La magia de El Cascanueces vuelve al Auditorio Nacional

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En esta temporada navideña, El Cascanueces llega a la Ciudad de México del 18 al 21 de diciembre para presentar su 34 temporada en el Auditorio Nacional, en la cual participarán más de 70 bailarines, 80 músicos, 50 niños y jóvenes y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, dirigida por Juan Carlos Lomónaco.

 En esta ocasión, el elenco incluirá a los cinco primeros bailarines de la Compañía Nacional de Danza: Agustina Galizzi, Ana Elisa Mena, Mayuko Nihei, Blanca Ríos y Erick Rodríguez, así como Elisa Ramos, la primera solista egresada de la Escuela Nacional De Danza Clásica y Contemporánea del INBA, quien alternará con Mahaimiti Acosta en el papel de Clara.

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El Cascanueces es un cuento escrito por Hoffmann en 1816 y compuestos por el gran Tchaikovsky, que cuenta la historia de los hermanos, Clara y Fritz. El día de navidad el padrino de Clara, Drosselmayer, le regala  tres cajas con tres regalos diferentes: Un Arlequín, una Colombina y un gran Cascanueces. Su hermano, celoso, rompe el Cascanueces. El sobrino de Drosselmayer repara el juguete y se lo entrega a la niña. Durante la noche ella se levanta a ver el Cascanueces, lo abraza y entonces…todo crece y crea vida a su alrededor, llevándola a un mundo mágico.

 El Cascanueces está a cargo de la Compañía Nacional de Danza del INBA y se ha convertido en una de las representaciones de ballet más importantes del mundo, ya que brinda a chicos y grandes la oportunidad de acercarse a la danza  y apreciar el trabajo de los bailarines.


Los precios van de $230 a $550, compra tus boletos en Ticketmaster

Promociones: jueves de 2 x 1 y viernes paquete familiar, (4 boletos a precio de 3)

Una vida bailando: Gloria Contreras celebra sus 80 años

Gloria Contreras, bailarina y coreógrafa mexicana, quiere festejar su cumpleaños contigo, es por eso que este sábado 15 y domingo 16 de noviembre se estará presentando el espectáculo Gloria Contreras: 80 años. Vivir para danzar en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.

Foto de: gloriacontreras.com
Foto de: gloriacontreras.com

 En compañía de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, Gloria estará celebrando ocho décadas de una historia que comenzó cuando era niña y que hasta a la fecha sigue dando de qué hablar. Prueba de ello es Alas para Malala, una de las últimas piezas que aborda temas como derechos humanos y libertad de expresión.

Foto de: tcunam.org
Foto de: tcunam.org

 Danzón, de Arturo Márquez; Concierto en re, de Johann Sebastián Bach; Adagio k. 622, de Amadeus Mozart y el Huapango, de José Pablo Moncayo serán sólo algunas de las interpretaciones que se llevarán a cabo en este evento organizado por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

 Durante su carrera artística, Gloria ha recibido alrededor de 40 premios, en los que destacan el Premio Universidad Nacional en 1995, la Medalla de Oro en el Festival Mundial de Folklore de Guadalajara en 1972 y el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2005, entre otros.

 La cita es este sábado 15 de noviembre a las 19:00 horas y el domingo 16 de noviembre con dos horarios, 12:30 y 18:00 horas en la Sala Miguel Covarrubias del CCU (Insurgentes Sur 3000). El costo general es de $60*

*50% de descuento con credencial vigente de la UNAM, Prepa Sí, INAPAM y Jubilados del ISSSTE e IMSS

Imagen de: danza.unam.mx
Imagen de: danza.unam.mx

 

La era de las Big Bands : entre la lucha clasista


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Count Basie & Ethel Waters (1943).

“Si tocas una melodía de jazz y las personas no mueven los pies, no la toques más.”

— Count Basie.

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Baile típico en 1950.

 A partir del año de 1930 se presentaron grandes cambios sociales a escala internacional, sucesos de gran impacto histórico como fue la Segunda Guerra Mundial presidiéndola  la Gran Depresión de 1929 y posteriormente la Guerra Civil Española. En ese sentido, la transformación socioeconómica se presentó en todos los países, independientemente de su grado de desarrollo, y dicha modificación también centró sus bases en el contexto cultural, básicamente en la música.

 El glamour y el cliché de las grandes orquestas (big bands) transformaron a la escena musical para brindar al mundo una serie de notas que permitirían ser el legado de géneros actuales como es el rhythm & blues,  acid jazz, lounge, música de elevador, con presencia en los años 50, conocida también como a go go-soul y el mismo jazz contemporáneo. El ritmo meloso que corrompe su  formalidad al minuto, permitía adiestrar al oído de una manera que permitía que el baile surgiera entre los asistentes de una manera cómoda. Los trajes impecablemente cuidados en tonalidades claras y los peinados con bucles espectaculares aparecían en los bailes de salón de todo el mundo; aunque en un principio la sede fue Europa Occidental y América del Norte. El ritmo del swing invadió los espacios burgueses de los países con una fuerte concentración de capital; la periferia no formó parte de este movimiento.

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Lester Young.

 Una fuerte contradicción se vislumbra entre su origen y desarrollo, ya que fue un movimiento que tuvo sus raíces en comunidades en condición de pobreza –específicamente en Florida, Estados Unidos. El jazz fue el elemento que permitió la creación de la big band, el sonido dependía de este tipo musical que se oponía al régimen más acomodado, sin embargo a partir del año de 1935 el escenario en el que se desenvolvió la música de las grandes orquestas, pasó a ser cultura en su mayoría de pertenencia burguesa. En ese período las orquestas comandadas por Bing Crosby, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Artie Shaw, Benny Goodman, Brian Setzer y Dave Holland le pusieron énfasis a este gran género musical que tendría un gran legado hasta nuestros días. De esa trascendencia musical, se desprenden tipos de música con un sonido muy peculiar como el bebop, el hard bop y el cool, además del más conocido: el swing.

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Glenn Miller & Orchestra.

 Las big bands contaban con precisos arreglos musicales que le permitían distinguirse entre la clasificación presente del jazz clásico. Se distinguían por el sonido de clarinetes, trompetas, trombones  y saxofón barítono. Sin duda, la magia de las big bands permitió que la música se transformará de manera que involucrara una serie de géneros pertinentes para el progreso de la escena clásica del jazz, y esto se ha visto reflejado en el jazz contemporáneo.

 Históricamente, tienen una gran contribución cultural; sin embargo también enfrentaron un grave y complejo proceso social en el que se encontraba la discriminación hacia una raza que luchó por sus derechos durante mucho tiempo. Esto trajo consigo que la clase dominante, tuviera a su poder el simple hecho de poder escuchar ese tipo de música y bailarlo, de manera que la raza afroamericana no tenía cabida en la participación, es decir ni para asistir a los eventos de baile ni para poder participar como arreglista de sonido. A su vez, esto radicalizaba el sentido de pertenencia de este inigualable sonido hacia la clase con más poderío económico, de manera que las grandes potencias adquirían en mayor medida ese sentido de dominación hacia las clases bajas; contradicción que imperó durante la mayor parte de su desenvolvimiento.

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Lester Young.

 A partir  de 1935, grupos como Lester Young y otras bandas de origen afroamericano, adquirieron mayor importancia y participación en la escena de las big bands. Comenzaron a adquirir reconocimiento en diversas localidades de Nueva York y posteriormente pasaron a ser parte de la historia cultural de aquellos tiempos. No es de extrañarse que el gran apogeo se alcanzará en estos años , donde se apreció en gran medida el sentimiento cultural a partir de 1940.

En 1950, año en que todavía permeaba el racismo en América del Norte, se seguía desenvolviendo el jazz a través de las big bands en los barrios más populares de los condados periféricos, de manera que se iba extendiendo poco a poco en los países menos desarrollados. La leyenda en torno a un tipo de música de tinte burgués parecía haberse quedado en el olvido, y se abría la puerta a un tipo que ya no asumía una postura clasista.

 De esa forma, se promovió la big band como un elemento emergente sobre la música de ese tiempo que presentó grandes momentos antagónicos ante el escenario tan lúgubre en la sociedad que aceptaba todo por hecho y no por reflexión. Música creada en un principio para la clase acaudalada, y que posteriormente se convirtió en la diversión de toda una sociedad que no estaba consciente en el significado de pertenencia e identidad, hasta que se neutralizó un poco la diferencia entre clase y raza.

Amor en medio del bosque: Sueño de una noche de verano

Con luces tenues y movimientos armónicos da inicio aquella obra escrita escrita alrededor de 1595, “Sueño de una noche de verano” que se presentará este viernes 7, sábado 8 y domingo 9 de noviembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario en punto de las 19:00 horas.

 Con la coreografía de James Kelly y música de Felix Mendelssohn, la puesta en escena contará con la participación de más de 100 artistas en los que destacan bailarines como Elisa Ramos y Quetzalcóatl Becerra, además de coreógrafos, iluminadores y vestuaristas.

 En esta ocasión la Compañía Nacional de Danza del INBA trae la coreografía de ballet de esta obra como homenaje del 450 aniversario del natalicio del dramaturgo inglés William Shakespeare. A pesar de que ésta ha sido inspiración para diversas adaptaciones alrededor el mundo, James Kelly comentó para el INBA que su pieza  trata de ser fiel a la historia original de Shakespeare al utilizar un lenguaje clásico y neoclásico.

 Cabe destacar que la participación de James Kelly en México ha sido importante: ha presentado diversas coreografías como Secretos, Para ser tú, Sinfonía para nueve hombres, Debo curarme de ti y Tiempo fuera.

 La cita es en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario (Insurgentes sur 3000), el costo de acceso es de $80.00, con 50% de descuento con credencial vigente UNAM, Prepa Si, INAPAM y Jubilados ISSSTE e IMSS.

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El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

Layout: Yonke… Viaje a No Land

Deshuesadero de bailes inconexos es una era incomprensible.

 En el marco del 80 aniversario de la culminación de su construcción, el Palacio de Bellas Artes presentó anoche en punto de las 20:30 horas el montaje coreográfico Yonke…viaje a No land, de Producciones La Lágrima, compañía que dirige Adriana Castaños.

Yonke... viaje a No land en Bellas Artes, obtenida de su perfil de Facebook
Yonke… viaje a No land en Bellas Artes, obtenida de su perfil de Facebook

 En el evento se reconoció a la maestra Castaños con la Medalla Bellas Artes por su destacada trayectoria artística de 30 años, en la Sala Principal del Palacio de mármol, importante reconocimiento otorgado por la institución.

 El INBA considera a la coreógrafa Adriana Castaños como un referente de la danza mexicana, la identifica por la contundencia de sus imágenes, su humor y teatralidad demostradas anoche en el escenario.

 Yonke… viaje a No land rompió los estereotipos con que se mira el escenario de un palacio clásico para dar paso de manera contundente a la danza contemporánea a través de una estructura poco convencional, movimientos coreográficos que se apoderaron de todo el escenario para apreciar distintas perspectivas visuales de un movimiento gracias a la ubicación estratégica de los bailarines, los mismos que capturaron pasos populares para vincularse e identificarse con el más ajeno, muchas veces con un toque de humor y teatralidad.

 Este “deshuesadero” a veces tedioso y en ocasiones dicharachero cumple su cometido al dejar un sabor de boca  indefinido, o aludiendo a su descripción, inconexo, debido a los cortes entre las coreografías, por medio de diálogos y movimientos distintos al acto anterior.

 Jessica Félix, Emanuel Pacheco, Marco Ochoa, Alejandra López, Dariana Sánchez, Benjamín Lozano, Jorge Motel, Kenia Noriega, Rodolfo Nevarez y Nataly Peña son los intérpretes que se encargaron de representar esta era incomprensible que se propuso en Yonke…, robando al espectador sonrisas y risas pero también su atención, como cuando el seguidor de luz les otorgaba a los intérpretes el momento de ser protagonistas.

Cover de Producciones La Lágrima obtenida de Facebook
Cover de Producciones La Lágrima obtenida de Facebook

 Característico de la danza contemporánea, este montaje coreográfico contó con la participación del destacado escenógrafo Alejandro Luna —quien también realizó el diseño de iluminación—, y de Isaac Peña en el diseño sonoro.

 Es  interesante la exploración artística que plantea Producciones La Lágrima, pues deja un testimonio de gran calidad, trabajo y compromiso profesional no solo en este montaje coreográfico sino como sello característico y firma personal de la compañía, recordemos Hello, entre otras.

Adriana Castaños, imagén por cortesía de INBA
Adriana Castaños, imagén por cortesía de INBA

 Adriana Castaños expresó su agradecimiento por el reconocimiento y dijo que no sólo era un reconocimiento para ella sino para todos los que están en el medio, y para la gente con quien ha compartido profesionalmente, pues es un trabajo en colectivo, enfatizando estas últimas palabras.

 Son 17 ½ años que cumplió Producciones La Lagrima, concordando con la celebración del 80 aniversario del Palacio de Bellas Artes haciendo de la noche del pasado jueves una fiesta memorable tanto para la compañía como para la institución y sus asistentes.

11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

av av4 av3 av2           Imagen del Festival Avándaro de 1971

  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Danza: Emergencia Coreográfica

Programa
Emergencia Coreográfica

Temporada de obras cortas de coreógrafos noveles
Sábado 2 y Domingo 3 de agosto
Teatro de la Danza

Seis coreógrafos jóvenes del país exponen su proyecto artístico este fin de semana en el Centro Cultural del Bosque (a espaldas del Auditorio Nacional) con el principal apoyo del Conaculta.

 La presentación consiste en seis coreografías, que fueron elegidas a través de una convocatoria lanzada por la institución; lo interesante es la visión de los jóvenes que, con una propuesta creativa, muestran en escena su talento.

 La duración máxima de cada coreografía es de quince minutos en el que los bailarines se valen del poder expresivo de su cuerpo, lo anterior acompañado de un diseño de iluminación, musicalización, vestuario, entre otros recursos artísticos que refuerzan el contenido. Hay pequeños descansos entre cada una, lo que permite despejar la mente para cada presentación.

 Desde una situación cómica protagonizada por las piernas de dos chicas con tacones y reforzada por la sincronía expresiva de sus manos o una representación del concepto de ergonomía a través de movimientos erráticos, que integra la relación máquina, humano y ambiente, hacen de esta emergencia una opción interesante para ver este fin de semana.

Programa
Emergecia Coreográfica

 Una Visita, Holografía de un Encierro, Atrozzozobra, Mientras Estoy Siendo, Behemoth y Obesos Soñaron Dragones son los títulos de las propuestas coreográficas que si bien nos dan una noción de lo que tratará cada una, el significado queda abierto al público.

 Dichas manifestaciones hacen pasar de momentos de divertidos a otros de hastío, lo que pudiera ser intención del autor; visualmente puede resultar atractivos que con pocos elementos  se creen ambientes óptimos, pero si gustas de la danza lo disfrutarás más.

 Bien vale la pena asistir para conocer la propuesta coreográfica que el Conaculta reconoce, así como las inquietudes de los jóvenes bailarines expresadas en escena. En general, cada coreografía posee características particulares que te pueden atrapar y hacer reflexionar sobre lo que se está tratando de decir.

Programa
Emergecia coreográfica

MEMORIAS DEL #AMORENBAHIDORÁ

El pasado 15 de febrero tuvimos la oportunidad de celebrar el amor y la amistad en el Carnaval de Bahidorá, cortesía de Axe Peace. Miles de jóvenes dejaron huella del espíritu pacifico, participando en múltiples actividades con el toque #AxePeaceBahidorá.

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Fuimos testigos de que el amor llega del cielo y usa paracaídas para repartir su mensaje, a veces se refresca en las tranquilas aguas del río bahidorano y suele encargarse de reunir a los enamorados al pie de un árbol del amor, para compartir las imágenes más memorables en pareja.

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Con un #Besoporlapaz, abrazos y caricias, la música sedujo los oídos de estos peregrinos del amor que se dieron cita para disfrutar de sensualidad,el sol,la naturaleza y sobre todo de una experiencia pacifica.

#AmorenBahidorá
https://twitter.com/Axemexico

https://facebook.com/AxeMexico

Sin lugar a dudas, el Carnaval de Bahidorá será siempre un lugar para contemplar con nuestro corazón, podremos voltear al cielo y admirar las palmeras más grandes que se vean en México y nadar con nuestro espíritu libre en el río fresco pero cálido, que abrigará nuestra alma siempre, deseándonos que regresemos a compartir momentos inolvidables con la naturaleza mágica del lugar.

Amor y Paz.

Por: Bryan Erick Valdés

De músicos y músicas… Gitanos: el pueblo ambulante

 

Cantó despacio la guitarra  y la muchacha despertó,  el violín también abrió los ojos y luego tarareó, la muchacha escuchaba y el tono moduló, luego el contrabajo, sin trabajo se integró y entonces un clarinete, contento también se unió. La muchacha cogió un pandero y su padre el acordeón. Los que no tenían instrumento aplaudieron, el ritmo se aceleró, la muchacha bailaba y su hermano sacó el cimbalón. ¡Pero qué fiesta señores! ¡El abuelo ya despertó! Entona su canto gitano y el resto lo siguió. Festejan la vida ahora, festejan la canción.

El pueblo gitano tiene una historia de camino largo y ajetreado, de paisajes infinitos, cambios imprevistos y mucha improvisación de los días y de la vida. Su origen es la India. Cuenta la historia que un rey hindú pidió que llevaran a su corte músicos. Entonces enviaron a 10’000 músicos de ambos sexos que no solo tocaban, sino que cantaban y bailaban. Pero el rey no solo les pidió que lo entretuvieran, quiso usarlos como esclavos y que se dedicaran a la agricultura. Los músicos se negaron y el rey los desterró.

Fue entonces que se enfrentaron al dolor de ser despojados de casa, de no tener a donde ir, la incertidumbre de no saber qué pasará mañana, las emociones encontradas. Después vino la adaptación a una vida sin un rumbo fijo, la supervivencia nómada. Definitivamente se adaptaron muy bien a la situación, se volvieron una gran familia, tenían sus propias reglas y vivían libres de la tiranía de los gobernantes, poco a poco desarrollaron raíces ambulantes, y como desde el inicio su dedicación era el arte, nunca dejaron de enriquecer su cultura. Bien dicen por ahí, en España sobre todo, que el cante y el baile lo llevan en la sangre.

La música en el pueblo gitano refleja su forma de vida y su ideología. A partir de que se fueron de su tierra originaria, un grupo de gitanos pasó por Afganistán, Bizancio, Armenia, Grecia, Serbia, Alemania y Francia; recogiendo costumbres y modificando su lengua materna; aprendiendo formas musicales y fusionándolas con las propias. En el siglo XV llegaron a España, donde ya vivía otro grupo de gitanos que llegaron desde el siglo X y que dieron origen al flamenco. Los gitanos que llegaron después eran ya muy distintos y su música era otra, incluso, aunque el ritmo tenía la misma estructura de doce pulsos, la acentuación y el fraseo variaba de una tradición a otra.

Durante siglos, esta gente ha sido víctima de maltrato, a donde van los ven mal, los han discriminado por su forma de vida y los han obligado a seguirse moviendo. Los llamaron Gitanos o Gypsies en inglés, porque pensaban que venían de Egipto. Muchos pensaron que eran asesinos y que por eso no tenían casas, que eran ladrones y violadores, que sus hijos eran criados para ser criminales, los miraban sucios, vestidos con ropas viejas y les temían. Nunca se detuvieron a ver que el corazón del gitano es más fuerte que un roble y más noble que los mismos reyes. Los gitanos no pretendían invadir, ni dejar a su paso el mismo dolor que venían arrastrando, su dolor era suyo, y consigo se lo llevaban a otro lado cuando ya no eran más bienvenidos. Sin embargo nunca le cerraron las puertas a quienes quisieran huir de su vida cotidiana, y muchos de plano se iban con ellos a viajar. Por eso la gente creía que eran secuestradores y los perseguían. Los odiaban. Pero ellos nunca perdieron el sentido del humor y la alegría de estar vivos y de poder hacer música y danza, juntos. Taraf de Haidouks, Esma Redzepova, Urs Karpatz y Saban Bjramovic son algunos ejemplos de esta música.

Cantó la tabla, cantó la guitarra, cantó la trompeta y el clarinete, cantó el violín el acordeón; los niños ya dormían y de pronto, la dama cantó.

La Danza Visual de Patricia Marín

Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena
Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena

Bailarina, coreógrafa y comunicadora visual: Patricia Marín tiene el paquete completo.

Como bailarina es as del control, toma el movimiento igual que un piloto experimentado en una curva peligrosa: con temple y sangre fría. El suyo es un cuerpo bien afinado, responde a los estímulos mínimos, recuerda al de un animal preparado para la caza: los músculos activos, la mirada aguzada, esqueleto y nervios en coordinación para un ataque certero. En el currículum de Patricia están Danza Libre Universitaria, Ángulo Alterno, Tierra Independiente y Apoc Apoc, compañía de la que es miembro actualmente.

 

Malas Costumbres de Patricia Marín

Multidimensional, igual que su danza, Marín fusiona su formación como diseñadora con su carrera de bailarina en su proyecto Danza Visual -una pequeña compañía productora-. En Danza Visual se crean carteles, páginas web, libros y videos de promoción para compañías y grupos, pero, principalmente, nacen nuevas coreografías y video-danzas.

 

Tal vez por sus conocimientos en diseño, Marín tiene ya desde ahora un sello que la caracteriza. Sus coreografías están bien redondeadas y le han llevado a ganar premios y becas. Por ejemplo, con su coreografía “Tres Cuartos”, en 2010, ganó el Opera Prima –que se especializa en el estreno de obras de coreógrafos jóvenes–. Su última propuesta Puño de Tierra, que cumple su segundo ciclo de representaciones este diciembre, recibió el apoyo de EPRODANZA para su realización.

Para Puño de Tierra, Patricia encuentra inspiración en el tema de la muerte y el duelo, un tema bien cercano a ella pues dedica la obra a la memoria de su padre. Al sonido de una voz que narra lo que sucede, cuando se forma una cicatriz, varios bailarines, entre ellos la misma Patricia, bailan interactuando con un personaje blanco enmascarado. La obra se presenta a la par de Todos tenemos algo de Marín, con temática y estilo totalmente diferentes que dejan saborear la versatilidad de Patricia.

 

Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara
Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara

No te pierdas de la Danza Visual de Patricia Marín. Ven a ver Puño de Tierra, que se presentará el próximo viernes 6, sábado 7 y domingo 8 de Diciembre a las 20:30 en el foro alternativo LaCantera. Los pases de entrada pueden conseguirse en el teléfono 55 66 54 44 o consulta el sitio de LaCantera en Facebook.

Cómo encontrar al animal de aire o Instructivo para ver danza

Disclaimer.

Cualquier obra de arte debe experimentarse sin instrucciones, como quien sube a la montaña rusa listo para la adrenalina o como quien está dispuesto a sorprenderse con una receta nueva; el asunto es estar abiertos a la sorpresa y la experiencia.La_Mort_du_Cygne_06

Siga las siguientes instrucciones a discreción, deséchelas si le son del todo innecesarias.

  • Recuerde que la  danza se siente. Lugar común, pero no falso. La danza es un arte contagioso y suscitador; seguro recuerda cómo de niño bailaba al ritmo de cualquier música. Vaya, sin vergüenza alguna, a sentir la danza, a verse afectado por ella, a vivirla un rato como un niño.
  • Vea cuerpos. En la danza, el cuerpo se vuelve transmisor de significado. Los cuerpos dicen, hablan, están confiados –o no– en lo que su musculatura, sus huesos, piel, dientes y ojos pueden expresar. Los cuerpos que hacen danza hablan por todos lados. Vaya, véalos.
  • Revise la calidad de conexión. Cuando se ve danza, pasa algo entre el público y los que bailan: se crea una conexión. Los que bailan se saben vistos, los que miran se sienten aludidos en sus propios cuerpos. La danza conecta a los seres de formas poderosas y electrificantes. Ríndase a esta conexión.
  • No haga la tarea. Olvídese del análisis, olvídese de la reseña escolar, de encontrar el tema principalMexican_dance_girl_2010, el protagonista y el narrador; deje que la pieza le hable, afine el oído y la vista, y póngase listo para absorberlo todo. Las cosas cobrarán sentido por otros caminos, la sabiduría de la danza viene de otros lados.
  • No se olvide de la 3ra dimensión. La danza se hace en el espacio; los cuerpos lo atraviesan, lo recortan, lo modifican, lo hacen denso o leve, lo cargan de significado, lo anulan o lo rompen. Como un chapuzón al mar, regocíjese en el espacio renovado que se forma cuando se hace una danza, mírelo como si no fuera transparente, escúchelo como si pudiera hablar.
  • Nunca vaya solo. Después de pasar unos minutos u horas escuchando, viendo y disfrutando danza probablemente pasarán dos cosas. Uno, se sentirá emocionado y querrá compartir con alguien sus impresiones sobre la función. Dos, y más importante, probablemente le quede una sensación de haberlo entendido todo y no haber entendido nada a la vez. No se preocupe, es normal, tal vez tenga ganas de llorar o de reír, o se sienta molesto o festivo, tal vez se le suelte la lengua o decida usted mismo ir a bailar. Vaya con alguien para cualquier eventualidad.

Conclusión: ver danza es estar listo para presenciar una transformación de lo común y corriente. El cuerpo del diario se transforma en el escenario en un mensajero de significado; el espacio por el que se transita cada día se dinamiza, se vuelve canal y fondo; la música adquiere otras resonancias. A veces, la lógica no tiene cabida, probablemente porque la danza despierta un saber instintivo, nos recuerda que se puede entender con el cuerpo. La danza podría compararse con una huella en el camino húmedo: podemos imaginar cómo era el animal que la dejó, pero no lo vemos, se vuelve un animal de aire que nos trae recuerdos y saberes de muchas cosas.

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Contact Improvisation: la danza del ahora

El primer encuentro con una sesión de improvisación de contacto puede propiciar extrañeza. La visión que ofrece no es para menos: bailarines ruedan por el suelo, parejas, tríos y cuartetos parecen engarzarse en complejos agarres y soportes; grupos aquí y allá se forman y desaparecen; bailarines parecen equilibrarse precariamente sobre espaldas y caderas de bailarinas; hay quienes sólo parecen mirar, y otros se unen a ciertos grupos para volver a salir.  A primera vista, pareciera que se trata de un gran caos en el que todo mundo hace lo que quiere y baila “a lo loco”; sin embargo, la improvisación de contacto es un estilo de danza que responde a premisas bien claras y a una estructura sólida.

 

jam de improvisación
jam de improvisación.

 El coreógrafo norteamericano Steve Paxton presentó en 1972 una serie de danzas en la galería John Weber en Nueva York. Con estas danzas, que realizó gracias a la exploración con otros bailarines, comenzó la improvisación de contacto. Paxton tuvo un acercamiento previo con el Haikido y agregó principios de éste a su danza.

 La improvisación de contacto tiene como premisa principal, como su nombre lo dice, la creación de movimiento por medio de las reacciones que genera el contacto con otro u otros cuerpos. Los cuerpos crean realciones dinámicas al compartir pesos y puntos de apoyo y aprovechan el momentum, la gravedad y la inercia para moverse orgánicamente. Gracias a esto se crean secuencias de movimiento “fáciles” ya que no es necesaria ninguna proeza de fuerza para elevar a los otros participantes.

 

 La improvisación de contacto se trata, además, de honrar el ahora, de abandonarse a los impulsos y permitir el movimiento desde la espontáneidad. Para lograr esta libertad el improvisador debe aprender a liberarse de tensiones musculares y evitar la necesidad de crear movimiento a voluntad; debe, en cambio, comprometerse a experimentar una fluidez natural de movimiento.

 

 Aunque la improvisación de contacto, o simplemente “contact”, es una técnica que se usa para crear material que después será usado en la escena, la facilidad con que pueden aprenderse sus principios la hace accesible para todo tipo de personas. En algunos lugares se ha vuelto una danza social, ya que propicia el conocimiento del otro desde una perspectiva más abierta, se ha utilizado para trabajar con personas con capacidades diferentes, con niños, con ancianos y grupos vulnerables. Mucha gente improvisa por diversión o porque impulsa su desarrollo personal.

 Para hacer “contact” es necesario asistir a jams, sesiones de improvisación, que ocurren periódicamente y en lo que se explican los principios que rigen su práctica para después aplicarlos en el jam y con los demás participantes.

 Si quieres participar en un jam de improvisación de contacto visita:

 

http://facebook.com/proyectosdeimprovisacion

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

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Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

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Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

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Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

#MegaOfrenda ¿Quiénes son Romina y Julián? Conócelos en esta puesta en escena

Todos tenemos una historia romántica para contar. Es por ello que te invitamos a conocer la historia de Romina y Julián, dos chicos en busca del amor, dos personalidades contrastantes. Por un lado Romina, decidida, segura y fuerte; por otro lado Julián que, aunque tímido y depresivo, es un soñador. Descubre el sinuoso camino al que se tendrán que enfrentar para encontrarse, descubrirse y amarse.

Con siete bailarines y cuatro músicos en vivo, la obra es interpretada a través de ballet contemporáneo y música mexicana en versiones nuevas y originales, acerca del amor y lo difícil que puede llegar a ser una relación, rescatando lo bello y siempre triunfal que es dicho sentimiento.

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Halide Manoath e Iván Velasco protagonizan la puesta en escena

Romina y Julian es realizada por la compañía artística “Circinus Art Project”, formada por jóvenes talentos (músicos, actores, intérpretes) llenos de pasión y compromiso. En entrevista Julio Raygosa, director musical y Gizela Fuebar, directora artistíca nos narrar las razones por las cuales decidieron poner en marcha “Romina y Julian”:

“Realizamos esta puesta en escena, primero que nada por amor y difusión al arte. Todos tenemos formación artística, desde pequeños, ya sea en canto, algunos en danza y otros en actuación, para nosotros el teatro es afición y pasión, con la obra buscamos reflejar el amor verdadero además de profesionalizarnos y consolidarnos dentro del medio. Como sabemos en nuestro país no existe una cultura teatral, consideramos que se debe a la falta de difusión, la cual ya muchos sabemos, y por medio de Chulavista Art House pretendemos darnos a conocer”

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Entrega y pasión en “Romina y Julián”

 

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Talento a flor de piel

“Somos jóvenes y talentos emergentes que hemos captado en diferentes lugares, porque el talento existe. El caso de nuestro violinista, el cual conocimos en el metro del DF, y por supuesto lo invitamos a participar por su forma exquisita de tocar, o nuestro chelista que conocimos en una cafetería y no dudamos en invitarlo”.

Chulavista Art House se complace en invitarlos a la producción teatral “Romina y Julián”, una excelente opción para disfrutar y regalarte una carga de emoción acompañada de sentimientos a flor de piel, la cual se presentará en la tradicional Mega Ofrenda de la Unam el día Sábado 2 de Noviembre en el Foro KIN, ubicado a lado de la Torre de Rectoría.

Y si por alguna razón no puedes asistir, no dudes en acudir a su presentación del día 29 de Noviembre en el Foro Cultural Lenin, ubicado en Mérida #88, esquina Tabasco, en la colonia Roma.

 

Chulavista en la Megaofrenda UNAM 2013

Como cada año, la Universidad Nacional Autónoma de México presentará dentro de las Islas de Ciudad Universitaria su Megaofrenda 2013; este año será dedicada a los cincuenta años que cumple la pintora Remedios Varo de su fallecimiento.

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La intención de organizar este magno evento, como se ha venido realizando desde hace dieciséis años, es mantener vivas las tradiciones de nuestro país, que es reconocido a nivel mundial por conmemorar a sus muertos de forma festiva y colocando altares donde se les recuerda y ofrece alimentos que fueran disfrutados en vida.

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Como  ha sido la tradición durante todo este tiempo, cientos de alumnos, profesores y otros invitados (incluyendo escuelas, facultades e institutos) serán los encargados de colocar ofrendas dentro de las Islas donde, además, se contará con diversas muestras artísticas que incluyen música, danza, teatro y más. Este año, Chulavista Art House La Revista contará con un espacio para participar dentro de dichas festividades.

Danza, teatro y música, las propuestas de Art House son talentos emergentes que buscan su difusión.


Conócelos y disfruta de su trabajo.

Flor Garfias “la danza ha sido mi juego desde la infancia”

 

Flor Garfias es una joven bailarina, coreógrafa, y maestra. Egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, becaria del fonca (2009- 20010), integrante de la compañía Camerino 4, directora del proyecto Moving House, y más recientemente, finalista del reality Opera Prima el Colectivo. Como intérprete se caracteriza por sus movimientos de una fluidez líquida y una expresividad sin aspavientos que atraviesa las cosas de un sólo golpe. Como coreógrafa, las piezas de Flor tienen el sello de la exhuberancia, el escenario se ve inundado de “props” y otros elementos que invitan al espectador a zambullirse de lleno el universo que se desarrolla en la escena. En su imaginario, las naranjas, las flores, las lámparas, los velos, pueblan los lienzos sobre los que el bailarin ha de dibujar su danza. En esta entrevista Flor platica con nosotros sobre su experiencia como intérprete y coreógrafa y sobre su camino para adquirir el lenguaje de la danza.

¿Por qué danza Flor, por qué no pintura o música o cine? ¿La elegiste o te eligió?

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Saudade

“Sí, fue una elección, pero más bien fue darme cuenta que era una necesidad. Siempre, desde muy pequeña, he sido muy hiperactiva, hice que mis papás me llevaran a hacer actividades, diferentes tipos de danza, de lo que pudiera. No me la pasaba bien jugando sola y comencé a descubrir que a través del cuerpo y de la danza, de bailar, moverme, podía disfrutar muchas cosas y sentirme bien. Lo elegí porque es un lenguaje universal. No es nada más hacer un paso sino mostrar desde muy profundo lo que quieres expresar y de verdad plasmarlo y ser honesto. El cuerpo es una herramienta súper honesta y orgánica. Tu ves en la calle a la gente que va en su rollo y sólo de verla sabes qué esta pasando con esa persona, su cuerpo es honesto. Por eso es que elegí la danza; es la manera más honesta de presentarse frente a un público. Porque esta (el cuerpo) es tu herramienta, tu extensión puede ser la voz o un instrumento, que es muy hermoso, pero en este caso mi instrumento más cercano era yo misma, y creo que me ha funcionado, ha sido un gran regalo, haber descubierto, y haber elegido esto.”

¿Por qué crees que la danza es un lenguaje universal? ¿De verdad es accesible para todos?

“Todo el mundo puede bailar, la gente disfruta bailar y puede entender otras cosas en su cuerpo y expresarse ante los demás. Todos los seres sensibles en la Tierra se mueven por esa necesidad de expresar, incluso los árboles en el viento, los animales cuando se sienten tristes o contentos, los peces, qué se yo, es muy natural verlo. Y nosotros como personas y como individuos que tenemos la capacidad de comunicarnos, de razonar y de compartir también, claro que todos podemos bailar. Justamente, la danza es un lenguaje que a donde quiera que vayas, aunque no sepas hablar chino, la vas a entender. Se trata de la verdadera conexión, lo que uno mismo puede hacer con el movimiento, hasta qué punto se puede abrir para relacionarse con los demás.”

 

¿Cuál fue tu camino para adquirir este lenguaje de la danza? ¿Nos puedes contar los “higlights” de tu proceso y carrera?

“Empecé haciendo diferentes tipos de danza, desde hawaiano hasta danza popular mexicana. Una amiga me hizo ir a buscar en el Taller Coreográfico de la UNAM clases de danza. Cuando me preguntaron si yo sabía de danza dije que sí, pero yo no sabía que se referían al ballet. Me pusieron en segundo grado, yo estaba tremendamente emocionada del Taller, de que iba a poder tomar clases ahí. Sin embargo, por dificultades económicas, mi mamá me dijo que no iba a ser posible. La desilusión que tuve no sé qué tan grande haya sido que la coordinadora, Socorro Bastida, una gran maestra y un pilar mío, que me dijo “vente así” y me becó. Obviamente se me salieron las lágrimas. Cuando empecé a tomar mis clases se dieron cuenta que no sabía nada. Hablaron conmigo y me dijeron que tenía capacidad y lo que necesitaba era una nivelación. Hice un intensivo de 6 meses de ballet, era un regalo para mí hacer eso. Además, la coordinadora me regalaba boletos para ir al Taller Coeográfico con mi familia, era increíble para mí.”

“Después intenté hacer examen a la Academia de la Danza Mexicana, pero no me quedé. Al año siguiente hice examen al CNA a la escuela de danza Clásica y Contemporánea y tampoco me quedé. Yo salí tremendamente decepcionada, ya era mi segunda decepción y dije “ya chao”. Una amiga me dijo que fuera con la coordinadora y pidera hacer examen para la escuela de contemporáneo. Yo no sabía que era contemporáneo, me dijeron “es como el ballet pero les tocan los tambores y bailan descalzas”. Eso me pareció muy diiveRtido. Hicimos examen mi amiga y yo y nos quedamos. Entramos directamente al propedéutico y fue fantástico poque terminando el examen ya estaba el propedéutico y me divertí muchisimo.

Después, llega un punto crítico en mi carrera, pues no teníamos el apoyo psicológico para entender los procesos de la adolescencia, que al cuerpo le salieran protuberancias era malo, no había nadie que nos dijera “este es el tránsito que están pasando y tienen que comer así y vivir así”.  Tuve problemas de desórdenes alimenticios, estuve en el hospital y decidí que ya quería olividar por completo la danza por ese daño tan fuerte que había sentido. Yo ya no quería hacer examen para pasar de año, pero mis amigas me impulsaron a seguir, me apoyaron y me dijeron “no te caigas”.  Y bueno, a final de cuentas terminé la escuela, que la verdad el CNA fue lo mejor que me ha pasado, sin estas experiencias, sin esas herramientas no estaría donde estoy ahora, y bueno, haber trabajado con A Poc A Poc durante 2 años y medio y después empezar con Camerino 4 y llevar ya 5 o 6 años es otro rollo. He descubierto en cada espacio mi manera muy personal de transmitir la danza, de transmitir mi movimiento.”

¿Desde cuándo comenzaste a coreografíar?

“Desde antes de salir de la escuela yo empecé a dar clases, y esto de dar clases y de mostrar y montar coreografías, de expresar todas esas loqueras que tengo, en movimiento, eso ha sido desde siempre. Mis papás tienen videos, de las fiestas de Navidad, de las reuniones, todas esas cosas familiares y Flor siempre estaba obsecionada con alguna música . Me ponía a disfrazar a mis primos y hacíamos un espectáculo para la familia.  Siempre he tenido ese detonate, extraño y loco de crear, de tener a la mano la múisca, algo que me inspire y gente que me sigue en mi loquera y yo me divierto, esos han sido mis juegos desde la infancia.”

Cuando comenzaste a coreografíar, ¿qué fue lo primero tuyo que viste en escena? ¿Cómo se ha desarrollado tu faceta de coreógrafa?

novias
Retrato en Blanco

“La primera cosa mía que yo vi en escena fue en un colectivo. Fue en el 2006 con mi mejor amiga y dos chicos de Danza Libre Universitaria, hicimos Como Marionetas. Esa obra llegó al Palacio de Bellas Artes, verla ahí, y que además tuviera el apoyo de grandes directores -Cuauhtemoc Nájera estuvo apoyándonos, nos daba clases y nos corrigío super bien- fue para mi una gran sopresa. Es una obra que me gusta mucho, habla sobre la represión social que hay del hombre hacia la mujer, no se trata solo del machismo sino que al hombre le dicen “tu tienes que llevarla, y comprarle flores”, es toda una obligación que le cargan, y a ella la ponen como si fuera una maleta cuando todos somos seres independientes. Me gustó mucho verlo en escenario y aún me sigo emocionando muchísimo.

Besos de Agua fue un solo que monté a la directora de Danza UNAM en ese tiempo, expresaba un aparte de mí, y era como verme desde afuera,  fue muy extraño, porque yo le monté a ella desde una idea que ella tenía y una sensación que yo tenía. Plasmar el movimiento y verlo desde afuera, fue muy rico.

La última creación, las novias (Retrato en Blanco), esta gran desesperada novia, es una locura, me quedé con las ganas de hacer más. Me conflictúa mucho la falta de tiempo, se pueden hacer cosas bien bonitas que también se pueden esfumar.”

En los trabajos que he visto tuyos siempre usas objetos, “props” ¿ Por qué lo haces? ¿Qué te ofrecen como coreógrafa?

“Me gusta que el cuerpo esté afectado por los objetos en cuanto significan algo diferente. Por ejemplo, una flor no es solo una flor, me interesa cómo se maneja una flor, qué sentido tiene una flor en ese momento. Con objetos puedes abordar otras escencias. Por ejemplo un ramo se vuelve una colección de tus vivencias. La resigificación de todos los objetos, cómo se vive adentro, si tu logras esa magia, crear que ese objeto sea lo que tu sientes, esa resignificación que ese objeto tiene, se ve, se transmite. Me gusta arriesgarme a meter muchas cosas en la escena.”

“El otro día veía Vaccum y me sorprendía cuántos elementos había en escena: vestuario, agua, flores, lámparas, mamparas, músicos, video, una cantidad impresionante de información. Una danza sencilla sin objetos es algo que yo integro cuenado bailo, pero una forma de crear para mí, es utilizar elementos. Con las novias (Retrato en Blanco) teníamos a la novia que se quitaba el velo, la imposición, el “tienes que ser así”. Las mujeres somos la base y el sustento de las famiias, somos la tierra, ver eso detrás de un vestido de novia, y ver que está loca y viene desde no sé dónde; son imágenes para mi, me encanta. Que cada quien se quede con lo que pueda. A mí no me cabe solamente decirlo en palabras, es eso, creo. Con las palabras no puedo descifrar tanto, es mi proceso.”

Flor Garfias se presenta este Viernes y Sábado 18 y 19 en el Foro alternativo LaCantera con la obra Caperucita Wolf,  con Camerino 4 que dirige Magdalena Brezzo y compartiendo el escenario con Yuridia Ortega. La cita es a las 8:30 pm. Boletos y más información en http://www.lacanteraestudiodedanza.blogspot.mx/

Los nuevos rostros de la danza

La danza ha evolucionado, ya no es la misma danza ritual que se bailaba en los albores de la humanidad ni es la silenciosa danza de concierto donde el simple tac,tac de las zapatillas de punta era demasiado ruido. La danza se ha nutrido de otras artes y se ha transformado y reinventado. Es más, la danza se ha revelado, ha dejado de ser muda, la música ya no es imprescindible, el uso del espacio ya no es el mismo, la danza de nuestros tiempos tiene otro rostro.

Veronique Doineseau de Jerome BelPor ejemplo:  el coreógrafo francés Jerome Bel ha creado reveladoras y conmovedoras coreografías en las que a veces no se baila, a veces se hace uso del silencio y otras de la voz. Bel ha explorado lo que tienen que decir los intérpretes; los miedos y las luchas que ocurren detrás del telón. Al llevar al escenario esta experiencia viva, la danza adquiere un aspecto más humano y el “hechizo” que ocurre en el escenario se desvanece, no para revelarnos costuras y clavos, sino para crear un universo más cercano más conmovedor y a veces más dichoso.

La coreógrafa contemporánea Marie Chouinard hace uso de elementos como tubos, arneses, muletas y bastones para modificar el cuerpo de sus bailarines. Extiende el cuerpo, lo amplía, lo caricaturiza, lo tortura, lo sublima. Además, utiliza tecnología de sonido para usar la voz de los bailarines para generar su propia música.

En México es posible experimentar este tipo de danza que “se sale de la línea al colorear”; sin embargo, a veces como espectadores nos sorprendemos pues esperamos la danza de antes, esa que es muda y que está doblegada a la música. La danza es siempre sorpresa, es impulso, y como tal responde a la variedad de emociones y mensajes que tiene el ser humano. Sobre todo, la danza es libertad y como tal no tiene límites.

Mira a Jerome Bel y Marie Chouinard

 

Navega danza, click para disfrutar la danza en la red

¿Ver danza? sí, la mejor manera de disfrutar la danza es ir al teatro y experimentar en vivo este arte efímero. Sin embargo, gracias al Internet, ahora basta hacer “click” para ver una amplia variedad de propuestas dancísticas. ¿Qué te interesa? ¿La danza urbana, So You Think You Can Dance, La Ópera de París? ¿Te preguntas quién es Twila Tharp? ¿Admiras a José Limón? Clickea y listo.

Nunca, desde el uso generalizado del vdanzawebideo había ocurrido otro fenómeno que impactara tanto a la danza como la aparición del Internet y con éste de las plataformas de video en línea. En la red hay de todo: profesionales, semi-profesionales, amateurs, bailarines ocasionales, coreógrafos consagrados y científicos locos. Todos, disfrutan de la posibilidad de ser vistos, todos comparten con el mundo su hacer de la danza.

Además de ofrecer a bailarines y coreógrafos la oportunidad de promover su trabajo e impulsar sus carreras, internet se ha convertido en un medio del que el espectador puede servirse para explorar la danza. Una misma obra puede verse con diferentes intérpretes, compañías o es posible comparar sus representaciones a través del tiempo. Se pueden descubrir nuevos coreógrafos, o seguir a algún bailarín por medio de su canal de video y las redes sociales. Además, hay la posibilidad de explorar competencias,  “happenings bailados”, experimentos y presentaciones memorables.

https://www.youtube.com/watch?v=84MlvAffIe8

Una de las posibilidades más interesantes de esta forma de disfrutar la danza es la de descubrir lo que ocurre tras bambalinas en ensayos, clases y montajes, y nos da la posibilidad de asistir a los procesos maravillosos que tienen lugar para la creación de una obra. ¿Qué piensan, de qué hablan los coreógrafos cuando crean? ¿Cómo toma forma lo que después en el escenario es una obra bien dobladillada y sin remiendos? Los procesos de creación de vestuario, iluminación, música, escenografía; profundas entrevistas a coreógrafos, bailarines, músicos y maestros; y experiencias de colaboración entre artistas visuales y grandes compañías de danza están a un link de distancia.

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Finalmente, la video-danza encuentra en la red un medio ideal de difusión. En Internet, es posible encontrar canales dedicados exclusivamente a este tipo de propuestas. Sin la Red, esta innovadora forma de arte solo estaría disponible, para muchos de nosotros, solamente en festivales especializados. Es importante recordar que aunque el Internet es nos ofrece todos estos beneficios, la danza es un arte escénico, para poder disfrutar de todos sus matices es necesario acudir a los foros y teatros para verlo en vivo; la gran variedad de danza disponible en la red nos puede convertir en espectadores más sensibles y educados, nos nutre y amplía nuestra percepción de la danza mas nunca sustituye la experiencia de asistir a una función “live”. Navega la Danza en la red y sorprenderte con la variedad y calidad de obras, intérpretes y compañías que es posible disfrutar en línea.

Unas viejas zapatillas

El ballet clásico… ¿Qué decir sobre esto? ¿Por qué hay tantas zapatillas arrumbadas por ahí? A decir verdad, en los últimos tiempos se ha notado que realmente ha perdido su objetivo principal, ya que en sus inicios era una disciplina en la que, las personas dedicadas al tipo de arte antes mencionado se entregaban en cuerpo y alma, no como en el presente que nos está tocando vivir, en el que las niñas asisten porque sus mamás las llevan, porque no las quieren tener en casa, porque es un muy buen ejercicio y así finalmente lograrán bajar de peso o tener la bonita figura que ellas siempre desearon, o por la simple y sencilla razón de que quieren que las pequeñas cumplan su sueño frustrado.

 

En la actualidad son muy pocas las niñas que asisten a clase con una enorme sonrisa en el rostro y salen con la misma o con una aún más grande, son contadas a las que no les importa haber tenido la clase más pesada, movida, cansada y atiborrada de exigencia, son escasas las que entrenan a pesar de que afuera llueva, truene, o el sol tenga un brillo mucho más fuerte de lo normal.

 

Realizar una actividad como el ballet, favorece en todos los aspectos, no solo en el físico, ya que ayuda  a mantener o adquirir una buena postura, tanto de espalda como de piernas, y así poder evitar problemas a futuro,  sino también mentalmente, debido a que es una disciplina en la cual se desarrollan ambos hemisferios del cerebro, y no solo esto, ya que suena meramente superficial, también se debe crear conciencia, hacer que la población se de cuenta de hasta donde ha llegado el mundo, que las personas ya no realizan sus actividades con la pasión y el empeño de antes , y abandonan sus sueños a la primera dificultad con la que se encuentran, por más pequeña que ésta llegue a ser.

 

Te invito a visitar un salón de clases, con niñas, adolescentes, mujeres u hombres, realmente no importa mucho con quien, lo único que anhelo es que puedas observar a un grupo de personas luchando por alcanzar su más preciado sueño, y que de alguna manera esto te motive a seguir luchando por los tuyos.

 

No es grato apreciar salones de clases solos y abandonados, no es agradable saber que por el mundo hay miles de zapatillas olvidadas, lo que si deseo es que veas personas, que a pesar de los tropiezos, se levantan con la frente en alto y con tres, cinco, once, veinte o los intentos que sean aprenden a danzar por la vida.