Proyectos Animados para Marvel

¿Listos para el inminente estreno de The Avengers: Age of Ultron? Pronto estaremos ante el final de la fase dos del Marvel Cinematic Universe y veremos el nacimiento de la última etapa de este fenómeno cinematográfico que iniciara en el 2008 con la película Iron Man, dirigida por Jon Favreau. No cabe duda que este movimiento ha superado las expectativas de todos al haberse convertido en una enorme y lucrativa franquicia, que al parecer, aún dará para mas en el mundo de la animación.

Según declaraciones del personal de Marvel, así como el hecho de que Disney es ahora dueño de esta compañía, se ha planteado la posibilidad de que el siguiente paso a seguir sea la creación de largometrajes animados de los súper héroes que ya todos conocemos. Ciertamente ya hay producciones animadas, sin embargo todas consisten en historias alternas que nada tiene que ver con la continuidad de la trama central que nos está acercando al impresionante enfrentamiento con el Titán Loco, Thanos… esto quizá va a cambiar.

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No se han dado muchos detalles al respecto más que pequeños indicios, pero la idea ha alcanzado niveles altos y muchos apuestan porque pronto sea una realidad. Ahora, aquí resta una pregunta que los fans se hacen, ¿Disney hará otra vez de las suyas y suavizará la trama de estas películas para llegar a un sector más amplio de público? No sería la primera vez que esto ocurriera y ante muchos esta no sería una idea mala, ya que sería más accesible para el público que gusta de estas cintas, como los niños. No obstante, los seguidores de los comics temen que partes importantes de las historias se vean cambiadas o eliminadas para darle ese toque más inocente; y seamos honestos, hoy día el público parece querer más oscuridad y más violencia. Esto es claro tan solo con comparar las caricaturas actuales con las de antaño.

Reitero el detalle que esto aún no es una noticia confirmada, sin embargo es una situación digna de ser tomada en cuenta. Nadie niega que esta idea tiene un potencial muy grande, seguiremos al pendiente de cualquier detalle que nos pueda dar más información al respecto.

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Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

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Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

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Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

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Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

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Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

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El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

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Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

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La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

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Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

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Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte

Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.

We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.

 Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.

Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.
Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.

  Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.

“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza  o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.

 La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.

 Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.

 Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.

 En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.

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 El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

El mundo sonoro de Enero Será Mío

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Foto por Andres Gambini

La escena musical argentina se caracteriza por ser una de las más fructíferas de América Latina.Cada día emanan más propuestas independientes, novedosas, dignas de escuchar. Tal es el caso de Enero Será Mío, el alter ego de la cantante y compositora Sol Fernández, un proyecto lleno de secuencias y atmósferas con tintes dream pop y down tempo.

 De la mano de uno de los mejores productores de Argentina (Tweety González), Enero Será Mío lanzó su primer LP Juego 0 en el 2012, el cual contó con colaboraciones de Benito Cerati y Lucas Martí, entro otros.

 Después de dos años, platicamos con Sol sobre sus inicios en la música, sus influencias, la escena argentina y su nuevo disco.

C: ¿Cómo te acercaste a la música?

S: Yo vivía en Trelew, Chubut, Argentina. Trelew es una colonia Galesa y tiene como tradición una fuerte movida en coros y poesía, el Festival  Eisteddfod. Comencé a cantar con varios coros y con uno en especial, logré presentarme en varios lugares y viajar. Siempre fui musical. A los 7 años empecé a estudiar en el conservatorio, después, llegó a mi casa un piano heredado de mi abuela y lo empecé a tocar. Sin embargo, siempre he estado en la música como cantante, siempre ha sido mi placer, de hecho amo cantar canciones de otros autores. Este año he hecho algunos proyectos con Sebastián Carreras del Grupo Musical “Entre Ríos”. Me convocó para cantar y estamos grabando unas canciones. También grabe un tema para una película con Antonio Birabent, con Marcelo Zeoli (Los Látigos) colaboré en lo que se viene de “El Dependiente” su proyecto solista y también con otros amigos músicos.

 Ahora estoy con El Asunto, un grupo de cantautoras (incluyéndome) que nos juntamos y cantamos nuestros temas en un formato más acústico y vocal. Así que siempre me estoy moviendo en la música. Yo vivía en la Patagonia y me vine a Buenos Aires a estudiar musicoterapia, por lo mismo, me interesaba saber que pasaba a nivel psíquico y cerebral con la música y a partir de ello, termine siendo terapeuta. Así que vivo en un mundo sonoro 24 horas, los 365 días del año, y eso me da felicidad.

C: ¿Cómo fue el proceso para dar vida a Enero Será Mío?

S: Un día me animé a mostrar mis canciones. Tenia ideas musicales que no terminaba grabadas, y les di forma. Armé una banda  con unos amigos y decidí grabar un EP en el 2009, algo casero que sonaba mas rockero a lo que yo andaba buscando. Fue una gran foto para ver como iba a encarar el disco.

 Ahí fue cuando me puse a trabajar con Tweety González  sobre ese material. Ese año fuimos al LAMC (Latin Alternative Music Conference)  en Nueva York para exponer el EP y después de eso empecé a grabar el LP. Benito Cerati se une a Enero y empieza a hacer unas programaciones y coros en vivo. Después trabajamos en su material y armamos un proyecto que se llamaba Blank Tiger. Le pedimos una mano a Tweety y se terminó el disco. Ahora su proyecto se llama Zero Kill, pero no tocamos mas juntos, nos separamos artísticamente para que cada quien tuviera su proyecto.

C: ¿Por qué el nombre de Enero Será Mío?

S: Me colgué demasiado en un estado de ánimo. En enero son las vacaciones de verano y yo pensaba que duraban 6 meses. Por otro lado nací un 3 de enero. Un mes sin tiempo, es metafórico. Querer tener algo que no se puede tener. Sale de esa idea. De un momento de mi vida musical que no determina todo.

C: ¿Cómo fue trabajar con Tweety González, conocido por muchos como “El cuarto soda”?

S: Todo se dio naturalmente, yo no buscaba un productor, ni sabía cual era el trabajo de un productor en un disco, pero las cosas se fueron dando así y estoy muy agradecida y contenta con el resultado.También participo Lucas Martí. Tiene los colores de distintos artistas.

C: ¿Cómo fue el proceso de composición del LP?

S: Cada canción tiene su historia. “Hermes” la compuse con Rodrigo, un amigo de la Facultad. “Fantasma” es un temazo de Benito, con él se produce una magia que no pasa siempre al interactuar con el otro, para que las ideas fluyan. Con Tweety paso lo mismo en “50/50”. Estaba tocando unas bases con el teclado y yo me puse a cantar y salió ese tema. Es un juego que se termina convirtiendo también en todo un trabajo grosso de producción. Es un proceso re lindo y súper bueno.

C: ¿Cuales son tus influencias musicales?

S: Crecí escuchando a Spinetta. En casa, mamá tocaba el piano y escuchaba rock. Mi papá escuchaba Pink Floyd, George Michael, y de todo. Recuerdo que en la radio escuché a los Pet Shop Boys por primera vez y empecé a escuchar pop.

 Acá hay artistas que me copan, por ejemplo, Pol Nada, Entre Ríos, Suavestar, LaKobraKei, Alud Negro, entre otros grupos que hacen cosas súper lindas. Me gusta la gente que hace cosas sin doblegarse ante las adversidades.

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Foto por Damian Benetucci

 

C: ¿Qué suena en la escena musical argentina?

S: Hay bandas barriales con un estilo más punk, con un formato más en directo. Está buenísimo porque es representativo. Grupos como Él mato a un policía motorizado por ejemplo, les va muy bien. Esta la movida pop, de la mano de Leo García, Daniel Melero, Altocamet.

 Por otro lado, es bastante complejo el proceso de tocar, siendo independiente. Pero nada, hay un montón de música y hay más chicas haciendo música. Ayer fui a un recital de Andrea Àlvarez, una artista que admiro desde siempre, y el lugar estaba lleno. Sin embargo, acá no se le da tanto espacio a las chicas. Como sea, hay un montón de posibilidades a partir de las ganas de cada persona.

C: ¿Cuales son tus planes a futuro?

S: Mi plan es seguir tocando y seguir haciendo música. Sale el disco nuevo en marzo del año que viene (2015). Va a tener un remix de Adrián Canu (Altocamet) y otro de Ezequiel Araujo (El  Otro Yo). En este nuevo disco participaron muchos amigos que quiero y admiro. Estoy contenta por cómo está sonando y agradecida de poder hacer lo que me gusta.

 

Para escuchar y conocer más de la música de Enero Será Mío, visita www.eneroseramio.com              

Colectivo 3N Radio,una plataforma de diversidad

Desde su aparición, la radio se ha desarrollado como una de las plataformas de comunicación más importantes de todos los tiempos. En la actualidad y gracias a la tecnología, cada día más personas interesadas en trasmitir su punto de vista, gustos y demás  pueden hacerlo por medio del internet.

 Las radios independientes son actores clave en la difusión de proyectos culturales emergentes de su contexto, tal es caso del 3N Radio, un colectivo originario de Azcapotzalco, que desde el 2011 se encarga de compartir música, arte y diversión con sus radioescuchas.

 El proyecto comenzó cuando un par de amigos se reunieron como de costumbre. Sin embargo, después de una plática amena surgió el tema de crear una radio por internet, con el afán de compartir su visión del mundo y, a su vez, conocer lo que opinan los demás sobre los temas del diario vivir; y la idea evolucionó hasta convertirse en una realidad. Actualmente, la misión de esta emisora es difundir y promover todas aquellas expresiones humanas, abstractas y concretas, así como los lugares o espacios aptos para desarrollar dichas manifestaciones.

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Luis, David, Lucero, Erick, Alejandra y Pablo, parte del equipo de 3N Radio

 A través de una programación constante, David, Lucero, Luis, Pablo,Erick y Alejandra se dan a la tarea de proporcionar un rato agradable con contenido diverso. Ellos mismos se definen como una estación incluyente, ya que parte de la música que se programa es por petición de la gente, por lo que se puede escuchar desde cumbia, salsa y merengue, hasta metal, jazz y folk pasando por el blues y rock. Además de incluir temas comerciales, también se cuenta con material independiente de todos los artistas  que se acercan para tener difusión de sus proyectos.

 Asimismo, 3N Radio promueve las actividades culturales de la delegación y realizan coberturas especiales de eventos como el Azcarockzalco, concurso de la región en donde participan más de 70 propuestas musicales emergentes.

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Más de 70 bandas participaron en la 2da. edición de Azcarockzalco 2014

 En el afán de compartir con más personas el gusto y la pasión por la radiodifusión, el colectivo realizará un taller de radio por internet en el cual, a través de 4 sesiones (todos los sábados del mes de noviembre) se capacitará a los interesados a trabajar sus proyectos. Estas sesiones se llevarán acabo en la galería “El Tintanísmo.

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3N Radio te invita a su taller.

 Finalmente, el colectivo 3N Radio extiende la invitación a otros colectivos,artistas y demás a colaborar con ellos:

“Estamos en constante desarrollo y evolución y  si tienen el gusto o el interés de dar a conocer algún conocimiento o simplemente quieren decir algo, se pueden acercar a nosotros y con gusto les haremos un espacio dentro de nuestra programación”

 Escucha esta propuesta radiofónica a través www.3nradio.com. Para estar al tanto de su programación y actividades,no dejes de seguirlos a través de Facebook y Twitter.

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

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Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

¿Ser o no ser? Un Shakespeare más buena onda

Texto y fotografías por Karla Ricalde.

 

A propósito del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare y la conmemoración de dicho acontecimiento como parte de la edición de 2014 del Festival Internacional Cervantino, me cuestionaba acerca de lo que hay alrededor de él y su obra. Es la figura más destacada de las letras inglesas y uno de los más grandes íconos de la literatura universal; con certeza, el autor de cuya obra existen más adaptaciones que de cualquier otro —aunque en muchas ocasiones, aceptémoslo, ese shakespearianismo resulte sumamente pretencioso—, de trascendencia innegable y citado por miles de dramaturgos y escritores como principal influencia y eje inspiracional… pero, ¿acaso todo ese emperifollamiento no provoca que le concibamos como un autor sumamente complejo y casi inalcanzable?

 En su libro Por qué leer los clásicos, Italo Calvino señala algunas de las cualidades que debe tener una obra para considerarse, justamente, un clásico: que son textos a los que tarde o temprano se vuelve; “esos libros de los cuales se suele oír decir ‘Estoy releyendo…’, y nunca ‘Estoy leyendo…'”; que a cada revisita cobran un sentido distinto ante los ojos de los lectores porque “nunca terminan de decir lo que tienen que decir”; que cuanto más se cree conocerlos, más nuevos resultan.

 Eso, cuando se tiene experiencia previa de la obra, pero cuando no, cuando se trata del primer encuentro con cierto libro o cierto autor, Calvino habla de esperar, de darse tiempo para dejar hablar a las letras y entrar en contacto directo con ellas para conocerles personalmente, bajo las condiciones, y de la forma adecuada para cada individuo. De ser cautelosos al descubrir los clásicos, nuestros clásicos.

 Ahora, al tomar en cuenta lo anterior, se comprueba el porqué de la vastedad y solidez del alcance de su legado y se dejan a un lado los cuestionamientos porque, sí, William Shakespeare el más grande de los clásicos.

 Si se hablara de su obra situada en el teatro, al cerrar los ojos, como en automático, la imaginación crearía visiones de actores con atuendos de la época victoriana: tacones de gruesas hebillas,  cuellos altos y mangas abultadas para ellos; y encaje, seda, sombreros y sombrillas para ellas. Tal vez un lenguaje rebuscado, o tramas tan engorrosas que terminarían por adentrar al público en un inminente letargo…

 ¿Y si los personajes de sus obras cobraran vida a través de distintos objetos? ¿Y si se narraran las más grandes obras al estilo en que se detalla el más breve y fresco relato? ¿Y si se incorporan a su narrativa elementos que le simplifiquen, referencias actuales que nos aproximen a aquel prolífico escritor nacido hace siglos?

 Adrián Vázquez encuentra la fórmula precisa para dejar a William Shakespeare al alcance de todos. Como escritor, director y actor del montaje Algo de un tal Shakespeare, nos lleva por un conciso y sagaz recorrido por cuatro de las principales obras del dramaturgo inglés: Romeo y Julieta, Macbeth, Titus Andronicus y  La Tempestad.

 Es de una mesa de cocina de donde nace todo: silencio y apenas una tenue iluminación, unos cuantos sartenes, algunos otros utensilios del arte culinario, y una buena cantidad de frutas y verduras que, más adelante, se convertirán en cada uno de los personajes de los textos a representar. El vestuario de los actores es tan poco convencional como la escenografía misma: prendas de mezclilla y en color negro, y botas, rodilleras y cascos como accesorios.

 Acompañado de la actuación de Sara Pinet, este trabajo de Adrián Vázquez no sólo abarca los aspectos primordiales de los textos clásicos referidos, sino que también brinda datos biográficos del escritor y relata parte de la historia mundial para contextualizar más a fondo la ideología de Shakespeare, esto, mezclado con temas actuales —hacer alusión a la serie televisiva Game of Thrones mientras se hace una retrospectiva por el pasado de Inglaterra, o traer a colación la situación política de México en medio del relato de Romeo y Julieta, por ejemplo— y ambientado con efectos de sonido extraídos de algún videojuego, para una digna adaptación acorde al público meta.

 Lejos de trivializar la obra de Shakespeare o reducirla a insultantes simplezas, Adrián Vázquez se empeña en extender una espléndida invitación a jóvenes y adolescentes para acercarse a conocer a uno de los más grandes exponentes de las artes, y resuelve este propósito entre bromas, una que otra palabra altisonante, y un dinamismo excepcional en escena que deja el espacio vuelto, literalmente, un campo de batalla.

 El entendimiento personal y profesional entre los dos histriones es evidente, y queda enteramente plasmado sobre las tablas. Dos de las figuras actorales más destacadas y consolidadas de la escena nacional. Pinet y Vázquez: ambos tan audaces, ambos tan capaces, ambos con un trabajo tan envolvente y logrando una armonía sumamente mágica y natural que terminan por hacernos parte de su juego desde la primera llamada.

 Como el apresurado resumen de una pequeña y muy poco ortodoxa clase de Literatura con algo de Historia, pero además aderezado con un agudo sentido del humor, Algo de un tal Shakespeare es un trabajo honesto e innovador. Es alocado, es arriesgado. Es creatividad, movimiento, acción, congruencia y autenticidad. Una propuesta como pocas, y una amena y certera aproximación a éste, uno de los más grandes monstruos literarios.

 Además de este montaje, Vázquez se ubica con dos obras más dentro de la cartelera teatral actual de la ciudad: con el unipersonal El hijo de mi padre en el Centro Cultural del Bosque, dirigido y actuado por él mismo; y con Wenses y Lala en el Teatro La Capilla, con un texto también de su autoría y donde actúa al lado de Teté Espinoza.

 Algo de un tal Shakespeare se encuentra en temporada en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, desde el 23 de septiembre y hasta el 16 de diciembre.

Adrián Vázquez: autor, director y actor de Algo de un tal Shakespeare.

| Para más información, ingresa aquí.

La muerta que no se fue, pero tampoco regresa

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De cuando hay festejos que por más que quieras, no puedes festejar.

 Sé que podría decirse que los mexicanos esperan con fervor a sus muertos, que les sirven comida, alcohol y demás, sin embargo, la tradición era para mí todo un lujo, dejó de serlo hasta que murió mi sobrina, aunque mucho más que ese parentesco lejano, yo la sentía como a una hermana.

 Ni siquiera quiero hacer la cuenta de los años que han pasado desde que se colgó en el borde de su cama y no lo recuerdo, porque hasta la fecha no había escrito al respecto. Pero las fechas me obligaron a recordarlo y no es que no pueda asumirlo, o aceptarlo o superarlo. El caso es que no le ponemos ofrenda, no podemos, nos duele. Nos aniquila el tema, el poder de la palabra suicidio y su edad (11 años) es suficiente para evitar el tema y casi anular el hecho.

 Veo muchas ofrendas con fotos y guisados deliciosos, lo respeto, me gusta. Pero cuando se trata de “honrar” a la que se fue, el tema se complica. Un sólo año le pusimos un altar con flores naranjas y toda la parafernalia, pero para ser sincera, me retumbaba el interior el sólo pasar por ahí.

 Aunque me gustaría serle fiel a las “tradiciones mexicanas”, hay algo más profundo que me lo prohíbe, ni siquiera quiero ir a su tumba. No es que no quiera recordarla, es que sigue bien presente y no regresa con velas y flores. Vive en mi casa todavía y la herida brota. Duele menos, pero siempre lastima.

De cómo se vivió la Megaofrenda 2014

Fotografías por: Belen Kemchs.

Aunque los honores tomaron formas distintas en los inmuebles universitarios, dentro y fuera de la meca auriazul, la unificación de todo ello se concretó en la ceremonia de bienvenida a las almas que dio inicio en Ciudad Universidad con ensamblajes tempranos desde el día jueves por parte de las Facultades, Preparatorias y entidades institucionales que tuvieron presencia en la tradicional Megaofrenda.

 Esta decimosexta edición del Festival Universitario de Día de Muertos se anunció dedicada a la memoria, vida y obra de una de las más grandes figuras mexicanas, una de las más homenajeadas y por demás incorporadas en la cultura pop. Mujer que, si bien es genuinamente admirada como la artista, feminista y luchadora social que fue, es correcto también admitir la masificación de su imagen —en ocasiones tan obscenamente banalizada, vacua y falta de esencia real—, y su posicionamiento como ícono irrefutable de la industria cultural. Originaria justamente del sur de la ciudad, el 2014 es de Frida Kahlo.

En memoria de la artista mexicana, a 60 años de su muerte.

 Y es que fue diferente. Se trataba de la Megaofrenda y quedaba aquella idea de ver el conocido montaje en las dimensiones acostumbradas: área extensa, abierta, presta y a la orden de sus asistentes, como en años anteriores. El recinto dispuesto para este año fue el Espacio Escultórico de la UNAM que equivalía, por su naturaleza, a estéticas distintas y, aunque podía simbolizar el realce positivo de algunos elementos visuales, resultaba también un sitio menos adaptable y, sobre todo, sumamente reducido para la cantidad de visitantes que acudirían durante los cuatro días de duración.

 Pareciera que el fin de semana que duraría el montaje se dividiría en dos: las primeras tarde-noches se sentirían dedicadas a quienes habitan dicha casa, al estudiantado universitario que sabe hacer de ésta una digna festividad de tradición anual; y las últimas serían para los foráneos, para visitantes poco más lejanos de ese círculo que se dan cita al recinto en un ambiente familiar, muchas veces incluso acompañados con niños. El día domingo resultaba perfecto si ésta última era la intención de los asistentes.

 Aquella tarde los cientos de espectadores padecieron (padecimos) en grande la desorganización del evento. Con la ubicación del nuevo sitio que cobijaba el objeto de la visita, el acceso se dificultaba; ya no eran unos cuantos pasos desde la penúltima parada de la línea de metro más cercana, ahora la llegada se extendía casi a mitad de la ruta 3 del transporte interno de la Universidad.

 Las cuatro de la tarde y escasas unidades que pudieran darse abasto con el extenso aforo en espera de ser trasladado. Se advertía incluso desde ese punto que era “poco probable” que quienes recién llegaban, pudieran accesar al Espacio Escultórico —pese a que, aunque la previsión quedaba a consideración de los visitantes, no se especificó con antelación acerca de las filas ni tiempo de espera que tendría que cumplir el público antes de ingresar—. “El acceso será hasta las cinco de la tarde, pero tomando en cuenta a la gente que ya se encuentra formada, es muy poco probable que puedan entrar”, se dijo, cuando aún restaban cerca de dos horas para que concluyera el acceso al público, según la información oficial emitida inicialmente.

 Luego de la travesía pesarosamente concurrida, se conseguía ingresar, finalmente, a apreciar el montaje amurallado por aquellas imponentes piezas arquitectónicas que guardan en sí una soberbia conjunción ecológico-artística, cada una de ellas utilizada para evocar de distintas maneras los ejes temáticos del evento. La distribución de las ofrendas fue a lo largo del angosto corredor que se extiende por el perímetro del recinto aludido. Y sí, ya dentro se deja un poco de lo que pudiera haberse sentido desagradable hasta antes de ingresar. El ambiente es otro, la atmósfera cambia y se contagia el sentir común de compartir, allí, el tiempo y espacio.

 Colores por doquier. Los ojos de Frida en medio de la instalación, omnipresentes, y un “Viva la vida” dando la bienvenida y enmarcando el espacio. Rostros, papel, disfraces que aludían a la artista homenajeada, rehiletes, el color inconfundible de los pétalos del cempasúchil, calaveras y catrinas, réplicas de cuadros y toda clase de motivos en los más de cien altares que conformaron la Megaofrenda. Considerando lo que ha sucedido las últimas semanas en nuestro país, en algunos altares también se rindió tributo a los normalistas desaparecidos, un grito de vida dedicado a ellos, con espacios que incluían sillas en sus montajes, pupitres que parecían esperar ser ocupados, y frases como “Nos faltan 43”.

Viva la vida.

Al fondo del montaje, la ilustración de una Frida cegada y amordazada, en cuyas ataduras se distinguen leyendas como “Aquí en mi tierra, todos los días son de muertos”, “Tlatelolco”, “Atenco”, “Acteal”, “Wirikuta”, “Narcogobierno”, entre otras.

 

 La visita anual obligada a tierra universitaria concluye con el característico frío de la época, al caer la noche. En resumen, se vivió en un evento con poco menos del espíritu que se ha enaltecido en ediciones anteriores, con poco menos libertad y, valdría la pena rescatar, poco menos del libertinaje —al menos en las inmediaciones de lo que respecta en concreto a la Megaofrenda— por parte de los asistentes, propios y ajenos, que muchas veces desvían la intención original de este evento, aunque aún con el ambiente creado por los propios espectadores y el misticismo inherente de las festividades en cuestión.

 El ritual termina, las luces se apagan y las almas de los visitantes se despiden. Nos reencontraremos en noviembre próximo.

Review: La Leyenda de las Momias de Guanajuato

He de admitirlo, soy fan de las aventuras de Leo San Juan. Amé La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) y me encantó La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) y por lo mismo, cuando supe que se preparaba una tercera parte de esta saga, en esta ocasión haciendo uso de las míticas momias de Guanajuato, sencillamente no podía ocultar mi emoción. Esta ilusión creció conforme fueron apareciendo los posters, y el tráiler de la cinta, y finalmente este fin de semana tuve la oportunidad de ver la tan esperada película.

 En esta ocasión, Leo San Juan y sus amigos llegan a la ciudad de Guanajuato en el año de 1810 (Así es, cuando la independencia estaba formándose, y de hecho por ahí hay una mención a esos eventos) donde conocen a Valentina, una osada niña que se ha propuesto luchar contra las malvadas momias que aterrorizan el lugar, y que aparentemente han secuestrado a la amiga de Leo, Xochitl. Valentina además trata de limpiar el buen nombre de su padre, un jefe de mineros que desapareció el mismo día que las momias atacaron, y no pasa mucho antes de que decida unir fuerzas con los recién llegados para enfrentar esta amenaza.

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 La trama es buena y atractiva. La animación muestra una mejora considerable a sus predecesoras y el diseño de arte está extraordinariamente bien logrado. Las panorámicas de Guanajuato son muy agradables a la vista y los que han tenido la oportunidad de visitar este lugar, en especial de noche, notarán que capta esa esencia casi mágica que sus calles guardan. No obstante, debo decir que de las tres películas esta resulta ser la menos encantadora.

 La cinta no es mala, es bastante disfrutable pero da la impresión de haber sido hecha mas por el compromiso de terminar la franquicia que por el deseo de hacer una nueva aventura de los personajes creados por Ricardo Arnaiz. El trazo de los personajes se ve muy grueso y en una pantalla de cine solo le da una apariencia más de animación de Adobe Flash, aunque esto no lo tomaría como un defecto, sino como el estilo que quisieron dar.

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 A mi parecer, el mayor problema de la película recae en el guión. La historia, como dije, cumple. Es interesante encontrar con una historia que no sólo refleja la amenaza de las fuerzas del más allá, sino la maldad y el egoísmo humano ante un villano capaz de sacrificar todo y a todos por lograr su meta, sin embargo, el problema es que las famosas momias resultan ser una amenaza casi nula. En varias partes de la película se maneja la broma del ataque zombie, y a decir verdad, eso parece. El concepto de las momias (incluido su proceso natural de momificación por los minerales de la tierra) se pierde y nos deja un concepto muy similar a cualquier capítulo de The Walking Dead (The Walking Dead, 2010).

Una de las cosas que me gustó mucho de la segunda película fue el diseño en serio aterrador de la Llorona, el cual causaba horror aún siendo un dibujo animado; en el caso de las momias, que prometían mucho mas terror (aun considerando que es una película para niños… que aceptémoslo, ya aguantan más cosas en las películas que muchos adultos) simplemente no se logra. Los diseños son aceptables, pero pudieron explotarlos mucho más en ese sentido.

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 Otro detalle son los constantes chistes que considero salen sobrando. Menciones a elementos como el facebook, el Wi Fi, los Likes, celulares y otras cosas, que si bien aportan humor a la cinta, se sienten fuera de lugar en una época donde ni siquiera existía la luz eléctrica. En la nahuala, los chistes eran similares pero más centrados a la época, mas creíbles en ese aspecto y aunque suena mal decirlo, más inteligentes. También elementos que jamás nos terminan de explicar como la aparición de un segundo Alebrije, que si bien es un personaje muy simpático, resulta confuso su presencia cuando en la primera película se hablaba claramente que esta especie habita únicamente en el mundo de los muertos (y de hecho hay tres alebrijes en la película). Tan sólo creo que pudieron y debieron explicar el porqué de estos personajes, mas no creo que estén de más en la trama.

 El trabajo de doblaje es bueno aunque insisto en que no se compara con el trabajo ya antes hecho por Andrés Bustamante, Martha Higareda y Germán Robles, siendo la voz de Rafael Inclán la única que respetaron en las tres cintas. El estilo de Ánima es bueno, pero desde la película anterior se notó un cambio de imagen en los personajes mucho más sencillo y lineal. Un cambio que se entiende fue llevado a cabo para facilitar y acelerar el proceso de producción, pero si vemos las momias y la nahuala, descubriremos que el estilo de la primera película es mucho más limpio, artesanal y agradable a la vista.

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 En conclusión, la película podrá gustar al público muy infantil aunque algunos elementos de humor fueron más cuidados para el público adulto. Hay unos cuantos albures ocultos para los que logren captarlos, aunque esto creo que también fue una debilidad en la cinta, ya que una familia se salió de la sala donde me encontraba cuando escucharon el primero de estos “chascarrillos”. ¿Es una mala película? no, pero si es para un público muy definido, quizá un público ya cautivo por las cintas pasadas. ¿Tiene calidad? sí, aunque no tanta como sus predecesoras. ¿Tiene elementos rescatables? muchos. Por desgracia, ¿es tan maravillosa como la primera o al menos la segunda película? temo que no. Aún así, como siempre los invito a verla y juzgar ustedes mismos, al menos un rato agradable en familia podrán lograr al verla.

La joven, el hacha y un asesinato consumado: Lizzie Borden

Una joven y un misterioso asesinato. Lizzie Borden un hacha tomó/ cuarenta golpes a su madre le dio/ cuando lo que había hecho miró/ cuarenta y un hachazos a su padre asestó… En agosto de 1982 Fall River, Massachusetts, fue el escenario en donde Lizzie Borden apareció como presunta responsable del asesinato de sus padres, acontecimiento repleto de dudas, pues a pesar de haber resultado absuelta, aún prevalecen los cuestionamientos respecto a su responsabilidad. De este suceso y gran controversia histórica parte Lucía Leonor Enríquez —destacada dramaturga mexicana— para la realización en escena de la obra que lleva el nombre de la supuesta asesina. 

Lucía Leonor Enríquez trabaja con una estructura coral para exponer las implicaciones de un asesinato en una sociedad, es una revisión de los mecanismos que fomentan la distorsión de los hechos para explicar las acciones criminales. Aun cuando en una primera impresión podría parecer un tema ajeno al contexto mexicano, la realidad muestra que la sicosis ante el terror de los eventos criminales propicia deformaciones en los procesos de justicia, mismos que a veces conllevan a la liberación de los implicados por fallas en el debido proceso.

La obra está conformada por un elenco de cinco jóvenes y prometedoras actrices: Alexa Martín; Joselyn Paulette; Jheraldy Palencia; Natalia Alanis y Melanie Borgez. La dirección está a cargo de Luis Santillán, como parte de una producción de Sorginak.

La temporada de Lizzie Borden dará inicio el próximo jueves 6 de noviembre a las 20:00 horas. La cita es en el Museo Británico Americano en México (Artículo 123 #134; Col. Centro), un espacio destinado al desarrollo cultural y al entrelazamiento del mundo anglosajón y la cultura mexicana.

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Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

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“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

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 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

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 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

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Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

A mí el té de menta me violenta

Casi no se habla de los intensos procesos técnicos  a sortear para levantar un telón en cualquier teatro. Una profesión tan bella como difícil en cuestión de sacrificios, pero con un resultado que al final deja satisfecho desde muy dentro hacia el exterior, reflejándose. Es por ello que Locos por el té, original de Danielle Navarro Haudecoeur y Patrick Haudecoeur ganó en 2011 el Premio Moliére  (el reconocimiento más grande para el teatro en Francia) a la mejor comedia. Porque además de ser un texto sólido en diversión, va más allá de su presentación.

 Una diva atada al ensayo de una obra que no tiene ni pies ni cabeza. La directora extranjera no tiene autoridad o comunicación efectiva, sólo un conocimiento experto en teatro isabelino. Su principal compañero de escena es un novato sin el mínimo ápice de talento o inteligencia. El primer actor tiene un ego insoportable, la vestuarista trabaja como puede o entiende, el asistente de producción se atreve a proponer absurdos y el pobre actor secundario se hunde en su desesperación por brillar. ¿Lograrán estrenar en medio de la neurosis y la constante presencia del humeante té?

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 Ocesa Teatro trae Locos por el té directo al Teatro Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas, bajo la dirección de Vanessa Vizcarra, en un texto de traducción original al español por Julián Quintanilla, adaptado a México por el genial Alfonso Cárcamo.

 Este es un vodevil francés, sobre lo complejo que puede ser hacer un montaje de este género sin caer en la farsa, lo que significaría estar bastante lejos de la comedia. Un giro que mortal para el texto, traicionando al autor gravemente. Dentro de esta puesta se hilan muchos ejemplos de los pesares que construyen un montaje: La gran actriz que en su situación de desempleo se ve forzada a realizar la obra para no morir en el anonimato. El nepotismo que coloca al inexperto hijo del productor como actor principal y a su hermano como técnico de audio e iluminación. La directora que lucha por tratar de hacerle entender a su elenco el objetivo del texto frente a la carencia de tiempo suficiente para que todo ande correctamente.

 Lo sorprendente de ver esta obra es la franqueza y apunte con la que los autores originales lanzan el mensaje implícito a la audiencia: hacer teatro no es fácil, ni se consigue sin preparación, pero se puede disfrutar plenamente de sus incidentes desafortunados. Aquí podemos ver como los diseños se consuman en un aparato escenográfico, o en qué se basa la dirección para pedir las características del vestuario que se emplearan. La grandeza de generar y sentir y transformar un espacio para narrar una historia, todo de la mano de situaciones absurdas e irónicas que enmarcan el entretenimiento, mediante acciones tan simples como una peluca que se cae o un armario que no abre.

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 Vanessa Vizcarra sabe aprovechar los elementos de audio, iluminación tanto de utilería para darle mayor volumen mediante los detalles al discurso presentado. Coloca a sus actores bien delimitados en la composición de sus personajes, atreviéndose a enredar aún más las situaciones para lucir el talento de cada uno. Respeta sus planos y focos con bastante cuidado, limpiando cada cuadro con efectividad. Sin embargo hay un detalle que escapa a la primer parte: el ritmo. Empero de que las risas que promete la obra en su anuncio, verdaderamente se cumplen desde los primeros 10 minutos, existe una ligera discontinuidad que la directora debe corregir para que el total explote en la comicidad pura que deja la segunda parte de la puesta.

“el teatro se lleva por dentro. hasta para tomar un vaso de agua hay que tener talento.”

 Afortunadamente, existe un elenco bastante sólido para respaldar la correcta adaptación de la pieza. Comenzando por el agasajo que es presenciar a una excelente actriz, como la es  Susana Alexander, manejar la comedia con ligeros relieves dramáticos a la perfección. La diva que interpreta logra resultar tan entrañable como patética, teniendo que ocultar un vergonzoso secreto a la vez que ostenta un porte que nadie podría merecer. Alexander es gratamente recibida ante la audiencia que se vuelve completamente loca al escuchar los chistes que debe realizar o líneas tan magistrales como “antes muerta que sustituida”.

 Quien sencillamente brilla y roba escena gracias a su enorme talento natural para manejar la comedia es Gustavo Egelhaaf. Correcto tanto en tonos, formas e imágenes, convence totalmente de la ineptitud involuntaria de su personaje que desearía profundamente poder hacer las cosas bien, pero su propio ser se lo impide, sumado al terror que infunde en el su compañera de escena. Logra ser gracioso  sin sobreactuaciones, la simpleza con la que ejecuta su oficio otorga un timing acertado a cada acción, conjuntándose perfectamente al resto de sus compañeros, sin dejar de destacar.

 Ricardo Maza se suma triunfante como el pobre actor secundario, que a pesar de tener mucha expresividad y ganas de ser reconocido está encerrado en un papel que lo limita totalmente. Completan el elenco Cecilia Romo, Julio César Luna, Claudia Nin, así como Ulises de la Torre con actuaciones complementarias bastante buenas.

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 Cual curioso es que aparece en un contexto bastante adecuado esta extraordinaria terapia de risa, puesto que los mexicanos tendemos a reírnos de nuestros propios problemas para salir de ellos. El espacio idóneo para relajarse y soltar el estrés al tiempo que la reflexión hace de las suyas sin permitir que el espectador se dé cuenta de momento. Muchas veces las obras más complejas son las que mejor saben disimular esta cualidad, he aquí un certero botón de muestra.

El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Abrir ventanas en el espíritu

Catarsis, plenitud alcanzable con la transformación interior. Permite liberar ataduras, remover emociones encontradas, equilibrar. Cuando en el teatro se logra esto a través de una obra poderosa tanto en texto como en dirección, escenografía, iluminación, vestuario, musicalización, etc., el público lo recibe con el corazón, porque  encuentra la magia que posee la experiencia teatral y deja una parte de sí en el producto generado a manera de intercambio con los responsables. Hacer teatro debe ser un ritual solemne, donde se honre a la vida desde cualquier arista posible, comunicando un mensaje íntegro, sólido. No importa el género elegido para contar la historia, sino que la historia misma sea contada con efectividad.

 Harwan es estudiante de teatro, está a punto de presentar la tesis con la que se graduará, para terminarla debe entrevistarse con el autor que lo ha inspirado a formularse la cuestión de la necesidad del teatro en el mundo actual. A pesar de tener la cita pactada desde hace meses, los planes han cambiado y le han ofrecido una residencia artística, pero para ella necesita el título, por lo tanto entrevistar al autor, entregar la tesis así como argumentar su defensa en un tiempo menor al que tenía planeado. Harwan deberá alcanzar al artista en Rusia, país donde se encuentra montando su nueva puesta, deberá realizar un viaje para descubrir si está listo para dedicar su vida al teatro, encontrando lo que había olvidado de si mismo en el camino.

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“Las grandes obras de arte guardan un secreto”

 Hugo Arrevillaga toma dos textos de su autor de cabecera, Wajdi Mouawad, para cruzarlos en una sola historia. Solos y Sueños se funden en Ventanas. El resultado es una dramaturgia que suma la ambición de enmarcar al arte como respuesta a la identidad humana de Mouawad, sobre la delicada y vertiginosa técnica de Arrevillaga a la perfección. Esta fantástica obra teatral toma forma en la Caja Negra del Centro Universitario de Teatro.

 Dentro del discurso propone viajar hacia el ser, enfrentarse a la realidad en una aventura que lleva el tiempo medido, sabiendo que aquello que se busca es precisamente lo que no se va a encontrar, además de que se pueden perder muchas cosas en el trayecto, de las cuales uno nunca está consciente pero que ahí están, aferradas. Empero, existe un peligro más grande al decidir no actuar: volverse común. La esencia de Mouawad parte la narrativa desde un lugar común para explotar al máximo la idea de los nexos que guarda todo autor con su obra. Por medio de la belleza de las palabras en poesía absoluta y equilibrio, transporta un problema a un mundo amplio y complejo.

 Casi se puede tocar la sensibilidad que produce hablar de las decisiones que tomamos en la vida, en esperanza de alcanzar aquello que nos proponemos, desear a través de las órdenes mientras intentamos sostenernos frente al mundo. Aquí la meta es el autoconocimiento mediante la vía teatral, como un espacio para expiar, nutrir o perdonar. El mensaje del autor original orilla a transformar todos los sentimientos que aparecen durante toda la puesta en un factor común, del cual forman parte y a la vez generan: la vida.

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“Nadie puede ser tu amor y tu jaula al mismo tiempo”

 La dirección sujeta esta visión sobre un desfile de imágenes tan ambicioso como efectivo, en el que cada elemento que aparece brilla y justifica su existencia. El ritmo es persistente, aprovecha en muchos momentos la sabiduría de la inmovilidad, combinada en un trazo que refleja una batalla contra el dolor de saberse incompleto. Puede ir de la fuerza a la suavidad tanto en el diálogo como las acciones con entera ligereza, pues hay una constante en la construcción: franqueza y amor, sólo así se puede hablar de la pérdida para comenzar de nuevo. Amén de la genialidad encerrada en los giros de tuerca de la trama.

 Esta es una obra hecha para todo el público, pero en especial para aquellos que se quieren dedicar, se están preparando o son ya gente de teatro, a cualquier nivel. Si bien la base de Mouawad convoca a no renunciar a los sueños por más incoherencia que puedan tener (sino luchar por darles forma y que lleven un cauce correcto) al unirse con el sentido de Arrevillaga el mensaje es claro para decirnos que la única forma en la que las metas se alcanzan es con la ayuda de otro, porque los seres humanos tenemos la necesidad de ser gregarios para poder sorprendernos constantemente y no ahogarnos en la monotonía.

 El director convoca a 14 actores -estudiantes en la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM–  para darles la oportunidad de formar un mismo personaje, dividido en todas las formas con las que se concibe, un ser que se refleja de manera constante pero no puede reconocerse en ese reflejo, tan solo percibe un espectro de color que logra entender que posee un alma. Así, Tania Sofía Álvarez Núñez, Iván Caldera, Eduardo Carranza, Elena Del Río, Liliana Durazo, Xóchitl Galindres, Kevin M. García Gallardo, Alejandro Guerrero S, David Illescas, Daniela Luque, Geovanna Moo Caamal, Arantza Muñoz Montemayor, Eduardo Orozco y Nicolasa Ortiz Monasterio entregan un trabajo de calidad y firmeza que deja ganas de seguir presenciando más de estos jóvenes, verlos brillar en más y más puestas gracias a la muestra de talento y dedicación que ejecutan.

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“La existencia se fue, me abandonó”

 Arrevillaga deja una lección a estos alumnos como a todo creador teatral en general: el teatro tiene el poder de tocar para dejar algo en la audiencia, expresar críticamente los aspectos sociales de repercusión contemporánea. Contar historias desde un espacio escénico no es tan solo un ejercicio de entretenimiento, es la posibilidad de formar mejores personas a través de la narración, apartados de la cuestión moral, más bien cultural, o bien simplemente estar ahí con las palabras precisas para quien necesita contactar con su humanidad tan perdida en una sociedad de avaricia entre tecnologías reemplazantes. Ahí está la belleza de esta profesión, a la cual más que lealtad o respeto hay que darle orgullo y forma de ventana.

 Pero sobre todo, concluye como un acto de demanda social pertinente y muy justo. Algo que desgraciadamente necesitamos con desesperación en estos tiempos violentos que enfrentamos en México es reconocer y actuar por un cambio. No son 43 normalistas desaparecidos, ni tampoco las más de 700 muertas de Juárez o las víctimas sin justicia resuelta del caso de la guardería ABC, es la de existencia impunidad ante los delitos que existen sumada a la incompetencia para su esclarecimiento. Cuando el sistema reacciona en contra de aquellos para los que debería trabajar, es momento de alzar la voz, contagiar la rabia y mostrar una oposición efectiva, sostenida en hechos, no en simbolismos. De nueva cuenta el teatro es una respuesta que demuestra como el arte nunca será ajeno al terreno en el que se manifiesta.

 Ventanas es sencillamente uno de los trabajos más enternecedores y válidos de la cartelera mexicana. El método para identificar la autenticidad y la pertenencia. La oportunidad de entender como el teatro cambia la vida. 

“El arte es una ventana en medio de un muro”

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

De: Pita Amor, poetisa mexicana.

Mis pensamientos son muy taciturnos

 Mis sueños de pecado son nocturnos

Soy histérica, loca, desquiciada;

pero a la eternidad ya sentenciada.

Pita Amor decía en una entrevista a Ofelia Medina que las nueve musas asistieron a su bautismo y la coronaron poeta. Cuando ésta le solicitó definirse, Amor respondió: “¿Cómo puedes definir a las cataratas del niágara?¿Cómo puedes definir las hemorragias de sangre? Pita Amor no se puede definir, Pita Amor es infinita, como el universo, no tiene principio ni tiene fin… Yo cada instante, cada momento de mi pulso, cada átomo de tiempo que pasa soy diferente”.

 Pita Amor, hija de Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmicltlein García, creció en Abraham González 66. Séptima hija. Actriz y modelo de pintores en juventud de entre los que recordamos, por grandes a Raúl Anguiano, Diego Rivera y Raúl Anguiano. Entrañable de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro entre otros.

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 Tenía por costumbre no utilizar ropa interior ni medias y salir abrazada de un abrigo de Mink sin nada que la cubriera debajo, según sus amigos; tal vez entendamos algo de la personalidad de la poetisa si la relacionamos con genios de la talla de Salvador Dalí, dotado de una excentricidad implacable, de María Félix, diva del cine mexicano, y los mencionados arriba.

 Pita Amor tenía un poder especial para convocar a sus muertos, para traer al universo a sus versos. Fue apadrinada de Alfonso Reyes, quien se refirió sobre ella usando palabras como las siguientes:

 “(…) y nada de comparaciones odiosas, aquí se trata de un caso mitológico”.

 Mujer dueña de sí misma, de vida intensa, de amores pasionales y personalidad extravagante, mucho de ella podemos rescatarlo teniendo en cuenta la pérdida de un hijo, el único. Al ponerlo bajo la custodia de su hermana mayor, el niño se ahoga en una pileta contando un año con meses. La crisis no se hace esperar, la poetisa se derrumba, y se aleja del mundo entero al que entregó su pluma, y de lo que ella misma fuera.

 Reaparece en los setenta, renovada, rehecha, otra. Recita poesía mexicana de Sor Juana hasta Pita Amor, el recital es un éxito y vuelve a las entrevistas para televisión

 La nombrada undécima musa, muere en el 2000 presa de los demonios en su recinto de carne, de la postración de dos años en cama, la rescata la muerte.

Dios, invención admirable,
hecha de ansiedad humana
y de esencia arcana,
que se vuelve impenetrable.
¿Por qué no eres tú palpable
para el soberbio que vio?
¿Por qué me dices que no
cuando te pido que vengas?
Dios mío, no te detengas,
¿o quieres que vaya yo?

(Décimas a Dios)

Héroes de combate : Los que persistieron hasta la muerte


En el país del mundo gris

existe la muerte que demanda vidas

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Hermanos Flores Magón.

ostentosas balas quiebran el arcoíris.

La sangre clama verdad

la muerte exige justicia

el pueblo grita rebeldía

La muerte relata el olvido

homenaje dos
Memoria del 2 de Octubre de 1968.

la angustia corroe el alma

¡Mi pueblo! Lleno de un agravio cometido

festejado por el mundo con calma

y que su recuerdo parece alejarse

Su destierro es poder vivo

y el significado parece constatarse

¡CRIMEN DE ESTADO LE DICEN!

Dolor y sufrimiento se unen

para clamar justicia una vez más

los indiferentes pretenden

10 de junio
Lucha estudiantil del año 1971.

pero la fuerza pluvial no miente

Nos arrebataron el mundo

pero no lo harán con los sueños

La lucha no se ha perdido

el consuelo permanece en nuestros recuerdos

En este día de conmemoración,

el respeto y esmero los acompaña

a los guerreros que soñaron

y que nunca, nunca temblaron.


 

La ofrenda de Día de Muertos: elementos puros de la cultura mexicana

Al fin llegó esa época tan colorida y preciosa del año. Entre los olores, el clima y los sabores, el Día de Muertos en México es una fecha muy especial. En lo personal, mi favorita. Y es que, además de las fiestas, los dulces, las ofrendas, las catrinas, niños disfrazados en las plazas centrales de cada ciudad o estado, obras de teatro alusivas a la celebración y demás eventos culturales, es una de las tradiciones más antiguas y enraizadas del país.

 Si bien en otras culturas, como los egipcios o los griegos, la muerte representaba un objeto de culto mayor, en México la tradición no se quedó estrictamente en lo prehispánico y, aunque a lo largo de los siglos se ha ido mezclando con prácticas especialmente católicas, la esencia permanece. Cabe destacar que en 2003, la UNESCO declaró la celebración del Día de Muertos en México como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, reforzando así el carácter trascendental de esta hermosa fecha.

 Pero lo que interesa destacar en el presente artículo, son las características del elemento más importante de esta festividad: la ofrenda. Sin ofrendas el Día de Muertos simplemente no nos daría esa sensación que yo podría definir como “estar en casa”. Es lo que distingue a la celebración de las demás fiestas típicas mexicanas, ya que representa el elemento clave de la presencia de sus raíces prehispánicas. Las ofrendas son un puente entre lo antiguo y lo cristiano/católico. Sin embargo, muchos pensamos (o pensábamos) que la ofrenda sólo consistía en poner los alimentos que más les gustaban a nuestros difuntos, algún objeto que nos hiciera recordarlo y claro, su fotografía. Pero más allá de eso, existen elementos simbólicos que nos ilustran esa ligadura de lo antiguo con las prácticas espirituales católicas que se fueron introduciendo poco a poco en las tradiciones prehispánicas desde el momento de la conquista. No obstante, cabe destacar que se empalman muy bien, y que en la actualidad sería difícil imaginar un Día de Muertos sin misas, sin rezos y sin santos.

 En fin, empezaré por decir que la ofrenda tradicional de Día de Muertos tiene elementos que enmarcan muy bien la cosmovisión de los mexicas: la muerte no representaba un fin como lo concebimos actualmente, sino que ésta se convertía en un paso hacia el ciclo infinito de la vida en compañía de los dioses. Y hoy en día esa visión permanece: cuando ponemos la ofrenda se cree que nuestros difuntos vuelven para degustar a través del olfato los alimentos y bebidas que dejamos en la misma. Creemos en una especie de vida después de la muerte, y eso resulta muy interesante cuando pensamos en los elementos característicos de una ofrenda.

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 Dependiendo de la región, las ofrendas son variables, sin embargo, estas deben tener siete niveles o escalones. Cada escalón del altar representa los niveles que se supone un alma debe superar para llegar al descanso eterno. Dentro de la cosmovisión mexica existía un proceso tanto para nacer como para morir, y en este caso, morir traía consigo estas pruebas en el momento que el alma abandona el cuerpo físico. Muchas veces los siete niveles también son relacionados con los siete pecados capitales.

 En cada uno de estos niveles deben incluirse elementos variados, por ejemplo, en el primer nivel se coloca la imagen de algún santo o virgen, por aquello de la influencia católica en la celebración. El segundo nivel de la ofrenda representa al purgatorio y, haciendo uso de hierbas de olor, incienso, copal etcétera, se cree que se ayuda al difunto a salir de esa fase y así poder continuar en su camino a la eternidad. Es el paso de la vida a la muerte.

 El tercer nivel está dedicado a los niños muertos, y ahí es donde se coloca la sal, que representa un elemento de purificación. En el cuarto nivel de la ofrenda es donde se coloca el pan de muerto, el cual tiene una forma muy interesante, ya que es un bizcocho redondo cubierto de azúcar, que representa el cráneo y los huesos. En muchas regiones de México, como por ejemplo en Mixquic, Xochimilco, podemos encontrar una gran variedad de panes de muerto, los cuales representan, también, el cuerpo, siendo de igual forma un elemento católico. No debemos olvidar esa estrecha relación de la religión católica con el cuerpo y la sangre de Cristo.

 En el quinto nivel del altar es donde colocamos la comida favorita de nuestro difunto, tomando en cuenta también la comida tradicional mexicana: tamales, mole, dulce de calabaza y de tejocote, así como también tortillas de maíz. No se deben olvidar las bebidas predilectas: café, chocolate, agua de fruta, tequila, pulque, rompope. Ahí depende más de los gustos personales. Incluso en algunos lugares se acostumbra a dejar la ofrenda la noche del 2 de noviembre, y al día siguiente ingerir los alimentos en razón de compartir con los seres queridos ya muertos.

 Finalmente, el sexto nivel está destinado para poner la foto de la persona o las personas de la familia a quienes está dedicado el altar y, en el séptimo nivel se forma una cruz de semillas o flores, representando así a la tierra como elemento. También esto lo podemos ver en los famosos tapetes de aserrín. El fuego está representado con cirios o veladoras en cada nivel del altar y el agua en un vaso, la incluimos para calmar la sed del espíritu. También se concibe como las puertas al inframundo, tal cual eran en la cosmovisión maya los cenotes.

 No debemos olvidar mencionar el uso del papel picado y las flores no sólo para adornar, en sí mismos representan elementos importantes dentro del altar u ofrenda. Por ejemplo, el papel picado representa al viento; y las flores como el cempasúchil, la nube y la flor de terciopelo, por sus colores representan diferentes cosas: las primeras, por su color naranja o amarillo nos habla de la tierra, la segunda con su color blanco, el cielo y la tercera de color morado representa sin lugar a duda el luto.

 Así pues, aquí tenemos cada uno de los elementos de la ofrenda tradicional de Día de Muertos, representando a la festividad con sus raíces prehispánicas, como ya vimos, y sus ligaduras con la tradición católica. Si bien otras tradiciones como el Halloween (celebración cuya raíz es completamente pagana) en México se han ido introduciendo, la celebración del Día de Muertos no pierde fuerza, y aunque varía dependiendo de cada región donde se celebre, aún es considerado un elemento fuerte de la identidad nacional. Y yo creo que año con año se fortalece. Y eso me pone muy de buenas. ¡A celebrar a (con) nuestros difuntos!

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¡Todos somos niños en la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil!

Cada año, el Centro Nacional de las Artes (Cenart) es el anfitrión de la edición número 34 de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil como parte de la ardua y noble tarea de fomento al hábito de la lectura para la población infantil y juvenil de México.

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 Este año la FILIJ cuenta con poco más de 300 fondos editoriales, enriqueciendo la variedad de títulos literarios que van desde enciclopedias hasta textos científicos pasando por libros de poesía y de ciencia ficción. La FILIJ reúne a algunas de las casas editoriales más importantes tanto en el rubro educativo como en la literatura recreativa para chicos y no tan chicos, además de contar con eventos exclusivos de presentación editorial y talleres para seguir nutriendo la creatividad infantil.

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 Pero la Feria no sólo es compra-venta de libros sino que posee una amplia gama de eventos culturales y artísticos para el disfrute de los asistentes. Teatro, danza y música se conjugan para la enorme celebración de la juventud mexicana que año con año nos sorprende con la calidad y cantidad de presentaciones para introducirnos al mundo de las bellas artes de una manera didáctica y divertida. La música es uno de los grandes atractivos de la ceremonia, esta edición cuenta con la participación de músicos y cantantes como Polka Madre, Patita de Perro, Yucatán A Go Gó, Luis Pescetti, Triciclo Circus Band y demás bandas sorpresa.

 La FILIJ está posicionada como uno de los eventos más importantes de su tipo en América Latina. Para su aniversario número 34 se ha presentado la nueva sala de lectura interactiva, la cual, pretende acercar aún más a las personas con los medios digitales y ofrecer un mejor entendimiento mediante métodos interactivos e intuitivos con el fin de facilitar el acercamiento a un tema determinado.

 El magno evento se llevará acabo del 7 al 17 de noviembre en las instalaciones del Cenart (Río Churubusco, esq. Calzada de Tlalpan. Colonia Country Club) con acceso totalmente libre a todas las actividades y talleres. Si nunca has asistido a esta Feria es bueno que tomes en cuenta los 35,000 metros cuadrados de recorrido, las 2,748 actividades y los 350 fondos editoriales para que te des una idea de la magnitud de la FILIJ y no lo pienses dos veces antes de asistir.

Para consultar el programa completo en PDF haz click aquí

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

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La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Jamás incontables

Me parece justo, a conciencia de no ser hipócrita e indiferente, prestar la voz, mis manos y lo que he de considerar más poderoso que un arma: la palabra.

 El arte, la literatura, o cualquiera de sus múltiples formas claman lo que ha sido arrebatado desde hace mucho tiempo: libertad. Miles de personas han cantado indignación, y miles más lo han susurrado en un aliento casi imperceptible, en silencio. El país no agoniza del todo; se levanta.

 Tlatelolco, la guerra sucia, las muertas de Juárez y el Estado de México, Atenco, Gregorio Jiménez…Ayotzinapa. Más de 6, de 43, pero jamás incontables. Cada uno de los hechos vive y no se puede prestar a la comparación y mucho menos al aislamiento.

La ausencia de aquellos  que sirven de cura es nuestra muerte en vida, la que más duele, la que quema, ahoga, entierra, mutila, lastima cuerpos y almas.

 Se nace cargando una condena, y es ella la que se ha convertido en nuestra cuna. Nadie se pregunta hasta que le toca de cerca, cerquita.

 ¿Por qué hemos decidido gritar precisamente en este instante? Porque esta situación va más allá de quebrar la expresión, el derecho, la igualdad, la justicia: es romper con lo que concebimos humano, puro; y es de esa idea que se desprende lo corruptible, ya institucionalizado como alguien dijo. La muerte como parte de un sistema. Dualidad tardía para una conmoción como la de hoy.

En México, las matanzas se hacen “bajo el contexto de la ley”.

 ¿Quiénes somos?, ¿por qué lo permitimos? No se trata simplemente de cuestionar y juzgar a los autores de una transgresión o injusticia, sino a quienes lo permitimos. Cansada nos resulta, pues, la historia de siempre, la inmersión del crimen en las funciones públicas y viceversa; aun así, hemos permitido que suceda. Que ahora asesinen estudiantes, y para conveniencia de algunos, “guerrilleros”.

 Y, para ser honestos, si lo somos. Las verdaderas guerras se hacen en clase, con diálogos, con educación; con la propuesta de maestros que prefieren dar clase a manifestarse, porque esa es la mejor manera de expresarse.

 Se habla en los medios de la exigencia internacional por recuperar a los desaparecidos, se atienden a sus llamados con promesas caducas y falsas, de más de 40 años. ¿Qué importa que México se encuentre en la mira mundial? La mira de cada uno de los mexicanos es la que cuenta.

 ¿Prestigio? ¿preocupación? ¿reformas? ¿Saving qué?

 Politización del dolor, imitación de un estado vecino que utiliza políticas de terror en países lejanos y ajenos, políticas de invisibilidad, de poder.

 Guerrero es otro estado de mi país que no conocemos, que no sentimos ni queremos sentir, al igual que Michoacán, Veracruz, Tamaulipas, Morelos…Guerrero, Iguala, Ayotzinapa son tierra de todos. Entendamos que México no es un partido, no es una mancha de sangre, no es un cuerpo sin rostro, no es una familia rota. México no está en guerra con estudiantes ni jóvenes, está en guerra con las ideas, con una revolución.

“En cuanto la bendita llama hubo dicho su última palabra, empezó a girar la santa rueda, y aún no había dado una vuelta entera, cuando otra la encerró en un círculo, uniendo movimiento a movimiento y canto a canto…”

— Dante Alighieri. La Divina Comedia, Paraíso

 

AXE DFX: Una noche para los sentidos

El Distrito Federal se ha caracterizado por ofrecer cada vez más experiencias en cuanto a la oferta cultural. Muchas de estas se consolidan como únicas por la conexión que consiguen con el público, entre diversos aspectos. En este marco se presenta AXE-DFX que en su primera edición se postula como un espacio temporal y único en el que el disfrute de los sentidos será el eje rector de la noche, pues no sólo es un festival de música electrónica underground, sino un concepto que busca proveer de espacios diseñados para cada momento de la noche. En esta edición, estará acompañado de Comilona, un mercado de comida itinerante.

 En cuanto a lo que podrá deleitar el oído durante toda la noche se ubican cinco propuestas del sello Cómeme, basado en Berlín, y en ellas figuran Matías Aguayo, Phillipp Gorbachev, Ana Helder, Christian S y Thugfucker, la mancuerna encargada de cerrar la noche.

 Flyer AXE DFX

 Para que todos los asistentes deleiten sus papilas gustativas, Comilona ha elegido a cinco proyectos gastronómicos que integrarán el área de foodcourt: Knoot & Loop (pretzels caseros); Meatless, que es un concepto nuevo de hamburguesas vegetarianas; Route 69, con sus bagels vegetarianos; Bus Mostaza, con ricos panes recién horneados; y Fonda Porteña con cortes a la parrilla. Por lo que, seguramente todos los asistentes encontrarán un lugar a su medida. Para calmar la sed estará disponible el Bar Kraken con coctelería para todos los gustos.

La cita para un disfrute total es el próximo 8 de noviembre a las 20 horas en Constituyentes #851, Col. Lomas Altas. El evento contará con áreas lounge para descansar del volumen alto de los beats, guardarropa, valet parking y sitio de taxis. Evento para mayores de 18 años. No hay reingreso.

Especial Ghibli: La Princesa Mononoke

Volviendo a la silla del director, y presentando una de sus obras más memorables y quizá la que contiene el mensaje más ambientalista, Hayao Miyazaki decidió dedicar su siguiente proyecto a una heroína para algunos similar al personaje de Nausicaä (también creación de Miyazaki) y tomando aspectos de obras como el libro de la selva de Kipling, pero dándole un enfoque más espiritual y hasta bélico.

 La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997) está ambientada en la edad medio de Japón, y nos cuenta la historia del príncipe Ashitaka, un joven que luego de enfrentar a un demonio por salvar a su pueblo queda con una lesión que puede acabar con su vida si no la atiende de forma apropiada. En búsqueda de sanación, el príncipe se aventura lejos de su hogar y llega a una ciudad donde el hierro y la industria domina, este lugar es liderado por una ambiciosa mujer que está dispuesta a hacer cualquier cosa por el progreso, incluso destruir el bosque y a los espíritus que lo habitan. Ashitaka es recibido por los pobladores de esta ciudad y no tarda en darse cuenta de los planes de su líder, mismos que son frustrados por una misteriosa muchacha que vive en el bosque y que, se cree, fue criada por los espíritus lobo.

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 De este modo, Ashitaka se ve involucrado en una guerra entre el mundo natural y espiritual contra la ambición de los humanos y su necesidad de dominarlo todo. La historia para algunos es muy parecida (casi idéntica) a la de Nausicaä, como ya mencioné, sin embargo en esta producción se distingue un avance en la animación y un estilo muy distinto. No es que la anterior película tenga una mala realización, sino que aquí se nota un poco más la mano del director, con una elaboración más pulida y con claros homenajes a las películas de Kurosawa, de quien Miyazaki es un gran admirador.

 Esta película es por demás asombrosa, la ambientación es impresionante así como el diseño de las criaturas, desde los simpáticos Kodamas hasta el imponente espíritu del bosque. Tiene un carácter un tanto más maduro e incluso algunas escenas podrían catalogarse en el género de Gore. Aun así, la película es apta para el público de todas las edades. La música corre a cargo de Joe Hisaishi, otro nombre conocido en la filmografía de Ghibli y nos crea una banda sonora que solo se puede catalogar como espiritualmente genial.

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 Se dice que esta película pudo ser víctima de cierta censura y de una edición ajena a lo que el director había deseado, sin embargo, el estudio se negó rotundamente a aceptar esto, por lo que la cinta no fue tocada en ese sentido. También se comenta que fue un proceso complicado y difícil, con largas y pesadas sesiones de dibujo que provocaron que Miyazaki usara vendajes en su mano en la última etapa de producción.

 Se trata de una de las películas más representativas y famosas de Ghibli, una obra con una calidad impecable que aunque no nos muestra el típico final feliz, nos da un desenlace muy apropiado y una historia digna de contarse, y lo más importante, bien elaborada. Un deleite a la vista y el oído que recomiendo totalmente.

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Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Festival Miquixtli 2014 en Morelos

Este año se celebra de 20a edición del Festival Miquixtli en el Estado de Morelos, una celebración indígena y popular de día de muertos que tendrá lugar del 30 de octubre al 2 de noviembre en el Centro Cultural Jardín Borda, haciendo de Cuernavaca una de las sedes más importantes del festival. Año con año, desde 1994, se ha rendido tributo a la muerte en un evento lleno de música, color y tradición, en el que la danza, la literatura, el desfile y la puesta de las ofrendas se hacen presentes.

 Este año el Miquixtli recibe como invitado especial al Estado de Oaxaca, que estará participando a través de los eventos musicales organizados en el Foro del Lago y en la Fuente Magna ubicados dentro del jardín. Así pues, se tendrá la presencia del Ensamble de saxofones y el Ensamble de percusiones del Centro de Iniciación musical de Oaxaca, así como la presencia de Alejandra Robles, la Morena.

Cartel oficial del Festival Miquixtli 2014, ilustraciones de la artista morelense Mafer Lara.
Cartel oficial del Festival Miquixtli 2014, ilustraciones de la artista morelense Mafer Lara.

 El día 30 de octubre se dará inicio con un desfile que parte de la explanada del Palacio de Cortés para culminar en el Centro cultural Jardín Borda en donde estarán listas las ofrendas que visten el jardín en esta celebración. Además se llevará a cabo el segundo Concurso de Catrina y Catrines en el marco del festival, haciendo entrega de premios durante la ceremonia de inauguración. Se podrá asistir a los eventos musicales y a las ofrendas a partir de las 10 y hasta las 21 hrs. El acceso a todas las actividades es gratuito.

 La celebración cobra importancia no sólo por tratarse de un evento organizado por la Secretaría de Cultura del Estado de Morelos, sino por la función social que la festividad del Día de Muertos conlleva. Se trata de una celebración que une a la población a través de la fiesta, de la música, la danza y la tradición que afianza la identidad de un grupo, que nos hace echar raíces en una misma dirección histórica y que nos permite pertenecer a un colectivo. Es cierto que el día de muertos nos remonta a nuestros orígenes prehispánicos, pero al mismo tiempo nos consolida como mestizos, nos permite palpar del sincretismo que tiene origen con la llegada de los españoles a al actual México. Así, la tradición indígena continúa viviendo a través de las flores de cempasúchil, del copal y de la adoración al Miquixtli, pero al mismo tiempo adorando a la muerte desde nuestra cultura cristiana, haciendo rezos e incorporando las cruces a los altares.

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