El almacén de la imagen: Ricardo Modi

La difusión del trabajo de artistas emergentes que recién comienzan a entrar en la escena cultural es realmente importante. Es así como algunas revistas digitales promueven y apoyan a estos artistas para dar a conocer su obra y con ello impulsar el arte y la cultura en nuestro país. Es necesario introducir nuevos artistas, presentarlos al público para que los conozcan. En este sentido es indispensable hacer eco de su trabajo y dejar que su obra hable por si misma.

Conozcan a Ricardo Modi, fotógrafo mexicano de 24 años con una inclinación por crear realidades ficticias y captarlas con su cámara. Estudió 1 año en el Centro Morelense de las Artes, siendo este su primer acercamiento a la fotografía. Posteriormente estudió  durante 1 año en el Centro de Estudios Audiovisuales en Guadalajara, para luego comenzar la carrera en la Facultad de Artes de la UAEM. Ha participado en algunas exposiciones colectivas tanto en Cuernavaca como en la Ciudad de México. Actualmente estudia en el Centro de Artes de San Agustín (Oaxaca) y trabaja en un proyecto personal de fotografía que será publicado próximamente en Vice México.

Ricardo Modi, de la serie "Si mi país tuviera mirada", 2014
Ricardo Modi, de la serie “Si mi país tuviera mirada”, 2014
Ricardo Modi, de la serie "Naturaleza muerta, 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Naturaleza muerta, 2013.

La obra de este fotógrafo es relevante, (sobre todo) porque al observar uno puede darse cuenta de su intento por insubordinarse ante la realidad. Intenta mostrar la realidad no tal como es; sino como le gustaría que fuese, dice Ricardo Modi al hablar de su obra. Así, intenta captar el drama que habita dentro de cada ser humano, componer una escena en su mente y ver la manera de capturarla con la cámara. Su obra se basa en visiones y contextos del mundo imaginario del cual se sirve para crear imágenes que le permiten visualizar aquello que surge de la posibilidad del mundo real. Esto es precisamente lo que quiso mostrar con su serie Interludio, en donde algunas mujeres se encuentran suspendidas en el aire, como alguien que pudiera pausar el momento exacto en el que se encuentran cayendo.

Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.
Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.

El próximo mes, Modi presenta su exposición: Las Tres Miradas, con la cual pretende mostrar que su forma de trabajo se basa en: la del retratado, que es a quien se expone ante la cámara. La del fotógrafo, que es quien crea la imagen, y la del espectador, quien consume el producto final.

Para Ricardo Modi lo que importa es la mirada, pues retratar algo que tenga mirada es indispensable a la hora de crear su obra. Necesita siempre de la mirada del otro, quizás en un intento por definirse a sí mismo, por revelarse. Su mirada como fotógrafo es más bien el intermedio, el vehículo del cual se sirve la mirada del retratado para llegar a la mirada del espectador. Su cámara es el ojo mecánico que observa de manera objetiva, pero la idea es creada en la mente de Modi que le impregna la subjetividad y el surrealismo a la imagen.

Las Tres Miradas se presentará el día 06 de agosto en la galería Víctor Manuel Contreras, que se encuentra en la planta baja de la Torre Universitaria de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM). La cita es a las 17:00 hrs y la entrada es libre. Ojalá puedan visitar dicha exposición.

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El almacén de la imagen: la belleza femenina

El estudio del arte sirve para entender la representación de los ideales, la cultura y el pensamiento de distintas épocas. Es decir, estudiar el arte ayuda a comprender mejor la forma en la que se vivía y se pensaba en el pasado y con ello entender mejor algunas ideas, conceptos y actitudes que tenemos los humanos en el presente.

 El ideal de la belleza, del amor y de lo femenino ha sido un tema ampliamente revisado por artistas, historiadores, antropólogos, sociólogos, entre otros tantos estudiosos de las humanidades y de las ciencias sociales. Sería casi imposible escribir los métodos con los cuales se ha analizado específicamente el tema de la belleza a lo largo de nuestra historia. Sin embargo, es muy importante observar cómo se ha estudiado este tema, es decir, más que hacer énfasis en la belleza misma se trata de observar cómo es que los estudiosos han investigado la belleza a través del arte como fuente para desmenuzar el pensamiento de una época.

 Puede sonar complicado, sobre todo si se introducen conceptos como arte, belleza y pensamiento. Se trata de métodos de análisis de la imagen. Las maneras en las cuales puede ser leída (entiéndase interpretada) una imagen son cuantiosas. En esta ocasión pondré a discusión una obra que es conocida para la mayoría: El nacimiento de Venus del pintor florentino Sandro Botticelli. Daré una muestra pequeña de cómo ha sido interpretada esta obra por historiadores del arte del siglo XX y por el sociólogo francés Gilles Lipovetsky.

 El nacimiento de Venus es una de las obras más representativas de Botticelli junto con La Primavera, en las que muestra temas mitológicos. A pesar de que Botticelli también hizo pinturas con temas religiosos (pues incluso trabajó algunos frescos dentro de la Capilla Sixtina en Roma), su trabajo más representativo es aquel que trata precisamente temas profanos. El nacimiento de Venus es la obra por excelencia con la cual se puede explicar el Renacimiento, en el cual “renacen” los valores de la antigüedad clásica. Los temas religiosos siguieron siendo tema recurrente en la pintura, sin embargo podemos decir que durante esta época se hace una pausa, no total, del tema religioso en el arte para luego volver con más fuerza en el Barroco.

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1485. Actualmente en Galleria degli Uffizi, Florencia.
Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1485. Actualmente en Galleria degli Uffizi, Florencia.

 En cuanto a la técnica pictórica se puede decir que en Quattrocento (siglos XV y XVI) las representaciones humanas se vuelven más realistas, sobre todo si las pensamos en comparación con las figuras humanas del Trecento (siglo XIV) que son más planas. Además en el Quattrocento se empieza a dejar de lado el laminado dorado y la espiritualidad característica de la época.

 En el Renacimiento la figura humana cobra importancia, el cuerpo como creación divina, por lo que tanto en pintura como en escultura vuelve la mirada al arte griego y romano. La perspectiva se hace presente, el cuerpo tiene más movimiento y las escenas representadas son en torno a lo mitológico. ¿Pero qué nos dice el arte renacentista con respecto al pensamiento humano de la época? ¿Qué nos dice del concepto de belleza?

(Izquierda) Cimabue, Virgen con el niño en majestad,  c. 1280- 1290. (Derecha) Botticelli, Virgen con niño y San Juan Butista, 1470- 1475.
(Izquierda) Cimabue, Virgen con el niño en majestad, c. 1280- 1290. (Derecha) Botticelli, Virgen con niño y San Juan Butista, 1470- 1475.

 Las ideas neoplátonicas se hacen presentes en la pintura del Renacimiento. La pintura se acerca a la música lo cual hace que haya un motor filosófico. Para el historiador del arte Erwin Panofsky, la Venus de Botticelli representaba la expansión de la sabiduría, como menciona Alejandra Val Cubero en su artículo “Imágenes en contexto: genealogía, representación social e imaginario pictórico del cuerpo femenino”. Marsilio Ficino, el principal pensador neoplatonico de la Academia de Carreggi, hacía énfasis en el hecho de que la belleza  y el deseo conducían al amor y que este era la forma por la cual se llegaba a Dios.

 Es entonces durante el Renacimiento que se empieza a concebir la belleza como algo agradable y se relaciona ampliamente con la bondad, con la divinidad. En este sentido se rompe la concepción medieval que se tenía de la belleza, en la que aquello que era bello, sobre todo si se trataba de la belleza femenina, conducía al mal. La belleza femenina como provocadora de pecados. En este sentido, las representaciones renacentistas de Venus son importantes para entender el concepto que se tenía de la belleza, del amor, de los valores humanistas.

 El nacimiento de Venus en la historia del arte representa a la Venus Celeste, es decir la belleza celestial que nació por la caída de los testículos de Urano al mar. Por otro lado, La Primavera muestra a la Venus vulgar, aquella que tiene más contacto terrenal por haber nacido de la unión entre Jupiter y Juno. Sea cual sea la representación de Venus, ya sea la celestial o la vulgar, la figura de Venus en el Renacimiento abarca la humanitas. Para Panofsky la humanitas es la reafirmación de la racionalidad y de la libertad, valores humanos. Sin embargo para Gombrich El nacimiento de Venus reafirma la unión del espíritu con la materia a través de la presencia de los elementos: el aire, el agua, el fuego y la tierra. Es decir, para la cultura del siglo XV, la figura de Venus significaba mucho más que una mera representación del cuerpo femenino, según afirma Val Cubero.

(Arriba) Botticelli, El Nacimiento de Venus, 1485. (Abajo) LA primavera, 1482. Ambas pinturas se encuentran en Galleria degli Uffizi.
(Arriba) Botticelli, El Nacimiento de Venus, 1485. (Abajo) La primavera, 1482. Ambas pinturas se encuentran en Galleria degli Uffizi.

Por otra parte, el sociólogo francés Gilles Lipovetsky expone una interpretación de El nacimiento de Venus en su obra La Tercera mujer. Lipovetsky analiza la manera en la que la belleza femenina se empoderó durante el Renacimiento en tanto una nueva significación y la ruptura con la diabolización tradicional.

“A partir del Quattrocento, en los medios florentinos marcados por el humanismo neoplatónico la belleza femenina se libera de su antigua asociación con el pecado.” Giles Lipovetsky.

El nacimiento de Venus es entonces una muestra de esta ruptura, una imagen que, según el sociólogo francés, se acerca más a la figura de María. El Renacimiento invirtió el modelo de belleza en el arte griego en el que normalmente se expresaba por medio de la figura masculina. La mujer aparece como algo “que hay que ver”, afirma Lipovetsky.  Pero al mismo tiempo la figura de la fémina en el Renacimiento, sobre todo en las figuras de Venus tendidas de artistas venecianos, como la Venus dormida de Giorgione, afirma el rol social de la mujer de papel decorativo, ausente de toda acción enérgica, excluida de toda actividad útil.

 El desnudo masculino de Miguel Ángel, por ejemplo, es enérgico, lleno de actividad, dinámico. Las Venus del Renacimientos son mujeres bellas en reposo. Entonces puede observarse la lectura sociológica en la teoría de Lipovetsky, a diferencia de los historiadores del arte, quienes se fijan más en los aspectos estéticos e histórico- culturales de época Renacentista.

Giorgione, Venus dormida, c. 1507- 1510.
Giorgione, Venus dormida, c. 1507- 1510.

Todo esto puede llevar a preguntarnos cómo concebimos la belleza en nuestra época. ¿Sirve este tipo de análisis para el estudio de la fotografía contemporánea? ¿Cómo se muestra la figura de la mujer en la actualidad? Habrá que observar a nuestro alrededor la figura femenina, tanto en las revistas, como en el periódico, como en la publicidad, e incluso en las redes sociales y en proyectos de fotografía artística. Se muestra a la mujer como símbolo de qué, se la concibe en actitudes pasivas o dinámicas, si se resalta la belleza física o sus valores.

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Con sabor del norte: ser artista en México

Tal vez sea algo distinto a la orquesta, pero es un tema que me preocupó como no tienen una idea el día de hoy que vi una Boy Band mexicana llamada CD9 y, la verdad, es como ver al Paulo Coelho de la música.

 Estoy más expuesta al Kpop gracias a mi mejor amiga, pero quieren poner a estos chavos en un mercado que ya tiene a EXO, o mínimo a One Direction. Es decir… ¿Neta? Tenemos una cultura muy MUY rica como para andar copiando ideas, pero en fin. Si existen es porque venden.

 Y me puse a pensar en lo difícil que es dedicarse a la música en este país (por no decir Latinoamérica en general). En la lista de trabajos peor pagadas en México, los músicos que no son famosos tienen el séptimo lugar:

El pianista Kyle Landry

“Músico. Sin prestaciones, sin seguridad social, sin estabilidad. Cuando un músico recién egresa no suele ganar más de 5 mil pesos al mes. Ahora que si tienes una banda que alcanza la fama las cosas cambian.”

Diario.mx

 Es horrible porque me la paso hablando dos artículos completos acerca de la orquesta, cuando en realidad uno de esos niños que está ahí por su carisma y físico, gana mas que un músico o cantante mejor preparado.

 ¿A qué me refiero? Ser un músico o cantante no es solo pararse en un escenario a cantar/tocar y vestir de manera sexy o extravagante. De hecho mi amigo Ricardo Linares, quien toca guitarra clásica y contemporánea me contó que en la vida hay dos tipos de artistas:

 – Los que se creen músicos/cantantes porque se valen simplemente de su talento y dicen “nunca haber tomado una clase” como si fuera algo para estar orgullosos. Ojo, son gente que si tiene lana como para estudiar; hay  casos donde alguien que no tiene nada termina siendo un prodigio, pero esos son casos excepcionales.

 – Y los músicos que si se matan estudiando solfeo. Los que saben qué demonios están haciendo en todo el proceso de su música. En resumen tienen técnica.

 ¿Cómo saber si un amigo o tú eres un pseudomúsico? Agarras una partitura. Una verdadera partitura como la de esta imagen que está aquí. ¿La puedes leer? ¿No? ¡Felicidades eres un pseudomúsico!

Partitura para piano

 Hay una diferencia importante de la cual me deslindé allá arriba. CD9 no son músicos, son productos, si ha de haber artistas detrás. Duele cuando te gusta una cantante que puede no ser famoso, por ejemplo a mí me gusta  Ana Idalia Yépez Castillo, que pocas veces la oí pero canta ópera. Y todo mundo se vuelve loco por Paulina Rubio.

 Mi punto aquí es que todo depende de miles de variables. Las historias de que una persona sin casa se vuelva famoso como Ed Sheeran no son comunes. O que nadie sepa quién demonios sea Kyle Landry, o Yurima, o Akira Yamaoka o André Rieu.

 Peor es tener una cultura tan, pero TAN RICA y que existan boy bands como CD9 que hacen una copia a One Direction. Tenemos mucho para explotar en cuanto a cultura. Si eres un músico aprovecha lo que hay AQUÍ e innova. Es preferible algo nuevo en el mercado que copias de lo que ya hay.

 Y si deseas ser músico estudiado, hay muchos programas para hacerlo. Estudia solfeo y después de superarte entra en un programa de arte de la PNPC (Programa Nacional de Posgrado de Calidad). Es duro, es difícil pero si lo logras te pagarán por estudiar y se te otorgarán recursos.

Velo en: http://svrtmp.main.conacyt.mx/ConsultasPNPC/inicio.php

 Luchen por lo más alto, muchachos. Aprendí mucho en lo poco que llevo aquí y quisiera ver artistas en la televisión, no productos.