Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Layout: Difunde tu foto con Espejismo

Espejismo surgió como un proyecto entre universitarios en el año 2009 para sacar a la luz una Agenda Fotográfica 2010 entre fotógrafos amateurs. El resultado fue un trabajo de más de 6 meses en donde se planeó, estructuró, convocó, organizó, imprimió, y se publicó (con la participación de 15 fotógrafos y 5 anunciantes) un tiraje de 1000 ejemplares con 2000 postales a una tinta, distribuidos en Librerías Purrúa, y en librerías de Cuernavaca, Morelos.

Espejismo
Agenda Fotográfica2010

 Sin embargo, para las ediciones 2011 y 2012 el proyecto no se continuó porque los integrantes de la primera edición siguieron caminos distintos que los separó del proyecto. Para la edición 2013 uno de los integrantes retomó el proyecto con el propósito de darle continuidad a la misión con la que se había iniciado Espejismo.

 Hasta ahora, se ha realizado la edición pocket de 2013 y la edición ½ carta 2014, con la finalidad de dar difusión y exposición al trabajo de fotógrafos emergentes y amateurs a través del trabajo colaborativo y colectivo, con un nuevo propósito: impactar en el medio ambiente lo menos posible a través de los temas, de la experimentación de materiales y formatos.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013, edición pocket

 El tema para la cuarta edición (2015) es La imagen como una posibilidad y alude a la oportunidad de construir la realidad material a partir de las impresiones que el fotógrafo captura por medio de formas y colores resultado de la contemplación, el estudio o la curiosidad.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 Desde esta perspectiva, Espejismo abre una oportunidad para dar voz a los fotógrafos en un espacio colectivo, en donde se trabaja en conjunto, uno no es sin el otro y viceversa; no parece una tarea fácil pero las tres ediciones anteriores dan fe de que se puede lograr.

 Los obstáculos que han enfrentado parecen enormes cuando no se cuenta con el apoyo de un patrocinador que asuma los costos de operación y producción, sin embargo Espejismo cree que no hay barreras altas que impidan continuar –independiente del número de tiraje– dar a luz cada edición demuestra un obstáculo menos.

 Si te gusta la fotografía y quieres difundir tu fotografía podría interesarte leer las bases para participar ya que la convocatoria tiene fecha de vencimiento hasta el último día de este mes; la participación puede ser en forma de colaboración ya que con ella se contribuye a reducir las dificultades y favorece el trabajo en colectivo, el valor de la colaboración es de igual relevancia que cualquier otro que se realice para funcionar.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 

El almacén de la imagen: reflexiones en torno a la fotografía de prensa

Cuando se trata de fotografía de prensa suelo evocar a los fotorreporteros, tanto mexicanos como extranjeros, de la primera mitad del siglo XX. Pienso en su trabajo y llegan a mi mente algunas fotografías que muestran la realidad de un pasado que si bien aún existe es imposible cambiar. En ese sentido, las fotografías de algunos de los fotorreporteros como Henri Cartier- Bresson, Robert Capa o Agustín Víctor Casasola, por mencionar algunos de los nombres más populares, pueden ser analizadas con los lentes de la perspectiva histórica que, debe quedar claro, no es del todo imparcial. Incluso la fotografía de prensa puede llegar a conmover a quienes la analizan, sobre todo porque expone acontecimientos de un pasado muchas veces doloroso que penetra en lo más profundo de la memoria histórica colectiva.

 Sin embargo, no es lo mismo observar las fotografías de prensa del pasado que las fotografías de prensa del presente, pues a pesar de que la realidad del pasado puede llegar a ser incomoda y lacerante, la realidad actual suele despertar sentimientos desgarradores. Concuerdo con el fotógrafo de prensa Pepe Baeza cuando menciona en Por una función crítica de la fotografía de prensa, que la imagen de realidad es molesta pero necesaria.

“La sociedad necesita imágenes que informen, analicen y transformen. Las necesita mucho.” Pepe Baeza.

 La fotografía de prensa sirve no sólo para informar y generar consciencia, sino también para generar crítica sobre los temas de la actualidad que nos incumben y que nos afectan directa o indirectamente. La fotografía de prensa, a diferencia de otros géneros fotográficos, es cruda, y puede llegar a recordarnos que del mismo modo en el que los seres humanos tenemos una gran capacidad para crear cosas hermosas también tenemos una gran capacidad de destrucción de nosotros mismos y del otro. Los humanos tenemos esa condición dual de la cual nos es imposible poder desprendernos.

Vera Castillo, exhibición de la World Press Photo 2014 en las instalaciones del Museo Franz Mayer.
Vera Castillo, exhibición de la World Press Photo 2014 en las instalaciones del Museo Franz Mayer.

 La semana pasada tuve oportunidad de asistir a la World Press Photo 2014 exhibida en el Museo Franz Mayer, y debo decir que, como consumidora poco asidua de la fotografía de prensa, las imágenes me impresionaron mucho, tal vez más de lo que esperaba. Generalmente me detengo mucho en analizar la fotografía artística excesivamente producida que sugiere la contemplación de mundos ficticios, es decir, aquellos que simulan al mundo real a través de la exploración artística que disimula la crítica social impresa en ella. Por lo que suelo dejar de lado la fotografía de prensa, sobre todo, y me apena decirlo, porque la información que presenta transmite emociones negativas: dolor y tristeza. Muchas de las fotografías que se muestran en la exhibición nos recuerdan nuestro lado más humano, se puede llegar a sentir incluso compasión por las personas retratadas y desconsuelo por los temas que se presencian en las imágenes. La sensación de impotencia y coraje se hacen presentes al ir haciendo el recorrido por cada sección de la exposición. Definitivamente la fotografía de prensa muestra una realidad severa que golpea hasta el lado más superficial de cualquier ser humano.

 La World Press Photo 2014 expuesta en el Franz Mayer en la Ciudad de México nos recuerda que la fotografía de prensa sigue siendo vigente, que la denuncia también puede ser hecha a través del reflejo de la realidad y no tanto de la creación de un mundo ficticio que exagere ciertos elementos para hacer más obvia la crítica a la sociedad en la que vivimos. La realidad, en la fotografía de prensa, es la mejor forma de denuncia. Se trata de contar historias reales que informen sobre la situación actual en torno a los conflictos sociales, pero que también transmitan emociones, que nos devuelvan esa sensibilidad por los acontecimientos del mundo real en lugar de alejarnos de ellos. La fotografía de prensa busca, sobre todo, informar y, en muchos casos, denunciar las realidades sociales, es decir, registra lo colectivo. Según menciona Pepe Baeza, la dimensión de lo colectivo y aquello que apela a la solidaridad se encuentra en profunda crisis, y es justamente la fotografía de prensa la que refleja ese estado de cosas. ¿Será que realmente las imágenes de prensa se encuentran en una crisis? En la actualidad se enaltece la idea de individuo y del individualismo que favorece las leyes del mercado del sistema capitalista. El uso de la imagen publicitaria y de moda exalta justamente el ideario individualista. Así pues, la exhibición de la World Press Photo 2014 está para invocar la idea de comunidad y de solidaridad, para recordarnos que somos seres sociales, que somos parte de un mismo mundo y que los conflictos que se presenten en él nos afectan a todos.

Sara Naomi Lewkowics, 2013.
Sara Naomi Lewkowicz, una mujer sufre violencia intra- familiar, un tipo de violencia que normalmente es negada incluso por las víctimas,2013.
Fotografía que forma parte del reportaje fotográfico de Goran Tomasevic, el ejército libre Sirio es atacado, 2013.
Fotografía que forma parte del reportaje fotográfico de Goran Tomasevic, el ejército libre Sirio es atacado, 2013.

El almacén de la imagen: la fotografía de Rodrigo Maawad

Una de las ventajas del advenimiento de los programas de pos producción en la fotografía es que se pueden crear escenarios fantásticos, adaptaciones ambientales y escenas que generalmente producimos en nuestra mente a través del ensueño. Sin embargo, no todo en la fotografía, sobre todo en la que abarca el género del surrealismo, puede ser producido en su totalidad por medio de recursos de pos producción. El trabajo del fotógrafo, artista contemporáneo, se desarrolla tanto en la experiencia de la materialización de una idea al momento de hacer el montaje para una fotografía, así como también de la labor realizada en tanto la edición de su obra.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 Cuando vemos una fotografía es necesario observar el discurso visual que se está presentando, por un lado está la idea o el concepto que el fotógrafo pretende mostrar con su trabajo, es decir, qué está queriendo decirnos con una serie o con una fotografía. Podemos entender, de manera intelectual, aquello que el fotógrafo está representando, si se trata de una crítica social, si es más bien documental o si se trata de una propuesta a nivel artístico. Lo que intenta exponer el artista se puede volver aun más fácil de interpretar si tenemos como apoyo un texto curatorial. Sin embargo, a veces sólo observamos el resultado final del trabajo, la fotografía como producto final que se expone a nosotros como consumidores. En ese sentido, cuando nos detenemos a ver una fotografía podemos llegar a olvidarnos de pensar en el proceso de producción previa a la toma, es decir, qué hizo el fotógrafo para poder llegar a esa imagen que exhibe.

 Los fotógrafos mentalizan la imagen que van a crear a través del recurso de la fotografía. Para la realización de una toma fotográfica se parte primero de una idea, se eligen los escenarios, los personajes que aparecerán en ella, los elementos que ayudaran a la representación de aquello que quieren transmitir.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 El trabajo del fotógrafo mexicano Rodrigo Maawad (1982) es un ejemplo perfecto de que el trabajo del fotógrafo toma forma desde la producción del escenario, de los personajes, y de la selección de elementos de los que se servirá para realizar su obra. Al ver las fotografías de Maawad se piensa en el uso de programas de posproducción, pero también es importante observar la preproducción.

Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.
Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.

 Rodrigo Maawad es un fotógrafo que se distingue por realizar casi por completo la producción de sus imágenes. La caracterización de sus personajes, hecha a partir del uso de máscaras y otros elementos, está a su cargo. Además elige meticulosamente los escenarios para crear cuadros alucinantes y fantásticos que reflejan una sola cosa: crítica social. Esto sucede con su serie Homo videns, en la que según comenta el fotógrafo, intenta mostrar una crítica a ese ser humano que consume la cultura a través de los medios, que imponen comportamientos sociales. El hombre homo sapiens que reflexiona, comenta en una entrevista para CONACULTA, se vuelve homo videns, esto es, un ser que ve pero que no entiende. Se siente la influencia del investigador italiano Giovanni Sartori en el discurso visual de Maawad. La serie fotográfica Homo videns muestra esta crítica social a las telecomunicaciones.

Hasta la llegada de la televisión a mediados de nuestro sigo, la acción de “ver” del hombre se había desarrollado en dos direcciones: sabíamos engrandecer lo más pequeño (con el microscopio), y sabíamos ver a lo lejos (con el binóculo y aún más con el telescopio). Pero la televisión nos permite verlo todo sin tener que movernos: lo visible nos llega a casa, prácticamente gratis, desde cualquier lugar.

– Giovannni Sartori. Homo videns. La sociedad teledirigida.

 Así pues, vemos en esta serie a personajes en situaciones de encierro, paredes blancas que aluden a un estado de inconsciencia. Observamos personajes masculinos en el espacio de lo privado, aquel que solo permite al hombre experimentar todo aquello que hay afuera a través de los medios: la televisión, la radio. El espacio privado recluye y obliga, de cierto modo, a conocer el mundo a través del consumo de programas televisivos que plantean una visión manipulada de la realidad. Las fotografías nos muestran a seres humanos que no piensan, que solo ven, con la televisión tan incrustada en la cabeza que se ha vuelto parte de sus cuerpos.

Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.
Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.

 Por otro lado, Maawad muestra a otro tipo de humanos con cuerpos igualmente transformados, pero los vemos protagonizando escenas en el espacio de lo exterior. El mundo en el que aparecen estos seres antropomorfos no es el espacio del hombre moderno, es decir, un espacio urbano en el que se desenvuelve el hombre citadino, típicamente el homo videns. Sino que más bien se observan espacios agrestes. Algunas de las escenas pueden llegar a ser un tanto terroríficas, sobre todo por el énfasis que hace el fotógrafo por transformar la cara de sus personajes. Pero al mismo tiempo el horror se muestra en el efecto psicológico de miedo que puede causar en los espectadores. Este tipo de escenas pueden tener lugar incluso en la mente de cualquier persona, son ambientes recurrentes en pesadillas en las que el sin- sentido puede horrorizar a cualquiera.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

 La transformación del cuerpo es indispensable en el trabajo del fotógrafo hidalguense Rodrigo Maawad, así como la selección meticulosa de los espacios en los que representa su crítica social. Este fotógrafo es el caso de un artista completo, un individuo comprometido más que con el consumo de cultura, como él mismo lo menciona, con la creación de cultura.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

El almacén de la imagen: impresiones sobre Rafael Galván

La primera vez que vi la obra del fotógrafo Rafael Galván fue en la exposición colectiva Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía en la Galería Patricia Conde en Polanco. Recuerdo perfecto su obra porque me atrapó al instante. No es que la fotografía de los demás autores no lograra llamar mi atención, al contrario, el trabajo de todos los fotógrafos ahí reunido me pareció impresionante. La técnica y el concepto de cada uno era diferente, así cada serie tuvo impacto sobre mí. Sin embargo una de las que más me envolvió fue la serie de Rafael Galván. Se trataba de una serie sin nombre que estaba colocada en una sección de la galería que te aísla dentro de tres pequeñas paredes moradas que forman un espacio casi cerrado. Dentro del espacio se encontraban las fotografías que mostraban mujeres desnudas, en tonos sepia o en blanco y negro. Parecían fotografías del siglo XIX.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 Las paredes color lila y los marcos de las fotografías hechos con tela de color morado formaban un contraste bellísimo. Todo parecía tener sentido para mí. Es interesante la manera en la fotografía puede proyectar una idea o un concepto, el mensaje que el fotógrafo transmite o intenta transmitir es una cosa, sin embargo la forma en la que el espectador se apropia de las imágenes es algo muy distinto.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 El trabajo de Rafael Galván se caracteriza por el uso de técnicas de impresión del siglo XIX y principios del XX, es decir, imprime bajo técnicas de cobre, platino paladio, sobre papel de algodón, incluso realiza ambrotipos que él mismo colorea tal como lo hacían los fotógrafos del XIX cuando no existía la fotografía a color. El trabajo de este fotógrafo me parece impresionante por el hecho de retomar estas técnicas para la creación de fotografía en pleno siglo XXI.

 Las fotografías que presentó en la exposición Revisiones IV: El cuerpo en la fotografía, son ambrotipos que brindan una sensación de antigüedad a la serie. Cuando el historiador y curador de la exposición José Antonio Rodríguez habla de la obra de Galván menciona que este fotógrafo no intenta volver al pasado, sino más bien busca aceptar ese pasado en el presente. Asimismo menciona que la serie fotográfica de Galván hace referencia a fotógrafos franceses del siglo XIX como Charles Negrè o Auguste Belloc.

 Cuando observé las fotografías de Galván no pude mas que sentir una gran emoción, porque normalmente pasa esto cuando veo fotografías que me recuerdan precisamente la segunda mitad del siglo XIX en la historia de la fotografía mexicana; en la que abunda la fotografía de tipo antropológico que solo puede entenderse a través del estudio del colonialismo europeo. De la mano del científico y del naturalista europeo que llega a tierras americanas viene el fotógrafo, que hace uso de su cámara para dar una descripción gráfica del “otro”.

Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.
Exposición de la serie del fotógrafo Rafael Galván en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, Patricia Conde Galería, 2014.

 En su libro Retrato involuntario. El acto fotográfico como forma de violencia, Marina Azahua menciona que  la fotografía etnográfica surge en paralelo justamente del proyecto colonialista y del espíritu científico de la antropología. Así el zoológico humano y la fotografía etnográfica fueron ejemplos de esa curiosidad del europeo por el otro. En este sentido, al momento de ver la serie de Galván, recordé por una parte, tal como lo dijera Rodríguez, a Auguste Belloc con sus fotografías de mujeres desnudas en reposo. Pero también vi en ellas un poco de Charles B. Lang y Carl Lumholtz.

(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía espuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.
(De arriba a abajo) Rafael Galván, fotografía expuesta en Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía, 2014. Auguste Belloc, Nude, 1856- 1860. Giorgione, Venus dormida, 1507- 1510.

 Galván muestra las mujeres de manera muy similar a Belloc, es decir, mujeres acostadas o sentadas, el bello sexo descansando. En el retrato se hace uso de telas que aparecen como una reminiscencia del fotógrafo francés. En ambos casos, tanto en el de Galván como en el de Belloc, se exhibe mujeres en su rol decorativo, excluidas de actividad útil, tal como lo haría Giorgione con la Venus dormida.

 Galván retrata mujeres morenas, crea un juego con las telas que cubren o la cabeza de sus modelos o la mitad de sus cuerpos, retrata mujeres con cuerpos naturales, senos grandes y estómagos lo suficientemente abultados. Las mujeres muestran expresiones faciales interesantes: están serias, pero no hay rasgo de angustia, de vergüenza, así como tampoco de orgullo.

 Sin duda ver estas fotografías en la galería fue la cereza del pastel de mi experiencia sensorial durante la visita a la exposición. No sólo el espacio reducido provocaba que entraras a una especie de burbuja del pasado, sino que también se creaba un contraste interesante entre las fotografías en sepia y la pared de color. Contraposición entre el color que nos recuerda que estamos en una galería del siglo XXI y el sepia que nos transporta al siglo XIX. Por supuesto la serie de Galván hizo eco en mí, sobre todo porque la recepción de una obra de arte depende en buena parte del mensaje que el artista imprime en su trabajo, pero también del espectador. La interpretación que esté haga de la obra así como los sentimientos y emociones que ésta pueda provocarle son principio de la historia personal del cada individuo.

Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

De la exposición “Autorretrato desde tu espejo” en El Tin-tanismo

 

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La galería-café “El tin-tanismo” es una casona estilo porfirista y, sin duda, un lugar que brilla por su hospitalidad y particularidad. Ubicado en la Avenida Azcapotzalco, este recinto nombrado así por la inclinación del dueño Juan José al actor mexicano Tin Tan, es en todo, un homenaje al artista mexicano. Mantiene abiertas sus puertas de jueves a domingo al público consumidor del arte y el ambiente bohemio, y a los artistas que encuentran en este lugar, un refugio a su obra: pintores, escritores, actores, directores de escena y escultores merodean entre sus mesas pequeñas y un ambiente de intimidad

 En esta ocasión se abre a la exposición colectiva “Autorretrato desde tu espejo” una mirada a quién observa desde el ojo más crítico, el de uno mismo. Ahí, artistas se plantean e ilustran a sí mismos desde su propia óptica, imaginación y perspectiva; se muestran, se desnudan, desde el asomarse a un espejo en que sólo se muestra la realidad que ellos advierten. Por ser su visión, su universo, es esto lo que vuelve rico al hecho; decía Salvador Dalí que si un imbécil pretendiera reproducir a la perfección el cuadro de alguien más le saldría un imbécil, porque todo arte es autobiográfico, ¿habrá algo más cierto? ¿qué más autobiográfico que un autorretrato?

 La inauguración de la exposición se llevó a cabo el 28 de Agosto del 2014 en el Tin-Tanismo, aquí los artistas plásticos: Fernando Bello, Ignacio Bustos, Felipe Gaytán, Brenda Mítchelle, Mary Paz López, Humberto Luna, Thorwing Moroslew ,Manuel Quiróz, Arturo Rodríguez, Efraín Romero, Abraham Salgado, Meche Verma y Arturo Vilchis desnudaron la técnica, se expusieron a sí mismos y expusieron sus motivaciones: para Gaytán la soledad, para Mary la madre; la letra y el personaje para Mitchelle; el suicidio para Fernando, para Meche es el árbol, en una noche de tragos de la casa, buena música y tertulia.

 La exposición estará abierta al público hasta el 16 de septiembre en:

Av. Azcapotzalco 145
Col. El Recreo
Azcapotzalco, Distrito Federal
Tels.: (55) 2811 6817

 Dense una vuelta, prueben las bebidas de la casa y gocen de la hospitalidad de Juanjo y su hijo, en un lugar abierto a las posibilidades del arte y en constante cambio.

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Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

El almacén de la imagen: Ricardo Modi

La difusión del trabajo de artistas emergentes que recién comienzan a entrar en la escena cultural es realmente importante. Es así como algunas revistas digitales promueven y apoyan a estos artistas para dar a conocer su obra y con ello impulsar el arte y la cultura en nuestro país. Es necesario introducir nuevos artistas, presentarlos al público para que los conozcan. En este sentido es indispensable hacer eco de su trabajo y dejar que su obra hable por si misma.

Conozcan a Ricardo Modi, fotógrafo mexicano de 24 años con una inclinación por crear realidades ficticias y captarlas con su cámara. Estudió 1 año en el Centro Morelense de las Artes, siendo este su primer acercamiento a la fotografía. Posteriormente estudió  durante 1 año en el Centro de Estudios Audiovisuales en Guadalajara, para luego comenzar la carrera en la Facultad de Artes de la UAEM. Ha participado en algunas exposiciones colectivas tanto en Cuernavaca como en la Ciudad de México. Actualmente estudia en el Centro de Artes de San Agustín (Oaxaca) y trabaja en un proyecto personal de fotografía que será publicado próximamente en Vice México.

Ricardo Modi, de la serie "Si mi país tuviera mirada", 2014
Ricardo Modi, de la serie “Si mi país tuviera mirada”, 2014
Ricardo Modi, de la serie "Naturaleza muerta, 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Naturaleza muerta, 2013.

La obra de este fotógrafo es relevante, (sobre todo) porque al observar uno puede darse cuenta de su intento por insubordinarse ante la realidad. Intenta mostrar la realidad no tal como es; sino como le gustaría que fuese, dice Ricardo Modi al hablar de su obra. Así, intenta captar el drama que habita dentro de cada ser humano, componer una escena en su mente y ver la manera de capturarla con la cámara. Su obra se basa en visiones y contextos del mundo imaginario del cual se sirve para crear imágenes que le permiten visualizar aquello que surge de la posibilidad del mundo real. Esto es precisamente lo que quiso mostrar con su serie Interludio, en donde algunas mujeres se encuentran suspendidas en el aire, como alguien que pudiera pausar el momento exacto en el que se encuentran cayendo.

Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.
Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.

El próximo mes, Modi presenta su exposición: Las Tres Miradas, con la cual pretende mostrar que su forma de trabajo se basa en: la del retratado, que es a quien se expone ante la cámara. La del fotógrafo, que es quien crea la imagen, y la del espectador, quien consume el producto final.

Para Ricardo Modi lo que importa es la mirada, pues retratar algo que tenga mirada es indispensable a la hora de crear su obra. Necesita siempre de la mirada del otro, quizás en un intento por definirse a sí mismo, por revelarse. Su mirada como fotógrafo es más bien el intermedio, el vehículo del cual se sirve la mirada del retratado para llegar a la mirada del espectador. Su cámara es el ojo mecánico que observa de manera objetiva, pero la idea es creada en la mente de Modi que le impregna la subjetividad y el surrealismo a la imagen.

Las Tres Miradas se presentará el día 06 de agosto en la galería Víctor Manuel Contreras, que se encuentra en la planta baja de la Torre Universitaria de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM). La cita es a las 17:00 hrs y la entrada es libre. Ojalá puedan visitar dicha exposición.

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El almacén de la imagen: La otra Ciudad

Hoy quiero contarles un poco de la exposición La otra Ciudad. Fotografías de la Ciudad de México, 1900- 1918, que se alberga en el Museo Archivo Fotográfico en la Ciudad de México. Esta exhibición ha estado abierta al público desde el 19 de marzo y cierra el 13 de julio. Vale mucho la pena, pues es una muestra fotográfica que se hace a partir de la investigación hecha por la doctora Laura González Flores sobre la colección de Ricardo Espinosa. El archivo fotográfico cuenta con casi 1700 negativos y positivos en cristal (la mayoría de ellos en formato estereoscópico) . Sin embargo en la muestra solo se exhiben 90 fotografías.

Foto por Vera Castillo
Foto por Vera Castillo

 A partir del estudio de González Flores surge el libro: Otra revolución: Fotografías de la Ciudad de México 1910- 1918 en la que la autora analiza el trabajo visual de un fotógrafo desconocido que se dedicó a retratar a la familia de un doctor eminente de la medicina mexicana del siglo XIX: la familia de Rafael Lavista.

 Además, este fotógrafo sin nombre captó momentos históricos de gran relevancia como las festividades en torno a la celebración del Centenario de la Revolución mexicana hechas en la Ciudad de México. También fotografió la entrada de Villa y Zapata a la Ciudad de México (el 6 de diciembre de 1914), así como algunos escenarios, vistas panorámicas, calles del Centro de la Ciudad, el Palacio Legislativo en construcción o los coches transitando por las calles de la ciudad.

 Se trata del análisis del archivo de un fotógrafo aficionado, que se cree se trata de Ángel Sandoval, que no se apegó mucho al estilo de su época (tal como lo harían los foto reporteros de principios del siglo XX). Más bien, dice Laura González-intenta recomponer la percepción rota de una ciudad que está en constante transformación. Lo interesante de estas fotografías es que la mayoría de ellas son estereoscópicas.

Autor desconocido, Obras del palacio legislativo, 1912.
Autor desconocido, Obras del palacio legislativo, 1912.

 Se trata de un fotógrafo que recorrió la ciudad de México capturando todo aquello con lo que se encontraba, calles, avenidas, personajes de partidos políticos, gente caminando por las calles y construcciones. Se puede decir que registro gran parte de la vida cotidiana de la ciudad de México. No sé si su trabajo podría compararse con el de Robert Doisneau, porque los objetivos de ambos fotógrafos distan mucho. Sin embargo creo que se asemejan en la forma en la que documentaron cada uno la ciudad en la que vivía, sin caer en el rigor de la fotografía documental de principios del siglo XX.

Autor desconocido, Puestos de Judas, semana santa, 1913
Autor desconocido, Puestos de Judas, semana Santa, 1913

 La fotografía estereoscópica fue el primer paso para lograr crear imágenes en 3D. Se puede decir que este invento de mediados del siglo XIX es el antecedente del View Master con el que jugábamos quienes éramos niños en la década de los noventa. Se trata de dos fotografías sobre un mismo soporte, una a un lado de la otra, con diferentes exposiciones que se ven a través de un estereoscopio, creando así la ilusión de una imagen en tercera dimensión.

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Autor desconocido, Hipódromo del Jockey Club en la Condesa, 1911

 A principios del siglo XX, la fotografía estereoscópica ya no era tan popular, pues este tipo de fotos estaban hechas sobre un soporte de vidrio (lo cual hacía que la fotografía fuese más cara y que el equipo, así como las fotos, fueran más pesados) . Con la invención de la carte de visite en la segunda mitad del siglo XIX, el papel comenzó a ser el soporte fotográfico por excelencia, pues significaba dos cosas: fotografías más baratas y más ligeras. Sin embargo eso no significaba que la fotografía estereoscópica haya dejado de utilizarse, y como prueba de ello se encuentran las fotografías de la colección de Ricardo Espinosa.

Autor desconocido, Obra Teatro Nacional, 1910

Autor desconocido, Obra Teatro Nacional, 1910

 Las noventa fotografías que se muestran en esta exposición son negativos y positivos de vistas estereoscópicas en soporte de vidrio. Sinceramente creo que vale la pena asistir a esta exposición si es que no han tenido oportunidad de ir, quedan pocos días. Así que pueden aprovechar y hacer una visita para conocer un poco más de la fotografía en México, de la fotografía estereoscópica y observar la transformación de la Ciudad de México en los primeros 18 años del siglo XX, (que en términos históricos son de gran relevancia).

 Visiten la exposición en el Museo de la Ciudad de México que se encuentra en República de Guatemala  #34, en el Centro Histórico. La entrada es libre. Por cierto, si les interesa saber sobre el libro de Laura González Flores: Otra revolución: Fotografías de la Ciudad de México 1910- 1918, les comento que se trata de un libro editado en 2010 por el Instituto de la Universidad Nacional Autónoma de México y lo pueden encontrar en la librería de las instalaciones del Instituto de Investigaciones Históricas que se encuentra en la UNAM.

Festival Mano a Mano: Historia y Fotografía

En abril inició el Festival Mano a Mano: Miradas Fotográficas Cruzadas que tendrá duración de un año, tiempo en el cual se expondrá el trabajo de algunos fotógrafos franceses que han sido de gran relevancia a nivel internacional como: Robert Doisneau, Bernard Plossu, Gisele Freund, Michel Seméniako. Además se mostrará el trabajo de: Désiré Charnay y Henri Cartier- Bresson, que destacan por su gran aportación fotográfica en el imaginario socio-cultural mexicano.

El proyecto surge como una cooperación cultural entre la embajada de Francia en México y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, con el que se pretende mostrar la relación celebrada entre ambos países a través del arte fotográfico, es decir, usando la imagen como eje central para el análisis y la mirada a la relación de amistad entre ambos países. El Festival traerá algunas exposiciones fotográficas; así como conferencias y talleres que giran en torno al trabajo de más de cien fotógrafos franceses y mexicanos. Todo ello exhibido en más de veinte exposiciones físicas y otras en plataformas virtuales.

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El Festival Mano a Mano y la remembranza histórica

Fotografía e historia se unen en un solo festival en el que las exposiciones y las conferencias giran en torno al análisis, la crítica y la valoración de ambas. Así pues, este festival recuerda la importancia de la producción fotográfica a nivel nacional e internacional, la relación histórica entre México y Francia, la reflexión en torno a la cultura visual (es decir, a los estudios históricos, antropológicos y culturales que giran en torno a la crítica y la teoría de elementos visuales como la pintura y la fotografía) en distintos momentos históricos.

Por supuesto que el Festival Mano a Mano es de celebrarse, pues no solo da una muestra del trabajo de algunos fotógrafos franceses en la escena local. Tal como se hace en la exposición La belleza de lo cotidiano de Robert Doisneau, albergada en estos momentos en el Museo Palacio de Bellas Artes. También expone la influencia francesa en materia de producción fotográfica en México. Más que un reforzamiento a las relaciones de amistad entre México y Francia, se trata de un repaso a la historia de la fotografía en México.

MÁS ALLÁ DE LAS FRONTERAS

Por Víctor Hugo Zárate Silva

Después de dos ediciones llega a la Delegación Iztapalapa el Festival Cultural Más allá de las fronteras  a cargo del Colectivo de Arte Aquí es México, que tiene como principal objetivo la difusión del quehacer artístico en todas sus ramas; además de generar sinergia entre la comunidad artística para lograr abrir nuevos espacios en donde se pueda mostrar el trabajo de cada artista.

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El título Más allá de las fronteras propone una reflexión crítica a uno de los ejes de trabajo que tiene el mismo colectivo: el arte como puente de entendimiento; así como la creación artística y las tonalidades que toma en la producción de cada individuo, desde: performance, poesía, proyecciones, talleres, música, arte sonoro, conferencias, teatro, además de contener la Exposición Colectiva Internacional Fragmentos donde participan más de treinta artistas de diferentes nacionalidades como: Alemania, Argentina, Colombia, Guatemala, Perú, Noruega y México.

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Dicha exposición contiene fotografía, grabado, dibujo, pintura y vídeo, principalmente. De esta forma el Festival pretende mostrar los mundos que cada artista posee en su interior y que en conjunto logran un lenguaje universal, llamado Arte. El Museo de las Culturas Pasión por Iztapalapa es la sede del festival,aquí algunas imágenes de la inauguración.

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 Por último los invitamos a que conozcan la Exposición Fragmentos que estará del 13 de Junio al 4 de Julio; así como de las diferentes actividades artísticas que a lo largo de la puesta los acompañaran.
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¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!

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¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.

 Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.

 Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.

 En base a dicha experiencia es que esté año logran crear  la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse  leyendas, o bien;  iconos de la cultura popular contemporánea.

Zapoteco_Beatles En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).

 Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.

 Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).

El Retrato Como Herramienta Crítica – Exposición

 

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La fotografía es un medio por el cual la gente puede capturar instantes especiales y específicos, para posteriormente al verlas nuevamente puedas volver a sentir aquel momento que te causo satisfacción o admiración, te evoque recuerdos o añoranzas.

El retrato fotográfico es un género donde se conjuntan una serie de iniciativas artísticas, en las cuales se resaltan las cualidades físicas, captando la esencia del sujeto a través de sus expresiones faciales.

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En la Galería de Arte del Palacio Municipal de la ciudad de Puebla se está llevando a cabo la exposición titulada “El retrato como herramienta critica“, en la que exponen trabajos de artistas como: Dulce Pinzón, Alberto Ibáñez, Colectivo Oso, Pedro Fonseca, Miguel Pérez, Nelly César y más. Son retratos en los que se plasma la realidad de la ciudad de una forma satírica, generando una crítica específica a problemáticas como el narcotráfico, los estereotipos, la equidad de género, entre otros. Todo esto con el fin de hacer reflexionar al espectador.

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Es interesante como a pesar de la crudeza de los temas, cada artista le da un toque chusco, algo que es más atrayente al espectador, notando a esta exposición distinta, ya que cada imagen tiene una composición plástica colorida, donde cada elemento tiene un significado especifico y claro; así no tienes que estudiar tanto la imagen, al estar lo símbolos a simple vista abiertos a la interpretación, pero llevándote al mismo significado.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición que es gratuita, y estará abierta hasta el 24 de Abril, de miércoles a domingo con horario de 11:00 de la mañana a 07:30 de la tarde.  Despierta en ti, tu lado crítico, y asiste. No te arrepentirás.

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La Maravilla de la Perla de Occidente

Guadalajara, conocida como la Perla de Occidente de México, es reconocida a nivel mundial por ser la capital del Tequila y del Mariachi. Esta ciudad, capital del estado de Jalisco, cuenta con un inmenso acervo histórico y cultural, además de un extenso número de monumentales construcciones reconocidas por su espectacular arquitectura, influenciada principalmente de las corrientes Neoclásica y Barroca.

En la ciudad de Guadalajara se puede encontrar una gran diversidad de artistas independientes con gran talento, a los que lamentablemente, no se les ha brindado el reconocimiento merecido. Por ello, el próximo 16 de febrero Chulavista Art House pondrá su granito de arena y llevará a cabo un evento que dará la oportunidad de apreciar y disfrutar un poco de las propuestas del arte independiente en Guadalajara. Es aquí donde Ana Vázquez y Angélica Topete ofrecen una exhibición que involucrara dos series fotográficas, dando un recorrido por esta ciudad con una herencia cultural evidente por todas partes y una diversidad increíble y majestuosa dónde lo moderno se combina con lo histórico en cada rincón.

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El evento se llevara a cabo en el foro Live Salas de Ensayo (Morelos #2088), en donde los asistentes podrán convivir con la fotografía y la música, comandada por Los Savants, donde construirán una atmosfera llena de energía para que podamos apreciar todos los detalles de esta hermosa ciudad.

Va a estar rico, ¡no se lo pierdan!

“Los irrespetuosos” cuestionan el arte

Por Miriam Martínez

@coopmi

A partir de hoy el Museo Carrillo Gil hospedará a 18 artistas a través de sus obras, visitantes de Colombia, Venezuela, Austria, Alemania, Ecuador y Argentina, además de mexicanos. Ellos estarán presentes a través de pinturas, instalaciones, videoarte y propuestas encaminadas al “happening” y arte conceptual. Lo anterior como parte de la exposición “Los irrespetuosos”.

El eje rector de la muestra es el cuestionamiento del arte. A través de las obras se cuestionan ciertos espacios de legitimación del museo y reúnen obras que parodian el arte canónico.

“Será una exposición muy entretenida y el público podrá apreciar la obra de artistas que han violentado la misma estructura del Museo de Arte Carrillo Gil, poniendo en duda la capacidad del espectador para entender si se trata de una burla o una vandalización” comentó el curador Carlos Palacios. Además señaló que el espectador podrá apreciar, en algunos casos, gestos iconoclastas que evocan el momento en que el artista francés Marcel Duchamp le pintó bigotes a la célebre obra “Mona Lisa”, de Leonardo da Vinci.

La muestra se exhibirá hasta el 17 de marzo de 2013.

Ubicación: Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Colonia San Ángel
Delegación Álvaro Obregón, C.P. 01000 México, D.F.

(Con información de El Universal)