El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

Leviat_n-997278424-large

Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

la-distancia

 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

wintersleep-wideposter

 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.

#Oh10 : Ambulante 2015

El pasado lunes 19 de enero, luego de una conferencia de prensa, se dio a conocer la programación completa de la próxima edición de Ambulante, la conocida gira de documentales.

 La imagen de este año, por demás minimalista en colores naranja, blanco y negro, está acompañada de la leyenda #Oh10, esto con intención de aludir al asombro, la temática elegida como hilo conductor para el cúmulo de producciones previstas a proyectarse en varias sedes de distintos estados del interior de la república, además del primer circuito destinado a recintos ubicados en el DF.

 Celebrando su décima edición en este 2015, Ambulante reúne 140 títulos —78 largometrajes y 62 cortometrajes—, provenientes de 27 países, que estarán divididos en las distintas secciones propias del festín fílmico.

 

  • Reflector

    10943204_10205298483238656_1841954697_n

Son películas que han sido aclamadas por audiencia y críticos a su paso por diferentes festivales de todo el mundo, lo que las vuelve más atractivas y de interés general. Entre su selección se encuentran Jodorowsky’s Dune (dir. Frank Pavich), documental sobre la película que el realizador chileno nunca terminó; The Salt of the Earth (dir. Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado), presentada en el 12º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y nominada al premio Oscar como Mejor documental, además de Is the man who is tall happy?: An animated conversation with Noam Chomsky, último trabajo de Michel Gondry.

 

  • Pulsos


Sección que agrupa lo más reciente de la producción documental en México. En esta ocasión se incluyen, entre otros, El Palacio (dir. Nicolás Pereda) presentado en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su edición de 2014, además de Ausencias (dir. Tatiana Huezo), de la joven realizadora salvadoreña que sería reconocida con el Ariel a Mejor Largometraje Documental por El lugar más pequeño, su ópera prima.

 

  • Observatorio


Resulta un abanico de nuevas perspectivas al conjuntar documentales de vanguardia de distintos rincones del mundo. En esta edición estará compuesta por trabajos de Polonia, Suecia, Estados Unidos, Dinamarca, Finlandia, Países Bajos, Bélgica y Chile.

 

  • Dictator’s Cut


Se enfoca en temáticas como los derechos humanos, la libertad de expresión y distintas problemáticas vinculadas a la censura. Incluye un documental mexicano, una producción sudamericana presentada en colaboración con DocsDF, además de Citizenfour (dir. Laura Poitras), pieza también nominada a Mejor documental para la próxima entrega de los premios Oscar. Además, Demonstration / Manifestación (dir. Victor Kossakovsky), será la película inaugural de la gira en la Ciudad de México.

 

  • Injerto


Se trata de 4 programas diferentes: Proyecciones, Arquitecturas, Ópticas y Ánimos.
Cada uno de ellos se conforma de distintos cortometrajes que, en conjunto, implican «un diálogo entre el arte contemporáneo y el cine». Se incluyen producciones del Reino Unido, Bélgica, Alemania, México y Estados Unidos.

 

  • Sonidero


Quizá de las secciones más queridas por lo digerible de su contenido. Conjunta producciones relacionadas con el entorno musical. #Oh15 incluye documentales de Björk, Pulp, Daniel Johnston, Juan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, entre otros.

 

  • Ambulantito


Son producciones —en su mayoría animaciones— destinadas al público infantil y adolescente. El típico “para jóvenes y no tan jóvenes” que incluye a quienes no somos tan pequeños pero sí entusiastas de este tipo de trabajos. Se divide en tres programas de distinta temática, además de incluir The Dam Keeper (El guardián de la presa, dir. Robert Kondo, Dice Tsutsumi), producción estadounidense de 2013 nominada en los premios Oscar como Mejor Cortometraje Animado.

 

  • Enfoque


Dividido en seis programas —Ritual y Cine-trance, Mirar lo invisible, Autoetnografías, El Sexto Sentido, Umbrales Sensoriales, y El tren de las Experiencias—, enlista documentales relacionados con la etnografía y la antropología.

 

  • Retrospectiva


Este año, Ambulante destaca el trabajo de Agnès Varda mediante una retrospectiva a su obra fílmica. Cineasta clave de la llamada Nueva Ola Francesa (Nouvelle Vague) que ha experimentado con todo tipo de géneros, convirtiendo el quehacer cinematográfico en un trabajo artesanal. Esta retrospectiva, a la que bien vale la pena echarle un ojo, se conformará de diez programas distintos.

 

  • Imperdibles


Tal cual. Eventos especiales que incluyen lanchas en el Bosque de Chapultepec, rodadas en bici, funciones al aire libre o danza. Ciclos y maratones, mesas redondas y clases magistrales. Proyecciones de documentales ya conocidos y consentidos del público —Pina (dir. Wim Wenders), Searching for Sugar Man (dir. Malik Bendjelloul), Exit through the gift shop (dir. Banksy), entre otros—. Intervenciones de arte urbano y talleres. El cine interrelacionado con distintas disciplinas para lograr un ambiente más incluyente.

***

 Ambulante estará activo en el Distrito Federal desde el 29 de enero y hasta el 12 de febrero, en una larguísima lista de sedes divididas en cuatro circuitos que abarcan a lo largo y ancho la ciudad para, posteriormente, continuar con la gira que llegará a Guerrero, Morelos y Puebla en febrero; Veracruz, Zacatecas, Coahuila y Michoacán en marzo; y Chiapas, Jalisco, Baja California y Oaxaca en abril; además de las paradas especiales con piezas de su programación como parte del Festival Vive Latino y Cumbre Tajín.

 Estamos a poquitos días del inicio del primer festival de cine de 2015 y no puedes dejar pasar la oportunidad de deleitarte con su amplia oferta de contenido audiovisual. Te dejamos con el tráiler de Ambulante, Gira de Documentales 2015.

Para más información, puedes consultar el sitio oficial del Festival.

De: “La teoría del todo”, la historia de Stephen Hawking

La película está basada en un fragmento de la vida de Stephen Hawking, físico, teórico, astrofísico, cosmólogo y divulgador científico británico, quien, por mayor referencia ha ascendido a la categoría en que se hallan Darwin e Isaac Newton por los aportes hechos a la humanidad; el fragmento elegido es el que va desde el tiempo en que estudia en Cambridge, siguiendo la línea paterna, un tanto antes de diagnosticársele la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA) que se acompaña de la pérdida del control neuromuscular y que por cierto, lo define. Porque si no lo ubican de nombre y aportación, sí por la innumerable cantidad de sátiras que de su persona se han hecho. 

“La inteligencia es la capacidad de adaptarse al cambio”

Stephen-Hawking

 A Hawking lo encarna Eddie Redmayne, el actor que por cierto, interpretó malamente a Marius en “Los miserables”, una tristeza de película aquella, por cierto, pero expresamente él, se lleva aquí los aplausos, está de diez, sea por la referencia de un ente vivo y específico, al que se tiene posibilidad de estudiar en movimiento, y expresiones o por lo que se ofrezca, pero de verdad que es un deleite, la frustración en la mirada, la viveza con que es capaz de emitir emociones apenas con el movimiento facial, la corporalidad exacta. Entonces uno es testigo de su relación con Jane Wilde, quien por cierto es el motor importante que le permite continuar en el camino elegido y tal vez por destino trazado. 

“La historia completa de la ciencia, ha sido la comprensión gradual de que los eventos no ocurren de manera azarosa, sino que reflejan un cierto orden subyacente, que puede o no ser de inspiración divina”

 Yo sé que de corriente, he tenido la tendencia a llamar “portentos” a varios entes de quienes he escrito en la revista, pero si no lo pensara no los hubiera elegido, entonces lo diré de Hawking, quien es un auténtico portento de la física, es una ironía; bien visto, es interesantísimo el hecho de que alguien que estudia y teoriza las leyes de la física, se mantenga atado a una silla de ruedas por una enfermedad que bien pudiera catalogarse de divina, una mente en movimiento constante, privilegiada, encerrada en un cuerpo que no le permite avanzar a libre voluntad, que lo hace dependiente en un elevadísimo porcentaje, ¿Qué será no poder sentarse a escribir, a leer un libro o la simpleza de irse a la cama después de un día de trabajo, cargar a sus hijos? 

 Entonces recuerdo a Beethoven y la carta que escribió en que se preguntaba porqué aquel ser lo había privado de la capacidad auditiva, precisamente a él que amaba y vivía por la música, y no a otros  seres inferiores que lo desperdiciaban, al Borges y la perdida de capacidad visual, a Dalí al final de sus días con parkinson que no le permitía pintar…

 Sólo por referencia, en el 2007 se desveló una estuatua de Stephen Hawking, en el Centre of Theoretical Cosmology de Cambridge, el edificio del Museo de Ciencia Stephen W. Hawking en San Salvador, el Stephen Hawking building en cambridge y el Stephen Hawking Centre en el Instituto Perimeter de Física Teórica en Canada. más las medallas: Eddington, Hufhes, Albert Einstein, Franklin, la de la Real Sociedad Astronómica y varios premios por supuesto. Hawking postuló la singularidad, una sola teoría que explicara el origen del universo entero, y todo lo que en él acontece, el todo, en una formula, y a los agujeros negros que son capaces de emitir radiación, evaporarse y desaparecer. Amparado por la teoría del Big Bang, a partir de un origen de temperaturas elevadísimas, el universo emerge y se expande, se expande, hasta alcanzar el acomodo que tiene hoy día, y que por cierto, sigue en lo mismo, que explica otras teorías como la incomunicación que sufrimos con otras galaxias a las que no se llega por la continuación del movimiento, así, a medida que avanzamos hacia ellas, éstas se alejan…

 Entonces… como la película fue un pretexto para hablar de Hawing, terminemos con ella: se estrenará el 16 de enero del 2015, la dirige James Marsh, actúan: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Harry Lloyd y otros, y es de Gran Bretaña. Valdrá toda la pena verla, y entrarse en el mundo del portentoso cosmólogo.

Me gustan tus arrugas: Gerontofilia

–¿Protector solar?

–¿Y si aterrizamos en Palm Springs?

–Ya te lo he dicho, me gustan tus arrugas

Imagina una relación amorosa que rompa los estándares que se han venido manejando desde hace años, en donde el amor, la pasión y el deseo sean los únicos que te digan qué hacer. Ese es el caso de Lake, un joven de 18 años que descubre que sus intereses han cambiado y que el placer que necesita ya no se lo puede dar su novia, sino el señor Peabody.

Gerontophilia_KeyArt Peabody es un señor de 80 años que vive en una residencia de ancianos, misma en la que Lake entra a trabajar y en la cual descubre su gerontofilia, inclinación sexual que para muchos es inconcebible.

 Imagina tener relaciones sexuales con alguien más grande que tú, en donde  estén de por medio  canas, piel flácida, arrugas y ese olor tan peculiar que caracteriza a las personas de la tercera edad. Imagina que la única manera de encontrar satisfacción y llegar al clímax sea así, con una persona que podría ser tu abuelo.

 Pues si nunca habías escuchado este término, entonces tienes que ver esta película canadiense del director Bruce La Bruce titulada así, Gerontofilia, en la cual el deseo y las relaciones amorosas son llevadas al siguiente nivel. Si piensas que de por si eso ya es bizarro, añádele que en esta relación con un abismo de años muy grande se maneja igualmente una relación homosexual.

 Puede que no sea nada sorprendente ni del otro mundo, pero cuando salen a la luz casos así, aún hay personas que no lo aceptan o repudian. Pero este no es el caso del director Bruce, ya que en su línea cinematográfica se ha caracterizado por traspasar las barreras y desestabilizar las normas tradicionales de la homosexualidad e identidad de género, siendo conocido como el pornógrafo punk.

 Gerontofilia es un filme canadiense protagonizado por Pier-Gabriel Lajoie, Walter Borden y Katie Boland y fue estrenada el 14 de febrero del 2014, que hará que veas como las relaciones sentimentales van más allá de la edad, en donde el amor es vivido en un viaje que no se logra  concluir pero que está lleno de celos, pasión y aventura.  Así que si quieres salir de la rutina y ver algo que no aparece todos los días en la pantalla grande no te la puedes perder.

Fotogramas de un corazón de náufrago : El cine de Eliseo Subiela

Eliseo  Subiela
Eliseo Subiela

Eliseo Subiela es uno de los directores latinoamericanos que podría  acceder (en algunos de sus trabajos) a la  categoría de “poeta del cine”, tal como lo denominaba aquel monstruo de la cinematografía y poeta de la imagen Andréi Tarkovski. Subiela nació en 1944 en Buenos Aires, Argentina, su formación como cienasta se  remonta a un breve paso por la Escuela de cine de La Plata.

El  no  soportar  la  realidad lo  llevó a  hacer  del  cine  un  refugio; admirador  empedernido de  Julio Cortázar y músico frustrado, como  ha  hecho  saber en algunas  ocasiones “hago  cine  porque no puedo tocar el saxo”. Subiela impregna sus filmes de un trance  completamente metafórico, siempre apoyado de un buen manejo  del  lenguaje  poético en  sus  guiones y tropos  visuales.

Con  17  trabajos audiovisuales , Subiela explora los  sentimientos de la humanidad posmoderna con un toque  místico, expone al  hombre  sufriendo su propio  naufragio, las  pasiones humanas, cuestiones  metafísicas, la  muerte, el  egoísmo, el amor, la locura, la  vida rutinaria de ciudad y la monotonía del  sedentarismo, todo con una  poética  que  aspira  a  filosofía, expuesta a través de  agudas  preguntas retóricas:

“¿Cómo amar sin poseer?”

Aquí  les  presento  mi selección  y recomendación de  los  5 trabajos  mejor logrados por  Eliseo Subiela que, con corazón de naufrago siempre apela  a la universalidad del amor,   nos  devela  el  encuentro entre hombre y mujer en extremos distintos de  una situación, como  epílogo o preludio de un naufragio.

El lado oscuro del corazón(1992)

thumb_movie-el-lado-oscuro-del-corazon_2.233x330_q95_box-8,0,525,768

 

Esta  es  quizá  es la  película  más  reconocida  de  Subiela.  El  Film es una coproducción entre Argentina y Canadá. Ambientada en Buenos Aires y Montevideo, es protagonizado por  Dario Grandinetti, Nacha Guevara y Sandra  Ballesteros,  sin duda, una  de  las  películas que  valen tan sólo por  su  guión.

Subiela  logra combinar  la  poesía  de  Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti (quién aparece en la película), con la  narrativa  de  la  historia  sin hacerlo forzado, además de  reforzarlo con una poética  visual de  época que engloba la  disyuntiva  del  amor y la muerte, la  soledad, la vida en sudamerica después de las dictaduras y la  decadencia  social.  El lado oscuro del Corazón es  la lucha de Eros y Tanatos, un bolero hecho cine.

Mira la película aquí.

Hombre  mirando al sudeste(1986)

Hombre_mirando_al_sudeste-539575931-large 

Filme consecuencia del documental Un largo  silencio que  Subiela  filmó en 1963 sobre  un hospital psiquiátrico. La  película  aborda  el tema  de  la  locura desde  la vida de un interno, cuestiona los  procesos psiquiátricos y la misma  categorización de la locura como  enfermedad, ¿quiénes  son los  enfermos, los internos o la  sociedad?.

La  película es  protagonizada  por Lorenzo Quinteros  y Hugo Soto, en ella Subiela  logra un gran guión que nos  regala  estupendos y mordaces monólogos, además de secuencias visuales estridentes  como la interpretación de El beso de René Magritte. El mismo Subiela describe a la película como una experiencia  redonda.

Mira la película aquí.

 

 

 

Ultimas imágenes del Naufragio (1988)

 

 uinaufra

Para muchos esta es su mejor  película, paradójicamente  fue un fracaso en taquilla. Sin embargo, recibió muchos  premios en el  extranjero. Protagonizada por Lorenzo Quinteros, Noemí Frenkel y Hugo Soto.

El filme es  una metáfora de  la  crisis  económica de fines de los  años ochenta. Cuenta  la  historia  de un vendedor de seguros que pretende  escribir  una gran novela, éste conoce a Estela  y a su familia.

La historia, rica en el misticismo  metafórico  que  caracteriza a Subiela y, sin dejar de  lado la crítica a las  condiciones  sociales de  vida, muestra el subsistir  diario en la decadencia de las ciudades, con maestría  en el  guión-como siempre o  casi siempre- desnuda en los diálogos a esos aspectos ásperos del vivir en las urbes y, nos hace escuchar al  grito generalizado que  regularmente aguarda en silencio:

-¿A qué se dedica?

-A sobrevivir, todo lo que  no signifique agachar la  cabeza,  decir “sí señor”, empleos, órdenes. Nada de subordinación. A algo de  valor.

Mira la película aquí

.

El  resultado del amor (2007)

 

El resultado del amor

Protagonizada por  Sofía Gala Castiglione y Guillermo Peening. La historia nos lleva por los caminos de la transgresión, el amor, la prostitución, el misticismo, los  contrastes entre las  villas y la ciudad,  la muerte en la vida y  el huir de ella,  El  resultado del amor, se  trata de  engañar a la muerte, de la singularidad en lo aparentemente cotidiano. La película tiene una especie de intertextualidad  con Hombre mirando hacia el sudeste, y es aderezada por las  Greguerías de Ramón Gómez de la Serna, un toque de jazz con Billie Holliday. Hace del encuentro de  una botarga y un payaso lo más romántico,  o bien de un ex abogado con una prostituta, o de  otro modo, de una mujer violada con un saxofonista.

Mira  la película aquí.

 

 

El lado  oscuro del corazón 2 (2001)

 

2001 El lado oscuro del corazon 2 (esp) (dvd) 01 (1)

Una coproducción entre España y Argentina. Protagonizada por  Darío Grandinetti, Sandra Ballesteros, Ariadna Gil y Nacha Guerra. Esta vez con la  poesía  extraordinaria de Alejandra Pizarnik. Otro Fracaso en taquilla, si se  le  compara con  su predecesora. Sin embargo, al mantener las  tablas de la primera parte es un filme que riquísimo en el  guión, y en metáforas  visuales, además de  la dualidad  tánatos-eros, la película agrega  una  nueva  variante: el  tiempo, éste juega  un papel peculiar al ser el que  lleve  la  batuta  en el  juego de las  preguntas  retóricas.

¿La pasión  sobrevive al  tiempo y a la distancia, ante  el  ocaso de  magia, al inexorable paso del tiempo en el corazóna, a los  pasos hacia  atrás y la  gravedad horizontal?

Mira  la película aquí.

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

La reestructuración de los nuevos géneros cinematográficos

cine mexicano

Conforme fui creciendo, casi involuntariamente he tenido una visión malinchista hacia el cine mexicano, no porque genuinamente crea en ello sino gracias a los comentarios negativos y a la aversión de la escena mexicana del cine por una afinidad de gente a mi alrededor.

 Lamentablemente ha llegado a ser cierto, el cine mexicano carece de una imagen atractiva para muchos, debido a la constante tosquedad, vulgaridad y desfachatez que aparecen en él. A veces me pregunto si la falta no la tuvieron los mismos artistas contemporáneos (1982-2002) sino la generación mexicana educada por medio de una formación católica acostumbradas a un cine mas amable. Pero el arte es una reproducción de la realidad y la época de oro mexicano fue solamente una repetición cómica de la pobreza mexicana con figuras jocosas que hacían olvidar las penas que la misma audiencia vivía al momento de ver aquellas películas.

 En aquella época, el cine mexicano repetía la situación de pobreza e injusticias. Aun así, el publico tenia una gran variedad fílmica a escoger en los matinés y salas de cine gracias a los dramas y comedias con personalidades tales como Marga López o Mario Moreno Cantinflas. Se podía dar el lujo de ver otros géneros sin herir el mercado nacional.

 Con la llegada del nuevo milenio (Nueva era del cine mexicano) cineastas decidieron relatar la realidad mexicana sin tapujos. Registrando escenarios que se asemejaban a la situación critica de la delincuencia y criminalidad que embargaba la sociedad. Los mexicanos se evitaron ver el cine mexicano y prefirieron consumir el cine americano, al evitar escenas sexuales explícitas, lenguaje obsceno o situaciones violentas gráficas. Gracias al éxito de mexicanos en el extranjero, llegó a las escuelas de cine una nueva camada de estudiantes mexicanos que pronto harían que proliferarían el cáncer del cine mexicano.

 Al imitar géneros europeos, estudiantes trabajan el genero contemplativo donde la forma es la materia principal para contar una historia, dejando de lado al guion que fuera el cimiento de la obra cinematográfica. El cine mexicano deja de financiarse por los grandes estudios y comienza a financiarse por los mismos autores con la escasa ayuda del IMCINE o FIDECINE. Durante el 2013 el IMCINE solo otorga 9% y 20% en fondos para proyectos mexicanos los porcentajes se basan en las 1283 solicitudes para la producción de cortometrajes, de los cuales solo se llegaron a financiar 161 de ellos. De las 179 solicitudes para los largometrajes, solo 23 proyectos se llegaron a financiar. 249 millones espectadores asistieron a las salas nacionales en 2013, de los cuales 30.1 millones vieron películas mexicanas.

 Estas cifras alarmantes solo deben de concientizarnos, la audiencia mexicana no toma enserio el trabajo de los nuevos cineastas a causa de ciertos proyectos pretenciosos. No hay que confundir la simpleza con el arte contemporáneo. Debemos de tomar en serio el arte de hacer cine y dejar de utilizar la cámara como un recurso sino como una herramienta para la elaboración de nuevos esquemas. El cine mexicano debe de tener una reestructuración. Los maestros deben de empezar a enseñar a los estudiantes a tomar géneros del pasado, y así invitar a los estudiantes a formar una voz propia, y tomarse en serio el arte de registrar con el fin de contar historias que inspiren a una audiencia mexicana que necesita de un cambio social.

 La era digital nos alcanzó pero no hay que olvidar que debemos de hacer valer el tiempo que se dedica para hacer cine. Hay que tener una responsabilidad en el campo cinematográfico, y filmar dignamente con valor y respeto a este arte.

Ambulante en Vive Latino 2015

Hace unas semanas se dio a conocer el cartel completo del festival Vive Latino para su edición número 16, próxima a llevarse a cabo en 2015. Decenas de bandas distribuidas en los tres días de duración de este evento, del 13 al 15 de marzo.

 Sin embargo, aunque el hecho de que se reúnan proyectos nacionales e internacionales es, como tal, la meta primordial y el objeto de la realización de un evento de esta magnitud, se convierte también en motivo de congregación de distintos círculos y disciplinas que convergen en la misma línea temática: la música.

 Ejemplo de ello es el trabajo en conjunto que Vive Latino ha desarrollado con Ambulante, evento cinematográfico enfocado de lleno a la difusión de material documental, cuyas proyecciones circulan a lo largo de distintas sedes en todo el país durante meses. Ambulante hace una parada especial dentro de un espacio que poco a poco se ha ido incrementando y consolidado durante su participación activa en el marco de este Festival.

 La llamada Carpa Ambulante es considerada ya parte de la tradición del Vive Latino, y ofrece una distinguida lista de títulos particularmente dirigidos a los amantes del mundo de la música, público asiduo que también ha forjado en sus proyecciones dentro y fuera de los días que dura el festival. A continuación te presentamos la selección que esta gira de documentales ha destinado para proyectarse en los tres días del Vive Latino:

 

20 000 Days on Earth (20 000 días en la Tierra)

Dir.: Iain Forsythy y Jane Pollard

Es una producción de 2014 que retrata un poco de la vida cotidiana del músico australiano e ícono contemporáneo Nick Cave. Es etiquetado como docu-drama puesto que, pese a tratarse de un documental, se combina con una ficción cuya particularidad es que fluye sin guion alguno, por lo que el producto final resulta poco más provocador al crear del propio Cave un personaje en sí mismo. Se muestran parte de sus procesos creativos y hay apariciones de figuras importantes en la vida del artista, como Kylie Minogue, quien fuera pareja del también actor.

 

A Band Called Death (Una banda llamada Death)

Dir.: Jeff Howlett y Mark Covino

En uno de los pósters que promociona este documental, se lee: “Before there was punk, there was a band called Death” (“antes de que hubiera punk, hubo una banda llamada Death”). Situado en la década de 1970, narra la historia de una banda llamada así, Death, conformada por tres hermanos adolescentes que lograron grabar un single y hacer algunas presentaciones, pero debido al auge de la música disco en aquella época, su proyecto padeció el (des)atino de adelantarse a su tiempo, y se disolvió antes de lograr grabar un álbum. Death recibe hasta ahora la atención y reconocimiento que no le fueron concedidos antes, y es nombrada como la verdadera banda pionera del género.

 

Björk: Biophilia Live (Björk: Biophilia en vivo)

Dir.: Peter Strickland y Nick Fenton

En poco más de hora y media de duración se registra uno de los recitales que tuvo lugar en Londres y que fue parte del tour que trajo consigo la última entrega discográfica de Björk llamada precisamente, Biophilia, en 2011. Queda de manifiesto la sublime esencia de la descomunal artista islandesa, y hace al público parte de la atmósfera que crea sobre el escenario, con estrafalarios vestuarios, armioniosos juegos de luces y aquella inconfundible voz de fondo.

 

The Devil and Daniel Johnston (El diablo y Daniel Johnston)

Dir.: Jeff Feuerzeig

La vida de Daniel Johnston, artista maníaco-depresivo, parece destinada a las caídas y los tropiezos. Esto, a la par de su padecimiento de bipolaridad, es en gran parte responsable del talento que el estadounidense ha desarrollado desde joven, participando activamente en el cine y la música, además del dibujo. Un retrato de Johnston que muestra cómo la locura puede ser perfecta compañera de la lucidez creativa. Una suerte de alterego, tal y como lo sugiere el propio título de este documental, en circulación desde 2005.

 

 Everything Will Change (Todo va a cambiar)

Dir.: Justin Mitchell

¿Quién no habrá escuchado aquella memorable canción llamada Such Great Heights? Parte del álbum Give Up, de The Postal Service y firmado bajo el sello discográfico Sub Pop. Pese a la popularidad adquirida, esa fue la primer y única placa que materializó el grupo integrado por Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie), Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis. La mayoría de sus nuevos fans nunca pudieron verlos en vivo por lo que, para celebrar la primera década de vida del mencionado álbum, la disquera lanzó una versión extendida y la banda se reunió para salir de gira alrededor del mundo. Este documental muestra entrevistas íntimas y material de archivo tras bambalinas.

 

For Those About to Rock: The Story of Rodrigo and Gabriela

Dir.: Alejandro Franco

Este documental, dirigido por uno de los periodistas musicales actuales más reconocidos, cuenta el ascenso del dúo de músicos independientes. Es la historia de Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, mexicanos que a temprana edad decidieron tomar el riesgo de perseguir sus sueños y vivir haciendo lo que más aman: música. Un inspirador y extenso viaje que les ha llevado a tocar desde en hoteles y restaurantes, hasta en algunos de los escenarios y festivales más importantes del mundo.

 

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky (¿Es feliz el hombre que es alto?: una conversación animada con Noam Chomsky)

Dir.: Michel Gondry

“Un filme, un documental, una conversación”. La más reciente producción de Michel Gondry presenta una serie de entrevistas con el lingüista y filósofo Noam Chomsky. Es un documental animado que, con la ayuda de alucinantes y coloridos dibujos —creados por el propio realizador francés—, construye un retrato de Chomsky como profesor eminente y como hombre común. Una conversación hasta cierto punto compleja, donde la creatividad y la imaginación sirven para suavizar el rigor intelectual.

 

Last Days Here (Últimos días aquí)

Dir.: Don Argott y Demian Fenton

Bobby Liebling lleva 36 años definiendo qué es el hardrock a través de su banda Pentagram. Momentos de autodestrucción, conflictos entre sus miembros e infructíferos acuerdos con disqueras parecen haber condenado a la banda a la oscuridad musical. Después de pasar décadas escondido en el sótano de sus padres, por fin la música de Bobby es descubierta por la escena underground del heavy metal. Con la ayuda de Sean “Pellet” Pelletier, su amigo y manager, Bobby lucha por vencer a sus demonios.

 

Living Stars

Dir.: Mariano Cohn y Gastón Duprat

En Buenos Aires, Argentina, se documenta a decenas de personas reales, de todas las edades e identificadas con su nombre y profesión, bailando en espacios cotidianos de la ciudad sudamericana. Los dos realizadores de esta producción viajaron con su cámara al hogar de diversas personas, y les pidieron que escogieran una canción y la bailaran durante el tiempo que durara. Secretarias, administradores, instructores de judo, dentistas, estudiantes y niños bailan frente a la cámara, dando como resultado un documental poco convencional y sin diálogos.

 

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados)

Dir.: Florian Habicht

Estrenado en México en el marco de la pasada edición del Festival de Cine de Guanajuato, el documental de la banda liderada por Jarvis Cocker cuenta la historia detrás de una de las presentaciones de la agrupación que tuvo lugar en Sheffield, en 2012. Este lugar que, junto con la banda es “uno mismo”, según el propio Cocker. En este material audiovisual se incluyen entrevistas a los fans en espera del mencionado recital, además de pequeños gestos que precisan con dedicación la esencia PULP.

 

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

Dir.: Francesc Relea

La historia da incio junto al mar y continúa en un viaje sigue a los dos artistas, cómplices y amigos, a la par de Dos pájaron contraatacan (un tipo de “secuela” de la gira Dos pájaros de un tiro, que tuviera lugar previamente, en 2007), gira que desarrollaron en conjunto ambos artistas, en 2012. “Serrat es el símbolo. Viaja por América Latina desde hace 45 años. Además de la huella que dejó en su exilio mexicano, en Argentina y Chile sigue vivo el recuerdo de su compromiso contra los regímenes militares (…) Sabina es el cuate: el amigo, el colega, el cómplice para los mexicanos”

 

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Supermensch: la leyenda de Shep Gordon)

Dir.: Mike Myers.

Mike Myers aborda la carrera de un íntimo conocedor de Hollywood, el talent manager Shep Gordon. Tras aparecerse y adentrarse en el mundo del entretenimiento, Gordon hace amistad con Janis Joplin, Jim Morrison y Jimi Hendrix, y fue manager de Alice Cooper, Blondie, Luther Vandross, Teddy Pendergrass y Pink Floyd… por nueve días. El documental acecha la transformación de dicho personaje desde su época de hedonismo en la década de los 60, hasta el practicante religioso que se ha convertido ahora.

 

We Don’t Care About Music Anyway (De cualquier forma la música no nos interesa)

Dir.: Cédric Dupire y Gaspard Kuentz

Desde un  tornamesas, pasando por innovación musical desde una laptop y a través del robo o sampleo de música clásica, la escena avant-garde musical de Tokio confronta música y ruido, sonido e imagen, realidad y representación, documental y ficción. Esta producción muestra cómo más allá de la música y de su interpretación, el futuro y modo de existir de una ciudad, y de su sociedad en sí, está en su movimiento.

Ambulante, que en ediciones anteriores del Vive Latino ha agasajado a sus consumidores visuales con joyas como Blur: No Distance Left To Run y The Libertines: There Are No Innocent Bystanders en 2012, The Chemical Brothers: Don’t Think y Searching for Sugar Man en 2013, y Peaches Does Herself y The Punk Singer, deja altas expectativas tras revelar su selección para 2015. Ya, que llegue marzo.

 

| Para más información, consulta:

Ambulante

Vive Latino

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

Captura de pantalla 2014-12-12 a la(s) 17.46.07

“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

Captura de pantalla 2014-12-09 a la(s) 21.15.21

Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

25 años tras la caída del Muro de Berlín

Para acabar bien el año, Casa de Lago presenta La vida sin el muro. 25 años de la caída del muro de Berlín, un ciclo de cine que concluirá el próximo domingo 14 de diciembre. Aun tienes la oportunidad de disfrutar de las últimas dos proyecciones: Ningún lugar adonde ir y La sombra del caudillo.

berlin

 Ningún lugar adonde ir es una película dirigida por Oskar Roehler en 1999, la cual narra la historia la vida de la escritora Gisela Elsner, madre del director, a quien le fue imposible adaptarse a la nueva sociedad tras la caída del muro. De acuerdo con la prensa alemana, este filme es una de las metáforas más brillantes sobre la forma de ser y vivir después de la caída del Muro de Berlín.

 La sombra del caudillo, dirigida por Julio Bracho en 1960, se basa en la novela del escritor Martín Luis Guzmán, la cual narra la historia de sucesión presidencial que ocurrió años posteriores a la Revolución Mexicana. Esta película fue censurada durante 30 años tras un argumento emitido por la Secretaría de la Defensa Nacional en el que se decía que la película denigraba a México y sus instituciones.

 En las proyecciones pasadas se apreciaron Después de la revolución, de Dörte Franke y Marc Bauder; Berlín Babel, de Hubertus Siegert y Goodbye Lenin, de Wolfgang Becker.

 La cita es el próximo sábado 13 a las 17:00 horas y el domingo 14 a las 15:00 horas en la Sala Lumiére de Casa de Lago

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

the-purge-2013-webdl-1080p-mkv_002362359

Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

NYFCC Awards 2014, o de posibles predicciones a los Premios Oscar 2015

Luego de la consumación de distintos festivales cinematográficos a lo largo y ancho del mundo, y durante todo el año, los últimos meses de éste se resumen a una especie de trance reflexivo que arroja como resultado el anuncio de la posible agrupación de cintas contendientes a la estatuilla de oro en sus numerosas categorías. Los premios Oscar: de dudosas tendencias, entendido cada vez menos como un galardón de prestigio, pero sin duda alguna una de las condecoraciones más afamadas.

 La lista definitiva —acordada por la propia Academia estadounidense, conformada por cerca de seis mil miembros entre actores, directores, productores, cinematógrafos y demás figuras de la industria— se da a conocer de manera pública en una ceremonia especial, para posteriormente llevar a cabo la respectiva premiación, evento magno de Hollywood, desarrollada en el marco de la popularmente conocida «Temporada de premios».

 Recientemente tuvo lugar la edición 2014 de la entrega de los New York Film Critics Circle (NYFCC, por sus siglas en inglés), ceremonia a cargo de la asociación estadounidense, fundada en 1935, que, debido a su proximidad a la mencionada ceremonia de los premios Oscar —a llevarse a cabo en la segunda mitad del mes de febrero de 2015—, y puesto que se desarrolló en el mismo país norteamericano, los resultados de dicha entrega aparecen como predicciones muy acertadas para la ceremonia de los Oscar.

En resumen:

 La ambiciosa Boyhood —distribuida en español como Momentos de una vida, cuyo rodaje se extendió por cerca de doce años, fue la acreedora al galardón a Mejor Película, al igual que su director, Richard Linklater, artífice de la trilogía compuesta por Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), fue premiado como Mejor Director.

Ethan Hawke participó de manera muy activa en todo el trabajo que implicó Boyhood, cinta de la que también es actor, interpretando el papel del padre del protagonista. La dupla Hawke-Linklater resulta infalible luego de la trilogía de mencionada anteriormente, con Ethan en el rol masculino principal.

 El premio a Mejor Actriz fue para Marion Cotillard por su participación en dos cintas: The Immigrant, largometraje en el que actúa junto a Joaquin Phoenix, y Two Days, One Night, producción belga de 2014, parte de la selección de Cannes y cinta incluida en la 57 Muestra Internacional de la Cineteca. Por su parte Timothy Spall como protagonista de la biopic del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, fue galardonado como Mejor Actor.

 Ida, la sobresaliente cinta polaca dirigida por Pawel Pawlikowski, presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y también parte de la más reciente Muestra de la Cineteca, recibió el reconocimiento como Mejor Película Extranjera.

 La carismática cinta protagonizada por los curiosos juguetes de tez amarilla, The Lego Movie, fue premiada como Mejor Película Animada; mientras que el estéticamente intachable estilo del cine de Wes Anderson se hizo del premio de Mejor Guión por la cinta The Grand Budapest Hotel.

 Todos los anteriores son títulos ya conocidos, vistos por millones y aún en circulación para disfrute de otros tantos; los actores son figuras consolidadas, e incluso queridas por el público seguidor. Luego de la complaciente edición de 2014 a cargo del Círculo de Críticos Neoyorkino no queda más que aguardar la pasividad del fin de año en espera de las noticias que traiga consigo el inicio de 2015 en cuanto a materia cinematográfica se refiera. Pongámonos cómodos y vayamos preparando las palomitas.

Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

tumblr_ncp3vezLIA1qjaa1to1_1280
La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

Últimos días de la Muestra Internacional de Cine

La 57 edición de la Muestra Internacional de Cine, llevada  a cabo en la Cineteca Nacional, está a unos días de acabar, así que tienes hasta el 24 de noviembre para disfrutar algunos de los 14 títulos procedentes de Argentina, Polonia, Turquia, Suecia, Cuba, EE.UU., Canadá, Francia, Reino Unido, China, Rusia y México.

A este evento se suman a la programación la Muestra de Cine Español, el ciclo José Revueltas guionista y el Festival DOCS DF, con la retrospectiva  de Godfrey Reggio y el homenaje a Les Blank.

Aquí algunas de las películas que podrás disfrutar:

Sólo los amantes sobreviven

Jim Jarmusch. Reino Unido – Alemania, 2013

Desarrollada en las ciudades de Detroit y Tánger, Adam, un músico underground profundamente deprimido, se reúne con su enigmática amante, Eve. Su amor ha prevalecido por años, sin embargo su libertino idilio se verá interrumpido por Ava. ¿Podrán sobrevivir mientras el mundo se derrumba a su alrededor?

Mommy

Xavier Dolan. Canadá, 2014

Una ley en Canadá permite a los padres abandonar a sus hijos en el hospital cuando estos tienen problemas. Die intenta educar a su hijo Steve, que padece trastorno de déficit de atención, sin embargo, Kyla, una vecina, ofrece su ayuda. Su presencia es cada vez más intensa, por lo que comienzas a surgir preguntas sobre su vida y vínculo con Die y Steve.

La cita es en la Cineteca Nacional (Av. México-Coyoacán #389). *El costo para el público en general es de $40. Taquillas abiertas de lunes a domingo de 11:00 a 21:00 horas.

*$25 con credencial vigente de estudiante, maestro o del INAPAM
Consulta la cartelera

De: Little Ashes. Dalí, Lorca y Buñuel.

dali

 Vemos a un joven recién desempacado con ropas a la antigua usanza ante la incrédula mirada de los otros estudiantes. Es un joven que da trazas de tímido, de inseguro. Una pintura cubista en el cuarto que servía de alojamiento a un genio en potencia, encargado de su construcción. Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech es la respuesta a la pregunta de otro joven por su nombre; quien lo pregunta es Luis Buñuel, llama a todos y presenta a un estudiante: Federico García Lorca. A partir de aquí empieza el viaje.

 Robert Pattinson interpreta a Salvador Dalí, de un modo extraño. Parece no del todo dueño del carácter del intrigante personaje y sin embargo va bien resuelto. Los otros dos son Javier Beltrán y Matthew McNulty.

 La película Little ashes dirigida por Paul Morrison nos adentra en el mundo de tres mentes por demás brillantes: un cineasta, un escritor y un artista plástico. Luis Buñuel, Federico García Lorca y Salvador Dalí. Sus inicios en la Residencia para estudiantes de Madrid, el amor no consumado entre el escritor y el pintor y la rivalidad amorosa entre Buñuel y Lorca por la disputa de la atención del potencial genio.

little

 Hay escenas que no pueden ser dejadas de lado, y especial cuidado del director en traer la casa de Dalí y todos los referentes que conocemos de la historia. A medida que avanza la película conocemos también a Gala “Galushka” a quien el mismo Dalí nombró como su alma gemela—, el cambio radical que el pintor sufre en el nido de las creencias y las aspiraciones; la separación de Lorca y las referencias a “Un perro andaluz” (cortometraje surrealista hecho por Buñuel y Dalí), y acá vemos a Lorca, el andaluz por cierto. “¿De dónde exactamente soy?”. El amor del poeta a su pueblo y sus tradiciones, el ascenso de su carrera a la que no se presta especial tiempo y la muerte de Lorca a manos de la horrible guerra Civil Española.

 Es difícil encontrar la película en México, tontamente la encargué a Estados Unidos y si lo digo es para que no hagan lo mismo. En internet la hallan, y vale toda la pena verla. Las actuaciones de McNulty y Beltrán son por demás acertadas y qué mejor que ser testigos de una película que habla de seres por demás representativos de una época, para la historia.

cenniciat El título “Little Ashes” viene de una carta que escribió Lorca a su bienamado amigo Dalí y de la que a continuación reproducimos el fragmento:

“Acuérdate de mi cuando estés en la playa y sobretodo cuando pintes las crepitantes y únicas cenicitas ¡Ay mis cenicitas!  Pon mi nombre en el cuadro para que mi nombre sirva para algo en el mundo y dame un abrazo que bien lo necesita tú Federico”

 La película es Hispano-Británica y fue estrenada  el 7 de octubre de 2008.

 Dalí en alguna ocasión:

Él era homosexual, todos lo sabían, y estaba locamente enamorado de mi… Intentó follarme dos veces… Yo estaba muy molesto porque no era homosexual, y no estaba interesado en ceder. Además, duele. Así que no me aportó nada. (…)

 Las cartas hacen evidente una relación más allá de la llana amistad y es de acá de donde la guionista toma carne para la historia. No pierdan la oportunidad de verla.

Acá va el trailer:

 

 

Trainspotting: la novela de Irvine Welsh

Cuando escuchamos la palabra Trainspotting puede que sea totalmente ajena a nosotros o que nos obligue automáticamente a recordar aquella película de 1996 dirigida por Danny Boyle, la cual muestra las aventuras y desventuras de un grupo de heroinómanos procedentes de Edimburgo: Mark Renton, Sick Boy, Spud, Francis Begbie y Tommy (Begbie solo es alcohólico y Tommy se vuelve consumidor tiempo después): seis individuos que tienen como única preocupación el saber cuándo y cómo será su siguiente dosis.

Escena de la película de Danny Boyle
Escena de la película de Danny Boyle

 Entre todas estas peripecias se ven los intentos fallidos por dejar la heroína, la depresión y síndrome de abstinencia que puede generar el “estar limpio”, lo frecuentes que son las sobredosis, el riesgo de contraer SIDA y su poco o nulo interés por llevar una vida de mejor calidad.

 En los últimos años se ha convertido en una película de culto entre jóvenes y adultos; en su momento causó escándalo la forma tan cruda en que se muestra el mundo de las adicciones y toda consecuencia que genera el pertenecer a tan nocivo gremio. A pesar de lo realista que pueda ser la película (sin dejar de lado que es una excelente adaptación que incluso fue llevada al teatro) el libro lo es aún más.

 La mente detrás de toda esta crudeza relatada en cada una de sus historias es el escritor Irvine Welsh —quien cuenta con una breve aparición en el film—, de origen escocés, al igual que sus personajes. 

Trainspotting originalmente fue lanzada en entregas semanales en la revista literaria Rebel Inc. (1991). Posteriormente, en 1993, se recopiló y publicó el libro completo. A pesar de la indignación que generó, las malas críticas y el poco éxito augurado, significó el salto a la fama del autor y que éste se hiciera de un sinnúmero de seguidores. Incluso hoy en día es novela más vendida de Welsh.

Portada del libro de Irvine Welsh
Portada del libro de Irvine Welsh

 El título hace referencia al pasatiempo de ver trenes, y a la vez es un juego de palabras para denominar el inyectarse heroína. El libro tiene un lenguaje poco rebuscado pero está lleno de modismos escoceses, que conforme avanzan los capítulos son explicados, además de que en diversas ocasiones hace alusión al fútbol (al cual Welsh y sus personajes son aficionados), la música del momento y películas o actores. Las historias son  mayormente narradas desde la perspectiva de Renton (personaje principal, que al igual que Spud o Sick Boy  aparecen en otros libros del mismo autor, como Porno, secuela de Trainspotting, y Acid House) que de todos los personajes es el más consciente de su dura realidad.

 El futuro es algo impensable y muy poco o nada va a cambiar estando en Edimburgo, en ese lado de la ciudad que no aparece en los festivales, en la capital de la desocupación, la prostitución y el SIDA. Todo esto no es narrado de forma solemne, sino a través de un humor negro y chusco con historias deliberadamente entrelazadas para atrapar al lector.

Ve la película aquí, y conoce más acerca de Irvine Welsh.

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

El encanto detrás de un Pelo Malo

Todo transcurre en Venezuela. Marta es una mujer que debe emplearse —bajo las circunstancias que se presenten, por difíciles que éstas resulten—, para mantener a sus dos hijos: un bebé de apenas unos meses, y un pequeño de nombre Junior. El resto del filme nos adentra en el muy particular universo de él.

 Este peculiar personaje de apenas nueve años se hace acompañar de su vecina en las andanzas aventuradas del vivir diario. Comparten algunos juegos, gustos y secretos en la complicidad de los ratos de ocio. Ambos deben tomarse unas fotografías para el colegio: ella aspira a hacerlo con un peinado, vestido y tacones altos, imitando a las misses que aparecen en la televisión, en los concursos de belleza; él, por su parte, desea solamente alaciarse el cabello y vestirse como un cantante.

 El inocente y empecinado afán en cambiar su apariencia física rebasa sus propios límites, al punto de permanecer largos ratos en el baño de casa, frente al espejo y con peine en mano, probando facilitar el proceso con los más extraños brebajes empleados como tratamientos capilares, todo esto a escondidas de su madre, quien conoce ya este comportamiento de Junior y le provoca un profundo rechazo hacia él.

 Junior conoce a su abuela, la madre de su padre —quien fallece de tiempo atrás, dejando viuda a Marta—, y comienza a crear un vínculo especial con ella; ella, amorosa cómplice que descubre en Junior mucho más de lo que su propia madre podría comprender y aceptar, y quien habrá de convertirse en un escape para su tirana realidad.

 Pelo Malo es el tercer largometraje dirigido por Mariana Rondón —precedido por A la media noche y media, de 1999, y Postales de Leningrado, película de 2007 de corte autobiográfico—, cineasta venezolana que también se ha desempeñado como productora y guionista de éste y otros filmes. De la mano de Marité Ugás y con el apoyo de la casa productora Sudaca Films, logra esta cinta en 2013, que ha circulado ya por distintos países y festivales, convirtiéndose a su paso en objeto de debate y polémica.

 Aunque con un motivo argumentativo aparentemente sencillo, como el aspecto del cabello del personaje principal, lo cierto es que la cinta involucra temas mucho más complejos. Atina a una certera descripción del entorno citadino venezolano, a ratos equiparable con el de la ciudad de México —y pudiera afirmarse que con muchas de las ciudades latinoamericanas—, bombardeado por los medios de comunicación masiva, la violencia —de distintos tipos, a diferentes niveles y escalas— adoptada casi como modo de vida, la difícil situación económica, la política, inclusive algo de religión; esto, enmarcado además con la discriminación, la intolerancia y la falta de empatía hacia la homosexualidad.

 Recientemente Mariana Rondón estuvo en México para presentar su más reciente producción en funciones especiales dentro de espacios como Cineteca Nacional y Cinépolis Diana. Previo a la proyección en la Cineteca se declaró feliz de estar en nuestro país presentando el filme, y honrada de hacerlo en un recinto como ése; posteriormente, ya concluida la película, se abrió un espacio de Q&A entre los asistentes y la realizadora.

 Explicó el porqué de centrarse en el tema de los concursos de belleza, tan enraizado en su patria —”allá las niñas aspiran a ser misses, y los hombres, militares”, explica—, además de bromear con el motivo del «pelo malo» —”en Venezuela, la segunda industria más importante, solamente seguida por la petrolera, es la del alaciado de cabello”—. Habló acerca de las aristas que el público encuentra en la trama de Pelo Malo; que a su paso por diferentes países, las distintas audiencias le han visto y recibido de maneras opuestas, y han enfocado su atención en distintos puntos para debatir en torno a múltiples temas que han ido desde la diversidad sexual, a la política y hasta el racismo.

 Ahondó también en la manera en que trabajó con sus actores —digna de destacar la plausible interpretación de Samantha Castillo como Marta, la enternecedora manera de Samuel Lange para dar vida a Junior y la chispa sin igual que Nelly Ramos entrega a la peculiar abuela—, con quienes el proceso de preproducción para trabajar el desarrollo de sus personajes fue de cerca de tres meses, logrando así un ambiente de familiaridad y confianza entre cada elemento del cast, y que, menciona, nunca habían trabajado en cine antes de esta película.

 

A mí no me interesa robarme la vida de un actor; me interesa
construir, con un actor, un personaje.

Mariana Rondón

 

 Hace algunas semanas formó parte del circuito de proyecciones realizado en el marco de MICGénero en su edición de 2014, ahora, la multipremiada Pelo Malo —parte de la selección oficial de festivales como el Toronto International Film Festival, y el Festival de San Sebastián en sus ediciones de 2013, además de situarse como una de las favoritas para representar a Venezuela en la próxima entrega de los Premios Oscar dentro de la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa— regresa a México por un periodo breve gracias a la distribución de Circo 2.12 en algunos recintos de la ciudad como complejos Cinépolis, Cineteca Nacional y Cine Tonalá.

 Te dejamos con material de Sudaca Films que muestra un poco de lo que sucedió durante del rodaje, y con el tráiler oficial de la película.

 

 

| Para más información, puedes consultar el sitio oficial de Pelo Malo.

Aún no acaba: Ciclo de Cine al Aire Libre

Si eres de esas personas que buscan saciar su pasión por el cine, definitivamente no te puedes perder las siguientes proyecciones que La Casa del Cine MX trae a través del Ciclo de Cine al Aire Libre.

 La siguiente proyección es “Rio 50 Degrees: Carry on Carioca!” dirigida por Julien Temple. Una película que muestra la otra cara de Rio de Janeiro, retratando el crimen, violencia y pobreza que se vive en el lugar que fue testigo de la Copa del Mundo y lo será próximamente en los Juegos Olímpicos.

Foto tomada de: 12bitcrunch.blogspot.mx/
Foto tomada de: 12bitcrunch.blogspot.mx/

 La cita este  martes 11 de noviembre a las 19:00 horas en el Atrio de San Francisco (Francisco I. Madero 7). En este mismo lugar se proyectará “Purgatorio”, de Rodrigo Reyes, el miércoles 26 de noviembre a las 20:00 horas, la cual reúne historias pequeñas que revelan la realidad que se vive en la frontera México-Estados Unidos a través de imágenes impresionantes.

Las últimas dos proyecciones se llevarán a cabo el miércoles 3 y 10 de diciembre. El día 3 “No quiero dormir sola” de Natalia Beristaín estará en Plaza del Aguilita (Mesones s/n. Esquina con Roldán). Y el día 10 “Pastorela”, película de Emilio Portes, en Plaza San Jerónimo (San Jerónimo. Entre Isabel La Católica y 5 de Febrero), ambas a las 20:00 horas.

Es importante resaltar que ya se llevaron a cabo la proyección de tres filmes en el mes de octubre en el Atrio de San Francisco, en donde se pudieron apreciar “Tijuana Sonidos del Norte”, de Alberto Cortés; “Buena Vista Social Club”, de Win Wenders y “Tercera Llamada”, de Francisco Franco.

*Entrada libre.

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


docs df
Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
felipe-OK
Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
doctubre_negro-525x300
Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

um
Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

A diez años de la capicúa de Fernando Eimbcke

temporada-de-patos1

Son apenas las once de la mañana cuando su madre lo deja solo en el departamento con unas cuantas advertencias, especificaciones y encargos como despedida. Flama se queda con Juan Pablo (“Moko”) para concretar el ritual semanal de videojuegos, Coca-Cola y toda la comida chatarra que asalten de la cocina. Es domingo.

 En el departamento 803 del edificio Niños Héroes de la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco se conjuntan en placentera armonía el ocio de los dos amigos y la dicha de satisfacerlo, sin padres cerca y con la única preocupación de elegir de qué sabor será la pizza que están por encargar.

 Suena el timbre y aparece un tercer personaje a cuadro, Rita, una vecina que pide a Flama utilizar el horno de su cocina para preparar un pastel; la posterior llamada a la cadena TelePizza y la escabrosa llegada de su repartidor trae consigo a Ulises, el sujeto que completaría este cuarteto de ordinarias pero al mismo tiempo peculiares figuras.

 Dos “niños” que se niegan como tales, con inquietudes un tanto disfrazadas de indiferencia, en busca de la personalidad propia y con curiosidades expresas. Una linda aunque acomplejada adolescente necesitada de atención y compañía. Un hombre que ha pasado por una gran cantidad de empleos sin sentirse satisfecho de sí mismo y viviendo al día bajo el eco absurdo del slogan de la empresa para la que presta sus servicios.

pat

 

 En Temporada de Patos se observa el desarrollo de la relación entre estos sujetos que, por alguna u otra razón, por accidente o casualidad, se ven obligados a convivir durante toda una tarde. Con algunos imprevistos ajenos a ellos mismos, esos lazos personales que comienzan a formarse parecen ser acelerados por las circunstancias que confluyen dentro del departamento que les cobija, como si éste les empujara de poco al desnudo emocional, al desahogo y a buscar en la otredad la comprensión que necesitan.

 Lo que podría parecer una línea argumentativa vaga y un tanto banal, deriva en un plano totalmente íntimo, en un retrato profundo de cada uno de los personajes que nos hace entender sus porqués. Moko, Flama, Rita y Ulises hacen de esa tarde singular e irrepetible, un afectuoso círculo de confianza, un descanso a sus vidas para coexistir en ese entorno vuelto una especie de caja de secretos que habrán de dejar unas cuantas horas después para nunca volver y, en cambio, enfrentarse al hastío y el desasosiego que les espera al cruzar la puerta hacia el corredor.

{erh

 Además de lograr un genuino y melancólico retrato en blanco y negro de la ciudad de México en que se rescatan locaciones como la Torre Insignia, los edificios de Tlatelolco en planos abiertos, y la belleza de la poesía visual que implica la estaticidad de un objeto cualquiera, en la cinta se incluyen también detalles que aluden de lleno a la manera habitual en que nos relacionamos, muy propias de nuestra cultura y convivencia coloquial, como poseer moneditas de la suerte en las que se depositan las más grandes esperanzas, el deslindarse de alguna acción con el simple hecho de ser el primero en decir la palabra safo, o aquel juego de intentar adivinar el color del caramelo al momento de morderlo.

"Somos cuatro, como los Beatles", dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.
“Somos cuatro, como los Beatles”, dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.

 

 Fernando Eimbcke aborda temas como la identidad sexual, los problemas en casa, la relación con los padres y la insatisfacción de la vida que se lleva —entre algunos otros—, en esta entrega de 2004 y ópera prima del mexicano. Escrita y dirigida por el propio realizador, Temporada de Patos celebró el pasado 22 de octubre los primeros diez años de su lanzamiento.

 Las condiciones de esta fiesta de aniversario resultaron un tanto románticas. Diez años atrás, la película se estrenó en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en una sala abarrotada de espectadores y hoy, en 2014, es ese mismo evento el que le rinde los debidos homenajes. Desde el mes de mayo se especulaba acerca de lo que se haría con respecto a la cinta a razón de su aniversario —que incluía, por ejemplo, la remasterización del filme—; se hablaba de la inserción de éste como parte del programa de actividades de algún Festival de cine de México y, finalmente, es durante la doceava edición del FICM, inaugurada el 17 de octubre y por clausurarse el día 26, que se han llevado a cabo proyecciones especiales —con salas llenas, nuevamente— para engrandecer la celebración.

 Estos “jóvenes entusiastas con deseos de superarse” embonan como un muy atinado testimonio atemporal de la juventud que, como los patos, buscan emigrar a lugares mejores, aguas nuevas y climas más cálidos. Es digna de rescatarse una cita de la película, un pequeño fragmento en el que Ulises instruye a sus compañeros en la dinámica del vuelo de los patos —en V, explica, para unir fuerzas con el vuelo compartido y sacar adelante a la bandada de aves— al mismo tiempo que los cuatro observan el cuadro colgado en la sala de la casa de Flama, firmado de 1991, acaso como el leitmotiv de este discurso cinematográfico y a manera de metáfora del recién creado vínculo entre ellos.

4bba5ff1c79cbpatos_aclucine

 

 Luego de su estreno, la cinta fue reconocida con múltiples galardones en los Premios Ariel, en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara e incluso en los Premios MTV de México en categorías como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Ópera Prima, Mejor Fotografía (por Alexis Zabé) y Mejor Música compuesta para Cine (trabajada en alianza entre Alejandro Rosso —Plastilina Mosh— y el trío musical Liquits). Luego de esta primera gran entrega, el trabajo de Eimbcke continuaría con filmes como Lake Tahoe de 2008 y Club Sándwich en 2013, además de sumar en su obra ejemplares de cortometrajes y videos musicales para proyectos como los propios Plastilina Mosh, Jumbo y Molotov.

 Temporada de Patos es una obra amena y ligera, aunque no por eso vacía, que atrapa poco a poco al espectador en la trama que se entreteje de cuatro extremos para converger en estado de común entendimiento, trama dentro de la que inevitablemente termina por identificarse de alguna u otra manera; ese domingo de inicialmente imperceptible, pero creciente autoreconocimiento que lleva de las risas a melancolía.

Los actores Enrique Arreola (Ulises), Daniel Miranda (Flama), Danny Perea (Rita) y Diego Cataño (Moko), volvieron recientemente a Tlatelolco para recordar aquel cuarteto de 2004

A continuación, el tema principal de la película a cargo de Natalia Lafourcade, entonces acompañada de La Forquetina.

 

A veinte años de los Tiempos Violentos

“Me sé de memoria un pasaje que va bastante bien para esta ocasión:

La senda del justo está bloqueada por todos lados por las inequidades del egoísta y la tiranía del malvado. Bendito aquél que por caridad y buena voluntad es pastor del débil en las sombras, pues él guarda a su hermano y encuentra a niños perdidos. Y yo destruiré con gran venganza y con furiosa ira a aquellos que intenten envenenar y destruir a mis hermanos. Y sabrán que mi nombre es El Señor cuando desate mi venganza sobre ustedes”.

 Las fuentes varían en la fecha exacta de su estreno, puesto que antes de su aparición comercial circuló por distintos festivales —el debut fue, de hecho, en mayo de 1994 en el Festival de Cannes— pero de acuerdo al día de su estreno en la cartelera estadounidense es hoy, 14 de octubre, que se cumplen veinte años de una de las cintas más emblemáticas de la década de los ‘90.

 Como la quinta entrega de su filmografía, Quentin Tarantino realiza Pulp Fiction en 1993, que es la recopilación de tres guiones que el estadounidense habría escrito de joven para desarrollarlos como tres distintos largometrajes. Tiempos Violentos, como fue traducida para su distribución en Latinoamérica, fue recibida con grandes expectativas luego del éxito obtenido con Reservoir Dogs (1992), cinta de la que también fuera director, además de guionista y actor. Por cierto, existía una cuarta historia que planeaba incluirse como parte del mismo filme, una que trataba de los atropellos de un robo frustrado de joyas. Esta pieza se trabajo de manera independiente a los otros tres relatos y fue la que fungió de soporte a la realización de Perros de Reserva, precisamente.

 Es aventurado hablar de un filme de este calibre, además de imposible señalar algo que no se haya dicho ya —para bien y para mal— acerca de esta pieza ícono de Tarantino. Homenajeando al cine de clase B y de bajo presupuesto, es una cinta que hace distintas referencias a la cultura pop, que incluye entre sus diálogos y escenas algunos guiños a la misma cinematografía y que, luego de envejecer de la mejor manera y a veinte años de distancia, también ha sido merecedora de algunos otros.

Sandy Olsson y Danny Zuko, en Grease (1978). Debajo, el mismo Travolta como Vincent Vega acompañado de Mia Wallace.

 

Comparación de fotogramas que sugieren una suerte de homenaje a Pulp Fiction de parte de la aclamada serie televisiva Breaking Bad

  Vincent Vega y Jules Winnfield, únicos. Ezequiel 25:17 recitado al pie de la letra como mantra. Cuadros y líneas memorables que han permeado a través de los años como quotes inconfundibles. “Does he look like a bitch?”, una Royale de queso —como les llaman en Ámsterdam, por aquello del sistema métrico—, papas de McDonald’s con mayonesa, y el baile de Mia Wallace en Jack Rabbits Slim’s en loop infinito…

 Nombrada así con base en el término real del vocablo pulp, con algunas de las características fundamentales del cine noir de los años ’40 como particularidades de su realización, aunque clasificada como neo-noir por su cinismo y el abordaje de entornos actuales, Pulp Fiction es varias historias unidas en una misma línea temporal, humor negro e ironía vertidas en la violencia que se extrapola en el relato visual.

“Revista o libro de contenido escabroso que suele imprimirse en papel mal acabado”, indica la descripción.

 El elenco final sufrió algunos cambios respecto al que se planeaba originalmente. El papel de Mia Wallace había sido pensado para Isabella Rossellini, la estrella del cine ochentero Molly Ringwald, Halle Berry, Meg Ryan y Michelle Pfeiffer —esta última, la favorita de Tarantino—; fue ofrecido a Thurman, quien lo rechazó, para tiempo después reconsiderar dicha negativa y finalmente  convertirse en LA Mia Wallace definitiva.

 Vincent Vega fue un personaje que tuvo que ser reescrito y para el que se consideraron nombres como Daniel Day-Lewis, Mel Gibson y Liam Neeson, luego del interés manifiesto por parte de los propios actores, aunque es el director quien se inclina por John Travolta.

 Jules Winnfield es interpretado por Samuel L. Jackson luego de que el actor se ganara de lleno el reconocimiento de Tarantino durante el casting de Reservoir Dogs. Por su parte, para Butch se buscaba el perfil de figuras como Mickey Rourke o Sylvester Stallone, pero es Bruce Willis quien interpretará al personaje adaptándose, además, al bajo presupuesto de este filme y aceptando recibir un sueldo bajo por su participación en él.

 Finalmente, con un cast de primera que incluye figuras como las citadas anteriormente —algunos de estos nombres, constantes partícipes de su filmografía— Tarantino logra consolidar un crew sólido para personificar a cada uno de los individuos que conforman la que ahora se encumbra en las primeras posiciones de numerosos conteos que enlistan las mejores películas de los ’90.

 

26_May_2014_13_28_02_2

 

 Pulp Fiction fue galardonada en la misma ceremonia de su estreno, en el Festival de Cannes, con la Palma de Oro. Acreedora a siete nominaciones para los Premios Oscar de ese año incluyendo las categorías más importantes como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor por John Travolta, Mejor Actor de Reparto por Samuel L. Jackson y Mejor Actriz de Reparto por Uma Thurman; y ganadora del Oscar a Mejor guión original. Reconocida también en las nominaciones a los Globos de Oro y Premios BAFTA de 1994.

 Luego de ella, vendrían entregas como Jackie Brown en 1997, Kill Bill en sus dos volúmenes (2003 y 2004, respectivamente), Inglorious Basterds en 2009 y la más reciente Django Unchained de 2012, todas de la autoría de Quentin Tarantino, piezas con diversos reconocimientos del gremio y que refrendan el perfectamente definido estilo de este cineasta, adorador de la violencia y la sangre, aunque sin lograr igualar el impacto de este filme.

 Rechazo hacia su trabajo por gran parte del público cinéfilo y admiración por parte de otro tanto, lo cierto es que el legado de esta cinta es innegable: se convirtió en una película de culto, un clásico contemporáneo y un infaltable en la memoria cinematográfico de las masas.

 Siempre un deleite revisitar ejemplares como el ahora homenajeado por sus primeros veinte años de vida. Rindamos los honores correspondientes subiendo el volumen a esta pieza musical, un shot de adrenalina a los oídos. Larga vida a los Tiempos Violentos.

giphy-21

 

México en el Reino Unido: Raindance Film Festival 2014

 Han apenas concluido los primeros días de actividad de la vigésima segunda edición del Raindance Film Festival de Londres, en cuyo programa se reúnen casi doscientas producciones de las que, algunas, figuran en competencia de categorías como Documental y Drama para largometrajes estadounidenses y mundiales, Cortometraje narrativo internacional, Cortometraje documental y Cortometraje animado. Otras cintas y documentales del film list harán aparición en los eventos del Festival sólo para una presentación formal, a manera de premieres oficiales a la crítica y al público. Habrá también apartados como Sundance Kids —enfocado a los niños, como su nombre lo dice— y From the Collection —cintas selectas—, entre otros.

Dentro de la lista de filmes a proyectarse en esta edición de 2014, México vuelve a enaltecer su nombre a nivel mundial en el ámbito cinematográfico con algunos ejemplares, dignos representantes. Cortometrajes y largometrajes figuran en el programa, aquí hacemos mención de algunos de ellos:

  • César Chávez. “El mexicano que desafió a Estados Unidos”. Es una biopic suyo proceso de realización se extendió por cerca de cuatro años. Narra parte de la vida de este personaje fallecido en 1993, líder y activista que, con protestas de no violencia, luchó por la defensa de los derechos civiles de los campesinos mexicanos en territorio yanqui. Con John Malkovich y Rosario Dawson como parte del elenco, y dirigida por Diego Luna, será la encargada de inaugurar la participación mexicana en el Festival.

 

  • Edén. Parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Guanajuato en la edición 2014, narra la historia de Alma, quien, luego de haber vivido en el extranjero junto con su padre, John, regresa a su pueblo natal para enterarse las posibles razones de aquella abrupta mudanza. Es una cinta de 95 minutos de duración filmada en San Miguel de Allende y dirigida por Elise Durant.

  • González. Dirigida por Christian Díaz Pardo, fue parte de la programación de circuitos como el del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) y del Festival Internacional de Cine de la Riviera Maya (RMFF), en las ediciones de 2014. Fue una de las películas que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) había contemplado como posibles contendientes a representar a México en las próximas entregas de los Premios Oscar y Goya.

https://www.youtube.com/watch?v=pbqH37LcKmY

  • Grazing the Sky (A ras del cielo). Coproducción española de poco más de ochenta minutos de duración. Este documental dirigido por Horacio Alcalá es una bella crónica de la vida de un conjunto de artistas circenses. Se retrata la pasión por el oficio, el arduo trabajo diario, la intimidad y los vínculos creados entre los performers en busca de la perfección de sus actos. Al ser un trabajo que agrupa testimonios de talentos de distintas nacionalidades, se optó por que el tráiler se emitiera en el audio original, pero con leyendas y subtítulos en inglés.

https://www.youtube.com/watch?v=jvvPgTwWYG8

  • Navajazo. Igual que con la cinta González, esta placa formó parte de FICUNAM y RMFF en sus ediciones de 2014. Dirigida por Ricardo Silva, es un “documental de ficción”, como él mismo lo llama, rodado en Tijuana. Galardonado como Mejor Cineasta del Presente en el Festival de Cine de Locarno, en Suiza, Silva retrata en esta producción la crudeza de la vida diaria en un ambiente hostil, de lucha constante entre los personajes, donde bien confluyen las historias de drogadictos, prostitutas, migrantes, etcétera.

 

  • La Piedra Ausente. Conformado por archivos reales de materiales recuperados, fragmentos de animación y de grabaciones actuales, este documental de Sandra Rozental y Jesse Lerner narra el detrás de que existió durante el traslado del monolito con la figura del dios Tláloc desde el pueblo de San Miguel Coatlinchan, Texcoco, hasta su ubicación actual, a las afueras del Museo Nacional de Antropología.

 

  • Diego. Cortometraje dirigido por Sara Seligman Carriazo de duración de quince minutos que tiene como línea argumentativa principal aquello de que “la violencia es equivalente a una hombría bien forjada”. El protagonista, de apenas diez años, vive con la presión e imposición de esa forma de vida, pero su inocencia y ternura, la burbuja en la que él se resguarda, podrían ser la excepción a la regla.

 

 El intercambio cultural directo entre México y el Reino Unido no termina aquí, ya que se planea que para la edición de Raindance del año próximo, se lleve a cabo un encuentro de coproducción enfocado a la industria del cine mexicano, esto con el apoyo del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

 Además, con el apoyo del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), se traerá a nuestro país una muestra representativa de ejemplares del cine independiente del Reino Unido.

El cine mexicano ha descubierto en este encuentro fílmico una ventana para su proyección en el continente europeo, y la muestra de materiales que se exhibirán dan un panorama de su riqueza, diversidad temática y estilística.

– IMCINE.

 Todo indica que el 2015 será el año de México en el Reino Unido y viceversa, ya que también se prepara una muestra de cine gótico en alianza con la Cineteca Nacional, y hay proyección de trabajar con el Festival Internacional de Cine de Morelia para que la cinematografía británica tenga mayor presencia en el marco de sus actividades.

 Raindance Film Festival en su edición de 2014 dio inicio apenas en la noche del 24 de septiembre y culminará el día 6 de octubre, en Londres.

Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

 Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

 En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

 La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

 ¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

 Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

 En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

 Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

 Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

 No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

 Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

 Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

 En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

castle-in-the-sky_wallpaper-2

 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

castle-in-the-sky-2

 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

moldy-peaches-the-51214b18b8301

 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Con sabor al norte- ROOM por Emma Donoghue

Portada del libro en inglés

 Escribir un libro no es tarea fácil. Uno tiene que crear personajes con pensamientos complejos, mundos de fantasía, o tener la perspectiva de alguien muy peculiar. Yo, en lo personal y con base en lo que he leído, considero que no hay nada más difícil que escribir una historia desde el punto de vista de un niño. Por eso hablo de Room, porque ¡Dios mío! Enserio lo logró esta mujer. Emma Donoghue es una escritora Irlandés-canadiense con un proyecto que nació en 2010 y ahora va en camino para hacerse una película que, estoy casi segura, no será ni la mitad de buena que el libro.

Emma Donoghue

 La historia la cuenta Jack, un niño de cinco años que vive en La Habitación con Ma (de la cual, nunca se sabe su nombre). En La Habitación existen sus cosas favoritas como Cama, Mesa, Balón, etc. Lo curioso es que cada noche, Jack entra en Armario con Frazada para dormir antes de que entre El Viejo Nick.

Un croquis de La Habitación donde vivieron Ma y Jack

 Me tardé, más o menos, treinta páginas para darme cuenta que Ma era una muchacha secuestrada desde hace años y Jack había sido producto de ella con su secuestrador. La madre, para mantener al niño controlado, le mintió y le hizo creer que La Habitación era todo su mundo. Jack pensaba que nada de lo que aparecía en la televisión era real. Entonces, al cumplir cinco años, ella desmiente todo para pedirle a Jack que la ayude a escapar.

 Después de eso empieza el lento, doloroso y desesperante proceso de socializar otra vez. Es más complicado para el niño salir al mundo, cuando para su madre se vuelve molesto tratar con el niño que no entiende el sentido de libertad. Jack quiere volver a La Habitación mientras que Ma no desea volver jamás. Es por eso que pienso que la película no saldrá tan bien.

 Casi todo lo que habla el libro es acerca de lo que piensa Jack. Y existen ciertas situaciones horribles donde Jack no entiende a lo que se refieren los adultos, como cuando le preguntan si el Viejo Nick le ha lastimado y Jack dice que sólo lo tiró cuando trataba de escapar. No existe la malicia en el niño, no la necesita, con la descripción es suficiente para que trabaje la malicia del lector.

 En las películas es visual, pasó lo mismo con El Niño de la Pijama de Rayas (2006) por John Boyne. El tipo de escritura era el mismo con Bruno, que tenía ocho años. Por lo tanto era el fin de su inocencia. Bruno entendía más el mundo, solo tenía problemas para entender el maltrato hacia los judíos.

Escena del Niño de la Pijama de Rayas donde Bruno conoce a un niño judío llamado Shmuel

 En la película El niño de la Pijama de Rayas estrenada en el 2008 por Miramax fue un film que hizo a muchas personas llorar. Sin embargo, pierde completamente el sentido de la novela ya que no puedes conocer los pensamientos de Bruno como pasó en el libro. Ver las situaciones como un ente omnipresente hace que pierdas todo el encanto de ver las cosas con los ojos de niño. Con Room es muy seguro que pase lo mismo y sea una experiencia completamente distinta a la que ofrece el escritor.

 Les recomiendo que lean el libro antes de ver la película. Yo sí considero que hay películas que le ganen a los libros, pero en esta ocasión no tengo ese presentimiento.

Room 237: El resplandor y el genio de Stanley Kubrick

El resplandor es una película de Stanley Kubrick estrenada en 1980, basada en la obra homónima de Stephen King publicada en 1977 . Hasta acá todo va bien, una gran adaptación de un libro excelente, pero por mucho, la película de Stanley Kubrick supera en demasía al libro a tal nivel que empecé a obsesionarme con esto, sobre todo después de ver el recomendadísimo documental Room 237 de Rodney Ascher, mi obsesión después de ver el documental creció a tal punto, que empecé a formularme la idea de usar un gorrito de aluminio.

Room-237-movie-poster-contraversao

 Y es que yo sabía que Kubrick fue un director de lo más peculiar, famoso por guardar los detalles en sus obras cinematográficas y por su excelente gusto musical en las adaptaciones, también famoso por rasguñar la misantropía en cuanto a sus habilidades sociales, pero sobre todo por ser una mente brillante en el gremio. A todo esto, les contaré el por qué de mi obsesión y por qué El Resplandor simplemente es una de las mejores películas de terror y suspenso que se han hecho.

 Bueno, como ya mencioné, siempre fui fanático de la cinta, la actuación de Jack Nicholson en particular creo que ha sido, junto con The One Flew Over The Cukoo’s Nest, una de sus mejores actuaciones y eso es mucho decir;  siguiendo la trama de ésta película, los personajes sombríos que van apareciendo a lo largo del filme, así como  las escenas superpuestas y las múltiples referencias al exterminio de las tribus nativo-americanas, del supuesto falso alunizaje del Apolo 11 y del Holocausto, hacen que al mirar esta cinta se recurra a un constante stop’n’go para evitar perder algún detalle significativo que nos haga creer que de hecho Stanley quería que viéramos más allá de la cinta.

 Como sabemos, el argumento principal es acerca de un hombre que va a vivir con su familia a un famoso hotel durante una temporada con el fin de cuidar las instalaciones, al parecer dicho hotel posee un pasado obscuro, pues Grady, el hombre que se encargó anteriormente de realizar la misma tarea, había matado a su esposa y a sus dos hijas con una hacha; Jack Torrance, que es el protagonista del terrorífico film, sucumbe ante los fantasmas que resguarda el majestuoso recinto y termina por intentar matar a su esposa Wendy y a su hijo Dany, quien posee la habilidad de comunicarse por telequinesis y de ver más allá de lo aparente, cualidad que es mencionada en la película como “El Resplandor”.

"Come and play with us, Danny. Forever... and ever... and ever.”
“Come and play with us, Danny. Forever… and ever… and ever.”

  La historia “oculta” (o al menos una aproximación a ella) es contada en Room 237, dividiendo y analizando algunas de las escenas más emblemáticas de la película, sólo ahí nos damos cuenta del genio de Stanley, el planteamiento de los locutores, gira en torno a los mensajes subliminales que quedan implícitos en la cinta, añadiendo aspectos de la vida del propio Kubrick y de su acercamiento al oscuro arte del marketing, poniendo énfasis en ciertos puntos clave como lo son los mensajes del alunizaje y de la constante lejanía que guardaba la cinta con respecto a la obra literaria.

La cinematografía mexicana en camino a 2015

Comedia, terror, ciencia ficción, drama o acción. Sea cual sea el género cinematográfico que se pretenda poner sobre la mesa como objeto de discusión, resultará por arrojarnos, casi invariablemente, un mismo resultado: la oferta que extiende la cartelera comercial de la industria se reduce a un puñado de producciones estadounidenses con un bosquejo de línea argumentativa que, al paso, se llena con distintos recursos pero, salvo contadas ocasiones, entrega productos genéricos prescindibles.

 Es imposible que las producciones mexicanas intenten, siquiera, seguir el ritmo de la maquinaria vecina. No es ningún secreto el lugar que tienen éstas con respecto a las otras; que, pese al reducido número de salas que se les asignan a lo largo del país, o bien, en el Distrito Federal y el área metropolitana, deben hacerse de una taquilla importante desde su primer fin de semana de exhibición para defender su lugar en estos grandes complejos

 Sin embargo, de hace algunos años y hasta ahora, hemos sido testigos de un crecimiento importante de la industria local, de una mejora considerable en la calidad de algunas de las producciones exportadas con sello mexicano. Dentro del gremio cinematográfico han destacado nombres de realizadores connacionales y de cintas gestadas en este país y, aunque nos encontramos todavía ante un caso de mexicanos en el extranjero, donde éstas entregas parecen ser mejor apreciadas por foráneos, es grato saber de películas que rompen este estigma con que carga el cine nacional y que son ejemplares de producciones sólidas, limpias, concisas, pensadas y bien logradas.

 Como muestra de ello, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematofráficas (AMACC) ha dado a conocer la lista de cintas que podrían representar a México en la 29 entrega de los Premios Goya, y en la 89 entrega de los Premios Oscar, ambas a llevarse a cabo en 2015. A continuación te la presentamos:

Cantinflas

Dirigida por Sebastián del Amo, fue estrenada apenas hace unas semanas en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Es una biopic del actor Mario Moreno vista desde los ojos de su alterego, este personaje que acaparó el género de comedia de la cinematografía mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Se ubica en el tiempo en que estaba por realizarse la cinta La vuelta al mundo en ochenta días (1965), durante el encuentro que su realizador, Mike Todd, tiene en con aquel pintoresco personaje tan arraigado en nuestra cultura, ícono hasta hoy día.

 Oscar Jaenada será quien dará vida al también llamado 'Mimo de México'.

Güeros

Road movie de 106 minutos de duración. Le valió a su realizador, Alonso Ruizpalacios, el premio a Mejor Ópera Prima en el marco del Festival de Cine de Berlín en el pasado mes de febrero, así como su proyección en el Festival de cine de Tribeca, de Nueva York. Recientemente se anunció que llegará a salas mexicanas en los primeros meses de 2015 gracias a la distribuidora Cine Caníbal.

 La cinta 'Güeros' se filmó en formato blanco y negro.

Guten Tag, Ramón

Trata una temática recurrente en el plano nacional: la migración. Esta coproducción germano-mexicana nos presenta a Ramón, interpretado por Kristyan Ferrer (Las Horas Muertas, 2013) y sus desventuras vividas del otro lado del mundo. La entrañable cinta de Jorge Ramírez-Suárez se encuentra actualmente en exhibición, y llegará a pantallas internacionales durante la segunda mitad del año y hasta 2015, distribuida por 20th Century Fox.

Kristyan Ferrer da vida a Ramón.

∙ La dictadura perfecta

Luego de lo que parecía terminar en una trilogía compuesta por La Ley de Herodes (1999), Un Mundo Maravilloso (2006) y El Infierno (2010), Luis Estrada volvió a aparecerse en el mapa con una nueva producción llena de humor negro, con personajes y situaciones que podrían parecernos extrañamente familiares. Caras conocidas, queridas y que han sido partícipes en las tres cintas anteriores, como Joaquín Cosío y Damián Alcázar, son parte de esta producción, aunque también se suman personalidades que quizá nunca pensamos ver en proyectos de éste tipo, tal como Osvaldo Benavides, Alfonso Herrera o Silvia Navarro. Incluso Sergio Mayer

De Luis Estrada.

Mi amiga Bety

Documental dirigido por Diana Garay, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Basado en una historia real, cuenta la vida de Bety, amiga de la infancia de la propia Garay, quien fue resuelta como culpable del asesinato de su madre y condenada a treina años de prisión a la edad de diecinueve. Aunque se encuentra en rotación nacional e internacional desde 2012, fue apenas en este año que llegó a las pantallas de la Cineteca.

 Documental de Diana Garay, basado en una historia real.

Quebranto

Parte del circuito de proyecciones de la gira de documentales de Ambulante, y del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) —esto en 2013—, y acreedora de premios como el Ariel a Mejor Documental, en 2014. Aquí, Roberto Fiesco desmitifica el tabú de la homosexualidad y de la condición transgénero: presenta a Fernando García y nos lleva por lo que vivió durante la transición a convertirse en quien ahora es, Coral Bonelli. Dentro de su labor de acercamiento con el público, ha sido proyectada en recintos como Cine Tonalá, la Casa del Lago y recientemente dentro de la programación de Canal 22.

Coral Bonelli.

 Los títulos restantes de la lista son El Incidente (dir. Isaac Ezban, 2013), González (dir. Christian Díaz Pardo, 2013), H2Omx (dir. José Cohen/Lorenzo Hagerman, 2013), Huérfanos (dir. Guita Schyfter, 2013), Inercia (dir. Isabel Muñóz Cota Callejas, 2012), La revolución de los alcatraces (dir. Luciana Kaplan, 2013), Mi universo en minúsculas (dir. Hatuey Viveros, 2013), La Obediencia Perfecta (dir. Luiz Urquiza, 2014), Paraíso (dir. Mariana Chenillo, 2014), Purgatorio: viaje a corazón de la frontera (dir. Rodrigo Reyes, 2012), ¿Qué sueñan las cabras? (dir. Jorge Prior, 2011), Volando bajo (dir. Beto Gómez, 2014) y Workers (dir. José Luis Valle, 2013).

 Sí, la oferta es muy amplia, y es alentador saber que se vislumbra un panorama viable y competitivo en la industria nacional. Quedaremos en espera de ver estos títulos en salas comerciales nacionales, y seguir la evolución del posicionamiento de nuestro país como potencial productor referente de la industria cinematográfica.

Especial Ghibli (Origenes): Series de Televisión

 Aunque el Studio Ghibli aún no ha presentado una producción oficial para la televisión como tal, más que el proyecto titulado Sansoku no Musume Ronja (dirigido por Goro Miyazaki), la verdad es que los orígenes de la compañía fueron muy de la mano con la pantalla chica. Series que hoy en día se consideran legendarias y clásicos llenos de nostalgia, las famosas “caricaturas bonitas” de antes, varias de ellas son prueba del enorme ingenio de estos artistas. De hecho, algunas personas se han interesado por este estudio con sólo recordar esos títulos que marcaron su infancia.

 Fueron diversas las series que llevaron a cabo, algunas como Ana de las Tejas Verdes (Akage no An, 1979), Chie la Gamberra (Jarinko Chie, 1981) y Sherlock Hound (Meitantei Hoomuzu, 1984), que quizá en México no sean demasiado conocidas. También tenemos otras series mucho más representativas como Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978), de la cual hablaremos en la siguiente sección, y también la exitosa Lupin III (Rupan Sansei, 1971), que también dejaremos para otra ocasión.

886

 Como podrán apreciar, hablar de cada una de estas series nos llevaría mucho tiempo y muchas notas, por lo mismo, en esta ocasión hablaré de las dos series que mas destacaron del dúo Takahata/Miyazaki, tanto así que en México ganaron un público sólido y amante de su dulzura. Series que imagino todos conocemos aunque sea de oído. Basadas en famosas historias infantiles, estas series mantuvieron su target infantil, aunque con un toque ligeramente más maduro.

 La primera serie es la famosa Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), basada en la obra de Johanna Spyri y que nos cuenta las aventuras de una pequeña niña que vive en los Alpes suizos en compañía de su abuelo, un anciano reservado y enérgico con la gente, pero que guarda un amor y una dedicación ejemplar para con su nieta. La niña también cuenta con la amistad de Pedro el pastor, el único ser humano que parece tener una buena relación con el abuelo y con quien pasa momentos increíbles ante la belleza de las montañas. La vida perfecta de Heidi se ve afectada cuando su tía Dette la lleva por la fuerza a la ciudad Frankfurt, donde se convierte en la mejor y única amiga de Clara, una niña inválida que vive a la sombra de la soledad y el estricto dominio de la señora Rottenmeyer, su institutriz.

Heidi_DVD_1

 Es poco lo que puedo hablar de esta serie y que nadie sepa, se trata de una historia conmovedora en todo sentido. Constó de 52 episodios y es una de las caricaturas más famosas en la televisión mexicana de antaño. Con una animación magnifica (y mas para la época), un diseño de fondos y arte espectacular, obra del mismo Hayao Miyazaki y una gran dirección por parte de Isao Takahata, no es de extrañar que esta caricatura sea tan querida por casi todos los que la han visto.

 Cabe mencionar que la serie está llena de buenos mensajes y valores como la importancia de preservar la magia y la inocencia infantil, mantener la esperanza siempre aunque todo parezca en nuestra contra, la amistad, el amor familiar, el no juzgar a una persona sin conocerla antes, y por supuesto, lo maravilloso que puede ser alejarnos de aquello a lo que estamos acostumbrados y probar de repente cosas nuevas.

 Sin embargo también hay puntos que para algunos pudieran no ser perfectos, como el hecho de que el personaje principal es una niña adorable y de un corazón noble y agradecido a más no poder, pero a la vez acostumbrada a hacer lo que quiere siempre y cuando esa libertad se ve limitada, termina volviéndose una víctima de los “malvados” adultos que tratan de imponer cierta disciplina. En el mundo de los niños es una visión sin pecados, pero algunos adultos quizá piensen que lo mejor es que los niños vayan aprendiendo la importancia del deber desde que son pequeños.

 La segunda serie es una que no tuvo tanto impacto en México, pero eso no significa que no tuvo un muy merecido éxito. Muy similar a Heidi y basada en el libro “Corazón, EL Diario De un Niño” de Edmundo de Amicis, llegó Marco: De los Apeninos a los Andes (Haha wo Tazunete Sanzenri, 1976), también dirigida por Isao Tkahata  y que nos cuenta la historia de Marco Rossi, un niño que se ve separado de su madre cuando esta debe viajar a la Argentina en busca de empleo para ayudar a su esposo, un médico bondadoso pero pobre. Por un tiempo, Marco y su familia viven normalmente en la ciudad de Génova, Italia, hasta que el pequeño nota que las cartas de mamá tardan más en llegar y una serie de pensamientos, sueños y eventos le hacen creer que ella está en problemas y necesita de él. De ese modo, Marco emprende una gran aventura hacia el continente Americano en busca de su madre, descubriendo en el camino desde amigos maravillosos como Peppino y su Tropa, hasta obstáculos demasiado fuertes para un niño, y que sin embargo, debe afrontar solo.

 Esta serie ha sido comparada e incluso confundida con otra caricatura, Remi, el Niño de Nadie (le Nakki Ko, 1977), por la trama similar y la crudeza de algunos aspectos de la serie; pero no nos equivoquemos, que son dos caricaturas distintas. La serie es igual de conmovedora y bien hecha, con una animación y manejo artístico de primera, lecciones de vida que abarcan la amistad, el valor, la determinación y el porqué los humanos debemos apoyarnos entre nosotros. También muestra aspectos muy fuertes y negativos de la sociedad, gente capaz de robar a un niño indefenso y solo, o dejarlo a su suerte cuando este llega a pedir auxilio. Es una serie que nos muestra las dos caras de la moneda, la buena y la mala, ante la sociedad y en más de una ocasión nos hará reflexionar sobre nuestros actos.

2accec2d8cd16530ff2477714c00c1bbo

 Las dos son caricaturas brillantes y hermosas que todos deberíamos ver por lo menos una vez. Claro que es casi imposible que hoy tengan el impacto que tuvieron y que para algunos resulten series demasiado infantiles y hasta bobas en distintos aspectos. Pero recordemos que son caricaturas hechas para niños y contadas desde la perspectiva de los pequeños.  Un rato para imaginar, historias llenas de valentía y problemas adultos que al final son superadas por la mente y alma de los más chicos, y aparentemente, los más vulnerables. Luego de verlas podríamos preguntarnos si el mundo no sería un mejor lugar si esos niños internos que todos tenemos jamás desaparecieran.

Review: Más Negro Que La Noche, y otros ataques a Taboada

Carlos Enrique Taboada
Carlos Enrique Taboada

 Si algo puede resultar indignante es cuando alguien toma una idea original para trabajarla hasta desacreditarla. En el cine este fenómeno ha pasado con grandes títulos como Psicosis (Psycho, 1960), se antoja increíble que alguien haya decidido rehacer un clásico, ese alguien fue Gus Van Sant con una horrenda modernización de una obra maestra de Hitchcock.

 Pero bien dice el dicho, “lo que no has de querer en tu casa lo has de tener”, mientras nos quejemos amargamente de que rehicieron Carrie (Carrie, 1976), Halloween (Halloween, 1978) y otras cintas icónicas de la cultura del cine de terror, en nuestro país dichos atentados han sido también perpetrados.

 Carlos Enrique Taboada fue y seguirá siendo pilar del cine de terror mexicano, los grandes títulos que realizó. Hasta El Viento Tiene Miedo (1968), El Libro De Piedra (1969), Más Negro que La Noche (1975) y Veneno Para Las Hadas (1984), dejaron una escuela para lograr una cinta verdaderamente aterradora con una estructura sencilla y una historia atrapante. Lamentablemente hay alumnos que prefieren copiar al maestro en vez de realizar propias ideas.

 Primero, Gustavo Moheno se adentró con el remake de Hasta El Viento Tiene Miedo (2007) con Martha Higareda como protagonista. Destruyó la historia original del fantasma que rondaba a un grupo de señoritas confinadas en castigo veraniego dentro de un exclusivo colegio femenino, a un fantasma que ronda en una clínica para mujeres jóvenes que sufren desórdenes alimenticios y psicológicos.

Untitled-1

 La ridícula, e insertada con calzador, lectura lésbica que alteraba la trama para desesperadamente “modernizarla” fue quizás el infortunio más recordado y la primer puñalada a Taboada, con malas actuaciones juveniles y una Verónica Langer que pese a ser una maravillosa actriz, no llegaba ni a los talones a la  actuación original de Marga López como la desalmada directora Bernarnda.

 Luego, Julio César Estrada se atrevió a profanar la obra del cineasta de nuevo, esta vez con El Libro De Piedra (2009), protagonizada por Plutarco Haza, Ludwika Paleta y Evangelina Sosa, en los roles originales de Joaquín Cordero, Norma Lazareno y Marga López. No solo esta versión fue aún peor actuada que el  remake de Hasta El Viento Tiene Miedo, sino que sufría de una clara falta de visión en la dirección. Segunda puñalada.

Untied-1

 La insípida musicalización, el patético ejercicio de maquillaje o la incoherencia de las secuencias son solo antesala al verdadero grano que inclina la balanza: es la intragable  Mariana Beyer siendo una pésima actriz infantil que buscaba emular a la fantástica (y ahora retirada) Lucy Buj en el papel de Silvia, la hija pequeña de un acaudalado hombre que se acaba de mudar  con su padre y madrastra a una hacienda y queda bajo la tutela de una institutriz, la cual será testigo de una extraña y obsesiva amistad que comienza entre la niña y Hugo, la estatua de un niño leyendo un libro que está en uno de los jardines.

andrea_legarreta

 Cómo al director probablemente el personaje de la institutriz (Marga López originalmente) le adjudicaba poca sustancia, decidió sumarle una hija muerta a su pasado. ¿El resultado? Evangelina Sosa dando la actuación más falsa de su vida y probablemente la que oculta en su currículum. Además de que no le creemos el dolor de la pérdida de su hija, es más buena que Andrea Legarreta como  la maestra Lupita de ¡Vivan Los Niños!

 Pero bueno, dicen que la tercera es la vencida, y toca el turno a una nueva versión de Más Negro Que La Noche, ahora dirigida por Henry Bedwell. Y sorpresivamente el rumbo cambia, por fin una cinta inspirada en un clásico con un verdadero ejercicio de producción. Pero el que el diseño de producción sea espectacular no asegura un resultado de la misma calidad.

 En la historia original, Ofelia (Claudia Islas) ha llegado  de un viaje de negocios  y le han  notificado que su tía  Susana (a quién no veía desde su infancia) ha muerto, heredándole su casona por ser la pariente más cercana, todo con la única condición de que cuide de su amado gato Becker. Ofelia se muda con ayuda de su novio al lugar con sus amigas, Aurora (Susana Dosamantes) una bibliotecaria, Pilar (Helena Rojo) divorciada y vive de la pensión que su ex le da, pero en el fondo lo sigue frecuentando y Marta (Lucía Méndez) prima de Aurora y modelo. La casa incluye a Sofía (Alicia Palacios), la ama de llaves de la difunta tía, quien tras la muerte accidental del gato advierte que muchas cosas estarán por venir.

Untd-1

 Esta sencilla historia, que consistía en un alma en pena por la muerte del único ser al que amaba en vida, se ve sumamente dañada en esta nueva adaptación. De entrada ahora es la tía Ofelia quien deja la casa a su sobrina Greta (Zuria Vega), quién vivió un corto tiempo de su infancia con ella tras el accidente en que murieron sus padres y hermana. Con Greta viven sus amigas María (Adriana Louvier), Pilar (Eréndira Ibarra) y Vicky (Ona Casamiquela), además de que es novia del hermano de Pilar, interpretado por José María Torre.

masnegro copy

 Continuando las modificaciones, SPOILER,  la tía Ofelia aparentemente se amargó porque su esposo le fue infiel el día de su boda y cual capítulo de Mujeres Asesinas lo mató tiempo después junto a la liviana que lo secundó. Este será el gran secreto de la historia. Sumamos que la casona se convierte en una enorme mansión cuasi victoriana y sumamente tétrica, resguardada por la gran Margarita Sanz como Evangelina, ama de llaves.

 La película es un ejercicio muy complejo, por un lado es totalmente infiel a Taboada y ofensiva: no solo sale de la esencia simple del director, dónde el miedo auténtico era la causa de la muerte de las protagonistas, sino que se empeña en hilar mil subtemas que nunca cierran y se quedan en el aire entorpeciendo el ritmo.

 Ninguno de los personajes crece ni conocemos algo de sus historias. De Greta la protagonista nunca alcanzamos a saber casi nada de su vida, o por qué se le aparece su hermana ni porque la difunta mencionada usaba vestidos que no eran nada de su época a juzgar por la edad.

Luego el personaje de Eréndira Ibarra, rebelde, irreverente y aparentemente una nini que vive a expensas de su amiga pero como toda buena hipster usa el catálogo entero de H&M  y adopta un estilo Mónica Naranjo con un cabello bicolor. Sumamos que tiene mil tatuajes que pretende explicar y nunca hace. Ah y para completar el cuadro: es lesbiana. ¿Por qué Eréndira Ibarra siempre  hace estos personajes?

mas_negro_que_la_noche_ver3 copy

 Adriana Louvier es quizás tras Zuria Vega la única con una actuación natural, por puro insight inquirimos que es escritora y pues el gato de la mansión mata a su hurón, ella le guarda rencor y tras la muerte del asesino comienza a enloquecer. Luego Ona Casamiquela en el papel que nadie entiende qué hace en la cinta, de entrada es Española y ya. No hace nada más que besuquearse con todos, drogarse, quejarse, comer y decirle a su novio (Miguel Rodarte) que las otras no son sus amigas. Ok entonces ¿Qué demonios hace en esa casa? ¿Qué hace para vivir? ¿Cuál es su propósito como personaje? ¿Por qué todas viven bajo el mismo techo?

 La cinta tiene uno de los diálogos más absurdos del cine mexicano, un ejemplo:

“Greta: (sorprendida) ¡Evangelina, estás aquí!

Evangelina: Sí, aquí estoy”

 Henry Bedwell busca copiar un modelo norteamericano con objetos que se mueven, fuerza sobrenatural, un cuadro viviente, estruendo como vía para romper tensión, etc., etc. No permite a ningún personaje, bueno ni al gato, llevar una línea auténtica. Nada pasa, solo un collage de escenas en modo aleatorio con una dirección de arte exquisita entre ellas. Uno termina por confundirse, la promesa de asustar se cumple en contadas 2 veces, y una de ellas por acción del gore innecesario y moralino en su empleo. Ah y el 3D, claro, nunca se había visto en el país, pero no es nada sorprendente, ni algo que llegue a aprovecharse.

 En resumen: esta barbarie oligofrénica  desvirtúa nuevamente a Taboada por su origen. Los únicos motivos para verla serían la actuación de Margarita Sanz, la dirección de arte y la banda sonora. SI has visto la versión original odiarás esta, pero llorarás de risa ante el absurdo, específicamente en la escena post créditos dónde el gato ataca a Miguel Rodarte, con un combate tan torpe digno de la épica pelea de Anna Faris y el gato negro en Scary Movie 2.

tumblr_m55fipwSqu1qd7diro1_500

 Al final un arma de doble filo, pues deja entrever elementos para generar un filme original. Directores y productores: basta del remake, KM 31 es el ejemplo de que querer hacer algo nuevo y con ganas genera éxito, atrévanse y háganlo.  ¡Sean originales!, dejen a Taboada descansar en paz. Ya lo intentaron 3 veces y no lo superaron ¿Qué esperan? ¿Hacer Veneno para las hadas en 2016? Sean honestos, ninguna niña actriz superaría a Ana Patricia Rojo y a Elsa María Gutiérrez, es tiempo de reconsiderar y dejar a los clásicos como lo que son.

Con sabor al norte- Guillermo del Toro le entra a los videojuegos

Guillermo del Toro

El famoso director mexicano Guillermo del Toro, conocido por producciones como Mama y Pacific Rim, ha decidido entrar al mundo de los videojuegos, pero no con cualquier juego.

 Ya se había oído el rumor de que el  director deseaba hacer un videojuego horrífico. Pero justamente salió en las noticias su alianza con el famoso diseñador de videojuegos Hideo Kojima (creador de Metal Gear Solid) para rescatar la saga de Silent Hill.

Hideo Kojima

 Silent Hill es una reconocida saga de videojuegos de supervivencia-horror creada por la empresa Konami en 1999. En estos juegos se explora el terror psicológico del jugador a niveles primarios. Incluso la historia se adaptó para el cine con  Silent Hill y  Silent Hill: Revelations, que no fueron  tan impactantes como el videojuego en si.

 La saga dejó de tener impacto pues fue perdiendo fuerza entre precuelas y subhistorias que dejaron de llamar la atención de público hasta ahora.

Norman Reedus en el trailer de SILENT HILLS

 La propuesta de Guillermo del Toro y Hideo Kojima es  Silent Hill, y  su personaje principal es el actor Norman Reedus, conocido por su papel de Daryl Dixon en The Walking Dead. Hideo Kojima incluso creó una estudio de desarrollo falso llamado 7780’s Studio con un pequeño teaser interactivo que ya se puede descargar en la consola Play Station 4.

 El teaser tiene una excelente calidad gráfica y un discurso increíble: “¿Cómo puedes saber si tú eres el único tú? ¡Cuidado! Esa puerta te lleva a otra realidad”.

 El argumento de la saga Silent Hill es sobre un pueblo autosuficiente situado alrededor de un parque industrial y rodeado por un gran bosque. La historia del lugar ha empezado con la matanza de amerindios, el descubrimiento de yacimientos de carbón que hizo el lugar posible y que luego se convirtió en un campo para prisioneros de guerra.

 Después de las guerras, Silent Hill se convirtió en un pueblo turístico y había un grupo de fanáticos religiosos que se hacían llamar “La Orden”, quienes pensaban que solo el fin del mundo limpiaría la tierra de los pecadores.

El signo de La Orden

 Gracias a toda la muerte por los amerindios y los prisioneros de guerra, Silent Hill se hizo un lugar maldito en el que se pueden ver monstruos salidos de los más profundos miedos de los habitantes.

Monstruos que avitan SILENT HILL

 Ya he experimentado estos juegos y son buenos, pero no los recomiendo a un corazón sensible. También vi el teaser y les aseguro que si yo lo llego a jugar será de día y dormiré en las noches con un rosario.

 Es tan sutil la manera en que te asustan en este juego que reconoces el hecho de tener miedo, pero no sueltas el control. Sufres cada segundo, pero siempre querrás ver el final.

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?