El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte

Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.

We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.

 Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.

Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.
Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.

  Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.

“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza  o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.

 La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.

 Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.

 Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.

 En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.

Captura

 El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.

Mariana, Milton y la veleidosa fascinación adolescente

Entre pop, rock, folk, dance, punk, jazz, grunge, además de la decena de subgéneros que pudieran derivarse de cada uno de los géneros que conocemos… Sí, vivimos inmersos en un exorbitante y complaciente mundo musical en el que difícilmente habremos de habitar sin tener algún álbum o canción que persista en nuestra cabeza como repiqueteo constante. Bienaventurados sean los melómanos.

 Discos que habremos escuchado hasta el cansancio; canciones que se traducen en personas, momentos y etapas muy específicas de cada individuo; vaya, que hasta los llamados gustos culposos son un deleite total a los oídos de quien (secretamente) los guarda en lo más profundo de la biblioteca musical.

 Uno de los mencionados repiqueteos constantes de quien escribe y que ahora comparte, es una agrupación originaria de Chile. No es novedad hablar de aquella refrescante oleada de proyectos de exportación andina que se ha extendido por Iberoamérica e invadido cada país que recorren con su música de encantadora ligereza, calidad y notable versatilidad, que va desde proyectos como Alex y Daniel, Astro, Cólera Jet y Prehistöricos, hasta nombres mucho más conocidos como Gepe, Francisca Valenzuela y Javiera Mena. México ha sido un habitual consumidor de esa música chilena que desde hace algunos años se exporta en cantidades considerables, al mismo tiempo que nosotros, como público, nos hemos posicionado también como uno de los favoritos de los prolíficos sudamericanos.

 El proyecto en cuestión es, de hecho, un dueto. Dënver: Hombre y mujer, él y ella, que llevan dos emes por iniciales en sus nombres: Mariana Montenegro y Milton Mahan. El proyecto que toma su nombre del libro On the Road, de Jack Kerouac, ha plasmado su sonido clasificado como indie pop en tres álbumes de larga duración y tres EP’s a lo largo de su periodo de actividad que va desde 2004 a la fecha.

 “La gente que viaja equipada, en realidad nunca se va de su casa”: Totoral, de 2008, con un sonido sumamente dulce y con voces sutiles, delicadas y en tonos ligeramente agudos —que habrían de convertirse en una de las peculiaridades distintivas de su música—, entregó singles como Los últimos veranos, Paraíso de menta y Miedo a toparme contigo, ésta última, pieza musical aún rescatada en los gran parte de los setlist de sus presentaciones.

 “Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta […] Y si quieres suicidarte, yo podría dispararte, y también acompañarte al infierno, a cualquier parte… “. Con la salida al mercado de Música, gramática, gimnasia a finales de 2010 —coproducido por el mismo Mahan— es que se catapulta exponencialmente el éxito de la banda, y es durante la extensa promoción de este álbum, que el dúo chileno llega a escenarios mucho más grandes de los que acostumbraba. Como parte de la edición número trece del Festival Vive Latino, Dënver llega a México a presentar su segunda placa discográfica de la que se desprenden tracks como Diane Keaton, Olas gigantes, Cartagena y En medio de una fiesta.

 “Quizás acabamos en un bar […] Tal vez podríamos quedar en ir a la piscina fiscal, juntarnos un día para armar…”. Su tercer álbum llegó en 2013 para hacerse de críticas positivas por parte de los medios acerca de la consolidación de su sonido, y con un cálido y previsible recibimiento por parte de los acérrimos fans que les seguían desde el inicio y los se juntaron al camino. En contraparte, el dúo emitió un comunicado en el que, inesperadamente, anunciaba su separación. Aún después de dicha notificación, Dënver se presentó unas cuantas ocasiones más, entre ellas, en el D.F., y terminaron desistiendo a la ruptura del grupo argumentando que se trataba de diferencias que, finalmente, supieron resolver.

 El álbum titulado Fuera de Campo cuenta con la participación de Cristóbal Briceño, parte de la agrupación Ases Falsos, también de procedencia chilena, y es enteramente producido por Milton Mahan. Se desprende el primer single de nombre Revista de gimnasia, cuyo video fue dirigido por Bernardo Quesney y fue premiado como el Mejor Video Chileno de 2013.

 El pasado domingo dieron a conocer el video del segundo corte del álbum. De la pista número 3, Profundidad de campo, es nuevamente dirigido por Quesney y, además de ameno, resume a gran escala mucho de lo que el concepto de esta banda implica. En el video se perciben reminiscencias a los años ’70, se crea esa ilusión de que se les mira a través de un televisor con imágenes de baja calidad, fondeado con música disco y mientras participan en el programa ficticio ‘Tocando las Estrellas’; eso sin mencionar la fantástica química entre Mariana y Milton, evidente hasta en la pequeña coreografía de baile que se ve en el video —que, bien vale mencionar, replican en cada uno de sus actos en vivo—. Hay, además, una divertida referencia a cierto filme de Brian de Palma.

 A propósito de su reciente visita a México, apenas durante la semana pasada, Dënver en su última presentación en el D.F. antes del viaje de vuelta a Chile.

Mariana Montenegro
Mariana Montenegro
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Milton Mahan

 Además de posicionarse como una de las bandas más populares de Latinoamérica, el dueto de Montenegro y Mahan es responsable del sello discográfico Precordillera, firma que cobija proyectos amigos, como la más reciente producción de Prehistöricos.

 Dënver es un dueto joven que crea música también para jóvenes con temática de fiesta en sus propias palabras—, sintetizada en un pop ameno de letras con algo de coquetería y melodías contagiosas que cobran vida cuando se les echa un vistazo en vivo. No es la banda revelación del año, ni es nuevo hablar de estos dos chicos ya posicionados en el radar musical de miles de oyentes, pero sí es un proyecto sin prejuicios, desinhibido y una propuesta que aún promete bastante, y por la que bien valdría la pena dejarse seducir.

Más de 43

Fue el 26 de septiembre, a principios de otoño. Esa noche, el sonido de las balas ensordeció muchos corazones, muchas esperanzas, muchos sueños. El aire tropical guerrerense dejó de exhalar brisa templada cuando todos supimos la noticia: eran 43, un número sordo, un número impar. Cuarenta y tres, 40+3, 4-3…43 puede ser un número pequeño, pero pesado: cargaba con tantos anhelos…

 43 anhelos que han permanecido amordazados, maniatados, sino es que dormidos, quemados, enterrados. Llanto por doquier, llanto de la madre de Jorge Aníbal, del padre de Felipe, de la hermana de Antonio… de la esposa e hija de Julio César, a quien le arrebataron el rostro en su intento por huir de las balas. Su cuerpo mutilado es el reflejo de la más dolorosa indiferencia, del sadismo de los que todo lo tienen, de la desesperanza, la miseria y el despojo.

 Ellos eran (no, no eran, son)… Ellos son esos chavos que provienen de familias campesinas, pero quieren superarse. Son quienes tienen el interés de compartir sus conocimientos, de enseñarles a leer a niños indígenas de la montaña que no hablan español. Caminaban de dos a cuatro kilómetros de sus casas a las escuelas cercanas a su comunidad. Por eso decidieron ir a la Normal, donde podrían comer y dormir para así aligerar los gastos familiares y valerse por sí mismos. Aunque fuera entre cucarachas, aunque tuvieran que dormir 10 en el mismo cuarto, no importaba, el fin justifica los medios.

 “¿Quiénes son esos pinches indios revoltosos?”, se leía y se escuchaba por ahí…quizás no lo sabemos, porque no son nuestros Emilianos, Israeles o Alexanders, porque sólo los hemos visto en las fotos que andan circulando. No les conocemos el rostro, pero sabemos que somos nosotros. Te das cuenta de que eres tú porque también eres estudiante, porque también corres el peligro de que te arranquen la vida por el simple hecho de ser joven y cuestionar lo que te rodea. Porque también te persiguen por pensar que puedes sacar del atraso a tu comunidad, porque te indigna nadar en la mierda y quieres salir de ella…

 Da rabia y coraje que los sueños de Abel y José Ángel “estén” enterrados en fosas clandestinas. Da terror imaginar el miedo y la incertidumbre de sus padres, de las madres campesinas que apenas hablan español, que no pueden entender por qué… ”¿Por qué nuestro muchacho? si él sólo venía a estudiar y superarse, ¿por qué me lo quitaron?”

A relative of one of the missing students from Ayotzinapa Teacher Training College "Raul Isidro Burgos" cries during prayers at the basketball court in the school at a private mass in Tixtla

 Iguala ya no será la misma. Iguala está salpicada de la sangre de David Josué, quien con apenas 15 años sólo sabía de amigos y fútbol. Se los arrebataron. Las huellas dactilares del odio son la única y más palpable evidencia de esta soledad infinita que recorre los huesos de todos y cada uno de nosotros, quienes les lloramos. Y su cadáver está repleto de ellas.

 El rostro de Julio César vive en nosotros, no nos lo arrancaron. Aún tenemos ojos para mirar y boca para gritar que vivos se los llevaron y vivios los queremos. Y mientras “ellos” buscan a 43 muertos, aquí esperamos a 43 vivos, para gritar con esta misma rabia que queremos justicia. Juntos y vivos o que todo arda. Somos más de 43.

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Imágenes tomadas de internet, la última del facebook de Semanca Huitzilin https://www.facebook.com/temixoch

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Impresiones francesas sobre: el Día de la Independencia

En ce mois de Septembre, le Mexique fête son 204ème anniversaire d’indépendance. Cette célébration n’a pas seulement lieu au Mexique : elle est aussi perpétuée par chaque communauté mexicaine dans le monde, comme à Paris par exemple. Les fêtes d’indépendance se prolongent sur deux jours, commençant le 15 Septembre jusqu’au 16 Septembre de chaque année. Le 16 Septembre 1810, le prêtre Miguel Hidalgo prononça un discours appelant le peuple à se soulever contre le régime de la couronne espagnole. Ce discours fédérateur a réussi à rallier les foules et est répété, de nouveau, dorénavant chaque 15 Septembre par le président de la République. Il est appelé le « Grito de Dolores », littéralement « le cri de Dolores » en référence à la ville où il a été prononcé.

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La fête de l’indépendance mexicaine célébrée à Paris.

  Cet événement historique commence par le discours du Président, suivi d’un triple «¡Viva México!» déjà scandé par la foule en 1810 et crié de nos jours. La foule rassemblée se compose de jeunes et de familles, venus tout exprès au zocalo, la place centrale de chaque ville. Le lendemain, au 16 Septembre a lieu un défilé militaire. A cette occasion, il est commun de raviver des éléments de la tradition mexicaine, notamment gastronomique en dinant de plats typiques tels : le pozole (une soupe à base de maïs et viande de porc ou poulet), le chile en nogada, ou encore en savourant des dulces (sucreries). Le  chile en nogada se compose de  chile poblano (un type de poivron doux) farcis à la viande de porc et aux légumes, couverts d’une sauce blanche crémeuse et parsemée de grains de grenade. L’histoire veut que ce plat ait été créé tout exprès par des sœurs d’un couvent de la ville de Puebla en 1821, lorsqu’elles surent l’arrivée de généraux ayant combattu pour l’indépendance. Ce plat porte d’ailleurs les couleurs du pays : le vert du chile, le blanc de la crème et le rouge des grenades.

chile en nogada

Le fameux chile en nogada

  Outre la préparation de plats typiques, les mexicains s’accordent aux couleurs de la bandera, le drapeau mexicain. A cette occasion, le mexicain porte : maquillage, chapeaux, tee-shirts et autres goodies verts, blancs, et rouges. Ainsi il se sentira mexicain et prêt à festoyer au zocalo. J’ai été étonnée par cette vague de couleurs, et d’autant plus par l’enthousiasme des jeunes notamment sur les réseaux sociaux. Comme tout évènement politisé il entraine des débats sur la véracité de participer à cet acte patriotique. La communauté mexicaine à Paris n’était pas en reste : discours de l’ambassadeur, cris du ¡Viva México!, et un concert de mariachis –musiciens traditionnels- venus du Mexique exprès pour la soirée.

14 juillet - paris - 2014

La Tour Eiffel devant les feux d’artifices du 14 Juillet 2014

 J’ai, évidemment fait un parallèle avec notre fête nationale commémorée en France chaque 14 Juillet. Nous célébrons la Révolution Française, la fin de la monarchie absolue et la Première République. Nous avons aussi nos spectacles de feux d’artifice, le bal, un discours du Président assorti d’un défilé militaire et aérien. En revanche, je n’ai pas encore assisté à une jeunesse peinte de bleue, blanc et rouge le jour du 14 Juillet. Nos enthousiasmes les jours de ces commémorations ne se traduisent pas de la même manière.

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

Preview: Festival Internacional Cervantino 2014

 Cervantino-2014

Posicionado quizá como uno de los eventos más esperados de todo el año, el mes de octubre trae consigo el Festival Internacional Cervantino. Nombrado así tras uno de los pilares de la literatura española, Miguel de Cervantes Saavedra, este Festival se lleva a cabo año con año en Guanajuato: en la ciudad capital y en León, la más grande del estado. Ambas locaciones ya de por sí implican un grandioso atractivo por sí mismas. Su arquitectura de calles empedradas, estrechos callejones y misteriosos túneles, además de su riqueza inmaterial, son testigos de esta jornada artística que se extiende por casi todo el mes y en la que confluyen actos relacionados con las artes escénicas, visuales, la danza y la música.

 El encanto de esta fiesta cultural radica, sin duda, en la diversidad. Encontramos actos de distintos costos y también gratuitos; protocolarios, de boleto en mano, o con la espontaneidad que implican los actos en plazas públicas; es posible una ópera en el teatro y una fiesta subterránea en el mismo día y prácticamente en el mismo espacio. Además, reúne ejemplares sobresalientes de diferentes disciplinas y a todas escalas: se considera a los proyectos locales emergentes, se extiende la invitación a proyectos de distintos estados de la República y se da la merecida bienvenida de los asistentes internacionales, logrando así una pluralidad espléndida.

 Este año se llevará a cabo la cuadragésima segunda edición, y tendrá a Japón como país invitado de honor, y a Nuevo León como estado invitado de honor. Uno de los ejes fundamentales será la conmemoración del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare y, con ello, denotar la influencia inagotable de la obra del dramaturgo inglés aún en nuestros días mediante mesas de discusión, y la inclusión de adaptaciones teatrales y cinematográficas de sus obras, entre otras actividades.

 Los días pasan, la cuenta regresiva se recorta y, a poco menos de un mes de que dé inicio, la revisión a la vasta lista de actividades y eventos parece interminable. Debates, ensambles musicales, conferencias magistrales, ciclos de cine, colectivos teatrales y compañías dancísticas son sólo un poco de lo que sucederá en el marco de esta edición y durante los diecinueve días activos del Festival.

 En publicaciones posteriores dedicaremos más espacios para tratar a detalle algunos de los highlights de la programación de este año. A continuación el teaser oficial completo, que incluye su esquema de actividades y en el que se modela un retrato que enaltece la ciudad de Guanajuato al incorporar muchos de los sitios más emblemáticos de la ciudad.

Puedes consultar el sitio oficial aquí.

Carlos Monsiváis: Misógino feminista

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La literatura juega un papel importante no sólo en el campo de las artes, sino también en la política y en la historia. No es un simple documento que resguarda ideas a través del tiempo y espacio, tampoco se reduce a una forma de entretenimiento para los que se piensan bien estudiados. No. Bastante le ha costado a la literatura plantarse como una fuente histórica; no refiriéndonos al texto enfocado al aprendizaje del mismo, sino a la novela, al cuento y a la poesía. Estas tres manifestaciones nos presentan la rutina de lo que fue y de lo que puede llegar a ser.

 Ahora, el elemento grande del arte surge de la imaginación, de la posibilidad de ser real sin serlo. Por tanto, los personajes tienen la posibilidad de adquirir un papel en la realidad del lector. Esto quiere decir que tanto ilustran como alteran comportamientos, sentimientos e ideas. La pregunta central que nos plantearemos a razón del libro de hoy es la siguiente: ¿qué tanta credibilidad pierde un personaje cuando se presenta en la ficción como un individuo real, pero poco conocido para nosotros en la realidad?

Pensemos en la mujer no como autora ni creadora; pensemos en ella como personaje de cuento y de novela. A lo largo de la historia, el modelo se ha ajustado a las ideas, costumbres o cultura de la época. Mujer resignada, mujer fértil, mujer producto, mujer propiedad, mujer virgen y Virgen, mujer prostituta, mujer santa, mujero que no es…

 Misógino feminista es un conjunto de ensayos del autor Carlos Monsiváis, todos enteramente comprometidos con el movimiento feminista del país. Quizá esta faceta del autor se mantenga un tanto oculta, pero es importante agradecerle a Monsiváis su colaboración, su diálogo, sus argumentos y sus letras, importantes no sólo para el círculo feminista de México y Latinoamérica, sino para todos aquellos que emprenden una lucha diaria por ser y por negar aquello que los demás disponen que sean. En él, se plantean diversos escenarios en esta recopilación tales como Pero ¿hubo alguna vez once mil machos?, Huesos en el desierto: escuchar con los ojos de las muertas, El segundo sexo: no se nace feminista, Soñadora coqueta y ardiente, entre otros. En cada una de las obras, en concreto donde el escenario es México, queda clara la entidad cultural del machismo (¿acaso al igual que la corrupción se debiera de institucionalizar?) que tanto ha afectdo el desarrollo de la nación.

El sexismo y su esquematización, la virginidad como propiedad, la timidez mexicana, el papel de la literatura, el reconocimiento del problema.

 Carlos Monsiváis, autonombrado Misógino feminista –“alterna su misoginia con una encendida defensa del feminismo”– fue (es y será) un intelectual mexicano al cual le debemos el reconocimiento de un problema que va más allá de la política, el cine y la canción popular. Monsiváis dio vuelta a la pagina, acepto la existencia y la hizo suya, abrió la brecha a un diálogo que debe absorber cientos  de años e intentos.

Imágen extraída de Periódico Enfoque
Carlos Monsiváis

 Asumió, a diferencia de nuestros antepasados, una actitud valiente, enfrentando tal cual el designado símbolo de incivilización que tanto orgullo y reconocimiento le ha causado al mexicano, devaluó el valor del machismo y lo congeló con sus escritos. Misógino feminista, editado por Océano, es un testimonio, una documentación que nos acerca a una realidad que sentimos ajena. Nos duelen episodios terribles de la humanidad como el Holocausto, la Santa Inquisición; sin embargo, volteamos la cara frente a la discriminación, la desigualdad y la muerte del ser.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

¿Libre para quién? : El miedo a la libertad de Erich Fromm


La libertad en su sentido más amplio, se entiende como el eje que vincula al ser humano con su iniciativa de crear y transmitir ideas. El fundamento de esto, se encuentra en el potencial que ha desarrollado para encontrar el sentido a la vida misma y a la trama social.

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Crédito:El bebedor de absenta,Víctor Oliva.

 Cuestionamientos sociales, lucha por la aceptación, miedo a la equivocación, más apariencia que realidad; forman parte de la descripción que limita la formación idónea de la autonomía en el ser humano. Esos detonantes, hacen del individuo un ser sin esperanza y con una debilidad inherente a su desempeño cotidiano; haciendo de la monotonía su mejor compañera e inigualable amiga.

 ¿Cuál es el miedo a la libertad? ¿Qué modera el comportamiento? Fromm menciona que el temor hacia la autodeterminación proviene desde los rasgos de carácter; estos tratan de diferenciar de individuo a individuo. El temor persiste, desde el momento en que nos forjamos a cierto patrón social y al no querer experimentar la sensación de plasmar nuestras propias emociones…a no dejarlas fluir. Si realmente estoy enojado, me es más fácil decir que no lo estoy y aparte, brindarte una sonrisa falsa e hipócrita (he ahí un claro ejemplo).

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Crédito:Gantillano.blogspot.

 La mayor debilidad del hombre, es no someterse a su propio juicio y por ende, otorgar todos los imperativos necesarios a la sociedad, cuestión que lo aleja de ser reflexivo y poco crítico con sus decisiones que realmente no le pertenecen—, como lo dice Fromm:

“La conciencia es un negrero que el hombre se ha colocado dentro de sí mismo y que lo obliga a obrar de acuerdo con los deseos y fines que él cree suyos, mientras que en realidad no son otra cosa que las exigencias sociales externas que se han hecho internas.”

 Somos pasivos ante la vida, pertenecemos al deseo de otros…al sometimiento en su más clara expresión, corrompemos nuestros anhelos para darle gusto “al que dirán” y sobre todo, deambulamos sobre la falsedad de nuestro actuar. Raras veces cuestionamos nuestros pensamientos, pero si estamos a expensas de que es lo correcto y que no lo es.

 ¿Quién define lo qué es correcto? La sociedad está cargada de una doble moral, desde que el hombre no pensaba por si solo, sino solamente actuaba como una máquina autoprogramada que cuando se descomponía, era hora de configurarla respecto a los hábitos de la época en curso.

 En su afán por vislumbrar nuevos horizontes, se fue aislando y mediatizando con los propósitos sociales que no incurrían en su propio desenvolvimiento, olvidándose de su más grande deseo: La libertad en su propia esencia. Luchas sociales, protestas y demás situaciones; siempre buscaban y buscan un cambio en general pero dicha modificación va encausada a lograr la emancipación del ser humano desde distinta perspectiva (social, económica, política) pero el objetivo, en los mejores de los casos solamente cobra fuerza en un corto plazo. Y eso…es muestra del conformismo que se forma ante la existencia.

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Crédito:Tumblr.

 En la sociedad moderna (en estricta teoría), se dice que el individuo posee más capacidad crítica y analítica,mayor independencia y más confianza en si mismo. ¿Realmente es verdadero? Sí, bien es cierto que el hombre ha generado las pautas para ser más espontáneo en sus decisiones, pero por otra parte se encuentra en un estado de aislamiento que ha olvidado a su entorno y piensa que el centro, es solamente su existencia; y no la de los demás. Su principio de inviduación, superó los límites del psicoanálisis y eso desembocó en un padecimiento: La neurosis.

  El objetivo por obtener fama, prestigio y éxito; ha sido su gran enemigo como se ha visto y exacerbó su sentido ante si mismo, hacia su propio sueño: La garantía de ser libre. Pasando a ser su mayor pánico, el reconocerse ante el espejo y saber; que dicha figura no le pertenece..porque la dejó escapar con todo y su espíritu.

Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

MÚSICA ATACADA POR PIRATAS

En los últimos diez años la industria musical ha sufrido una fuerte fractura en el ámbito económico, sus costos se han elevado y por ende los consumidores de productos por excelencia como los CD’s han optado por otro medio de obtención: la piratería.

 Desde hace por lo menos 3 décadas, la industria productora de material musical vinilo se vio atacada, aunque de una manera casi insignificante. La producción y reproducción de discos de este material no era nada barato, por ende era muy extraño encontrar mercancía no oficial en las calles.

 Posteriormente en la década de los ochenta y noventa la aparición de los cassetes, en lo que la cinta magnética era la encargada de almacenar las melodías; comprimió el espacio de almacenamiento y con ello creo la posibilidad de reproducción del material de una manera más económica.

 A inicio del Siglo XXI, la compresión de material musical prosigo su camino y aunque su existencia ya estaba presente desde años anteriores, el CD se volvió el nuevo almacén y nuevamente por su costo se redujo, dejando indefensas a las casa productoras. Posteriormente y aunque los discos siguen en mercado los reproductores de música iPod, Walkman y dispositivos móviles dieron el giro, al poder descargar música directamente de Internet.

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 Las autoridades aun no se decidían a si el descargar música, era considerado piratería, pero lo que si era seguro, es que se estaba ejecutando un acto de robo, ya que este contenido “bajado” no era pagado.

 La perdida económica es de al rededor de 964 mil 688 millones de pesos. Es una cantidad bastante elevada y no tiene que ver únicamente con el costo de material en un tienda. El trabajo de las casas productoras, engloba desde el personal de personal encargado de la maquinaria para grabación, productor, artistas gráficos, distribuidores y por supuesto el artista mismo.

 Las cifras son alarmantes, en México 8 de cada 10 personas consumidoras de música han compran material pirata y el rango de edades que ejercen estas compras va desde los 25 a los 44 años mayoritariamente. Argumentan que lo hacen por que el costo de un CD en tiendas es demasiado elevado, precios de 120 pesos hasta 300 pesos es el promedio de costo de los materiales, por lo tanto pagar 10 o 30 pesos no se compara.

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 Por supuesto no es considerada la calidad del material, así como el arte que va dentro de los empaques o incluso en los diseños gráficos que adornan los CD’s y sin mencionar la calidad de audio que se ve reducida en los discos que adquirimos en el mercado o en el Metro.

 La industria se ve afectada a nivel mundial, debido a ellos algunas bandas han optado por poner a disposición del público material sin ningún costo en sus portales de Internet. Radiohead, banda británica de rock, ganó 9 millones de dolares al poner a disposición su álbum “In Rainbows”, de esta manera saltan las industrias y reducen costos proporcionando una mejor oferta en la compra de su material. Por supuesto esto también tiene afección en la asistencia de los conciertos, proporcionando más atracción del público por el artista.

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Con sabor al norte- ROOM por Emma Donoghue

Portada del libro en inglés

 Escribir un libro no es tarea fácil. Uno tiene que crear personajes con pensamientos complejos, mundos de fantasía, o tener la perspectiva de alguien muy peculiar. Yo, en lo personal y con base en lo que he leído, considero que no hay nada más difícil que escribir una historia desde el punto de vista de un niño. Por eso hablo de Room, porque ¡Dios mío! Enserio lo logró esta mujer. Emma Donoghue es una escritora Irlandés-canadiense con un proyecto que nació en 2010 y ahora va en camino para hacerse una película que, estoy casi segura, no será ni la mitad de buena que el libro.

Emma Donoghue

 La historia la cuenta Jack, un niño de cinco años que vive en La Habitación con Ma (de la cual, nunca se sabe su nombre). En La Habitación existen sus cosas favoritas como Cama, Mesa, Balón, etc. Lo curioso es que cada noche, Jack entra en Armario con Frazada para dormir antes de que entre El Viejo Nick.

Un croquis de La Habitación donde vivieron Ma y Jack

 Me tardé, más o menos, treinta páginas para darme cuenta que Ma era una muchacha secuestrada desde hace años y Jack había sido producto de ella con su secuestrador. La madre, para mantener al niño controlado, le mintió y le hizo creer que La Habitación era todo su mundo. Jack pensaba que nada de lo que aparecía en la televisión era real. Entonces, al cumplir cinco años, ella desmiente todo para pedirle a Jack que la ayude a escapar.

 Después de eso empieza el lento, doloroso y desesperante proceso de socializar otra vez. Es más complicado para el niño salir al mundo, cuando para su madre se vuelve molesto tratar con el niño que no entiende el sentido de libertad. Jack quiere volver a La Habitación mientras que Ma no desea volver jamás. Es por eso que pienso que la película no saldrá tan bien.

 Casi todo lo que habla el libro es acerca de lo que piensa Jack. Y existen ciertas situaciones horribles donde Jack no entiende a lo que se refieren los adultos, como cuando le preguntan si el Viejo Nick le ha lastimado y Jack dice que sólo lo tiró cuando trataba de escapar. No existe la malicia en el niño, no la necesita, con la descripción es suficiente para que trabaje la malicia del lector.

 En las películas es visual, pasó lo mismo con El Niño de la Pijama de Rayas (2006) por John Boyne. El tipo de escritura era el mismo con Bruno, que tenía ocho años. Por lo tanto era el fin de su inocencia. Bruno entendía más el mundo, solo tenía problemas para entender el maltrato hacia los judíos.

Escena del Niño de la Pijama de Rayas donde Bruno conoce a un niño judío llamado Shmuel

 En la película El niño de la Pijama de Rayas estrenada en el 2008 por Miramax fue un film que hizo a muchas personas llorar. Sin embargo, pierde completamente el sentido de la novela ya que no puedes conocer los pensamientos de Bruno como pasó en el libro. Ver las situaciones como un ente omnipresente hace que pierdas todo el encanto de ver las cosas con los ojos de niño. Con Room es muy seguro que pase lo mismo y sea una experiencia completamente distinta a la que ofrece el escritor.

 Les recomiendo que lean el libro antes de ver la película. Yo sí considero que hay películas que le ganen a los libros, pero en esta ocasión no tengo ese presentimiento.

Room 237: El resplandor y el genio de Stanley Kubrick

El resplandor es una película de Stanley Kubrick estrenada en 1980, basada en la obra homónima de Stephen King publicada en 1977 . Hasta acá todo va bien, una gran adaptación de un libro excelente, pero por mucho, la película de Stanley Kubrick supera en demasía al libro a tal nivel que empecé a obsesionarme con esto, sobre todo después de ver el recomendadísimo documental Room 237 de Rodney Ascher, mi obsesión después de ver el documental creció a tal punto, que empecé a formularme la idea de usar un gorrito de aluminio.

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 Y es que yo sabía que Kubrick fue un director de lo más peculiar, famoso por guardar los detalles en sus obras cinematográficas y por su excelente gusto musical en las adaptaciones, también famoso por rasguñar la misantropía en cuanto a sus habilidades sociales, pero sobre todo por ser una mente brillante en el gremio. A todo esto, les contaré el por qué de mi obsesión y por qué El Resplandor simplemente es una de las mejores películas de terror y suspenso que se han hecho.

 Bueno, como ya mencioné, siempre fui fanático de la cinta, la actuación de Jack Nicholson en particular creo que ha sido, junto con The One Flew Over The Cukoo’s Nest, una de sus mejores actuaciones y eso es mucho decir;  siguiendo la trama de ésta película, los personajes sombríos que van apareciendo a lo largo del filme, así como  las escenas superpuestas y las múltiples referencias al exterminio de las tribus nativo-americanas, del supuesto falso alunizaje del Apolo 11 y del Holocausto, hacen que al mirar esta cinta se recurra a un constante stop’n’go para evitar perder algún detalle significativo que nos haga creer que de hecho Stanley quería que viéramos más allá de la cinta.

 Como sabemos, el argumento principal es acerca de un hombre que va a vivir con su familia a un famoso hotel durante una temporada con el fin de cuidar las instalaciones, al parecer dicho hotel posee un pasado obscuro, pues Grady, el hombre que se encargó anteriormente de realizar la misma tarea, había matado a su esposa y a sus dos hijas con una hacha; Jack Torrance, que es el protagonista del terrorífico film, sucumbe ante los fantasmas que resguarda el majestuoso recinto y termina por intentar matar a su esposa Wendy y a su hijo Dany, quien posee la habilidad de comunicarse por telequinesis y de ver más allá de lo aparente, cualidad que es mencionada en la película como “El Resplandor”.

"Come and play with us, Danny. Forever... and ever... and ever.”
“Come and play with us, Danny. Forever… and ever… and ever.”

  La historia “oculta” (o al menos una aproximación a ella) es contada en Room 237, dividiendo y analizando algunas de las escenas más emblemáticas de la película, sólo ahí nos damos cuenta del genio de Stanley, el planteamiento de los locutores, gira en torno a los mensajes subliminales que quedan implícitos en la cinta, añadiendo aspectos de la vida del propio Kubrick y de su acercamiento al oscuro arte del marketing, poniendo énfasis en ciertos puntos clave como lo son los mensajes del alunizaje y de la constante lejanía que guardaba la cinta con respecto a la obra literaria.

El almacén de la imagen: ¿la curaduría limita o facilita?

Siempre es grato conocer personas que te dejan pensando sobre cualquier tema, ya sea político, social, cultural, artístico, entre otros muchos temas que pueden ser materia de debate tanto en una conferencia, como en una mesa redonda, en una galería de arte o en algún bar al calorcito de un trago. Sin embargo, la semana pasada tuve la oportunidad de escuchar a Aline Hernández en el conversatorio organizado en torno a la exposición Floresta que Quebra o Asfalto, realizada en un centro cultural de Cuernavaca. Aline fue la encargada de la curaduría de dicha exposición, por lo que en el conversatorio tocó varios temas, entre ellos uno concerniente a la producción artística de algunos países latinoamericanos como Colombia, Perú, Brasil, México, entre otros.

Aline Hernández en el conversatorio de la exposición Floresta que Quebra o Asfalto.
Aline Hernández en el conversatorio de la exposición Floresta que Quebra o Asfalto.

 Otro de los asuntos tratados por Aline fue la forma en la que las personas contemplamos el arte, de las expectativas que podemos tener al momento de entrar a un museo o a una galería, de la forma en la que en el mundo de lo artístico la obra se ve sujeta a lo discursivo más que a la experiencia que ésta puede dejar en el espectador. En ese sentido, el texto curatorial puede dejar poco espacio para la interpretación y la apropiación de la obra por parte del espectador.

 Sin embargo, nosotros como público podemos llegar a ser “analfabetas visuales” e incluso “ineptos sensitivos” si nos topamos con la ausencia de un texto curatorial en alguna galería. De pronto nos olvidamos de observar, sentir y hacernos parte de las obras que nos rodean, nos olvidamos del aprendizaje a través de la experiencia, de aquello que puede ser empírico. Esta ausencia del discurso en la curaduría de una exposición puede hacer explícito el papel de lo que Fernando Bayón llama “el persuadido”,  quien intenta seguir lo que la obra de arte dice, no tanto por una pobreza de imaginación, sino como una condición sin la que cual no se desarrolla la fuga que nos permite el arte.

La exposición "México a través de la fotografía" que estuvo en el MUNAL el año pasado fue curada por  el historiador Sergio Raúl Arroyo.
La exposición “México a través de la fotografía” que estuvo en el MUNAL el año pasado es un ejemplo de un excelente trabajo de curaduría, realizada por el historiador Sergio Raúl Arroyo.

 La curaduría y la museografía fungen el papel del “tope crítico” que expone Bayón en su artículo “Las retóricas del público. El espacio de consumo del arte como institución política”, en el que la imaginación puede llegar a perturbar el orden del significado y las convenciones que se encuentran en las imágenes. Así pues, es necesario cuestionarnos cómo consumimos el arte siendo espectadores, cómo lo entendemos, cómo lo experimentamos, cómo es nuestro acercamiento como público a una sala en la que se muestra obra de cualquier artista. La forma en la que cada persona experimenta el arte varía dependiendo del tipo de espectador que sea, pero también es importante no perder de vista que la manera en la que el público puede interpretar una obra es distinta.

 El texto curatorial sirve para homogeneizar el análisis y aterrizar la lectura que se puede hacer de una serie; es decir, para que no se pierda el discurso conceptual que enmarca una colección dentro de una galería o un museo. Es en este punto en el que también entra a debate el hecho de identificar quienes son los que consumen el arte, quien forma parte del público que asiste a museos y galerías, quienes comprenden en realidad el qué y el para qué sirve una obra de arte. Pero por otro lado se asoma la cuestión de qué arte es el que nos ofrecen los museos y las galerías.

La exposición "Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía" que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez.
La exposición “Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía” que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez.

 Así, es importante que cada vez que nos paremos en un espacio, entiéndase galería o museo, hagamos una lectura un poco más amplia de lo que se está mostrando, en qué tipo de espacio artístico estamos parados, qué obra nos ofrecen (tanto el museo o la galería, así como los artistas que exponen su obra) y cómo estamos consumiendo el trabajo artístico que se nos presenta. El punto está en intentar desmenuzar la información visual y discursiva que se nos sirve en la mesa y en observar cómo nos comemos el platillo artístico que se nos presenta. Entonces queda preguntarnos si realmente es necesario para nosotros como público leer la descripción del discurso visual y conceptual  de lo que observamos a partir del texto curatorial y si esta descripción funge como una limitante a la interpretación propia de lo que se nos muestra.

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

https://www.youtube.com/watch?v=q3v7cXDwUgI

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

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  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

Hasta Luego, Ghibli

Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.

 Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.

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 Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.

 Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.

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 Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.

 También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.

Review: Ilusión Nacional

“Una vez yo tuve una ilusión y no supe qué hacer con ella”  Julieta Venegas

El fútbol es por superioridad, sino es que excelencia más bien, el deporte más popular del mundo. Casi todas las naciones de este planeta lo practican con una selección oficial que represente al país, selecciones federadas mundialmente en la FIFA. Quién desde 1930, organiza la justa deportiva más importante tras los Juegos Olímpicos, la Copa Mundial de Fútbol, o como nosotros llamamos cariñosamente “El mundial”.

 Lo de Olallo Rubio son los documentales, lo supimos con su ópera prima ¿Y tu cuánto cuestas? (2007), lo corroboramos en Gimme The Power (2012) Sí, el que hizo junto a Molotov y le valió varios premios y lo dimos por sentado tras la aparición de su cinta de ficción This is not a movie (2011), la cual, irónicamente a su título, nadie entendió y fue generalmente ignorada por crítica y público. Pero ahora, Rubio viene con todo para presentar una pieza muy bien lograda que lleva por nombre Ilusión Nacional (2014).1948176_635487406524627_994354236_n

 En Ilusión Nacional, el director y guionista expone un muy buen trabajo de investigación documental para adentrarnos al mundo del deporte del balón pie, dándonos una visión amplia de la historia del mismo y su influencia socio política, para hacer un marcado énfasis en la manera que ha afectado desde su práctica a la población mexicana.

 ¿Porqué los mexicanos son tan fieles, incluso cuando las derrotas son más que las victorias?, ¿A qué se debe la mediocridad generada en la práctica del juego?, ¿Qué factores han desvirtuado la calidad del mismo y de sus actores?, Rubio responde a estas preguntas y más, con una visión y diálogo de amplia apertura que conecta plenamente con la audiencia.

 Pareciera que estuviese diseñada para poder ser entendida y entrañable para todo el que la vea, y esto se cumple a la perfección. No es necesario saber de fútbol, conocer su historia o reglas, el funcionamiento de la FIFA, vaya ni siquiera el ser afín a esta práctica, pues al final la cinta se torna entrañable para todos, al ser una amplia gama de lo que el deporte de mayor rango de afición en México significa paras sus jugadores, para los comercios etc.

 Recalco sobre la genial investigación detrás de este documental, Olallo nos presenta imágenes de lo que es necesario ver, no más. Verdaderamente atrapa con la forma en la que une los discursos visual y auditivo para facilitar el impacto del conjunto, rescatando elementos surgidos del detrás de la afición, que se volvieron ejes de cultura popular e impusieron moda. Este es otro de los motivos por el cual uno entiende perfectamente lo que pasa, y hasta se siente analista a la hora de tomar la silla del juez, pues los datos se arrojan de manera que nos son familiares, incluso vivenciales.

 El autor no da un juicio personal directo, más su buen maneje de la yuxtaposición material, complementa un método informativo bastante dinámico, relajado y divertido. Además destaca totalmente la dirección de arte que elige para orquestar el desfile de cuadros, bastante fresco y original.

 En lo personal, para alguien que no es asiduo a este deporte y conoce prácticamente nada del mismo, me fascinó, no solo por los valores fílmicos detrás, sino porque verdaderamente muestra el sentido de automática identificación que todos tenemos ante la selección cuando la moneda en el aire es el mundial. Nos hace parte, nos informa y nos invita a opinar.

 Será determinante que todo fan (y no tanto) acuda a ver este trabajo a la brevedad, que mejor año para lanzar un buen trabajo como este, que el año de Brasil 2014.

Fantastic Man: ¿Quién es William Onyeabor?

Mucha especulación se ha hecho sobre quién es William Onyeabor, músico pionero de la electrónica en la década de los setenta en Nigeria. Poco se sabía de él , pese a ser muy reconocido en  su país y seguido por grandes críticos de todo el mundo.

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 Noisey hizo un documental buscando a este enigmático personaje, del cuál poco se conoce y mucho se hablaba. Viajando a Nigeria y conociendo a las personas que colaboraron con él dentro de su carrera.

 Contiene entrevistas con Damon Albarn, Caribou y Femi Kuti.

 Aquí puedes ver todo el documental.

Ska Delight, un documental sobre la escena ska a nivel mundial

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Bajo la producción, dirección, fotografía y demás detalles del polaco Krzysztof Gajewski, Ska Delight es un documental que se comenzó a filmar en 2012 y que pretende expresar la esencia de la actual escena ska a nivel mundial mediante entrevistas a cantantes y músicos de diversas bandas así como a personas que han hecho de este ritmo un estilo de vida.

Además se incluirán material audiovisual de conciertos y filmaciones de ensayos de varias bandas alrededor del mundo, desde Jamaica hasta Japón, pasando Latinoamérica, E.U.A., Europa y demás.

Este documental muestra agrupaciones clásicas como los mismos The Ska-talites -conocidos como los padres del ska- , hasta aquellas agrupaciones que en poco tiempo han logrado ganarse un lugar en el llamado ska -y sus derivaciones-, que aunque parecía una escena pequeña, en realidad es bastante amplia.

Sin más, esperemos que este 2014 por fin salga a la luz este documental, que promete ser un excelente trabajo y de muy buena calidad.

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Regresa “La gloria de las prostitutas”

Tras haberse presentado en el 33° Foro Internacional de la Cineteca Nacional, este 25 de Octubre volverá a sus pantallas La gloria de las prostitutas (Whore´s Glory , 2011) de Michael Glawogger.

El director fue ganador de Premio Especial del Jurado durante la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico en Venecia, Italia, durante 2011 y del Premio a la mejor fotografía durante el Festival Internacional de Cine de Viena, Austria, en 2012.

La cinta documental muestra la prostitución en tres zonas de tolerancia de países tan diferentes entre sí: Tailandia, Bangladesh y México. Su obra se caracteriza por no enfocarse en el tema político, sino en un amplio carácter social, retomando el ámbito laboral y la forma en que sobreviven las personas.

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El filme estará disponible a partir del 25 de octubre en Cineteca Nacional, Cinemas Lumiere Reforma, Cine Teresa y Cinemanía Loreto.

No Ficción: Distrital

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

En años recientes, Distrital ha sido, junto a DocsDF, un refugio para los amantes del cine de no ficción en la Ciudad de México. Este año está sucediendo en estos días, del 4 al 9 de junio, en diferentes foros de la capital.

Presentamos una selección de recomendaciones para asistir este fin de semana a ver algo diferente, un trozo de realidad, ya sea local o traída de otras partes del mundo.

MAPA (España), de León Siminiani, es un emocionante road film acerca de un viaje del director a la India y de regreso. El propósito del viaje es cambiar de aires y embarcarse en una búsqueda personal que deriva en la transformación del personaje. La fotografía, por cierto, luce impecable. Funciones: viernes 7 a las 19:00 en el Instituto Goethe.

Nuestra Belleza (México), de Leonardo Martins, es un conmovedor retrato de un grupo de bailarines travestis que compiten en un concurso de belleza. Los testimonios suenan honestos y agudos, y el trabajo visual está muy bien cuidado. Funciones: sábado 8 a las 15:00 en Foro El Bicho.

Noche (Argentina, Italia), de Leonardo Brzezicki, es un desgarrador ensayo visual que combina los pensamientos de Miguel, grabados en audio, con imágenes de sus amigos ocupando el espacio boscoso en el cual Miguel se quitó la vida. Sin duda no es para todos, pero se trata de una de las joyas del festival. Funciones: viernes 7 a las 17:00 en Foro El Bicho; sábado 8 a las 15:00 en el IFAL Sala Moliere.

https://vimeo.com/65934530

Como bonus, Public Hearing (Estados Unidos) de James Kienitz es un interesante experimento que consiste en la grabación de un juicio por una demanda a Walmart que el realizador reconstruyó y armó exclusivamente en close-ups. Funciones: sábado 8 a las 17:00 en el IFAL Sala Moliere.

Además de las funciones, el festival ofrece la posibilidad de asistir a talleres como el de Documental Interactivo con Christopher Allen, el sábado a las 12:00 en el Instituto Goethe, entre otros.

No Ficción: Muscle Shoals

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Muscle Shoals, actualmente de gira por los festivales de cine del mundo, es uno de los documentales más comentados del año. El tema es la historia de los FAME Recording Studios, un legendario rincón musical en el pequeño pueblo de Muscle Shoals, Alabama.

Este estudio, de la mano del fundador Rick Hall y sus músicos de planta, conocidos como The Swampers, revolucionaron la música soul y rock y dieron luz a decenas de discos exitosos entre los que se incluyen Tell Mama de Etta James, I Never Loved A Man (The Way I Love You) de Aretha Franklin y One Bad Apple de The Osmonds.

La característica más curiosa de los Swampers -y del mismo Hall- era su color de piel, blanca como el country. En una sólida demostración de la irrelevancia de los rasgos étnicos en la producción musical y de la falta de fronteras raciales en el proceso artístico, los músicos residentes de FAME soplan vida a las  voces más prodigiosas del soul.

La historia adquiere un tono agridulce cuando llega el punto de relatar la separación de los Swampers de Hall y la fundación de su propio estudio, Muscle Shoals Sound Studio, que se convirtió en la competencia de FAME y en un segundo semillero de buena música en ese recluido y místico pueblito sureño.

Como se puede apreciar en el trailer, la historia es narrada por Hall, la misma Franklin y otros grandes de la música que han grabado en Muscle Shoals como Keith Richards, Mick Jagger, Bono, Percy Sledge, Wilson Pickett y Alicia Keys, entre otros.

http://www.youtube.com/watch?v=KodHAJb6uck

Si la espera para que se filtre en internet o algún servicio como Netflix distribuya este documental es demasiado larga, también está esta pieza realizada por Vice.

No Ficción: Mistaken For Strangers

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr 

 

El Tribeca Film Festival, el festival de cine más importante de Nueva York, abrió este año con una curiosa selección llamada Mistaken For Strangers. Se trata de un documental acerca de una gira mundial de la banda estadounidense The National. Entre otras cosas.

La cinta -el primer documental que abre Tribeca- fue dirigida por Tom Berninger, hermano de Matt, vocalista de la banda. Todo empezó cuando Matt invitó a su hermano menor Tom (30 años, aún vive con sus padres) a unirse a la gira de The National como parte del equipo de roadies. Tom decidió llevar a bordo una pequeña cámara para realizar un documental de la gira.

Berninger deja al descubierto su falta de experiencia en la realización de documentales al realizar entrevistas para las que no está preparado, que terminan con preguntas errantes y absurdas como “¿qué tan famoso crees ser?, ¿qué tan rápido puedes tocar? o ¿en dónde ves a The National en cincuenta años?”. Además, registra sus dificultades para realizar su trabajo como roadie de manera efectiva, y se graba a sí mismo mientras los responsables del staff lo regañan.

En medio del caos, Berninger también revela los secretos y rutinas más íntimos durante la gira de esta banda de indie rock, género que Tom considera pretencioso, él un tipo más del gusto por el metal. También logra ponerle corazón a su historia a través de la ineludible comparación con su hermano mayor el rock star, convirtiendo la película en un tratado sobre la hermandad, la familia y las aspiraciones artísticas.

http://www.youtube.com/watch?v=FUjBue7XggQ

No Ficción: Adiós A Les Blank

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Hace unos días falleció a los 77 años el realizador estadunidense Les Blank, quien dirigió varias decenas de documentales a lo largo de sus más de cuarenta años de carrera.

 

Especialista en capturar con maestría los inexplorados rincones del espectro cultural y musical de Estados Unidos, las cintas de Blank tienen una cualidad inmortal que crea la impresión de estar viendo un documento sin fecha de caducidad.

Su trabajo siempre fue, en principio, antropológico. Solía vivir entre los sujetos que retrataba durante varias semanas o incluso meses. Su metodología consistía en intentar que los sujetos se olvidasen de la cámara para que, en sus propias palabras, pudieran “mostrar esa luz interior que me resulta tan atractiva”. Algunas de las leyendas musicales capturadas por la lente de Blank fueron Dizzy Gillespie, Huey Lewis y Ry Cooder.

Sus trabajos más conocidos fueron los que involucraban a otra leyenda del cine en ambos géneros, el alemán Werner Herzog. Cuando éste apostó que se comería sus zapatos si Errol Morris terminaba su proyecto Gates Of Heaven (1978), Blank se encargó de capturar el cumplimiento de la promesa en el cortometraje Werner Herzog Eats His Shoe (1979).

http://www.youtube.com/watch?v=O6e-1aZ8yj4

Un par de años más tarde, Herzog invitó a Blank al set de producción del clásico Fitzcarraldo (1982). En lo que se convirtió en su obra más conocida, capturó la pasión que raya en demencia con la que Herzog sacó adelante el complicado proyecto, y sobre todo, la pasión con la que vive su vida, dedicada a hacer sus sueños realidad. Burden Of Dreams (1982) ganó el premio BAFTA al mejor documental del año.

Cuando no retrataba personalidades, Les Blank era un apasionado de documentar alimentos y otros sutiles rasgos culturales. Su film Garlic Is As Good As Ten Mothers (1980) es un elegante ensayo visual acerca del ajo. Notable también la más reciente All In This Tea (2007), acerca de un experto en té que sale en busca del mejor té producido por campesinos en China y cierra un trato para importarlo a Estados Unidos.

Hace apenas un año, en marzo de 2012, el cineasta apareció en el programa de Ondi Timoner, B.Y.O.D. (siglas que significan Trae Tu Propio Documental), durante el cual repasaron una vida entera dedicada a documentar la realidad.

Abatido por un cáncer de próstata, Blank murió en su casa de Berkley Hills, en California. Su ataúd fue decorado con motivos artísticos y firmado por el mismo Herzog, quien dejó la huella de su mano.

“No soy un documentalista. Soy un cineasta cuyas historias casualmente retratan personas reales.”

-Les Blank

 

No Ficción: Retrospectiva Kirby Dick

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El ángulo social ha sido a través de la historia el corazón del documental. Aunque el género ha diversificado en estilos y temáticas, siempre es el lado humano el que sostiene una buena historia de no-ficción. Y es a partir de este ángulo que nace el activismo y la denuncia a través del cine.

Realizadores como el estadounidense Kirby Dick han hecho del documental activista su misión de vida. Desde sus inicios, Dick abordó temas controversiales relacionados con el sadomasoquismo y la sexualidad. Fue a partir de Twist Of Faith (2005) que su carrera tomó un giro definitivo hacia el activismo con tintes políticos. La película sigue a una víctima de abuso sexual por parte de un sacerdote que decide hacer pública su denuncia por primera vez. Fue bien recibida por la crítica y gozó de tiempo de exhibición en decenas de festivales.

Su siguiente proyecto, This Film Is Not Yet Rated (2006), provocó vestiduras rasgadas en la Motion Picture Association of America. Se trata de una cinta que exhibe la injusticia del sistema de clasificación de películas hacia el sector independiente y su parcialidad para con los grandes estudios. Además, pone en evidencia la incongruencia de los clasificadores al censurar toda manifestación sexual pero permitir sin reparo las escenas más violentas.

Después haría enojar al congreso de Estados Unidos con Outrage (2009), un documental que revela la hipocresía de varios miembros homosexuales del congreso al votar en contra de los derechos de esta minoría.

http://www.youtube.com/watch?v=vYwH0MVHMJI&list=PL60592F21BC082188

Su más reciente película, The Invisible War (2012), le valió su segunda nominación al Óscar. Cuenta, a través de unos cuantos, la historia de miles de veteranos de guerra que cada año reciben tratamiento psicológico como consecuencia de una situación de abuso sexual durante su servicio.

http://www.youtube.com/watch?v=rLPLfkUs1Es

El cine de Kirby Dick no es apto para estómagos sensibles. Sin embargo, se trata de uno de los realizadores más relevantes de nuestros tiempos y su trabajo ha abierto puertas a soluciones de los problemas que plantea.

No Ficción: Short Shorts México

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El cine, tradicionalmente, se divide en dos grandes géneros: el cine de ficción y el de no ficción. El primero es el que utiliza actores y un guión literario, y el segundo es aquél que utiliza la realidad como materia prima y busca retratarla, conocido popularmente con el nombre de “documental”.

Albert Maysles, un clásico del género y autor de películas como Salesman y Gimme Shelter, dice acerca del documental:

“Una de nuestras mayores necesidades es conocernos unos a otros, conocer qué es lo que está sucediendo en el mundo a nuestro alrededor y sentir necesidades y propósitos en común con otras personas.”

El género de no ficción es una herramienta de conexión con nuestro entorno y una faceta del arte cuya fuerza ha sido multiplicada por el internet en los últimos años.

Esta columna estará dedicada a la exploración y el descubrimiento de material de no ficción en todos los formatos y de todos los tiempos. En esta primera edición recordaremos algunos de los ganadores de la sección documental del festival Short Shorts México, el cual recientemente lanzó las bases para la edición de este año, a celebrarse del 5 al 11 de septiembre.

Nunca Nunca No Dejé Ir… (cortometraje completo)

Fuimos Gigantes (trailer)

Yuban (trailer)

Ciclo de Cine Express: Mundo Urbano

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

En el siglo XX la humanidad pasó de ser predominantemente rural a ser predominantemente urbana. Las ciudades, con sus posibilidades y el capital que concentran, han atraído como imanes a los miembros de comunidades rurales que se ven orillados a abandonar su poca productiva actividad agrícola.

Originalmente, las ciudades se formaron cuando las personas dominaron la agricultura y tuvieron tiempo para dedicarse a otras cosas además de la obtención de alimento y establecerse en un solo lugar durante períodos más largos. Pronto, el crecimiento demográfico determinaba si una ciudad crecía o menguaba. Las ciudades que lograban obtener recursos suficientes para mantener su crecimiento demográfico atraían a su vez a más personas y pronto el ciclo se repetía. Cuando las primeras ciudades-estado desarrollaron ejércitos adquirieron aún más poder e importancia.

La concentración económica y demográfica de las ciudades hace que por naturaleza sean más propicias para la actividad y el intercambio económico intensos. Además, las ciudades son mucho más prácticas para la provisión de los servicios básicos y la manutención de una familia humana. Con el tiempo y la aceleración demográfica del siglo pasado, la forma de vida urbana pasó de ser excepcional a ser la norma.

Esta tendencia, aunque en diferentes proporciones y velocidad, es global. El modelo capitalista ha cambiado y forjado con rapidez los paisajes visuales y económicos de las concentraciones urbanas. Las ciudades modernas son entes complejos y sostenidos mediante el consumo de enormes cantidades de energía. Las condiciones para la prosperidad y la pobreza extrema están servidas.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a las ciudades modernas y la temática que inspiran.

Streets Of Plenty es un experimento que revela el estilo de vida de un indigente en las calles de Vancouver, Canadá. El sujeto del experimento deberá conocer los rumbos, las calles, las personas y los hábitos de supervivencia en los que navegan los miles de indigentes en una ciudad de primer mundo. (Lista de reproducción, en inglés con subtítulos opcionales en inglés)

Fixing The Future es una producción de PBS que explora las opciones para mejorar las economías de las ciudades a través de la creación de empleos locales y las redes comunitarias. (en inglés sin subtítulos)

Watch Fixing the Future on PBS. See more from NOW on PBS.

Water And Justice es una dura mirada a la falta de agua en la zona de Delhi, en India. La escasez de recursos y servicios es un producto común del caos citadino. (En hindi con subtítulos en inglés)

The End of Suburbia es un estudio ecológico de la forma de vida estadounidense y la poca sustentabilidad del modelo suburbano. En tiempos en los que el petróleo cueste mucho más, las grandes distancias recorridas hoy en día se tornarán inviables. (en inglés con subtítulos opcionales en inglés)

First Earth aborda el tema desde las perspectiva de la construcción del hogar moderno. La propuesta es que debe de haber un cambio de paradigma hacia una vivienda inspirada en el modelo de las antiguas aldeas. (en inglés con subtítulos opcionales en inglés)

 

 

La desafiante arquitectura de M. Reynolds

Por mike

@elchinomike

Michael Reynolds un arquitecto inspirado en implantar sistemas de vivienda autosustentables, ha innovado en la construcción y diseño de viviendas con capacidad para proveerse de agua, conservar una temperatura adecuada de forma casi automática, así como,  reciclar sus desperdicios. Lo anterior lo ha realizado dejando de lado ciertos estándares, códigos y reglas de construcción convencionales con los que la sociedad estadounidense ha configurado su espacio geográfico.

Michael vive en una meseta de Nuevo México donde cultiva sus propias plantas en su casa y diseña nuevos proyectos. Desde los años setenta, en un condado desértico de Nuevo México inició a construir una comunidad con desperdicios como latas de cerveza, botellas de plástico, neumáticos entre otros: Earthship. Este proyecto, fue construido con viviendas elaboradas junto a los seguidores y colaboradores de Reynolds.

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Las viviendas prescinden de recursos externos de manera no sencilla de comprender bajo un sistema de vida “urbanizado” y de consumo que impera en las principales capitales y ciudades del planeta. Lo cual ha llevado al rechazo de políticos y colegas profesionales que no obstante reconocen el valor de éstas construcciones autosuficientes, al parecer, a partir de los desastres ocurridos con los Tsunamis durante la última década.

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Éstas son capaces de proveer casi todo tipo de frutas o verduras a sus habitantes dentro de invernaderos integrados, que adicionalmente incluyen un sistema de filtrado de agua. De acuerdo a Reynolds el reto es “un asunto de vida o muerte”: combatir el cambio climático y la dependencia de combustibles fósiles. Él señala que es posible que cualquier persona construya su propia vivienda.

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El documental sobre Reynolds muestra su experiencia de construcción, aprendizaje, su método de Estructuras semienterradas con paredes de neumáticos llamados “masa térmica” en forma de “U” que regulan la temperatura del espacio habitacional con la temperatura de la tierra lo que hace innecesario sistemas de calefacción e incluso su inmersión en el Senado de Arizona para gestionar leyes a favor de su proyecto.

En el 2004 Reynolds junto con su equipo partió hacia las islas Andamán en India para la reconstrucción tras el Tsunami. Aquí instruyeron a arquitectos locales para que emplearan en un futuro el sistema con el que habían levantado 14 viviendas totalmente ecológicas. En México realizaron un proyecto similar en 2005 después del huracán Rita.

“¡Trato de salvar mi trasero y esa es la fuerza mas poderosa!”

  vimeo.com/28350955