Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Originally posted 2014-12-24 12:35:34. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


CHABAUD_3
La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Desastre Natural: animales empaquetados

Después de años de búsqueda sobre connotaciones ambientales, científicas, sociales y pedagógicas que giran en torno a los zoológicos; Alberto Baraya, de Bogotá y Jonathan Hernández, de la Ciudad de México logran traer a su material a Casa de Lago, que es expuesto bajo el nombre Desastre Natural.

Foto de: gastv.mx
Foto de: gastv.mx

 La instalación comprende de tres salas que recrean el hábitat de diferentes animales disecados (a través de la taxidermia) para simular que están vivos y así facilitar su exposición. En el recorrido se pueden apreciar jirafas, focas, venados, entre otros, empaquetados en cajas de cartón, junto con diurex y plástico de burbujas.

Foto de: casadellago.unam.mx
Foto de: casadellago.unam.mx

 De igual forma, Casa de Lago estará presentando actividades paralelas a la exposición, en las se encuentran las siguientes conferencias:

  • Experiencias de trabajo en San Luis Río Colorado, Sonora.

Con la participación del fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio el miércoles 19 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1

  • Alas rotas y El zoológico de Chapultepec en el siglo XXI

Con Liliana Montañez, curadora del Museo de Historia Natural y la Dra. Adriana Fernández, directora del zoológico de Chapultepec el miércoles 26 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1
La exposición estará hasta el 8 de febrero del 2015
*Entrada libre

Originally posted 2014-11-17 12:25:49. Republished by Blog Post Promoter

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Originally posted 2014-12-26 12:28:06. Republished by Blog Post Promoter

Metalenguajes por Le Mat Colectivo

Los pasados 15 y 16 de Diciembre, Le Mat Colectivo junto a Fundación Techo presentaron  “Metalenguajes”, una muestra del trabajo de 15 artistas emergentes nacionales e internacionales, reinterpretando, con distintas técnicas, obras de artistas consagrados.

La cita fue en Mat Colision, un espacio al norte de la Ciudad de México en donde nos encontramos con todo tipo de objetos vintange. Entre cuadros, sillas, muebles y toda clase de objetos interesantes, Daniela González-directora de Colectivo Cultural LeMat- presentó las obras a los asistentes. Así mismo, el evento contó con la presencia de algunos de los artistas expositores, como Tiffany Bazán, Daniela Barrios, La marcha parlante, entre otros.

Image(5)
Mat Colision, un lugar lleno de objetos con historia.
Image(1)
Daniela González presentando “Metalenguajes”
Image(4)
Obra de “La marcha parlante” .
Image(3)
La artista Daniela Barrios en la presentación de su obra “Consolando al otro yo”.

Así mismo, Chulavista Art House fue parte de Metalenguajes, al presentar a Teatro Fugaz, un talentoso grupo de jóvenes provenientes de la Escuela Nacional de Arte Teatral, que representaron una versión muy original de Otelo, la famosa obra de William Shakespeare.

la-foto
Teatro Fugaz interpretando su versión de “Otelo”

Agradecemos a todos los que hicieron posible una edición más de Metalenguajes  y los invitamos a seguir de cerca las actividades de nuestros amigos de Le Mat Colectivo.

Mat Colision se encuentra ubicado en la esquina de Eulalia Guzmán 223 (eje 2)  y Circuito Interior.

Originally posted 2013-12-30 18:21:10. Republished by Blog Post Promoter

Doble Negativo: De la Pintura al Objeto

“Lo que ves es lo que ves.”
Frank Stella

¿Cuántas veces hemos escuchado los términos “Minimalismo” “Arte abstracto” y “Arte Conceptual” hasta el punto en donde es difícil diferenciar uno de otro?  Si lo pensamos, tales conceptos pueden aplicarse a muchas disciplinas artísticas que van desde la arquitectura hasta la música. Y seguramente hemos oído que alguien reprueba una pieza, un cuadro o una canción, de esta forma, con tan solo una rápida mirada inquisitoria.

 A lo mejor algunas personas, relacionan estos conceptos artísticos a propuestas contemporáneas que se ven a diario en galerías, museos y básicamente en una gran porción de la producción artística actual, pero no sepan realmente cuáles fueron sus orígenes ( se remontan hace ya más de 60 años) y bajo qué preceptos construyeron sus definiciones con la intención de crear nuevas propuestas en contra de las vanguardias.

 Por otra parte, seguro que a muchos de ustedes les suenan los nombres de Robert Rauschenberg, John McCracken, Larry Bell o Jo Baer, y sepan de memoria la historia de las vanguardias en la primera mitad del siglo XX, y la importancia de éstas personas como verdaderos artistas revolucionarios que fueron en contra de lo que ya parecía ser una concepción radical del arte.

 Lo vemos en las fotografías, lo estudiamos con las infinitas lecturas que pretenden teorizar de la mejor manera posible las ideas que englobaron los trabajos de los artistas. Obviamente resulta fascinante el concepto, la idea y su manera de plantearlo.  Nos sabemos de memoria el papel que juegan los materiales industriales, la importancia de la noción del entorno físico y cómo los detalles posicionan a la mayoría de estas obras entre la pintura, la escultura y el objeto, al mismo tiempo.

 Pero parece faltar algo… La capacidad de experimentar una obra con su finalidad en el entorno y apreciar directamente cada uno de los detalles que funcionan de manera sistemática, a la vez que las sensaciones (incluso aún cuando las obras pretenden ser conceptos que nos inclinen a apreciarlas con el razonamiento) actúan directamente con las grandes dimensiones y tienen la capacidad de asombrar al espectador sólo con esa cualidad.   Porque en nada se compara ver el trabajo en vivo de Robert Mangold, con su increíble ilusión de movimiento que establecen, de manera natural, las formas geométricas, a observarlo en un libro donde la fotografía apenas si cubre una porción de la hoja. (Tal vez sea la razón por la que muchas personas no gustan de esta clase de arte y prefieren seguir admirando a los clásicos)

 Ya imaginarán que cuando me enteré de que estaba en el Tamayo la exposición Doble Negativo: de la pintura al objeto , con una selección de los artistas más significativos traídos desde el museo de arte contemporáneo de San Diego, corrí hasta el museo con una sonrisa de oreja a oreja que delataba mi tremenda emoción.

La muestra incluye una selección de los artistas más significativos de las décadas de los sesenta y setenta del siglo pasado en Estados Unidos. A partir de quince obras relacionadas con el arte conceptual, el minimalismo y la abstracción de esta época, la exposición presenta un capítulo específico de la historia del arte en el cual se transformaron la mayoría de los cánones modernos establecidos durante la primera mitad del siglo XX.

 Debo confesarles, desde ahora, que la impresión de ver esas 15 obras fue justamente la experiencia que necesitaba para entender de verdad el arte conceptual, minimalista y abstracto.  La exposición es bastante rápida y te da buen tiempo de contemplar cada una de las obras.  Mis favoritos de la muestra fueron sin duda: Composing on a Canvas de John Baldesari, que es una obra maestra de sarcasmo y humor hacia los cánones que encapsulaban el proceso de creación y composición de la pintura, antes de las vanguardias. La obra de Donald Judd que ahí se presenta es igualmente fascinante (recomendación: si no puedes ir con alguien pídele a alguna persona que se encuentre en el museo que miren en extremos opuestos de la escultura para contemplar todo el sistema visual de la obra).  Y los Nueve tablones IV de John McCracken es una obra que muestra con toda la fuerza expresiva del mundo, el protagonismo de los materiales que a su vez vuelven al espectador el principal objeto visual de la escultura, sin nombrar la belleza natural que se carga por sí sola la obra.

 Desafortunadamente cuando yo visité la exposición, la Hoja de Sala estaba ya agotada y tuve que descargarla desde mi celular antes de entrar. Se las dejamos para que nos les suceda lo mismo, ya que muchas personas entraban, veían y salían de la exposición más confundidos de lo que esperaban. Recuerden que al ser en su mayoría arte conceptual es necesario tener a la mano la explicación de la obra para comprender su orden y funcionamiento en relación con el espectador.

 La exposición estará sólo hasta el mes de Julio.  Si no estas muy familiarizado con el arte que aquí se exhibe, ésta puede ser la mejor manera de hacerlo. Y si eres de los que ya se conocen toda la teoría de estas propuestas, es obvio que sabrás lo importante de una exposición de este tipo. ¡No se la pueden perder!

Originally posted 2014-06-11 12:51:34. Republished by Blog Post Promoter

De: Angelología. Utopía y ángeles en San Ildefonso

Desde hace años la humanidad se ha creado historias de encuentros y fe ciega acerca de estos seres buenos, buenísimos con alas en la espalda, desde el ángel caído Lucifer (que siendo sensato, sin la capacidad de hacer o pensar en mal, no hallo la relación a la osadía por desobediencia, por ser característica humana y exclusiva de los altos mandos) hasta el ángel de la guarda al que los niños suplican no ser desamparados ni de noche ni de día, y que se mantiene además en moda constante. Es este el tema de la exposición de los artistas Ilya y Emilia Kabakov, una pareja de rusos considerados entre los 10 mejores artistas del mundo, que decidieron unir esfuerzos artísticos por llevar al ángel caído a distintos rincones del planeta y que llega con 41 obras entre 1994 y 2010 al museo de San Ildefonso  en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

 Es menester considerar que los artistas no consideran a los ángeles en exclusiva como seres con alas por naturaleza; nos regalan, de hecho una serie de pasos para alcanzar un ideal de bondad si es que se tiene alguna inclinación al mal, consistente en fabricar unas alas propias con correas de cuero, colocarlas durante una cantidad específica de minutos sobre la espalda, cada cierto tiempo y por último resguardarlas en un mueble con espejo. Hay ángeles que son humanos con la disposición de hacer el bien, ofrecen Ilya y Emilia. Los hay y es así en una exposición con base en metáforas aladas que nos encontramos con Ernesto Bejarano, trabajador del museo de San Ildefonso, sin duda un humano con portentosos vicios angélicos, de esos que faltan, a los  que debiéramos como individuos y como humanidad aspirar, el dar sin esperar.

 Nos habla Ernesto, al respecto de la exposición, de la necesidad de los artistas de buscar otra vía a los problemas vividos en Rusia en aquel tiempo, al final, como bien nos decía Hermman Hesse, se encuentra la condenación en lo que se busca con tanto ahínco, lo que parece una bendición, lo que da trazas de bondad, de paz, termina en cárcel, en muerte, en declive, en el ángel muerto que encontramos en uno de los patios del museo.

10593192_10152475031039542_5751535394085438542_n

 Para llegar a tener contacto con el ángel o con los ángeles hay que construir una escalera, que nos eleve muy por encima del mundo, del dinero, de las necesidades de fama y de aplastar al otro para llegar, lejos del dar esperando algo en respuesta, de necesidades innecesarias e impuestas, del pensar si el otro lo merece y atreverse a juzgar, a decidir, lejos de la guerra,  hay que trepar la escalera y padecer hambre, padecer frío, hay que estar en crisis, caído, solo, los ángeles aparecen cuando el humano que ha llegado hasta el final de la escalera no puede ya, tal vez a punto de morir, verá al ser, al ideal y quizá encontrará además su fin. Después de los afanes, el viaje a Ítaca quizá, quizá termine en la caída, en la destrucción.

 Hay una forma de saber si es ángel uno o no dicen los artistas de la instalación total y tiene todo que ver con todo, puede uno ponerse las alas ya antes mencionadas y previamente construidas, arrojarse desde una superficie elevada y ver si las alas le salvan del destino fatídico al último momento, si no, el final es claro y muy referido, la muerte.

 En otra de las salas, en la segunda parte de la exposición encontramos unas alas de ángel, dispuestas sobre una silla, frente a un escritorio, hay una cama de fondo y anaqueles de libros. Lo que quieran decir los artistas lo dirán a cada quien, como siempre pasa con el arte, pero me parece que quizá sea que es esa la verdadera bondad, los verdaderos ángeles se hacen (o se deshacen) luchando por el conocimiento, la libertad, la sabiduría, la bondad, la ayuda a los otros, permitamos pues que los demás conozcan a los ángeles a través de nosotros en tiempos de crisis, es esta la utopía, es esta la verdadera angelología, hay que ser ángeles para los otros para conocer nosotros a los ángeles, dejando de rezar por una aparición, siéndolo nosotros, levantándonos, trepando esa escalera aunque el final del camino peldaño a peldaño hacia la bondad sea la bien merecida caída.

 La exposición consistente en instalación, pintura, arte objeto, impresiones en tela y maquetas, permanecerá hasta el  11 de enero del 2015. en Justo Sierra 16 Centro Histórico, el ya muy conocido y querido Museo de San Ildefonso, ubicado en las cercanías de Metro Zócalo o Allende, en el Centro de la Ciudad de México.

descarga

Originally posted 2014-09-26 09:00:17. Republished by Blog Post Promoter

Sin título, Sophie Calle en el Tamayo

Este fin de semana el Museo Tamayo fue sede para la proyección del documental Sophie Calle, sin título, dirigido por Victoria Clay, el cual es una road movie en la que se muestra la vida de la artista desde su paso por California, donde comenzó su carrera, el sur de Francia, donde trabaja y Camarga, lugar donde creció.

 La directora de este filme compartió tiempo con Calle, la conoce bien y muestra con cierta intimidad una parte de la vida de esta artista francesa. En el trabajo de Sophie se observa un cambio en la percepción de los otros hacia ella misma. Esto se puede apreciar en Ritual de Cumpleaños, en el que durante 13 años Sophie invitó al mismo número de invitados que su edad más uno, dejando los regalos intactos para después ser exhibidos en vitrinas.

Foto de: picnic.co
Foto de: picnic.co

 Actualmente el Museo Tamayo también muestra la instalación Cuídese mucho (Prenez soin de vous), obra que fue realizada para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007. Esta obra es inspirada en el último correo electrónico que envió su entonces pareja a Calle, donde daba por terminada su relación y finalizaba con la frase que da título a la exposición.

 Para la creación de la instalación Sophie reúne a 107 mujeres de diversas profesiones para analizar la carta que llegó a su email. El resulto es una radiografía que disecciona cada posible significado en las frases del mensaje, a través de fotografías, escritos y videos que expresan ideas sobre el amor, sexo, trabajo, dolor e intimidad.

¿Quién es Sophie Calle?

 Calle es una francesa nacida en 1953, reconocida internacionalmente por materializar sus obras en fotografías, video y textos que muestran aspectos de su vida personal planteados de manera única y compleja.

* La exposición estará hasta febrero del 2015 de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. Admisión general $19, entrada libre a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente. *Domingo entrada libre.

 

 

Originally posted 2014-11-24 09:00:02. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


RECIBO_FOTO (1)
Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

hombre
Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

CÁMARA
Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

10410089_831135706937113_3249477129264304403_n
Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Originally posted 2014-11-27 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

OFFF MÉXICO 2014: EL VÍNCULO POST-DIGITAL EN SU TERCERA EDICIÓN

Offf México 2014 surge de la creatividad en la actual época digital , teniendo como antesala y sede la ciudad española de Barcelona. En el año 2012 se presenta en su primera edición en nuestro país, bajo el nombre de Festival Internacional de Creatividad y Cultura Digital, presentando gran aceptación y éxito. En su tercera edición en México, tendrá como días de exhibición el 28,29 y 30 de Agosto respectivamente.

ShiroSchwarz | Crédito:Página oficial Offf México.

Los lugares donde se harán las exposiciones (dependiendo de la actividad) se distribuyen de la siguiente manera:

  • Auditorio Blackberry: Será el lugar donde se presenten todas las conferencias.
  • Cocolab: En dicho lugar, se situarán parte de los talleres.
  • Centro de cultura digital: Exposición y demostración de diversos talleres.

Dicho festival mezcla tres cuestiones fundamentales que son el diseño, el arte y la tecnología y en un conjunto formarán parte de su toque y atractivo vanguardista. El entusiasmo con el que fue presentado por primera vez en el territorio nacional, causó un gran aplauso por parte de los asistentes; que admirados de la creatividad y la singularidad esperaban con ansias esta tercera edición.

Las actividades que se ofrecen son bastante interesantes, entre ellas:

  • Conferencias: Que tratarán la perspectiva de la creatividad en torno al diseño digital, además de mezclar el arte.
  • Talleres:Se mostrarán las bases sobre las cuales, se han desarrollao los ejes para vincular aportaciones creativas en el mundo digital.
  • Expo talleres: Se impartirán del 4 al 15 de agosto sin costo alguno.Cabe mencionar, que el cupo es limitado por lo que se requiere el aviso mismo. Dentro de los temas a impartir están la animación,ilustración y manejo de un software especial.
offf
Crédito:Página oficial Offf México.

Para poder participar en los diversos talleres que se manejarán, el registro de hará por medio de la página web del sitio oficial del festival; ya que el cupo es limitado.

En lo que respecta a ventas, se marca el apoyo hacia diversos tipos de diseñadores que no muestran dependencia alguna; por lo  cual se abarcará desde prendas de vestir hasta diferentes tipos de muebles.

El precio de los boletos es de $400 a $500 respectivamente para la asistencia a las conferencias.

Sin duda conceptos como innovación, creatividad y aldea digital; harán su gran aparición en esta tercera edición para fomentar el gran potencial del talento nacional.

Originally posted 2014-08-22 12:21:44. Republished by Blog Post Promoter

México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Doisneau, la belleza de lo cotidiano

“Yo no fotografío el mundo tal como es, sino tal como me gustaría que fuera. Toda mi vida yo me divertí, fabriqué mi propio pequeño teatro”

Desde el 11 de abril (y hasta el 29 de junio), ha estado presentándose una exposición en el Palacio de Bellas Artes, sobre el trabajo de Robert Doisneau,  ─artista que se exhibe por primera vez en México─ con una selección exclusiva que estuvo a cargo de sus hijas (Francine Deroudille y Annette Doisneau) de un total de 78 fotografías, donde se pueden ver escenas de la calle y de los suburbios de París , su etapa como fotógrafo profesional en la fábrica Renault, su testimonio gráfico sobre la Segunda Guerra Mundial en Francia, su trabajo para las revistas Vogue y Life, así como retratos de celebridades.

 “Esta exhibición no solo muestra la poesía de su universo fotográfico sino la construcción y evolución técnica de su obra. El visitante podrá apreciar los encuadres escogidos por el fotógrafo, las impresiones originales –hechas la mayoría de las ocasiones por el mismo artista–, los trucajes, montajes y juegos gráficos”. Francine Deroudille.

 Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly. Cursó estudios de artes gráficas y grabado en el École Estienne de París (1926-1929) para dedicarse después a la fotografía industrial y comercial. Entre 1934 y 1939 trabajó para la compañía Renault. Durante la guerra trabajó como falsificador para la Resistencia Francesa. Sus fotos sobre la liberación de París en 1944 fueron publicadas en todo el mundo y poco después fue reportero gráfico para la agencia parisina Rapho y grandes revistas como Life, Vogue y Paris Match, publican regularmente sus trabajos.

 Doisneau registraba espontáneamente la cotidianidad francesa desde una perspectiva poética y humana. Sus temas favoritos eran la pasión, los niños, el humor y la guerra desde una perspectiva urbana. Una de sus fotografías de 1950, una pareja de enamorados besándose en una calle parisina, se ha reproducido en multitud de postales y pósters. Le concedieron en 1947 el premio Kodak, en 1956 el de Niecpce y en 1983 el Gran Premio Nacional de Fotografía. En 1984 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.  Robert Doisneau falleció en Montrouge el 1 de abril de 1994.

 Entre las imágenes que el público podrá observar, a lo largo de esta muestra, se encuentran: Les Pavés (Los adoquines, 1929), misma que realizó a los 17 años y que es catalogada como su primera imagen fotográfica; Le Baiser de I´Hotel de Ville (El beso, 1950), la cual es una de sus fotografías más reproducidas en el mundo; Les frères (Los hermanos, 1936) y Le regard oblique (La mirada oblicua, 1948).

 Aquí les dejamos el link de la página del INBA sobre la muestra. Recuerden que sólo tienen hasta el 29 de Junio para visitar esta magnífica exposición que pone a nuestro alcance (por primera vez) el trabajo de este excelente fotógrafo.  Les aseguro que no se arrepentirán.