Jon Hopkins, más análogo que ayer

 

A sus 33 años, Jon Hopkins ha tocado en giras mundiales con Coldplay, colaborado con productores como Brian Eno y escrito la música para películas como The Lovely Bones, por lo que se declara satisfecho y contento con su vida y carrera.

Conversamos con él unas horas antes de su presentación en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México en el marco del MUTEK.MX y nos hizo algunas confesiones sobre sus gustos y forma de trabajo.

 

Originally posted 2012-10-07 18:00:06. Republished by Blog Post Promoter

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

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Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

veracruz

 

 

Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

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Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

Originally posted 2013-10-28 16:56:08. Republished by Blog Post Promoter

#MegaOfrenda 2013 Chalet Caflugui, un gusto por el jazz-swing

Chalet Caflugui es un trío de chavos. Juntos tocan jazz-swing y contagian su gusto por la música.

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Yécatl

 Yécatl es el guitarrista, a los 23 años está convencido de que tocar “es lo mejor que te puede pasar, hacer lo que te gusta”. Le gustaría estudiar composición e incluso tocar con una orquesta, pero también “sacar la música del auditorio”, llevarla a la calle. Dice: “No me caso con una persona, canción, agrupación o género, lo que está padre”, mezclan sus estilos y gustos con los estándares del jazz para crear COLLAGE.

Jocelín
Jocelín

Jocelín toca la flauta trasversal y tiene 19 años. Quería empezar con la flauta de pico y llegar a ser como Horacio Franco, pero optó por la trasversal y quiere seguir con ella, a pesar de que le gustaría aprender a tocar otros instrumentos. Uno de sus maestros fue Erick Martínez de Triciclo Circus Band con quienes comparte el gusto por acercarce al público. Ella quiere tocar para la gente, “que lo disfruten”, porque a veces, a algunos intérpretes, “se les olvida que el arte es comunicarse”.

Beto
Beto

 

Beto López está en las percusiones con el cajón flamenco, shakers y pandero. De 20 años, le encantan los ritmos latinos y admira al baterista de la Maldita Vecindad. Ve a la música como “un refugio, un alivio que puede curar, hace volar tu mente, te llena de vida, siempre esta ahi, no importa la lengua. ¡Miles de personas se pueden encontrar en la música!”. No faltaba quien le decía: de la música no vas a sacar nada bueno, pero él cree que también de la música puede sacarse bastante provecho.

¿Por qué ese nombre?

Chalet: es un estilo de casa en suiza donde viven muchas personas. Es como una vecindad en otro lado del mundo. ¡Y una vecindad esta llena de folklor! Representa a todos los que nos han apoyado. Somos más de tres.

Caflugui: “Es una unión de lo que hacemos. CA (cajón), FLU (flauta) y GUI (guitarra). Es eso que tenemos cuando tocamos, no sé que es….es CAFLUGUI

Un día en la Escuela de Iniciación Artística 1, Yécatl y Jocelín comenzaron a tocar una canción que se oía, y de ahí simplemente siguieron tocando estándares de jazz. Al escucharlos, en Beto despertó la necesidad de descargar sus problemas en la música. Como no pudo conseguir un cajón donde tocar, agarró un bote de basura, sacó sus baquetas y por más de tres horas compartieron una experiencia asombrosa. Así surgió la idea…así nació Chalet Caflugui.

Los invitamos a deleitarse con su música en la Mega Ofrenda de las islas de C.U, este jueves 31 de Octubre a las 11:00 am, en el Foro KIN ubicado a lado de la Torre de Rectoría.

Originally posted 2013-10-28 18:09:41. Republished by Blog Post Promoter

Donají: cantante regional en la #MegaOfrenda2013

Donají
Donají

Donají creció rodeada de Trova, música latinoamericana y artistas como Pablo Milanés y Silvio Rodriguez, pues sus papás eran intérpretes de estos géneros. Sin embargo, ella gustaba más de escuchar blues y jazz.

En un principio pensó dedicarse a la actuación, acabó la carrera en el CEDART Frida Kahlo y estuvo algún tiempo como actriz de doblaje. Pero cuando conoció a Pro-Altenerne, la invitaron a participar en un proyecto llamado “el Jolgorio”. Le pedían que cantara son jarocho o huasteco, ella accedió a cantar música tradicional pero con su estilo, acompañada por un chelo y una guitarra. En ese momento empezó su búsqueda.

Después de varios proyectos, aprendió a gestionar su trabajo: “La música es mi oficio, mi profesión, quiero vivir de esto”. Creó una banda: Ojo rojo. Donde se despega del sonido acústico y experimenta con otros instrumentos. Ahí conoce a Jorge Lanny (su esposo), “el sabía exactamente que era lo que yo necesitaba”.

Ella elabora sus tocados
Ella elabora sus tocados

El siguiente paso fue independizarse, ahora se presenta como solista y tiene un grupo de músicos profesionales que la acompaña. El 30 de mayo del 2013, en la sala Julián Carrillo, estrenó su proyecto: “Donají presenta MEXICAN CURIOUS”. Donde mezcla la música regional con elementos del jazz, blues y funk. Con esta propuesta, busca salir del país.

Próximamente, busca cantar boleros, siempre imprimiéndole su sello personal.

Ella nos recomienda que compremos música independiente y nos involucremos en el proceso de producción. “Hay que darle oportunidad a las nuevas generaciones.”

No dejen de disfrutar de su música el día Viernes 1ro. de Noviembre a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda de C.U.

No faltes.

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LA ROMA RECORDS, UN REFUGIO PARA EL VINILO

Por Knuxx

@knuxxvomica

La cultura digital ha absorbido la calidad y el gusto por los discos físicos, muchos prefieren comprarlos en la red o conseguirlos gratuitamente de su puerto de piratería en línea de confianza. En la era digital, los defensores de los viejos formatos sostienen que no se puede comparar entre un archivo descargado de internet y un CD, mucho menos un disco de vinilo, ya que la calidad de audio en cada caso es totalmente distinta por el tipo de material y la grabación del mismo.

Los primeros DJs mezclaban con discos de vinyl; los raperos rimaban sobre pistas grabadas en vinilo; discos como: Swim de Caribou, Discovery de Daft Punk, Dummy de Portishead, por poner algunos ejemplos, son publicados también en este formato para brindar una opción extra de experiencia auditiva a los fans.

Esta cultura ha ido permeando en las nuevas generaciones y así es como han subsistido tiendas clásicas en la Ciudad para conseguir este tipo de discos. La última propuesta es La Roma Records, una tienda de discos en la colonia Roma Norte que es un paraíso para cualquier melómano. Platicamos con su creador, César.

 

¿Qué hacías antes de dedicarte a La Roma Records?

Soy diseñador gráfico y de eso vivo actualmente, sigo ejerciendo y lo de La Roma Records es un proyecto independiente de mi profesión.

¿Cómo fue que surgió la idea?

El proyecto originalmente fue concebido con mi amigo y socio DJ Sondera (residente en el club M.N. Roy). La idea surgió en el ahora ya lejano año 2000, como un sueño de veinteañeros después de que conocimos nuestra tienda independiente favorita en Londres, ahí fue cuando decidimos poner algo similar en México.  Al final, por falta de recursos no pudimos llevarlo a cabo y mejor pues un año despues vino el boom de Ipod y en los años subsecuentes también vino lo que para muchos fue la muerte del disco de vinilo. Si lo hubieramos hecho en esa época seguro hubiéramos fracasado.

¿Cuánto tiempo te tomó llevarlo a cabo?

Uf, yo empecé a trabajar sobre el proyecto en mayo de este año, pensando en abrir las puertas al público a finales de septiembre, pero como conseguí el local por accidente a finales de junio, tuve que apresurarme con todo ya que el local me encantó y cerré el contrato de arrendamiento sin tener absolutamente nada listo. Eso me hizo trabajar el doble para tener todo listo y así fue como inauguramos el 9 de agosto. Yo me encargue de diseñar la web, la imagen, el concepto del mobiliario y de toda la tienda en un lapso de mes y medio.

¿En qué te basas para hacer la curaduría de la música? 

Pues la mayoría está basada en la música que a mí me gusta o que me gustaría encontrarme en una tienda; bandas como Muse, Coldplay o Green Day quizá no los encontrarás por la tienda, pero si nos piden sobre encargo te consiguimos el artista que sea.

A partir de su apertura, ¿cuál ha sido tu mayor sorpresa?

Sin duda la principal sorpresa fue la respuesta de la gente, no pensé que fuera a tener una reacción tan aceptable por parte de los que ahora son mis clientes, el que vengan y regresen de nuevo es señal de que estamos haciendo bien las cosas.

¿Qué hace distinta a esta tienda de discos de cualquier otra?

Pues yo creo que lo diferente o lo que nos distingue es que compramos y cambiamos discos, no es sólo venta de discos nuevos. Por otra parte creo que somos la única tienda de discos que vende refacciones (cabezales, cartuchos, agujas) y que también vende y repara tornamesas.

La Roma Records
Álvaro Obregón 200 Bis 1
Col. Roma
Tel. 52 64 21 40
Twitter  @LaRomaRecords

Originally posted 2012-10-06 12:00:34. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Originally posted 2014-10-15 11:55:17. Republished by Blog Post Promoter

El sueño de EIKON

“Desde que tengo uso de razón siempre he tenido esa fascinación por darme a entender por medio de mis dibujos”
Eikon Sadid

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La claridad en el trazo es reflejo de una mente creativa, pero sobretodo, de una mano segura que fluye rítmica en sincronía con las imágenes formadas en la mente del artista. Eikon Sadid, ha conseguido replicar esta habilidad en varias disciplinas.

“…uno puede tomar una fotografía, coger un pincel y cada arrastre dejar su esencia, la esencia de todas las cosas que has visto, olido y sentido en cada aliento de tu alma.”

 En un principio se enfocó en el Arte Urbano, sin embargo podemos ver su trabajo en técnicas tan variadas como: Acuarela, óleo, aerografía, acrílico, acuarela y con la aguja entintada que llena de arte la dermis, los tatuajes.

“Siempre me atrajeron mucho, desde niño, las modas urbanas o movimientos. De una me pasaba a la otra. Me gusta mucho explorar las herramientas y los materiales…me gusta ver los acabados en distintas disciplinas, en los dibujos que hago. El hacer ilustración, por ejemplo, es una manera más de conocer mis límites y seguir explorando a mi mismo. El arte requiere mucha constancia, dedicación y sobre todo disciplina, porque sin eso, pasas a ser un pintor obsoleto o tu obra se apaga.”

 

Un sueño de vida

 Los sueños son la motivación inconsciente del ser humano, la pregunta es: ¿qué hacemos con ellos? Podemos ignorarlos o desarrollarlos a partir de nuestros talentos y emprender el viaje.

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“¡Conciencia! Vuelve por donde has venido, escóndete y déjame ser yo.” Eikon

 De pequeño, Eikon en vez de comprar monografías en la papelería, prefería dibujarlas por si mismo: “Una que recuerdo mucho es la de la muerte de Marat.”.

 En la búsqueda por la expresión, ha recurrido tanto a los trazos de lápiz sobre un pedazo de hoja como al ir y venir de las agujas en su máquina de tatuajes, pues cada forma es un medio para vivir su sueño, su realidad.

 “Los sueños son una manera de despertar en tu verdadero mundo, donde vives tus propias locuras.

 Lo maravilloso que tiene la vida es saber que existe una ligera esperanza de poder cumplir tu sueño, porque en la esperanza se puede sentir un aire de paz y paz es amor…Cuando uno es pequeño, es libre de ego. Es como el vuelo de papalotes entre amigos, todos queriendo ser libres y llegar más alto. Eso mismo se siente el hacer arte, esa libertad de saber que no hay límites.

 También piensas que tu hilo podría llegar al sol, existe ilusión pura dentro de tu corazón y esta misma es la que yace escondida en tu ser durante todas las etapas de tu vida…tu debes saber encontrarla y hacer amistad con ella, para poder jugar y disfrutar cada instante.”

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“Si uno quiere expandirse hay que salir y llenarse vida, conocer lugares que están llenos de magia, plasmar esa magia en tus recuerdos.” Eikon

 Eikon, como uno de los artistas urbanos “más destacados de su barrio”, participó en un programa de difusión artística en las fachadas y terrenos baldíos de San Andrés y San Pedro Cholula, Puebla. Entérate aquí.

 Acostumbrado a colaborar en proyectos conjuntos y reconocer el talento de otros artistas, nos aconseja:

 “Debes conocer el mayor número de sueños para conocerte a ti mismo, en todas las esquinas uno puede encontrar una persona que puede venir a darle un impulso a tu vida, cualquiera que sea esta, es una causalidad que da un giro distinto a lo que sería de no haber pasado así. Es decir, yo era de esas personas que decían que nunca tendrían hijos, Sofía vino a darle un nuevo sentido a mi vida y estoy muy feliz de conocerla…es una personita increíble ”

 Actualmente reside en Playa del Carmen, no obstante, estará en el DF hasta el 6 de junio. Localízalo en FB.

 Puedes conocer más del trabajo de Eikon Said en su página www.eikonone.com

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“Para mi la comunicación es un gran puente que te permite atravesar fronteras inimaginables, de manera espiritual, gráfica y emocional, ¡no tiene límites!”

 

 

 

 

 

 

 

 

Entrevistador: Bryan Erick Valdés

Originally posted 2014-06-06 00:51:19. Republished by Blog Post Promoter

Lluvia de Palos presenta: Tlaltekuinilistli

El 26 de abril tuve la maravillosa oportunidad de acompañar al ensamble Lluvia de Palos en la presentación de su disco Tlaltekuinilistli. Con un concierto y una conferencia en la Sala Carlos Chávez, este peculiar grupo musical comenzó una nueva etapa en su prometedora trayectoria artística.

 Lluvia de Palos, ensamble liderado por José Navarro (fundador también de Banda Elástica), es un grupo que hace música contemporánea con instrumentos pre-hispánicos. Esto les da un sonido muy particular: timbres arcaicos utilizados en un contexto de improvisación contemporánea.

 Tras el increíble concierto que dieron, donde embelesaron al público con una música desbordante de energía vital, platiqué un poco con Manuel Andrade -miembro de la banda, joven percusionista y estudiante de composición en la Escuela Nacional de Música- acerca del proyecto.

Samir Pascual
Samir Pascual

 Le Ramis: ¿Cómo es el proceso de composición y arreglo de las piezas?

 Manuel Andrade: Podría decirse que el proceso composicional de la música lleva como uno de los elementos claves la improvisación. Es un proceso que lleva tiempo, en el sentido de que sí, las piezas se escriben, pero van cambiando poco a poco a lo largo de estarlas tocando, pues se experimentan detalles pequeños a lo largo de cada ensayo. Así, después de un año, las piezas son reconocibles pero no necesariamente iguales. Hay una idea general, pero se va desarrollando poco a poco hasta llegar a una última versión, que es la versión del disco. De ser necesario se busca una manera de hacer una notación específica para cada pieza. Tal es el caso de “De mar a viento” u “Olla flechada”. Casi todas las piezas están compuestas por José Navarro.

 L. R: Tú que eres compositor además de percusionista, ¿cuáles son los retos de componer para un ensamble de puras percusiones?

Luis Miguel Costero
Luis Miguel Costero

 M. A: Creo como compositor que uno de los aspectos más interesantes de las percusiones son las variedades tímbricas que tiene un solo instrumento. Es muy importante considerar que al ser percusiones, cada uno de los integrantes debe desempeñar un papel que ayude al compañero a crear un ambiente específico o a desarrollar una idea en particular.

 Con esto me refiero a que cuando se compone se debe buscar la manera de que nadie opaque a nadie, y de que cada uno ayude con su parte a crear música. A veces es mejor no tocar nada si la música lo necesita, y después de un rato de silencio entonces tocar sólo si es necesario. Eso no solamente al componer, si no también al improvisar.

 Es determinante desarrollar un buen trabajo en equipo para obtener ideas que pueden desarrollarse y utilizarse en una composición. Algo fundamental para lograrlo es el escuchar lo que están haciendo los demás, como sucede en “Golpeando el viento la luna”.

 L. R: ¿Crees que el trabajo de José Navarro con la Banda Elástica influencia de alguna manea su trabajo con Lluvia de Palos?

 M. A: Por supuesto. Es con Banda Elástica que Pepe empieza a usar los instrumentos de percusión prehispánica. Aquí se ve muy claro lo que te explicaba del cambio gradual de una pieza a lo largo del transcurso del tiempo. Es con Banda Elástica que se empieza a trabajar de una manera inusual en una banda. Cada disco que tiene ellos es distinto al anterior y busca serlo, creo que es parte de lo que da pie al surgimiento de Lluvia de Palos. Luis Miguel Costero y Pepe llevan varios años trabajando juntos, ambos son integrantes tanto de Banda… como de Lluvia…

 L. R: ¿Qué instrumentos prehispánicos utilizaron para este disco?

 M. A: Pffff (piensa), son varios: Huehuetl, Teponaztlis, flautas y ocarinas de barro, caparazones de tortuga, sonajas, piedras, raspadores, ollas, sartales, palos de lluvia, campanas de barro, tambores de agua, tambores raramuri, caracoles marinos, entre otros. El DVD tiene una sección donde se muestran los instrumentos.

José Navarro L. R: Leí que además de los instrumentos, toman cosas de la cosmología y la visión pre-colombina para su quehacer artístico, ¿De qué manera funcionan los elementos extramusicales pre-colombinos en esta producción?

 M. A: Son fundamentales. Para esto hemos leído sobre todo a López Austin. Libros como Cuerpo Humano e IdeologíaTamoanchan y Tlalocan. Además del estudio del náhuatl, que es muy rico y muy profundo. Pepe lleva años estudiando y bueno hay quienes estamos empezando a estudiarlo. Es uno de los aspectos más importantes del grupo. Existe un libro muy bueno titulado México Profundo de Guillermo Bonfil Batalla, en el cual se muestra la importancia de reivindicar a las sociedades indígenas en un continente “occidentalizado”.

Lluvia de Palos no pretende hacer música prehispánica, pero para componer se toman ideas de las experiencias y lecturas de la cosmología. También como parte del enriquecimiento y retroalimentación del grupo se han hecho varios temazcales ceremoniales.

 L. R: ¿Cuánto tiempo duró la grabación y producción de este disco?

 M. A: Poco más de un año.

Manuel Andrade
Manuel Andrade

 L. R: ¿Tuvieron algún apoyo económico en el proceso?

 M. A: Si: por parte de Epromúsica, Estimulo hacia la producción musical, Conaculta INBA y Coordinación Nacional de Música y Ópera.

 L. R: ¿Dónde se podrá comprar el disco?

 M. A: Me parece que en las librerías Gandhi, en MixUp, en los conciertos del grupo o directamente con los músicos. Creo que también por internet.

 L. R: Ya tienen el disco, ¿ahora qué sigue?

M. A: Aún falta mucho por hacer (ríe). Pues creo que descansar una semana (ríe) y después seguir en los ensayos. Muchas veces dedicamos tiempo del ensayo para gestionar. El disco nos ayudará a promover nuestro trabajo, pero es apenas el comienzo de otra etapa nueva. Sigue desarrollar nuevas ideas para nuevas composiciones y seguir trabajando las que ya tenemos.

 Quiero mencionar otro de los aspectos importantes del grupo, que es la idea de la interdisciplina. Música y danza están muy relacionadas entre sí. Hay periodos en que los músicos tomamos pequeños talleres de danza, o una que otra clase de Aikido. Pepe practicó esta arte marcial durante 8 años y la interdisciplina es parte de lo que pretende abordar Lluvia de Palos. De hecho, existe ya una presentación que incluye música y danza, se llama Ojos de Tierra (pueden verla aquí).

Originally posted 2014-05-03 11:06:21. Republished by Blog Post Promoter

El futuro del cine está en los nuevos cineastas

El cine mexicano está comenzando a retomar su auge con la llegada de nuevos y jóvenes cineastas, pero el hecho de ser un cineasta joven no abre las puertas de todo el mundo, eso se consigue perseverando y sin perder de vista el objetivo de ser un buen cineasta y producir cosas que renueven el mundo del séptimo arte.

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Nuevos y jóvenes cineastas están comenzando una generación que busca crear cortos, películas, largometrajes etc. Y posicionar al cine mexicano como uno de los mejores, un ejemplo de estos nuevos cineastas es Hiram Roberto Estupiñan y Luis enrique Gámez.

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Estos dos jóvenes cineastas han creado muchos cortometrajes, han participado en múltiples  concurso y se han dedicado abrirse paso por el mundo del séptimo arte. Comentaron que para ellos “no hay gloria sin sacrificio” y en efecto no la hay,  ellos comenzaron a producir pequeños cortos desde hace aproximadamente 3 años. El año pasado participaron como extras en la película 5 de mayo la batalla  y actualmente están trabajando en pre-producción  de la película El lado oscuro de la montaña del directo Hugo Vivar. 

Hiram Roberto Estupiñan y Luis Enrique Gámez  sugieren a todos aquellos que quieren hacer cine o hacen cine, “buscar por todos los medios producir sus ideas, no importa el equipo importa el contenido y principalmente hacer las cosas por amor al arte, la parte monetaria llegara a su tiempo”. Aquí está el corto del proyecto en el que están trabajando (El lado oscuro de la montaña)

ovni en Puebla.

Originally posted 2013-06-24 17:56:44. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

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Entrevista a Ileana Solís, figura del teatro panameño

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Ileana Solís recuerda contar con no más de 4 años y vivir en Calidonia. Recuerda vivir en un cuarto semi-oscuro donde los niños que lo habitaban iban y venían descalzos, sorteando hoyos, rocas, cubos repletos de agua por las goteras y alimañas, cuando tuvo su primer acercamiento con el teatro; con el carnaval, para ser más exactos. Ileana Solís sentada en el pequeño balcón de su casa vio la muerte pasar frente a ella. Ileana Solís le extendía la mano a la muerte y la muerte se la sostenía. Ileana Solís quería ser tan grande -algún día- como la muerte; como esa muerte. Como una niña lo deseaba y como un soldado lo lograría.

Nacida en el Hospital Santo Tomás, ubicado en la Ciudad de Panamá en el año de 1952, es una de las representantes más importantes del gremio teatral en Panamá desde hace muchos años. Aunque su camino no fue fácil, e incluso, si fuera posible volver a esa época, no muchos hubieran podido predecir que ella volcaría en el monumento que es ahora. Hasta su pubertad, cuando cursaba los primeros años de la escuela secundaria, comenzó a tener desenvolvimiento escénico, donde todos los viernes daba pequeños shows y monólogos para sus compañeros de clase.

Finalmente, hasta 1971, en la etapa que estudia Química en la Universidad de Panamá, comienza a hacer teatro formal. Y es curioso su comienzo, pues todo se lo debe a un chico atento, perspicaz y tal vez algo coqueto que la miraba entrenar lanzamiento de jabalina y disco en el campo de la Universidad. Jamás supo su nombre ni volvió a verlo después, pero interrumpiendo su entrenamiento, argumentaron un poco y después caminaron juntos hacia la facultad de humanidades en busca de un teléfono publico. Lo hallaron, era el único que funcionaba en ese momento. Y es ahí donde Ileana entra, por curiosidad, en una puerta con una inscripción que rezaba: T.T.U. Taller de Teatro Universitario, que se ocultaba levemente a un costado de la caseta de teléfono. Entra con autoridad y de un grito llama la atención de todos los estudiantes, canta y baila El Toro Enamorado de la Luna y se finca ahí, después de esto ya no había nadie que la detuviera.
Se forma como actriz en distintas academias como el ISTA, la Escuela Internacional de Antropología Teatral en 1981 y con maestros de mucho prestigio, como Roberto Mckay, el modernizador del teatro panameño, Jackes Le Coq en Francia, entre otros.

ileana solisSus presentaciones comienzan en 1971, en mayo, cuando comienza a trabajar en una exposición de teatro popular financiada por el estado. Después en 1981, presenta el Asa Nisi Masa de Roberto Mckay y viaja a Italia para formarse 4 meses con un profesor danés. Después, en noviembre del mismo año, vuelve a Panamá y funda el grupo de teatro “Oveja Negra” que se dedica a hacer teatro popular y callejero, con el que participa en el Festival Internacional de Teatro de Calle en Bogotá en 1984 y es laureado.

Más tarde, en 1987, prueba otras alternativas y encuentra en los monólogos lo que siempre había soñado: el crédito completo y una voz altiva en contra de la represión de Noriega. El primer monólogo de su autoría titulado Movimientos al Sol, ve la luz del sol en 1989, el cual después es secundado por Los Silencios del Jaguar, basado en el Popol Vuh, y finalmente terciado por Mudo, quiere ser Diablo, en 1998 que expone la idiosincracia del panameño en esa época. Actualmente es profesora en la Escuela de Teatro de Bellas Artes.

– Ileana, un par de preguntas, ¿Por qué teatro y no cualquier otra disciplina artística?

-El teatro es como un laboratorio y los actores deben ser los laboratoristas, deben probar con todas las formulas, elementos y ver sus resultados, ver qué compuesto dan y cómo lo toma el público. Por eso es que hago teatro, me gusta plantear circunstancias al público, ponerlos incómodos, hacerlos llorar de risa, de miedo. Los envuelvo con mi teatro y les exijo que participen. Muchas otras veces les tomo el pelo y con estas mismas situaciones los engaño y los mantengo encerrados en un teatro oscuro y tenebroso durante 20 o 30 minutos.  En mi laboratorio todos deben conocerse a sí mismos antes que nada. Por eso es por que hago teatro y no cualquier otra disciplina artística.

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VI Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz 1992

– Segunda y para terminar, ¿Qué aporta Ileana Solís al teatro panameño? ¿Qué futuro le ampara bajo su yugo?- Déjame decirte que yo no asisto a muchos eventos religiosos, pero puedo jurar por Dios que puras bendiciones. Aunque en realidad no sólo es bajo mi yugo donde el teatro se resguarda y se alimenta, hay muchos más. Creo que el teatro, tanto comercial, como experimental, clásico, callejero, etcétera, esta tomando un nuevo aire y comienza a respirar más sanamente. El problema a lo largo de los años ha sido que no hemos tenido formadores de nuevos talentos en este ámbito, sin embargo, poco a poco la gente se interesa más en el teatro, llenando pequeñas salas de teatro experimental o buscando instituciones dónde estudiar actuación. Y esa es en realidad mi aportación, yo levanté el teatro panameño de donde estaba. Claro, junto con algunos más, pero si me permites la arrogancia, hay veces que me lo    adjudico todo a mí, solamente a mí y a nadie más.

Las dos caras del Teatro La Quadra guiñan, y los muros del gran Teatro de Panamá aplauden. El T.T.C. es la cuna de la niña Dios de las actuaciones y todo el pueblo le lleva incienso, mirra y oro como lo hicieron los 3 reyes. Las calles de Panamá esperan impacientes que un día, esa niña Dios se levante, actúe y después vuelva a sentarse en su pesebre.

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#MegaOfrenda2013 Manuel Gallo en Morirás…

 

Manuel Gallo
Manuel Gallo

Le gusta actuar, escribir, cantar y siempre busca hacer de sus aficiones algo profesional. Él es Manuel Gallo, actualmente un actor invitado en Máquina de Espacio: Teatro en el teatro Cuauhtémoc. Desde hace cuatro años que entró a la compañía, ha representado un sinnúmero de personajes provenientes de todas las obras de teatro posibles: obras infantiles, clásicos inolvidables e incluso ópera. Casi siempre con papeles heróicos, pero sin pasar de alto algunos papeles antagónicos “divertidísimos” de representar.

Teatro ambulante
Teatro ambulante

Una gran colección de títeres, manejados por él y sus primos cuando eran chicos, fueron su primer acercamiento al escenario. Uno que recuerda con especial cariño es una Caperucita roja, perteneciente a su abuela, capaz de transformarse en el lobo y la abuelita de caperuza con sólo voltearlo de cabeza.

En su afán de crear, escribe guiones de teatro e incluso de cortometrajes que ha tenido la oportunidad de grabar y presentar en compañía de su familia.

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Manuel Gallo

Como alumno de canto en Estudio Allaire, cantó Carmina Burana, obra de Carl Orff que pasó a ser de sus favoritas. Actualmente participa en un ensamble, ellos quieren hacer de la música algo importante en sus vidas, cantan a cappella una serie de canciones a las que les imprimen su sello.

Actualmente, a demás de las obras de teatro que presenta en el teatro Cuahutémoc, participa en un proyecto de día de muertos. Un montaje en el que buscan interactuar con el público y sugestionarlos con un hecho innegable para el hombre: la Muerte. Este viernes 1 a las 13:00 horas, en la Mega Ofrenda se presentará esta obra de teatro inusual…Morirás…

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#MegaOfrenda 2013, es el tiempo de Mr. Syms Trío

 Un trío tradicional de jazz (Contrabajo, batería y saxofón), con ideas poco convencionales.

Buscamos una “fusión armónica y del lenguaje” musical, dice Santiago Rodriguez, contrabajista de Mr Syms trío. Con sus composiciones originales, quieren encontrar el sonido perfecto…”los ensambles se trabajan con el paso de los años”.

Santiago estudió jazz en la escuela Superior de música, pero el Reggae es uno de sus géneros favoritos. Admira la originalidad del pianista Oscar Peterson para armar conjuntos de jazz con inusuales combinaciones de timbres y sonidos. Su primer acercamiento a la música fue con un trombón que le regalaron de cumpleaños, pero fue hasta conocer el Contrabajo, “un instrumento de mucha responsabilidad y conciencia”, que encontró la dedicación en el estudio de este arte.

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Desde la infancia conoce a “el Wero”. Él toca la batería desde los 5 años, pero fue alrededor de 2011 que decidieron formar un dueto con tal de repasar repertorio. Poco después se incorporaría Ricardo Jasso, saxofonista, y surgiría Mr Syms trío.

Ricardo, a pesar de estudiar el estilo “clásico” en el Conservatorio, gusta mucho del jazz y la música contemporánea. Por eso, toma clases particulares de técnica extendida y defiende lo contemporáneo, Jerry López y Remi Álvarez son dos saxofonistas mexicanos cuya técnica admira y gustaría tener de maestros.

 “es nuestro tiempo, el que nos toca a nosotros…donde debemos enfocarnos y desarrollarlo”.

 

No te los pierdas en la Mega Ofrenda 2013 en Ciudad Universitaria.

 

Originally posted 2013-10-28 19:32:55. Republished by Blog Post Promoter

Armadillo Pots: La dualidad entre la vida y la muerte en una maceta

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Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.

 En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.

 Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.

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 Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.

 Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.

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 La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.

 Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.

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Originally posted 2014-09-09 11:17:54. Republished by Blog Post Promoter

“La piratería es cultura” afirma Ali Gua Gua

Las Ultrasónicas, Kumbia Queers, Afrodita, Afrodyke, Intestino Grueso y DJ Guagüis son algunos de los proyectos, muchas veces de corte experimental, en los que ha participado Ali Gua Gua que ahora nos presenta su material como solista: Forever Alone, disco en el que toca casi todos los instrumentos, canta, hace las  bases rítmicas y graba con el apoyo de Julián Lede (Silverio, Titán, Beso Negro).

“¡Ya era hora! de sacar un disco como solista, era algo que nunca había hecho; siempre había trabajado en proyectos con gente distinta y fue muy divertido, pero quería probar en solitario. El proceso fue muy espontáneo, en realidad no lo planeé, las cosas se fueron dando de manera natural; los horarios coincidieron y los planetas se alinearon. Es una síntesis y un reflejo de mi trabajo de todos estos años, pero también es algo mucho más íntimo y más directo en relación con lo que me identifico musical y líricamente.”

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El título del disco bien podría interpretarse como una forma de sarcasmo debido a lo que alude mientras es utilizado para presentar el primer material en solitario de esta multinstrumentista.

“Forever Alone significa varias cosas. Por un lado me daba risa como título para un primer disco solista. Es muy meme también, muy internet y eso me gusta. También porque siempre he sido una solitaria a la que le encanta la fiesta. Además es loco, pero es como un mantra que he tenido desde pequeña. Forever Alone para mí significa: la música y yo.”

Algo que resulta muy interesante de este material es que puede conseguirse de forma totalmente gratuita en la internet y que la versión física del material (cd) será pirata, a diferencia del acetato que será una especie de arte objeto. Ali Gua Gua explica nos explica esto:

“Pues que para mí, si alguien quema un disco en su casa y hace el arte de su banda, ya esta haciendo un disco artesanal. No he entendido nunca eso a lo que las disqueras llaman ‘disco pirata’. Tampoco entendí jamás por qué las disqueras no pusieron sucursales en la calle, al lado de su competencia directa, abaratando los precios y haciendo un disco accesible.”

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Pero la cantante no deja la discusión en este punto: de forma similar a lo que ha hecho Radiohead, Ali Gua Gua emprende una forma de producción musical que antepone los intereses propios del artista a los que las disqueras y las nuevas formas de consumo musical que tanto abundan en nuestros días (YouTube, Spotify, etc.)

La piratería es cultura. Está en todos lados y hace posible que el arte llegue a nuestras casas de manera económica, sin pasar por corporaciones… Mi disco es artesanal porque lo hago yo y lo distribuyo de mano en mano en los conciertos y en lugares de confianza. El cd además es desechable, así que para mi es funcional que cueste casi nada y que todo el mundo tenga acceso a él. Mientras el vinilo es la mejor manera de escuchar y conservar música desde mi punto de vista, aunque cueste más fabricarlo, venderlo, cargarlo y distribuirlo.”

Para consultar las fechas de las próximas presentaciones de Ali Gua Gua puedes consultar sus cuentas de Facebook (aliguagua) y Twitter (@aliguagua).

Con información de La Jornada.

Originally posted 2013-12-12 18:13:07. Republished by Blog Post Promoter

Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

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El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte

Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.

We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.

 Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.

Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.
Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.

  Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.

“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza  o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.

 La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.

 Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.

 Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.

 En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.

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 El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.

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Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Los Pinches Fresitas: expresiones musicales en cinta magnética

 Como parte de la programación musical del programa Estación Delay, el cual se transmite de 7 a 8 de jueves a jueves por Chulavista Radio, en la última transmisión se presentó una propuesta musical llamada Los Pinches Fresitas. Desde zona sur de la Ciudad de México, el único integrante de la banda llegó en bicicleta para platicar sobre su pasado, presente y su futuro.

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 Al escuchar el nombre y la música de Los Pinches Fresitas cualquiera puede imaginar una agrupación o mínimo una pareja de músicos haciendo una excelente mezcla de sonidos basados en la experimentación electrónica, pero curiosamente aunque esta banda tiene un peculiar y característico nombre en plural, esta conformada por un solo integrante: Pablo, quien en una entrevista comentó cómo fue que decidió iniciar este proyecto inspirado en los sonidos electrónicos, involucrando elementos de la vida cotidiana. Las pegajosas letras de las canciones pop de los años 80’s y en el caso de la melodía “Tengo un amigo que me ama” inicia con coros con tonos eclesiásticas entonadas por niños rarámuris.

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 A continuación puedes escuchar la entrevista completa a Pablo y las canciones de los pinches fresitas que sonaron en Estación Delay, donde nos cuenta ¿porque decidió encapsular su música en viejas cintas magnéticas?

Technicolor Fabrics meets Chulavista

Para los miembros de Technicolor Fabrics, el trabajo duro que han realizado ha tenido la buena fortuna de abrir  conciertos a bandas que llegaban a México en un gran momento.

En estos días, la banda tapatía está produciendo su tercer disco. Para este proyecto, han decidido trabajar con toda la libertad para desarrollar ellos mismos su material y producirlo por sus medios.

Nos sentamos a que nos sirvieran un trago mientras nos contaban acerca de su historia, su proceso creativo y sus gustos. Conoce de cerca a este grupo que ha tomado las riendas de su dirección musical y comienza una nueva etapa.