Swing a la colombiana

 

 

Poca música colombiana llega a México, a pesar de que en esas tierras también hay proyectos de calidad. Una de esas bandas es Monsieur Periné, una propuesta fresca e interesante que mezcla a la perfección la música tradicional colombiana con la canción francesa.

Tras cuatro años de pisar diversos escenarios, Monsieur Periné lanza su primer álbum en junio de este año: Hecho a mano, un disco que no puede pasar desapercibido, en el que se incluye un cover a una de las mejores canciones mexicanas: “Sabor A Mí” de Álvaro Carrillo.

Monsieur Periné hará una pequeña gira en México desde los últimos días de agosto hasta mediados de noviembre en recintos como el Teatro Banamex, Caradura, RMX y el Auditorio BlackBerry. Como una muestra de lo que es la música de Monsieur Periné, dejamos el audio de  “La Muerte”, el segundo sencillo de Hecho a mano; así también el audio de “Sabor A Mí”, una de las mejores interpretaciones de esa canción:

Originally posted 2012-07-24 16:30:15. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: Nocturna

Cuando los aspirantes a estudiar carreras que tengan que ver con animación comienzan a buscar opciones para comenzar su travesía en este medio, y de paso se interesan en expandir sus horizontes y probar suerte en otros países, seguramente en algún momento se encontrarán con la propuesta de un país que conocemos bien: España. Hay quien dice que existen muy buenas escuelas y una gran industria de animación en la madre patria, y aunque personalmente no he tenido la oportunidad de constatarlo, me ha quedado claro que este país es capaz de producir grandes proyectos de enorme calidad como el que a continuación cito.

 nocturnaNocturna (Nocturna, 2007) es una producción española-francesa dirigida por Adriá García y Víctor Maldonado que nos cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que tiene un enorme miedo a la oscuridad. Todas las noches, antes de dormir, este niño se acomoda cerca de una ventana y contempla una distante estrella que él ha adoptado como suya; al mirarla, sus temores desaparecen al sentirse acompañado y protegido. Desafortunadamente y para su sorpresa, una noche la estrella simplemente desaparece, obligándolo a indagar al respecto. Su investigación lo llevará a conocer una verdad oculta, el grupo secreto de Nocturna encargado de hacer que las noches sean como deben serlo.

 Desde extraños seres que producen el rocío matutino, empleados que se ocupan de los sonidos nocturnos, otros que se ocupan de los sueños; cada aspecto de la noche es reflejado como una compleja producción industrial. El niño conoce entonces al Pastor de Gatos, un ser encargado de reunir a los gatos para que maúllen a la luna, y es así como su amistad nace y pronto termina siendo ayudado por él. El niño y el pastor buscarán en los confines de Nocturna para resolver el enigma de las estrellas desaparecidas (porque cada vez desaparecen más y más) envolviéndose en una fascinante pero peligrosa aventura.

 La animación 2D es elegante y encantadora, ejecutada con verdadera maestría y con una paleta de colores fríos y oscuros que en verdad nos sitúa en el ambiente apropiado para la historia. La música cumple con crear una atmósfera mágica y en general el trabajo de audio es sorprendente. Es curioso cómo las voces españolas (que a veces no son del total agrado del mexicano) están muy bien ejecutadas dándole a cada personaje su propia identidad e incluso les dan clase. Es maravilloso ver cómo se ha creado un mundo que combina la fantasía y la magia con una organización como cualquier otra, una verdadera muestra de ingenio adulto y espíritu infantil trabajando en armonía.

Credit: FILMAX / Album

Estamos acostumbrados a la animación americana y oriental, a veces llegamos a olvidar que hay joyas en otras partes del mundo y es un completo placer encontrarse con estas más que agradables sorpresas. Nocturna es una película dirigida a los niños, pero ejecutada con tal maestría y amor que llega al corazón de los más grandes.  No es difícil de encontrar a la venta o incluso por internet, así que si tienen la oportunidad de verla, háganlo y descubran porque el continente europeo se ha ganado su lugar en el mundo de la industria animada.

Originally posted 2015-01-22 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Las damas de Trianón

Por Dann

@Gibbsteak

 

El Gran Trianón fue erigido por Jules Hardouin Mansart en 1687 en el emplazamiento del “Trianón de Porcelana” que Luis XIV ordenó construir en 1670 para poder huir de la Corte.

En él, Luis XIV, alojó a su cuñada, la Princesa Palatina, a su yerno, el Duque de Chartres, y a su hija, la Duquesa de Borbón. María Antonieta celebró en él algunas representaciones. Posteriormente, Napoleón ordenó su restauración, y llegó a alojarse varias veces en él con su esposa la Emperatriz María Luisa. Fue hasta 1963 que el General de Gaulle decidió rehabilitar el lugar para recibir en él a los invitados de la República y organizar en el Ala Norte, conocida como “Trianon-sous-bois”, una residencia del Presidente de la República y un sitio popular, visitado por turistas.

Ahora se exhibe en él Las Señoras de Trianón, una exposición que ha recopilado retratos a lo largo de más de 300 años, desde retratos de la reina María Teresa de Austría, – pasando por María Leszczynska y Maria Antonieta-, hasta la emperatriz Eugenia. En la exposición se convoca a todas las mujeres de la familia real o imperial (madres, hermanas, hijas y nietas) además del retrato de la duquesa de Borgoña, madre de Luis XV. Se expondrán el de Paulin Borghèse, hermana de Napoleón, o los de Clèmentine y Marie, hijas de Luis Felipe. También estarán represantadas las favoritas reales, como las Marquesas de Montespan, de Pompadour y Du Barry, y las princesas, tales como la Señora Palatine, cuñada de Luis XIV.

La Marquesa de Montespan

A estas célebres  mujeres se sumarán otras figuras menos conocidas, damas de la corte real o mujeres al servicio de las soberanas, como la Señora de Lamballe, dama de compañía de María Antonieta, o la Señora Campan, su sirvienta.

María Leszczynska

 

María Antonieta

La exposición estará hasta el 7 de octubre, en el que se abordarán más de tres siglos de historia y se podrán apreciar, simultáneamente, la evolución de la moda y la del retrato, gracias a las obras realizadas por Gobert, Rigaud, Nattier, Gérard, Gros y Winterhalter.

 

Originally posted 2012-08-02 16:00:01. Republished by Blog Post Promoter

No Ficción: Deportistas En Cannes

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Podría decirse, a juzgar por la selección de documentales de la edición 2013 del Festival de Cannes, que los documentales acerca de deportistas están de moda.

Hace algunos años, Senna (2010) conmovió a los críticos del festival con la trágica historia del piloto de Fórmula 1 Ayrton Senna. Se los dejamos por si no lo han visto.

http://www.youtube.com/watch?v=ROGSYJPOE2M

Este año se presentan dos cintas que giran alrededor de la vida de un atleta.

Weekend Of A Champion es una cinta de Roman Polanski que había permanecido archivada por varias décadas. Se trata de un seguimiento al campeón de Fórmula 1 -y amigo de Polanski- Jackie Stewart mientras se prepara para competir en el Gran Premio de Mónaco de 1971. El documental muestra una versión del máximo circuito de carreras automotrices muy distinta a la actual, en la que existía más libertad pero también los pilotos estaban expuestos a muchos más peligros. Bienvenidos a la era del Viejo Oeste en la Fórmula 1.

Estrenada en el Festival de Cine de Berlín en 1972 pero nunca distribuida, esta película fue revivida por el realizador polaco luego de que los estudios que guardaban el material le notificaron de su existencia. Como bonus, Polanski añadió una nueva secuencia en la que él y Stewart regresan a Mónaco cuarenta años después para reflexionar en los sucesos del film.

El otro documental retrata la vida, nada más y nada menos que del futbolista más famoso de todos los tiempos -con permiso de Diego Armando Maradona-: el “Rey” Pelé.

Del realizador Brian Grazer, Pelé recorre el ascenso al estrellato del futbolista brasileño, quien ayudó a la selección nacional de su país a ganar los mundiales de Suiza 1954, Chile 1962 y México 1970. Además, la cinta incluye una mirada a la vida personal de Pelé y a su tránsito de la pobreza y el anonimato a la prosperidad y la fama mundial. Una verdadera primicia, dado que su estreno en salas está programado para el próximo año, cuando se celebre la copa del mundo en Brasil.

 

Una mención aparte para una obra de ficción que completa la terna de las películas con temática deportista que se presentan este año en Cannes: Muhammad Ali’s Greatest Fight es la impactante historia de la batalla que el emblemático boxeador libró fuera del ring -además, claro, del Mal de Parkinson-. En 1967, el antes conocido como Cassius Clay enfrentó un proceso judicial en su contra por negarse a combatir en la Guerra de Vietnam. Con excelentes entrevistas que proveen el contexto histórico del suceso, esta cinta captura mucho más que el proceso de un hombre: es un retrato de los clamores, las controversias y los conflictos políticos que movían al mundo en la agitada década de los sesenta.

 

 

Originally posted 2013-05-30 20:46:59. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: El Secreto de Kells

 Aunque aún faltan un par de cintas de animación mexicana por mencionar (las que están próximas a estrenarse) , creo que es conveniente comenzar con esta nueva sección para dar un poco mas de frescura y que un servidor tenga oportunidad de analizar con mayor profundidad las cintas faltantes, (de las cuales he de admitir), se muy poco en este momento.

 En esta ocasión abro la sección Animación Universal, en la cual hablaré de cintas de animación extranjera que quizá no sean muy populares pero que tienen índices de calidad muy buenos y merecen ser conocidas. La distribución nula o escasa de varias de ellas es una gran limitante, por lo que es probable que no se encuentren con facilidad los títulos aquí mencionados. Pero créanme que si lo logran, no se arrepentirán.

 Hoy les hablaré de una película que a pesar de su estilo sencillo en 2D resulta ser un verdadero éxtasis para los amantes del cine, las historias mágicas y la animación. Se trata de la co-producción Belga-Irlandesa-Francesa, El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009). La película dirigida por Tomm Moore y Nora Twomey, quienes unen esfuerzos con la empresa Cartoon Salon. Resulta ser una historia entrañable, con tintes de cuento infantil pero lo suficientemente madura para llegar a los corazones del público adulto.

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 La trama consiste en la aventura de Brendan, un niño que vive en una ciudad controlada por su tío, el Abad Cellach, quien con el afán de proteger a su pueblo ha mandado a construir una gran muralla alrededor de la ciudad y de esa forma aislarlos a todos de los peligros del exterior (siendo un ataque vikingo el mayor de ellos). El niño no muestra deseos de ir más allá de los establecido hasta que conoce al monje Aidan, un sobreviviente del ataque de los vikingos que llega portando un antiguo manuscrito incompleto del legendario libro de Kells.

 Al conocer a Brendan, Aidan queda convencido de que el muchacho es el único que puede ayudarlo a terminar el manuscrito sagrado puesto que él poco a poco va quedando incapacitado para hacerlo. Brendan queda fascinado con la misión; sin embargo, ayudar a Aidan representa desobedecer las órdenes de su tío en todo sentido, lo que lo llevará a aventurarse al misterioso bosque donde conoce a Aisling, un espíritu guardián del bosque. Y eventualmente, a enfrentar no sólo a los vikingos, sino a un horror que ha estado oculto por mucho tiempo.

 La premisa es muy atractiva y recurre a diversos elementos interesantes de la mitología irlandesa y celta. La animación aunque de carácter muy caricaturesco está magistralmente lograda, los personajes expresan mucho, hay fluidez en sus movimientos y es muy fácil identificarse con ellos.

 La paleta de colores es muy agradable a la vista, es un estilo verdaderamente hermoso y artesanal que le va perfecto a una trama como esta. Es impresionante como cada detalle está hecho enteramente en 2D haciendo uso nulo de otros estilos que en producciones similares se ha recurrido para facilitar el trabajo. Asimismo, el carácter surrealista de algunas escenas, jugando con las perspectivas y los escenarios es grandioso, además es un riesgo que la producción tomó y superó con creces, ya que considero que en otras manos pudo quedar como un espectáculo caótico y extraño que hubiera desesperado a más de uno.

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 Quizá el único “pero” que pudiera ponerle a la cinta es que me habría gustado que se desarrollara más la relación entre Brendan y Aisling. No consiste en una relación romántica, pero sí en una amistad pura y tierna entre un niño humano y un ser mágico del bosque que, aunque si tiene continuidad, es poco lo que vemos al final. Puede ser que los directores lo vieran como un detalle menor, o que quisieran dejarlo a la imaginación del público, que son buenos argumentos pero personalmente me habría parecido un gran detalle indagar un poco más en ello.

 Fuera de eso, la película es una joya de la animación en todo sentido y si no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una historia que nos muestra el valor de la amistad y la determinación: cómo el tratar de sobreproteger algo de forma fanática y que pueda llegar a ser contraproducente. Como algo tan simple como hacer unos cuantos dibujos puede ser la diferencia y puede ser la respuesta a aquello que estamos buscando.

Originally posted 2014-07-14 00:24:02. Republished by Blog Post Promoter

Arthur Rimbaud: Qué NO hacer en caso de ser un poeta

(NO) conservar la calma: la tinta es un océano que se antoja indomable, intempestivo; cabalga a discreción pero jamás en silencio. Gira la luna alrededor de los nombres, y es su luz un faro contra la nostalgia. Identifica el origen de las llamas. Acércate. Más. Más. Un verso más. Sí, tenías razón: la poesía dinamita el mundo.

Es poderosa la voz cuando se le acompaña con música; el canto hilvana las letras. Vocal, CONSONANTE, vocal, consonante, VOCAL, consonante, y cobra ritmo la palabra: Rimbaud, Arthur. Los nombres nacen de cabeza; el poeta a los quince años. Francia es madre de la poesía maldita. Francia es madre de la poesía maldita.

Francia es madre de la poesía maldita.

Maldita poesía.

Maldita, Francia, estás llena de poesía.

Tratar de apagar a un hombre es inútil.

Arthur Rimbaud engarza las palabras después de muerto, nos conduce al desasosiego de lo increíble; juega con la voz de sus manos. En 1869 compone versos en latín y gana un certamen académico con presumible facilidad. A los quince años, Rimbaud ya planeaba librarse del domicilio que nadie le preguntó.

(NO) incurrir en el crimen del extintor: alimenta el fuego de tus entrañas hasta volverlo palabra entrañable. Arthur leía a escondidas Los Miserables de Victor Hugo por temor a las represalias de su madre, Vitalie Cuif; y qué nos importa. Valioso es no ceder al embate de la restricción siempre a destiempo. Finalmente, Rimbaud escapó de casa a los 16 años: se arrojó a soñar.

 

Arthur Rimbaud en 1871

 

(NO) solicitar el auxilio del mundo: la aprobación del resto es un tronco que se nos viene encima, y no hay caso: son astillas innecesarias. La ayuda arribará en su justo momento. Georges Izambard, Paul Verlaine, Victor Hugo, Charles Cros y André Gil son tan sólo algunos de los personajes que convidaron su ayuda a un poeta damnificado.

Durante sus más de tres fugas de casa, el poeta asume un motivo político. El entorno sociopolítico de la Francia de siglo XIX determina el cantar poético de un errante navío de carne y hueso. Para entonces, su admiración por Charles Baudelaire ya es innegable. El niño muda el patio de juegos en páginas grabadas con insomnio. No se detiene.

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(NO) temer a la desazón de un beso: los labios, esa mayúscula felicidad y desdicha, describen a las personas que cruzan por nuestro camino. Tienen memoria propia. Rimbaud se enamora de Paul Verlaine. Verlaine viaja junto al chiquillo por Londres y Paris. Juntos, sortean los pensamientos de un niño mayor o un hombre inmaduro mientras se toman de las letras, y así, entrelazados en su delirio, ambos terminan recluidos en su propia distancia. El amor no fue culpable.

RIMBAUD

 

(NO) resignarse: en exactas palabras, Rimbaud señaló alguna vez que “el poeta debe hacerse vidente a través de un razonado desarreglo de los sentidos”, su filosofía es lapidaria: el verdadero poeta es indómito, y jamás será de rodillas un arropado entre el resto. Ahora lo saben, el próximo 10 de noviembre se sumará un año más al ficticio deceso de poeta parisino. Finado a los 37 años, su poesía arde todavía. No se salven nunca mujeres y niños.  Arthur Rimbaud aún canta. Soñar nos mantiene despiertos.

 

 

Originally posted 2013-11-04 19:54:29. Republished by Blog Post Promoter

¡Únete a la Fiesta de la Música!

El próximo fin de semana tendrá lugar una celebración propicia para amanecer cantando y bailando al aire libre y al ritmo de, prácticamente, todos los géneros musicales. Esta es la fecha precisa para una festividad que ofrece diversidad sonora hasta que el sol decida volver a asomarse, lo mejor de todo es que los madrugadores no tendrán que esperar demasiado para ese momento ¿de qué se trata? De la Fiesta de la Música (La Fête de la Musique).

Cada 21 de junio ocurre el llamado solsticio de verano, es decir, el hemisferio norte de la tierra se inclina hacia el sol y con ello se transita hacia la estación ya citada; debido a este fenómeno natural, tal fecha se produce la noche más corta del año, misma que en 1982 fue tomada como pretexto por Jack Lang, entonces ministro francés de Cultura, para celebrar una fiesta hasta el amanecer, desde entonces se llevó a cabo La Fête de la Musique.

Según El sitio oficial de Francia ( www.france.fr ), dicho evento tuvo como finalidad mostrar el talento del pueblo, ya que en la fecha mencionada el Ministerio de Cultura de Francia constató que cinco millones de franceses tenían talento musical, por tal razón, surgió la idea de salir a las calles a compartir las notas, los cantos y, por qué no, la danza.

Tradicionalmente, esta fecha se celebra con un día completo de conciertos gratuitos y, de ser posible, al aire libre. Así mismo, es un festival que contribuye a la promoción del arte sonoro y la creación de nuevas tendencias musicales a partir de fusiones entre los diferentes géneros, lo cual constituye una especie de intercambio cultural.

La Fête de la Musique fue considerada como una de las festividades francesas más populares, pero su alegría hizo que se extendiera a nivel internacional en 1985, fecha recordada como el Año Europeo de la Música, de manera que actualmente se celebra en más de 100 países, entre los cuales destaca México, por tanto, el próximo viernes 21 de junio, varias sedes culturales del Distrito Federal y el interior de la República abrirán sus puertas a músicos profesionales y amateurs para que hagan gala de su talento sin importar el género que interpreten.

La fiesta es organizada por la Alianza Francesa Ciudad de México y algunos de los espacios donde se llevará a cabo esta fiesta serán las Alianzas Francesas Centro Polanco y San Ángel, el Antiguo Palacio del Arzobispado, el Centro Cultural Casa Talavera, el Museo de Arte Popular, el Centro Comercial Plaza Loreto, la Fonoteca y la Cineteca Nacional entre otros, puedes consultar el programa en el siguiente link:

https://www.dropbox.com/s/ceabm7zf3j8m3nn/Programaci%C3%B3n_Fiesta_de_la_M%C3%BAsica_2013.pdf

Originally posted 2013-06-20 18:18:32. Republished by Blog Post Promoter

Impresiones francesas, sobre la comida mexicana: La Torta

La traditionnelle:

 Cette semaine, nous changeons du mais (voir l’article sur le tacos) pour nous pencher  sur la torta. La photo peut vous sembler familière, ça ressemble à quelque chose que l’on connait bien: le pain !

 On tranche en deux, et on aujoute ses combinaisons au choix. Tout comme le tacos, l’originalité est infinie. On joue sur la viande, le fromage, les sauces, les légumes frais et on peut la recouvrir de sauce jusqu’à la paraitre noyée ce qui donnera une torta ahogada.

Torta de la calle - San Miguel de Allende

 Commençons par le pain. C’est un petit pain de forme ovale, avec beaucoup de mie appellé “bollilo”. Très peu cher, on peut le dénicher à 1 peso dans les supermarchés. Ensuite, on peut se tourner vers une torta plus ou moins garnie selon son appétit. Pour la classique de l’en-cas du matin de 10h30, on choisira une torta à base de jambon. avocat, tomate fraiche, et un peu de mayonnaise.

Torta de la calle: viande hâchée, pomme de terre, carottes, salade , fromage et sauce tomate.

 Si on a très faim à l’heure de la comida vers 14h, on se jettera sur une torta cubana fourrée avec 7 variétés de viande: saucisse, steak, milanesa -viande panée-, cuisse de poulet et autres surprises. On ajoute du fromage de Oaxaca, du queso amarillo (littéralement, “fromage jaune”) et on dévore ! Bien sûr on arrosera de citron et salsa picante avant dégustation.

Torta ahogada

Tout comme le tacos, la torta se savoure dans des lieux plus ou moins chics. On peut se détendre dans un petit restaurant de rue, installée à une table en extérieur. A l’opposé, on peut aller jusqu’à essayer une torta revisitée dans un restaurant chic de Polanco.

Torta ahogada: le pain est recouvert de sauce tomate, le rendant plus moelleux.

La liste des variétés de torta est longue, se déclinant en spécialité selon les lieux où on la goûte. On la mange à tout heure, tout au long de la journée comme un tamal. Vous ne savez pas encore ce que c’est ? Un en-cas qui remplirait n’importe quel estomac, fait à base d’une polenta de mais. Il vous attend pour la prochaine semaine.

 

 

 

Originally posted 2014-03-28 01:09:05. Republished by Blog Post Promoter

Algo más que simple trova…Músicos y músicas

¿Escuchas eso? Sí, ese sonido tan bonito de cuerdas: cuerdas punteadas por una misteriosa melancolía, arpegios, rasgueos y oportunos silencios; la voz de una señorita guitarra que da un abrazo sonoro al canto del trovador.

En la Edad Media, en Francia, los trovadores surgieron como músicos de la corte que interpretaban canciones de su autoría. Sus letras estaban dedicadas a la mujer inalcanzable.

trovador

Desde hace algunas generaciones, en las secundarias y preparatorias, no falta el joven que toca la guitarra y canta las bellas canciones de Silvio Rodríguez o algún otro trovador conocido. Generalmente, tampoco falta la muchacha que suspira sólo de ver al joven intérprete.

Hoy en día, la esencia de la trova sobrevive, sólo que esa mujer inalcanzable en ocasiones se viste de madre, de infancia, de patria o de la vida misma; otras veces, simplemente es una hermosa mujer, musa del hombre que sabe decir bellas palabras en compañía de su gran amiga, la guitarra. Ese hombre que se vale de la poesía y de la música para aflorar su sensibilidad y percepción de la vida.

Cuando uno se acerca a la trova actual, puede ver que su sonoridad y su poesía caminan de la mano y van más allá de un querer llamar la atención de una o varias mujeres. Con el paso de los siglos, la trova ya no es sólo una canción dedicada a un amor platónico, el trovador también reflexiona sobre sí mismo y sobre el mundo. Víctor Jara nos canta en “Manifiesto”:

<<Yo no canto por cantar
ni por tener buena voz
canto porque la guitarra
tiene sentido y razón…>>

Si se analiza la letra completa, podemos ver que el trovador del siglo XX es humilde, sufridor de las desgracias de su pueblo, romántico soñador, esperanzado a que el amor llegue a su vida. Y no precisamente el amor de una mujer, como lo han aclarado varias veces los mismos autores: Juan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez, David Haro y Carlos Varela, por mencionar algunos. Sin embargo, muchas canciones se malinterpretan. Claro que éstas pueden dedicarse a una dama, pero en realidad es una manera de disimular la verdadera dedicatoria y así evitar la censura de la obra.

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Los trovadores llegaron desde Europa a Sudamérica como parte de las tradiciones que trajeron los españoles. De ahí que el trovador latinoamericano refleje en su arte el dolor tan inmenso de quedar despojado de lo propio: su guitarra llora las historias que el cantor entona, el trovador hace retratos de todo lo que pasa a su alrededor y expresa en ello su sentir.

Cuando tomamos en cuenta lo anterior, toda canción se escucha diferente y todo cantor se mira de otro modo. Se puede elegir mejor lo que se canta a la joven enamorada, a la madre, a la patria o a la vida misma. Hacer que la música nos muestre de manera sincera y noble ante el mundo, se vuelve alcanzable.

¿Escuchas eso? Sí, ese bonito sonido de cuerdas punteadas por la mano de una voz de suave brisa alentadora. Trova hermana de la poesía. Cancioncita de color cálido que abraza nuestras almas, que perfuma nuestro aire con su sabor a tierra de la que brota el amor que un día nos dio a luz.

Originally posted 2013-11-18 14:03:51. Republished by Blog Post Promoter

Festival Internacional de Cortometraje Clermont-Ferrand

Como parte de su muestra, el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) presentó una selección de cortometrajes integrantes del Festival Internacional de Cortometraje Clermont-Ferrand en Francia.

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A story for the Modlins de Sergio Oksman

Mud Crab (Australia, 2012) de Igor Coric y Sheldon Lieberman es un cortometraje de animación que, a través de un acto cotidiano como el atrapar un cangrejo, llevará al pequeño Spike a cuestionarse sobre las actitudes y las resoluciones de los mayores (papá, mamá y hermanos). El cortometraje fue realizado con una animación que podría rayar en lo simple: dibujos infantiles en blanco y negro y que tienen como elemento esencial la voz humana que añade la dimensión realista de la concepción de los niños ante el mundo adulto.

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Mud Crab de Igor Coric y Sheldon Lieberman

A story for the Modlins (España, 2012) de Sergio Oksman contiene una propuesta narrativa atractiva que tensa los limites entre el documental y la ficción: a través de fotografías y material de archivo, voz en off y una pieza musical, Oksman cuenta la historia de Elmer Modlin, un actor segundón de Hollywood que incitó a su esposa e hijo a encerrarse por 30 años en un departamento en España. La sencillez con la que es resuelto este cortometraje atrapa al espectador: una historia bizarra, condimentada con elementos aún más extraños, misteriosos, casi escabrosos que demuestran que no hay limites en las formas de creación.

Una furtiva lagrima (Estados Unidos, 2012) de Carlo Vogele. Bastan tres minutos para presentar una historia solida, lúdica, con una animación sobresaliente. ¿Alguna vez nos hemos preguntado cómo es la vida del pez que sabe estar destinado a ser freído en aceite hirviendo? Vogele responde y combina el dramatismo y la comicidad.

Mademoiselle Kiki et les Montparnos (Francia, 2012) es un cortometraje de animación biográfico dedicado a Kiki de Montparnasse, la musa de principios del siglo XX que fue la inspiración de artistas renombrados. Con un recorrido lineal desde nacimiento hasta sus días como celebridad, la directora Amélie Harrault presenta un trabajo audiovisual sobresaliente e impecable con una animación pocas veces vista que diluye escenarios y colores, el trazo suave del lápiz y las facciones marcadas de esta diva francesa y los personajes que la rodearon.

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Mademoiselle Kiki et les Montparnos de Amélie Harrault

Lisboa orchestra (Francia, 2012) de Guillaume Delaperrière es una clara referencia a Historia de Lisboa de Win Wenders: las calles, la gente, lo cotidiano, las experiencias, todo traducido a sonidos que arman el himno de un lugar plagado de recuerdos y nostalgias. Desde un ciego en el metro hasta un afroamericano que rapea en portugués, Delaperriére hace un ensamble imagen-sonido para presentar una melodía multifacética y colorida, rítmica, alegre.

Penny Dreadful (Estados Unidos, 2012) de Shane Atkinson tiene algo que recuerda las posibilidades de crear historias a través de personajes bien estructurados, situaciones hilarantes y giros inesperados con una única premisa: debemos secuestrar a Penny, una inocente niña de 10 años, ¿qué podría salir mal? Atkinson se coloca dentro de la ficción para armar un esqueleto cinematográfico que gusta, sin caer en los clichés de la comedia y el drama más patético. Nada podría salir mal, a menos que combines una pistola, un secuestro y la promesa de comprar una hamburguesa con una malteada.

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Penny Dreadful de Shane Atkinson

Entre la animación, el documental y la ficción, estos cortometrajes son muestra del material que se recibe año con año en el festival y que exploran distintas temáticas con una calidad de realización impecable. Cada uno con su estilo propio, es una mirada a lo que se está haciendo en el mundo del cortometraje, un campo que es un arma de doble filo si no se sabe equilibrar historia, tiempo e intencionalidad con personajes bien pensados, reales y entrañables.

En Febrero de este año, el cortometraje Para armar un helicóptero de la mexicana, egresada del CCC, Izabel Acevedo, ganó el premio a Mejor Cortometraje Internacional en este festival, por lo que el talento mexicano sigue latente y cosechando frutos.

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Festival Internacional de Cortometraje Clermont-Ferrand, 2014.

Originally posted 2013-10-02 16:24:54. Republished by Blog Post Promoter

Mi historia entre tus dedos: El encanto del rosa francés

Por Daniel Cervantes Hernández

Twitter: @DaniDanilov

En la Francia de la posguerra, donde el ser secretaria convierte a una mujer en “chica moderna”, Rose Pamphyle (Déborah François) trata de ser algo más de lo que su padre espera de ella, así que deja su pequeño poblado para buscar una oportunidad en el secretariado.

Es contratada en la agencia de seguros de Louis Echard (Romain Duris) quien, al ver el talento natural que tiene para la usar la máquina de escribir, decide convertirla en la mejor mecanógrafa del mundo.

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Se trata de Populaire (2012), primer largometraje del director Régis Roisand, que se presenta en la Cineteca Nacional con motivo del 17° Tour de Cine Francés.

La historia envuelve al espectador en un mundo con el que está parcialmente familiarizado: manejar un teclado, el eje central de la historia. Sin embargo el filme tiene bastantes puntos a su favor.

Uno de ellos es el diseño de arte. Tanto los decorados como el vestuario, a cargo de Sylvie Olive y Charlotte David respectivamente, se notan cuidados y estudiados. Son objetos que pertenecen a otra época, pero que no la hacen lucir vieja.

La selección musical, basada en melodías populares entre 1956 y 1962 se acompaña de la música original compuesta expresamente para el filme y que gracias al trabajo de dirección y fotografía, logran un ritmo con el que es imposible aburrirse.

A Francia  le gusta el rosa, pero en esta ocasión no se trata de una canción, o de una forma de ver la vida; es un personaje. Alguien que, a pesar de parecer encasillado en el papel de la chica de pueblo que quiere comerse al mundo, consigue ganarse el cariño del público, producto del trabajo de Francois.

El rosa podría considerarse uno de los colores del amor y, como menciona uno de los personajes principales durante la cinta: “América es para los negocios, Francia para el amor”.

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La sensibilidad e irreverencia de Arthur Rimbaud


La poesía francesa de Arthur Rimbaud (1854-1891), instantáneamente transporta a un mundo de melancolía, a un paisaje fuera de órbita, que va más allá del sentimiento humano. No se le podría afirmar como una emoción que altere negativamente los sentidos, tampoco algo que sea en un término de mera benevolencia. El desaire y la hostilidad eminente del siglo XIX, tocaba la puerta de los más sensibles y con pocas veneraciones hacia lo que sólo se adecua de año a año; a esta clase de personas, inteligentes, brillantes, con un apego hacia la humanidad misma, pertenecía el poeta francés. Con una gran pasión y contrato hacia lo inadmisible, apareció la exquisita lírica de su extensa obra.

Rimbaud

“El nuevo año ha consumido ya la luz del primer día;

luz tan agradable para los niños, tanto tiempo esperada y tan pronto olvidada,

y,envuelto en sueño y risa, el niño adormecido ha callado…

Está acostado en su cuna de plumas; y el sonajero ruidoso calla,junto a él, en el suelo.”

-Fragmento“El ángel y el niño”

  Paul Demeny (poeta destacado de aquélla época) fue su gran inspiración, formando en el joven Rimbaud una pieza de artilugios sobre letras y expresiones que le permitían ir más allá de lo que se veía en la creación literaria parisina. Fue el eco de la rebelión y de la subversión ante quien no aceptaba sus acciones de libertad. Un lapso de tiempo que se desplumaba por una actitud pueril, que no permitía que el talento de un ingenio se llegará a percibir con la magia que destilaba en cada poema.

 Presa de lo difícil , del hecho controversial, trató de salir airoso, alejándose en primera instancia, de sus raíces primarias y luego del círculo intelectual francés. Víctima de una infancia precaria -emocionalmente hablando-, buscó el hueco sobre la prosa desde muy pequeño, el arreglo hacia su dolor se plagó de instantes llenos de sensatez y hostilidad también.

“En la horca negra bailan, amable manco.

Bailan los paladines,

los descarnados danzarines del diablo;

danzan que danzan sin fin

los esqueletos de Saladín.

¡Monseñor Belzebú tira de la corbata de sus títeres negros, que al cielo gesticulan,

y al darles en la frente un buen zapatillazo

les obliga a bailar ritmos de Villancico”

-Fragmento “El baile de los ahorcados”

 El invierno fue una estación del año decisiva en el francés, ya que en 1870 el Colegio de Charleville (al cual había asistido) se convirtió en un hospital militar, lo cual ocasionó un extraño sentimiento en el joven de 16 años, que regresaba después de una fuga; razón de esta fue la horrible voluptuosidad social a la que se veía sujeto.El regreso le provocó una oleada de sensibilidad mayor, y su desarrollo en la poesía se enalteció conforme se separaba más de la burguesía. Desde sus escritos, se notaba un cierto resentimiento hacia la clase que manipulaba constantemente el trabajo de los artistas; los que se salían de dicha área, no eran bien aceptados, como lo fue para él, ya que desde el principio se le trató de desprestigiar.

“Mi triste corazón babea en la popa,

mi corazón está lleno de tabaco de hebra:

Ellos le arrojan chorros de sopa,

mi triste corazón babea en la popa:

Ante las chirigotas de la tropa

que suelta una risotada general,

mi triste corazón babea en la popa,

¡Mi corazón lleno de tabaco de hierba!

¡Itifálicos y sorcheros

sus incultos lo han pervertido!”

– Fragmento de “Cartas del vidente, primera: El corazón atormentado.”

 Un gran aventurero de la vida y la muerte, incidentes que van desde lo ocurrido con Paul Verlaine (que atentó contra su vida) hasta la unión en el ejército colonial holandés. “Las iluminaciones” y “Una temporada en el infierno” han sido de sus máximos escritos que han permitido que el legado de Rimbaud prevalezca hasta el presente siglo.Llena de suspenso, melodrama y caos, su obra aparece como la rebeldía de una flor que se negaba a marchitar, como un lobo que se aferraba al frío de la temporada, como un depredador sobre la mejor víctima y con el enorme amor hacia los desafíos que se presentaban.

Festival Mano a Mano: Historia y Fotografía

En abril inició el Festival Mano a Mano: Miradas Fotográficas Cruzadas que tendrá duración de un año, tiempo en el cual se expondrá el trabajo de algunos fotógrafos franceses que han sido de gran relevancia a nivel internacional como: Robert Doisneau, Bernard Plossu, Gisele Freund, Michel Seméniako. Además se mostrará el trabajo de: Désiré Charnay y Henri Cartier- Bresson, que destacan por su gran aportación fotográfica en el imaginario socio-cultural mexicano.

El proyecto surge como una cooperación cultural entre la embajada de Francia en México y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, con el que se pretende mostrar la relación celebrada entre ambos países a través del arte fotográfico, es decir, usando la imagen como eje central para el análisis y la mirada a la relación de amistad entre ambos países. El Festival traerá algunas exposiciones fotográficas; así como conferencias y talleres que giran en torno al trabajo de más de cien fotógrafos franceses y mexicanos. Todo ello exhibido en más de veinte exposiciones físicas y otras en plataformas virtuales.

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El Festival Mano a Mano y la remembranza histórica

Fotografía e historia se unen en un solo festival en el que las exposiciones y las conferencias giran en torno al análisis, la crítica y la valoración de ambas. Así pues, este festival recuerda la importancia de la producción fotográfica a nivel nacional e internacional, la relación histórica entre México y Francia, la reflexión en torno a la cultura visual (es decir, a los estudios históricos, antropológicos y culturales que giran en torno a la crítica y la teoría de elementos visuales como la pintura y la fotografía) en distintos momentos históricos.

Por supuesto que el Festival Mano a Mano es de celebrarse, pues no solo da una muestra del trabajo de algunos fotógrafos franceses en la escena local. Tal como se hace en la exposición La belleza de lo cotidiano de Robert Doisneau, albergada en estos momentos en el Museo Palacio de Bellas Artes. También expone la influencia francesa en materia de producción fotográfica en México. Más que un reforzamiento a las relaciones de amistad entre México y Francia, se trata de un repaso a la historia de la fotografía en México.