El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

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MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

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Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

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Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

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Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

Originally posted 2014-07-28 09:25:21. Republished by Blog Post Promoter

El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación:

 

 

Originally posted 2013-12-12 19:55:32. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

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The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

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12ª Semana de Cine Alemán y las nuevas propuestas cinematográficas

Una vez más, la Cineteca Nacional en colaboración con el Goethe-Institut Mexiko y el complejo comercial de cines Cinépolis, traerán la 12ª Semana de Cine Alemán en la Ciudad de México del 15 de agosto al 1 de septiembre.

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12ª Semana de Cine Alemán en México

Con un interés particular en la creación de jóvenes cineastas en Alemania, y en especial a la visión femenina, se presentarán nueve ficciones y tres documentales; además, en su inauguración, se proyectará la primera parte de la película Los nibelungos (1924) recientemente restaurada del conocido director alemán Fritz Lang.

 La programación y curaduría incluye una retrospectiva dedicada a la actriz  y diva del cine alemán Barbara Sukowa que estará en el ciclo, el acercamiento al productor Ben von Dobeneck de la película Polvo sobre nuestros corazones y de la directora Anne Kodura que presentará su documental Tierra desolada: Para que nadie se dé cuenta.

La 12ª Semana de Cine Alemán es una grata plataforma que permite el acercamiento del publico mexicano a cintas que han sido proyectadas y multipremiadas recientemente en festivales de cine como Locarno, Cannes, Berlinale, entre otros. Con una propuesta multifacética, la intensión es presentar distintos tópicos, distintas perspectivas, distintas visiones que trabajan biografías, la preocupación por el sin sentido de la vida contemporánea, el papel del hombre que se debate entre la orientación y la desorientación.

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Oh Boy, 24 hrs. en Berlín (2012) de Jan Ole Gerster

 Contenidos diversos que hacen una suerte de recorrido histórico de cine, de directores, de momentos en la historia de Alemania: desde la puesta en escena del cine de Lang, el particular tratamiento sobre el tema de la segunda guerra mundial con Lore de Cate Shortland, el éxtasis de la sociedad contemporánea con Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerste, hasta las propuestas más arriesgadas como El extraño gatito de Ramon Zürcher, presentado en Forum, la sección experimental en la Berlinale.

En la clausura se proyectará Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2) de Fritz Lang. Las sedes para este festín de cine serán las salas de la Cineteca Nacional y las llamadas Salas de Arte de los complejos Diana, Perisur e Interlomas de Cinépolis en el Distrito Federal. Además, la oferta cinematográfica hará un recorrido por otras ciudad del país como Puebla, Mérida y Querétaro y , gracias a la adquisición de los derechos de las películas Hannah Arendt, Lore y Mi amigo alemán, formarán parte del catálogo y tendrán su espacio en más salas de cine.

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Para más información de la programación completa, consulta la página de la Cineteca Nacional, del Goethe-Institut Mexiko y de Cinépolis.

Ficción:

Los nibelungos: La muerte de Sigfrido (parte 1)
Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2)
El amigo alemán de Jeanine Meerapfel
Polvo sobre nuestros corazones de Hannah Doose
El extraño gatito de  Ramon Zürcher.
Lore de Cate Shortland
Nada malo puede suceder de Katrin Gebbe
El hijo adoptivo de Markus Imboden
Silvi de Nico Sommer
Hannah Arendt de Margarethe von Trotta
Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerster

Documental:
No me olvides de David Sieveking
Tierra desolada: para que nadie se dé cuenta de Anne Kodura
El brillo de los días de Tizza Covi y Rainer Frimmel

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Hannah Arendt (2012) de Margarethe von Trotta

 

 

Originally posted 2013-08-08 19:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- cinematerapia

Hace algunos días, mi mejor amiga criticaba la película Maléfica por el hecho de buscarle un trasfondo para hacerla ver buena (aunque en realidad sea mala). Me había percatado que el buscarle una “razón de ser” al villano de la película o de la historia, se estaba volviendo algo muy común.

El film Maléfica se hizo más como una búsqueda de justicia para la famosa villana que como se presentó hace años en la primera entrega de disney.

 Se supone que Elsa de FROZEN, iba a ser una villana hasta que escucharon su canción: LET IT GO. Por la cual cambiaron todo el guión y hacerla como una persona afligida. Incluso en la película: Juego Macabro II se explica que el asesino Jigsaw no hacia los juegos por diversión; sino porque tenía cáncer y deseaba hacer que las personas que elegía comenzaran a apreciar su vida de mejor manera.

 Les haré una pregunta, ¿si ustedes estuvieran en la situación de Maléfica, Elsa, o Jigsaw habrían actuado de la misma manera que ellos?

Esta película puede ayudar a alguien para superar la muerte de un ser querido

 La verdad es que estas películas van a tener una labor más grande. A lo largo de los años ha habido películas que nos hacen llorar por el mensaje que tienen y nos marcan. Esas marcas que llevamos en el corazón por las historias han comenzado a tener un nombre y se llama Cinematerapia.

 Identificarnos con un personaje o situación es una manera en cómo la cinematerapia funciona. Es como la pregunta que hice, pero a un nivel más complejo. Somos el único tipo de ser viviente que aprende por reflexión. Esto significa, que no tenemos que vivir algo para saber si es bueno o malo, con la pura historia de alguien más podemos darnos cuenta.

 Los fundadores de la cinematerapia tienen su propia página de internet http://www.cinematherapy.com/ en donde pueden leerse las razones por las cuales este tipo de terapia funciona. Así como toda la lista de películas con las que ellos han trabajado.

 Dicha lista se divide en: inspiración, problemas personales, sociales, niños, adolescentes, problemas familiares, de pareja, enfermedad mental, emocional y problemas médicos.

 La pregunta que todo mundo hace, ¿qué tipo de películas hay en esa lista?.Pensando que serán títulos de hace mucho años, o que son películas de arte que nadie va a poder conseguir. La realidad es que muchos de los films ya los hemos visto, pero no teníamos idea de que nos podrían ayudar.

 Por ejemplo. Una de mis películas favoritas es Más allá de los sueños, y aparece en esa lista como una película que ayuda a superar la muerte de un ser querido. Puede que esa sea muy fácil, pero en el caso de La Bella y la Bestia, dicha película está en la lista de problemas como: la  desfiguración.

 Ya si lo pensamos de esa forma, podría ser el caso. La bestia era un príncipe y vivió pensando que nadie lo amaría (por el hecho de verse horripilante), como alguien con alguna desfiguración. La película sería de gran ayuda al final.

 Espero que chequen la página. Yo cuando la descubrí hace unos años me la pasé pensando en que era una manera bastante interesante de utilizar el cine. El arte es, a final de cuentas, un escape para los sentimientos.

Originally posted 2014-07-08 18:30:44. Republished by Blog Post Promoter

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

Originally posted 2015-01-02 09:20:27. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Originally posted 2015-02-12 10:04:44. Republished by Blog Post Promoter

Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

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La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

Originally posted 2014-11-27 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de Cine Express: Revolución

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Cada año a estas alturas se escucha y promueve en nuestro país el tema de la Revolución Mexicana como un hecho cuasi mítico, con todos sus personajes -los buenos, los malos, los héroes y villanos. Con toda seguridad, la historia de lo que realmente sucedió difiere de las versiones plasmadas en los libros de texto de la SEP y cuenta con un sinfín de matices, complejidades y contradicciones. Pero es el aspecto que más se da por hecho precisamente el más cuestionable también -¿significó ese movimiento armado una verdadera revolución para el país?

El latín re-evolutio originalmente era utilizado para describir una regresión a algún estado anterior de las cosas. Literalmente “volver a girar”, significaba “enrollar” algo que ya había sido “desenrollado (evolutio)”. La Revolución Francesa, impulsada por las ideas ilustradas, puso fin para siempre a la monarquía en aquel país y encaminó al mundo occidental hacia la democracia participativa como forma de gobierno. El movimiento también marcó una transformación en el uso del término “revolución”, que fue utilizado a partir de entonces en un contexto sociopolítico y con una connotación hacia el progreso.

Después de ese movimiento, la palabra se convirtió en un primer nombre para muchos movimientos alrededor del mundo que buscaban por lo general expulsar a algún gobierno y generar un cambio drástico en las sociedades que los engendraban. Los estadounidenses nombraron revolución a su lucha por emanciparse. La Revolución Soviética llevó a los comunistas al poder y la Revolución Cubana hizo lo propio en el Caribe, de la mano de personajes como Fidel Castro y Ernesto “El Che” Guevara.

La idea de los cambios violentos que conducen al progreso ha permeado con fuerza en la humanidad. El término “revolución” sigue asociado en la conciencia colectiva a un romanticismo místico, a pesar de que a estas alturas ya se ha visto que las revoluciones forman parte de la gran cadena de transformaciones que las sociedades suelen sufrir cíclicamente, y que no necesariamente lleva a un mundo ni a una vida mejor. Los cambios sin retorno en distintas áreas no asociadas a la política también han llevado el mote, como en el caso de la “revolución industrial” y más recientemente la “revolución de la información”.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a algunas de las revoluciones más notables de la historia.

Apodada “la madre de todas las revoluciones”, la Revolución Francesa significó un verdadero cambio en el paradigma social, político y religioso de las potencias occidentales. Desvirtuada al final, como suele suceder, se trata del acontecimiento sociopolítico más relevante de la historia reciente. Este documental del History Channel relata con detalle el movimiento de principio a fin. (En español)

La Revolución Mexicana fue un movimiento armado cuyo propósito era derrocar la dictadura de Porfirio Díaz, instalar la democracia sin reelección como forma de gobierno y recuperar la tierra para los campesinos. En estos objetivos, el movimiento fracasó o tuvo éxito sólo parcialmente. En este documental se hace un recuento de la una de las revoluciones más largas y sangrientas de América. (En español)

La Revolución Cubana fue el principal triunfo del comunismo en América, y situó a la pequeña isla del Caribe en el centro de la pugna entre las máximas potencias mundiales de ese entonces, conocida como la Guerra Fría. Cuba, Caminos de Revolución es una retrospectiva -quizá demasiado optimista- del movimiento. (En español)

Islandia, la Revolución Silenciosa es un reportaje de TeleSur acerca del movimiento ciudadano en el pequeño país escandinavo que en los últimos años y ante el peor desastre financiero de su historia arrebató el poder a la clase política. Se trata de un suceso poco difundido por los medios masivos que ha generado admiración y asombro para otros países cuyo sistema político y económico se encuentra secuestrado por minorías privilegiadas. (En español)

Cómo Empezar una Revolución es un documental acerca de la llamada Primavera Árabe y los movimientos de ocupas e indignados que desde inicios de la actual década han surgido alrededor del planeta en reacción a los malos gobiernos y a la desigualdad. (En español)

Originally posted 2012-11-22 11:48:26. Republished by Blog Post Promoter

Jueves de cine en Verano Local

Por Daniel Cervantes Hernández

Twitter: @DaniDanilov

Este jueves  15 de agosto por la noche la casa Verano Local albergará un evento especial en el marco de la tercera edición de este proyecto que lleva la participación colectiva al público citadino en el verano.

Gracias al apoyo de Cine Tonalá,  a las 7:00 pm se llevará a cabo la proyección de la cinta Ciudad Atómica (L´age atomique) de Helena Klotz. En esta cinta la directora francesa retrata la confusión de una juventud ante una sociedad que no la entiende ni trata de hacerlo. Una temática tratada en varias ocasiones por otras cintas alrededor del mundo, pero situada en el contexto francés actual.

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La cita es en la casa ubicada en General Prim #32.

Para consultar más actividades visita www.veranolocal.tv

 

 

 

Originally posted 2013-08-01 17:54:15. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Originally posted 2014-09-10 16:19:00. Republished by Blog Post Promoter

Stop Motion: Animación palpable

Si bien el proceso de animación provoca un efecto de movimiento en objetos fijos como dibujos o gráficos de computadora, no deja de tratarse de una ilusión óptica. No así sucede con el cuadro por cuadro o stop motion. Esta técnica de animación es casi tan antigua como el 2D, aunque mucho más compleja.
La animación stop motion es un verdadero deleite a la vista; sin embargo, debido a la enorme cantidad de trabajo y material que ésta requiere, pocos son los animadores que se ANIMAN a llevarla a cabo. Algunos consideran, con bastante razón, que esta técnica es la única animación “real”.

Al decir “real” quiero decir que en esta técnica lo que vemos en pantalla realmente existe afuera de ella. El 2D nos presenta dibujos que no van más allá del papel y el 3D elementos que siempre vivirán dentro de una computadora, pero el stop motion nos muestra objetos que comparten nuestro espacio, podemos verlos, tocarlos y manipularlos. En otras palabras, el stop motion se realiza con modelos -similares a las marionetas- que tienen una armadura articulada o esqueleto y cuyo exterior puede ser rígido, de plastilina u otro material moldeable.

Para elaborar esqueletos que faciliten la movilidad de los modelos y después recubrirlos detalladamente, en esta técnica intervienen otros procesos artísticos, como el modelado e incluso la escultura. Los esqueletos pueden ser de metal o de alambre según el presupuesto con el que se cuente. El esqueleto se recubre con látex, tela, plastilina o cualquier otro material. Realmente no hay una regla que obligue a que los modelos estén fabricados con un material específico. Incluso, algunos animadores utilizan materiales como carne, huesos y comestibles.

Aunado a esto, es necesario elaborar los escenarios, vestuarios y utilería. El proceso de preproducción resulta un trabajo extraordinariamente cansado y que requiere mucha más habilidad, concentración y amor por lo que se está haciendo. Después viene el proceso de animación, donde para conseguir movimiento hay que hacer minúsculos cambios a cada modelo: gesto por gesto, movimiento por movimiento, fotografía por fotografía. Son horas y horas de trabajo. Para darnos una idea, un animador promedio logra tan sólo unos segundos de animación en toda una semana de trabajo.

Al conocer el proceso que hay detrás de cintas en stop motion, no es extraño que el número de animadores que utilizan esta técnica sea reducido, ni que al utilizarla tarden en producir y finalizar su proyecto. Ciertamente, esperar vale la pena pues el resultado es majestuoso, provoca la ilusión de estar viendo una película que oscila entre lo real y lo fantástico. Si el 3D es la escultura animada, el stop motion es la animación palpable.

Originally posted 2013-11-19 20:13:34. Republished by Blog Post Promoter

Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Robin williams 3 Robin Williams: Un tributo ilustradoJean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

 En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

 La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

robin1 Robin Williams: Un tributo ilustradoPrasad Bhat

robin4 Robin Williams: Un tributo ilustradoGordon Armstrong

robin williams1 660x394 Robin Williams: Un tributo ilustradoChris (Simpsons Artist)

Robin Williams 2 Robin Williams: Un tributo ilustradoNaolito

robin11 Robin Williams: Un tributo ilustradoJulia Sonmi

robin3 Robin Williams: Un tributo ilustradoAlexandre Godreau

robin2 Robin Williams: Un tributo ilustrado

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Originally posted 2014-08-12 14:48:08. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

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Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

Originally posted 2012-07-30 11:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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NuFlick: La Cineteca del futuro

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

La semana pasada la Cineteca Nacional lanzó el sitio de contenido audiovisual NuFlick. Se trata de un esfuerzo pionero en México por ofrecer un servicio on demand de producciones cinematográficas independientes nacionales e internacionales.

El catálogo incluye cortos, medios y largometrajes tanto de ficción como documentales, así como una variación en los precios de las películas, los cuales van desde proyecciones gratuitas –con opción a donación voluntaria- hasta $25 pesos la función.

Además, Cineteca Nacional ha organizado un festival online en conjunto con Creative Commons, cuya selección la conforman exclusivamente películas sin costo por función.

El proyecto es interesante , ya que experimenta con un modelo de negocio adaptado a las condiciones sociales, culturales y económicas de la audiencia que navega por Internet. No pretende forzar precios ni horarios en el público y además, provee a realizadores independientes una plataforma sencilla y efectiva para comercializar o exhibir su trabajo.

La hazaña es rematada con un diseño sencillo y amigable. Ésta es sin duda la Cineteca del futuro.

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Originally posted 2012-09-24 11:13:23. Republished by Blog Post Promoter

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

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Pomplamoose y Batman: “The Batman Theme” hecho dubstep

Por: Gerardo Morales

@tomasveneno

 

Hace unas semana en todos los cines alrededor del mundo se estreno la última entrega de la trilogía de Batman de Christopher Nolan. Aprovechando el boom que ha provocado el filme protagonizado por Christian Bale, Anne Hathaway y Joseph Gordon-Levit, el dúo estadounidense, Pomplamoose, presenta, como es su costumbre, un divertido video en el que hacen un cover de la famosa canción que ha acompañado al superhéroe desde sus inicios.

Chulavista te invita a conocer más acerca de Nataly Down y Jack Conte, quienes tan solo en 2009 lograron vender en la web más de 100,000 canciones aproximadamente.

Originally posted 2012-08-06 13:00:44. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana Parte 2: Oliver Twist

La semana pasada dimos inicio a la sección de la industria mexicana en animación e indagamos un poco en la primera producción hecha en nuestro país. A partir de aquí ya no seguiremos cronológicamente, sino por secciones que incluyan a las empresas, estilos y directores mexicanos. La producción de la que hablamos antes, Los Tres Reyes Magos, fue obra del señor Fernando Ruiz. La siguiente película de la que hablaremos se trata de la segunda de las dos películas que este hombre dirigió.

Pero antes les cuestiono: ¿La tienda Sears tiene algo que ver con la industria de la animación?… la respuesta es un SÍ. Hace ya varios años, esta tienda tuvo como promoción navideña obsequiar un VHS al realizar cierto número de compras. Dicho video contenía la película “El Pequeño Ladronzuelo”, también de Fernando Ruiz.

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Es un poco confuso encontrar esta película, ya que es conocida también como “Las Aventuras de Oliver Twist” y fuera de aquella promoción la película no se ha distribuido. Puede no ser una cinta muy popular, sin embargo es una película que vale la pena ver. Con un estilo muy similar a su predecesora en cuanto a animación y diseño de personas, aunque tomando una estética más europea al tratarse de una historia que se desarrolla en Londres.

En esta ocasión tenemos una película musical con bellas canciones hechas por Plácido Domingo Jr. La historia es la que todos conocemos, el clásico de Dickens es muy bien transportado al dibujo animado con algunos ligeros cambios para hacerlo más apto al público infantil. Tiene de todo, drama, comedia, escenas emotivas e incluso algunas partes de terror ligero que en verdad proyectan el sufrimiento de Oliver ante las desventuras que se le ponen al frente.

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El único detalle que quizá podría mencionar, y que creo que pudo manejarse de otra manera, es el diseño del protagonista. Según esta versión, Oliver es un niño muy frágil y noble, de rasgos muy finos y delicados. Un personaje muy vulnerable pero muy dulce a la vez, lo que lo hace víctima perfecta de las malvadas autoridades del orfanato y por supuesto el siniestro Bill Sikes.

Este manejo del personaje resulta interesante y aceptable, no obstante, entre ese diseño “muy bonito” y el que la voz de Oliver sea interpretado por la actriz de voz, Rocío Garcel (Bulma en Dragon Ball), hacen que sea fácil confundir a Oliver con una niña. Garcel hace un gran trabajo y su voz le queda al personaje, la mayor parte del tiempo sí parece que habla un niño, pero en ocasiones no puede evitar sonar muy femenina.

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Fuera de este detalle, “El Pequeño Ladronzuelo”  es una obra muy buena, agradable a la vista y al oído y un deleite para quien guste de las producciones animadas, las historias clásicas de Dickens… y por supuesto, orgullosamente mexicana.

 

Originally posted 2014-02-04 15:58:53. Republished by Blog Post Promoter

Reseña 300: El Nacimiento de un Imperio

La gloria griega regresa a las pantallas, de la mano de Sullivan Stapleton y Eva Green como protagonistas. Esta cinta data de los hechos antes de la batalla que tuvieron los 300 espartanos contra los persas y lo que fue de su batalla, el nacimiento del imperio del Dios Rey Jerjes y su mano derecha Artemisia.

 La historia ubica a los griegos y los persas en su expansión de territorio, la respuesta del Comandante griego Temístocles ante la amenaza y las consecuencias que cargarían a la respuesta de Jerjes, la batalla de los Espartanos (300, 2006), y la continuación de la batalla de Temístocles con los griegos, que es en lo que más se basa esta película, en la lucha que lleva Temístocles de principio hasta las últimas consecuencias.

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 Es una película que gracias a sus efectos especiales es muy envolvente en escenas de batalla y otras decisivas en la historia. Pero algunos elementos mal usados, como la fotografía, el tono que resalta los negros y aumenta el contraste, el uso de la sangre (que es muy exagerado por partes)  combinando con el slow motion, llegan a volverla cansada.

 La historia al principio puede confundirte por el manejo de los hechos, pero poco a poco se va acomodando y la trama misma te lo va refrescando. Por momentos puede ser lenta, en otros se recupera pero, sin duda no podría durar ni más, ni menos. Tiene lo esencial para plasmar los hechos y la visión de cómo sucedieron.

 300: El nacimiento de un imperio, tiene lo necesario para atraparte durante los 102 minutos que dura, aunque al salir puedes pensar que pudiste haber visto algo mejor.

Originally posted 2014-03-06 09:23:35. Republished by Blog Post Promoter

Festival de Cine Underground en México

Por: Dann

@Gibbsteak

 

El colectivo 1000 Metros bajo tierra comenzó en Buenos Aires, Argentina en 2005 como un microfestival de cine al exhibir filmes underground. Poco después, este mismo se empezó a expandir por paises como Chile, Brasil, Bolivia, Perú, Ecuádor, Venezuela y España. En 2010 llegó a México, para buscar exhibir el cine subterráneo del país.

El festival mantiene su modalidad de microfestival por difundir filmes desde un punto local, ya que cada colectivo de cada país, sólo exhibe los filmes de ese mismo lugar.

La exhibición será del 18 agosto al 23 de agosto de 2012 en diferentes sedes.

 

Para más información visita http://www.milmetrosbajotierra.com.mx

Originally posted 2012-08-16 16:00:31. Republished by Blog Post Promoter

El FIC Puebla regresa en su cuarta edición

Por Daniel Cervantes Hernández

Twitter: @DaniDanilov

Por cuarta vez consecutiva el Festival Internacional de Cine en Puebla regresa para acercar la cultura cinematográfica. Coordinador y fundador de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos, en tan solo tres años de vida rápidamente ha crecido al punto de ser considerado uno de los Festivales más importantes del país.

Ayudados por el Ayuntamiento de la ciudad, el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla y la iniciativa privada, el FIC Puebla es pionero en promover el Desarrollo Integral 2020, con perspectiva a 10 años, de la mano del arte y la cultura, con un perfil integrador, muy cercano a la gente.

Con la proyección de un aproximado de 150 películas, contará con la presencia de más de 150 realizadores y las cinematografías de Irán y Kurdistán. El festival se llevará a cabo de 29 de septiembre al 5 de octubre de 2013 en diversas cedes de la ciudad de los ángeles, para deleite de público de todas las edades.

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Originally posted 2013-08-12 17:57:38. Republished by Blog Post Promoter

Aarón Fernández vuelve con Las Horas Muertas

Ciudad de México.- Tiene nueve habitaciones; restemos la bodega. En cada una de ellas no deben faltar sábanas nuevas, toallas limpias y una caja de pañuelos junto a la cama. El trabajo es sencillo, lo único que requiere es un buen servicio, un trato amable y la mayor discreción del mundo. Sebastián lo sabe. Miranda no. El motel se llama “Palma Real”. Allí el tiempo es un caso perdido.

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 El productor y director mexicano, Aarón Fernández (Chihuahua, 1972), se hace presente con la exhibición de la cinta Las horas muertas, un retrato esparcido, en distintas situaciones, que conforman el crisol de  la historia final. El inabarcable paso del tiempo; sus tristezas, sus glorias.

 Sebastián Ramírez Novoa está por cumplir 18 años. Su tío Henry, administrador de un pequeño motel en Guerrero, lo deja a cargo mientras él está bajo examinación médica. Sebastián no repela, conduce la administración con tranquilidad; pero, con el paso de los días, el andar del reloj se torna insoportable. Él es discreto, tal y como le recomendó su tío, hasta que Miranda aparece en el motel, indiscretamente.

 Después de haber presentado la cinta Partes usadas, Las horas muertas cuenta con la intervención del fotógrafo Javier Morón, así como los actores Kristyan Ferrer y Adriana Paz. El largometraje se filmó en el 2012; demoró más de año y medio en salir a las salas de cine. Pero los elogios no se han hecho esperar.

 Miranda es una mujer mayor. Ella sale con Mario, un hombre casado que le ofrece a Miranda apenas destellos de un romance que nació muerto, infructuoso. Cada vez que él la cita en el motel, ella espera. Es en esta pausa del mundo donde conoce a Sebastián. Las miradas los llevan a la conversación, las palabras a la sonrisa y la sonrisa a la complicidad: ya no hay lugar para las manecillas.

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 Este largometraje mexicano ganó el premio a la Mejor Contribución Artística en el marco del Tokio International Film Festival en su edición 26. Actualmente, la misma cinta también está en los proyectores del Festival Internacional del Cine de Morelia (FICM) y se espera que continúe cosechando el reconocimiento que ya obtuvo en Asia.

 La discreción es deliciosa o impertinente según se maneje. Miranda y Sebastián no lo dicen. Las horas muertas es una llamada de atención para quienes pierden el tiempo, para quienes se desesperan, o, simplemente, para quienes lo dejan pasar como si se tratara de un motel. Uno de esos resguardos con propio encanto donde hombres y mujeres hacen de las horas muertas un motivo de vida.

 

MUERTAS

 

 

 

 

Al final, asegura Miranda, todos los amores van y vienen. Quién sabe el tiempo…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Originally posted 2014-03-14 01:36:45. Republished by Blog Post Promoter

25 años tras la caída del Muro de Berlín

Para acabar bien el año, Casa de Lago presenta La vida sin el muro. 25 años de la caída del muro de Berlín, un ciclo de cine que concluirá el próximo domingo 14 de diciembre. Aun tienes la oportunidad de disfrutar de las últimas dos proyecciones: Ningún lugar adonde ir y La sombra del caudillo.

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 Ningún lugar adonde ir es una película dirigida por Oskar Roehler en 1999, la cual narra la historia la vida de la escritora Gisela Elsner, madre del director, a quien le fue imposible adaptarse a la nueva sociedad tras la caída del muro. De acuerdo con la prensa alemana, este filme es una de las metáforas más brillantes sobre la forma de ser y vivir después de la caída del Muro de Berlín.

 La sombra del caudillo, dirigida por Julio Bracho en 1960, se basa en la novela del escritor Martín Luis Guzmán, la cual narra la historia de sucesión presidencial que ocurrió años posteriores a la Revolución Mexicana. Esta película fue censurada durante 30 años tras un argumento emitido por la Secretaría de la Defensa Nacional en el que se decía que la película denigraba a México y sus instituciones.

 En las proyecciones pasadas se apreciaron Después de la revolución, de Dörte Franke y Marc Bauder; Berlín Babel, de Hubertus Siegert y Goodbye Lenin, de Wolfgang Becker.

 La cita es el próximo sábado 13 a las 17:00 horas y el domingo 14 a las 15:00 horas en la Sala Lumiére de Casa de Lago

Originally posted 2014-12-08 10:31:05. Republished by Blog Post Promoter

No Ficción: Deportistas En Cannes

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Podría decirse, a juzgar por la selección de documentales de la edición 2013 del Festival de Cannes, que los documentales acerca de deportistas están de moda.

Hace algunos años, Senna (2010) conmovió a los críticos del festival con la trágica historia del piloto de Fórmula 1 Ayrton Senna. Se los dejamos por si no lo han visto.

http://www.youtube.com/watch?v=ROGSYJPOE2M

Este año se presentan dos cintas que giran alrededor de la vida de un atleta.

Weekend Of A Champion es una cinta de Roman Polanski que había permanecido archivada por varias décadas. Se trata de un seguimiento al campeón de Fórmula 1 -y amigo de Polanski- Jackie Stewart mientras se prepara para competir en el Gran Premio de Mónaco de 1971. El documental muestra una versión del máximo circuito de carreras automotrices muy distinta a la actual, en la que existía más libertad pero también los pilotos estaban expuestos a muchos más peligros. Bienvenidos a la era del Viejo Oeste en la Fórmula 1.

Estrenada en el Festival de Cine de Berlín en 1972 pero nunca distribuida, esta película fue revivida por el realizador polaco luego de que los estudios que guardaban el material le notificaron de su existencia. Como bonus, Polanski añadió una nueva secuencia en la que él y Stewart regresan a Mónaco cuarenta años después para reflexionar en los sucesos del film.

El otro documental retrata la vida, nada más y nada menos que del futbolista más famoso de todos los tiempos -con permiso de Diego Armando Maradona-: el “Rey” Pelé.

Del realizador Brian Grazer, Pelé recorre el ascenso al estrellato del futbolista brasileño, quien ayudó a la selección nacional de su país a ganar los mundiales de Suiza 1954, Chile 1962 y México 1970. Además, la cinta incluye una mirada a la vida personal de Pelé y a su tránsito de la pobreza y el anonimato a la prosperidad y la fama mundial. Una verdadera primicia, dado que su estreno en salas está programado para el próximo año, cuando se celebre la copa del mundo en Brasil.

 

Una mención aparte para una obra de ficción que completa la terna de las películas con temática deportista que se presentan este año en Cannes: Muhammad Ali’s Greatest Fight es la impactante historia de la batalla que el emblemático boxeador libró fuera del ring -además, claro, del Mal de Parkinson-. En 1967, el antes conocido como Cassius Clay enfrentó un proceso judicial en su contra por negarse a combatir en la Guerra de Vietnam. Con excelentes entrevistas que proveen el contexto histórico del suceso, esta cinta captura mucho más que el proceso de un hombre: es un retrato de los clamores, las controversias y los conflictos políticos que movían al mundo en la agitada década de los sesenta.

 

 

Originally posted 2013-05-30 20:46:59. Republished by Blog Post Promoter

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

Originally posted 2014-10-27 10:28:25. Republished by Blog Post Promoter

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

Originally posted 2013-01-03 22:21:51. Republished by Blog Post Promoter

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

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Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

Originally posted 2014-12-02 08:50:17. Republished by Blog Post Promoter

Últimos días de la Muestra Internacional de Cine

La 57 edición de la Muestra Internacional de Cine, llevada  a cabo en la Cineteca Nacional, está a unos días de acabar, así que tienes hasta el 24 de noviembre para disfrutar algunos de los 14 títulos procedentes de Argentina, Polonia, Turquia, Suecia, Cuba, EE.UU., Canadá, Francia, Reino Unido, China, Rusia y México.

A este evento se suman a la programación la Muestra de Cine Español, el ciclo José Revueltas guionista y el Festival DOCS DF, con la retrospectiva  de Godfrey Reggio y el homenaje a Les Blank.

Aquí algunas de las películas que podrás disfrutar:

Sólo los amantes sobreviven

Jim Jarmusch. Reino Unido – Alemania, 2013

Desarrollada en las ciudades de Detroit y Tánger, Adam, un músico underground profundamente deprimido, se reúne con su enigmática amante, Eve. Su amor ha prevalecido por años, sin embargo su libertino idilio se verá interrumpido por Ava. ¿Podrán sobrevivir mientras el mundo se derrumba a su alrededor?

Mommy

Xavier Dolan. Canadá, 2014

Una ley en Canadá permite a los padres abandonar a sus hijos en el hospital cuando estos tienen problemas. Die intenta educar a su hijo Steve, que padece trastorno de déficit de atención, sin embargo, Kyla, una vecina, ofrece su ayuda. Su presencia es cada vez más intensa, por lo que comienzas a surgir preguntas sobre su vida y vínculo con Die y Steve.

La cita es en la Cineteca Nacional (Av. México-Coyoacán #389). *El costo para el público en general es de $40. Taquillas abiertas de lunes a domingo de 11:00 a 21:00 horas.

*$25 con credencial vigente de estudiante, maestro o del INAPAM
Consulta la cartelera

Originally posted 2014-11-21 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

El encanto detrás de un Pelo Malo

Todo transcurre en Venezuela. Marta es una mujer que debe emplearse —bajo las circunstancias que se presenten, por difíciles que éstas resulten—, para mantener a sus dos hijos: un bebé de apenas unos meses, y un pequeño de nombre Junior. El resto del filme nos adentra en el muy particular universo de él.

 Este peculiar personaje de apenas nueve años se hace acompañar de su vecina en las andanzas aventuradas del vivir diario. Comparten algunos juegos, gustos y secretos en la complicidad de los ratos de ocio. Ambos deben tomarse unas fotografías para el colegio: ella aspira a hacerlo con un peinado, vestido y tacones altos, imitando a las misses que aparecen en la televisión, en los concursos de belleza; él, por su parte, desea solamente alaciarse el cabello y vestirse como un cantante.

 El inocente y empecinado afán en cambiar su apariencia física rebasa sus propios límites, al punto de permanecer largos ratos en el baño de casa, frente al espejo y con peine en mano, probando facilitar el proceso con los más extraños brebajes empleados como tratamientos capilares, todo esto a escondidas de su madre, quien conoce ya este comportamiento de Junior y le provoca un profundo rechazo hacia él.

 Junior conoce a su abuela, la madre de su padre —quien fallece de tiempo atrás, dejando viuda a Marta—, y comienza a crear un vínculo especial con ella; ella, amorosa cómplice que descubre en Junior mucho más de lo que su propia madre podría comprender y aceptar, y quien habrá de convertirse en un escape para su tirana realidad.

 Pelo Malo es el tercer largometraje dirigido por Mariana Rondón —precedido por A la media noche y media, de 1999, y Postales de Leningrado, película de 2007 de corte autobiográfico—, cineasta venezolana que también se ha desempeñado como productora y guionista de éste y otros filmes. De la mano de Marité Ugás y con el apoyo de la casa productora Sudaca Films, logra esta cinta en 2013, que ha circulado ya por distintos países y festivales, convirtiéndose a su paso en objeto de debate y polémica.

 Aunque con un motivo argumentativo aparentemente sencillo, como el aspecto del cabello del personaje principal, lo cierto es que la cinta involucra temas mucho más complejos. Atina a una certera descripción del entorno citadino venezolano, a ratos equiparable con el de la ciudad de México —y pudiera afirmarse que con muchas de las ciudades latinoamericanas—, bombardeado por los medios de comunicación masiva, la violencia —de distintos tipos, a diferentes niveles y escalas— adoptada casi como modo de vida, la difícil situación económica, la política, inclusive algo de religión; esto, enmarcado además con la discriminación, la intolerancia y la falta de empatía hacia la homosexualidad.

 Recientemente Mariana Rondón estuvo en México para presentar su más reciente producción en funciones especiales dentro de espacios como Cineteca Nacional y Cinépolis Diana. Previo a la proyección en la Cineteca se declaró feliz de estar en nuestro país presentando el filme, y honrada de hacerlo en un recinto como ése; posteriormente, ya concluida la película, se abrió un espacio de Q&A entre los asistentes y la realizadora.

 Explicó el porqué de centrarse en el tema de los concursos de belleza, tan enraizado en su patria —”allá las niñas aspiran a ser misses, y los hombres, militares”, explica—, además de bromear con el motivo del «pelo malo» —”en Venezuela, la segunda industria más importante, solamente seguida por la petrolera, es la del alaciado de cabello”—. Habló acerca de las aristas que el público encuentra en la trama de Pelo Malo; que a su paso por diferentes países, las distintas audiencias le han visto y recibido de maneras opuestas, y han enfocado su atención en distintos puntos para debatir en torno a múltiples temas que han ido desde la diversidad sexual, a la política y hasta el racismo.

 Ahondó también en la manera en que trabajó con sus actores —digna de destacar la plausible interpretación de Samantha Castillo como Marta, la enternecedora manera de Samuel Lange para dar vida a Junior y la chispa sin igual que Nelly Ramos entrega a la peculiar abuela—, con quienes el proceso de preproducción para trabajar el desarrollo de sus personajes fue de cerca de tres meses, logrando así un ambiente de familiaridad y confianza entre cada elemento del cast, y que, menciona, nunca habían trabajado en cine antes de esta película.

 

A mí no me interesa robarme la vida de un actor; me interesa
construir, con un actor, un personaje.

Mariana Rondón

 

 Hace algunas semanas formó parte del circuito de proyecciones realizado en el marco de MICGénero en su edición de 2014, ahora, la multipremiada Pelo Malo —parte de la selección oficial de festivales como el Toronto International Film Festival, y el Festival de San Sebastián en sus ediciones de 2013, además de situarse como una de las favoritas para representar a Venezuela en la próxima entrega de los Premios Oscar dentro de la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa— regresa a México por un periodo breve gracias a la distribución de Circo 2.12 en algunos recintos de la ciudad como complejos Cinépolis, Cineteca Nacional y Cine Tonalá.

 Te dejamos con material de Sudaca Films que muestra un poco de lo que sucedió durante del rodaje, y con el tráiler oficial de la película.

 

 

| Para más información, puedes consultar el sitio oficial de Pelo Malo.

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NYFCC Awards 2014, o de posibles predicciones a los Premios Oscar 2015

Luego de la consumación de distintos festivales cinematográficos a lo largo y ancho del mundo, y durante todo el año, los últimos meses de éste se resumen a una especie de trance reflexivo que arroja como resultado el anuncio de la posible agrupación de cintas contendientes a la estatuilla de oro en sus numerosas categorías. Los premios Oscar: de dudosas tendencias, entendido cada vez menos como un galardón de prestigio, pero sin duda alguna una de las condecoraciones más afamadas.

 La lista definitiva —acordada por la propia Academia estadounidense, conformada por cerca de seis mil miembros entre actores, directores, productores, cinematógrafos y demás figuras de la industria— se da a conocer de manera pública en una ceremonia especial, para posteriormente llevar a cabo la respectiva premiación, evento magno de Hollywood, desarrollada en el marco de la popularmente conocida «Temporada de premios».

 Recientemente tuvo lugar la edición 2014 de la entrega de los New York Film Critics Circle (NYFCC, por sus siglas en inglés), ceremonia a cargo de la asociación estadounidense, fundada en 1935, que, debido a su proximidad a la mencionada ceremonia de los premios Oscar —a llevarse a cabo en la segunda mitad del mes de febrero de 2015—, y puesto que se desarrolló en el mismo país norteamericano, los resultados de dicha entrega aparecen como predicciones muy acertadas para la ceremonia de los Oscar.

En resumen:

 La ambiciosa Boyhood —distribuida en español como Momentos de una vida, cuyo rodaje se extendió por cerca de doce años, fue la acreedora al galardón a Mejor Película, al igual que su director, Richard Linklater, artífice de la trilogía compuesta por Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), fue premiado como Mejor Director.

Ethan Hawke participó de manera muy activa en todo el trabajo que implicó Boyhood, cinta de la que también es actor, interpretando el papel del padre del protagonista. La dupla Hawke-Linklater resulta infalible luego de la trilogía de mencionada anteriormente, con Ethan en el rol masculino principal.

 El premio a Mejor Actriz fue para Marion Cotillard por su participación en dos cintas: The Immigrant, largometraje en el que actúa junto a Joaquin Phoenix, y Two Days, One Night, producción belga de 2014, parte de la selección de Cannes y cinta incluida en la 57 Muestra Internacional de la Cineteca. Por su parte Timothy Spall como protagonista de la biopic del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, fue galardonado como Mejor Actor.

 Ida, la sobresaliente cinta polaca dirigida por Pawel Pawlikowski, presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y también parte de la más reciente Muestra de la Cineteca, recibió el reconocimiento como Mejor Película Extranjera.

 La carismática cinta protagonizada por los curiosos juguetes de tez amarilla, The Lego Movie, fue premiada como Mejor Película Animada; mientras que el estéticamente intachable estilo del cine de Wes Anderson se hizo del premio de Mejor Guión por la cinta The Grand Budapest Hotel.

 Todos los anteriores son títulos ya conocidos, vistos por millones y aún en circulación para disfrute de otros tantos; los actores son figuras consolidadas, e incluso queridas por el público seguidor. Luego de la complaciente edición de 2014 a cargo del Círculo de Críticos Neoyorkino no queda más que aguardar la pasividad del fin de año en espera de las noticias que traiga consigo el inicio de 2015 en cuanto a materia cinematográfica se refiera. Pongámonos cómodos y vayamos preparando las palomitas.

Originally posted 2014-12-02 08:33:03. Republished by Blog Post Promoter

Labor Day: el infinito síndrome de Estocolmo

Es un lugar común decir que el amor sin locura no es amor, a veces sin importar las consecuencias de semejantes premisas. Nuestras sociedades modernas han querido ver en el acto de amar sin medida ni razón una suerte de redención para nuestra nada afable condición humana. Amar, adorar, reverenciar, conquistar, seducir o coquetear son verbos que necesitan (cuando menos) de dos seres en un continuo intercambio de fuerzas donde, frecuentemente, uno resulta como el dominado, el subyugado, el sumiso.

 Mientras el contrario, aquel ser indómito, difícil y rebelde impone su voluntad, a veces sin dejar notar al primero su calidad de reducido. El síndrome de Estocolmo (aquel donde una persona retenida contra su voluntad desarrolla una relación de complicidad con su captor) y el amor parecieran presentar patrones de locura no tan lejanos uno del otro. Este conflictivo lazo emocional que surge es el cauce principal de Labor Day.

Labor Day film still

 Aires de Esperanza (Labor Day) es una película basada en la novela homónima de Joyce Maynard y dirigida por Jason Reitman, en la cual emana de improviso (como suele ocurrir) un lazo que atará el destino de distintas personas que jamás hubiera ocurrido de no ser por estar en el momento y lugar necesarios. Es también una alegoría que intenta dejar en claro que las segundas oportunidades son siempre necesarias, especialmente porque no sabemos cuándo podremos necesitar una.

 ¿Qué es aquello que nos impulsa a caer en semejante síndrome? ¿Cómo logramos establecer un vínculo afectivo con un ser que nos somete? Podría ser parte de la respuesta la soledad que debemos atravesar en algún momento de nuestras vidas. Adele Wheeler (Kate Winslet) es una madre soltera que, atravesando por un momento depresivo, se encuentra de la forma menos esperada con Frank Chambers (Josh Brolin), un convicto que se ha fugado. Así, en compañía de Henry (Gattlin Griffith), el hijo de Adele, comienza a crearse un vínculo entre los tres que tienen un pasado en común, algo que de alguna forma les ata y les lleva al lugar al que se encuentran. Durante la película podremos descubrir que Frank tiene un historial que le condena por algo que, tal vez, nunca quiso hacer y sin embargo debe asumir las consecuencias.

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 Jason Reitman se consolida como un director maduro en cuanto a sus historias se refiere (trabajos previos como Juno o Thank You for Smoking lo vaticinaron). Si bien Labor Day es una película basada en una novela ajena, Reitman logra pulir a sus personajes encarnados por los actores de una forma detallada y natural, lo que asegura consumir un cine creado de forma noble y sincera, que intenta liberarse del grillete hollywoodense. Aunque la trama toma su propio tiempo para cocinarse, de forma general la historia logra desarrollarse de una forma sincera pero no ingenua, sin caer en formas caprichosas ni repeticiones de algo más. El director logra un manejo adecuado de la cámara para resaltar aquellos momentos más emotivos de la cinta, situaciones en las cuales podremos descubrir pequeños detalles que crean un relieve único de los personajes; se logra, con todo esto, un equilibrio entre forma y fondo, adecuado para la historia que se narra. Reitman logra un producto que sin duda dejará una huella en aquellos que la vean, especialmente en aquellos que logren descifrar cuál es el lugar que toman en su relación amorosa: el ser indómito o aquel subyugado.

Originally posted 2014-03-10 13:24:44. Republished by Blog Post Promoter

CCC Muestra 2013

El Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), fundado en 1975, es una institución que se ha erigido con el objetivo de formar cineastas de alto nivel profesional en las áreas técnica y artística de la cinematografía, en su misión principal es la formación académica en la materia y la difusión cultural para vincular con todo tipo de disciplinas artísticas. Ello lo lleva a cabo a través de su valioso acervo bibliográfico especializado y un creciente acervo fílmico, con material actual e histórico, así como su constante participación en encuentros y festivales de ámbito nacional e internacional como: Festival Internacional de Cine Documental de la CIudad de México DocsDF; Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda); Festival Internacional de Cortometrajes Clermont-Ferrand (Francia); Festival Internacional de Cine de la Habana (Cuba); Festival Internacional de Cine de Morelia (México); Festival Internacional de Cine Rencontres Henri Langlois (Francia); Festival de Cine y Música de Kustendorf (Serbia).

Del 14 al 17 de marzo el Centro de Capacitación Cinematográfica, A.C. (CCC) presenta la Muestra CCC 2013, ésta consistirá en la proyección de 20 producciones resultado del Curso General de Estudios Cinematográficos, entre los cuales destacan los ejercicios “Ficción 2”, “Documental” y “Tesis”, así como del proyecto Ópera Prima. Cabe destacar que éste último ejercicio es un proyecto, apoyado por el Instituto Mexicano de Cinematografía, que permite el debut —a partir de una selección interna— de jóvenes realizadores, productores, guionistas y cinefotógrafos a través de la producción de un primer largometraje.

Muestra CCC

Por acá les dejamos la programación:

PROGRAMACIÓN | Sala 7 Alejandro Galindo de Cineteca Nacional

JUEVES 14 DE MARZO

Programa 1 | 18 hrs.

Año nuevoOsiris y El JarochoLa madre

  • Año nuevo | Dir. Luz María Rodríguez – 15 min | Ficción
    Festival Internacional de Cine de Morelia / Festival de Cartagena (Cine en los Barrios)
    Trailer: http://youtu.be/GrDWxRxbpzg
  • Osiris y El Jarocho | Dir. René Peñaloza – 36 min | Documental
    Distrital, Cine y Otros Mundos, México
    Trailer: n/d
  • La madre | Dir. Ernesto Martínez Bucio – 16 min | Ficción
    Premio Laboratorio FICUNAM / Premio Studio 5 de Mayo, Festival de Morelia / Mención honorífica, Short Shorts Mx / Mención honorífica, Festival de Monterrey
    Trailer: http://youtu.be/OxjwV5FU9eE

Programa 2 | 19:30 hrs.

La revolución de los alcatraces

VIERNES 15 DE MARZO

Programa 3 | 18 hrs.

ClarisaDos de tresPenumbraDon Sabás

  • Clarisa | Dir. Ariel Gutiérrez – 16 min | Ficción
    Festival Internacional de Cine de Uruguay
    Trailer: http://youtu.be/77FLXQIodNw
  • Dos de tres | Dir. Paulina Rosas – 12 min | Ficción
    Mejor Corto Estudiantil, Sleepwalkers Festival de Cine Estudiantil, Estonia / Mejor Guion, Mejor Actor, Short Shorts Mx  /Festival de Biarritz, Francia / Cinemaissí, Finlandia
    Trailer: http://youtu.be/cud5Zjc5jJ4
  • Penumbra | Dir. Arlo Catana – 22 min | Ficción
    ¡Estreno!
    Trailer: http://youtu.be/dNRaKur-YrY
  • Don Sabás | Dir. Juan Manuel Zúñiga – 17 min | Ficción
    Mejor Fotografía, Festival Internacional de Cine y Música de Kustendorf, Serbia / Mención honorífica, Festival Etiuda&Anima, Polonia / Mejor Corto, Festival Ícaro, Guatemala
    Trailer: http://youtu.be/UMB1e-rwhKM

Programa 4 | 19:30 hrs.

Mi amiga Bety

SÁBADO 16 DE MARZO

Programa 5 | 18 hrs.

SudaCaminando las nochesContrafábula de una niña disecada

Programa 6 | 19:30 hrs.

Las lágrimas

  • Las lágrimas | Dir. Pablo Delgado – 67 min | Ficción
    Premio Carte Blanche, Festival de Locarno, Suiza / Festival de Hong Kong / Festival de Toulouse, Francia / Festival de Cartagena, Colombia / FICUNAM / Festival de Rotterdam
    Trailer: http://youtu.be/jgDkIDqRJ6o

DOMINGO 17 DE MARZO

Programa 7 | 18 hrs.

Perro azulPata de perroLas potentes cápsulas de aceite de caguamaPara armar un helicóptero

  • Perro azul | Dir. Federico Zuvire – 10 min | Ficción
    Festival de Acapulco / Baja Film Fest / Festival Molodist, Ucrania / Festival de Morelia / Festival de  Guanajuato / Festival de  Guadalajara
    Trailer: http://youtu.be/VIY81BFTjyA
  • Pata de perro | Dir. Diana Garay – 12 min | Ficción
    Festival de Cartagena (Cine en los Barrios) / Festival de Acapulco / BR1 Skate Film Fest, Brasil / Festival de Puebla / I’ve Seen FIlms, Italia / Festival de Durango
    Trailer: n/d
  • Las potentes cápsulas de aceite de caguama | Dir. Jaiziel Hernández – 8 min | Documental
    ¡Estreno!
    Trailer: http://youtu.be/1WXcz8snbXM
  • Para armar un helicóptero | Dir. Izabel Acevedo – 35 min | Ficción
    Gran Premio, Festival Clermont-Ferrand, Francia / Mejor Corto Ficción, Morelia / New Directors New Films, Museo de Arte Moderno, Nueva York / Festival de Rotterdam
    Trailer: http://youtu.be/iTHmOw13AEI

Programa 8 | 19:30 hrs.

La habitaciónEl pintor de VerónicasAl fondo

La sede de esta muestra será la Cineteca Nacional ubicada en Av. México Coyoacán #389 Col. Xoco, Del. Benito Juárez. Mexico, D.F. C.P 03330.

$40 entrada general y $25 con credencial de vigente de estudiante, maestro o del INAPAM.

También pueden revisar más detalles en su página oficial

 

Información y fotos tomadas de la página del CCC

Originally posted 2013-03-14 21:32:38. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo Cine y Literatura en la Cineteca Nacional

Del 7 al 17 de mayo se realizará en la Cineteca el ciclo de Cine y Literatura en el cual se exhibirán 9 películas  mencionadas por  célebres escritores mexicanos quienes colaboraron en la más reciente publicación de este recinto cinematográfico Función privada: Los escritores y sus películas.

En dicho libro escribieron 28 escritores, quienes mencionan su película favorita de acuerdo al contexto que les tocó vivir. Cada función contará con quien recomendó la película en su colaboración dentro de Función privada.

Cine y Literatura

Las películas a exhibir son:

Identidad Peligrosa (The Big Lebowski). De Joel Coen. La escritora Vivian Abenshushan  presidirá la función 

Ocio. Rusos blancos. Boliche. Marihuana. Descanso. Son las actividades favoritas de Jeffrey Lebowski, un vago californiano tramposo e irresponsable. Después de que unos matones lo confunden con un millonario cuya esposa tiene una deuda con la mafia y se orinan en su preciada alfombra, Lebowski inicia una odisea para limpiar su nombre. Divertido homenaje al film noir y sus convenciones, este filme de los hermanos Coen ha creado un culto a tal nivel que existe un festival anual dedicado al protagonista.

La panza del arquitecto (The Belly of an Architect). De Peter Greenaway. Con la presencia de Hernán Bravo Varela

Un arquitecto norteamericano viaja a Roma para organizar una exposición dedicada al arquitecto neoclásico francés Étienne Louis-Boullé, cuya obra es su especialidad. Sin embargo, su matrimonio en crisis, la creciente desconfianza en su proyecto y fuertes dolores estomacales encaminan su descenso a los infiernos. Roma y sus monumentos se vuelven un personaje más en esta soberbia reflexión de Peter Greenaway sobre los nexos indisolubles entre la dialéctica, la creación y la autodestrucción.

La eternidad y un día (Mia aioniótita kai mia méra). De Geo Angelópoulos. Se presentará Brenda Ríos

Un viejo escritor se dispone a vivir el último día de su vida. La jornada resulta eterna, pues no ocurre en el tiempo real. Vivirá sus últimas horas alojado en sus recuerdos de infancia, añorando al amor de su vida, inundando su presente con sus memorias. En el final de la “Trilogía de las fronteras”, Angelópoulos deja atrás la conciencia histórica para centrarse en un individuo en trance hacia los límites entre la vida y la muerte. Una obra maestra ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 1998.

La profecía (The Omen). De Richard Donner. La función será presentada por Antonio Malpica

Un diplomático norteamericano en Roma se convierte en padre de un niño adoptado. Sin embargo, extraños sucesos alrededor de su hijo parecen indicar que tal vez se trate del Anticristo. Producida en medio de la ola de cine de terror norteamericano de los años 70, poco después de que el demonio como tópico había arrasado en las taquillas del mundo con El exorcista (1973), la cinta le brindó al músico Jerry Goldsmith un Óscar por su partitura original en la cual resuena el macabro himno Ave Satani.

India Song. De Marguerite Duras. José María Espinasa presentará la película

Marguerite Duras, guionista de esa obra maestra sobre la memoria y la necesidad del olvido que es Hiroshima, mi amor (1959), incursionó en la realización cinematográfica con este retrato del hastío que asfixia a la esposa del embajador francés en la India de los años 30 y sus relaciones con varios hombres que alivian un poco su vacío existencial. La narrativa del filme ocurre de forma elíptica y a través de varias voces que, fuera de cuadro, expresan los deseos más ocultos de la protagonista.

Los abedules (Brzezina). De Andrzej Wajda, inspirado en un relato de Jaroslaw Iwaszkiewicz. Ana Clavel presentará la función

Ganadora del Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Moscú en 1971, en este filme la base de las relaciones entre los personajes es la incomunicación producida por la presencia constante y salvaje de la muerte. La historia presenta a Stanislaw, un tuberculoso, su hermano Boleslaw y la campesina Malina, la cual ambos desean. También está la relación entre una hija y su padre, poseedor de la autoridad y el poder, lo que ha provocado un mal vínculo entre ambos.

Para más información sobre horarios y funciones entra aquí

Originally posted 2013-05-10 18:28:52. Republished by Blog Post Promoter

Selección Oficial SSFFM 2012

¿Cuántas veces has ido al cine a ver una muestra de cortometrajes? Seguramente, si es que has ido, lo has hecho en pocas ocasiones. ¿Entonces por qué se producen miles de cortometrajes alrededor del mundo? Porque son el primer paso para que un joven cineasta se acerque a la realización de un largometraje.

Por lo anterior existen múltiples festivales de cortometrajes, uno de ellos Short Short Film Festival México, uno de los más importantes en el mundo, que en 2012 celebrará su séptima edición. El festival es llevado a cabo en  la Ciudad de México, tendrá fecha del 6 al 14 de septiembre  y contará con la Cineteca Nacional, Munal, La casa del cine y Cinemex Insurgentes como sedes.

Hoy se anunció la Selección Oficial, puedes verla completa aquí, pero en los próximos días se irán añadiendo algunos trabajos a la misma.

La selección es extensa y todos los trabajos son de gran calidad, aquí una muestra.

Vuelve primavera (2012) / Alfonso Coronel

El mimo y la mariposa negra (2011) / José Luis Saturno

Assemblé (2011) / Miguel Férraez

Originally posted 2012-07-28 18:56:28. Republished by Blog Post Promoter

Ambulante en Vive Latino 2015

Hace unas semanas se dio a conocer el cartel completo del festival Vive Latino para su edición número 16, próxima a llevarse a cabo en 2015. Decenas de bandas distribuidas en los tres días de duración de este evento, del 13 al 15 de marzo.

 Sin embargo, aunque el hecho de que se reúnan proyectos nacionales e internacionales es, como tal, la meta primordial y el objeto de la realización de un evento de esta magnitud, se convierte también en motivo de congregación de distintos círculos y disciplinas que convergen en la misma línea temática: la música.

 Ejemplo de ello es el trabajo en conjunto que Vive Latino ha desarrollado con Ambulante, evento cinematográfico enfocado de lleno a la difusión de material documental, cuyas proyecciones circulan a lo largo de distintas sedes en todo el país durante meses. Ambulante hace una parada especial dentro de un espacio que poco a poco se ha ido incrementando y consolidado durante su participación activa en el marco de este Festival.

 La llamada Carpa Ambulante es considerada ya parte de la tradición del Vive Latino, y ofrece una distinguida lista de títulos particularmente dirigidos a los amantes del mundo de la música, público asiduo que también ha forjado en sus proyecciones dentro y fuera de los días que dura el festival. A continuación te presentamos la selección que esta gira de documentales ha destinado para proyectarse en los tres días del Vive Latino:

 

20 000 Days on Earth (20 000 días en la Tierra)

Dir.: Iain Forsythy y Jane Pollard

Es una producción de 2014 que retrata un poco de la vida cotidiana del músico australiano e ícono contemporáneo Nick Cave. Es etiquetado como docu-drama puesto que, pese a tratarse de un documental, se combina con una ficción cuya particularidad es que fluye sin guion alguno, por lo que el producto final resulta poco más provocador al crear del propio Cave un personaje en sí mismo. Se muestran parte de sus procesos creativos y hay apariciones de figuras importantes en la vida del artista, como Kylie Minogue, quien fuera pareja del también actor.

 

A Band Called Death (Una banda llamada Death)

Dir.: Jeff Howlett y Mark Covino

En uno de los pósters que promociona este documental, se lee: “Before there was punk, there was a band called Death” (“antes de que hubiera punk, hubo una banda llamada Death”). Situado en la década de 1970, narra la historia de una banda llamada así, Death, conformada por tres hermanos adolescentes que lograron grabar un single y hacer algunas presentaciones, pero debido al auge de la música disco en aquella época, su proyecto padeció el (des)atino de adelantarse a su tiempo, y se disolvió antes de lograr grabar un álbum. Death recibe hasta ahora la atención y reconocimiento que no le fueron concedidos antes, y es nombrada como la verdadera banda pionera del género.

 

Björk: Biophilia Live (Björk: Biophilia en vivo)

Dir.: Peter Strickland y Nick Fenton

En poco más de hora y media de duración se registra uno de los recitales que tuvo lugar en Londres y que fue parte del tour que trajo consigo la última entrega discográfica de Björk llamada precisamente, Biophilia, en 2011. Queda de manifiesto la sublime esencia de la descomunal artista islandesa, y hace al público parte de la atmósfera que crea sobre el escenario, con estrafalarios vestuarios, armioniosos juegos de luces y aquella inconfundible voz de fondo.

 

The Devil and Daniel Johnston (El diablo y Daniel Johnston)

Dir.: Jeff Feuerzeig

La vida de Daniel Johnston, artista maníaco-depresivo, parece destinada a las caídas y los tropiezos. Esto, a la par de su padecimiento de bipolaridad, es en gran parte responsable del talento que el estadounidense ha desarrollado desde joven, participando activamente en el cine y la música, además del dibujo. Un retrato de Johnston que muestra cómo la locura puede ser perfecta compañera de la lucidez creativa. Una suerte de alterego, tal y como lo sugiere el propio título de este documental, en circulación desde 2005.

 

 Everything Will Change (Todo va a cambiar)

Dir.: Justin Mitchell

¿Quién no habrá escuchado aquella memorable canción llamada Such Great Heights? Parte del álbum Give Up, de The Postal Service y firmado bajo el sello discográfico Sub Pop. Pese a la popularidad adquirida, esa fue la primer y única placa que materializó el grupo integrado por Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie), Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis. La mayoría de sus nuevos fans nunca pudieron verlos en vivo por lo que, para celebrar la primera década de vida del mencionado álbum, la disquera lanzó una versión extendida y la banda se reunió para salir de gira alrededor del mundo. Este documental muestra entrevistas íntimas y material de archivo tras bambalinas.

 

For Those About to Rock: The Story of Rodrigo and Gabriela

Dir.: Alejandro Franco

Este documental, dirigido por uno de los periodistas musicales actuales más reconocidos, cuenta el ascenso del dúo de músicos independientes. Es la historia de Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, mexicanos que a temprana edad decidieron tomar el riesgo de perseguir sus sueños y vivir haciendo lo que más aman: música. Un inspirador y extenso viaje que les ha llevado a tocar desde en hoteles y restaurantes, hasta en algunos de los escenarios y festivales más importantes del mundo.

 

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky (¿Es feliz el hombre que es alto?: una conversación animada con Noam Chomsky)

Dir.: Michel Gondry

“Un filme, un documental, una conversación”. La más reciente producción de Michel Gondry presenta una serie de entrevistas con el lingüista y filósofo Noam Chomsky. Es un documental animado que, con la ayuda de alucinantes y coloridos dibujos —creados por el propio realizador francés—, construye un retrato de Chomsky como profesor eminente y como hombre común. Una conversación hasta cierto punto compleja, donde la creatividad y la imaginación sirven para suavizar el rigor intelectual.

 

Last Days Here (Últimos días aquí)

Dir.: Don Argott y Demian Fenton

Bobby Liebling lleva 36 años definiendo qué es el hardrock a través de su banda Pentagram. Momentos de autodestrucción, conflictos entre sus miembros e infructíferos acuerdos con disqueras parecen haber condenado a la banda a la oscuridad musical. Después de pasar décadas escondido en el sótano de sus padres, por fin la música de Bobby es descubierta por la escena underground del heavy metal. Con la ayuda de Sean “Pellet” Pelletier, su amigo y manager, Bobby lucha por vencer a sus demonios.

 

Living Stars

Dir.: Mariano Cohn y Gastón Duprat

En Buenos Aires, Argentina, se documenta a decenas de personas reales, de todas las edades e identificadas con su nombre y profesión, bailando en espacios cotidianos de la ciudad sudamericana. Los dos realizadores de esta producción viajaron con su cámara al hogar de diversas personas, y les pidieron que escogieran una canción y la bailaran durante el tiempo que durara. Secretarias, administradores, instructores de judo, dentistas, estudiantes y niños bailan frente a la cámara, dando como resultado un documental poco convencional y sin diálogos.

 

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados)

Dir.: Florian Habicht

Estrenado en México en el marco de la pasada edición del Festival de Cine de Guanajuato, el documental de la banda liderada por Jarvis Cocker cuenta la historia detrás de una de las presentaciones de la agrupación que tuvo lugar en Sheffield, en 2012. Este lugar que, junto con la banda es “uno mismo”, según el propio Cocker. En este material audiovisual se incluyen entrevistas a los fans en espera del mencionado recital, además de pequeños gestos que precisan con dedicación la esencia PULP.

 

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

Dir.: Francesc Relea

La historia da incio junto al mar y continúa en un viaje sigue a los dos artistas, cómplices y amigos, a la par de Dos pájaron contraatacan (un tipo de “secuela” de la gira Dos pájaros de un tiro, que tuviera lugar previamente, en 2007), gira que desarrollaron en conjunto ambos artistas, en 2012. “Serrat es el símbolo. Viaja por América Latina desde hace 45 años. Además de la huella que dejó en su exilio mexicano, en Argentina y Chile sigue vivo el recuerdo de su compromiso contra los regímenes militares (…) Sabina es el cuate: el amigo, el colega, el cómplice para los mexicanos”

 

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Supermensch: la leyenda de Shep Gordon)

Dir.: Mike Myers.

Mike Myers aborda la carrera de un íntimo conocedor de Hollywood, el talent manager Shep Gordon. Tras aparecerse y adentrarse en el mundo del entretenimiento, Gordon hace amistad con Janis Joplin, Jim Morrison y Jimi Hendrix, y fue manager de Alice Cooper, Blondie, Luther Vandross, Teddy Pendergrass y Pink Floyd… por nueve días. El documental acecha la transformación de dicho personaje desde su época de hedonismo en la década de los 60, hasta el practicante religioso que se ha convertido ahora.

 

We Don’t Care About Music Anyway (De cualquier forma la música no nos interesa)

Dir.: Cédric Dupire y Gaspard Kuentz

Desde un  tornamesas, pasando por innovación musical desde una laptop y a través del robo o sampleo de música clásica, la escena avant-garde musical de Tokio confronta música y ruido, sonido e imagen, realidad y representación, documental y ficción. Esta producción muestra cómo más allá de la música y de su interpretación, el futuro y modo de existir de una ciudad, y de su sociedad en sí, está en su movimiento.

Ambulante, que en ediciones anteriores del Vive Latino ha agasajado a sus consumidores visuales con joyas como Blur: No Distance Left To Run y The Libertines: There Are No Innocent Bystanders en 2012, The Chemical Brothers: Don’t Think y Searching for Sugar Man en 2013, y Peaches Does Herself y The Punk Singer, deja altas expectativas tras revelar su selección para 2015. Ya, que llegue marzo.

 

| Para más información, consulta:

Ambulante

Vive Latino

Originally posted 2014-12-24 12:11:28. Republished by Blog Post Promoter

No Ficción: Short Shorts México

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El cine, tradicionalmente, se divide en dos grandes géneros: el cine de ficción y el de no ficción. El primero es el que utiliza actores y un guión literario, y el segundo es aquél que utiliza la realidad como materia prima y busca retratarla, conocido popularmente con el nombre de “documental”.

Albert Maysles, un clásico del género y autor de películas como Salesman y Gimme Shelter, dice acerca del documental:

“Una de nuestras mayores necesidades es conocernos unos a otros, conocer qué es lo que está sucediendo en el mundo a nuestro alrededor y sentir necesidades y propósitos en común con otras personas.”

El género de no ficción es una herramienta de conexión con nuestro entorno y una faceta del arte cuya fuerza ha sido multiplicada por el internet en los últimos años.

Esta columna estará dedicada a la exploración y el descubrimiento de material de no ficción en todos los formatos y de todos los tiempos. En esta primera edición recordaremos algunos de los ganadores de la sección documental del festival Short Shorts México, el cual recientemente lanzó las bases para la edición de este año, a celebrarse del 5 al 11 de septiembre.

Nunca Nunca No Dejé Ir… (cortometraje completo)

Fuimos Gigantes (trailer)

Yuban (trailer)

Originally posted 2013-03-20 20:21:27. Republished by Blog Post Promoter

Anime: más que dibujos animados

 

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El Anime es el término utilizado para denominar a la animación japonesa o de estilo Japonés, tiene sus raíces en 1917, más no es hasta 1943, cuando aparece dentro del mercado televisivo japonés, comenzando formalmente transmisiones regulares, tomando como referencia e impulso a la naciente animación en 2D (desarrollada por los estudios Disney con la aparición de ¨Blancanieves¨ ; Pero los estudios productores de anime buscaban su independencia y pronto encontraron la forma de sacarle un mejor provecho a las técnicas de la época, logrando un estilo propio y ahora representativo de la cultura japonesa.

 Se caracteriza entre otras cosas por el diseño de sus personajes: ojos grandes y expresivos, uso de colores no naturales en el cabello (otrora impensables para personajes humanos) ,así como una amplia gama de expresiones faciales que rayan en lo exagerado, en ocasiones acompañadas de elementos gráficos que acentúan los estados de ánimo, como la famosa gotita cayendo de la frente usada para denotar extrañeza o vergüenza.

 Otra característica de la animación japonesa, es que las historias son largas y contadas con mucha profundidad, desglosadas en un número predeterminado de capítulos, respetando una secuencia.

 El Anime y el Manga (cómic japonés) están muy relacionados entre si, siendo en ocasiones complementarios o en otros casos el Anime una adaptación del Manga del mismo nombre.

 Mientras en occidente los dibujos animados eran dirigidos principalmente a un público infantil, este estilo era mucho más diverso, teniendo historias con contenido más maduro, algunos con violencia explícita (del género  gore) o incluso teniendo un género un poco más provocativo y subido de tono llamado Ecchi, además de uno 100% para adultos (con contenido pornográfico) llamado Hentai.

 A pesar de tener presencia en Japón desde los años 40, en México hizo su debut a finales de la década de los 70, en el ese entonces reciente, canal 5 de Televisa con el Anime Astroboy , el cual trataba de un niño robot que se dedica a combatir el mal mientras busca a su creador y padre que ha sido secuestrado,  a este siguieron  otros Animes como Kimba el León Blanco, Remy, Robotech, Mazinger Z, La abeja Maya, y para un público más femenino, animes como Candy Candy, Heidi y más recientemente series como Digimon, Pokemon, Sailor Moon, Sakura Card Captors, Naruto y One Piece.

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 Durante la década de los 80’s esta animación tenía visitas regulares a los televisores mexicanos, pero no fue hasta el final de esa década y durante los 90’s que el anime tuvo su época de oro, esto cuando TV Azteca creó su barra infantil, trayendo a México a la japonesa “Saint Seiya”, cuyo nombre fue adaptado a Caballeros de Zodiaco, un caricatura acerca de un grupo de héroes dotados de poderes, vestidos con armaduras y con una fuerte influencia de la mitología griega en la acción. Gracias a Caballeros de Zodiaco el anime llego al gusto del público mexicano, generando el interés de ambas televisoras por conseguir más productos para atraer al público, así, TV Azteca  se sostuvo dominante durante gran parte de la década, hasta la llegada al canal 5 de la que es considerada la serie de anime más popular de todos los tiempos: Dragon Ball.

 La lucha continuó por el predominio de la barra infantil teniendo al anime como principal elemento llevando la competencia no solo a capítulos de 20 minutos, sino a largometrajes, mercado de la juguetería y distintos accesorios que contenían las imágenes de los personajes animados más populares del momento.

 En los últimos tiempos, la transmisión de este tipo de animaciones en la televisión abierta ha decaído, sin embargo hay espacios en televisión de paga y diferentes portales de internet que permiten incluso ver los programas en su doblaje original en japonés, por ello sigue vivo y atrayendo a un número mayor de seguidores a cada momento, a tal grado que se realizan convenciones en todos los rincones del país teniéndolo como tema, mercancía promocional, al mismo tiempo que los fanáticos portan disfraces en alusión a sus personajes favoritos, una actividad llamada Cosplay de la cual platicaremos en otra ocasión.

 

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Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.

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Cine Centípedo

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La única forma de ver una película en este cine tan especial ubicado en Guimarães, Portugal, es meterse en alguno de los 16 puntos. El “Cine Centípedo”, es un proyecto elaborado por la Barlett School of Architecture, dirigido por el profesor Colin Fouriner en conjunto con la artista polaca Marysia Lewandowska y el estudio inglés Neón.

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Mientras la parte superior del cuerpo vive la experiencia de este peculiar cine, las piernas de cada uno de los espectadores siguen en el mundo exterior.

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Acá los websites de los participantes: Bartlett School of Architecture,  Marysia Lewandowska y  NEON.

Imágenes cortesía de Neón.

Originally posted 2013-01-09 20:30:28. Republished by Blog Post Promoter

Hasta Luego, Ghibli

Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.

 Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.

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 Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.

 Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.

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 Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.

 También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.

Originally posted 2014-08-07 09:00:08. Republished by Blog Post Promoter

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Originally posted 2014-08-13 11:23:11. Republished by Blog Post Promoter

El futuro del cine está en los nuevos cineastas

El cine mexicano está comenzando a retomar su auge con la llegada de nuevos y jóvenes cineastas, pero el hecho de ser un cineasta joven no abre las puertas de todo el mundo, eso se consigue perseverando y sin perder de vista el objetivo de ser un buen cineasta y producir cosas que renueven el mundo del séptimo arte.

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Nuevos y jóvenes cineastas están comenzando una generación que busca crear cortos, películas, largometrajes etc. Y posicionar al cine mexicano como uno de los mejores, un ejemplo de estos nuevos cineastas es Hiram Roberto Estupiñan y Luis enrique Gámez.

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Estos dos jóvenes cineastas han creado muchos cortometrajes, han participado en múltiples  concurso y se han dedicado abrirse paso por el mundo del séptimo arte. Comentaron que para ellos “no hay gloria sin sacrificio” y en efecto no la hay,  ellos comenzaron a producir pequeños cortos desde hace aproximadamente 3 años. El año pasado participaron como extras en la película 5 de mayo la batalla  y actualmente están trabajando en pre-producción  de la película El lado oscuro de la montaña del directo Hugo Vivar. 

Hiram Roberto Estupiñan y Luis Enrique Gámez  sugieren a todos aquellos que quieren hacer cine o hacen cine, “buscar por todos los medios producir sus ideas, no importa el equipo importa el contenido y principalmente hacer las cosas por amor al arte, la parte monetaria llegara a su tiempo”. Aquí está el corto del proyecto en el que están trabajando (El lado oscuro de la montaña)

ovni en Puebla.

Originally posted 2013-06-24 17:56:44. Republished by Blog Post Promoter

Regresa “La gloria de las prostitutas”

Tras haberse presentado en el 33° Foro Internacional de la Cineteca Nacional, este 25 de Octubre volverá a sus pantallas La gloria de las prostitutas (Whore´s Glory , 2011) de Michael Glawogger.

El director fue ganador de Premio Especial del Jurado durante la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico en Venecia, Italia, durante 2011 y del Premio a la mejor fotografía durante el Festival Internacional de Cine de Viena, Austria, en 2012.

La cinta documental muestra la prostitución en tres zonas de tolerancia de países tan diferentes entre sí: Tailandia, Bangladesh y México. Su obra se caracteriza por no enfocarse en el tema político, sino en un amplio carácter social, retomando el ámbito laboral y la forma en que sobreviven las personas.

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El filme estará disponible a partir del 25 de octubre en Cineteca Nacional, Cinemas Lumiere Reforma, Cine Teresa y Cinemanía Loreto.

Originally posted 2013-10-25 17:34:39. Republished by Blog Post Promoter