Layout: Taverna Libraria, encuadernación en miniatura

La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.

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 El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.

 Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.

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Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.

 Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.

…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…

Taverna Libraria

 Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.

Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…

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 Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.

A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.

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De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte

Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.

We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.

 Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.

Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.
Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.

  Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.

“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza  o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.

 La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.

 Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.

 Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.

 En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.

Captura

 El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Ben Young: Escultura líquida en cristal

Deserted Crédito: Ben Young

El entorno del artista definirá su obra. Cada lugar, cada ambiente y cada pieza en el mundo que sea referente de quien hace arte, escriba, diseñe y confeccione estará presente en sus creaciones.  Tal como pasa con Elena Garro escribiendo sobre la Francia que la acogió en su autoexilio, o los murales que Siqueiros pintó y que reflejaban México; lo que rodea al creador será pieza importante en su trabajo y se verá reflejado en el mismo.

 Nacido en Nueva Zelanda, Ben Young, ahora radicado en Sydney Australia retoma de su entorno y lugar de residencia la inspiración necesaria para esculpir en vidrio pequeños océanos e islas de concreto que invitan a darse un chapuzón en esa pequeña escultura. La técnica con la que trabaja es el cristal cortado y ha hecho de éste material su principal materia prima de trabajo.

Lonesome Light. Crédito: Ben Young
The Entrance, crédito Ben Young.

 Ya con diez años de carrera, Ben Young empezó a buscar inspiración entre las islas y océano que le rodeaban. Su labor no fue fácil, pues manejar el vidrio y darle forma a este como el mar requiere de un gran proceso que no es nada sencillo (aunque pareciera lo contrario).

Rough Waters, crédito Ben Young

 La experiencia de ver estas imágenes no sólo realza los sentidos, sino que una de las intenciones de este autor es que las esculturas muestren diferentes perspectivas de las bahías, Islas y mares. No obstante las piezas como una mujer embarazada o creaciones más abstractas muestran otras formas de ver el mundo que nos rodea.

New Beginnings Crédito: Ben Young

Para conocer más de este artista pincha aquí.

Layout: Diseño, una voz al cambio climático

Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March

El cambio climático es uno de los temas más relevantes de nuestra época, entre discursos que reclaman nuevos compromisos al respecto y otros que lo tachan de fraude, el diseño se hace presente para establecer un vínculo entre el espectador y las diferentes posturas.

 El pasado domingo 21 de septiembre se llevó a cabo una manifestación mundial en contra del cambio climático como antesala a la Cumbre sobre el Clima que inició esta semana en la sede de la ONU en Nueva York, con la finalidad revitalizar aspiraciones y promover medidas.

 Previo al evento llovieron una serie de imágenes en redes sociales para convocar a gente de todo el mundo a participar en una marcha que pretendía ser la mayor protesta de un tiempo para acá sobre el tema.

 La complejidad del tema sugiere tomar conciencia sobre lo que está ocurriendo en nuestro planeta para conformar una opinión informada; Internet ha representado la ventana a un océano de información que se vale de múltiples discursos favorecidos entre otras disciplinas por el diseño, dejando en el espectador una semilla que altera su percepción y reafirma alguna de las tantas posturas.

 Así, los álbumes de fotos en Facebook de algunas organizaciones como Avaaz.org y Greenpeace recurrieron a las imágenes reproducidas por el sitio peoplesclimate.org para invitar a los internautas a formar parte de esta gran manifestación y generar presión social en vísperas de la Cumbre sobre el Clima.

 El poder de llegar a decenas de miles de personas a través de las imágenes sin depender del idioma hace del diseño una herramienta eficaz y con un alcance exponencial para lograr sus fines, sin embargo, solo representa una parte de la estrategia mediática para hacer relevante el tema, ya que se valió, entre muchas cosas, de personalidades destacadas de Hollywood como Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo, así como del alcalde de Nueva York, ministros, ex vicepresidentes y del Secretario General de la ONU, Ban Ki-Moon, para conformar una especie de voceros que dan fe al movimiento contra el cambio climático.

 La credibilidad de los mensajes se construye a través de una serie de articulaciones mediáticas que juegan un papel muy importante para comprender los fenómenos sociales que ocurren en nuestro tiempo, el diseño es partícipe de este juego que favorece o desacredita los discursos difundidos dándoles personalidad y voz particular, los significa para dar fe o confianza al espectador para conformar una opinión personal, pero influencia por el tipo de información tal es el caso de los que creen que el cambio climático es un fraude.

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

#somoscreadores convoca

 

 

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La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

La sencillez no siempre es lo como la pintan: Hilary Fayle y su tejido en hojas

Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.

A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o  inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.

 El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.

 El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.

 Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.

 Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear  objetos  que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA.  Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?

 Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.

Crédito: Hilary Fayle

 Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.

 Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.

 Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante  y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.

Crédito: Hilary Fayle

 Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.

Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.

Armadillo Pots: La dualidad entre la vida y la muerte en una maceta

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Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.

 En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.

 Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.

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 Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.

 Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.

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 La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.

 Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.

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Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Robin williams 3 Robin Williams: Un tributo ilustradoJean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

 En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

 La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

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robin williams1 660x394 Robin Williams: Un tributo ilustradoChris (Simpsons Artist)

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robin11 Robin Williams: Un tributo ilustradoJulia Sonmi

robin3 Robin Williams: Un tributo ilustradoAlexandre Godreau

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Sobre moda y arte, una introducción

Moda.  Una palabra que ha causado un sinnúmero de reacciones. Algunas buenas, algunas malas. Que si es discriminatoria, que si no lo es. Que si la moda es para unos pocos… que es exclusiva. Anna Wintour, editora en jefe de la revista VOGUE decía que la moda puede causar nervios y miedo a la gente. ¿Por qué será? ¿Por la revista que ella dirige donde muestra ciertos cánones de belleza? ¿Por los medios de comunicación? ¿Por qué temerle a la moda?

Anna Wintour respecto a la moda en su documental: The September Issue. crédito: tumblr.com

 Antes de hablar de esta palabra tendremos que definir qué es moda, que viene del francés mode. Según la RAE,  una fuente primaria de consulta de datos, se define a la moda como el “uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.”

 Si bien, la costumbre de usar ciertas prendas, ciertos estilos de pelo, e incluso ciertas maneras de caminar o actuar con base al atuendo que uno posee,  el término, por más que te de cierta seguridad para decir que estás en boga, no siempre se puede considerar como un proceso textil y social.

 En una entrevista a Emmanuele M.M. De Román, Directora de IES Moda, Casa de Francia, cuando se realizó el primer desfile de moda más grande del mundo en México, comentaba que la moda era algo que todos usábamos y que todos somos parte de ella. En una definición más específica, se puede mencionar que es el hecho de estilarse, es decir, ponerle un toque personal a las prendas, por lo que todos, sin excepción están dentro de este sistema.

 Sin embargo, si nos quedamos  con un concepto de que la moda es sólo prendas y estilos personales de cómo vestir un pantalón o una chamarra, se caerá en el miedo y el nerviosismo que Anna Wintour mencionaba antes. No por una cierta conspiración, sino porque todos están preocupados en ser aceptados, a pesar de que todos estemos dentro de un espacio discursivo.  La moda, como bien dice, es una costumbre. La moda, puede ser, entonces, no sólo hacía la ropa, sino conductas sociales o  formas de expresión (como el arte, la danza etc.)

 Debo hacer un paréntesis en este punto. Cuando me invitaron a colaborar en este espacio, me pidieron hablar sobre moda. ¿Moda en qué? Pregunté. ¿Moda en ropa? ¿Moda en el arte? ¿En la danza? Yo quisiera abrir el concepto de lo que es moda. Porque también la moda es el uso masivo de ciertas ideas. Basta con recordar las clases de estadística para entender que la moda eran  los números con mayor frecuencia en los cálculos.

 Así que  esta palabra no sólo debería hablar de ropa y su parte artística como podríamos pensar comúnmente que es de lo que se trata este tema. Si tan sólo pudiéramos abrir un poco más el significado, y pudiéramos vislumbrar  otro tipo de miradas hacia lo que es “la moda” podríamos, entonces, descubrir que puede ir en algún estilo fotográfico, algunas formas de creación artística, porque como bien decía YSL: ” La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella, hay que ser un artista.”. Que el Mainstream es moda, como la moda es Mainstream.

 Así que dentro de estas colaboraciones, no sólo se hablará de ropa, estilos de vestir,  sino de las visiones sobre el arte, fotografía  y otros productos  que puedan caber dentro de un concepto más amplio de lo que es la moda.

Yves Saint Laurent inspirado en la obra de Mondrian. Crédito: Ottodisanpietro.

 Y parte importante es la raíz y principio de todo. El diseñador o el que crea. Parte de todo lo que es creado y material ha estado en cabeza de alguien, los productos finales y la reacción de la gente ya es la parte secundaria, lo que llamaríamos moda o arte. Así, entonces, podemos ver que son simples traducciones y que tienen mucho en común, tanto, que se pueden hacer fusiones interesantes.

 Tal vez, con este análisis  podríamos dejarle de temer a la palabra o mínimo dejar los nervios de lado, así de podrá incursionar hacia algo más sencillo de explicar, y que ojo, no trata de encasillar y decir: Todas las obras de arte son moda. No, el objetivo no es ese. El objetivo es encontrar en las formaciones discursivas de la moda, los toques de arte, lo estético o no, de la obra, etc.  Abrir significados permitirá voltear a ver más cosas y no sólo enfocarse en una sola. Todos somos moda porque consumimos y elegimos discursos, todos tenemos eso en común.

Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro

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Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.

 La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.

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 RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque menciona “le gustan las chicas con rasgos latinos”.

 Es pasante de la carrera de sociología y lleva  seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.

 Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.

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 Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.

 El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.

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Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Just 4 Fun: Más que piel y panties

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Alina para just4fun Foto: Angel Angón

 Hace cinco meses surgió Just 4 Fun, un proyecto fotográfico, que si tuviera soundtrack sería con bandas de punk rock. Un blog con imágenes que el lente de la cámara de alguien, con una mente talentosa captó.

 Un club de fotógrafos provenientes de Guadalajara, Michoacán y el Distrito Federal, entre otras localidades, integran el “crew” de Just 4 Fun, con series que incitan a la sensualidad, al usar como principal musa la figura femenina. A veces con ropa y otras no.

 Angel Angón y Armando Huertas, un par de tapatios que comparten el gusto por la estética visual, visitaron la capital para conocer a Alan Isol, parte fundamental del equipo, y realizar colaboraciones con marcas de ropa de ropa para chicas como RIP Rosa Pistola y SKVM. 

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 Ellos, además de Jaime Tena, Luis Ramone y el venezolano Rafael Mesa componen los arpegios, de una canción que suena a Descendents. Senos, nalgas y piel componen las estacadas que sueltan estos fotógrafos en sus disparos.

 No es complicado entender su trabajo pues como el nombre sugiere el objetivo es pasarla bien o como menciona Alan Isol “es para conseguir una novia modelo”, comenta entre risas.

 La literatura es un elemento clave en la relación interpersonal de quienes integran el blog de chicas semi encueradas. Entre los autores que comparten se encuentra Allen Ginsberg, Neal Cassady y Jack Kerouac.

 La influencia es notable al hacer del alcohol y la fiesta un estilo de vida y supervivencia.

 Para ver más de su trabajo puedes seguirlos en Tumblr o en el sitio Harddayco.

 Pero ya hablé mucho de estos muchachos, mejor les dejo una muestra de lo que se puede crear aún sin tener sueldo, ni tener alguna otra pretensión que no sea una vida despreocupada, pero nunca ociosa.

Isol: literatura infantil

Niño podía sentir el viento que emitían las carcajadas de Niña, eran tan fuertes que hasta lo despeinaban. Se divertía como tantas veces lo había hecho…sentado en el sillón, viendo el televisor con Niña dentro de este…

Todos hemos escuchado que los niños son como esponjas, lo absorben todo. Aprenden lo que ven e inmediatamente lo imitan. Para mi suerte y la de algunos otros, yo me absorbí el aire y la lluvia junto con el pasto y la tierra; la bicicleta, los patines y un patín del diablo; canicas, trompos y yoyos; pelotas, pelotitas, balones y peras; todo esto y mucho más bajo el costo de tenis rotos sumados a la fortuna de ver mis rodillas con unas cuantas, bastantes, cicatrices. También, para la suerte de algunos, se pueden absorber las palabras suficientes para describir la vida un poquito más claro que los demás.

Marisol Misenta = Isol
Marisol Misenta = Isol

 La literatura infantil debe cumplir dos funciones básicas. La primera es que debe de contener una historia trascendente, con enseñanza que no sea muy moralista; en la segunda interviene el diseño, donde el libro debe contener unas ilustraciones adecuadas para la historia. El niño se enfrenta a dos lecturas diferentes: la interpreta con dibujos y al mismo tiempo se va promoviendo y motivando la lectura.

 Leer un libro o ver un programa televisivo de “Cómo andar en bicicleta” no te enseña realmente a hacerlo; sin embargo, la ventaja del libro es clara y dominante: en la imaginación, eres tú el que monta la bici descrita. En la televisión, si bien facilita las cosas, es alguien más el que va montando el juguete que nadie describió. El librito, a diferencia del programa, te inspira a hacerlo.

 La escritora, ilustradora, poeta y cantante Isol, a través de su literatura y sus diseños, les muestra a  los niños la importancia de ser  eso: niños. Desde 1997, año de su primera publicación, ha destacado en el campo de la literatura infantil. Su trabajo ha sido publicado en México, España, E.U.A., Francia, Canadá, etcétera.

 Durante su carrera, ha sido galardonada con una cantidad considerable de premios y reconocimientos. Principalmente, fue finalista dos años consecutivos para el Hans Christian Andersen Award (algo así como el Nobel de Literatura, pero en infantil).

La literatura infantil no solo interviene en la educación cultural de un niño, sino que agiliza el proceso creativo que participará como activo fundamental en el futuro.

 Isol escribe e ilustra sus historias, siempre con la intensión de ser irónicas, llamativas y, sobretodo que contengan alguna enseñanza real y productiva.

Intercambio cultural
Intercambio cultural

 Julito, protagonista de Intercambio cultural, descubre la manera de vivir otra vida completamente diferente a la suya. Del sillón pasa al lomo de un elefante y a la cabeza de una jirafa. La T.V. se queda corta comparada con África. Así es y será siempre. La televisión muestra un perfil plano.

 La propuesta de la autora es que, en unas cuantas hojas, se mire la historia de todos los días: los niños ya no juegan porque ya no saben imaginar. La globalización y los avances tecnológicos se han mezclado fuertemente con la cultura, pero sobretodo con el contacto entre la naturaleza y los seres humanos, especialmente los niños.

 La televisión y los demás medios nos han acercado un poco más a rincones desconocidos para la mayoría; empero, la T.V. no le proporciona trabajo a 3 de nuestros sentidos: olfato, tacto y gusto. Aquí reside una de las múltiples desventajas.

 Los padres deben fomentar y participar en las lecturas de los infantes. Lamentablemente, si se selecciona un libro inadecuado, el aspecto educativo-literario se relegará, y el hábito de la lectura se perderá por completo.

 La lectura no te enseña a respirar, pero si te enseña un modo distinto para hacerlo.

Acid Summer by SKVM

Todos los días calurosos son bien recibidos, y más cuando tenemos algo bonito para lucir mejor, esta noche se presenta el lanzamiento Spring-Summer.

La mezcla de un espíritu desenfadado y la inocencia de la adolescencia son el contexto que tendremos en esta celebración, bailando el viento al ritmo de LAO y las luces de la ciudad.
Esta pasarela que vestirá a un increíble lugar de la ciudad tras el esfuerzo de un diseñador mexicano que demuestra que la vida de moda y aparadores seguirán por el resto de nuestros días.

Diseñador:

Nombre: Sussan Kerent Violante Mendoza.
Edad: 25 años
Nacio:Puebla,Puebla.Estudios de artes plásticas, arquitectura,Diseño patronaje y textiles, fotografía.

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¿De dónde nace Brikwall Arquitectura?

Como resultado de un largo proceso y un sinnúmero de cambios por los cuales esta actualmente atravesando la sociedad (y de manera puntual, la  mexicana), las transformaciones y rumbos que están tomando las diferentes expresiones artísticas resultan evidentes, siendo quizá una de las mas notorias la arquitectura.

Hoy en día la arquitectura en sus múltiples facetas se ha visto tergiversada por ciertos factores que, lejos de ser ajenos a ella son parte de su esencia. Es por ello que definir el lenguaje arquitectónico de estos tiempos no es tarea sencilla, esto entendiendo que la arquitectura es el fiel reflejo de la sociedad, así como de un momento histórico. En este sentido, importante resulta reflexionar acerca de la importancia que tiene en nuestras vidas, y cómo a su vez el acontecer político, económico y cultural se ven reflejados en ella; esto pone frente a nosotros el reto de continuar, reinterpretar y encontrar la ruta que trazará el rumbo de esta naciente arquitectura. Siendo parte de nuestras vidas, definiendo nuestra manera de vivir, rodeando todo nuestro entorno, es así como la arquitectura se ve presente, es así como la vemos reflejada en nuestro contexto. Evidentemente no es la única manera de expresar una idea pero sí una de las más monumentales.

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Vivimos una época claramente muy distinta a aquella en la cual afloraban arquitecturas de conciencia, es decir con razón de ser, para y de la sociedad, una oleada que trajo consigo más que una nueva propuesta: fue una respuesta a las necesidades del momento. Innegable es, que desde tiempos remotos ha sido la arquitectura un medio difusivo tanto de ideologías como de intenciones en concreto. Sin embargo el desafío al que nos enfrentamos consiste en llevar a la práctica aquello que en la mayoría de las ocasiones no se enseña dentro de un aula de clases: el arquitecto de hoy en día debe aprender a dejar de lado la “deidad” que erróneamente le ha sido heredada, y en lugar de ello fungir como una especie de sociólogo, que de esta manera entregará un satisfactorio servicio a la sociedad.

Es bajo el contexto ya descrito que entendemos que el arte, la expresión del conocimiento e inspiración humana reflejada en la pintura, escultura, cine y una infinita gama de manifestaciones artísticas forman de una u otra manera parte esencial de la arquitectura, y a su vez destaca la importancia social de esta práctica. De este modo tiene múltiples definiciones y objetivos por cumplir, cuando nace la necesidad de cubrir todos los perfiles que demanda una arquitectura plenamente realizada: ahí es donde el trabajo y el objetivo de Brikwall Arquitectura se hacen presente.

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Con una propuesta en la que la arquitectura resulta del binomio arte-sociedad es que buscamos proponer soluciones integrales que por una parte satisfagan la necesidad del usuario, es decir: ¡arquitectura de la gente y para la gente! Es así como la ciudad misma se ha convertido en el usuario al que es necesario proveerle de proyectos que la unifiquen y, de esta misma forma, hacer de nuestra labor una exquisita forma de  difusión de arte.

Isabelle Manhes, desafiando las pasarelas

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Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.

Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.

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Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.

 

No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:

 

#Bahidoritos

https://twitter.com/Doritos_MX

https://www.facebook.com/DoritosMX?fref=ts

La Danza Visual de Patricia Marín

Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena
Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena

Bailarina, coreógrafa y comunicadora visual: Patricia Marín tiene el paquete completo.

Como bailarina es as del control, toma el movimiento igual que un piloto experimentado en una curva peligrosa: con temple y sangre fría. El suyo es un cuerpo bien afinado, responde a los estímulos mínimos, recuerda al de un animal preparado para la caza: los músculos activos, la mirada aguzada, esqueleto y nervios en coordinación para un ataque certero. En el currículum de Patricia están Danza Libre Universitaria, Ángulo Alterno, Tierra Independiente y Apoc Apoc, compañía de la que es miembro actualmente.

 

Malas Costumbres de Patricia Marín

Multidimensional, igual que su danza, Marín fusiona su formación como diseñadora con su carrera de bailarina en su proyecto Danza Visual -una pequeña compañía productora-. En Danza Visual se crean carteles, páginas web, libros y videos de promoción para compañías y grupos, pero, principalmente, nacen nuevas coreografías y video-danzas.

 

Tal vez por sus conocimientos en diseño, Marín tiene ya desde ahora un sello que la caracteriza. Sus coreografías están bien redondeadas y le han llevado a ganar premios y becas. Por ejemplo, con su coreografía “Tres Cuartos”, en 2010, ganó el Opera Prima –que se especializa en el estreno de obras de coreógrafos jóvenes–. Su última propuesta Puño de Tierra, que cumple su segundo ciclo de representaciones este diciembre, recibió el apoyo de EPRODANZA para su realización.

Para Puño de Tierra, Patricia encuentra inspiración en el tema de la muerte y el duelo, un tema bien cercano a ella pues dedica la obra a la memoria de su padre. Al sonido de una voz que narra lo que sucede, cuando se forma una cicatriz, varios bailarines, entre ellos la misma Patricia, bailan interactuando con un personaje blanco enmascarado. La obra se presenta a la par de Todos tenemos algo de Marín, con temática y estilo totalmente diferentes que dejan saborear la versatilidad de Patricia.

 

Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara
Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara

No te pierdas de la Danza Visual de Patricia Marín. Ven a ver Puño de Tierra, que se presentará el próximo viernes 6, sábado 7 y domingo 8 de Diciembre a las 20:30 en el foro alternativo LaCantera. Los pases de entrada pueden conseguirse en el teléfono 55 66 54 44 o consulta el sitio de LaCantera en Facebook.

São Paulo, capital del arte urbano

Brasil se ha convertido en un lugar que comienza a despuntar en diferentes áreas; conocido por sus socios regionales como “el gigante sudamericano”, el estado brasileño ha logrado posicionar a su país como punta de lanza en cuanto a desarrollo económico, social y político dentro de Latinoamérica. Por si fuera poco, Brasil será el próximo año sede de la Copa Mundial de Fútbol soccer, evento deportivo que atrae a millares de personas de diversas partes del mundo, lo cual se traduce en una exuberante derrama económica para los tiempos venideros. Pero no todo es carnaval en São Paulo, tenemos también el otro lado de la moneda: si bien se ha logrado sacar a buena parte de la población brasileña de la pobreza, ésta dejó alguna merma en el tejido social, originando problemas de violencia e inseguridad en buena parte del país.

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Es así que tenemos un escenario ideal para el desarrollo de las artes, dentro del contexto de una economía pujante (que desplazó a México en el papel protagónico dentro de Latinoamérica) que contrasta de forma evidente con los niveles de violencia. Justo aquí, el arte urbano logró florecer como una ventana hacia algo mejor, como prueba de que el talento no respeta condición alguna para emerger.

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Las calles de São Paulo se han convertido en la galería al aire libre más grande del mundo. En sus calles podemos encontrar muchos ejemplos de todo esto, donde las personas dedicadas a realizar grafitis han decidido hacer suyo el entorno y utilizarlo como su lienzo personal. Aunque el arte urbano no es para todos, aquí ha logrado posicionarse como algo del día a día de las personas, llegando a tornar el ambiente gris de muchas zonas en algo más colorido y alegre.

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En la avenida Cruceiro do Sul, al norte de la ciudad, un grupo de artístas pintó 66 páneles, creando así el primer Museo Abierto de Arte Urbano de São Paulo  (MAAU). Esto tuvo como bandera una de las bases del arte urbano: la accesibilidad, haciendo del hecho de estar en la calle algo democrático, ya que la gente no necesita ir a una galería para poder apreciarlo.

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En este momento, la capital alberga la 14ta edición de la Graffiti Fine Art, un proyecto del artista Binho Ribeiro, que expone grafitis en el Museo de Arte Brasileño de Escultura hasta el 29 de Diciembre.

3D: Escultura animada

Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.

Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.

Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.

Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.

Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.

El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.

100th Room presenta:

Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.

En esta, la última semana del 100th Room que será los días 7, 8 y 9 de Noviembre contaremos con los siguientes eventos:

 

Jueves 7 de Noviembre

Contaremos con un taller de Animación Digital con Daniel Farah. Es importante mencionar que el acceso será únicamente con invitación. Al terminar la sesión, se inaugurará la exposición Espacio y Compañía que reúne a más de veinte artistas. Para cerrar la noche, Lemon Mint se encargará de la música.

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viernes 8 de noviembre

El viernes contaremos con un taller de Diseño Gráfico con Oliver Barrón. El acceso será con invitación y contamos con un lugar disponible para uno de ustedes. Por la noche, contaremos con la música de Pirate Stereo.

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Sábado 8 de noviembre

El sábado, último día del evento, se llevará a cabo la clausura. El acceso es solo con invitación y habrá varias sorpresas.

Esperamos contar con su presencia a lo largo de estos tres días. No olviden que se trata de la última semana para celebrar el encuentro entre los artistas y el público. Pueden encontrarnos en Twitter, Facebook e Instagram, utilizamos #100Room

Animación: Arte en Movimiento

Bienvenidos a esta sección, la sección de la animación, en la cual se tratará de darles espacio a los artistas que eligieron este medio para expresarse. Además de esto se buscará indagar un poco más allá de lo que sabemos de este arte. Mostraremos el proceso que conlleva realizar los diversos tipos de animación y hablaremos de las grandes obras animadas de ayer y hoy.

La esperanza con esta sección es lograr que los lectores entiendan que si un proyecto es animado no lo hace de menos valía. La animación es una forma más de arte, y como tal tiene mucho para dar y expresar y es para todas las edades.

Algunos expertos opinan que las primeras bases de lo que hoy conocemos como caricaturas o dibujos animados se remontan a la prehistoria, donde el hombre primitivo recurría al arte rupestre. Esas pinturas de aspecto muy simple a primera vista poseían características como el volumen que las mismas rocas les brindaban y juegos de líneas y color que les otorgaban la ilusión de movimiento.

Desde luego que esto es sólo una hipótesis, jamás se comprobó si esto era cierto pero es una interesante y no muy descabellada teoría. La animación es algo con lo que vivimos a diario, todos los días vemos movimiento e incluso nos hemos acostumbrado a él. El cine como tal es animación, ya que se compone de montones de fotografías que pasan rápidamente creando ese efecto.

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El concepto animación viene del término “Anima”, es decir, “Alma”. Dar animación a un dibujo no es hacer que se mueva, es hacer que tenga vida. No se trata de verlo moviéndose , debemos creer que es más que un dibujo, creer que es algo real y que podemos hablarle e interactuar.

El proceso es complicado y largo. Aquellos que se dedican a la animación resultan ser personas muy pacientes, pero también muy apasionadas por su trabajo como buenos artistas que son. Es una disciplina que requiere todos nuestros sentidos, casi todo nuestro tiempo y nuestro amor. Se trata de un arte del tipo multimedio. Puede abarcar la pintura, el dibujo, la música, juego de colores, la literatura e incluso la actuación.

Todo está en constante movimiento y cambio. La animación como arte se trata de eso, de crear vida y mundos fantásticos. Invitamos a los lectores a participar con noticias, proyectos, preguntas, peticiones, información de artistas que requieran una oportunidad o lo que quieran para enriquecer esta sección. ANÍMENSE y aprendamos juntos de esta actividad tan desgastante, pero también tan gratificante.

La bioclimática: una aplicación sustentable en la arquitectura.

2009-isla-palenque-bio-climatic-studies1Dentro de los diversos términos que escuchamos al hablar de arquitectura verde o sustentable nos podemos encontrar con el de bioclimática. Ésta es un tipo de aplicación pasiva de tecnologías para lograr que una edificación sea funcional  para el ser humano a la vez que es respetuosa con el medio ambiente del lugar en el que se emplaza. Una aplicación activa de tecnología sería por ejemplo el implemento de paneles solares para  la captura de energía o la construcción de azoteas verdes para aprovechar su aislamiento térmico.

Una aplicación pasiva no involucra sistemas de alta tecnología ni aparatos sofisticados, para ser aplicada basta con conocer los recursos naturales con los que se cuenta, aprovecharlos y cuidarlos. Es decir, conocer y trabajar con el flujo de energías locales del lugar donde se pretende levantar una edificación. En el caso de la bioclimática, hay que conocer y trabajar con los elementos climáticos del lugar para que la construcción, desde su emplazamiento y arquitectura, juegue con estos para lograr una temperatura y condiciones confortables al interior al tiempo que cuida el ecosistema del que es parte.

Por ejemplo, si estamos en un lugar cálido como la costa se pueden utilizar techos altos para que el aire frío entre por debajo y salga por arriba logrando una buena circulación de éste al tiempo que se ventila el espacio interior y se mantiene la temperatura fresca.  Para evitar que los interiores se calienten demasiado se puede aplicar también el uso de parasoles para generar sombra, la implementación de fachadas dobles, vegetación o materiales de baja inercia térmica (que no absorben calor) sobre las fachadas que recibe la mayor parte del sol durante el día. Todo esto puede reducir o definitivamente acabar con la necesidad de implementar tecnologías nocivas para el medio ambiente como lo son los aires acondicionados que a pesar de gastar tanta energía son muy utilizados.

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En un lugar frío lo ideal es abrirse hacia el sol y protegerse de los vientos. Al implementarse en un terreno de clima frío se debe orientar la edificación de tal forma que reciba la mayor cantidad de sol a lo largo del día al tiempo que se utilizan materiales de alta inercia térmica, es decir, que absorben el calor en el día para liberarlo en la noche. En este tipo de climas también se pueden utilizar fachadas dobles ya que éstas funcionan perfectamente como aislante térmico, sea en clima frío o cálido.

La bioclimática es una herramienta de diseño muy valiosa ya que permite a la arquitectura convivir y funcionar de manera armoniosa con el medio ambiente. Las arquitecturas antiguas la aplicaban de manera muy espontánea, era simplemente uso de sentido común jugar con los elementos climáticos del lugar Cuando se empezaron a descubrir tecnologías y materiales innovadores se empezaron a aplicar estos sin sentido y se dejó de un lado la bioclimática, remediando las fallas que esto ocasionaba con aires acondicionados y calefacciones. Es tiempo de volver a utilizar la bioclimática como una herramienta primordial en el diseño arquitectónico ya que es imperativo dejar de construir edificaciones y ciudades nocivas para este planeta en el que vivimos.

100th Room presenta:

Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.

 Todo comienza este viernes 25 de Octubre a partir de las 18hrs con el desarrollo de la intervención plástica a cargo de Yanin Ruibal, seguida de la masterclass de Alexis Rayas, fotógrafo autodidacta con cinco años en el medio.

 

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Para terminar Exit Lace le pondrán ritmo al 100TH ROOM. Pau Rodríguez y Yoan Lokier colaboran para crear una mezcla complementaria entre los escénico y lo musical, mezclando ritmos crudos y oscuros con tendencia funk y groove.

 

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Breakdance: un baile en el aire

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El breakdance, también conocido como breaking, b-boying o b-girling, es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas de Nueva York a comienzos de los años 70.

 El breakdance se compone en esencia del body popping, que es imitar los movimiento hidráulicos de un robot; el locking, que es un baile controlado donde se agita el cuerpo súbitamente volviendo a la posición original y el breaking (b-boying) que consiste en girar en el piso sin control.

 

1377583_10153301706575434_1114355618_nMario Á. Reyes Juárez, orgullosamente Poblano, además de ser Licenciado en Diseño Multimedia es Profesor de Breakdance o Bboying en un Instituto Municipal de la Juventud. También ha estudiado artes plásticas, danza moderna y clásica entre otras. Ahora Mario tiene 19 años bailando breakdance que fue lo que realmente le impactó a muy temprana edad.

En cuanto al diseño fueron muchas cosas las que lo guiaron hacia su otra pasión: diseñar es parte de su vida. El arte del graffiti fue una de sus primeras etapas en sus últimos años de primaria, pasando a tomar diferentes clases de arte durante la preparatoria, exponiéndose a muchas más disciplinas como la pintura, fotografía, escultura, cerámica, joyería y diseño gráfico.

 

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Las primeras figuras inspiradoras de Mario fueron Michael Jackson, Bruce Lee y James Brown. “Mi inspiración han sido mi familia, amigos, el mundo, las caídas, el dolor, los momentos felices, lo insignificante, los sueños, la curiosidad  y más…La inspiración nace a veces de la nada, pero cuando no, pues hay que hacer que nazca. “

Mario ha participado en eventos en el extranjero, ya que forma parte de un grupo de breakdance llamado The Floor Spiders Crew. Un grupo que como tal contribuyo y aún todavía sigue contribuyendo a la cultura del Hip hop.

 

 

Conoce más sobre Mario en https://www.facebook.com/marj.designs

 

 

 

 

 

 

 

Studio Design App, la aplicación de los diseñadores

Los diseñadores gráficos ya cuentan con una aplicación para dispositivos móviles creada especialmente para ellos, se trata de Studio Design App, la cual cuenta con más de 600 herramientas para la construcción de imágenes y un sistema de red social para que los profesionales difundan su trabajo y, si así lo desean, también pueden compartir sus diseños en otras comunidades virtuales dedicadas a la imagen.

Entre los elementos de diseño que ofrece esta aplicación se encuentra una amplia variedad de filtros, tipografías, marcos, texturas, fondos, logos, iconos y formas predefinidas, además, funge como editor de fotografías. Con todas estas herramientas, Studio Design App no sólo le es útil a diseñadores profesionales, sino que busca ser una plataforma que ayude a los aficionados a iniciarse en esta disciplina mediante la creación de gráficos y a aprender del trabajo compartido por los expertos.

Saca al diseñador que llevas dentro y comparte tus creaciones con el mundo.

Studio Design App, creada por Overlay Studio Inc., es uno de los lanzamientos más recientes en Applestore y, según el sitio web instagramers.com, podría considerarse el Instagram de los diseñadores. Esta aplicación apareció el pasado 16 de agosto y, a poco más de un mes del inicio de sus descargas, la tienda virtual anunció la saturación del servicio debido a la alta demanda de suscripciones al mismo; sin embargo, ya está disponible una nueva versión que puede bajarse gratuitamente.

Por el momento, la aplicación sólo está disponible para iPhone, iPad y iPod Touch, pero se prevé la creación de versiones para otros dispositivos en el futuro.

 

 

6&Pico: Principio y muerte

La polarización de ideas y conceptos permean el sustento cultural y esencial de la vida de múltiples civilizaciones junto con su devenir histórico. Por la vida tenemos el principio de todo, incluyendo la muerte. Vida y muerte, como opuestos que se enfrentan, palpables de la imaginación y del pensamiento holístico de cualquiera y de todos. Vida y muerte como los opuestos más trillados, pero que no se olvide que a su vez son éstos consecuencia de otros incontables opuestos más.

Desde la trinchera de la ilustración, 6&Pico reluce su cobertura temática en diversos trabajos, que tal vez de primera impresión no se reconocen dentro de una hermandad técnica o conceptual, sin embargo en el trasfondo, las obras expuestas a continuación mantienen una relación inerte que en secreto mantienen como tal. Migraña, La Muerte también es fértil, Héroes, y Natividad son las cuatro ilustraciones de 6&Pico que resguardan una conversación mística entre sí, apalabrando en sus significados e inspiraciones cuatro opuestos de gran incertidumbre y recurrente para la humanidad: vida y muerte, y principio y fin.

Técnica digital 6&Pico 27x14cm
Técnica digital
6&Pico
27x14cm

Generalmente el final siempre se anuncia con una crisis, el caos o la decadencia: a diario muere algo, a diario mueren muchos, a diario muere algo dentro de nosotros. A razón biológica del cuerpo humano, éste posee células que se regeneran a diario, existen partes del cuerpo condicionadas al cambio y a la regeneración constante, aunado a que la enfermedad o el malestar del mismo vaticinan la transformación fisiológica del cuerpo de lo bueno a lo malo y viceversa. Migraña retrata la mutación constante del cuerpo, y trasluce la enfermedad como la improvisación burlesca de la impredecible llegada de la muerte. Migraña en palabras de 6&Pico es  la aparente destrucción de la materia por medio de la putrefacción”.

Técnica mixta sobre opalina 6&Pico 36x26cm
Técnica mixta sobre opalina
6&Pico
36x26cm

A paso desafortunado de la enfermedad, la muerte llega como culminación de ésta, pero la muerte no es punto final de algo o de alguien, es más bien renovación de un ciclo, del ciclo de los opuestos. En La Muerte también es fértil, 6&Pico pretende incorporarnos en la reflexión de la muerte vista como principio de algo, la fertilidad como simbolismo y cualidad no sólo de lo que vive, sino también de lo muere, fertilidad hambrienta de la renovación a beneficio o maleficio de aquello en lo que renace.

Técnica Tinta sobre cartulina 6&Pico 21.5x28cm
Técnica Tinta sobre cartulina
6&Pico
21.5x28cm

Continuando en el discurso gráfico de los opuestos, una de las ilustraciones de 6&Pico, Héroes, divaga en una fuerte carga conceptual con la ilustración científica. Héroes es la alegoría fantasiosa de la realidad e historia animal y por qué no, hasta del hombre mismo: en dicha ilustración los débiles se convierten en presas fáciles para la captura y supervivencia del más fuerte. La muerte es el arma del poderoso, y el principio de supervivencia de unos y el final de vida de otros. Los opuestos, antes aquí retomados, en la ilustración Héroes, se vitalizan en la perspectiva biológica, vista desde la interacción natural de la especie animal y como un reflejo de la interacción humana.

 

Técnica  tinta china sobre fabriano 6&Pico 44.5x29cm
Técnica tinta china sobre fabriano
6&Pico
44.5x29cm

Así, en Natividad, se reafirma el postulante conceptual de la ilustración pasada, ahora el simbolismo de la muerte y la vida, y el principio y el fin, cohabitan en una gráfica de aspecto escalofriante y esquizofrénico, gráfica que homogeniza los opuestos y se vuelve  un reto visual que cuestiona a los mismos.

De la enfermedad a la muerte, de la muerte a la regeneración, de la regeneración a la vida, de la vida a la fuerza, de la fuerza a la debilidad, de la debilidad a la enfermedad y de la enfermedad a la muerte, es así como todo se vuelve un ciclo que no descansa en su renovación circular. 6&Pico es la loa gráfica del ya descrito ciclo, y con sus ilustraciones nos envuelve calurosamente en el interminable debate de los opuestos y de los contrarios.

Moda sustentable, moda que cuestiona

 

Por: Remitente

@remitente_df

www.remitente.mx

moda sustentable

La industria de la moda es hoy en día altamente problemática, en la medida en que se ha convertido en una de las más nocivas para el medio ambiente. Pero no sólo para éste, también para las condiciones de vida de muchos trabajadores de todo el mundo que se encuentran sometidos a un régimen de precariedad y explotación laboral.

Investigaciones llevadas a cabo por SETEM (Campaña Ropa Limpia) ponen de relieve que las empleadas –porque en su mayoría son mujeres– de muchas de las grandes empresas de moda en lugares como Marruecos cumplen jornadas de hasta 14 horas diarias por salarios que pueden ser inferiores a los 100 euros mensuales y que rara vez superan los 200. La situación en otros países como Bangladesh es aún peor: se sitúan entre los 20 y los 35 euros mensuales y los hundimientos e incendios de fábricas han matado a cientos de personas en los últimos cinco años. Investigaciones indican que en la mayoría de los países las grandes empresas han ganado terreno al pequeño comercio y que se ha producido una revolución comercial en el sector. Las empresas han tratado de superar la timidez consumista, forzando así a que los consumidores entren y compren. Existe además una desigualdad de género: los hombres ganan más dinero que las mujeres por el mismo trabajo. Es evidente, por tanto, que nos vestimos con precios bajos pero a un coste muy alto, aún más elevado si tenemos en cuenta que se está consumiendo más moda que nunca antes en la historia de la humanidad.

Entre las estrategias para conseguirlo se emplea una cada vez más rápida rotación de stocks y un lanzamiento casi constante de nuevas colecciones. Una temporada puede, por ejemplo, constar de tres colecciones (o incluso más), que apenas duran tres semanas en tienda y suponen nuevas tentaciones para unos consumidores que no tienen tiempo de disfrutar de la ropa en su tradicional sentido estacional.

Pequeños pasos hacia una moda más sostenible

Para quienes puedan sentir una mínima sensación de mala conciencia, no faltan las opciones de eso que se ha denominado «eco-chic», –más una tendencia estilística superficial que una alternativa real– pues se basa sobre todo en una apariencia de naturalidad de las fibras que no siempre es así. Muchas de ellas proceden de cultivos tratados con productos químicos o se han sometido a procesos de fabricación menos respetuosos con la Naturaleza de lo que prometen a primera vista. eco chic

Ahora bien, pese a este panorama tan poco agradable algo está cambiando en el sector porque, poco a poco, están surgiendo otros modelos que van desde el «hazlo tú mismo» (DIY-Do It Yourself), pasando por la clásica –y en las últimas décadas prácticamente en desuso– «reforma» de nuestro vestuario y la creación de grupos de costura y tricotado (Stitch & Bitch), hasta proyectos de hacktivismo y actos micro-políticos basados en el cortar, coser y hacer –como los desarrollados por Otto Busch con su «Reform Project»–, que cuestionan el sistema moda.

Incluso las grandes empresas han dado algunos tímidos pasos en esa dirección (incorporando a su producción algodón de comercio justo y poliéster reciclado, por ejemplo) para responder a una demanda, pequeña pero significativa, de unos consumidores que poseen cierta conciencia medioambiental. Este es, por ejemplo, el caso de H&M que en abril de 2011 lanzó su «Conscious collection» o el de C&A que, desde 2007, vende algunas prendas de algodón orgánico. Ésta y otras marcas han repartido en diversas ocasiones folletos con consejos sobre cómo cuidar la ropa para alargar su vida. Por su parte, Kenzo lanzó en la primavera de 2011 y dentro de su línea «Kenzo Doll», una colección «vintage» –a un precio más bajo de lo habitual en esta firma pero en edición limitada– realizada a partir de telas sobrantes, es decir, del reciclaje, una propuesta que ya había realizado anteriormente Yves Saint Laurent.

Sin embargo, para quienes apuestan por un diseño sustentable éstas no son verdaderas soluciones sino simples parches en un sistema moda que tiene que transformarse casi por completo, empezando por llegar a la raíz del problema: un consumo inconsciente y desaforado que se desenvuelve de espaldas a cualquiera de las consecuencias sociales y medio ambientales negativas que provoca. Y el propio sistema moda lo fomenta y alimenta constantemente, como ya se ha mencionado.

Reemplazar cantidad por calidad

La moda sustentable, como alternativa de diseño, se plantea llegar precisamente a la raíz y provocar transformaciones que sean realmente significativas. Demanda un reemplazo de la cantidad por la calidad, un giro de lo global a lo local, del consumir al hacer o del consumo de los recursos naturales al aprecio del mundo natural.

Hay que desmitificar el mundo de la moda, alejándola tanto del elitismo de las pasarelas como del patrón de consumo actual, opinan los defensores del diseño sustentable, pero también hay que tomar conciencia de que ésta ocupa un lugar crucial en nuestra cultura porque es parte del comportamiento humano y un valioso ámbito creativo. No es cuestión, por tanto, de que desaparezca, como sugieren los más extremos, sino de que el sistema en el que se encuentra inserta sea capaz de encontrar un equilibrio con el medio ambiente y de incorporar valores sociales positivos.

green-fashionNo se trata, pues, únicamente de adquirir menos ropa –una opción válida pero algo simplista en un sistema tan complejo como el actual– sino de cambiar nuestra percepción de ella, las ideas sobre su diseño, los materiales y los modos de producción, con el objetivo de que vayamos abandonando un tipo de relación (con la moda en general) que, a día de hoy, resulta destructiva para el medio ambiente y las personas.

Una de las principales propuestas de la moda sustentable es observar cómo actúa la naturaleza y seguir algunos de los principios que la rigen: cooperación, simbiosis y eficiencia. Pero, también, trabajar sobre aspectos presentes en ella tales como la ligereza, la flexibilidad y la diversidad como modo de contrarrestar el poder de una industria dominada por la estandarización y las tendencias que hace que todos, en cualquier parte del mundo, invirtamos en el último modelo para ser distintos y, paradójicamente, vayamos vestidos iguales. Frente a la homogeneización, la diferencia.

La sustentabilidad en moda pasa, además, por un cambio en los materiales empleados: de las fibras artificiales a las naturales (como el algodón orgánico, la lana, el lino o el bambú) pero además por una transformación en los modos de fabricación, con productores más pequeños pero más flexibles.

Como dice Kate Fletcher, diseñadora y consultora británica, especializada en moda sustentable: “Se trata de una relación fuerte y atenta entre el consumidor y el productor. Se trata de producir prendas de vestir que inicien un debate, apelen a una significación profunda o necesiten del usuario para terminarlas con pericia, imaginación o estilo. Se trata de diseñar piezas de confianza y capacidad de inducir que alienten a la versatilidad, la inventiva, la personalización y la participación individual. Sólo entonces la gente se transformará de consumidores ciegos que eligen entre productos preparados y cerrados a ciudadanos que realizan elecciones conscientes de cómo compran, usan y se deshacen de su ropa.»

6&Pico; por y desde el placer de la Ilustración

Chulavista Art House A.C La Revista, se complace hoy en darles a conocer el programa de difusión y divulgación de arte contemporáneo mexicano “Somos Talento”, dicho programa aborda la necesidad actual de brindar espacios de difusión a aquellos artistas jóvenes mexicanos que empiezan a incursionar en diferentes manifestaciones de las artes visuales. “Somos Talento” escucha los gritos de artistas emergentes, que desde diferentes técnicas, temáticas y composiciones buscan expresar su trabajo artístico capaz de contar historias, sensibilizarnos y de reconocer al humano antes que al ser.

¿De qué tanta razón gozamos para contar historias? El ser humano es la única especie viva, aferrada a  documentar su paso en un enmarañado de historias compiladoras de sensaciones, percepciones y emociones. Verbigracia de aquello; es la construcción y trayectoria de las artes y la historia, de la historia y las diferentes vías de comunicación, de la comunicación y de los otros, de los otros y de la vida, de la vida y de la muerte. Reconocernos, recordarnos, memorizarnos, justificarnos, sensibilizarnos  e identificarnos, resultan premisas enaltecedoras y únicas de lo humano, por ello el arte no muere y en consuelo de la vida, hoy sigue siendo el día que nos recuerda cómo hacernos humanos.

logo6ypicoAbierta la invitación para incitarte a que hagas memoria de lo humano, y ávidos de contarte historias, hoy en “Somos Talento” te presentamos un colectivo de artistas gráficos mexicanos llamados 6&Pico, colectivo formado por seis jóvenes ilustradores insertos en la novedosa escena mexicana de la Ilustración. 6&Pico anuncia su  conformación desde el año 2012, desde entonces los seis integrantes reafirman su necesidad de manifestarse y reconocerse a través de la experiencia gráfica, misma que es  lucida de una calidad plausible de magnificas técnicas, temáticas y composiciones.

Lolbe, Andrés, Alina, Carlos, Rosario y Caro son los seis integrantes de 6&Pico, todos ellos egresados de la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas), misma que pertenece a la Universidad Nacional Autónoma de México, como el único plantel de nivel superior que exclusivamente está enfocado a la profesionalización de las  Artes Visuales, el Diseño y  la Comunicación Visual. 6&Pico integra su acervo creativo de trabajos con diversas técnicas de producción digital y tradicional, tales como acrílico, acuarela, scratch, grafito, prisma color, gouache, collage, modelado y la versión de éstas en ilustración digital. Estas técnicas son complementadas por su conocimiento, gusto y especialización en el diseño editorial, diseño gráfico, los soportes tridimensionales y la multimedia.

Ilustración hecha por y de los mismos integrantes de 6&Pico
Ilustración hecha por y de los mismos integrantes de 6&Pico

Como individuos cada uno tiene sus preocupaciones, inspiraciones y problemáticas favoritas, así como diferentes fortalezas y debilidades, gracias a ello nos complementamos y  tratamos de explotar nuestros diferentes talentos”; así es como los integrantes de 6&Pico se auto describen. 6&Pico incita en sus ilustraciones reflexiones insaciables de ser culminadas, desde lo imaginario hasta lo real, desde lo sutil hasta lo complejo, sus composiciones están nutridas de elementos propios de lo humano, humano que se deja ver en historias ausentes de palabras y urgentes de la gráfica armoniosa de la forma y el color.

6&Pico hace gala de su trabajo en Chulavista Art House, y desde hoy y por las presentes dos semanas próximas los invitamos a saciarse visualmente de su trabajo. Ojalá 6&Pico les incite más allá del deleite visual y comiencen, como ellos, a conocer y a convivir con la ilustración por y desde el placer.

Ilustración de 6&Pico, técnica mixta en homenaje al artista Otto Dix
Ilustración de 6&Pico, técnica mixta en homenaje al artista Otto Dix