Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.
Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.
A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.
Todos los días hay algo que celebrar (o alguien a quien celebrar) y a veces se vuelve imposible encontrar un regalo fuera de lo ordinario que se pueda adaptar según sea la ocasión. De las muchas cosas que se pueden tener en mente, un globo no es precisamente de las más comunes, pero una vez que se conoce a UNELEFANTE será totalmente distinto.
Con todo un concepto detrás, esta fábrica de globos gigantes crea otro significado del detalle con la intención de “producir obsequios con la intención de reinventar emociones y celebrar la espontaneidad”, dándole a cada globo una personalidad distinta que toma su inspiración de las cosas que menos se puedan imaginar: un merengue, una obra de arte de Claude Monet, una canción de los Beatles o de la Pantera Rosa; cada uno está hecho principalmente de látex inflado con helio y detalles de motas de papel de diversos colores hechos a mano.
Los colores usados en cada globo cuentan una historia distinta y se pueden escoger por colección o por color, además se pueden personalizar con una tarjeta y escoger de su selección de confitería y destilados haciendo toda una experiencia para los sentidos. Todos los productos son hechos artesanalmente en San Pedro Garza García, Nuevo León combinando técnicas artesanales y actuales con un claro concepto de la individualidad y la pasión por su trabajo hacen a este “taller” único en su tipo.
Cada globo es enviado en una caja gigante y únicamente hacen pedidos por internet en su sitio web.
Originally posted 2013-01-11 22:30:02. Republished by Blog Post Promoter
Hay un lenguaje que es universal, que se transmite clara y espontáneamente. La expresión corporal son palabras mudas que sin más explicaciones demuestran al instante lo que sentimos y lo que pensamos; ésta reflexión y la exploración del cuerpo humano llevó a Jennifer Crupi a alentar el gesto, amplificando su fuerza al construir varias series de joyería mecánica que se definen como piezas esculturales que incentivan al lenguaje corporal y a la comunicación no verbal.
Originaria de Inglaterra, Jennifer tiene una larga e interesante trayectoria en la que ha elaborado todo tipo de accesorios en los que las acciones toman un protagonismo que se detiene en el tiempo dando un resultado transgresor, creativo y muy noble recordándonos que una acción dice más que mil palabras.
Originally posted 2013-02-02 11:01:37. Republished by Blog Post Promoter
La inspiración viene de todos lados, llega mientras se está en el insoportable tránsito de la ciudad, mientras uno espera el metro para volver a casa, viene igual de las alcantarillas e incluso de la cocina. Llega, simplemente está ahí y cuando no se le deja escapar, puede dar grandes resultados.
Por encargo o como proyecto personal, Adam Cruft, ilustrador londinense, ha ido coleccionando rostros en papel. Son expresiones y acciones que combinadas con ese característico estilo al ilustrar, generan en el espectador cierta incertidumbre que resulta difícil explicar, pero que es captada de inmediato.
Trazos contundentes y precisos, líneas y puntos que detallan la expresión del rostro conviven con manchas que le dan vida a la vestimenta de sus personajes. Se logra que la minuciosidad y la espontaneidad se unan a través de la mezcla de técnicas.
Adam Cruft ha logrado consolidar con el paso del tiempo un estilo con el que no solo habla de él, sino que también deja al descubierto un efímero fragmento de aquellos que sirven de modelo, permitiendo conocerlos por un segundo. Detenerse a observar, en eso radica gran parte de la genialidad de Cruft.
No importa el lugar, no importa la persona, sino el empeño en ver más allá y tratar de imaginar aunque sea por un momento la vida de los demás, porque nadie es ajeno al caos que les rodea.
Para más información sobre Adam Cruft, da click aquí.
Originally posted 2012-07-18 14:00:55. Republished by Blog Post Promoter
Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.
Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.
Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.
Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.
Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.
El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.
Originally posted 2013-11-13 16:49:05. Republished by Blog Post Promoter
Todos los días calurosos son bien recibidos, y más cuando tenemos algo bonito para lucir mejor, esta noche se presenta el lanzamiento Spring-Summer.
La mezcla de un espíritu desenfadado y la inocencia de la adolescencia son el contexto que tendremos en esta celebración, bailando el viento al ritmo de LAO y las luces de la ciudad.
Esta pasarela que vestirá a un increíble lugar de la ciudad tras el esfuerzo de un diseñador mexicano que demuestra que la vida de moda y aparadores seguirán por el resto de nuestros días.
Diseñador:
Nombre: Sussan Kerent Violante Mendoza.
Edad: 25 años
Nacio:Puebla,Puebla.Estudios de artes plásticas, arquitectura,Diseño patronaje y textiles, fotografía.
Originally posted 2014-02-13 17:47:57. Republished by Blog Post Promoter
Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.
Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.
El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.
Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.
La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.
Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.
Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.
Originally posted 2014-09-03 11:53:32. Republished by Blog Post Promoter
Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.
A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.
El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.
El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.
Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.
Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear objetos que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA. Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?
Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.
Crédito: Hilary Fayle
Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.
Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.
Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.
Crédito: Hilary Fayle
Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.
Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.
Originally posted 2014-09-10 16:13:53. Republished by Blog Post Promoter
El poder de la identidad habla y se expresa por sí mismo. A partir de ella cada individuo es capaz de construir su realidad momento a momento.
Es entonces que mediante su creatividad y diseño, TIXINDA da vida a un proyecto a través del cual retoma un sin fin de elementos que representan las distintas perspectivas y riqueza histórica encontradas en las sociedades que en un pasado no muy remoto habitaban la región hoy coloquialmente entendida o llamada “América”.
Su trabajo no solo integra a partir de lo prehispánico un conjunto de íconos, colores e incluso personajes con razgos peculiares, sino más allá, transmite bajo una interpretación genuina y divertida, el valor e importancia cultural de las raíces que configuran el presente de la identidad contemporánea en latinoamérica con lo cual convierten todo tipo de accesorios, desde playeras, collares, figuras hasta esculturas, en herramientas que transportan su huella tanto al público local como internacional.
Con este video se explica el trabajo y pasión que sustenta su concepto:
Originally posted 2013-02-25 18:43:19. Republished by Blog Post Promoter
Cuando uno está muy acostumbrado a permanecer en su oficina, resulta extraña y divertida la posibilidad de ausentarse del trabajo para despejarse por un momento; sin embargo, nunca se sabe lo que puede pasar cuando a alguien se le ocurre avisar que no asistirá a laborar, pues una simple falta puede convertirse en la idea creativa que ayude a una empresa a incrementar su popularidad y, por qué no, su rentabilidad.
Cumpleaños 96 de Ella Fitzergalds
Tal fue el caso de Larry Page y Segey Brin, los fundadores del buscador de información en línea Google, quienes en 1999 decidieron abandonar su sitio de trabajo para asistir al festival Burning Man, celebrado en Estados Unidos, el cual promueve, entre otras cosas, el arte y el cuidado del medio ambiente. Ellos decidieron informar su ausencia a los usuarios de la página web por medio de un hombresillo azul que hizo aparición detrás de una de las letras “O” del ya tan famoso logotipo.
Drácula
A partir de esta ocurrencia, que le resultó muy simpática al público, se creó una serie de diseños que mezclan el logotipo original con algún motivo festivo o, recientemente, animaciones, mini juegos y videos conmemorativos de algún acontecimiento histórico o del aniversario de personajes relevantes en ámbitos científico y artístico. Estas modificaciones a la página principal del buscador se han denominado doodles, traducido al español como garabatos, y hoy en día constituyen parte importante de la imagen corporativa de Google, al grado de haber recibido una patente del concepto por parte de la Oficina de Patentes y Marcas Registradas de Estados Unidos (USPTO).
Aniversario 200 de los Cuentos de los Hermanos Grimm
En el año 2000, la toma de la Bastilla inauguró oficialmente los doodles, desde entonces éstos se han convertido en una forma célebre y casi obligada de rendir homenaje a casi todo, lo cual inspira a miles de usuarios a nivel internacional a entrar al buscador por la simple curiosidad de sorprenderse con un nuevo diseño o de pasar un rato ameno con la imagen interactiva del día.
Cumpleaños 129 de Charles Baudelaire
Además de conseguir visitas extra para Google y entretener al público, los doodles han contribuido al desarrollo de la creatividad de quienes navegan en la red, pues a pesar de que los más de 1,000 garabatos que hay hasta la fecha han sido elaboradospor Dennis Hwang, web master del sitio, la empresa ha lanzado convocatorias para que sus usuarios propongan temáticas para diseños posteriores y, además, para que los niños envíen sus propios dibujos, esto último como parte del concurso Doodle for Google. Esta interactividad ofrecida por la empresa es posible mediante la dirección de correo electrónico proposals@google.com
Cumpleaños 150 de Henry Van de Veldes
Todo lo anterior es una muestra de hasta dónde puede llegar la creatividad aplicada a un hecho tan simple como el faltar a la oficina, de ello pueden resultar creaciones que inspiren a todo el mundo a echar a volar la imaginación y expresar sus ideas por medio de imágenes. Pero, así como hay personas que se han atrevido a dibujar a partir de este fenómeno, Google ha garabateado su propia perspectiva de grandes personalidades involucradas con el arte, a continuación se presentan algunos de los más destacados.
Originally posted 2013-05-02 12:54:22. Republished by Blog Post Promoter
La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.
En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.
La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.
Prasad Bhat
Gordon Armstrong
Chris (Simpsons Artist)
Naolito
Julia Sonmi
Alexandre Godreau
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Originally posted 2014-08-12 14:48:08. Republished by Blog Post Promoter
No es suficiente con vivir a través de la tecnología, es hora de usarla para transformarnos a nosotros mismos y entenderla como filosofía y n solo eso, sino comprenderla también como una extensión del cuerpo. MACHINA logra romper con todos los estándares, al crear un mundo donde la tecnología portable deje de ser una novedad y se convierta en una necesidad de la vida diaria.
¿Imaginas una chamarra que tenga incorporado un software para mezclar música? Irreal, pero cierto. MACHINA, no tiene límites. Su intención es redefinir el concepto del uso de la ropa como simples prendas, al convertirlas en herramientas que complementen al ser humano al incluir en ellas tecnologías que no repercutan al medio ambiente e involucrar también causas de concientizacion ligadas al activismo cibernético, que ellos mismos denominan (h)ac(k)tivism.
El diseño de estas prendas es una parte muy importante, ya que tiene que buscar la adecuación entre el uso intuitivo y la experiencia en el uso de cada una. Tal es el caso de la MIDI JACKET V.01, por ejemplo, la cual cuenta con dos sensores, un scratch y un keypad + joystick cada uno con funciones independientes que trabajan en conjunto para controlar el volumen de la música, agregarle efectos, controlar la velocidad de la canción entre otras características.
La primer colección llamada: The Body As An Interface, está enfocada al menswear. Estalínea cuenta con t-shirts que incluyen tecnología en tintas y textiles (cambian de color al contacto con la luz solar), chamarras con tecnología electrónica y jeans que ya están haciendo ruido en todo el mundo.
La convicción firme sobre los principios de creación e innovación de un grupo de creativos anónimos de todo el mundo que trabajan bajo el sello de una marca mexicana revolucionaria no descansarán hasta hacer que la ropa se convierta en un exoesqueleto y permitirnos expandir nuestras capacidades físicas para después llegar a integrar componentes biológicos al hacer que una prenda ya no sea parte externa del cuerpo.
Por ahora MACHINA trabaja en la elaboración de una mochila para ciclistas con leds que actúan como intermitentes y direccionales en la creación de su siguiente colección y el estreno de su pop-up shop en Common People Concept Store; la cual es, hasta ahora, el único punto de venta física o bien, comprar a través de su tienda online en su página web.
Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes, etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.
Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos, han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.
Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.
Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.
Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es
Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?
Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.
Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.
Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.
La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid o la Aguja de Oro entre muchos más. Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.
Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.
Originally posted 2014-09-01 12:38:29. Republished by Blog Post Promoter
Parece un panal, pero es un hospital. Llama la atención la textura de la pared construida a base de hoyitos irregulares, la cual está sobrepuesta a un muro blanco, tan ordinario como cualquier otro; sin embargo, lo más interesante de esta construcción no es su semejanza al hogar de las abejas, ni sus propiedades decorativas que convierten un recinto poco agradable en una fachada atractiva, sino que tiene un valor agregado, pues este diseño limpia el smog y mantiene al edificio libre de contaminantes.
Fachada del Hospital Doctor Manuel Gea González. Foto: Reforma.
Esta imagen corresponde al Hospital Doctor Manuel Gea González, cuya construcción, encomendada por la Secretaría de Salud a la empresa ICA, emplea el material Prosolve, el cual convierte el smog en sales no tóxicas e impide su paso a este edificio que, por sus futuras funciones, deberá permanecer sanitizado.
El prosolve es un material plástico de origen alemán, el cual tiene un recubrimiento de dióxido de titanio que al entrar en contacto con la radiación solar, los rayos ultravioleta y el smog, genera una reacción química que produce sales, mismas que se limpian de la superficie con la lluvia, según declaró Josué Hoil, Gerente de Proyecto en ICA, para el diario Reforma.
Además de limpiar el smog, este material protege al edificio de la luz y reduce las radiaciones solares, lo cual permite ahorrar energía porque el espacio concentra menos calor y, por ende, se puede minimizar el uso de aire acondicionado, detalló Holi.
Sin embargo, el prosolve tiene una particularidad estética, pues su forma es similar a la de un panal que, al ser montado en una fachada, logra un efecto visual llamativo capaz de embellecer espacios y volver agradable un sitio que tiende a ser deprimente, tal como es un hospital.
Panel de Prosolve.
Cada panal de prosolve se compone por cinco partes y el hospital cuenta con un patrón armado por 500 bloques elaborados con un total de 2 mil 500 piezas para cubrir alrededor de 10 metros cuadrados. El panel utilizado para el muro del edificio tardó 45 días en construirse.
El Hospital Doctor Manuel Gea González ya puede ubicarse en las vialidades de Tlalpan y San Fernando, al sur de la Ciudad de México; sin embargo, la obra, iniciada en junio de 2011, aún está inconclusa y se estima su término en noviembre de 2013. El presupuesto para este proyecto fue de mil 200 millones de pesos.
El mérito de este edificio está en su contribución al cuidado del ambiente y de la salud de los pacientes del hospital, sin embargo, es notable el efecto estético que ofrece este panel geométrico a muros simples; obras como esta permiten darse cuenta de que el velar por una mejor calidad del aire es un arte indirecto.
Originally posted 2013-07-29 17:27:10. Republished by Blog Post Promoter
Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.
Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.
Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.
No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:
El diseñador Alejandro Magallanes en una sútil e irónica crítica, con la que desarrolla su primer exposición individual, utiliza un conjunto de recursos didácticos que aparentan ser tan básicos, infantiles, incluso burdos al emplear en relativa apariencia un “lenguaje infantil” con el fin de involucrar al expectador y forzarlo en cierto modo a emplear su “elemental” imaginación que le permita cuestionar sus propias formas de apreciación de lo cotidiano y de lenguaje, hasta incluso sonreir con obviedades que quizá cualquier niño curioso sería capaz de no pasar por alto.
En efecto, para quien disponga de un momento para disfrutar de fotografías, videos e instalaciones con algunos matices de exagerada simpleza, podrán evaluar el resultado creativo del autor e incluso la sátira en ocasiones poética que emplea en los títulos de su obras.
Integrada por una amable explicación del deshago infantil, Magallanes exhibe con videos caseros a niños que golpean piñatas, fotografías que ilustran una sátira lírica en sus títulos e incluso el nombre de una de ellas queda a consideración de lo que resulte al observador. Enseguida, emplea una colección de siluetas con las que redefine el uso de ciertos enunciados y sustantivos comunes. Su última instalación como aderezo final, incluye una ligera y reflexiva comicidad sobre un “ajeno visitante” que no se encuentra físicamente dentro de la exposición
La entrada no tiene costo , salvo el permiso para tomar fotografías que es de $10. Siempre di nunca estará en exposición desde el 1ro. de junio hasta el 2 de Septiembre en el Museo de Arte Carrillo Gil.
El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo.
Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.
Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.
Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.
Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.
Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.
También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.
Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.
Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:
– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.
– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.
Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.
A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.
¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.
Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.
Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.
Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.
Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.
Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.
Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.
El agua es un elemento esencial de donde parte la vida. Incluso en nosotros la composición es 70% agua, lo que significa que el cuerpo humano necesita de este elemento para llevar a cabo sus funciones básicas. Seguramente un tema que difícilmente se medita es la manera en que nos hidratamos, cuando lo que tomamos puede marcar una gran diferencia en cómo nos sentimos y en cómo te puedes sentir.
“Casa del agua” emerge precisamente alrededor de esta teoría, no sólo fabricando el agua con el estándar de purificación más alto, sino creando todo un concepto bajo dos principios básicos que se vuelven entrañables: “La energía no se crea ni se destruye sólo se transforma” y “La intención es la forma esencial de la energía y el agua su conductor universal”. Dichos principios sirven para entender el porqué invertir tanto cuidado para tener como resultado un líquido puro de la más alta calidad que por sus múltiples procesos de ionización y remineralización incrementan sus propiedades hidratantes y antioxidantes llevando una experiencia ordinaria a un nivel delicatessen. Todos los procesos antes mencionados están a la vista en su boutique que no pierde detalle: el diseño es limpio, los detalles del branding en las botellas diseñados por THiNC los convierten en objetos muy bellos que puedes reutilizar, y que además, por estar fabricadas en vidrio no dañan al medio ambiente; aunado a que tienen algunas curiosidades extra con dibujos y motivos relacionados con la boutique que encantan.
Como datos extra Casa del Agua también cuenta con infusiones de Cinco flores, Jazmín, del Trópico, del Himalaya, entre muchas otras que se pueden degustar en su terraza que fué pensada como un “Edén contemporáneo”; ésta es toda una nueva experiencia, una nueva visión de lo natural, un lugar que “evoca y apela a lo bien hecho y representa todo aquello que vale por lo que es y no por lo que pretende ser…”
Pueden visitar los beneficios de un agua realmente pura en Puebla No. 242 Col. Roma, México D.F.
Y visitarla de manera virtual en su página web aquí
Originally posted 2013-02-26 20:05:14. Republished by Blog Post Promoter
L’ETIQUETTE es un estudio multidisciplinario con sede en Francia que se enfoca en la creación en cualquiera varias disciplinas: video, editorial, fotografía y arte. Contrastando en cada proyecto, proyectando diferentes facetas en cada uno, la utopía, el color, los contrastes, matices que individualmente crean una identidad visual fácil de reconocer, digerible y única.
Éste proyecto editorial se llama Insane, la tipografía, la justificación y los detalles en cada página son notables, las fotografías son brilantes, la paleta de colores contrastante, llamativa; el libro en sí es una pieza que conjuga diseño y arte una de los trabajos más sobresalientes de L’ÉTIQUETTE .
Return es un trabajo fotográfico que se basa en la relación visual de objetos y personas, convierten al objeto en arte y a la persona en objeto. Un interesante análisis que conecta la irrealidad con un contexto natural, orgánico que respeta y enhaltece su línea gráfica sutil pero directamente.
High five book 2.0 es un trabajo en proceso ( con cierta crítica social) en el que colaboran varios artistas digitales que buscan representar “su propia visión de una personalidad a su eleccion”.
Y como uno de sus más interesantes trabajos en video L’APPARENTE BEAUTÉ es un trabajo que, como en la mayoría, se conjuga el arte y el diseño dándole fuerza a su temática visual y estética; una especie de performance que encapsula en escencia lo que significa ser un equipo que usa la creatividad y la transforma.
Visiten: http://www.studioletiquette.com
Originally posted 2013-01-29 17:02:01. Republished by Blog Post Promoter
Adidas, pendiente de la vanguardia en el desarrollo del arte y como acercamiento e inspiración para su público joven, ha creado una campaña global para este 2013, donde integra a creativos de diversos países, quienes colaboran con piezas visuales y musicales.
El concepto es Adidas colisionador, remarcando la mezcla de piezas, de nacionalidades, su conjunción para un resultado conceptual interesante. De manera visual los artistas que conforman el proyecto son Jeoff Lillemon, el esculator Grace Tang, el videasta Colin Solal Cardo, el artista Evan Roth, el rapero Iggy Azalea, el productor musical Daniel Disaster, el pintor Flip y el diseñador Stööki.
Con su colaboración y sus piezas, desde la música hasta el graffiti. Así mismo, se cuenta con lookboks a dúo con creativos. Los usuarios pueden colaborar con sus piezas a Adidas o compartirlas con el hashtag #adidasoriginals en Twitter, Instagram y Tumblr. Los ganadores serán difundidos a través de la pared digital
La campaña lanzada el 5 de marzo cuenta con un vídeo de 90 segundos de duración, con la colaboración especial de A-Trak y el artista visual SoMe.
Originally posted 2013-05-27 19:18:35. Republished by Blog Post Promoter
Fluidico es una instalación artística interactiva del Hyundai´s Advanced Design (el centro de diseño avanzado) ubicado en Berlín.
La pieza escultura en movimiento está formada por 12000 orbes translúcidos suspendidos con hilos casi invisibles y proyectores de luz 3D, los cuales simulan el movimiento a través de los orbes.
Esta obra refleja bastante bien la innovación y el movimiento de nuestra época. El uso de 8 proyectores de alta velocidad y un escenario adaptado para la resaltar la iluminación, puede ser apreciada en cualquier ángulo posible.
Las cosas siempre cambian y se innovan, pero que mejor forma de combinar la ciencia y el arte, ya que esta espectacular obra se concibió gracias a que Hyundai realizo un estudio de “WHITEvoid” y con base en los resultados de su estudios, inicio la elaboración de esta escultura en movimiento, recordándonos que es posible crear arte, con lo más sencillo hasta con lo más complejo.
Originally posted 2013-07-25 21:33:34. Republished by Blog Post Promoter
“Si no amas y te divierte lo que haces, tienes un trabajo y no una pasión. Y la pasión es la que marca la diferencia”.
Niño pelado es un diseñador gráfico, ilustrador y escenógrafo, conocido en sus inicios como “el chavo de las cajitas”. Hace alrededor de 6 años que inició su proyecto que actualmente se ha dado a conocer por su interpretación creativa de personajes plasmados en PLUSH TOYS (muñecos de tela).
Desde chico siempre fue inquieto, toda la vida ha dibujado personajes. Sobre ello nos comenta “dibujo en cualquier lugar donde me es posible, considerando que en todos lados, siempre hay un personaje que es digno de ilustrar, ya que genera en ti sentimientos como alegría, recuerdo y admiración.”
Sus primeros diseños los comercializaba a través de personajes creados en cartón para recortar y armar. Los luchadores fue la primer línea que se diseñó, “poco a poco nos dimos cuenta de que los muñecos de papel, no eran lo suficientemente resistentes con el tiempo, haciendo una inmensa cantidad de pruebas en diferentes sustratos, llegamos al producto final, MUÑECOS DE TELA.”
Estos han sido los productos que han abierto las puertas para el crecimiento de la marca Niño Pelado, ya que es un material que no se maltrata y su durabilidad y originalidad han hecho que los consumidores coleccionen los 170 diseños que conforman la marca.
La idea de Niño Pelado es crear y dar vida a personajes mediante productos originales que alivianarán el día a día de todo su público, con finalidad de brindar un poco de humor y sorpresa.
Uno de los elementos imprescindibles en el trabajo de Niño Pelado es la buena vibra que se transmite mediante sus productos, es que tengan algún sentimiento, recuerdo o emoción.
El crecimiento de la marca ha sido muy rápido, ya que han sido apoyados enormemente en Facebook y Twitter, el trabajo de Niño Pelado, se ha dado conocer en muchas partes del país y del mundo, permitiendo llevar piezas a países como EUA, España, Colombia, entre otros.
Originally posted 2013-08-15 11:34:48. Republished by Blog Post Promoter
Brasil se ha convertido en un lugar que comienza a despuntar en diferentes áreas; conocido por sus socios regionales como “el gigante sudamericano”, el estado brasileño ha logrado posicionar a su país como punta de lanza en cuanto a desarrollo económico, social y político dentro de Latinoamérica. Por si fuera poco, Brasil será el próximo año sede de la Copa Mundial de Fútbol soccer, evento deportivo que atrae a millares de personas de diversas partes del mundo, lo cual se traduce en una exuberante derrama económica para los tiempos venideros. Pero no todo es carnaval en São Paulo, tenemos también el otro lado de la moneda: si bien se ha logrado sacar a buena parte de la población brasileña de la pobreza, ésta dejó alguna merma en el tejido social, originando problemas de violencia e inseguridad en buena parte del país.
Es así que tenemos un escenario ideal para el desarrollo de las artes, dentro del contexto de una economía pujante (que desplazó a México en el papel protagónico dentro de Latinoamérica) que contrasta de forma evidente con los niveles de violencia. Justo aquí, el arte urbano logró florecer como una ventana hacia algo mejor, como prueba de que el talento no respeta condición alguna para emerger.
Las calles de São Paulo se han convertido en la galería al aire libre más grande del mundo. En sus calles podemos encontrar muchos ejemplos de todo esto, donde las personas dedicadas a realizar grafitis han decidido hacer suyo el entorno y utilizarlo como su lienzo personal. Aunque el arte urbano no es para todos, aquí ha logrado posicionarse como algo del día a día de las personas, llegando a tornar el ambiente gris de muchas zonas en algo más colorido y alegre.
En la avenida Cruceiro do Sul, al norte de la ciudad, un grupo de artístas pintó 66 páneles, creando así el primer Museo Abierto de Arte Urbano de São Paulo (MAAU). Esto tuvo como bandera una de las bases del arte urbano: la accesibilidad, haciendo del hecho de estar en la calle algo democrático, ya que la gente no necesita ir a una galería para poder apreciarlo.
En este momento, la capital alberga la 14ta edición de la Graffiti Fine Art, un proyecto del artista Binho Ribeiro, que expone grafitis en el Museo de Arte Brasileño de Escultura hasta el 29 de Diciembre.
Originally posted 2013-11-29 17:29:36. Republished by Blog Post Promoter
Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.
Diseño de Abraham Cejar
Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.
Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:
El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand
El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs
El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman
Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser
Obtenida de Chistes Para DG
La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.
Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.
Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.
Obtenida de un Board de Pinterest
Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.
Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.
Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.
Obtenido de la Quinta TintaDiseño de Alejo Bergmann
Originally posted 2014-08-14 11:40:07. Republished by Blog Post Promoter
La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.
El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.
Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.
Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.
Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.
…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…
Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.
Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…
Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.
A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.
Originally posted 2015-04-07 20:24:33. Republished by Blog Post Promoter
Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.
Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.
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¿Qué es diseño?
Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.
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¿Qué hace un diseñador
Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.
También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).
Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.
El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.
¿Cómo lo hace?
En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.
Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.
También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.
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Lo que debería ser la diferencia
En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.
No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.
¿Vale la pena ser diseñador?
Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.
Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.
Originally posted 2014-07-31 10:51:24. Republished by Blog Post Promoter
Más allá de lo cotidiano de vivir en una familia disfuncional Tesa Koot y Lisa Kapple crearon una hermosa utopía que le da otro significado a éste termino. La diseñadora Tessa Koot y la fotógrafa Lisa Klappe crean a través de la serie: “A disfunctional family: Happy Birthay Tessa and Lisa” una atmósfera contrastante, fantástica con alma propia interviniendo muebles que cobran vida, objetos abandonados que son renovados y toman su propio papel en esta serie de fotografías que extienden el lazo familiar más allá de los lazos humanos.
Una atmósfera antigua, un toque de audacia y una critica social de fondo, es el resultado de este interesante trabajo que propone un vistazo a nuestra propia realidad irracional.
Originally posted 2013-01-22 23:00:57. Republished by Blog Post Promoter
Durante el primer semestre de este año, nació un lugar para comer en la ya tan concurrida Colonia Roma: Romita Comedor. Éste se diferencía de muchos otros establecimientos tanto por la terraza en la que se ubica, como por su decoración. La terraza es especial por ser de las únicas en la colonia Roma, además de refugiar también, entre otras curiosidades, a la galeria de arte Garash).
Cabe mencionar que el edificio que alberga a este buen lugar para comer está protegido por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA)y que posee un ambiente agradable. Lo anterior es resultado de la decoración a cargo de Marcela Lugo, Arturo Dib y Rodrigo Esparza, diseñadores que ya son conocidos por proyectos como el Cine Tonalá y Muto. El trabajo de estos grandes encargados de la estética visual del lugar busca recrear una estación de tren de principios del siglo XX, época de la que data el mismo edificio. Además, tiene un techo corredizo para ver el cielo o mirar las estrellas (y cuando se logra verlas en el DF es un verdadero deleite).
La oferta en el menú se caracteriza por tomar elementos de la comida tradicional mexicana, sin abarcar mucho ni llegar a la presunción o al exceso, con el fin de incorporarlos en platillos sencillos sin que estos dejen de ser innovadores. Una de las características de la casa son los cocktails, los cuales tienen una gran oferta de creaciones originales de la casa. Es por ello que el lugar cuenta con todos los elementos para convertirse en uno de los nuevos favoritos en la zona; propicio para pasar un rato a gusto, ya sea con con familia o amigos, así como también se presta para distintas ocasiones: Una comida casual, la hora de la cena o el precopeo (pues la oferta de tragos es amplia y una característica de la casa.).
Álvaro Obregón 49
Horario: Ma – Sa 13:00 a 2:00 Do – 10:00 a 18:00 pm
Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.
Todo comienza este viernes 25 de Octubre a partir de las 18hrs con el desarrollo de la intervención plástica a cargo de Yanin Ruibal, seguida de la masterclass de Alexis Rayas, fotógrafo autodidacta con cinco años en el medio.
Para terminarExit Lacele pondrán ritmo al100TH ROOM. Pau Rodríguez y Yoan Lokier colaboran para crear una mezcla complementaria entre los escénico y lo musical, mezclando ritmos crudos y oscuros con tendencia funk y groove.
Originally posted 2013-10-25 18:13:50. Republished by Blog Post Promoter
La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.
El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:
Diseño
Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?
En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.
Desempeño
Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.
En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes
retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.
Tecnología
La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.
En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.
Innovación
Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.
Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/
En vista de que los ojos del mundo han estado esta semana posados en las capitales del mundo de la moda como Nueva York y ahora, Londres, en Chulavista Art House hemos hecho una recopilación de lo más destacado de los diseñadores que se han presentado estos días en el London Fashion Week con las colecciones de Primavera-Verano 2013.
A: A CHILD OF THE JAGO
B: BASSO AND BROOKE
C: CAROLINE CHARLES
D: DAKS
E: EMILIA WICKSTEAD
F: FELDER FELDER
H: HOLLY FULTON
H: HOUSE OF HOLLAND
I: ISSA LONDON
J: JEAN PIERRE BRAGANZA
K: KINDER AGGUGINI
L: LOU DALTON
M: MARIOS SCHWAB
N: NICOLE FARHI
P: PPQ
P: PAUL SMITH
S: SISTER BY SIBLING
T: TEMPERLEY LONDON
U: UNCONDITIONAL
V: VIVIENNE WESTWOOD
Z: ZOË JORDAN
Originally posted 2012-09-19 18:39:23. Republished by Blog Post Promoter
El español Jordi Rins es un diseñador gráfico, director de arte y freelance, el cual ha creado muchas cosas creativas he innovadoras. En su página de behance se puede encontrar una gran muestra de su trabajo, como la publicidad de las paletas Chupa Chups y de la marca Adidas, entre otras cosas.
Uno de los trabajos más llamativos que realizo fue el desarrollado para una tienda de comida vegetariana, la cual decoro únicamente con tipografías, mostrando que basta ser creativos para darle vida a un lugar.
Jordi Rins utilizo un fondo negro y plumones blancos para hacer las tipografías. Las palabras que plasmo en esas paredes hacen referencia a la temática de la tienda, es decir, ecología, agroecológia, verduras y productos de temporada. El diseño de Rins provoca voltear, ver y entrar a la tienda y saber de qué se trata. No hace falta una gran cantidad de cosas para poder decorar un lugar, con imaginación, pulso firme y una buena tipografía, cualquier lugar se verá increíble.
Muchos sabemos que el diseño mexicano ha tomado gran fuerza en los últimos tiempos, se han ido buscando más y mejores maneras de difundirlo (junto con las marcas que ha renovado ésta escena) pero ninguna como la que les presentaremos a continuación: Ahívan es una de las más interesantes que han surgido ya que conjuga toda una propuesta detrás, la cual está conformada por cinco marcas: Taller Nu, Rodete, Alessius, Karla Sotres y Aether quienes a raíz de buscar un espacio en donde exponerse, decidieron hacerlo de un modo orgánico, dinámico y muy tradicional a la vez; creando un carrito ambulante que también es modular, esto quiere decir que puede mutar y cambiar a como se concibió en un principio, la idea principal es que sea “un espacio móvil que funcione tanto como tienda, como base para generar un punto de encuentro e intercambio de experiencias” expandiendo sus posibilidades y generando todo un movimiento a su alrededor que incita a la independencia y a la constante creación, que gracias a la diversidad de propuestas da resultado a una sinergia que inspira retroalimentando a una creciente comunidad de creadores y diseñadores independientes que ya no sólo buscan bazares o tiendas en donde vender su trabajo, si no de hacer de éste un modo de vida.
Zapatos de Taller Nu.
Joyería de Rodete.
Prismas de Aether.
Lámparas de Alessius.
Originally posted 2013-06-11 18:46:31. Republished by Blog Post Promoter
Ante la falta de salas cinematográficas que oferten una programación diferente, surge Cine Tonalá, lugar que a pocos meses de su inauguración, se ha convertido en un referente para la difusión del cine independiente, pues el recinto promueve la proyección de filmes arriesgados, los cuales sin duda alguna, en rara ocasión encontraremos en las salas comerciales.
Ubicado en la colonia Roma Sur, Cine Tonalá se concibe como un espacio dinámico que complementa el uso de sus instalaciones con la realización de conciertos, puestas en escena, talleres e incluso conferencias, para así innovar el concepto de espacios multi-temáticos.
Rodeado por un diseño muy atractivo, basado en múltiples aplicaciones de madera en muros y pisos de los diferentes espacios que alberga (así como la utilización de muebles retro ), una decoración con carteles re-diseñados de películas emblemáticas del cine y música que ambienta el lugar y anuncios en luces de neón; Cine Tonalá logra una experiencia única.
Además de las diferentes propuestas artísticas, el lugar fusiona un bar-restaurante en el que una tarde relajada comienza a la hora de la comida, le sigue una función, y para cerrar, la noche ofrece disfrutar de cocteles, mezcales o las clásicas cervezas.
Gareth Leight California Optical es una marca relativamente nueva, que con tan sólo un año de vida, está logrando sobresalir entre la basta industria de gafas oftálmicas y solares ofreciendo armazones hechos a mano con los mejores materiales y los más altos estándares de calidad los cuales son producidos en Mazzucheli, Italia y Japón, con bisagras fabricadas en Alemania y cristales provenientes de Barberini, Italia.
Para su Holiday Collection, contó con la colaboración del fabricante de gafas francés Thierry Lasry el cual optó por lineas clásicas y atemporales que contrastan con los colores brillantes y el acabado de sus cristales en sus gafas de sol y el dedicado terminado de los lentes oftálmicos. Sin duda uno de los accesorios que no deben faltar para comenzar el año.
En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.
Crédito: Museógrafo
La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.
Crédito:Más por más.com
Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa, por promover el arte en toda su expresión. Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.
Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.
Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano
Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.
Crédito:Mazaryk.tv
La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.
Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .
No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.
La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México. Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.
Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.
Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.
Accesorios de SON Para Ti.
En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.
Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda. La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.
Recientemente les platicamos acerca del proyecto Casa Bosques de su iniciativa y gran talento; el cual una vez más brilla y nos sorprende con el lanzamiento del segundo objeto: una taza con espíritu minimalista, práctico, de hermosos materiales contrastantes que hacen de ella una pieza única. Elaborada con madera y cerámica, la idea entorno a esta colección de objetos es que según la temporada convivan de manera amigable con su consumidor, que se adapte a sus necesidades pero a la vez que sea atemporal y de gran diseño.
El tiempo de reflexión y la introspección que acompañan al invierno fueron la inspiración para la creación de un producto muy personal que en su uso siempre estuviera cerca de la persona. Jorge Diego Etienne mantiene una delicada y sorprendente linea en esta colección que objeto a objeto está haciendo de ésta toda una revolución a los sentidos y al pensamiento.
Originally posted 2013-02-01 22:01:51. Republished by Blog Post Promoter
Jamás te habrías imaginado que una tabla de skate serviría para otra cosa, ¿o sí?
Deckstool lo hace y de la mejor manera, creando muebles de alta calidad a partir de patinetas recicladas, las cuales son donadas por medio de su página y centros de recaudacióncomo skateshops independientes y parques previamente registrados. No importa qué tan dañada esté la tabla, ya que las marcas del uso son los que dan una personalidad única a cada pieza; todas son hechas cuidadosamente, sin perder ningún detalle, sacándole provecho según el estado en el que se encuentre.
Antes que nada, se busca respetar las lineas naturales del deck, de ahí se aplican las piezas al diseño, refinándolo hasta que queda construido el mueble. Este proyecto surgió a partir de que Adam, hermano del fundador de Deckstool, le pidiera que con los pedazos de sus viejas tablas rotas le construyera una pieza de mobiliario, la cual resultó después de mucho experimentar y construir prototipos, los cuales fueron evolucionando hasta transformarse como las conocemos ahora.
Esta marca estadounidense busca difundir y apoyar la cultura del skate de una manera divertida y totalmente revolucionaria, puedes ordenar la tuya vía internet o proponer nuevas creaciones por medio de su página.
Originally posted 2013-01-03 17:50:05. Republished by Blog Post Promoter
La calidad no necesariamente significa experiencia, Volta, marca italiana de calzado que nació en 2007 se caracteriza por sus impecables acabados. Sus diseños que combinan el estilo formal con con el deportivo haciendo una fusión perfectamente balanceada que crea un híbrido entre un sneaker y un zapato casual haciendo de éste un accesorio fácil de usar y de combinar teniendo como principios básicos la manufactura artesanal fabricada 100% en piel que garantiza uno de los zapatos más cómodos del mundo.
Aunque los chicos son los que los usan normalmente, nunca ha estado enfocada especíicfamente a un género, el calzado es unisex y su paleta de colores en su colección básica abarca el negro, café, beige y gris. Las texturas varían dependiendo la temporada, también existe el mismo diseño pero en botín y recientemente introdujeron la nueva línea de calzado para chicas que es completamente una locura; combina texturas, experimenta visualmente y lleva la marca a otro nivel creativo. Su propuesta se distingue por tener una escencia divertida que va más alla del concepto classy con el que se fundó la marca, desafían sus mismos parámetros reinventando la marca hacia un enfoque más definido a la moda sin dejar de ser en esencia un clásico instántaneo atemporal que además de sentirse increíbles se ven aún mejor.
Originally posted 2013-01-17 21:52:29. Republished by Blog Post Promoter
Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena
Bailarina, coreógrafa y comunicadora visual: Patricia Marín tiene el paquete completo.
Como bailarina es as del control, toma el movimiento igual que un piloto experimentado en una curva peligrosa: con temple y sangre fría. El suyo es un cuerpo bien afinado, responde a los estímulos mínimos, recuerda al de un animal preparado para la caza: los músculos activos, la mirada aguzada, esqueleto y nervios en coordinación para un ataque certero. En el currículum de Patricia están Danza Libre Universitaria, Ángulo Alterno, Tierra Independiente y Apoc Apoc, compañía de la que es miembro actualmente.
Malas Costumbres de Patricia Marín
Multidimensional, igual que su danza, Marín fusiona su formación como diseñadora con su carrera de bailarina en su proyecto Danza Visual -una pequeña compañía productora-. En Danza Visual se crean carteles, páginas web, libros y videos de promoción para compañías y grupos, pero, principalmente, nacen nuevas coreografías y video-danzas.
Tal vez por sus conocimientos en diseño, Marín tiene ya desde ahora un sello que la caracteriza. Sus coreografías están bien redondeadas y le han llevado a ganar premios y becas. Por ejemplo, con su coreografía “Tres Cuartos”, en 2010, ganó el Opera Prima –que se especializa en el estreno de obras de coreógrafos jóvenes–. Su última propuesta Puño de Tierra, que cumple su segundo ciclo de representaciones este diciembre, recibió el apoyo de EPRODANZA para su realización.
Para Puño de Tierra, Patricia encuentra inspiración en el tema de la muerte y el duelo, un tema bien cercano a ella pues dedica la obra a la memoria de su padre. Al sonido de una voz que narra lo que sucede, cuando se forma una cicatriz, varios bailarines, entre ellos la misma Patricia, bailan interactuando con un personaje blanco enmascarado. La obra se presenta a la par de Todos tenemos algo de Marín, con temática y estilo totalmente diferentes que dejan saborear la versatilidad de Patricia.
Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara
No te pierdas de la Danza Visual de Patricia Marín. Ven a ver Puño de Tierra, que se presentará el próximo viernes 6, sábado 7 y domingo8 de Diciembre a las 20:30 en el foro alternativo LaCantera. Los pases de entrada pueden conseguirse en el teléfono 55 66 54 44 o consulta el sitio de LaCantera en Facebook.
Originally posted 2013-12-10 15:36:42. Republished by Blog Post Promoter
Moda. Una palabra que ha causado un sinnúmero de reacciones. Algunas buenas, algunas malas. Que si es discriminatoria, que si no lo es. Que si la moda es para unos pocos… que es exclusiva. Anna Wintour, editora en jefe de la revista VOGUE decía que la moda puede causar nervios y miedo a la gente. ¿Por qué será? ¿Por la revista que ella dirige donde muestra ciertos cánones de belleza? ¿Por los medios de comunicación? ¿Por qué temerle a la moda?
Anna Wintour respecto a la moda en su documental: The September Issue. crédito: tumblr.com
Antes de hablar de esta palabra tendremos que definir qué es moda, que viene del francés mode. Según la RAE, una fuente primaria de consulta de datos, se define a la moda como el “uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.”
Si bien, la costumbre de usar ciertas prendas, ciertos estilos de pelo, e incluso ciertas maneras de caminar o actuar con base al atuendo que uno posee, el término, por más que te de cierta seguridad para decir que estás en boga, no siempre se puede considerar como un proceso textil y social.
En una entrevista a Emmanuele M.M. De Román, Directora de IES Moda, Casa de Francia, cuando se realizó el primer desfile de moda más grande del mundo en México, comentaba que la moda era algo que todos usábamos y que todos somos parte de ella. En una definición más específica, se puede mencionar que es el hecho de estilarse, es decir, ponerle un toque personal a las prendas, por lo que todos, sin excepción están dentro de este sistema.
Sin embargo, si nos quedamos con un concepto de que la moda es sólo prendas y estilos personales de cómo vestir un pantalón o una chamarra, se caerá en el miedo y el nerviosismo que Anna Wintour mencionaba antes. No por una cierta conspiración, sino porque todos están preocupados en ser aceptados, a pesar de que todos estemos dentro de un espacio discursivo. La moda, como bien dice, es una costumbre. La moda, puede ser, entonces, no sólo hacía la ropa, sino conductas sociales o formas de expresión (como el arte, la danza etc.)
Debo hacer un paréntesis en este punto. Cuando me invitaron a colaborar en este espacio, me pidieron hablar sobre moda. ¿Moda en qué? Pregunté. ¿Moda en ropa? ¿Moda en el arte? ¿En la danza? Yo quisiera abrir el concepto de lo que es moda. Porque también la moda es el uso masivo de ciertas ideas. Basta con recordar las clases de estadística para entender que la moda eran los números con mayor frecuencia en los cálculos.
Así que esta palabra no sólo debería hablar de ropa y su parte artística como podríamos pensar comúnmente que es de lo que se trata este tema. Si tan sólo pudiéramos abrir un poco más el significado, y pudiéramos vislumbrar otro tipo de miradas hacia lo que es “la moda” podríamos, entonces, descubrir que puede ir en algún estilo fotográfico, algunas formas de creación artística, porque como bien decía YSL: ” La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella, hay que ser un artista.”. Que el Mainstream es moda, como la moda es Mainstream.
Así que dentro de estas colaboraciones, no sólo se hablará de ropa, estilos de vestir, sino de las visiones sobre el arte, fotografía y otros productos que puedan caber dentro de un concepto más amplio de lo que es la moda.
Yves Saint Laurent inspirado en la obra de Mondrian. Crédito: Ottodisanpietro.
Y parte importante es la raíz y principio de todo. El diseñador o el que crea. Parte de todo lo que es creado y material ha estado en cabeza de alguien, los productos finales y la reacción de la gente ya es la parte secundaria, lo que llamaríamos moda o arte. Así, entonces, podemos ver que son simples traducciones y que tienen mucho en común, tanto, que se pueden hacer fusiones interesantes.
Tal vez, con este análisis podríamos dejarle de temer a la palabra o mínimo dejar los nervios de lado, así de podrá incursionar hacia algo más sencillo de explicar, y que ojo, no trata de encasillar y decir: Todas las obras de arte son moda. No, el objetivo no es ese. El objetivo es encontrar en las formaciones discursivas de la moda, los toques de arte, lo estético o no, de la obra, etc. Abrir significados permitirá voltear a ver más cosas y no sólo enfocarse en una sola. Todos somos moda porque consumimos y elegimos discursos, todos tenemos eso en común.
Originally posted 2014-08-06 10:25:14. Republished by Blog Post Promoter
De repente un día te das cuenta que la ciudad ha sobrepasado tus límites de supervivencia. Ningún zapato es lo suficientemente cómodo, ninguna prenda es tan cálida o tan fresca; se ha convertido en todo un reto poder adaptarte al medio, peor aún si se trata de cargar tus cosas cómoda y prácticamente. Vvvvovvvv ha resuelto esto. Con la visión de Daniela Dominguez, los backpacks y bolsos se han llevado a otro nivel completamente funcional; con el plus de que son sustentables y tienen un diseño increíble. Realizados con piel reciclada, estos bolsos se adaptan a todo: son transformables a tres tamaños distintos con un sistema especial de argollas, además de que cuentan con un bolso externo, detalles en oro viejo y todo tipo de bolsitas internas para guardar tus artículos personales.
Esta marca mexicana tiene planeado extender su mercado con estuches para iPads y mochilas más pequeñas; al tomar en cuenta las cambiantes necesidades que nos demanda éste ritmo de vida tan acelerado, ya que lo entiende perfectamente porque en él vive, se desarrolla y precisamente fue la inspiración para crear esta marca joven que cuenta sólamente con dos modelos que son más que suficientes para convencernos de que lo clásico nunca pasa de moda.
Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.
En esta, la última semana del 100th Room que será los días 7, 8 y 9 de Noviembre contaremos con los siguientes eventos:
Jueves 7 de Noviembre
Contaremos con un taller de Animación Digital con Daniel Farah. Es importante mencionar que el acceso será únicamente con invitación. Al terminar la sesión, se inaugurará la exposición Espacio y Compañía que reúne a más de veinte artistas. Para cerrar la noche, Lemon Mint se encargará de la música.
viernes 8 de noviembre
El viernes contaremos con un taller de Diseño Gráfico con Oliver Barrón. El acceso será con invitación y contamos con un lugar disponible para uno de ustedes. Por la noche, contaremos con la música de Pirate Stereo.
Sábado 8 de noviembre
El sábado, último día del evento, se llevará a cabo la clausura. El acceso es solo con invitación y habrá varias sorpresas.
Esperamos contar con su presencia a lo largo de estos tres días. No olviden que se trata de la última semana para celebrar el encuentro entre los artistas y el público. Pueden encontrarnos en Twitter, Facebook e Instagram, utilizamos #100Room
Originally posted 2013-11-07 10:33:48. Republished by Blog Post Promoter
En nuestro país hay muchos proyectos dedicados diseño, pero pocos como Casa Bosques. Un estudio regiomontano que va más allá y funge como una “plataforma que busca desarrollar productos de naturaleza permanente y sustentada, por medio de la colaboración con expertos en diversas disciplinas que comparten la misma filosofía de vida”, haciendo de cada uno de ellos una experiencia para el consumidor. Cada detalle es cuidado minuciosamente, la calidad, el branding y la forma en la que el producto final se involucra naturalmente con la forma de vivir de cada persona que lo adquiere; todo esto es planeado desde su concepción,seleccionando a sus colaboradores exahustivamente según el proyecto a planear de acuerdo a la estación del año y las necesidades que se tengan que adaptar a éstas. Éstos proyectos se dividen en tres áreas:
Chocolates
A través de un recorrido por las diferentes estaciones del año, Casa Bosques ofrece una colección de doce chocolates que utiliza cacao de varias regiones de Latinoamérica. Trabajando de la mano con diferentes maestros chocolateros han experimentado con ingredientes como jengibre, cardamomo, flor de sal , pimienta rosa y una edición especial de chile pasilla las cuales como dato extra fueron pensadas para degustarse con alimentos y bebidas específicos para enaltecer los sabores de estos deliciosos manjares.
Objetos
Diseñados para involucranos con la naturaleza y volver a nuestra conexión con la misma, el primer objeto está hecho en colaboración con Jorge Diego Etienne; es una pieza que reúne los contrastes de dos mundos diferentes: la artesanía de oaxaca en la elaboración de la maceta y el trabajo industrial de la base desde la ciudad de monterrey.Los objetos se van desarrollando por temporada y no tienen una línea específica.
Libros
Ésta es de las últimas entregas de Casa Bosques, una librería especializada en publicaciones de arte, diseño, moda y arquitectura curada de la mano de Jorge de la Garza, encargado de elegir proyectos editoriales poco conocidos como volúmenes imprescindibles de editoriales ya establecidas, con la trayectoria impecable de éste colaborador, la librería también fungirá como plataforma de gestión de proyectos y colaboraciones entre distintos actores de la escena local e internacional abarcarán presentaciones de proyectos editoriales hasta la publicación de impresos inéditos, siendo el fin último de la libreria el de crear, intercambiar y multiplicar el conocimiento cultural en la ciudad.
Dirección: Córdoba 25 casi esquina con Puebla en la Colonia Roma, Distrito Federal, México.
Originally posted 2013-01-10 18:21:23. Republished by Blog Post Promoter
Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.
En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.
Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.
Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.
Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.
La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.
Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.
Originally posted 2014-09-09 11:17:54. Republished by Blog Post Promoter
La polarización de ideas y conceptos permean el sustento cultural y esencial de la vida de múltiples civilizaciones junto con su devenir histórico. Por la vida tenemos el principio de todo, incluyendo la muerte. Vida y muerte, como opuestos que se enfrentan, palpables de la imaginación y del pensamiento holístico de cualquiera y de todos. Vida y muerte como los opuestos más trillados, pero que no se olvide que a su vez son éstos consecuencia de otros incontables opuestos más.
Desde la trinchera de la ilustración, 6&Pico reluce su cobertura temática en diversos trabajos, que tal vez de primera impresión no se reconocen dentro de una hermandad técnica o conceptual, sin embargo en el trasfondo, las obras expuestas a continuación mantienen una relación inerte que en secreto mantienen como tal. Migraña, La Muerte también es fértil, Héroes, y Natividadson las cuatro ilustraciones de 6&Pico que resguardan una conversación mística entre sí, apalabrando en sus significados e inspiraciones cuatro opuestos de gran incertidumbre y recurrente para la humanidad: vida y muerte, y principio y fin.
Técnica digital 6&Pico 27x14cm
Generalmente el final siempre se anuncia con una crisis, el caos o la decadencia: a diario muere algo, a diario mueren muchos, a diario muere algo dentro de nosotros. A razón biológica del cuerpo humano, éste posee células que se regeneran a diario, existen partes del cuerpo condicionadas al cambio y a la regeneración constante, aunado a que la enfermedad o el malestar del mismo vaticinan la transformación fisiológica del cuerpo de lo bueno a lo malo y viceversa. Migraña retrata la mutación constante del cuerpo, y trasluce la enfermedad como la improvisación burlesca de la impredecible llegada de la muerte. Migraña en palabras de 6&Pico es “la aparente destrucción de la materia por medio de la putrefacción”.
Técnica mixta sobre opalina 6&Pico 36x26cm
A paso desafortunado de la enfermedad, la muerte llega como culminación de ésta, pero la muerte no es punto final de algo o de alguien, es más bien renovación de un ciclo, del ciclo de los opuestos. En La Muerte también es fértil, 6&Pico pretende incorporarnos en la reflexión de la muerte vista como principio de algo, la fertilidad como simbolismo y cualidad no sólo de lo que vive, sino también de lo muere, fertilidad hambrienta de la renovación a beneficio o maleficio de aquello en lo que renace.
Técnica Tinta sobre cartulina 6&Pico 21.5x28cm
Continuando en el discurso gráfico de los opuestos, una de las ilustraciones de 6&Pico, Héroes, divaga en una fuerte carga conceptual con la ilustración científica. Héroes es la alegoría fantasiosa de la realidad e historia animal y por qué no, hasta del hombre mismo: en dicha ilustración los débiles se convierten en presas fáciles para la captura y supervivencia del más fuerte. La muerte es el arma del poderoso, y el principio de supervivencia de unos y el final de vida de otros. Los opuestos, antes aquí retomados, en la ilustración Héroes, se vitalizan en la perspectiva biológica, vista desde la interacción natural de la especie animal y como un reflejo de la interacción humana.
Técnica tinta china sobre fabriano 6&Pico 44.5x29cm
Así, en Natividad, se reafirma el postulante conceptual de la ilustración pasada, ahora el simbolismo de la muerte y la vida, y el principio y el fin, cohabitan en una gráfica de aspecto escalofriante y esquizofrénico, gráfica que homogeniza los opuestos y se vuelve un reto visual que cuestiona a los mismos.
De la enfermedad a la muerte, de la muerte a la regeneración, de la regeneración a la vida, de la vida a la fuerza, de la fuerza a la debilidad, de la debilidad a la enfermedad y de la enfermedad a la muerte, es así como todo se vuelve un ciclo que no descansa en su renovación circular. 6&Pico es la loa gráfica del ya descrito ciclo, y con sus ilustraciones nos envuelve calurosamente en el interminable debate de los opuestos y de los contrarios.
Originally posted 2013-09-19 13:43:11. Republished by Blog Post Promoter
Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.
La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.
RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque —menciona— “le gustan las chicas con rasgos latinos”.
Es pasante de la carrera de sociología y lleva seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.
Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.
Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.
El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.
Originally posted 2014-08-05 09:59:01. Republished by Blog Post Promoter
Una característica de Marc Jacobs es que siempre sabe impresionar a propios y extraños, en todas sus etapas creativas para Marc by Marc Jacobs, Louis Vuitton y ahora para Coke utiliza la innovación como principal arma para captar la atención y transgredir creativamente. Éstas características le dan la libertad de crear todo tipo de productos experimentando con su propia marca (Marc Jacobs) más que en cualquier otra, a pesar de que muchos otros diseñadores también han incursionado en distintos aspectos del diseño como Maison Martin Margiela en diseño de interiores y Chanel en el ámbito editorial (por mencionar algunos) ésta vez Marc prosigue con el lanzamiento de ediciones especiales de tablas para skaters, ésta vez con la edición “Road Dash” , una edición limitada de 150 piezas que tiene como imagen de la línea al skater de 15 años Tristen Maldonado quién aparece en el video promo donde lo pueden ver en acción.
Originally posted 2013-02-14 16:21:32. Republished by Blog Post Promoter
Como resultado de un largo proceso y un sinnúmero de cambios por los cuales esta actualmente atravesando la sociedad (y de manera puntual, la mexicana), las transformaciones y rumbos que están tomando las diferentes expresiones artísticas resultan evidentes, siendo quizá una de las mas notorias la arquitectura.
Hoy en día la arquitectura en sus múltiples facetas se ha visto tergiversada por ciertos factores que, lejos de ser ajenos a ella son parte de su esencia. Es por ello que definir el lenguaje arquitectónico de estos tiempos no es tarea sencilla, esto entendiendo que la arquitectura es el fiel reflejo de la sociedad, así como de un momento histórico. En este sentido, importante resulta reflexionar acerca de la importancia que tiene en nuestras vidas, y cómo a su vez el acontecer político, económico y cultural se ven reflejados en ella; esto pone frente a nosotros el reto de continuar, reinterpretar y encontrar la ruta que trazará el rumbo de esta naciente arquitectura. Siendo parte de nuestras vidas, definiendo nuestra manera de vivir, rodeando todo nuestro entorno, es así como la arquitectura se ve presente, es así como la vemos reflejada en nuestro contexto. Evidentemente no es la única manera de expresar una idea pero sí una de las más monumentales.
Vivimos una época claramente muy distinta a aquella en la cual afloraban arquitecturas de conciencia, es decir con razón de ser, para y de la sociedad, una oleada que trajo consigo más que una nueva propuesta: fue una respuesta a las necesidades del momento. Innegable es, que desde tiempos remotos ha sido la arquitectura un medio difusivo tanto de ideologías como de intenciones en concreto. Sin embargo el desafío al que nos enfrentamos consiste en llevar a la práctica aquello que en la mayoría de las ocasiones no se enseña dentro de un aula de clases: el arquitecto de hoy en día debe aprender a dejar de lado la “deidad” que erróneamente le ha sido heredada, y en lugar de ello fungir como una especie de sociólogo, que de esta manera entregará un satisfactorio servicio a la sociedad.
Es bajo el contexto ya descrito que entendemos que el arte, la expresión del conocimiento e inspiración humana reflejada en la pintura, escultura, cine y una infinita gama de manifestaciones artísticas forman de una u otra manera parte esencial de la arquitectura, y a su vez destaca la importancia social de esta práctica. De este modo tiene múltiples definiciones y objetivos por cumplir, cuando nace la necesidad de cubrir todos los perfiles que demanda una arquitectura plenamente realizada: ahí es donde el trabajo y el objetivo de Brikwall Arquitectura se hacen presente.
Con una propuesta en la que la arquitectura resulta del binomio arte-sociedad es que buscamos proponer soluciones integrales que por una parte satisfagan la necesidad del usuario, es decir: ¡arquitectura de la gente y para la gente! Es así como la ciudad misma se ha convertido en el usuario al que es necesario proveerle de proyectos que la unifiquen y, de esta misma forma, hacer de nuestra labor una exquisita forma de difusión de arte.
Originally posted 2014-02-07 17:29:43. Republished by Blog Post Promoter
