La ultima carta de Betania Lopez

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El pasado 21 de febrero por fin salió a la luz “La Ultima Carta”, nuevo álbum de la chilena Betania López; en el cual, con un sonido fresco y alegre, la cantante chilena nos cuenta historias de la vida cotidiana.

 Este álbum cuenta con una base ska y rocksteady, pero con una sutil mezcla de pop y sonidos latinoamericanos, que dan como resultado una mezcla muy agradable para el oído que a cualquier seguidor del ska le gustará. Pero sobre todo para aquellas personas que no están familiarizadas con este ritmo, les resultara un disco muy digerible y fácil de escuchar

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 Betania López incursionó en el ska en el 2010 cuando saco un pequeño E.P. titulado “En las calles de mi tierra”, si bien desde algunos años antes ya estaba dentro de la música, su sonido estaba más enfocado hacia el reggae y el hip-hop.

 Aquí está la opción musical de este fin de semana, esta vez Betania López directamente desde Chile con una propuesta musical bastante interesante y esperemos que ahora que está promocionando su disco, no se olvide de México y realice algunas presentación en tierra azteca para poderla disfrutar al máximo.

Originally posted 2014-03-21 06:57:34. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

¡Bernard Adamus está de vuelta!

 

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 Bernard Adamus es de esos músicos que se reconocen de inmediato. Sus canciones que combinan elementos de géneros tan opuestos como el blues, country, hip-hop y folk,tienen la capacidad de encapsular al escucha en pequeños escenarios, al captar toda su atención, y envolverlo totalmente en sus notas.Este artista originario de Francia lanzó su primer material en 2009, llamado Brun (La couleur de l’amour), en el que al experimentar de un modo totalmente libre y espontáneo, captó inmediatamente la atención de los principales medios de su país al ganar premios tan importantes como el Prix Artisti pour la meilleure interprétation en 2009 y el Prix Félix-Leclerc de la chanson en 2011, entre varios más que reconocieron su talento como compositor, multi-instrumentista e intérprete.Acto seguido, Adamus fue invitado a participar en festivales icónicos como el FrancoFolies de Montréal, cuyo objetivo es estimular y promover la lengua francesa a través de la música de distitntos talentos locales y extranjeros para así posicionarse en poco tiempo al tener ya un estilo definido totalmente fresco.Después de una larga espera, finalmente Bernard ha anunciado el lanzamiento de su próximo material el próximo 25 de septiembre llamado Nº2 del que a continuación les presentamos el tracklist.
Nº2
1. Les obliques
2. Entre ici pis chez vous
3. Fulton road
4. Ouais ben (mescaline version)
5. Arrange-toi avec ça
6. 2176
7. Ouais ben
8. Le scotch goûte le vent
9. Les p’tits mardis
10. Le problème
11. La diligence
12. Les chemins du douteLa carta de presentación es: “Arrange-toi avec ça”, una canción que al igual que la portada del disco, invita a formar parte de un delicioso break del mundo.

 

 

En su página pueden preordenar el disco y ¿por qué no? también volver a escuchar algunos temas que ya son favoritos.

http://bernardadamus.bandcamp.com

 

Originally posted 2012-08-27 16:30:56. Republished by Blog Post Promoter

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Originally posted 2014-08-08 09:00:46. Republished by Blog Post Promoter

Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

Originally posted 2014-10-24 09:00:01. Republished by Blog Post Promoter

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

Originally posted 2014-08-18 10:32:37. Republished by Blog Post Promoter

Sal y Sol, lo nuevo de The Refrescos

Después de mas de 15 años de no sacar alguna nueva producción discográfica y tras una larga pausa, la banda madrileña The Refrescos ha vuelto a la escena musical con un nuevo disco bajo el brazo titulado Sal y Sol.

 Este nuevo álbum del grupo cuenta con el sonido que desde el inicio de la banda, allá a comienzos de los 80’s ha caracterizado al grupo. Canciones con letras llenas de buen humor, ironía, crítica social y surrealismo, que en este mundo tan loco de surrealistas cada vez tienen menos.

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 Como suele pasar con bandas que se reactivan después de tanto tiempo, The Refrescos ha vuelto con una nueva alineación, en la cual el único miembro de la formación original del grupo es Bernardo Vazquez, mejor conocido en el mundo de la música como: Bernardez, vocalista y compositor del grupo; quien con una mezcla de pop, ska, punk, rock y hasta mariachi, ha logrado una vez mas revivir en este disco el sonido clásico de los Refrescos.

 Si bien en nuestro país The Refrescos no es una banda con tanta popularidad, en su natal España se han convertido en todo un suceso después de que en 1986 grabaran el tema Aquí no hay playa, una canción que con mucho sarcasmo habla sobre su ciudad natal Madrid y que en ese año se convirtió en “la canción del verano”, lo que es igual a estar sonando todo el día en cada uno de los rincones de España.

 La formación original del grupo solamente grabó 3 discos, The Refrescos en 1989, Kings of Chunda Chunda en 1990 y Simpatía por el Débil en 1991, aunque algunos años después Bernardez junto una nueva alineación y en 1996 grabó un cuarto disco   titulado ¿A que piso va?, y en 1999 salio a la venta un disco titulado Xacobeo 99 en donde The Refrescos, o mejor dicho Bernardez grabó algunos temas junto al grupo galo Astarot, y aunque estos dos últimos discos no alcanzaron tanto éxito como los 3 primeros, Xacobeo 99 se convirtió por 15 años en la ultima producción discográfica bajo la firma de The Refrescos.

 Si bien no seria hasta el años pasado cuando Bernardez decidió reactivar el proyecto de The Refrescos, en 2009 Bernardez saco a la luz un proyecto llamado The Gambas, el cual fue creado junto a diferentes músicos de algunas bandas de ska españolas. Aunque había algunas diferencias, The Gambas fue un proyecto con la misma idea y concepto que The Refrescos, y el cual solo han editado un disco titulado Alegría Social.

 Esta es la propuesta de la semana, The Refrescos y su regreso discográfico llamado Sal y Sol, que después de 30 años de su debut  y como su mismo nombre lo dice, siguen manteniendo ese sonido refrescante, y que nos muestra una de las tantas facetas del ska, si la semana pasada hablábamos de virtuosismo musical del ska-jazz, esta semana hablamos de irreverencia musical y buen humor, pero con calidad, esos si.

Originally posted 2014-05-09 15:35:52. Republished by Blog Post Promoter

North East Ska-Jazz Orchestra: jazz y ska del noreste de Italia

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A través del tiempo, Italia siempre ha sido una cuna de excelentes propuestas musicales y en diversos estilos. Actualmente este país europeo sigue siendo un semillero buenos proyectos musicales, un claro ejemplo de esto es: North East Ska-Jazz Orchestra.

Como su nombre lo dice, esta agrupación se dedica a mezclar el virtuosismo del jazz con la calidez del ska, dando como resulta música de excelente calidad. Formados en el año 2011 en Friuli Venezia Giulia -por eso el nombre de North East- por músicos de toda la región, desde jóvenes músicos que apenas comienzan en esto de la música y que aun tienen mucho que decir, hasta músicos mucho mas experimentados que respaldan con toda su experiencia al resto del grupo.

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Aunque lamentablemente esta agrupación no cuenta con ninguna grabación hasta el momento, eso no les ha impedido contar ya con varias presentaciones en vivo -cuyos videos se pueden ver en internet- con lo cual le han demostrado su gran nivel musical al publico.

Algunos músicos de la escena italiana han mostrado su apoyo a este proyecto, como es el caso de Luigi de Gaspari, mejor conocido como Mr. T-bone  -The Bluebeaters y Africa Unite- quien ha sido reconocido como uno de los mejores trombonistas del mundo y que actualmente esta realizando colaboraciones en vivo con el grupo.

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Sin más, esta es la recomendación de la semana , una buena propuesta musical que abarca dos estilos don del el músico puede expresarse por medio de la improvisación y la buena ejecución de su instrumento. Y a esperar a que este 2014 por fin sea el año en que estos señores entren al estudio de grabación y nos regalen una placa llena de joyitas musicales.

 
 

Originally posted 2014-01-31 15:35:17. Republished by Blog Post Promoter

Vallanzaska y la degeneracion de la generacion

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Alrededor del mundo hay algunas escenas musicales donde, por ciertos motivos suelen destacar tal vez mas que otras; la escena del ska italiano desde su origen (hace mas de 30 años) ha sido un referente mundial en cuanto a ska de buena calidad, con bandas pioneras como los Casino Royal, Statuto o la Banda Bassotti entre muchas otras mas que han sonado a lo largo de todos estos años.

Actualmente las bandas italianas siguen manteniendo ese nivel musical y una de las bandas consideradas entre las mas importantes y representativas de este ritmo son los Vallanzaska, quienes el pasado 28 de marzo sacaron a la venta su nueva producción discográfica titulada: Thegenerazione. La agrupación no sacaba nuevo material discográfico desde hace 3 años, cuando en el 2011 editaron el disco Spaghetti Ska, un álbum recopilatorio con el cual conmemoraron sus primeros 20 años de carrera musical.

Thegenerazione está editado bajo el sello Maninalto! Records (una de las disqueras que mas difunde y apoya el ska y demás ritmos derivados por allá, en las tierras italianas) y cuenta con la participación de diversos músicos y cantantes de la escena italiana como  Paletta bajista de la banda punk Punkreas o Antonio Di Rocco vocalista de Matrioska, e incluso hay una colaboración del español sumamente italianizado Tonino Carotone.

Este album cuenta con el ya característico sonido de la banda, un sonido frenético y alegre con el cual al escuchar los primeros acordes te darán ganas de ponerte a bailar, otra característica de la banda y que este disco no podía dejar fuera son sus letras con un toque humorístico peros con crítica social, tratando de generar un poco de conciencia en cada persona que escuche su música.

Tomando el nombre del conocido criminal Renato Vallanzasca y tocando principalmente covers de Madness y The Specials, Vallanzaska inició su carrera musical en Milano por allá en el año de 1991 pero no sería hasta 10 años después con la salida de su tercer álbum Ancora una Fetta que la banda alcanzaría la masividad y el reconocimiento en su país, siendo actualmente considerada como una de las bandas más importantes y representativas del ska Italiano, formando parte constantemente de diversos acoplados, tanto de ska italiano como internacional.

Aunque el disco físicamente salió a la venta el 28 de marzo, desde el 21 de marzo ya se podía comprar de manera digital, para promocionar el álbum los Vallanzaska iniciaron el 14 de marzo una gira por el territorio italiano.

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Thegenerazione es un álbum que resultará agradable para aquellas personas que ya conocen a la banda o están familiarizadas con estos ritmos, ya que sigue manteniendo la frescura y el sonido característico del grupo; que si bien siempre se ha caracterizado por tener una base ska, se conforma de varios sonidos pasando por el punk, hasta tener algunos toques de música electrónica.

Pero lo mas importantes es que, para las personas que este tipo de sonidos aun sigue siendo un tanto extraños, Vallanzaska y este disco resultan sumamente fáciles, de escuchar, pues a pesar de continuar con esa esencia que los ha caracterizado desde un principio la agrupación ha sabido ir actualizando su sonido, lo que te puede puede llevar a indagar a profundidad sobre este tipo de música.

El nuevo álbum de Vallanzaska es un claro ejemplo de que la música festiva y desenfrenada no tiene por que estar peleada con la calidad musical, por lo que no caería nada mal que algún día esta banda visitara nuestro país, ahora que cada vez es más común observar bandas (de ska y ritmos relacionados) de talla internacional en nuestro país.

Originally posted 2014-04-23 18:19:47. Republished by Blog Post Promoter

El regreso de las bestias: Omar Rodríguez y Bixler-Zavala en México

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 Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala regresarán a tierras mexicanas con un nuevo proyecto musical: Antemasque. Los también fundadores y ex-integrantes de The Mars Volta y At The Drive-In planean visitar nuestro país a finales de octubre y principios de noviembre para ofrecer dos fechas en dos ciudades:

  • 31 de octubre – Pa’l Norte Music Fest en Monterrey, Nuevo León
  • 3 de noviembre – Circo Volador en el Distrito Federal

 Antemasque se presentó al mundo el 9 de abril del año en curso con un sencillo titulado “4 AM”:

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 En este proyecto también participan los músicos Flea (de Red Hot Chilli Peppers) en el bajo y Dave Elitch en la batería El grupo está en proceso de finalizar su disco debut, mismo que planean lanzar en el mes de octubre bajo el sello Nadie Sound. 

 La banda que abrirá el show de Atemasque en el DF será Le Butcherettes, proyecto liderado por la tapatía Teri Gender Bender, quien también forma parte de la banda Bosnian Rainbows  junto a Rodríguez-López.

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 Los boletos para el evento ya están disponibles en Ticketmaster y la taquilla del Circo Volador:

  • Preventa: $500
  • Precio regular a partir del 2 de octubre: $600

antemasque

Originally posted 2014-08-27 19:45:54. Republished by Blog Post Promoter

STRFKR: Una hipnosis natural

 MP3

 

Hay sensaciones indescriptibles, así como hay música que acompaña esos fragmentos en el tiempo que difícilmente se pueden repetir. Strfckr los crea y logra invocarlos una y otra vez de una manera hipnótica y natural. Esta banda es un cocktail de sonidos electrónicos experimentales mezclados con un poco de rock y una pizca de psicodelia que siempre transmiten un sentimiento diferente, un “algo” que crea una perspectiva distinta de su música en cada track, algo que (en lo personal) es un poco complicado de describir pero que puedo resumir a través de “Isabella Of Castille”  una de las mejores canciones de su primer disco homónimo lanzado en 2008 que a pesar de su gran talento se guardó sólo para unas cuantas personas que lograron dar con su trabajo, conocerlo y seguirlo. Así, después de su visita en la Ciudad de México en 2011 con su segundo LP  “Reptilians” a dos años su nuevo álbum en puerta “Miracle Mile”  saldrá a la venta el 19 de febrero. Ahora ya se pueden escuchar dos canciones con un sonido renovado que vibra y se desborda: “Say to you” y “While I’m alive”. Estamos seguros  de que este será el mejor trabajo hasta ahora de Strfckr que transmitirá en todo su esplendor la energía única que poseen. Sin más sólo queda esperar y que su música hable por sí misma, ¡Disfruten!

 

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-02-11 18:23:35. Republished by Blog Post Promoter

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Originally posted 2014-08-04 08:30:24. Republished by Blog Post Promoter

Lonely Motel: Music From Slide (o “King Crimson meets Renaissance Music meets Performance meets Contemporary Art song”)

Hoy me gustaría hablar sobre un disco que es uno de mis grandes favoritos: Lonely Motel: Music From Slide. Esta grabación fue hecha para permitir que el mundo conociera la música de una pieza teatral llamada Slide, coproducción de Steven Mackey y Rinde Eckert (que ya han trabajado en conjunto para llevar a cabo otras obras galardonadas como Ravenshead y Dreamhouse), ganadora del Grammy a Mejor Interpretación de Ensamble de Cámara en el 2011 y nominada a otros 3 (entre ellos Mejor Composición Contemporánea).

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 Se podría pensar que, a falta de representación escénica, el disco sufriría de algunas carencias insalvables, pero resulta sorprendente percatarse de que el audio por sí mismo se sostiene impecablemente. Es muy probable que tenga que ver con el hecho de que Slide, más que una ópera o un musical, es más bien una colección de 11 canciones que retratan la personalidad y la vida del personaje principal: un psicólogo que, después de ser abandonado por su prometida en el día de su boda, irónicamente (o tal vez no tan irónicamente) comienza a volverse un poco loco.

 Steven Mackey: compositor, guitarrista, improvisador y maestro de Princeton, compuso esta pieza especialmente para el ensamble Eighth Blackbird, que, según palabras del propio Mackey,

“Es un raro grupo que puede tocar una polirritmia compleja y además “groovear” sobre un pulso constante” (http://stevenmackey.com/composer. 2010)

 

 Utilizo “groovear” como un intento de latinizar la palabra “groove” o “swing”, que es el sentimiento rítmico característico de estilos como el jazz o el rock. Y es que esta obra, como muchas de las cosas que ha hecho Mackey, busca sintetizar muchas de las características de la música popular con las de la música “culta”. Y es muy cierto que pocos ensambles podrían haber realizado el trabajo que hizo Eighth Blackbird, pues Slide tiene un poco de todo y, por esta misma razón, presenta múltiples y complicados retos para los intérpretes.

 Es increíble pensar que una canción como “She Walks”: dulce, con tintes renacentistas y con la voz de Rinde Eckert cantando en un falsete a la castrati; pueda encontrarse al lado de “Ghosts”: una rola netamente rockera, donde la guitarra eléctrica de Steven Mackey lanza furiosos riffs distorsionados al lado de una cruda batería y un bajo eléctrico. Y lo más impresionante es que a pesar de esto, Mackey logra mantener una coherencia absoluta a través de toda la obra.

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Como ya he dicho, Slide cuenta la historia de un psicólogo llamado Renard que está perdiendo un poco la cordura. Rinde Eckert se basó en un experimento psicológico real para crear a su personaje. En este experimento se les mostraba unas imágenes borrosas a algunos sujetos para que intentaran adivinar qué era lo que realmente se encontraba en dichas imágenes. Después, al aclarar las fotos, se tomaba el tiempo en el que los sujetos se percataban de si habían acertado o no. Renardal estar recordando el experimento, comienza repentinamente a observar su vida en una alternancia de imágenes borrosas y claras: todo de lo que estaba seguro se difumina y se vuelve confuso; y las cosas mágicas que le daban misterio y sabor a sus recuerdos se aclaran dolorosamente y desaparecen.

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Steven Mackey utiliza esta contraposición entre lo borroso y lo claro para conseguir unos efectos musicales bastante interesantes. En “She Walks”, por ejemplo, la canción termina con un solo de chelo que fluctúa entre una melodía tremendamente apasionada y unos glissandos terribles que imitan la estática informe de la señal de radio. Otro ejemplo es la rola más importante de la obra: “Stare”, que comienza con una progresión armónica en el piano que tiene un ritmo tan difuso que es imposible de metrificar. Poco a poco, se le une la percusión y más tarde el clarinete y el violonchelo, haciendo del ritmo algo cada vez más concreto. Al final, cuando entra la voz, lo abstracto ha entrado en foco, y la masa musical sin forma se ha convertido milagrosamente en una linda canción.

Realmente es complicado describir Lonely Motel: Music From Slide con palabras. Es una obra sumamente energética, llena de contrastes y con un trabajo compositivo finísimo. Es fácil ver por qué Steven Mackey es hoy uno de los compositores más importantes de su generación: en él se ven perfectamente realizadas tanto las formalidades y complejidades de la academia como la fuerza y la emoción del rock.

Originally posted 2014-04-08 13:56:08. Republished by Blog Post Promoter

Lluvia de Palos presenta: Tlaltekuinilistli

El 26 de abril tuve la maravillosa oportunidad de acompañar al ensamble Lluvia de Palos en la presentación de su disco Tlaltekuinilistli. Con un concierto y una conferencia en la Sala Carlos Chávez, este peculiar grupo musical comenzó una nueva etapa en su prometedora trayectoria artística.

 Lluvia de Palos, ensamble liderado por José Navarro (fundador también de Banda Elástica), es un grupo que hace música contemporánea con instrumentos pre-hispánicos. Esto les da un sonido muy particular: timbres arcaicos utilizados en un contexto de improvisación contemporánea.

 Tras el increíble concierto que dieron, donde embelesaron al público con una música desbordante de energía vital, platiqué un poco con Manuel Andrade -miembro de la banda, joven percusionista y estudiante de composición en la Escuela Nacional de Música- acerca del proyecto.

Samir Pascual
Samir Pascual

 Le Ramis: ¿Cómo es el proceso de composición y arreglo de las piezas?

 Manuel Andrade: Podría decirse que el proceso composicional de la música lleva como uno de los elementos claves la improvisación. Es un proceso que lleva tiempo, en el sentido de que sí, las piezas se escriben, pero van cambiando poco a poco a lo largo de estarlas tocando, pues se experimentan detalles pequeños a lo largo de cada ensayo. Así, después de un año, las piezas son reconocibles pero no necesariamente iguales. Hay una idea general, pero se va desarrollando poco a poco hasta llegar a una última versión, que es la versión del disco. De ser necesario se busca una manera de hacer una notación específica para cada pieza. Tal es el caso de “De mar a viento” u “Olla flechada”. Casi todas las piezas están compuestas por José Navarro.

 L. R: Tú que eres compositor además de percusionista, ¿cuáles son los retos de componer para un ensamble de puras percusiones?

Luis Miguel Costero
Luis Miguel Costero

 M. A: Creo como compositor que uno de los aspectos más interesantes de las percusiones son las variedades tímbricas que tiene un solo instrumento. Es muy importante considerar que al ser percusiones, cada uno de los integrantes debe desempeñar un papel que ayude al compañero a crear un ambiente específico o a desarrollar una idea en particular.

 Con esto me refiero a que cuando se compone se debe buscar la manera de que nadie opaque a nadie, y de que cada uno ayude con su parte a crear música. A veces es mejor no tocar nada si la música lo necesita, y después de un rato de silencio entonces tocar sólo si es necesario. Eso no solamente al componer, si no también al improvisar.

 Es determinante desarrollar un buen trabajo en equipo para obtener ideas que pueden desarrollarse y utilizarse en una composición. Algo fundamental para lograrlo es el escuchar lo que están haciendo los demás, como sucede en “Golpeando el viento la luna”.

 L. R: ¿Crees que el trabajo de José Navarro con la Banda Elástica influencia de alguna manea su trabajo con Lluvia de Palos?

 M. A: Por supuesto. Es con Banda Elástica que Pepe empieza a usar los instrumentos de percusión prehispánica. Aquí se ve muy claro lo que te explicaba del cambio gradual de una pieza a lo largo del transcurso del tiempo. Es con Banda Elástica que se empieza a trabajar de una manera inusual en una banda. Cada disco que tiene ellos es distinto al anterior y busca serlo, creo que es parte de lo que da pie al surgimiento de Lluvia de Palos. Luis Miguel Costero y Pepe llevan varios años trabajando juntos, ambos son integrantes tanto de Banda… como de Lluvia…

 L. R: ¿Qué instrumentos prehispánicos utilizaron para este disco?

 M. A: Pffff (piensa), son varios: Huehuetl, Teponaztlis, flautas y ocarinas de barro, caparazones de tortuga, sonajas, piedras, raspadores, ollas, sartales, palos de lluvia, campanas de barro, tambores de agua, tambores raramuri, caracoles marinos, entre otros. El DVD tiene una sección donde se muestran los instrumentos.

José Navarro L. R: Leí que además de los instrumentos, toman cosas de la cosmología y la visión pre-colombina para su quehacer artístico, ¿De qué manera funcionan los elementos extramusicales pre-colombinos en esta producción?

 M. A: Son fundamentales. Para esto hemos leído sobre todo a López Austin. Libros como Cuerpo Humano e IdeologíaTamoanchan y Tlalocan. Además del estudio del náhuatl, que es muy rico y muy profundo. Pepe lleva años estudiando y bueno hay quienes estamos empezando a estudiarlo. Es uno de los aspectos más importantes del grupo. Existe un libro muy bueno titulado México Profundo de Guillermo Bonfil Batalla, en el cual se muestra la importancia de reivindicar a las sociedades indígenas en un continente “occidentalizado”.

Lluvia de Palos no pretende hacer música prehispánica, pero para componer se toman ideas de las experiencias y lecturas de la cosmología. También como parte del enriquecimiento y retroalimentación del grupo se han hecho varios temazcales ceremoniales.

 L. R: ¿Cuánto tiempo duró la grabación y producción de este disco?

 M. A: Poco más de un año.

Manuel Andrade
Manuel Andrade

 L. R: ¿Tuvieron algún apoyo económico en el proceso?

 M. A: Si: por parte de Epromúsica, Estimulo hacia la producción musical, Conaculta INBA y Coordinación Nacional de Música y Ópera.

 L. R: ¿Dónde se podrá comprar el disco?

 M. A: Me parece que en las librerías Gandhi, en MixUp, en los conciertos del grupo o directamente con los músicos. Creo que también por internet.

 L. R: Ya tienen el disco, ¿ahora qué sigue?

M. A: Aún falta mucho por hacer (ríe). Pues creo que descansar una semana (ríe) y después seguir en los ensayos. Muchas veces dedicamos tiempo del ensayo para gestionar. El disco nos ayudará a promover nuestro trabajo, pero es apenas el comienzo de otra etapa nueva. Sigue desarrollar nuevas ideas para nuevas composiciones y seguir trabajando las que ya tenemos.

 Quiero mencionar otro de los aspectos importantes del grupo, que es la idea de la interdisciplina. Música y danza están muy relacionadas entre sí. Hay periodos en que los músicos tomamos pequeños talleres de danza, o una que otra clase de Aikido. Pepe practicó esta arte marcial durante 8 años y la interdisciplina es parte de lo que pretende abordar Lluvia de Palos. De hecho, existe ya una presentación que incluye música y danza, se llama Ojos de Tierra (pueden verla aquí).

Originally posted 2014-05-03 11:06:21. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué es el crippydiscopunk? Cadáver Exquisito tiene la respuesta

El “crippydiscopunk”  es un sonido que nace en un estado de fiesta, un estado en el que se mezclan los ritmos de los vídeo-juegos, el pop y hasta un poco de punk matizado con influencias que van desde Café Tacuba hasta la extinta banda de happy punk, Blink 182.

 Los creadores del “crippydiscopunk” son un grupo de amigos, originarios de Ecuador, que se hacen llamar Cadáver Exquisito, quienes en 2008 decidieron juntarse para armar algunas canciones y darlas a conocer a sus camaradas a través del ya olvidado Myspace.

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 Actualmente Cadáver Exquisito se encuentra en la tierra del maíz, donde no sólo han tenido estupendas presentaciones sino que han encontrado una nueva casa, nuevos amigos y sobre todo bastantes seguidores que, al igual que ellos, se van uniendo al movimiento alborotado de caderas que provoca el “crippydiscopunk”.

 Al acudir a uno de los showcases del Festival Antes tuve la oportunidad de ver una de las presentaciones de Cadáver Exquisito donde al igual que todos los que allí nos encontrábamos, me puse a mover los pies y aplaudir cada una de las canciones que la mayoría coreaba. Después de encontrar la fanpage de Cadáver Exquisito en Facebook me di a la tarea de contactar a Dany, vocalista de la banda quien amablemente accedió a regalarme una entrevista vía e-mail.

¿Cuándo y cómo se formó la banda?

La banda se formo en el 2008. Juan (guitarra) y Camilo (teclados) se juntaron con un primo y un amigo y comenzaron a componer canciones. Me invitaron a cantar y se sintió bien. Sin ningún objetivo claro comenzamos a tocar y nuestra primera presentación fue el 31 de Octubre del 2008. La banda realmente se formó cuando Camilo, que estudiaba producción musical, grabó demos y los subimos al Myspace (de la época jaja). El bajista y baterista se han cambiado dos veces, los actuales son Flemas y Alejo respectivamente.

¿Cómo surge el nombre?

El nombre sale de la técnica de composición del surrealismo francés “cadavre exquiis” En la que diferentes autores componían la misma obra desde diferentes ángulos, cada uno aportaba con una parte sin que los otros sepan bien de que tratara y al final se ensamblaba el “cadáver exquisito”. A principio componíamos un poco así, enviándonos pedazos de canciones que se ensamblaban en un ensayo.

¿Qué los orilló a visitar México ?

Se sabe que México es un lugar con harta escena y con harta gente. Queremos ser parte de un poquito de eso. En Ecuador es difícil organizar conciertos, no hay muchos lugares donde tocar, ni una industria, así sea pequeña (no hay managers / booking, etc).

¿Hasta cuándo tendremos el placer de seguir escuchándolos en nuestro país?

Mientras sigan saliendo conciertos estaremos por aquí.

***

El pasado domingo se dio a conocer, por medio del canal de Youtube de Chulavista Art House, una sesión en vivo que Cadáver Exquisito grabó desde Ensayódromo, la cual podrán disfrutar a continuación.

Originally posted 2014-08-12 12:45:24. Republished by Blog Post Promoter

Il Visore Lunatique, para volverse (literalmente) locos de gusto

Es complicado imaginar que una banda que suena como Descartes a Kant, no sólo esté teniendo cada vez más éxito y reconocimiento, sino que lo esté consiguiendo dentro de México. La primera vez que escuché “Buy All My Dreams”, su primer sencillo del disco Il Visore Lunatique (2012), sencillamente no podía creer lo que estaba escuchando (conózcanlo aquí). Y no es cuestión de ponernos a valorar si son mejores o peores que las otras bandas que normalmente escuchamos en este país, sino que son indiscutiblemente originales.

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 Es complicado encasillar a este disco en un estilo definido, aunque definitivamente una de las características que mantienen la cohesión es el uso constante de la contraposición entre melodías dulces con tintes infantiles y la energía disonante del Noise Rock. Aunque también podemos encontrar familiaridades con la música de cabaret, los musicales de Broadway, el jazz, el rap, y el blues.

 Ellos mismos han mencionado como una influencia importante de toda la banda a Mr. Bungle, conjunto musical lidereado por el legendario vocalista Mike Patton y caracterizados por no poder (ni querer) estarse quietos en ningún estilo. Yo me atrevería incluso a ir un paso más atrás y decir que tienen algo de la tradición musical de John Zorn (lo cual no es sorprendente si tomamos en cuenta que Zorn fue el productor del primer disco de Mr. Bungle): no tanto por los rasgos musicales que utilizan, sino por la cualidad casi caricaturesca con la que manejan sus materiales, donde no hace una falta una transición calculada o una preparación auditiva para pasar de un elemento a otro sumamente contrastante.

Así como sucede en la pieza para cuarteto de cuerdas “Cat O’ Nine Tails”, de John Zorn, en Il Visore Lunatique los cambios anímicos suceden de golpe y sin aviso.

 Algo digno de notar es la evidente evolución musical que han sufrido (o disfrutado, más bien) desde su primer disco Paper Dolls (2008). No sólo les costó más de 3 años de afinación, sino algunos cambios de alineación y una intensiva investigación estilística. Pero es claro que valió la pena. No sólo obtuvieron un disco que es muy disfrutable y que mantiene al escucha al borde del asiento preguntándose qué pasará después, sino que la abundancia de detalles en los arreglos musicales resulta tanto gratificante como sumamente interesante. Tomemos por ejemplo la “reexposición” (me abstengo de llamarle “segundo verso” por el simple hecho de que el “coro” funciona más bien como una parte B contrastante) del tema principal en “The Peter Pan Syndrome”. En poco más de un minuto y medio de música suceden muchas cosas que vale la pena mencionar: Por sobre una base rítmica con motivos reiterativos llevada por la batería y el bajo, un teclado lleva una especie de riff melódico que enloquece con bendings, cambios repentinos de octava, glissandos disonantes y secciones que parecen sacadas de una pieza electroacústica. Las voces femeninas se quejan, gritan desgarradoramente y lloran sin consuelo. Sin aviso alguno, el tempo se acelera repentinamente y sentimos que caímos vertiginosamente en la desesperación. Y todo esto intercalado por unos característicos “truenos” musicales: momentos de ruido e intensidad máxima que duran tan sólo un instante, un golpe de adrenalina para llamar nuestra atención (como si esto fuera necesario).

 Para terminar, me gustaría mencionar que el ambiente general de locura que transpira esta producción no es para nada un atributo fortuito: para llevar a cabo este proyecto, Descartes a Kant se basó en la vida y obra de la escritora neoyorquina Victoria Dickens. Tomaron a algunos de los personajes que dicha escritora ha creado mientras se encuentra en una clínica de rehabilitación psicológica y los plasmaron en cada una de las 11 canciones que conforman el disco. No sólo influenció esto el estilo tan bipolar de la música y de las letras, sino también el interés tan particular de la banda por ejercitar la teatralidad en sus shows en vivo. Para lograr esto, se apoyan en diversos vestuarios, actuaciones excéntricas y elementos de performance. Resulta muy emocionante ver cómo las cantantes salen del escenario (como ilustraciones que escaparan de un libro) para interactuar con el público y arrojar espuma y confeti sobre sus cabezas.

 Espero que esta nota baste para incentivar su curiosidad acerca de esta increíble banda. Busquen sus discos y, sobre todo, asistan a sus tocadas. El apoyo que les podemos dar es lo que se necesita para que más agrupaciones con esta calidad y originalidad surjan y se mantengan en este país.

Originally posted 2014-04-01 00:00:21. Republished by Blog Post Promoter

Macklarents: dando un toque fresco a los sonidos clásicos

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Cada vez es más común poder observar en nuestro país agrupaciones dedicadas a revivir el sonido de la vieja escuela de la música jamaicana.  En 2006 en la ciudad de Puebla nacieron los Macklarents, una agrupación enfocada en tocar aquellos sonidos de la isla, pero con un nuevo toque de frescura.

Sería hasta el 2012 cuando esta agrupación poblana pudiera sacar a la luz un  pequeño E.P. homónimo en el cual se incluyen 7 temas, desde temas instrumentales, temas cantados, hasta un dub.

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Si bien la escena del ska en este país no es muy nueva que digamos, esta no tiene mucho tiempo de comenzar a crecer y poco a poco podemos observar el nacimiento de nuevos proyectos enfocados  a este ritmo, desde bandas con un sonido más clásico, hasta bandas más dirigidas a la mezcla de varios estilos, y como en esto de la música está de más decir que un estilo es mejor que otro,  será cuestión de seguirle los pasos a estas nuevas – por asi decirlo- bandas, ya que, mientras haya calidad de por medio, seguramente habrá un espacio para poder expresarse.

Originally posted 2014-01-22 15:40:23. Republished by Blog Post Promoter

Rhye, no es un dúo electrónico más

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Hace más de un año, una misteriosa banda, llamada Rhye, comenzó a publicar su música por Internet. Aunque la información sobre la misma era escasa, siendo imposible contactarla, la prensa internacional comenzó a interesarse por el sonido de la banda que en sus dos primeros sencillos, “Open” y “The fall”, mostraban una mezcla armónica de electrónico con soul, jazz y arreglos de música clásica. Además la voz era comparada con la de la cantante Sade.

Más tarde se develó que la banda era un dúo establecido en Los Angeles, California, Michael Milosh y Robin Hannibal, quienes trabajaban para la disquera independiente Research Plug.

Ambos músicos se conocieron en el 2010, cuando el canadiense Milosh voló a Dinamarca para ayudar a Hannibal en un remix para su banda Quadron. Sin embargo, la empatía entre ambos concluyó con la creación de canciones propias que poco a poco irían definiendo el sonido de Rhye.

Woman es el primer álbum de este duo. Fue presentado el 04 de marzo de este año. Desde “Open” hasta “Woman”, las diez pistas se encadenan con un bajo hipnótico, arreglos sencillos de teclado, cuerdas dulces al fondo, un sintetizado que rompe o refuerza la cadencia, y letras melancólico-románticas en la voz contralto de Molish.

Aunque su duración no pasa los 36 minutos, la mezcla de géneros hace de Woman un disco sensual que puede pasar del romanticismo de “The Fall” al funk puro y bailable de “Last Dance”. Reflejo de ello se muestra incluso en los videos con los cuales presentaron sus primeros dos sencillos.

Sin duda, Rhye es un dúo cuyo inicio augura un futuro prominente, no sólo para su carrera, sino para la música contemporánea. Un dúo interesante que presentó un disco que incluso nos podría hacer pensar en el Random Acces Memory de Daft Punk.

 

Aquí el video The Fall, dirigido por el danés Daniel Kragh-Jacobsen

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Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

Originally posted 2014-09-03 11:57:10. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

Originally posted 2014-08-18 10:37:09. Republished by Blog Post Promoter

11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

av av4 av3 av2           Imagen del Festival Avándaro de 1971

  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

Originally posted 2014-08-11 13:26:58. Republished by Blog Post Promoter

HELL & HEAVEN: QUE SIEMPRE SÍ

 hell

 Ya 5 meses han transcurrido desde que se dio la “cancelación” del festival de música Hell & Heaven 2014 en cual se presentarían bandas de rock y metal. Guns & Roses, Kiss y la alineación original Korn, entre otros, eran la agrupaciones que abanderaban el evento.

 La sede Texcoco, en el Estado de México, la cual anualmente alberga a miles de visitantes para la afamada Feria del Caballo. Pero en esa ocasión el Gobernador del estado Eruviel Ávila, argumentó que los organizadores no estaban cumpliendo con los lineamientos necesarios para poder llevar a cabo el mencionado festival.

 Live Talent, la empresa encargada de realizar el Hell & Heaven, entró en una disputa con los dirigentes del Estado de México, argumentando que sí contaban con las condiciones necesarias. Disputas en redes sociales, conferencias de prensa y mucho escepticismo rodearon al evento por lo menos por 10 días, debido al anuncio de la cancelación, a pesar de los más de 30 mil boletos que ya se encontraban en manos de los admiradores del metal.

 La intervención de las autoridades locales, la Alcaldesa de la entidad donde se realizaría en evento, Delfina Gómez Álvarez, afirmó que sí contaban con los adeptos adecuados y que se realizaría sin ningún problema el evento.

 Al final de todo el alboroto que llegó hasta la Cámara de Diputados, en rueda de prensa Javier Castañeda y Juan Carlos Guerrero, portavoces del festival anunciaron su cancelación definitiva, para esas fechas, asegurando que buscarían nueva sede y que se realizaría el festival antes de culminar el año. Queda de más decir la perdida económica que esto trajo al municipio mexiquense, así como la perdida debido a la devolución de todo el dinero que se encontraba vendido en boletos para el festival.

 Sin duda un golpe bajo para la música en México, sin mencionar la mala fama con la que cuenta el género de metal y por ende sus seguidores, que son tachados y señalados de manera oscura e incluso satánica. Se menciona que no fue cancelación debido al tipo de aficionados que se presentarían, al final de cuentas, las reglas y la seguridad de los asistentes se antepuso a cualquier cosa.

 Después de esta breve reseña de lo ocurrido durante el primer semestre de año, queda mencionar con grata pero escéptica emoción que el Hell & Heaven 2014 si verá la luz. El miércoles 20 de agosto se anuncio que el festival metalero ya tenía sede y fecha. El Foro Sol, en el Distrito Federal, será la nueva casa y el 25 de Octubre de este año será la fecha donde Kiss y Guns & Roses pisarán el escenario y harán saltar a miles.

 Con asociación con OCESA, experto en la organización de eventos en México, el festival se vio reducido a un sólo día, cuando constaba de dos fechas durante las ediciones anteriores. Aún se desconoce el costos que tendrán los boletos y el cartel se presume que estará conformado por más de 50 bandas nacionales e internacionales.

 Sólo resta esperar noticias las próximas semanas y alistar tanto la piel como la mezclilla para estar presentes en el Hell & Heaven.

Originally posted 2014-08-25 11:27:12. Republished by Blog Post Promoter

Cloud Nothings en México: un derroche de sudor asegurado

Cloud Nothings, la energética banda procedente de Cleveland, Ohio, visitará por primera vez la capital del país el próximo 18 de octubre. Después del lanzamiento de un aclamado “Hear and Nowhere Else”, tercer disco de larga duración del grupo, los liderados por el vocalista Dylan Blandi pisaran la tarima del Pasagüero en un sábado que promete derroche de sudor tanto de la banda como de los asistentes.

Flyer-Final

A continuación les compartimos un par de temas de la banda para que se adentren a su sonido que por momentos remite a Fugazi y a Sonic Youth:

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Fecha: sábado 18 de octubre

Hora: 21 horas

Lugar: Pasagüero (Motolinea #33, colonia Centro)

Precio: $280

Redes sociales de la banda:

Facebook

Sitio web

 

Originally posted 2014-09-26 09:25:01. Republished by Blog Post Promoter

a/rythmia: No apto para melómanos con insuficiencias cardiacas

Para todos los amantes de los problemas cardiacos, los andares embriagados y el tartamudeo desigual, a/rythmia (2009) de Alarm Will Sound seguramente los pondrá a bailar como desquiciados. Este increíble disco, único en su tipo (al menos hasta donde mi ignorancia me permite saber), reúne música de épocas muy distantes pero con una característica en común: el ritmo y el pulso tienen complejidades estratosféricas. Desde Josquin des Prez hasta Michael Gordon, pasando por Conlon Nancarrow y György Ligeti, Alarm Will Sound nos deleita con una recopilación sumamente colorida, llena de contrastes, humor e impredictibilidad.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Vamos a dar un pequeño tour a través de algunas de las rolas que podrán encontrar en esta producción. Yo Shakespeare (1992), del compositor norteamericano y “forajido de la tradición” Michael Gordon (que por cierto es uno de los fundadores del ensamble/festival Bang on a Can), es una pieza delirante: superpone tres capas musicales que parecen moverse a velocidades distintas, como si escucháramos tres escenarios del Corona Fest a la vez. El resultado es el rock más alucinante que escucharán jamás.

Alan Pierson
Alan Pierson

 Es sorprendente en un disco con inclinaciones contemporáneas y experimentales, encontrar algo como Le Ray Au Soleyl (siglo XIV), pieza medieval del compositor belga Johannes Ciconia que resulta tan confrontativa como sus compañeras del siglo XX y XXI. Aquí encontrarán tres voces que corren a diferentes velocidades con una proporción de 4:3:1. A pesar de los desfases rítmicos, es una música que alivia el cuerpo y la mente, un verdadero bálsamo auditivo.

 Player Piano Study 6 (c. 1950) es una de las dos piezas del norteamericano Conlon Nancarrow que aparecen en esta recopilación. Esta bella pieza fue compuesta originalmente para pianola, puesto que las experimentaciones rítmicas tan radicales que utiliza Nancarrow no eran humanamente tocables (o al menos eso se creía). Un isorritmo (la repetición de un patrón melódico y uno rítmico que tienen longitud distinta) complejísimo que cambia de tempo (velocidad) cada cuatro notas, corre en el piano de manera continua, mientras que una melodía suave con tintes de blues y españoles se desliza en los alientos y en un glockenspiel, construyendo cánones (la repetición de una melodía empezando en un lugar diferente a la primera) cada vez más densos. El resultado es simplemente pasmoso.

Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa
Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa

 Cfern es de otra especie: pertenece al género del IDM o Música Inteligente Para Bailar (del inglés Intelligent Dance Music). Originalmente del dúo inglés de música electrónica Autechre, esta pieza tiene esencialmente dos capas que trabajan semi-independientemente: una armónica-melódica que se acelera y desacelera a discreción, no permitiendo nunca que nuestros oídos descansen en un tempo regular; y otra capa rítmica que lleva la batería, que permanece en disonancia rítmica con todo lo demás la mayor parte del tiempo, manteniendo una tensión constante a través de toda la pieza.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Las demás piezas de este disco son todas igual de maravillosas, cada una con un reto muy específico tanto para el intérprete como para el espectador. Es fascinante observar cómo compositores de géneros y épocas dispares trabajan el mismo problema de maneras totalmente disimiles. La constante es lo maravilloso de todos los resultados y el reto encantador que nos presentan en cada escucha: este disco es de aquéllos que se deben de oír una y otra vez, pues en cada regreso hay nuevos descubrimientos y nuevos placeres.

Shadowbang: Música contemporánea, gamelán, rock y (¿por qué no?) títeres

 En el 2003 salió a la venta un disco bastante peculiar, Shadow Bang, resultado de la colaboración del compositor Evan Ziporyn, el ensamble Bang On a Can All-Stars y el titiritero balinés I Wayan Wija. Esta magnífica obra de arte resulta muy relevante por su eclecticidad tan característica como arriesgada, su tremenda originalidad y su manera única de expresar emociones. En una hora dividida en ocho movimientos, Ziporyn nos deja en claro por qué es uno de los exponentes más importantes de la música contemporánea.

Evan Ziporyn
Evan Ziporyn

 Evan Ziporyn -que además de compositor es clarinetista- es ciertamente un creador posmodernista. Desde la música académica hasta el rock, pasando por lo oriental, este gran artista es capaz de moldear sus materiales musicales de maneras inusitadas.

 En Shadowbang, Ziporyn nos demuestra que hoy en día la música popular y la música “culta” en realidad ya no están tan peleadas. Como buen exponente del totalismo musical, utiliza recursos de la música culta (como la variación constante de su material, la instrumentación y el uso de ritmos extremadamente complejos) así como de la popular (el uso de instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y la batería; el uso de patrones de repetición; y la selección de una armonía hasta cierto punto reducida).

 Un muy buen ejemplo es el quinto movimiento, “Meditasi – Pesta Raksasa”, donde se pueden escuchar al mismo a las percusiones y al contrabajo realizando un patrón rítmico con tintes jazzeros, a una guitarra eléctrica coloreando el espacio con ruidos provenientes de rasgar las cuerdas con las uñas, a una segunda guitarra y un clarinete cantando melodías fragmentadas y a la voz gritando y gimiendo a su propio tempo (es decir, a una velocidad y ritmo distintos de los demás instrumentos).

Bang on a Can All-Stars
Bang on a Can All-Stars

  Si quieren saber más acerca del movimiento totalista, un género musical con una libertad sin precedentes, pueden leer este artículo.

Es importante mencionar también la influencia oriental en Shadowbang. Ziporyn estudió un tiempo en Bali (una pequeña isla de Indonesia), donde aprendió gamelán y tuvo contacto con la vida musical de ese lugar (para conocer lo que es vean este maravilloso video). En el material, esto resulta patente en el uso de polirritmias complejísimas (cuando un instrumento lleva un ritmo que se contrapone al de otro instrumento, creando un efecto como de “disonancias rítmicas”), los colores (son característicos los timbres metálicos), la temática (los textos fueron extraídos de una historia del Ramayana) y, sobre todo, el uso de cantos influenciados por la tradición balinesa. El proveedor de dichos cantos es ni más ni menos que el famoso titiritero balinés I Wayan Wija, un maestro del teatro de sombras que es toda una celebridad en su país de origen. I Wayan Wija nos cuenta una historia extraída de los textos sagrados del hinduismo, mezclando la prosa con el canto en un alarde de comicidad y frescura.

Teatro de sombras balinés
Teatro de sombras balinés

 No queda más que insistir en que escuchen este maravilloso disco, que se puede conseguir fácilmente en iTunes Store o en Amazon.

En una época donde la música contemporánea se encuentra en total desconexión con el público, este tipo de piezas buscan tender un puente entre el artista y el espectador y, la verdad, lo hacen de una manera formidable.

Giuliano Palma: el regreso de El Rey

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Después de cinco años sin contar con alguna nueva producción discográfica, por fin el pasado 20 de Febrero salió a la venta el nuevo disco del italiano Giuliano The King Palma titulado Oldboy.  Aunque en un principio la salida de este material discográfico estuvo programada para Septiembre del 2013, por diferentes razones (como por ejemplo la participación de Giuliano en el Festival Della Canzone Italiana San Remo 2014) no sería hasta cinco meses después que por fin pudo salir a las calles este nuevo material.

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Oldboy es, en palabras del propio Giuliano, un disco de soul,  pero en el cual se pueden encontrar una gran cantidad de diferentes ritmos, lo cual se pudo notar desde que el año pasado cuando se dio a conocer el primer sencillo del álbum Come ieri.

Giuliano Palma comenzó su andar en la música junto a los Casino Royale (una de las bandas pioneras del ska italiano) a mediados de los 80’s. Tras su salida de la banda y después de colaborar con algunos grupos y cantantes, en 1999 forma el proyecto Giuliano Palma & The Bluebeaters (quienes actualmente andan  de gira sin su legendario cantante)  junto a músicos de diversas bandas italianas, así en 2002 hizo una pequeña pausa para sacar su primer disco como solista titulado Gran Premio.

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Después de 15 años de estar junto a The Bluebeaters, Giuliano Palma quiere mostrar esta nueva faceta un poco distinta a sus antiguos proyectos, pero eso si,  esta sigue teniendo toda la calidad y energía que tanto lo ha caracterizado y una vez mas le hace honor a su apodo de El Rey.

Foster The People: nuevo sencillo

 

 

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Foster The People está de vuelta. La banda californiana que nos sorprendió con su exitoso lanzamiento en el año 2011, regresó con un nuevo sencillo titulado Coming of age del álbum “Supermodel” que será lanzado el próximo 18 de Marzo.

Gracias a la visita de la banda por África y el Medio Oriente surgió la inspiración para la creación de este nuevo disco. “No teníamos ninguna regla. Simplemente creamos todo lo que pudimos en siete días”, expresó Mark Foster (líder de la agrupación).

El video del sencillo esta compuesto por la elaboración de un mural que, como dato curioso, es uno de los más grandes de los Estados Unidos, ubicado en la ciudad de los Ángeles.

Como verán esta banda esta haciendo cosas grandes e innovadoras, esperemos que este nuevo álbum supere el éxito que tuvieron con “Torches” y con la canción que los elevo al éxito Pumped up kicks.

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