo  un fondo negro y plumones blancos para hacer las tipografías. Las palabras que plasmo en esas paredes hacen referencia a la temática de la tienda, es decir, ecología, agroecológia, verduras y productos de temporada. El diseño de Rins provoca voltear, ver y entrar a la tienda y saber de qué se trata. No hace falta una gran cantidad de cosas para poder decorar un lugar, con imaginación, pulso firme y una buena tipografía, cualquier lugar se verá increíble.

 

Para conocer más de su trabajo, da click aquí.

Pixar a la Pulp Magazine

Un grupo de ilustradores y dibujantes internacionales se reunieron para crear un proyecto de galería en línea con la finalidad de rendir un homenaje nostálgico a las pulp magazines o revistas pulp por medio del retrato de personajes o recreación de escenas famosas dentro de la cultura pop. Este sitio web se titula Planet Pulp y en él pueden encontrarse  imágenes de películas, caricaturas o videojuegos trazadas al estilo de dichas publicaciones, las cuales constituyeron un producto editorial de gran popularidad en América y Europa entre las décadas de 1920 y 1950.

Entre las creaciones de Planet Pulp se encuentran los personajes de las caricaturas de Hannah-Barbera y Nickelodeon, videojuegos como Zelda o cómics como Superman, el hombre de acero. Una de sus galerías más extensas es la conformada por una serie de dibujos inspirados en los personajes de Pixar Animation Studios, casa productora de largometrajes animados por computadora que actualmente ha realizado 16 producciones, de las cuales la más reciente es Monsters University, estrenada el pasado 21 de junio.

A continuación se presentan algunas piezas de la galería virtual que presentó Planet Pulp a partir de las películas de Pixar, sin embargo, es posible consultar ésta y otras ilustraciones en el sitio www.planet-pulp.com, según el staff, cada 30 días publican imágenes referentes a diversas temáticas.

The Cover, Adam Limbert.
Woody, Steven Dressler.
Boo and Sully, Ridd Sorensen.
Bob Parr, Nelson Dániel.
Strip “The King” Weathers, Ridd Sorensen.

Las revistas pulp eran una especie de cómics impresos en papel elaborado con pulpa de madera y encuadernados con pastas blandas del mismo material; su acabado no era de buena calidad, pero eso se traducía en bajos costos que se adaptaban al bolsillo de gran cantidad de lectores, quienes hicieron populares a estas publicaciones al seguir, entrega por entrega, las aventuras de detectives, vaqueros, extraterrestres o héroes fantásticos en escenarios exóticos, tal como apunta Armado Boix en el sitio web www.ciencia-ficcion.com

No me dejes nunca, un concepto diferente de la novela gráfica

Del caricaturista noruego
No me dejes nunca. Jason

Con la película de Woody Allen,  Midnight in Paris (2011), se recordó al París de los años 20 con sus artistas bohemios sumergidos en tabernas y fiestas. Esta misma época sirvió como escenario para el cómic del cartonista noruego Jason (John Arne Sæterøy), No me dejes nunca (2006), protagonizada por Ernst Hemingway, Scott Fitzgerald, Ezra Pound y James Joyce.

Representados como animales antropomorfos, los personajes principales, en vez de ser escritores, se dedican a dibujar tebeos. Cada uno vive sus dificultades, desde carencias económicas y problemas conyugales, hasta el deseo por ser genios reconocidos. Serán estas peripecias las que los lleven a robar un banco en conjunto. Sin embargo, un error inesperado los separará por el resto de la historia, dejando a cada uno en su propia versión del suceso.

Como toda la obra de Jason, No me dejes nunca se caracteriza por su minimalismo en tanto dibujo como diálogos, pero el ritmo, aunque pausado, ayuda al desarrollo de una lectura rápida y entretenida por su precisión. Nada falta, nada sobra. Las historias son redondas, los personajes definen su carácter en pocas escenas. Una constante melancolía, un humor sarcástico y una perenne soledad se asoman entre cada viñeta.

El trabajo de Jason es recomendado para quienes desean encontrar otra cara en las novelas gráficas distinta los héroes clásicos de DC o Marvel. Es en la pluma del artista noruego donde reside esta nueva opción de lectura, donde el heroísmo no es para quienes salvan la vida de otros, sino la propia.

Jason recibió el premio Eisner por No me dejes nunca, el cual es considerado como el Oscar de los cómics. Dicho premio le sería otorgado también en 2008 por Yo maté a Adolf Hitler. Comenzó su carrera como caricaturista en la revista Konk en 1981, en 1995 publica su primera novela gráfica Bolsillo lleno de lluvia. Su último trabajo fue Athos en América.

Viñetas de No me dejenuncas
Viñetas de No me dejes nunca

Viernes de Remixes: Se ve.

Tal vez no lo sepan, pero es casi seguro de que ya hayan tenido un encuentro casual con Disclosure o con Iamamiwhoami y no se hayan enterado. Ellos han estado prácticamente en el centro de la escena electrónica alternativa en los últimos meses: los primeros con tracks como White Noise y Latch, los segundos con increíbles vídeos que forman parte de un proyecto de arte audiovisual donde cambiaron la forma de interpretar el cómo ver la música (literalmente).

Estos artistas sobresalen por hacer sus proyectos toda una experiencia con ciertos elementos visuales, los cuales, los han distinguido creando todo un concepto, y si no los han escuchado, seguramente vieron por ahí:

Disclosure. El dúo británico utiliza la silueta de una cara a modo de máscara y también es la protagonista en la portada de su primer álbum: Settle, próximo a lanzarse en junio y en donde podrán encontrar la versión original del remix de Hudmo a “White Noise”.


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Mientras que Iamamiwhoami en su polifacética naturaleza ha transformado de diferentes maneras su físico en cada uno de sus videos donde cabe destacar la increíble ejecución de sus canciones, sobresaliendo “Y” remixeada por Moby.

 

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Transmisor en el MUNAL

José Guadalupe Posada el grabador, ilustrador y caricaturista oriundo de Aguascalientes, México tuvo en sus trabajos una crítica y evidencia de la desigualdad e injusticia social existentes en la sociedad porfiriana. Todas sus obras se carcterizaban por describir de manera muy original el espíritu del pueblo mexicano en los asuntos políticos, la vida cotidiana, el terror por el fin de siglo y por el fin del mundo; sin dejar de lado la magia, los desastres naturales y las creencias religiosas.

Siempre fue concebido como un artista popular, incluso, Diego Rivera lo consideraba el prototipo del artista del pueblo, así como su defensor. Desde el estallido de la revolución mexicana en 1910, hasta su muerte en 1913, trabajó arduamente en la prensa dirigida a los trabajadores.

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Tenía una especial habilidad en el grabado y una nueva técnica en ese entonces: la litografía. Además desarrolló nuevas técnicas de impresión, pues trabajó y fundó periódicos importantes.

Uno de sus trabajos emblemáticos es “La Catrina” originalmente llamada la “Calavera Garbancera”, mismo que se volvió un ícono debido a que él consolidó la fiesta de los muertos por sus interpretaciones de la vida cotidiana y actitudes del mexicano por medio de calaveras actuando como gente común.

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Por todo lo que llevó a cabo tuvo una gran influencia en artistas que le sucedieron como: José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez, entre otros.

Para conmemorar el centenario de su fallecimiento se llevarán a cabo eventos y exposiciones en diversos museos y centros de cultura en todo el país. Una de las más grandes es “José Guadalupe Posada: Transmisor” en el Museo Nacional de Arte, pues está compuesta por más de 230 obras. Éstas van desde pinturas, grabados y caricaturas hasta el trabajo de artistas posteriores a Posada.

Un grabado de Posada a cargo de Antonio Ruiz “El corcito“, otro de Juan O’Gorman titulado “El pulque“, un dibujo de Lola Cueto rotulado “En ultratumba” y David Alfaro Siqueiros con su “Zapata a caballo”, son algunas de las obras que se presentan en la exposición.

El recorrido está conformado por tres secciones que muestran el tránsito del autor y su obra a través del tiempo; desde sus inicios como grabador en la época porfirista, hasta su consolidación y mitificación dentro de la cultura mexicana.

Como actividad paralela de esta exposición, destaca un ciclo de cine en el que se proyectarán películas que tienen que ver con José Guadalupe Posada, como “Los caifanes” y “El Santo contra el hacha diábolica”.

Hasta el 16 de junio
Tacuba No. 8, Centro Histórico
Más información en el micrositio dentro de la página web del Munal. 

 

 

Gatos para la cena

El humor y la inocencia son lo que caracteriza el arte de Ohara Lane. En sus múltpiles facetas como: multinstrumentista, directora de arte, compositora, diseñadora de modas y autora de libros infantiles (entre otras cosas) ella ha sabido utilizar el humor como una de sus tácticas creativas más emocionantes. El estilo divertido de Ohara sobresale como ilustradora y artista gráfica, el innegable talento de esta chica originaria de Hollywood se refresca constantemente dando siempre un resultado que inevitablemente arranca una sonrisa.  Su más reciente obra no es la excepción y tiene como protagonistas a una serie de gatos personalizados en comida, siendo la representación perfecta de su personalidad polifacética; a veces infantil o a veces sarcástica pero nunca aburrida.

Chequen cada una de sus contrastantes obras en su página.

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

Artist illustrator Ohara Hale

 

Todas las imágenes son propiedad de Ohara Hale

Toro y Moi ilustra el sonido

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Uno de los artistas con más facetas es Chaz Bundick mejor conocido como Toro y Moi, un músico que en muy poco tiempo ha sabido sobresalir por su música y ahora también con sus ilustraciones.

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Con el lanzamiento de su tercera producción “Anything in return”, Chaz paralelamente también presentó dos exhibiciones de su trabajo gráfico en unas galerías de arte en Nueva York y San Francisco para las que seleccionó 15 dibujos acompañados con unos audífonos que reproducen una pieza auditiva creada especialmente para complementar esa ilustración con el fin de hacer de ésta una experiencia audiovisual muy interesante.

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Estos dibujos en específico no tienen relación directa con el arte de su nuevo disco, pues ésta en sí, es una actividad independiente que a veces se vincula a su carrera musical por medio de las portadas de sus discos que el mismo ha elaborado. Sin duda un chico eclético que no deja de sorprender en cada una de sus facetas.

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Arte disfrazado de ilustración

 

“Few facts – I draw…a lot, & chase animals in my slippers.”/”Pocos hechos – Dibujo muchísimo y persigo animales en mis pantuflas.”

 

Luke Dixon es uno de muchos artistas gráficos con el talento de plasmar mundos en un espacio en blanco. ¿Qué lo hace pasar al filtro de los artistas que marcan la diferencia? Su capacidad para llevar todas las ideas al mundo tangible, y la manera de lograr hacerlas accesibles. De origen inglés, el portafolios de Dixon contiene trabajos con una tendencia que más bien puede traducirse como fijación a dibujar rostros, muchos de ellos pertenecientes a figuras públicas, que van desde la cara de Jay-z y la Reina de Inglaterra, hasta el del actor Bryan Cranston, en su papel protagónico como Walter White, mejor conocido como -Heisenberg- en la serie estadounidense, Breaking Bad.

 

¿Qué lo hace divertido? La sátira implícita en sus ilustraciones y su fetichismo a los osos, quienes hacen honor al nombre de su proyecto, The Bearhug. más que un portafolios, Luke prefiere llamarlo “outlet”, ya que en el sitio web de este sujeto talentoso uno puede encontrar posters, impresiones originales, playeras y bocetos de todo su trabajo, a partir de £15.00 (poco más de $300.00 pesos mexicanos), disponible en línea a través del sistema PayPal.

 

 

 

Meet Luke Dixon / Conoce a Luke Dixon

Meet Thebearhug/ Conoce The Bearhug

 

Adam Cruft y la ilustración.

Por Eunice Suárez SUREVI.

 

La inspiración viene de todos lados, llega mientras se está en el insoportable tránsito de la ciudad, mientras uno espera el metro para volver a casa, viene igual de las alcantarillas e incluso de la cocina. Llega, simplemente está ahí y cuando no se le deja escapar, puede dar grandes resultados.

Por encargo o como proyecto personal, Adam Cruft, ilustrador londinense, ha ido coleccionando rostros en papel. Son expresiones y acciones que combinadas con ese característico estilo al ilustrar, generan en el espectador cierta incertidumbre que resulta difícil explicar, pero que es captada de inmediato.

Trazos contundentes y precisos, líneas y puntos que detallan la expresión del rostro conviven con manchas que le dan vida a la vestimenta de sus personajes. Se logra que la minuciosidad y la espontaneidad se unan a través de la mezcla de técnicas.

Adam Cruft ha logrado consolidar con el paso del tiempo un estilo con el que no solo habla de él, sino que también deja al descubierto un efímero fragmento de aquellos que sirven de modelo, permitiendo conocerlos por un segundo. Detenerse a observar, en eso radica gran parte de la genialidad de Cruft.

No importa el lugar, no importa la persona, sino el empeño en ver más allá y tratar de imaginar aunque sea por un momento la vida de los demás, porque nadie es ajeno al caos que les rodea.

 

Para más información sobre Adam Cruft, da click aquí.