Reflexión en torno a “Los Nadies” de Eduardo Galeano


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Crédito: Fragmentos de vida.

¿Sabes quiénes son los nadies? ¿Por qué son llamados de esa forma? Los nadies son aquellos a quienes los burgueses han olvidado, los que tratan de salir del calabozo en el que la sociedad los ha inmiscuido y cercado, ellos son el retrato de un corazón blando y casto, sin titubeo alguno, que entregan su vida para dar paso a la creencia de un nuevo orden de inclusión, donde ellos puedan ayudar a los incoherentes en una ardua reflexión.

 Los incongruentes son esos que desprestigian la labor social, los que se esconden bajo el dinero para olvidar todo lo que han propiciado… los que venden patrias por privatizar a diestra y siniestra lo que con tanto esmero trabaja el pueblo día a día; ellos (los incoherentes) deberían de ser los nadies, porque en realidad tienen el deseo de hacer pedazos cada retrato de una nación que sufre.

 Esos que se atreven a llamar “nadies” a los que de verdad han cosechado frutos y esperanzas para un mundo tan frío y ambivalente, deberían mejor de callarse antes de señalar al que de verdad planta semillas en todos los jardines del país, ya que llegan solamente a pisar lo que con tanto esfuerzo se trató de nutrir y hacer crecer. Reciben ese nombre los nadies, porque los egoístas (los verdaderos nadies) piensan que el mundo debe de no temblar ante lo que pase y seguir su rumbo, les aterra pensar que el cambio está cerca. ¿A quién le aterra ese cambio? A los privilegiados, a los que explotan, a los que matan y aniquilan sueños en todos los sitios de un país consternado y sumiso. La subordinación es el alimento principal de los que corrompen y sustentan su beneficio propio, a costa de la benevolencia de los castigados, de los desprestigiados… de esos que se les niega entrar a un hotel de lujo sólo por no cumplir el protocolo de vestimenta. ¿Qué garantizan unos zapatos de marca? Seguramente, la falta de criterio y un gran grado de estupidez humana, que se convierte en heces fecales que deambulan en cada uno de sus corazones –si es que tienen aún–.

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Crédito: Blog Surrealista.

 Sobrevaloran un mundo de ostentosidad, celebran la hipocresía, construyen mansiones para ir a derrochar el dinero que trabajaron los nadies, porque a ellos nada les costó; o fue herencia o fue explotación, no hay otra explicación sensata al respecto. Residenciales de ensueños…corazones muertos en vida, automóviles fuera de órbita…soledad que rompe motores, bolsos de pieles…botox en todo el cuerpo; todo tiene un porqué para los que se atreven a llamar nadies a los que labran la tierra, pensando que el fruto será hermoso. Porque las manzanas que los portentosos comen es gracias a que el oficio lo sabe desarrollar el que ama la vida, no el que ve signos de pesos en todas las cosas habidas y por haber.

 ¡Pobretones los ricos! ¡Ricos los pobres! Gran dilema. Los burgueses con desdichados y fríos, soledad es su vía y su muerte es el dinero. Los ricos paradójicamente son los nadies, con un gran corazón y sabiduría para ver la vida, ellos son gratamente nutridos por el alba, y son los dueños de las esperanzas de este frívolo planeta… los nadies son ricos, más millonarios que Carlos Slim y Bill Gates. Los que prenden chispan y colores al panorama, merecen una alegría infinita, ya que no criminalizan, no acusan..sólo viven para luchar y constatar que no todo se ha desquebrajado como los poderosos quieren hacernos saber. Dejen de mentir señores acaudalados, el dinero brilla para ustedes, a nosotros (los nadies) no nos importa, es más, nos vale un sorbete si siguen acumulando. La mente y el corazón se pudre de tanto codiciar… anoten.

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Crédito:Fotolog.

 Cara con la belleza de la aceptación y de la creación; los que poseen este tipo de rostro son los que hacen de la naturaleza su vínculo primario, mientras que si la nariz, los labios y los pómulos se ven fuera de contexto, seguramente fueron víctimas los que esperan con ansiedad, el hacer cambios para poder pertenecer a los que todo el tiempo se burlan de los nadies. ¡Qué horror! ¿Tener que ser miembro de los burgueses a costa de tu libertad humana?  Ése podría ser el gran error que de muchos que sólo piensan en la faramalla y en la altura de unos zapatos que muchas de las veces no son ni del color que les gusta. Mercenarios del sueño del nadie, pero conversadores de la gran obviedad del mundo: La perdición. 

 ¿Quiénes son ellos para llamar a los nadies de esa manera? Son los burgueses los que exprimen el último limón del huerto, para deleitarse con sus manjares, mientras que el desdichado espera a que comparta tan sólo una cuarta parte de medio limón; eso nunca sucede, y es cuando más fuerte tiene que trabajar el oprimido, de lo contrario, se le despide y sin prestación.

 Miseria en el corazón, dinero en la mente y los bolsillos, marcas y presunciones de aquí para allá, revistas que presumen del chico más codiciado entre la oligarquía… ¡Qué flojera! ¿Eso es el mundo? Para el 80% tal vez, para el otro 20% la vida se expresa con colores que muestren el legado de la historia y la formación de cada estrella, esa es la existencia. Todos nos vamos, el dinero se queda, el corazón también tiene que partir. Los nadies se tranquilizan porque amaron con todo el poder, los otros, no se sabe, porque vivieron de la pretensión misma.

Gabo, Fidel, Arenas y otras mentadas de madre (Primera Parte)

Por: Alfredo Bojórquez

El 17 de abril del presente año puso a temblar las fibras de cada uno de los morrales chiapanecos y las playeras del Ché Guevara a lo largo de América Latina. Murió Gabriel García Márquez. 24 años antes, Reinaldo Arenas se quitó la vida tratando de frenar la tradición que conformó don Gabo, acompañado de Silvio Rodríguez, el fidelismo y toda la izquierda latinoamericana trasnochada. Arenas explicó en su carta de suicidio que lo hacía por el mejor amigo de García Márquez, Fidel Castro, no sin antes dejar un legado bibliográfico de enorme calidad literaria atiborrado de críticas al socialismo cubano.

En 1999, Gabriel García Márquez fue diagnosticado con cáncer linfático y fue hasta el 17 de abril de 2014 que la muerte se hizo presente.

 Mientras los demás optan por seguir guardándole luto evitando estos temas, prefiero sacar estos trapitos al sol –tal vez sea más preciso decir a la lluvia- antes de que termine el año de la muerte del autor que le dio notoriedad internacional a la literatura latinoamericana. Se ha dicho mucho sobre la relación entre Gabriel García Márquez y Fidel Castro, aunque a estas alturas del año el periodismo cultural apunta bombo y caja hacia Efraín Huerta, Silvestre Revueltas y Octavio Paz. Más lo que acostumbra mencionarse de Gabo no suelen ser sus enemistades ni el odio que lo acompañó a lo largo de su vida, si acaso la famosa pelea del colombiano con Mario Vargas Llosa.

 El boom latinoamericano surge por varias razones, en su mayoría ajenas a la literatura misma, como la inversión de Carlos Barral y Harper and Row, la revolución cubana, el interés de Carmen Balcells, la creciente alfabetización y urbanización de América Latina, entre muchos otros factores que generaron una explosión en el arte hispanoamericano que hasta el día de hoy no pierde su prestigio.

 En los años 60’s y 70’s, el mundo entero volteó la mirada hacia la literatura que se estaba creando en nuestra región, pero no todos los escritores que publicaban en esa época fueron alumbrados por los enormes y generosos reflectores del boom. Fernando del Paso, Manuel Puig y Reinaldo Arenas, entre otros, se quedaron a la sombra de este que fue en algún tiempo un grupo de amigos. El tercero particularmente por su postura política.

Reinaldo Arenas fue conocido por su oposición al régimen de Fidel Castro.

 En 1943 nace Reinaldo Arenas, 16 años después que Márquez, en un pueblo olvidado de Cuba. Habiendo peleado con los revolucionarios, Arenas fue parte de los cambios importantes que vivió su país en la segunda mitad del siglo XX. Autor de las novelas El Color del Verano (1991), El Palacio de las Blanquísimas Mofetas (1980), El Mundo Alucinante (1969) y su contundente autobiografía Antes que Anochezca (1992), llevada al cine por Julian Schnabel, protagonizada por Javier Bardem (grabada parcialmente, por cierto, en Veracruz, Yucatán y con apariciones momentáneas de Johhny Depp y Diego Luna). Su obra, a través de la exageración de lo cómico y lo sexual, expone injusticias que sufren los escritores, intelectuales, disidentes y homosexuales en Cuba; es un parteaguas de la literatura desmitificadora de la revolución cubana tanto en lo estético como en lo ideológico, como demuestra Emilia Yulzarí en La configuración literaria de la revolución cubana, su aburridísima investigación al respecto.

 A sus 24 años, es decir en 1967, Arenas publica su primera novela: Celestino Antes del Alba, dentro del panorama de una novelística fundamental: La muerte de Artemio Cruz de Carlos Fuentes y El siglo de las luces (1962) de Alejo Carpentier; Rayuela de Julio Cortázar, La ciudad y los perros, de Mario Vargas Llosa (1963); Paradiso de Lezama Lima (1966), y justo el mismo año que Celestino, el mundo conoce Cien años de soledad. Arenas comienza a publicar cuando García Márquez ya estaba en una edad madura. Una de las novelas más experimentales de Arenas es paralela al texto que va a hacer famoso no sólo a Márquez, sino a todas nuestras letras. Este primer esfuerzo literario por parte de Arenas va a ser el único texto que publica legalmente dentro de la isla hasta nuestros días, a pesar de que fuera de ella pueden encontrarse por lo menos una decena de sus títulos. El peso estético de Celestino la hizo merecedora del Premio UNEAC 1964, entregado al joven Arenas directamente de las manos del monstruo de la literatura cubana: Alejo Carpentier.

“Soy amigo de Fidel y no soy enemigo de la revolución. Eso es todo”, llegó a decir García Márquez.

 La Habana se convirtió, en la época del LSD y el rock psicodélico, en la capital literaria de América Latina. La bomba que resquebraja el boom latinoamericano es la revolución cubana y particularmente El Caso Padilla. El apoyo que estos escritores dieron al gobierno de Fidel Castro trazó una frontera entre dos bandos. El poeta Heberto Padilla publicó el poemario Fuera de Juego (1971), en el que expone textos sutilmente nostálgicos con el inicio de la revolución cubana que le hicieron merecer persecución, encarcelamiento, tortura; obligado a redactar, memorizar y declarar 30 páginas retractándose de todos sus gestos antifidelistas.

 Casi todos los intelectuales cubanos fuimos invitados por la Seguridad del Estado a través de la UNEAC para escuchar a Padilla (…) Aquel hombre vital, que había escrito hermosos poemas, se arrepentía de todo lo que había hecho, de toda su obra anterior, renegando de sí mismo, autotildándose de cobarde, miserable y traidor. Decía que, durante el tiempo que había estado detenido por la Seguridad del Estado, había comprendido la belleza de la Revolución y había escrito unos poemas a la primera. Padilla no solamente se retractaba de toda su obra anterior, sino que delató públicamente a todos su amigos, que, según él, también habían tenido una actitud contrarrevolucionaria; incluso a su esposa.

— Reinaldo Arenas, 1992.

 Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa dejaron de apoyar a Castro a partir de esta polémica. Cortázar, también insultado por Arenas en el texto Cortázar ¿Senil o pueril?, va a seguir apoyando el fidelismo a pesar de lo sucedido. Como leal opositor a este régimen autoritario, Arenas, quien publica a la par que los mencionados escritores, se posicionó política y estéticamente al margen del boom. Esta decisión, que mantiene hasta su muerte, es a la vez su gran condena. Perdió la oportunidad de tener el apoyo que recibió su gran amigo José Lezama Lima, entre otros. Arenas, que sufrió las injusticias de ser un homosexual en un país duramente machista, fue perseguido y no pudo expresar jamás su opinión política, de manera que veía en la literatura un escape, un desahogo, por lo que fue una profunda decepción que escritores de talla tan grande no se percataran de las injusticias del socialismo cubano y se dedicaran a consagrar su creación literaria al régimen de un dictador.

Rostros del boom latinoamericano

Prejuicios femeninos: Perspectiva del siglo XXI


Me negué a reconocer que realmente tenía un problema de autoestima desde muy pequeña. Me la pasé viviendo con prejuicios en torno a la opinión pública, al cómo te están viendo, al si te aceptarán o no y otras frases que no difieren de este contexto que tanto le pega a la mujer, y que paradójicamente no es cuestión de novedad, sino que esto ya se vislumbraba desde que comenzó a presentarse como objeto para el mundo, es decir, como si fuera la mercancía más demandada en el mercado.

 Cuestiones simples como la ropa, el calzado y demás situaciones divergen en el poder para manipular a la mujer en un sólo instante, lapso que puede determinar su cambio abrupto en estados de ánimo y que la vuelven presa fácil de los estándares sociales. Mientras más flaca, mejor –piensan las más vulnerables-, mientras que las más fuertes sólo tratan de aparentar que todo está bien y que la aceptación fue algo fácil de ejercer.

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Ilustración elaborada por Pedro Sosa.

 La venta de un cuerpo con las medidas que más desaten el pensamiento del hombre, la creación de un estereotipo que por genética no tiene pertenencia alguna, la constante publicidad en torno al “debería” de una mujer, la manipulación a través de sus funciones sociales y otras cuestiones más la arropan para crearla al molde de requerimientos sociales que no le pertenecen. La hacen parecer un maniquí de aparador que no debe moverse y sólo acatar una serie de normas que enaltecen un ego injustificado.

 Tal vez parezca un simple problema de autoestima femenino, pero la situación va más allá de un cotidiano prejuicio mortal. La cultura occidental –principalmente a mediados del siglo XX- , ha adoptado una serie de patrones que desmoralizan a la mujer y en su acervo cultural, sólo hace hincapié en lo que está bien visto, sin importar que tan vacía o seca se sienta. El eje, muchos lo piensan desde un problema de peso/sobrepeso, otros  desde el significado de belleza y los más ortodoxos desde una diferencia de género. Entonces, ¿Qué define a los prejuicios femeninos?

 Los prejuicios femeninos forman parte de nuestro andar ; en el proceso de desarrollo adoptamos una serie de objetivos que han sido impuestos. De ahí, surgen maneras de poder compenetrar en cada meta como es el ingreso al trabajo, a la escuela, a cierto círculo social y entonces las preguntas empiezan a adentrarse de mayor forma en el pensamiento de la mujer y es cuando la inseguridad llega de repente, de manera que no da paso para crear condiciones de identidad. Desmotivaciones y una indignación hacia sí misma es el resultado de querer aparentar y no ser, de forma que la máscara se convierte en el artilugio de mayor precio en un mundo que se corrompe por cuestiones tan superfluas que no cobran un significado inherente al ser humano. Una existencialismo dudoso y que enaltece las condiciones más vertiginosas del mundo contemporáneo, visten a la mujer entre sedas e interrogantes de quiero….pero no puedo.

 Una sonrisa llena de botox, un pensamiento rígido, un debo hacer y un dilema entre querer y poder incrementan la inseguridad de la mujer. El énfasis no radica en una comparación entre su misma condición biológica, sino en una cuestión de subordinación social, ahí es donde se encuentra el conflicto principal, no en el peso, no en las vestimentas;la disyuntiva es mucho más compleja.

 El tormento de los prejuicios femenino recae en la posición ante un papel que ha sido adoptado y que no se ha modificado desde el momento en que se aceptó como una imposición; su determinante ante hechos que por sí mismos no se han esclarecido, además  no se dio el tiempo preciso para cuestionarlos. Con grandes barreras por reflexionar sobre sus méritos a diferentes lapsos, la mujer creció en el olvido de lo que realmente quería.

 Reitero, no es el vestido, no es el cuerpo, el prejuicio es cuestión tan arraigada al individuo que un simple análisis lo relaciona con cuestiones que tengan que ver con situaciones atípicas a personalidad, y por lo tanto la vulnerabilidad de la sociedad femenina se fomenta desde una condición biológica y no de aptitud – he ahí la gran limitante-.

 La mujer es requerimiento social, pero en ese afán por serlo niega su capacidad de crear y transformar ciertas condiciones que ya le fueron impuestas; se aferra a esa zona de confort que tanto le place y que sucumbe entre su afirmación o negación –según sea el caso-. Mientras los vestidos son más ajustados, las tallas parecen abrumarla de una manera abominable, si su ser ya no está tendencia por medio de la exigencia, su vida corre peligro entre si reflexiona o no. ¿Cuántas de verdad critican su situación ante el mundo? Es entonces, cuando el prejuicio invade el ejercicio de opinión, para impedir tener un posicionamiento claro sobre su desempeño en todas las facetas de la vida.

El baúl de la alteración emocional:Los intelectuales

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Crédito:Insightuaemex.net.

Bipolaridad, esquizofrenia, depresión y demás trastornos mentales acechan a los genios artísticos desde tiempos remotos; lapsos que sólo se remiten a su capacidad de reflexión y crítica con su respectiva época. Las condiciones para su desenvolvimiento, no permitieron que se reflejara la capacidad de socializar con su entorno, mucho menos con las modas que acentuaban una dura agonía, para los que no están dispuestos a tolerar la banalidad de adquirir principios ajenos a su sentir.

 Parece ser, que todo el conjunto de malestares emocionales hacen de sus presas, a las mentes maestras del talento pintoresco y fructífero de todas las artes. Literatura, pintura, música son algunas de las áreas donde se han registrado personajes de renombre, que padecieron la intensidad de experimentar todas sus emociones a flor de piel y que sin duda, vincularon el dolor y la nobleza hacia la vida misma.

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Crédito:Portal de psicoanálisis en línea.

 ¿Por qué los malestares emocionales persiguen a los intelectuales? ¿Por qué a las mentes más brillantes? Investigadores del Instituto de Psiquiatría de Estocolmo, han estudiado este fenómeno y han llegado a la conclusión, de que hay una relación  causal entre  desarrollo intelectual y trastorno mental, y en cierta parte, un problema hereditario. A través de diversas pruebas, se logró obtener el resultante de que a mayor bipolaridad o depresión, mayor grado de intelecto.

 Las personas intelectuales, tienden a desarrollar de forma más genérica padecimientos psicológicos más graves; esto se debe en parte a la formación existencial que han desarrollado, es decir , su concepción difiere a la de la mayoría, lo que ocasiona su “sufrimiento” – por llamarlo así – por no poder formar parte del pensamiento más homogéneo de la sociedad, por lo que su diferencia sensorial y perceptiva les permite crear nuevas ideas, mejores alternativas y una situación social distinta.Tal padecimiento, encuentra sus raíces en lo que establece Zeigarnik y Bratus:

“El enfoque personal de la percepción desarrollado por una serie de psicólogos americanos contemporáneos plantea que la percepción se considera como un proceso selectivo determinado por la interacción de las cualidades objetivas de la estimulación y de los factores internos motivacionales; además de que la percepción garantiza la adaptación de la personalidad al mundo exterior y refleja el nivel de su adaptación”

 ¿Cómo adaptarse a una sociedad? Indudablemente el hecho de estar cercano a modas y ademanes en constante movimiento, resulta más difícil para aquéllas personas que están lejos de sentirse en sincronía con su entorno y a su vez, consigo mismo. El malestar se acentúa, cuando se trata de buscar y crear una nueva forma de vida…una vía más agradable para el “desadaptado” y  más extraña para el sumiso.

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Crédito:Tumblr.

 ¿Por qué al rechazo? Adjetivos calificativos como “raro”, “ñoño”, “solitario”, “gruñón” forman parte de la renuencia hacia la aceptación de las personas, que brindan al panorama una luz de realidad, su creatividad parece molestarles a los demás;cayendo en lo más mezquino: Catalogar como “impropio” su comportamiento y visión social.

 Ante el distanciamiento de la rutina social, la falta de complementariedad contempla a los genios artísticos que buscan la manera de pintar el mundo “a su color más real, al más grosero” , tonalidad que parece no gustarle a cualquier tipo de persona. El drama y la sinergia emocional, los atrapa en cada una de sus obras, en cada mirada…en cada fantasía.

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Crédito:Ceadin.org.

 El delirio por transmitir, acaba siendo su propia cárcel – que se convertirá en un sótano para toda la vida – . Ejecutan lo inalcanzable, lo imperceptible y lo más abrupto de la creación humana (no apto para mentes duras y sin rigor emocional) su arte transforma el mundo, la visión y el caos mental por el que se atraviesa día a día.

 Todas las áreas del arte, han registrado que los genios, la mayoría del tiempo han pasado por los padecimientos anteriormente mencionados, entre esas luces antagónicas están (por mencionar algunos) :

 En literatura:

  • Alejandra Pizarnik, quien entre sus letras y su neurosis acabó por contar su suicidio en vida; su agonía por querer desfallecer.
  • Virginia Woolf, ferviente defensora del papel de la mujer en la sociedad, reflejó su osadía por salir de un patriarcado que la asfixiaba constantemente.
  • Fiódor Dostoievski , soñador de lo criminal, encubridor de su propio miedo: El descubrir su verdadera identidad.
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Crédito:Argentina independiente.

 En pintura:

  • Pablo Picasso, amante de la soledad, pintor de los miedos más ocultos del ser; representante de los temores más abruptos.
  • Vincent Van Gogh, la frustración de su infancia y de un mundo que no podía entender su forma de expresarse, lo orilló a ser un individuo aislado y triste.
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Crédito:Tumblr.

 Nos definimos como seres congruentes ¿La irreverencia es mala? ¿Mala para quién? Sino estamos acostumbrados al anhelo, a soñar un nuevo mundo, a no crear …ni mucho menos a transmitir, creo que los que están mal, son los que “no están locos”.

Con sabor al norte- cómo hacer una crítica con base al mensaje artístico

Soy yo quien tiene miedo. Temo que el Wason esté en lo correcto sobre mí. A veces me pregunto sobre la cordura en mis acciones.

 Todo lo que pensamos viene codificado por un lenguaje, o dos (en caso de que sueñes en inglés), esa famosa frase “una imagen dice más que mil palabras” es falsa. Lo que vemos siempre viene acompañado por un contexto. Es decir, si les pongo una foto de cualquier persona no pensarían nada en especial sobre ella. Pero si dijera “él es el chico que me gusta”, ya tomaría un significado diferente.

 Para poder hacer una buena crítica hay que hacer un análisis del mensaje, o mejor dicho, del discurso.

 El discurso es la unidad de aquello que el mensaje desea emitir, ya sea audiovisual, escrito o hablado. Incluso sino es literario puede funcionar. Para poder explicarlo, me basaré en la novela gráfica de Gran Morrison, Batman Arkham Asylum : A Serious House on Serious Earth.

 1. El desarrollo del personaje. Se debe tener en cuenta cómo es que está la actitud de la persona el iniciar y al acabar la historia. Lo que sucede en esta historia con Batman no fue una valentía total; sino el miedo que el tenía sobre sentirse en casa, porque para él, no había diferencia entre su locura y la de los residentes del asilo.

 2. Los personajes secundarios. Lo que hacen, ya sea ayuda o que obstaculicen las proesas del personaje principal te dice mucho de la idea que quiere dar el autor. El hacer notorias las similitudes entre Batman y el Wason hacen que la historia sea más interesante que cualquier cómic ya publicado, porque no te presentan el héroe contra el villano, sino algo más profundo.

Esta historia trata sobre el Wason liberando a los lunáticos del asilo para demostrarle a Batman que él no es tan diferente a todos ellos.

 3. La presentación. El lenguaje en el que hablan, la manera en qué lo ves o la textura del mensaje. Puede estar llena de metáforas o simplemente ser un cuento. En el caso de las imágenes tienen borrones, se ven oscuras siendo la esencia psicológica que se muestra en la misma historia.

El estilo oscuro de la ilustración va acorde con el mensaje oscuro que lo acompaña

 Por estas razones no ves lo que es la sinopsis de una historia. El ejemplo que usé fue de las primeras cosas que analicé de esta manera y cuando das una crítica o le explicas a alguien por qué te gusta, das una crítica satisfactoria basándote en la teoría compleja. Inicialmente este conocimiento es parte de muchos estudios sociales que no cualquiera puede hacer de manera correcta por la confusión que se extiende con la información. Esta síntesis ayuda a que cualquiera pueda hacer, a grandes rasgos, un análisis del discurso.

 Cualquier duda me encantaría saberlo en sus comentarios, mi Twitter es @alixreyna y espero hablar con ustedes muy pronto.

Amar, con M de México

Estos mayos y abriles se alargan hasta octubre. Todo el Valle de México de colores se cubre y hay en su poesía de otoñal primavera un largo sentimiento de esperanza que espera.
Carlos Pellicer

Los mexicanos tenemos mucho de qué sentirnos orgullosos día con día, de nuestra vasta cultura, de nuestros sabores, colores, en fin. Precisaría de escribir un ensayo entero que enunciara las bondades de esta nación, que si las vemos con esmero, llegan a ser más grandes que sus desdichas.

Rafael Inclán, Juan Ferrara, Rocío Banquells y Socorro Bonilla
Rafael Inclán, Juan Ferrara, Rocío Banquells y Socorro Bonilla

 Cuando la devaluación del peso ocurrió, Marisela y Osvaldo tuvieron que irse de México, sin nada más que el apoyo de sus únicos amigos, Yoli & “El negro”, quienes les dieron hasta el último centavo para que se lanzaran a E.U.A. a encontrar una nueva vida. 30 años después, las cosas han cambiado para bien de la primera pareja, pero parece ser que Yoli y “El negro” se quedaron atrapados en la precariedad en que dijeron adiós a sus amigos. Ahora los matrimonios se reúnen y la invitación está en el aire para los que aún radican en México: cambiar una vida de miserias por el sueño americano.

 Como en muchos hogares mexicanos, con base en el honrado trabajo duro es como se alcanzan las metas, aunque a veces no siempre se alcanzan, a veces uno tiene que conformarse y apechugar. “Aquí nos tocó vivir” y “Así nos tocó vivir”. La autora Nelly Fernandez Tiscornia, originalmente concibió la historia del “Negro” y la Yoli, dentro de su natal Argentina, bajo el nombre de Made In Lanús. Países latinos al fin de cuenta son Argentina y México, precisamente esto les permitirá conectarse bajo la adaptación del también director Manual González Gil y lograr Made In México.

 La escenografía nos sitúa dentro del hogar del matrimonio “Negro”-Yoli, una casa vieja que se conecta a un taller mecánico. Las paredes con la pintura gastada desquebrajándose ante la humedad, entreviendo los ladrillos que cimentaron el inmueble. Cualquier colonia de bajos recursos en el Distrito Federal es el espacio. Adentrarnos a esa casa es vivir alegorías directos a nuestra propia cultura, la persistencia de la vida a través de un pajarillo y de plantas, la instancia de la fe representada con una virgen en bulto, etc.

 Con la ayuda de Rafael Inclán, Manuel González Gil toma el texto argentino para impregnar la esencia mexicana y delimitar personajes totalmente empáticos al espectador y con psicologías muy ricas. Rasgos de la convivencia diaria propios de la cultura mexicana  denotan a diestra y siniestra, como el ingenio para el albur, o la necesidad de celebrar los buenos momentos, de manera orgánica, con una orquestación rítmica que si bien no conecta con todas las edades (dados ciertos guiños generacionales) al primer momento, lo hacen con el deshilar de la trama.

Teatro Jorge Negrete, consulte cartelera
Teatro Jorge Negrete, consulte cartelera

 La historia se complementa con intervenciones musicales, que habrán de expresar los sentimientos de los personajes, mediante el discurso de las melodías. Un movimiento atrevido y que funciona al hacer juego con la iluminación moderada. A través de la selección musical, el director comunica el patriotismo y la búsqueda de la identidad, profundizando en la esencia del texto que expone en su discurso la necesidad de no corromper las raíces con las que uno llega al mundo y de la importancia de la unión familiar ante toda situación. 

 Es protagonizada por Socorro Bonilla, Rafael Inclán, Rocío Banquells y Juan Ferrara. Un cuarteto sólido y complementario que se adentra en las necesidades comunes y propias de sus personajes de forma total. Sin duda, el hilo cómico se tensa gracias a la aparición de Inclán, quien, con una vasta trayectoria en el rango, domina el timing necesario para llegar al espectador, haciéndonos conocer la postura de cualquier padre de familia, dispuesto a sacrificar lo que sea por el bienestar de los suyos.

 Juan Ferrara y Rocío Banquells logran transmitir ambas caras de la moneda ante un caso de inmigración: la necesidad de volver a su patria olvidando el pasado, y el rencor absoluto. Tesis individuales pero ligadas, que tienen una solidez real en parlamento y acción. Generadas en actuaciones honestas y bien trazadas.

 Pero por supuesto, Socorro Bonilla se cuece aparte. La maestría con la que la primera actriz desempeña su rol es impecable. Nos entrega a una mujer en la encrucijada de la esperanza y la oportunidad real. Los matices y acentos que imprime para desenvolver el sentir de su personaje son exactos, aprovechando el coraje aprehendido para liderar el peso dramático con total ligereza y fuerza.

 En general, la dirección atina un espacio que permite la apreciación total de la acción, ubicando bien sus focos y con una coreografía funcional pese a constantes. Si bien, a pesar de lograr verse desapercibidos con el transcurso de la obra, el texto tiene momentos de incongruencia en la narrativa dentro de su primera parte.

 La importancia de este montaje radica en el mensaje central: los problemas deben solucionarse, salir adelante y aprender de la experiencia, no darles la espalda o vivir en la complejidad de su existencia en cualquier tiempo real. Made In México es una crítica de lectura social, política y cultural. Entrañable, conmovedora, empática y de justificación real; que logra sostener una fuerte argumentación con un diálogo natural. Pero lo más importante, que está contada con el corazón. Imperdible

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Ska Shakesperiano

Una compañía teatral joven se reúne ante el público para manifestar su insatisfacción al trabajo que han preparado, puesto que carece de lo último, preparación. A pesar de todo, la mayoría de los miembros acuerdan presentar el intento de puesta por respeto a la audiencia. Les pidieron Ricardo Tercero de William Shakespeare, no prometen calidad, o sustancia, pero peor es nada.

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Adrián Alarcón

 Cuándo Shakespeare escribió Ricardo Tercero, el fin era hablar de la creación de la casa de los Tudor, en el tenor de analizar la escalada al poder como una búsqueda insaciable del que lo ansía, que deja entrever la naturaleza salvaje del mismo en el bardo paraje que da panorama a su alma.

Evolución(Del lat. evolutĭo, -ōnis).

6. f. Mudanza de conducta, de propósito o de actitud.

7. f. Desarrollo o transformación de las ideas o de las teorías.

 Resulta infame pensar que las metáforas que aplicaba Shakespeare a la ambición política y el juego de poder, lejos de ser propias de un tramo histórico medieval, se conviertan en una realidad histórica contemporánea, aplicable al cien a nuestra propia condición gubernamental mexicana.

 Y entonces David Gaitán, director y escritor de esta nueva adaptación del teatro clásico  titulada Ricardo III 0.1, parte de la teoría de la vigencia y postura del dramaturgo, contrapuestas a la actualidad. Aderezando con múltiples elementos que se orquestan en su propio desorden y dan partida a la carrera por transmitir el mensaje correcto.

 Entonces, la aplicación es una propuesta creativa, diferente y anticonvencional. En esta historia, el elenco que integra a la compañía va tomando fragmentos del original shakesperiano para objetivar su validez y desenmarañar las intenciones ocultas. Es un discurso de reclamo de identidad al propio William y a la “ausencia de dirección” que los  “actores” tuvieron para desempeñar su labor, cada uno de los miembros de la “compañía” buscará a como dé lugar lucirse, con aquello que si tienen preparadopara escenificar. Cada uno buscará tomar el control de la dirección que “no les dieron” para encaminarlo a lo que consideran mejor y en esa desquiciada carrera por llevar la batuta, la compañía da verdaderamente vida a la esencia de Ricardo III, la compañía “sin darse cuenta” entrega a Shakespeare accidentalmente.

 ¿Y entonces? Pues el ejercicio se ejecuta excelentemente, la comedia de la que  se vuelve presa el escritor y su trabajo original es un reflejo de creatividad y atrevimiento por parte de la dirección, que busca tanto divertir al público como honrar a la memoria clásica.

 El elenco que da pie a estos enredos, se unifica en el tono correcto para transmitir la sensación de inseguridad y desfachatez adecuada. Actores jóvenes que denotan una madurez general y claro entendimiento del contexto y ambiciones del proyecto al que son parte, lo cual es de agradecer y notar, pues sin estos elementos sería simplemente imposible que la propuesta escénica tuviera un resultado positivo.

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Foro Shakespeare, consulte cartelera

 Ricardo III 0.1 toma el ska como pretexto para hilar la trama, permitiendo una concepción musical alterna y equilibrada, que da volumen y fuerza a las acciones. No solo es importante y trascendente que el interesante juego que proponen se pueda transmitir y uno se dé cuenta desde la butaca del espectador de lo que en verdad está sucediendo, sino que aunque no se dé cuenta y en su vida haya leído (u ojeado aunque sea) la tragedia Shakesperiana en la que gira todo, se entiende y funciona, la comedia sale adelante limpia y victoriosa.

 No es solo una obra con guiños y entendibles fabulosos para la gente de teatro, es un acto disfrutable de principio a fin, sólido y con una propuesta cómica que no existe en la cartelera actual. Altamente recomendable.

Lo que puede pasar en una semana y no más

“La amistad es más difícil y más rara que el amor. Por eso hay que salvarla como sea.”

Alberto Moravia

En México, Clément Michel ya es un viejo conocido. Su texto La Caja, fue traducido y montado por Ocesa Teatro en 2012, dentro del Teatro Renacimiento, durando más de un año en cartelera, convirtiéndose así en un gran éxito. Precisamente el éxito que representó La Caja, se debía a que la obra de este autor y director francés, era una simple comedia de vaudeville escrita sin más intenciones que hacer reír de una manera inteligente con acciones simples bien equilibradas. Ahora, Ocesa Teatro repite con un título del mismo autor, para integrarse al grupo de obras de cámara ejecutadas por la compañía,  Una semana ¡nada más! 

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 Paul se acaba de mudar hace un mes a su nuevo departamento con Sofía, su novia. En realidad no hay más elementos en el departamento que pertenezcan a Paul que una silla. Éste será otro más de los factores en la lista de motivos para deshacerse de esa relación lo antes posible. Él sabe que no es normal, o sano, que día a día sueñe la horrible muerte de su novia ni que ya no aguante el siquiera verla despertar por las mañanas,  es como si todo el encanto que encontraba en Sofía se hubiera desvanecido en cuestión de unas semanas. Por ello, su desesperación lo llevará a pedirle a Martín, su mejor amigo,  que lo ayude a terminar con su relación, bajo un plan infalible de una semana de duración, en la cual Martín deberá mudarse al departamento hasta que Sofía explote y termine por irse, pero ¿pasará eso realmente?

 Bajo ésta simple premisa, Michel crea una puesta en escena genial, que conjunta entre los temas a tratar a la tolerancia, la vida en pareja, la honestidad y preponderantemente la amistad verdadera. Un libreto bastante flexible que permite darle lectura en muchos sentidos, en éste caso, el director Mauricio Galaz (por cierto, director residente de La Caja), toma el hilo cómico y lo sujeta a un ritmo ágil y práctico que permite el fluir de las acciones cómicas de forma ejemplar.

 3 personajes con actitudes comunes: Sofía es una novia dulce y amorosa pero con una carácter explosivo, Martín es algo así como el hombre perfecto que trabaja y atiende su hogar y Paul es la versión de Martín en fachas; dado el hecho de que son personajes totalmente identificables con la población de este país, es fácil identificarse con los personajes y adoptarlos desde el primer momento gracias a la atinada traducción y tropicalización implementadas, permitiendo sellos de la comedia francesa sí, pero con el toque mexicano que Galaz sabe orquestar a lo largo de la trama. Algo que puede distinguir a ésta producción sobre otras comedias en cartelera es que en realidad: es tan simple que da risa desde el primer apunte. Los personajes tienen una evolución balanceada y el planteamiento de las situaciones es atrapante.

 unnamedEstelarizando la puesta, nos encontramos a 4 actores de la familia de Ocesa, Violeta Isfel (Cheka tu mail), Ricardo Margaleff (Spamalot, coproducción de Gou Producciones y Ocesa Teatro) y Ricardo Fastlicht (Toc,Toc) alternando con Enrique Chi (Jesucristo Súper Estrella, Claudia:Mequieren volver loca, Cheka Tu Mail) en el rol de Paul. Un elenco que aunque podría pensarse no es sólido, en realidad tiene un equilibrio bastante idóneo y complementario, denotando química evidente que permite una mayor trascendencia al público. Siendo Margaleff, en quien se carga el peso por tener una capacidad de desdoble cómico nata y evidente, lo cual lo convierte en automático en el actor con el papel más memorable y persistente.

 Los actores se mueven en una coreografía práctica sobre el pequeño escenario del Teatro del Hotel NH, con una escenografía sencilla y una limpia iluminación que emula la sala y comedor del departamento de la pareja protagónica. Pero hasta aquí seguimos en el meollo del asunto ¿Por qué es tan buena?

 Del odio al amor sólo hay un paso, ¡pero del amor al odio sólo hay un mes! Y es ahí cuando todos nos identificamos con Paul, todos hemos querido alguna vez mucho a alguien (ó algo) y después su presencia comienza a ser aborrecedora. Para fortuna todos hemos tenido un Martín, un amigo incondicional dispuesto a apoyarnos y a quedarse con nosotros hasta el final y que aunque tenga que sacrificar algo, no dudará en hacerlo para ayudarnos. Un amigo fiel.

 Sobre esto versa el discurso primordial, la importancia de la amistan ante todas las situaciones diversas que se puedan general a su derredor, pero no dramatiza o crea paradojas psicológicas alrededor del conflicto, si bien podrían existir y hacer al texto algo muy rico, valioso y enternecedor tal vez, la obra como tal lleva un mensaje y cumple con su único objetivo: divertir y hacer pasar un rato sumamente agradable en cerca de 1 hora con 45 minutos que se pasan como el agua en el río. Pese a que en realidad no tiene un trasfondo que culturalmente la vuelva destacable o innovadora; empero, nos ofrece una oportunidad para ver a la división de teatro de Ocesa  probando nuevas direcciones sobre sus proyectos con resultados positivos.

Altamente recomendable.

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Sobrevivir a los espíritus

“No hay que pensar en los seres queridos ni en el mundo que hay al otro lado de estos muros. Es la única manera de sobrevivir” 
Isabel Allende

Cuando me dijeron que la legendaria, La Casa De Los Espíritus de Isabel Allende, llegaría en su adaptación al teatro, no lo pude creer, me emocioné bastante, más tras ver Artús Chávez (Adiós Carlota) dirigiría la puesta.

 Protagonizada por un elenco multiestelar, que abarca a Maya Zapata, Johanna Murillo, Avelina Correa, Daniela Schmidt, Hamlet Ramírez, Sonia Franco, Tomás Rojas y más. Alba, la última descendiente de la familia Trueba, se dará cita en Las Tres Marías, hacienda de su difunto abuelo, Esteban Trueba, ahí, con la ayuda del espíritu de su abuela guiándola , Alba encontrará la respuesta al porqué del círculo de venganza y tragedia que asecha a su familia, denotando las historias que los espíritus que han vivido bajo ese techo tienen que contar. posterCE3

 La novela en la que se basa este texto, tuvo un éxito sin precedentes, se convirtió a días de su lanzamiento en un Best-Seller, que sería luego traducido a más de 37 idiomas , siendo así uno de los éxitos más grandes, registrados para una autora debutante. La exitosa historia fue adaptada al cine con Jeremy Irons y Meryl Streep en los principales.

 El discurso de esta adaptación de Caridad Svich, se centra en resaltar la problemática del ser humano en olvidar y perdonar, así como el aclimatarse a las nuevas ideas, trayendo consigo una serie de catastróficas desdichas. Isabel Allende propone esto también en un origen, claro que ella buscaba exorcizar los demonios que la rodeaban acerca de la dictadura de Pinochet, pero entonces ¿Por qué se siente tan alejada de su origen?

 Todos entendemos el sentido de la frase “Basado en”, osea, “no es igual a, sólo conserva la esencia”, el problema es que en realidad no conserva su esencia, la pauta en el texto de Svich va haciendo más lenta la forma en la que cuenta las situaciones, aunado a esto, sustrae casi todo elemento del realismo mágico impreso en la obra de Allende, junto a la problemática revolucionaria de Chile, la cual en realidad está sopesada y con severas fallas de señalización del espacio.

 En realidad, a menos que uno ponga mucha atención a los detalles (como la música), se nos informa que la historia ocurre en Chile, eso sí, sabemos que es Latinoamérica y reconocemos la moda de cada año, pero es innegable el que podamos pensar que la acción ocurre en México.

 La base de trabajo para los actores a cargo del director es sin duda el texto, el cual termina siendo simple, directo, y sin los ornamentos necesarios para dar fuerza a las acciones ni a los personajes. Artús Chávez logra al menos generar una atmósfera agradable y necesaria, coordinando a su cuerpo actoral en una coreografía proporcional y correcta que permite una interacción con forma y cierta estabilidad.

 La escenografía e iluminación a cargo de Ingrid SAC, conceptualiza los diarios de la familia que Alba irá leyendo, para desarrollar sobre ellos la trama, un diseño propositivo que se combina con utilería adecuada y proporcional. Pero la dirección musical de Deborah Silberer es uno de los puntos de conflicto, si bien los elementos usados son correctos, parecen no coordinarse con la dirección para cubrir los espacios en que son requeridos para cubrir las necesidades, siendo desaprovechados en gran aspecto.posterCE2

 Pese a las variaciones del guión, el director logra tomar lo mejor de su elenco y construir con la mayoría un personaje delimitado en carácter y tono, sin embargo, una vez más aquí hay un detalle, los personajes protagónicos son opacados en escena por los de menor impacto, si bien evolucionan en su carácter, actores con personajes recurrentes (y de peso) como Avelina Correa (con una Férula digna de comparar con la que hiciera Glenn Close incluso) , Guillermo Villegas o Hamlet Ramírez, roban foco involuntariamente dado al desequilibrio con sus compañeros que en ocasiones toman fuerza y en otras aparecen flojos y desangelados.

 ¿Si he leído la novela, vi la película y soy Allendebeliever, me va a gustar? Sí, pero no a fascinar, y sentirás que te queda a deber. Si no conoces nada en absoluto de esta historia, adelante, la disfrutarás, pero igual sentirás que el ritmo es muy lento y que le falta algo, queda a deber, no deja una reflexión.

 Considero que falta arriesgar más, hay un muy buen material, pero falta pulir, es algo que incluso pude percibir en el público con el que compartí la función: este sentimiento de “está buena”, que podría ser (y merecería ser), “es impresionante”, hacerse justicia a sí mismos será su misión principal.

El Retrato Como Herramienta Crítica – Exposición

 

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La fotografía es un medio por el cual la gente puede capturar instantes especiales y específicos, para posteriormente al verlas nuevamente puedas volver a sentir aquel momento que te causo satisfacción o admiración, te evoque recuerdos o añoranzas.

El retrato fotográfico es un género donde se conjuntan una serie de iniciativas artísticas, en las cuales se resaltan las cualidades físicas, captando la esencia del sujeto a través de sus expresiones faciales.

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En la Galería de Arte del Palacio Municipal de la ciudad de Puebla se está llevando a cabo la exposición titulada “El retrato como herramienta critica“, en la que exponen trabajos de artistas como: Dulce Pinzón, Alberto Ibáñez, Colectivo Oso, Pedro Fonseca, Miguel Pérez, Nelly César y más. Son retratos en los que se plasma la realidad de la ciudad de una forma satírica, generando una crítica específica a problemáticas como el narcotráfico, los estereotipos, la equidad de género, entre otros. Todo esto con el fin de hacer reflexionar al espectador.

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Es interesante como a pesar de la crudeza de los temas, cada artista le da un toque chusco, algo que es más atrayente al espectador, notando a esta exposición distinta, ya que cada imagen tiene una composición plástica colorida, donde cada elemento tiene un significado especifico y claro; así no tienes que estudiar tanto la imagen, al estar lo símbolos a simple vista abiertos a la interpretación, pero llevándote al mismo significado.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición que es gratuita, y estará abierta hasta el 24 de Abril, de miércoles a domingo con horario de 11:00 de la mañana a 07:30 de la tarde.  Despierta en ti, tu lado crítico, y asiste. No te arrepentirás.

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El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación: