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MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

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Originally posted 2014-09-09 11:19:06. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840) era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar⁶.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

“Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba. Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

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“Te conozco, te admiro, funciona…”

Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

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De: Georges Polti. Situaciones dramáticas

La razón de la repetición constante en películas, novelas y teatro de situaciones es resultado de lo escaso de las situaciones dramaticas humanas y formulas preestablecidas, termina en que nos preguntamos si nuestros afanes de complejidad en la gama humana quedan en eso, en pretensiones.

Traemos pues, 19 de las 36 situaciones dramáticas de Polti, de Gozzi (1720-1806) en principio de cuentas, dramaturgo que aseveraba, toda la posibilidad se reducía a 36 situaciones dramáticas, en literatura, teatro, y en la vida claro. 36 tramas posibles. La lista aquella se perdió y Goethe, a quien sabemos por el Fausto trató de descifrarlas, aparentemente sin buenos frutos tiempo después.

Es entonces que Polti, tras cansados análisis de la literatura clásica, inventaría las escasas situaciones, es de la mezcla de estas de donde todo procede, entonces nos explicamos de este modo el ligero dejo de familiaridad entre todo lo que vemos y leemos.

01 SUPLICA (Elementos: uno que persigue; uno que suplica; una autoridad de dudosas decisiones).

02 RESCATE. (Elementos: uno que amenaza; un desdichado; uno que rescata.

03 EL CRIMEN PERSEGUIDO POR VENGANZA (No por la autoridad) (Elementos: un criminal y uno que toma venganza de él).

04 VENGANZA DE PARIENTES SOBRE PARIENTES (Elementos: pariente culpable; pariente vengador; recuerdo de la víctima, pariente de ambos.

05 PERSECUCIÓN (Elementos: el que huye y quien lo persigue para castigarlo).

06 DESASTRE ((Elementos: un poderoso que conquista y uno victorioso) (Casos como el “Enrique VI” y “Ricardo II”, de Shakespeare. Y, fuera de autoridades y reyes, casos de grandes hombres caídos en desgracia, traicionados, sumidos en el desastre, tales como Colón, de Lesseps -Vizconde Fernando María de Lesseps, constructor del Canal Suez e iniciador de la construcción del Canal Panamá; condenado junto con su hijo a multa y prisión y caído en desgracia después de sus dos grandes obras, una terminada y otra iniciada y respaldada por él-; dentro de este rubro o clasificación: “Desastre”, caben los accidentes marinos, aéreos o terrestres; un ciclón, un terremoto, Etc.; y así, Polti cita en este rubro la obra “Tierra de Espanto”, de Lorde y Morel, 1907, en la que se describe una catástrofe de la Naturaleza. Como se ve, este rubro y muchos otros, abarcan demasiados sucesos, y así es fácil reducir todo a 36 y dramáticas. Porque podría diferenciarse el desastre de un reino o de un hombre del desastre de un fenómeno de la Naturaleza, y llamar al primero desastre y al segundo catástrofe, y entonces ya serían 37 situaciones y no 36. Como se observa, la calificación es un tanto convencional y elástica).

07 VICTIMAS DE LA CRUELDAD O LA DESGRACIA. (Elementos: un desdichado, un amo una desgracia) (Casos: el inocente víctima de la intriga o la ambición, o de la intriga ambiciosa; el inocente despojado precisamente por quienes tenían el deber de protegerlo y cuidarlo; el poderoso que es desposeído y arruinado; el favorito que de pronto se ve desterrado y olvidado; el dedicado a quien se quita su última esperanza, Etc.)

08 REBELIÓN (Elementos: el tirano y el conspirador). (Casos: La conspiración de un solo individuo; la conspiración de varios; la rebelión de uno que arrastra a otros; la rebelión de muchos, simultáneamente).

09 EMPRESAS ATREVIDAS (Elementos: un líder audaz y valiente; un objetivo; un adversario). (Casos: la preparación para la guerra, una guerra difícil; la guerra misma; uno de los combates de la guerra; expediciones peligrosas; empresa difícil y atrevida para apoderarse de la mujer amada, Etc.)

10 SECUESTRO. (Elementos: el raptor; el raptado o raptada; la autoridad o policía). (Casos: el rapto de una mujer a la fuerza, de una mujer que no ama a su raptor, el rapto de una mujer que si ama a su raptor y consiente en ser reptada; la liberación de una mujer raptada sin dar muerte a su raptor; el caso anterior pero con la muerte del raptor; rescate de un amigo cautivo o secuestrado; rescate de un niño secuestrado; el rescate de un alma que se encuentra en el error religioso).

11 ENIGMA (Elementos: el problema a resolver, el investigador o interrogador y el policía o autoridad. (Casos: búsqueda de una persona que tiene que ser encontrada bajo pena de muerte si no se la halla; un problema difícil que tiene que ser resuelto bajo pena de muerte si no lo resuelve el enviado a resolverlo; el mismo caso en el que el problema es propuesto por una mujer ambiciosa; todas las novelas policíacas en general, ya que todas llevan como elemento primordial un enigma).

12 LOGRO O CONSECUCIÓN (Elementos: uno que pide y su adversario que niega, para que surja el conflicto; o bien, un árbitro más o menos arbitrario dado su poder y las partes oponentes a ese arbitro). (Caos: esfuerzos por lograr un objetivo por medio de la fuerza; el caso anterior, pero por medios persuasivos; la elocuencia frente a la severidad de un árbitro, de una persona que tiene que resolver el caso, derrotado por esa elocuencia de su oponente).

13 ENEMISTAD DE PARIENTES (Elementos: un pariente malévolo, villano; un pariente odiado por ese pariente y al que éste odia también). (Casos: odio entre hermanos; un solo hermano odiado por todos los hermanos suyos; odio entre parientes por intereses; odio entre padre e hijo; odio de la hija por su padre; odio del abuelo; por el nieto; odio del padrastro por el hijastro; odio de la madrastra por la hijastra; odio que llega al infanticidio).

14 RIVALIDAD ENTRE PARIENTES (Elementos: El rubro anterior se refiere principalmente al ODIO entre parientes. Este rubro se relaciona esencialmente con la RIVALIDAD entre parientes). (Elementos: el pariente preferido, consentido, querido; el pariente rechazado, eliminado, el objetivo a conseguir). (Casos: rivalidad maliciosa o malévola de un hermano por un pariente; rivalidad malévola o maliciosa de dos hermanos por otro pariente; rivalidad entre dos hermanos con adulterio por parte de uno de ellos; rivalidades entre hermanas; rivalidad entre padre e hijo por una mujer soltera; el caso anterior pero por una mujer casada; rivalidad entre padre e hijo por la esposa del padre, de la que está enamorado el hijo; rivalidad entre madre e hija; rivalidad entre primos; rivalidad entre amigos muy íntimos, no parientes). (Ignoramos por qué incluye Polti esta última rivalidad, que no se refiere a parientes. Volvemos a la “elasticidad” de esta clasificación, pero creemos que es necesario y hasta útil que el escritor la conozca).

15 ADULTERIO HOMICIDA. (Elementos: los dos adúlteros; el esposo o la esposa traicionados). (Casos: asesinato del esposo por el amante de su mujer; asesinato de un amante que se confía -caso Sansón y Dalila; asesinato de la esposa por su propio amante).

16 LOCURA (Elementos: el loco o la loca y su víctima o víctimas. (Casos: un pariente asesinado por el loco durante uno de sus ataques de locura; un amante asesinado durante el ataque de locura del desequilibrado mental; asesinato o graves lesiones de una persona a la que el loco no odia; la desdicha que cae sobre el infeliz loco…; … una persona solo por el miedo de heredar la locura de su padre o madre -como en L’Etau, “El Torno” de André Sardou, 1909).

17 IMPRUDENCIA FATAL. (Elementos: el imprudente; la víctima de la imprudencia o el objeto u objetivo perdido por imprudencia). (Casos: la imprudencia es la causa de la desdicha del imprudente mismo; la imprudencia es causa del deshonor, de la deshonra del imprudente; la curiosidad es la causa de la desdicha del imprudente; pérdida de la persona amada por imprudencia; la imprudencia como causa de la muerte o deshonra de otros; la imprudencia como causa de muerte de un pariente; la curiosidad imprudente como causa de la muerte de varios parientes;).

18 CRÍMENES INVOLUNTARIOS DE AMOR (Elementos: el amante o enamorada y el que hace una sorpresiva e inesperada revelación, intensamente trágica o dramática). (Casos: descubrimiento súbito e inesperado, intensamente trágico y patético, que se le hace a una persona al revelarle que, sin saberlo, se ha casado con su propia madre; descubrimiento de que una persona se ha casado con su propia hermana; descubrimiento de que un hombre tiene como amante a su hermana; el mismo caso anterior, en el que el crimen que se comete ha sido villanamente planeado por una tercera persona; el sujeto que está a punto de tomar como amante a su propia hermana; el sujeto que se encuentra a punto de violar a una muchacha sin saber que es su hija; el sujeto que se encuentra a punto de cometer adulterio, sin saberlo).

19 ASESINATO DE UN PARIENTE NO RECONOCIDO (Elementos: (El asesino y la victima no reconocida). (Casos: el sujeto esta a punto de asesinar a su propia hija sin saber que lo es, por el supuesto mandato de una falsa divinidad u oráculo, o instigado por un perverso; asesinatos políticos por necesidad; asesinatos por rivalidades en amores; asesinato por odio que profesa el enamorado o amante por la hija a la que no ha reconocido; el sujeto está a punto de asesinar a su hijo sin saber que lo es; a punto de asesinar a su propio hijo al que no ha reconocido, pero impulsado por instigaciones maquiavélicas; asesinato de parientes no reconocidos; a punto de asesinar a un hermano no reconocido por el asesino; asesinato de una madre no reconocida; un padre es asesinado por su hijo que no lo reconoce o que no lo conoce, pero debido instigaciones o intrigas maquiavélicas; un abuelo asesinado por su nieto que no lo reconoce, por venganza y siendo instigado por un villano o perverso que desea la muerte de ese abuelo y no quiere matarlo él mismo para no comprometerse; asesinato involuntario; un padrastro asesinado involuntariamente; asesinato involuntario de la mujer amada; a punto de asesinar al enamorado no reconocido. “El Monstruo Azul”, de Gozzi) fracaso para rescatar a un hijo no reconocido).

No deja de resultar intrigante me parece, uno no se aguanta las ganas de desmitificar, de la ofensa que resulta sabernos tan básicos, tan escasos, la sensación de volver a las pocas letras del alfabeto que nos componen la gama del lenguaje. A saber si se hará en el próximo tiempo.

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Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

Originally posted 2012-11-16 18:02:24. Republished by Blog Post Promoter

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Firewall: Música, Visuales Y Kinnect

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Firewall es una instalación interactiva que funciona también como instrumento musical, controlada por el contacto de las manos o cualquier parte del cuerpo con una membrana sensible. Como siempre, es mejor verlo:

Este artefacto es una colaboración de Aaron Sherwood, quien previamente hizo Glockentar, y Michael Allison. Una superficie de espándex funciona como interfase membranosa y un Kinnect se utiliza para detectar la posición y profundidad del contacto con dicha membrana. Además de los visuales, Firewall también emite música de piano que cambia dependiendo de la posición y profundidad del contacto, subiendo en intensidad cuando la tela es presionada con fuerza, como se observa en estas pruebas:

Además del Kinnect, Firewall fue creado utilizando herramientas de programación como Processing, Max/MSP y Arduino.

Su presentación oficial será en junio de este año durante la premiere de Mizalu, una puesta en escena en la cual bailarines interactuarán con él, representando la forma en que experimentamos la realidad mas no podemos trascenderla.

Originally posted 2013-01-21 12:34:44. Republished by Blog Post Promoter

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Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

La supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Originally posted 2014-09-11 10:08:22. Republished by Blog Post Promoter

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T. Mills por primera vez en México

El rapero Travis Tatum Mills, mejor conocido por su nombre artístico T. Mills, visitará por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un show el 26 de noviembre en el José Cuervo Salón. El veinteañero originario de Riverside, California, presentará temas de “Ready, Fire, Aim!” (2010) , su material debut de larga duración, y de sus EP’s posteriores.

La música de Mills esta influenciada por una variedad de géneros: va del punk y el hip hop al R&B y el pop.

Les compartimos “All I Wanna Do”, el más reciente sencillo de este músico estadounidense que también da nombre a su ultimo EP:

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/135492380″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

Fecha: 26 de noviembre

Hora: Por confirmar

Lugar: José Cuervo Salón

Precio: General de pie $500.00 / Balcón $600.00

Redes sociales del artista:

Facebook

Sitio web

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La Música e Imagen Del Tiempo Unicelular

Unicellular Time es una colaboración entre el compositor Enrique Mendoza y la VJ y artista visual Sandra Real, también conocida como Chana MX. La intención de esta pareja de artistas mexicanos es crear una experiencia audiovisual que transmita el transcurrir del tiempo desde la perspectiva de organismos unicelulares.

Para esto, y con la ayuda de María Teresa Quintero, parasitóloga de la UNAM, videograbaron una serie de observaciones a través del microscopio de organismos como miracidios y nematodos. El material, de acuerdo a Mendoza, reveló que el paso del tiempo puede ser muy relativo cuando no se tiene una referencia -como, por ejemplo, la posición del Sol para determinar nuestros días. Así como en las escalas mayores, como las de los astros y planetas, el tiempo parece transcurrir de manera diferente, en las escalas más pequeñas sucede algo similar.

Actualmente, el dúo se encuentra preparando el acto en vivo, el cual presentarán durante el Live Performers Meeting 2013, a celebrarse en la Ciudad de México del 24 al 26 de enero del próximo año. La idea es combinar el material grabado previamente con observaciones microscópicas en vivo y la música de Mendoza, quien utiliza el software LiSa para crear y moldear los samples para el proyecto.

Real y Mendoza ya han colaborado previamente en DEREGRESO, una presentación en vivo que mostraba imágenes de un proceso de fluoroscopía que permite visualizar fluídos internos del cuerpo humano mediante la aplicación de pequeñas dosis de radiación. Unicellular Time es la continuación de ese proyecto.

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Con sabor al norte- la sociología de la literatura

Siglos han pasado desde que la creación de los libros han llenado los estantes de las personas. Viene a ser deprimente que la situación literaria en México, pero eso no le impide a muchos querer entender el arte en palabras.

Hay individuos en el mundo que no entienden totalmente la literatura. Por lo tanto haré una explicación del sentido total del arte literario.

En sí, la historia la conocemos desde que el autor tiene una idea buena, la escribe, se publica y tiene lectores que lo siguen. Sin embargo, la historia no termina ahí.

La literatura tiene también un punto social. Vladimir Jdanov, un pensador ruso, decía que la literatura era un fenómeno social: la percepción de la realidad a través de la imagen creadora. Del autor, claro.

¿Cómo puede ser esto posible? Es muy simple. Existen libros donde esto puede ser muy fácil de distinguir porque se hablan de situaciones fantásticas, como la saga de Harry Potter. A pesar de que no era una historia real, vemos un número considerable de fanáticos que toman el universo del joven mago como una verdad sentimental. Incluso hay quienes se tatúan las reliquias de la muerte, la cicatriz del rayo, algún hechizo; porque para ellos es importante. Es tal el caso, que cuando alguien pregunta “After all this time?” habrá otra persona que responderá “Always”. Un fanático de este libro entenderá que es por un dialogo de Severus Snape.

Es entendible que J. K. Rowling, la autora de estos libros, tenga más millones en el banco por estos fanáticos. El problema es cuando un libro hace que alguien se pase del fanatismo y provoquen un movimiento social peligroso.

En este caso, hay un ejemplo histórico de cuando un libro puede llegar a ser el primer eslabón de una guerra. Ese fatídico texto es Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche.

Si pudiera decir algo de este escritor, diría crudamente que Nietzsche era el chico malo en la historia de la filosofía. Pero, por más chico malo que fuera, sus ideas solo habían sido eso. En este caso, el libro de Así habló Zaratustra llegó a las manos de una persona que transformó eso en uno de los capítulos más fríos de la historia: Adolf Hitler.

Si alguno se preguntó en algún momento cómo fue que Hitler convenció a los alemanes de que la raza aria era la mejor, fue gracias a la ideología del superhombre que exponía Nietzsche. La idea de Hitler es que él veía al superhombre en los alemanes. Después de eso comenzó a cambiar todo hacia el exterminio del hombre (judíos) para dejar sólo al superhombre (alemanes).

No, no fue el libro quien terminó haciendo el holocausto, ni culpa de su autor por tener ideas fuera de lo común. La literatura tiene un sentido completo, el cual es capaz de llegar a muchas más acciones que sólo un grupo de fanáticos. O que sus ideas se conviertan a un hecho desastroso

Un movimiento así no se ha producido a tal escala en esta época. Lo que puede ser similar la problemática que sucedió con el Código Da Vinci de Dan Brown (2003). En ese altercado la sociedad atea arremetió contra la religión católica porque, según el libro, los dirigentes católicos tenían escondido el cadáver de María Magdalena cómo pasó en la historia.

Claramente el libro, que resultaba ser un una novela de misterio al estilo de búsqueda-del-asesino; era una ficción acerca del poder de Dios en la Tierra y la susodicha afirmación de que Jesús había tenido descendencia con María Magdalena. Aun así, no terminó en nada porque al principio de la novela se veía la aclaración de que el libro era una ficción.

En México debe haber un entendimiento de la literatura como el movimiento social que llega a ser. Los escritores tienen un poder más grande del que piensan, para bien o para mal. Por lo tanto, cuando lean un libro importante, o lo escriban, tengan en cuenta el sentido total que esas páginas llegan a representar para el mundo.

Originally posted 2014-09-10 16:19:00. Republished by Blog Post Promoter

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La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

“Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Originally posted 2014-08-08 09:00:46. Republished by Blog Post Promoter

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De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio, y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los 350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella, y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

“Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

Cupo limitado: 25 personas.…

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

*Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

Originally posted 2014-08-08 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

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Mariana, Milton y la veleidosa fascinación adolescente

Entre pop, rock, folk, dance, punk, jazz, grunge, además de la decena de subgéneros que pudieran derivarse de cada uno de los géneros que conocemos… Sí, vivimos inmersos en un exorbitante y complaciente mundo musical en el que difícilmente habremos de habitar sin tener algún álbum o canción que persista en nuestra cabeza como repiqueteo constante. Bienaventurados sean los melómanos.

Discos que habremos escuchado hasta el cansancio; canciones que se traducen en personas, momentos y etapas muy específicas de cada individuo; vaya, que hasta los llamados gustos culposos son un deleite total a los oídos de quien (secretamente) los guarda en lo más profundo de la biblioteca musical.

Uno de los mencionados repiqueteos constantes de quien escribe y que ahora comparte, es una agrupación originaria de Chile. No es novedad hablar de aquella refrescante oleada de proyectos de exportación andina que se ha extendido por Iberoamérica e invadido cada país que recorren con su música de encantadora ligereza, calidad y notable versatilidad, que va desde proyectos como Alex y Daniel, Astro, Cólera Jet y Prehistöricos, hasta nombres mucho más conocidos como Gepe, Francisca Valenzuela y Javiera Mena. México ha sido un habitual consumidor de esa música chilena que desde hace algunos años se exporta en cantidades considerables, al mismo tiempo que nosotros, como público, nos hemos posicionado también como uno de los favoritos de los prolíficos sudamericanos.

El proyecto en cuestión es, de hecho, un dueto. Dënver: Hombre y mujer, él y ella, que llevan dos emes por iniciales en sus nombres: Mariana Montenegro y Milton Mahan. El proyecto que toma su nombre del libro On the Road, de Jack Kerouac, ha plasmado su sonido clasificado como indie pop en tres álbumes de larga duración y tres EP’s a lo largo de su periodo de actividad que va desde 2004 a la fecha.

“La gente que viaja equipada, en realidad nunca se va de su casa”: Totoral, de 2008, con un sonido sumamente dulce y con voces sutiles, delicadas y en tonos ligeramente agudos —que habrían de convertirse en una de las peculiaridades distintivas de su música—, entregó singles como Los últimos veranos, Paraíso de menta y Miedo a toparme contigo, ésta última, pieza musical aún rescatada en los gran parte de los setlist de sus presentaciones.

“Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta […] Y si quieres suicidarte, yo podría dispararte, y también acompañarte al infierno, a cualquier parte… “. Con la salida al mercado de Música, gramática, gimnasia a finales de 2010 —coproducido por el mismo Mahan— es que se catapulta exponencialmente el éxito de la banda, y es durante la extensa promoción de este álbum, que el dúo chileno llega a escenarios mucho más grandes de los que acostumbraba. Como parte de la edición número trece del Festival Vive Latino, Dënver llega a México a presentar su segunda placa discográfica de la que se desprenden tracks como Diane Keaton, Olas gigantes, Cartagena y En medio de una fiesta.

“Quizás acabamos en un bar […] Tal vez podríamos quedar en ir a la piscina fiscal, juntarnos un día para armar…”. Su tercer álbum llegó en 2013 para hacerse de críticas positivas por parte de los medios acerca de la consolidación de su sonido, y con un cálido y previsible recibimiento por parte de los acérrimos fans que les seguían desde el inicio y los se juntaron al camino. En contraparte, el dúo emitió un comunicado en el que, inesperadamente, anunciaba su separación. Aún después de dicha notificación, Dënver se presentó unas cuantas ocasiones más, entre ellas, en el D.F., y terminaron desistiendo a la ruptura del grupo argumentando que se trataba de diferencias que, finalmente, supieron resolver.

El álbum titulado Fuera de Campo cuenta con la participación de Cristóbal Briceño, parte de la agrupación Ases Falsos, también de procedencia chilena, y es enteramente producido por Milton Mahan. Se desprende el primer single de nombre Revista de gimnasia, cuyo video fue dirigido por Bernardo Quesney y fue premiado como el Mejor Video Chileno de 2013.

El pasado domingo dieron a conocer el video del segundo corte del álbum. De la pista número 3, Profundidad de campo, es nuevamente dirigido por Quesney y, además de ameno, resume a gran escala mucho de lo que el concepto de esta banda implica. En el video se perciben reminiscencias a los años ’70, se crea esa ilusión de que se les mira a través de un televisor con imágenes de baja calidad, fondeado con música disco y mientras participan en el programa ficticio ‘Tocando las Estrellas’; eso sin mencionar la fantástica química entre Mariana y Milton, evidente hasta en la pequeña coreografía de baile que se ve en el video —que, bien vale mencionar, replican en cada uno de sus actos en vivo—. Hay, además, una divertida referencia a cierto filme de Brian de Palma.

A propósito de su reciente visita a México, apenas durante la semana pasada, Dënver en su última presentación en el D.F. antes del viaje de vuelta a Chile.

Además de posicionarse como una de las bandas más populares de Latinoamérica, el dueto de Montenegro y Mahan es responsable del sello discográfico Precordillera, firma que cobija proyectos amigos, como la más reciente producción de Prehistöricos.

Dënver es un dueto joven que crea música también para jóvenes con temática de fiesta —en sus propias palabras—, sintetizada en un pop ameno de letras con algo de coquetería y melodías contagiosas que cobran vida cuando se les echa un vistazo en vivo. No es la banda revelación del año, ni es nuevo hablar de estos dos chicos ya posicionados en el radar musical de miles de oyentes, pero sí es un proyecto sin prejuicios, desinhibido y una propuesta que aún promete bastante, y por la que bien valdría la pena dejarse seducir.

Originally posted 2014-10-21 07:24:17. Republished by Blog Post Promoter

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Cuento de muerte: Horacio Quiroga

“No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir y evócala luego. Si entonces eres capaz de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.”

La diferencia entre distancia y tiempo se mide entre palabras. Fueron lejanos y, a la vez, tan similares. O eso es lo que muchos afirman sobre dos grandes autores que no pertenecen a nada igual, ni siquiera a ellos mismos.

Hablo del genio, Edgar Allan Poe y el gran cuentista de habla hispana, el padre del cuento latinoamericano, Horacio Quiroga.

A simple vista y con una revisión superficial de estos dos escritores, bien se hubieran hundido juntos en el desatino, tristeza, tinta y fatalidad (¿o será acaso que este último “elemento” fue el impulso devastador detrás de la genialidad?)

Bien, Quiroga nació en un Uruguay en proceso de modernización, en 1878. Desde pequeño, el destino desgraciado se mostró ante él al presenciar la muerte de su padre. Tiempo después, su padrastro se suicidó; y así, le regaló el segundo acercamiento con la muerte. Ha pasado el tiempo y Horacio vuelve a caer de rodillas, ahora frente al fracaso y el hambre. Una vez más estuvo a su lado junto al fallecimiento de sus hermanos. Y continúa, una de las mayores tragedias para el escritor uruguayo fue la muerte accidental de su amigo Federico Ferrando, a causa de un disparo detonado por el propio autor. Posteriormente, la muerte culminó con el suicidio de su esposa…

Una muerte más y se convierte en ficción.

Nos resulta difícil pensar en destinos cuando las tragedias se funden en el viento, en el agua, en todo lo que sea vida.

Su estancia en la selva muestra la frágil situación del hombre frente a seres y situaciones desconocidas. La autonomía, según Horacio Quiroga, es crucial para la supervivencia en un ambiente “hostil” como la selva. Sus vivencias inspiran una de las publicaciones más famosas del autor: Cuentos de la selva, en la cual se reúnen nueve relatos breves donde se traza una naturaleza dual: enemiga y fiel.

Los relatos dentro de este libro terminan con una enseñanza. Bien parecen ser cuentos infantiles, como si fueran fábulas. A pesar de que en algunos intervienen los seres humanos, los protagonistas principales son los animales. Flamencos que se disfrazan, yacarés que luchan contra un buque, abejas que enseñan una lección, cachorros coatíes junto a cachorros humanos y más.

La relación entre los ciclos de cada uno de los seres vivos que intervienen en las historias de Horacio nos muestra la idea obsesiva que tiene el artista con la muerte. Nadie lo culpa.

Entre las recomendaciones más notorias de su obra se encuentran Una estación de amor, Los arrecifes de coral, Diario de viaje, Anaconda, Cuentos de amor, de locura y de muerte, Las sacrificadas, Historia de un amor turbio, Los desterrados, etcétera.

No sólo trabajó en el mundo de la literatura, los cuentos, la novela, poesía, el teatro y la crítica; también fue fotógrafo, agricultor, carpintero, educador, activista y “misionero”.

Después de la muerte de Horacio en 1937, siguieron los suicidios de dos de sus hijos y el de su mejor amigo (y no es la muerte) Leopoldo Lugones. Fiel amiga, como si fuera un reflejo.

Para sentirnos más cerca de la literatura de Quiroga, es necesario ver en el autor la quietud, paciencia y, sobretodo, el conocimiento de vida en sí misma. Observador, detallista, rotundo, maduro y leal. Así se lee a este artista. Sin lugar a duda, el infortunio en la vida de Quiroga sólo deja ver una de tantas pruebas superadas por el autor y que al final, logran determinar su escrito y la estrecha relación que mantiene con la aventura y el riesgo.

Horacio Quiroga y la muerte, como si fuera una obsesión; quizá lo único que no le faltó en la vida pero, ¿quién quisiera ser amigo cercano de ella?

Originally posted 2014-08-07 09:00:07. Republished by Blog Post Promoter

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Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver, prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica —y sigo sin saberlo—, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa. — Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

Originally posted 2014-10-24 09:00:01. Republished by Blog Post Promoter

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Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Jean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

Prasad Bhat

Gordon Armstrong

Chris (Simpsons Artist)

Naolito

Julia Sonmi

Alexandre Godreau

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Originally posted 2014-08-12 14:48:08. Republished by Blog Post Promoter

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Se prepara película de Betty Boop

Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop. Según informes, el director Simon Cowel ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

Originally posted 2014-08-18 10:27:11. Republished by Blog Post Promoter

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DE: Reencuentro con los libros ( I )

Los libros nos han acompañado a lo largo de años de historia humana, prácticamente no existe casa en que no habite por lo menos uno, son los grandes amigos, los grandes maestros, los llenos de las palabras de los muertos, los que nos hablan, los fieles compañeros. Empecemos, por definir: del latín liber, libri, membrana o corteza de árbol: Un libro es un conjunto de hojas de papel, pergamino, madera, etcétera, que se rellena con datos, de la índole que fuere con el fin de preservación de un registro, unido por un costado, protegido con tapas, y puede tratar, de esencialmente cualquier tema.

Según la UNESCO, un libro, para serlo, ha de poseer como mínimo 49 páginas o más, esto es, 25 hojas; de modo que si el compilado tiene menos de la cantidad citada, hablamos de “algo” que ha de ser llamado folleto; este último entonces, tiene una extensión de tres (5 páginas) y de hasta 24 hojas. Se le da el nombre también a una vasta obra que requiere, para ser publicada, de varios tomos, que son unidades independientes, aunque también se le conoce como tal a cada una de las partes de una misma obra, como en el caso de la Biblia, aunque todas estén publicadas dentro de un mismo libro. A éstos últimos tiempos, un libro también es el compilado en soporte digital, “libro digital” ( 1971, 1981 sale el primero) y los que pueden ser sólo escuchados gracias a una grabación previa “Audiolibros”. Éstas son sus partes:

Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente
Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro
Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro
Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título
Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca
Portada: se indican los datos del libro
Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro
Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro
Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados
Cita
Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
Paratexto
Epígrafe
Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra
índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etcétera
Prefacio
Preámbulo
Presentación
Capítulo
Bibliografía
Colofón
Epílogo
Bibliografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra

Los orígenes de esta maravilla, parten de las manifestaciones pictóricas de quienes nos anteceden, son estas pinturas rupestres el registro impreso más antiguo. En las edades media y antigua, reinaba entre la población el analfabetismo, para reproducir libros se requerían hombres que copiaran a mano, los ejemplares por tanto y por los materiales de que los pergaminos estaban hechos (pieles de animales) eran costosísimos, escasos y se mantenían además resguardados bajo custodia en las grandes bibliotecas (Alejandría, Bizancio) y por algunos particulares.

El mundo de los libros es increíble, y el reencuentro con ellos es necesario, nombrarlos, como conocer al cuerpo humano y todo lo que nos crea y antecede, por reencuentro, por restauración.

Originally posted 2014-09-05 09:09:39. Republished by Blog Post Promoter

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Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

bifurcaciones — Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

tumblr_n6hwe0iStc1smsd90o2_1280 — Crédito:Tumblr.

5455_1vergara_eastnysubwayyard198 — Crédito:Tumblr.

La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Originally posted 2014-08-28 14:41:43. Republished by Blog Post Promoter

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Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF

El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

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Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

Originally posted 2014-12-12 17:58:26. Republished by Blog Post Promoter

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Animación Universal: Persepolis

Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros. No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

Originally posted 2014-08-04 10:54:07. Republished by Blog Post Promoter

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Tiembla iPod

Desde el 21 de Octubre del 2001, la manera de escuchar música dio un paso enorme en lo que existía en el mundo hasta ese momento. Creado por Apple Inc. queda de sobra explicar las características del iPod, pero para quien aún no lo conozca, el dichoso aparatito tiene la capacidad de almacenar grandes cantidades de información, a partir de un disco duro, en un principio sólo archivos de corte musical, posteriormente su capacidad de almacenaje se agrandó, al igual que sus distintas capacidades, reproducción de video, cámara fotográfica, WiFi, entre muchas otras aplicaciones más.

Como todo lo que refiere a la tecnología, el iPod se actualizó y mejoró, por lo que en poco tiempo un modelo era remplazado por uno mejor, no dejaba obsoleto al anterior del todo, pero con cambio no sólo en su capacidad también su apariencia sufrió modificaciones. En fin el invento de Apple lo llevo a la cima de la industria en reproducción musical.

¿Aún no queda claro el asunto de Tiembla IPod, cierto? Por la sencilla razón de que un nuevo rival está por hacer su entrada al mercado, PONO…sí, PONO. Dentro de poco podremos escuchar este nombre en el mercado de reproductores de música. Creado por Neil Young, músico y compositor de nacionalidad canadiense, Young buscó con esta creación, mantener la fidelidad de estudio de la música, esto por la pérdida de esta al ser convertida en formatos como el MP3. Con una capacidad de 24-bits, una frecuencia de 24-bit y una frecuencia de iguala Este formato posee una profundidad kilohertz, iguala la calidad de un estudio profesional.

PONO promete venir a mejorar la manera en que escuchamos música. Con una capacidad de almacenamiento de 128 GB, además por si eso pareciera poco, el dispositivo tiene la capacidad de expansión de memoria por medio de una tarjeta externa. Capacidad que Ipod no cuenta y con el tipo de producción que utilizan no han insertado en su producto, pero quizá con este nuevo contrincante nos les vendría mal añadir esta opción.

Aunque aún no existe una fecha para que pise tierra mexicana, se tiene previsto que salga a la venta en el otoño del 2014, con un costo aproximado de cuatrocientos dólares ( cinco mil 278 pesos) y la manera de obtener música es por medio de descarga en su página www.ponomusic.com.

Y con esto concluyo la presentación de “quien” puede hacer temblar a iPod o por lo menor darle un susto.

Como un dato extra y refiriéndome al creador de PONO, Neil Percival Young, ha sido una figura importante en el mundo musical ya que con más 40 años en la industria ha sido referente para muchos músicos, con el rock and roll de su lado no dejo de probar suerte en distintos géneros como el blues, swing y el rockabilly. Considerando su experiencia en el medio es una persona apta para proporcionar al público un audio con mejor calidad y fidelidad.

“Yo realmente no sabía lo que hacía cuando empecé. Acabo de empezar a escribir canciones. Después de dos canciones que se limitó a seguir para explorarlo”

Neil Young

Originally posted 2014-08-04 11:02:50. Republished by Blog Post Promoter

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FLUIDICO, ESCULTURA EN MOVIMIENTO.

Fluidico es una instalación artística interactiva del Hyundai´s Advanced Design (el centro de diseño avanzado) ubicado en Berlín.

La pieza escultura en movimiento está formada por 12000 orbes translúcidos suspendidos con hilos casi invisibles y proyectores de luz 3D, los cuales simulan el movimiento a través de los orbes.

Esta obra refleja bastante bien la innovación y el movimiento de nuestra época. El uso de 8 proyectores de alta velocidad y un escenario adaptado para la resaltar la iluminación, puede ser apreciada en cualquier ángulo posible.

Las cosas siempre cambian y se innovan, pero que mejor forma de combinar la ciencia y el arte, ya que esta espectacular obra se concibió gracias a que Hyundai realizo un estudio de “WHITEvoid” y con base en los resultados de su estudios, inicio la elaboración de esta escultura en movimiento, recordándonos que es posible crear arte, con lo más sencillo hasta con lo más complejo.

Originally posted 2013-07-25 21:33:34. Republished by Blog Post Promoter

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De la exposición “Autorretrato desde tu espejo” en El Tin-tanismo

La galería-café “El tin-tanismo” es una casona estilo porfirista y, sin duda, un lugar que brilla por su hospitalidad y particularidad. Ubicado en la Avenida Azcapotzalco, este recinto nombrado así por la inclinación del dueño Juan José al actor mexicano Tin Tan, es en todo, un homenaje al artista mexicano. Mantiene abiertas sus puertas de jueves a domingo al público consumidor del arte y el ambiente bohemio, y a los artistas que encuentran en este lugar, un refugio a su obra: pintores, escritores, actores, directores de escena y escultores merodean entre sus mesas pequeñas y un ambiente de intimidad

En esta ocasión se abre a la exposición colectiva “Autorretrato desde tu espejo” una mirada a quién observa desde el ojo más crítico, el de uno mismo. Ahí, artistas se plantean e ilustran a sí mismos desde su propia óptica, imaginación y perspectiva; se muestran, se desnudan, desde el asomarse a un espejo en que sólo se muestra la realidad que ellos advierten. Por ser su visión, su universo, es esto lo que vuelve rico al hecho; decía Salvador Dalí que si un imbécil pretendiera reproducir a la perfección el cuadro de alguien más le saldría un imbécil, porque todo arte es autobiográfico, ¿habrá algo más cierto? ¿qué más autobiográfico que un autorretrato?

La inauguración de la exposición se llevó a cabo el 28 de Agosto del 2014 en el Tin-Tanismo, aquí los artistas plásticos: Fernando Bello, Ignacio Bustos, Felipe Gaytán, Brenda Mítchelle, Mary Paz López, Humberto Luna, Thorwing Moroslew ,Manuel Quiróz, Arturo Rodríguez, Efraín Romero, Abraham Salgado, Meche Verma y Arturo Vilchis desnudaron la técnica, se expusieron a sí mismos y expusieron sus motivaciones: para Gaytán la soledad, para Mary la madre; la letra y el personaje para Mitchelle; el suicidio para Fernando, para Meche es el árbol, en una noche de tragos de la casa, buena música y tertulia.

La exposición estará abierta al público hasta el 16 de septiembre en:

Av. Azcapotzalco 145
Col. El Recreo
Azcapotzalco, Distrito Federal
Tels.: (55) 2811 6817

Dense una vuelta, prueben las bebidas de la casa y gocen de la hospitalidad de Juanjo y su hijo, en un lugar abierto a las posibilidades del arte y en constante cambio.

Originally posted 2014-09-01 12:33:51. Republished by Blog Post Promoter

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De: 36 situaciones dramáticas Polti (II)

Siguiendo con la situaciones dramáticas de Georges Polti —cuya primera parte se enlistó en mi publicación anterior— tan recurridas en las telenovelas, entre las cuales la Biblia (libro por demás dramático) ha hecho uso indiscriinado: en el presente texto presento las últimas 16.

20.- AUTO-SACRIFICIO POR UN IDEAL:

Elementos: el héroe; el ideal.

Casos: sacrificio de la vida por el cumplimiento de la propia palabra; sacrificio de la vida por bienestar de un pueblo, de una nación; sacrificio de la vida por piedad filial; sacrificio de la vida por sostener la creencia religiosa; amor y vida sacrificados por la fe religiosa; amor y vida sacrificados por un ideal, por una causa noble; el amor sacrificado en aras de los intereses del Estado; sacrificio de la situación económica brillante en aras del deber; el ideal del honor sacrificado al ideal de la fe.

21.- AUTO-SACRIFICIO POR LOS PARIENTES:

Elementos: el héroe; el o los parientes por los que el héroe se sacrifica.

Casos: la vida sacrificada para salvar la de un pariente o persona amada; la vida sacrificada por la felicidad de un pariente o persona amada; la ambición sacrificada por la felicidad de los padres, o del padre solamente; amor sacrificado para evitar pena a los padres; sacrificio de la vida, el bienestar o el amor por la felicidad de la persona amada; sacrificio ocasionado por la vigencia de leyes injustas; la vida y sacrificados por la vida de un padre, una madre o una persona amada; la decencia y el pudor sacrificados por la vida de un pariente o la persona amada.

22.- TODOS SACRIFICADOS POR UNA PASIÓN:

Elementos: el enamorado; el objeto de la pasión fatal; la persona sacrificada.

Casos: los votos religiosos de castidad, rotos por una pasión fatal; un voto de pureza que se rompe; el futuro arruinado definitivamente por una pasión; el poder arruinado por una pasión; la ruina de la mente, de la salud y de la vida; la pasión conseguida al precio de la vida ; la ruina de la fortuna , de vidas y honores por una pasión; tentaciones que destruyen el sentido del deber, de la piedad y de la fe; destrucción del honor, de la fortuna y de la vida por el vicio erótico; el mismo resultado anterior producido por cualquier otro vicio).

23.- NECESIDAD DE SACRIFICAR PERSONAS AMADAS:

Elementos: el héroe; la víctima amada; la necesidad de sacrificio).

Casos: deber de sacrificar a una hija por una promesa o un voto hecho a la divinidad; deber de sacrificar a los benefactores o personas amadas en aras de la fe; deber de sacrificar a un hijo, sin que los demás lo sepan, obedeciendo a la terrible presión de hacerlo ; bajo las mismas circunstancias, deber de sacrificar al esposo; deber de sacrificar a un yerno por interés público ; deber de sacrificar a un yerno en bien de la reputación; deber de combatir a un cuñado en aras del interés público; el deber de combatir a un amigo.

24.- RIVALIDAD ENTRE SUPERIOR E INFERIOR:

Elementos: el rival que es superior; el rival inferior; el objetivo.

Casos: rivalidades masculinas en general -por una mujer amada, por interese, por cuestiones políticas, etc.; rivalidad entre un mortal y un “inmortal”; rivalidad entre dos divinidades de poder desigual (una divinidad tiene mayor poder que la otra); rivalidad entre un mago un hombre común y corriente; rivalidad entre el conquistador y sus conquistados o dominados; rivalidad entre un rey y uno de sus nobles, inferior a él; rivalidad entre un poderoso y un advenedizo o pobre diablo; rivalidad entre el rico y el pobre; rivalidad entre un hombre honorable —o que se le considera como tal— y otro, de quien se sospecha con respecto a su conducta y comportamiento; rivalidad entre dos que son casi iguales; rivalidad de dos que son iguales, pero uno de los cuales cometió un adulterio en el pasado; rivalidad entre un hombre que es amado y otro que no tiene el derecho de amar; rivalidad entre dos sucesivos esposos de una divorciada; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidad entre un conquistador y su prisionero; rivalidad entre una reina y uno de sus esclavos; rivalidad entre una gran dama y su sirviente; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; una doble rivalidad (A ama a B, el que ama a C, quien a su vez ama a D); rivalidades orientales; rivalidad entre dos esposas.

25.- ADULTERIO:

Elementos: un esposo o esposa traicionados; los dos adúlteros.

Casos: una amante traicionada, traicionada por una mujer más joven que ella; la esposa traicionada; el esposo traicionado; una esposa traicionada por una mujer casada; esposa traicionada por una mujer más joven que ella, la que, además, no ama al traidor; una esposa envidiada por una joven que está enamorada de su esposo; rivalidad entre una esposa que es dominante y tiránica y una amante que es complaciente y dulce; rivalidad entre una esposa toda generosidad y una muchacha vehemente y apasionada; la esposa que sacrifica a su esposo tiránico y dominante por un amante complaciente; el esposo, dado por muerto, es olvidado por el amante de su esposa; un marido corriente sacrificado por un amante simpático; un marido noble y bueno traicionado por un rival de calidad inferior a la del esposo; marido traicionado por un rival grotesco; marido traicionado por una esposa perversa, que prefiere a un amante despreciable; esposo traicionado por su mujer, que da la preferencia a un rival inferior en todo a su marido; venganza de un marido traicionado; el marido es perseguido por un rival rechazado por la esposa.

26.- CRÍMENES DE AMOR:

Elementos: el amante; la persona amada por él.

Casos: una madre enamorada de su propio hijo —un caso repugnante y que no debe utilizarse en una transmisión radiofónica decente—; una mujer enamorada de su hijastro; el hijastro y la mujer enamorados uno del otro; mujer que es amante al mismo tiempo del padre y el hijo, y ambos (padre e hijo) aceptan la situación; un hombre se convierte en amante de su cuñada.

27.- DESCUBRIMIENTO DE LA DESHONRA DE LA PERSONA AMADA:

Elementos: el que descubre la deshonra; la persona culpable de esa deshonra.

Casos: descubrimiento de la deshonra de una madre; descubrimiento de la deshonra del padre; descubrimiento de la deshonra de una hija; descubrimiento de la deshonra de toda la familia por el prometido de una de las hijas; descubrimiento del marido recién casado de que su esposa fue violada antes de su matrimonio; descubrimiento, por el marido, de que su esposa cometió ana falta antes del matrimonio con él; descubrimiento por el amante de que la mujer, que fue antes una prostituta, ha vuelto a su vida de mujer de la calle; descubrimiento por el padre de que su hijo es un asesino; deber de castigar a un hijo que es un traidor a la patria; deber de condenar a un hijo de acuerdo con una ley creada, formulada y hecha aprobar por su propio padre; deber de castigar a un hermano que es un asesino; deber de castigar a la propia madre para vengar al padre.

28.- OBSTÁCULOS DE AMOR:

Elementos: dos que se aman; el obstáculo.

Casos: matrimonio impedido por desigualdad de rango; la desigualdad de fortuna como impedimento para el matrimonio; el matrimonio impedido por enemigos o rivales de la novia o del novio; matrimonio impedido porque ella es una divorciada; el mismo caso, pero complicado con un matrimonio imaginario; una “unión libre” impedida por la oposición de los padres; matrimonio impedido por desigualdad de caracteres; matrimonio impedido por los padres de la novia porque el novio lleva mala vida.

29.- UN ENEMIGO AMADO:

Elementos: el enemigo amado; la persona que lo ama; el que odia a ese enemigo amado.

Casos: el novio es odiado por los parientes de la novia; el novio es perseguido por los hermanos de la novia; el novio es odiado por la familia de la novia; el novio es hijo del hombre odiado por el padre de la novia; el novio asesinó al padre de su novia; el novio asesinó a un hermano de la novia; el amante es el asesino del esposo de la mujer que lo ama; el novio es hijo del hombre que asesinó al padre de la novia.

30.- AMBICIÓN:

Elementos: una persona ambiciosa; el objeto codiciado; un adversario.

Casos: la ambición de un hombre contenida por un pariente; por un hermano; rebelión ambiciosa contra el poder establecido y legal; ambición que produce crimen sobre el crimen; ambición parricida; ambición que lleva a la ruina de la familia; ambición que hace que el padre sacrifique a los hijos, a la madre, a las hijas, a los parientes, a los amigos.

31.- CONFLICTO CON DIOS:

Elementos: un mortal; Dios, el inmortal.

Casos: lucha contra dios; lucha contra los que creen en Dios; controversia con Dios; castigo que cae sobre un mortal por despreciar a Dios; castigo por mostrarse soberbio ante Dios; rivalidad con Dios.

32.- CELOS EQUIVOCADOS O ERRÓNEOS:

Elementos: el celoso; la persona por la que está celoso; el supuesto rival; la causa o autor del error.

Casos: los celos erróneos se originan en la mente misma del celoso; los celos equivocados son originados por un cambio fatal; cambio en el modo de ser de la persona de la que se tienen celos; cambio de situación de esa misma persona sobre la que caen los celos equivocados ella mejora súbitamente de posición económica y social sin ayuda del que siente celos por ella, aunque equívocos, etc; celos equívocos en un amor que es exclusivamente platónico; celos equívocos y bajos, rastreros, originados por rumores malévolos; celos sugeridos por un traidor, impulsado por el odio; el traidor es impulsado por propio interés en provocar los celos equívocos; el mismo caso anterior en que el villano es impulsado por sus propios celos y su propio interés; celos equívocos recíprocos entre marido y mujer provocados por un rival; celos sugeridos al marido por una ;mujer enamorada de él; celos sugeridos al esposo por un pretendiente rechazado; celos sugeridos a la esposa por un rival despechado; celos sugeridos a un amante feliz por el marido traicionado.

33.- JUICIOS ERRÓNEOS:

Elementos: el equivocado; la víctima del error, la causa o autor del error; la persona verdaderamente culpable.

Casos: falsa sospecha cuando la fe se hace indispensable; falsas sospechas de una amante; falsas sospechas originadas por una actitud mal entendida de la persona amada; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente para salvar a un amigo; el inocente tenía, en realidad, una intención aviesa, pero solo la intención, sin llegar al acto; caso en que un inocente, por las sospechas que caen sobre él, llega a creerse realmente culpable sin serlo; un testigo de un crimen, por interés en la persona amada, deja que las sospechas caigan sobre un inocente; la falsa acusación se deja caer intencionalmente sobre un enemigo inocente; el juicio erróneo es provocado por un enemigo; el error es dirigido sobre el inocente por su propio hermano; la falsa sospecha es arrojada por el verdadero culpable sobre un enemigo; falsas sospechas arrojadas sobre un rival inocente; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente porque se rehusó a ser cómplice de un crimen o una intriga; falsas sospechas provocadas por una amante abandonada y dejadas caer sobre el amante que se negó a seguir siéndolo al saber que era casada, no queriendo engañar al marido; lucha del inocente para rehabilitarse ante la sociedad de un error judicial provocado intencionalmente.

34.- REMORDIMIENTO:

Elementos: el culpable; la víctima.

Casos: remordimiento por un crimen no conocido, que se mantiene en secreto; remordimiento por un parricidio; remordimiento por un homicidio; remordimiento por el asesinato de marido y mujer; remordimiento por un pecado de amor.

35.- RECUPERACIÓN DE UNA PERSONA PERDIDA:

Elementos: el perdido; el que lo encuentra.

Casos: hijo perdido encontrado casualmente; padre perdido encontrado por la madre; hija extraviada encontrada por su hermano; madre perdida que es encontrada por uno de sus hijos o hijas.

36.- PÉRDIDA DE PERSONAS AMADAS:

Elementos: la parienta o pariente que es asesinada; otro pariente como simple espectador; un verdugo.

Casos: se presencia el asesinato de un pariente o persona amada sin poder evitarlo; la desdicha que cae sobre una familia al través de secreto profesional; presentimiento de la muerte de una persona amada; conocimiento de la muerte de una persona amada; reacción salvaje, por desesperación, al tener conocimiento de una persona amada

Originally posted 2014-10-24 09:00:45. Republished by Blog Post Promoter

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Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen. Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

Originally posted 2014-10-09 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

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México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez, galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

| Sitio oficial Viva Mexico |

Originally posted 2014-10-07 11:30:30. Republished by Blog Post Promoter

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El arte de enchular los autos, la publicidad y la ciudad

Conducir un automóvil y rodar por la ciudad sería más divertido si los vehículos, además de transportar pasajeros o diferentes tipos de carga, fueran el soporte de obras de arte cuyos diseños alegraran las vialidades y transformaran el tráfico citadino en una experiencia cultural y entretenida por la cual perder el tiempo no resultaría estresante. Por más imaginativo y fantástico que esto pueda sonar, algunos coches ya se han convertido en piezas artísticas.

Cuadro rodante perteneciente al proyecto Wash Me, con el cual Mini Cooper celebró su 50 aniversario en 2009.

La idea de utilizar autos como lienzos de pintura fue retomada recientemente por la marca de vehículos Mini Cooper y Grupo Automotriz Caltabiano, empresas que trabajaron en conjunto con la Agencia Hurra! de Brasil para organizar un evento publicitario que atrajera a jóvenes conductores por medio del arte urbano y la fiesta, según el sitio InformaBTL.

En esta iniciativa participaron los artistas Gen Profeta y Cesar Duarte, quienes se encargaron de transformar dos autos de la marca mencionada en auténticas obras de arte urbano, dichas creaciones fueron elaboradas con pinturas líquidas y aerosoles en un total de cuatro horas. La locación del evento fue la galería de arte de Oscar Freire en Sao Paulo, Brasil, donde además se ofreció una fiesta cocktel para todos los asistentes. A continuación se presenta el video de esta celebración:

MINI Art Caltabiano English

Esta no es la primera vez que un Mini Cooper se transforma en obra de arte, pues en 2009 la compañía celebró su 50 aniversario con un proyecto en el cual 10 artistas elaboraron pinturas ambulantes en las carrocerías de la marca, dichas creaciones fueron reunidas en un libro titulado Wash Me, cuya promoción contó con la rodada de los cuadros por varias ciudades europeas. En este enlace puedes acceder al sitio oficial de dicho producto editorial y del evento www.washme.ch

Ten MINI Art Cars in New Book Wash Me

Independientemente de los proyectos organizados por la empresa automotriz, existe otro cuadro rodante elaborado un par de años antes por Robert Combas, quien plasmó en el metal personajes y elementos provenientes de sueños, así como figuras que evocaban la libertad y la ruptura con parámetros estéticos como la simetría. Este auto se convirtió en una creación especial para la edición 34 de la Feria de Arte Contemporáneo en París, la cual tuvo lugar en 2007.

Mini Cooper decorado por Robert Combas para la 34 edición de la Feria de Arte Contemporáneo en París, 2007.

Es importante mencionar que los Mini no han sido los únicos coches sobre los cuales se ha pintado, sino que esta técnica tuvo su origen en 1975 cuando el corredor de autos francés, Hervé Poluain, mandó decorar el BMW con el cual competiría ese año. El también artista compartió esta experiencia de transformación de autos en un libro escrito por él, cuyo título fue El arte y el automóvil, según apunta es.autoblog.com

Primer auto decorado. Hervé Poluain, 1975.

Hasta el momento sólo se han elaborado pinturas rodantes como estrategia publicitaria o para exhibición en galerías de festivales de arte, pero no se descarta la idea de que a alguien se le ocurra echar a volar su imaginación y plasmar sus ideas en la superficie de su vehículo, lo cual resultaría creativo, atractivo y fungiría como un medio más para expresarse y compartir pensamientos con la ciudad.

Originally posted 2013-07-24 09:53:19. Republished by Blog Post Promoter

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Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial. Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí.

Originally posted 2014-10-15 11:49:14. Republished by Blog Post Promoter

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The Icebook: Instalación Fantástica

Desde hace décadas, los libros de cuentos en formato pop-up han encendido la imaginación de niños y adultos al brindar una experiencia tridimensional que acompañe la fantasía de las historias.

The Icebook es un proyecto de Davy y Kristin McGuire que por primera vez incorpora proyecciones de video a este formato. Al colocar un proyector detrás de las láminas traslúcidas del libro, combinan imágenes surreales y fantásticas con bellos escenarios hechos de recortes para crear una hipnótica sincronía teatral.

Esta pareja de artistas visuales se dedica a combinar técnicas y formatos para crear novedosas experiencias relacionadas con el mundo del teatro. The Icebook ha sido presentado en numerosos foros alrededor del mundo. En su página web se puede leer un artículo detrás de cámaras del impresionante artefacto.

Originally posted 2012-12-22 19:15:34. Republished by Blog Post Promoter

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El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Originally posted 2014-10-17 13:10:28. Republished by Blog Post Promoter

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Con el antojo de las emociones: La literatura depresiva

Un trampolín emocional es el que nos sujeta constantemente. Muchas preguntas pasan por nuestra mente: ¿por qué estoy aquí? ¿cuál es mi papel ante la vida?, y las respuestas podrían parecer vagas, pero realmente demuestran el compromiso consigo mismo. Estoy aquí para cumplir mis propios objetivos, estoy aquí porque quiero ser, estoy aquí porque vivo de mis emociones. Y mi papel ante la vida, es ser un ente separado y a la vez, parte de un conjunto de aspectos simbióticos.

La literatura –que invade el sentimiento depresivo-, está cargada de distintos matices que le permiten al lector adoptar una serie de formas de visualizar ciertos escenarios posibles, en donde suele ser el protagonista de la obra, su propio ser, su infestado lobo estepario. Navega por la depresión, y luego el vuelco parece ser nauseabundo, cuando la magia de la vida parece conmocionar a la mente: Sorpresa de pocos, pesadez de muchos. ¡Malditos eufemismos!, parecen acecharnos constantemente a los depresivos.

Hermann Hesse, Jean Paul Sartre, Fiódor Dostoyevski, Friedrich Nietzsche son autores que reflejan el síntoma neurótico y maniaco de una sociedad perdida en sus propias difamaciones, en su caída abrupta hacia el delirio mental, así como en su sentido de persecución más falaz. Líderes del temor y el horror, como Harry Haller, Pablo Ibbieta, Raskólnikov –por mencionar algunos– , participan como la huella de lo recóndito y lo transversal del ser humano, componen la yuxtaposición emocional entre el bien y el mal –subjetivamente hablando– y tratan la ironía con el sarcasmo, de una forma mediática inigualable.

“Nosotros nos representamos siempre la eternidad como una idea que no podemos comprender, ¡Inmensa, inmensa! Pero, ¿Por qué ha de ser así necesariamente? Pues en lugar de eso, imagínese una habitación pequeña, como quien dice un cuarto de baño, ennegrecido por el humo, con telarañas por todos los rincones, y he ahí toda la eternidad. Mire usted, yo me la imagino así algunas veces.”

– Fiodor Dostoyevski, Crimen y Castigo

Todos los rincones del alma, se marcan de apetencias y extravagancias, mientras que el pensamiento se desquebraja por el equívoco social e imperante tan demandante, que causa una jaqueca neurótica por un lapso de tiempo mayor a lo que tu cuerpo pudiera pensarlo como prudente.

nudos narrativos — Crédito:Nudos narrativos.

“Entrada sólo para locos”. Y mientras el funesto pensamiento tarda en volverse demagogia, nuestro hábito al ocio deprimente, abunda entre las letras y reflexiones de protagonistas tan decadentes como el consuelo de los días cotidianos… de lunes a viernes, de sábado a domingo y comienza el juego de nuevo. Abruptos cambios nos acongojen, y volvemos a repetir “Entrada sólo para locos”.

En un mundo tan desquiciado, los más congruentes podrían ser los verdaderos enfermos mentales.

El horror por la vida y la muerte, se vuelve la sintonía idónea para el lector y conmociona lo más permisible de la emoción humana: El dolor. Espacios desoladores y turbios, parecen ser el complemento perfecto para una historia llena de sensibilidad. El brío de la inquietud mental, le abre paso a lo abrupto… a lo pasional, a lo que nos causa más extrañeza y a la vez, más placer.

En el muro de Sartre, se entrevé la pasión humana a partir de diversas magnitudes, que van desde lo más casual a lo más grotesco –por decirlo de alguna forma–. Lo fortuito, es la cúspide del deseo y el vaivén de los pesares, suele ser el éxtasis. Muy mundano el amor, muy enferma la congruencia… todo lo paradójico, parece ser el consuelo adyacente a la vida.

tumblr_mum7l48IN21s83cnmo1_500 — Crédito:Tumblr.

“Un cambio profundo sucedió en su entorno. La luz envejecía, encanecía, se ponía pesada como el agua de un florero que no se ha cambiado desde el día anterior […]. Veía a su alrededor, dudando casi tímida: Todo estaba tan lejano: En el aposento no existía ni día ni noche, ni estaciones, ni melancolía.Recordó ligeramente otros otoños, otoños de su infancia, después repentinamente se resistió: Tenía miedo a los recuerdos.”

– Jean Paul Sartre, El muro

tumblr_mki0d1ep3D1s2mdcoo1_400 — Crédito:Tumblr.

¡Qué opulencia del sentir humano! ¡Qué necedad por temer al olvido! Nada debe de ser sometido a juicio emocional, sino todo sería incongruente y fatídico. Más fatalidad no puede haber en la vida, si afirmamos que la congruencia es el centro de la humanidad. Incongruencia para la apariencia… ¡Qué más da! El permiso para saber qué es metafóricamente bueno, se lo debemos a los loqueros –psiquiatras y psicólogos–, mientras esperamos la próxima consulta acompañada de la literatura depresiva, del sentido común a la inapetencia pura.

El viaje es más largo de lo que parece y la torpeza deambula entre cada palabra y párrafo (mientras haya más crudeza, mejor), y la bomba de inquietantes pensamientos abruma y exaspera, causando un tipo de cliché mental. Más anormalidad, menos bifurcaciones –pensaban los que no esperaban– mientras que los que denigran la causa, suelen estar cargados de la crueldad misma.

Plagado de un realismo, de un sentimiento de permanencia, la narrativa que toca la depresión del individuo carga consigo una ola de presentimientos que parecen ser, como una revelación masoquista hacia el mundo y sus más extraños deseos. Cualquiera que sea la forma, la literatura mueve el sentido del reloj, para detenerse en la reflexión y la capacidad de comprender la temática emocional. No todo es sabiduría ni incoherencia, sólo es vivencia.

Originally posted 2014-10-09 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

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El regreso de las bestias: Omar Rodríguez y Bixler-Zavala en México

Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala regresarán a tierras mexicanas con un nuevo proyecto musical: Antemasque. Los también fundadores y ex-integrantes de The Mars Volta y At The Drive-In planean visitar nuestro país a finales de octubre y principios de noviembre para ofrecer dos fechas en dos ciudades:

31 de octubre – Pa’l Norte Music Fest en Monterrey, Nuevo León
3 de noviembre – Circo Volador en el Distrito Federal

Antemasque se presentó al mundo el 9 de abril del año en curso con un sencillo titulado “4 AM”:

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/143937879″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

En este proyecto también participan los músicos Flea (de Red Hot Chilli Peppers) en el bajo y Dave Elitch en la batería El grupo está en proceso de finalizar su disco debut, mismo que planean lanzar en el mes de octubre bajo el sello Nadie Sound.

La banda que abrirá el show de Atemasque en el DF será Le Butcherettes, proyecto liderado por la tapatía Teri Gender Bender, quien también forma parte de la banda Bosnian Rainbows junto a Rodríguez-López.

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/17137604″ params=”color=ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false” width=”100%” height=”166″ iframe=”true” /]

Los boletos para el evento ya están disponibles en Ticketmaster y la taquilla del Circo Volador:

Preventa: $500
Precio regular a partir del 2 de octubre: $600

Originally posted 2014-08-27 19:45:54. Republished by Blog Post Promoter

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Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que a muchos, les pareciera que el contacto con la moda sólo se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

Así es, se tratan de los jeans mexicanos de Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre. Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí.

Originally posted 2014-09-24 15:21:10. Republished by Blog Post Promoter

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Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

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#somoscreadores convoca

La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

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El almacén de la imagen: ¿la curaduría limita o facilita?

Siempre es grato conocer personas que te dejan pensando sobre cualquier tema, ya sea político, social, cultural, artístico, entre otros muchos temas que pueden ser materia de debate tanto en una conferencia, como en una mesa redonda, en una galería de arte o en algún bar al calorcito de un trago. Sin embargo, la semana pasada tuve la oportunidad de escuchar a Aline Hernández en el conversatorio organizado en torno a la exposición Floresta que Quebra o Asfalto, realizada en un centro cultural de Cuernavaca. Aline fue la encargada de la curaduría de dicha exposición, por lo que en el conversatorio tocó varios temas, entre ellos uno concerniente a la producción artística de algunos países latinoamericanos como Colombia, Perú, Brasil, México, entre otros.

Aline Hernández en el conversatorio de la exposición Floresta que Quebra o Asfalto.

Otro de los asuntos tratados por Aline fue la forma en la que las personas contemplamos el arte, de las expectativas que podemos tener al momento de entrar a un museo o a una galería, de la forma en la que en el mundo de lo artístico la obra se ve sujeta a lo discursivo más que a la experiencia que ésta puede dejar en el espectador. En ese sentido, el texto curatorial puede dejar poco espacio para la interpretación y la apropiación de la obra por parte del espectador.

Sin embargo, nosotros como público podemos llegar a ser “analfabetas visuales” e incluso “ineptos sensitivos” si nos topamos con la ausencia de un texto curatorial en alguna galería. De pronto nos olvidamos de observar, sentir y hacernos parte de las obras que nos rodean, nos olvidamos del aprendizaje a través de la experiencia, de aquello que puede ser empírico. Esta ausencia del discurso en la curaduría de una exposición puede hacer explícito el papel de lo que Fernando Bayón llama “el persuadido”, quien intenta seguir lo que la obra de arte dice, no tanto por una pobreza de imaginación, sino como una condición sin la que cual no se desarrolla la fuga que nos permite el arte.

La exposición "México a través de la fotografía" que estuvo en el MUNAL el año pasado fue curada por el historiador Sergio Raúl Arroyo. — La exposición “México a través de la fotografía” que estuvo en el MUNAL el año pasado es un ejemplo de un excelente trabajo de curaduría, realizada por el historiador Sergio Raúl Arroyo.

La curaduría y la museografía fungen el papel del “tope crítico” que expone Bayón en su artículo “Las retóricas del público. El espacio de consumo del arte como institución política”, en el que la imaginación puede llegar a perturbar el orden del significado y las convenciones que se encuentran en las imágenes. Así pues, es necesario cuestionarnos cómo consumimos el arte siendo espectadores, cómo lo entendemos, cómo lo experimentamos, cómo es nuestro acercamiento como público a una sala en la que se muestra obra de cualquier artista. La forma en la que cada persona experimenta el arte varía dependiendo del tipo de espectador que sea, pero también es importante no perder de vista que la manera en la que el público puede interpretar una obra es distinta.

El texto curatorial sirve para homogeneizar el análisis y aterrizar la lectura que se puede hacer de una serie; es decir, para que no se pierda el discurso conceptual que enmarca una colección dentro de una galería o un museo. Es en este punto en el que también entra a debate el hecho de identificar quienes son los que consumen el arte, quien forma parte del público que asiste a museos y galerías, quienes comprenden en realidad el qué y el para qué sirve una obra de arte. Pero por otro lado se asoma la cuestión de qué arte es el que nos ofrecen los museos y las galerías.

La exposición "Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía" que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez. — La exposición “Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía” que estuvo presente en Patiricia Galería Conde hace unos meses fue curada por el historiador José Antonio Rodriguez.

Así, es importante que cada vez que nos paremos en un espacio, entiéndase galería o museo, hagamos una lectura un poco más amplia de lo que se está mostrando, en qué tipo de espacio artístico estamos parados, qué obra nos ofrecen (tanto el museo o la galería, así como los artistas que exponen su obra) y cómo estamos consumiendo el trabajo artístico que se nos presenta. El punto está en intentar desmenuzar la información visual y discursiva que se nos sirve en la mesa y en observar cómo nos comemos el platillo artístico que se nos presenta. Entonces queda preguntarnos si realmente es necesario para nosotros como público leer la descripción del discurso visual y conceptual de lo que observamos a partir del texto curatorial y si esta descripción funge como una limitante a la interpretación propia de lo que se nos muestra.

Originally posted 2014-08-20 11:23:53. Republished by Blog Post Promoter

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Rompepistas de Kiko Amat

Rompepistas es el título de la tercer novela del escritor catalán Kiko Amat, caracterizado por su estilo único de narrar la vida de sus personajes y acercarnos a lo más íntimo de las relaciones humanas en sus etapas más duras; es decir, en la adolescencia.

La “trilogía de la adolescencia” (como llaman algunos medios a la triada de sus primeras tres obras) se compone de las primeras dos novelas “El día que me vaya no se lo diré a nadie” y “Cosas que hacen BUM” ambas con la editorial Anagrama. La idea central de Rompepistas gira entorno a lo doloroso de las responsabilidades y al tedio en general que produce la pregunta: ¿Y ahora qué haré de mi vida?

“…esto es Todos Contra Todos pero nosotros estamos juntos,
es lo único que tenemos.
Las canciones y a nosotros mismos.”

Rompepistas, KIKO AMAT.

Cuando tenemos diecisiete años y lo podemos todo, no existe el “no”, no existe el “quizás”, nos subimos a la moto aunque no haya casco porque hay valor, y cuando vas a 180 kph, te caes en un bache. Lo que no te mata, tarda más tiempo en matarte.

Rompepistas es la historia de un palurdo de diecisiete años quién se hace llamar así mismo por ese nombre, enfrentando a lo que todos los que nos decimos seres humanos hemos enfrentado en algún momento, nos caemos de la moto y dejamos la cara en el pavimento, sufrimos de disciplina inmoral en el instituto, de amores adolescentes asentados en una frágil base de promesas falsas y de intensas peleas maritales en el hogar.

Y me gustaría redimir las promesas rotas de mi madre, pero bastante tengo con las mías.
Y me doy cuenta, allí, de que quiero a mi madre, de alguna manera.

Afortunadamente, el siglo XX trajo consigo uno de los mejores inventos que alguien con una guitarra nos pudo regalar: el rock’n’roll, nuestro único sostén para combatir, o al menos intentar ponerse de pie ante la masacre que la vida nos tenía guardada pacientemente y que un día nos quiebra y nos parte la frente.

Rompepistas sólo tiene la música, sólo se tiene a él mismo, a él mismo y a su tatuaje axiomático, a su banda “Las duelistas”, a su amigo Carnaval, a la pandilla de inadaptados autonombrados Los skinheads por la paz, a su antiguo amor, Clareana y a un pueblo ubicado en el extrarradio barcelonés, lejos de la policía y más lejos de Dios.

Nuestro (anti)héroe con botas (a lo skinhead) camina por el sendero a la cirrosis, tropezando y cayendo, cayendo y riendo, siempre riendo, porque las sonrisas nadie las quita ni con una tonelada de detergente en polvo, rasgando cuerdas de guitarras estridentes en un pueblo que poco entiende de punk, que poco sabe de The Clash y que poco soporta a lo diferente y a las desenfrenadas borracheras de los chicos con botas, bolsillos vacíos y cojones llenos.

Los débiles, los humillados, los pisoteados, un día se levantan y dicen Se Acabó.

Kiko Amat no solo nos cuenta la historia de un chico que bailaba para no llorar, nos cuenta la importancia de la música en cada etapa de nuestras vidas, nos invita a no olvidar de dónde venimos, a nunca arrugarnos ni de miedo ni de viejos, como diría el psicotrópico Aldous Huxley “El secreto de la genialidad es el de conservar el espíritu del niño hasta la vejez, lo cual quiere decir nunca perder el entusiasmo.”

Si les apetece leer las obras de este autor, les sugiero que lo hagan sin pensarlo pero antes debo hacer una advertencia; tendrán que estar listos a una infinidad de referencias bibliográficas y musicales que forman un estilo de rompecabezas que nos ayudará a comprender mejor a los personajes y a sus sentimientos, eso sin duda, es el estilo único de Kiko.

Originally posted 2014-08-12 12:53:25. Republished by Blog Post Promoter

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Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Originally posted 2014-08-19 10:44:48. Republished by Blog Post Promoter

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Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook. Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

Aquí el VIDEO de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

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Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

danielJ-3-545 (1) — Capitán América al estilo Johnston

En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

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Cine Llanero en el Fic Puebla 2013

Este 27 de septiembre se llevará a cabo la cuarta edición de Cine LLanero en la ciudad de Puebla en el marco del FIC, festival internacional de cine que se caracteriza por tener las puertas abiertas a todos los cineastas que estén dispuestos a poner a prueba sus habilidades como directores y participar en alguna de las 9 categorías.

El principal objetivo del festival de cine es motivar la producción cinematográfica independiente de calidad profesional, tanto en su realización como en sus contenidos, acercando las diferentes propuestas de los realizadores a su público.

Los cortometrajes que participen serán analizados por el comité de evaluación, un grupo conformado por expertos en cinematografía, los cuales no pueden participar en el concurso. El jurado está integrado por personalidades nacionales e internacionales que han contribuido a la cinematografía y/o la creación cultural para evaluar en las siguientes categorías:

Ópera Prima Digital Mexicana
Cortometraje Poblano
Cortometraje de Animación
Cortometraje Mexicano
Cortometraje Extranjero
Cortometraje Documental Internacional
Documental Extranjero
Documental Mexicano
F2 – Filmes y Fundaciones

Como todos los años el festival de cine promete ser un gran evento que deleite las pupilas de grandes y chicos, de conocedores y no tan conocedores. Este festival siempre ha tratado de complacer la vista de todos los espectadores y por el otro lado dar la oportunidad a todos los cineastas independientes de darse a conocer en un concurso de cortometrajes, documentales y demás. Para todos aquellos que tengas más dudas del festival pueden visitar su página oficial http://www.ficp.mx

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Impresiones francesas sobre: el Día de la Independencia

En ce mois de Septembre, le Mexique fête son 204ème anniversaire d’indépendance. Cette célébration n’a pas seulement lieu au Mexique : elle est aussi perpétuée par chaque communauté mexicaine dans le monde, comme à Paris par exemple. Les fêtes d’indépendance se prolongent sur deux jours, commençant le 15 Septembre jusqu’au 16 Septembre de chaque année. Le 16 Septembre 1810, le prêtre Miguel Hidalgo prononça un discours appelant le peuple à se soulever contre le régime de la couronne espagnole. Ce discours fédérateur a réussi à rallier les foules et est répété, de nouveau, dorénavant chaque 15 Septembre par le président de la République. Il est appelé le « Grito de Dolores », littéralement « le cri de Dolores » en référence à la ville où il a été prononcé.

La fête de l’indépendance mexicaine célébrée à Paris.

Cet événement historique commence par le discours du Président, suivi d’un triple «¡Viva México!» déjà scandé par la foule en 1810 et crié de nos jours. La foule rassemblée se compose de jeunes et de familles, venus tout exprès au zocalo, la place centrale de chaque ville. Le lendemain, au 16 Septembre a lieu un défilé militaire. A cette occasion, il est commun de raviver des éléments de la tradition mexicaine, notamment gastronomique en dinant de plats typiques tels : le pozole (une soupe à base de maïs et viande de porc ou poulet), le chile en nogada, ou encore en savourant des dulces (sucreries). Le chile en nogada se compose de chile poblano (un type de poivron doux) farcis à la viande de porc et aux légumes, couverts d’une sauce blanche crémeuse et parsemée de grains de grenade. L’histoire veut que ce plat ait été créé tout exprès par des sœurs d’un couvent de la ville de Puebla en 1821, lorsqu’elles surent l’arrivée de généraux ayant combattu pour l’indépendance. Ce plat porte d’ailleurs les couleurs du pays : le vert du chile, le blanc de la crème et le rouge des grenades.

Le fameux chile en nogada

Outre la préparation de plats typiques, les mexicains s’accordent aux couleurs de la bandera, le drapeau mexicain. A cette occasion, le mexicain porte : maquillage, chapeaux, tee-shirts et autres goodies verts, blancs, et rouges. Ainsi il se sentira mexicain et prêt à festoyer au zocalo. J’ai été étonnée par cette vague de couleurs, et d’autant plus par l’enthousiasme des jeunes notamment sur les réseaux sociaux. Comme tout évènement politisé il entraine des débats sur la véracité de participer à cet acte patriotique. La communauté mexicaine à Paris n’était pas en reste : discours de l’ambassadeur, cris du ¡Viva México!, et un concert de mariachis –musiciens traditionnels- venus du Mexique exprès pour la soirée.

La Tour Eiffel devant les feux d’artifices du 14 Juillet 2014

J’ai, évidemment fait un parallèle avec notre fête nationale commémorée en France chaque 14 Juillet. Nous célébrons la Révolution Française, la fin de la monarchie absolue et la Première République. Nous avons aussi nos spectacles de feux d’artifice, le bal, un discours du Président assorti d’un défilé militaire et aérien. En revanche, je n’ai pas encore assisté à une jeunesse peinte de bleue, blanc et rouge le jour du 14 Juillet. Nos enthousiasmes les jours de ces commémorations ne se traduisent pas de la même manière.

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El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía

El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.

La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco. No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.

La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.

La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.

Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.

El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia

Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.

Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.

Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.

Originally posted 2014-07-30 08:34:14. Republished by Blog Post Promoter

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El futuro del cine está en los nuevos cineastas

El cine mexicano está comenzando a retomar su auge con la llegada de nuevos y jóvenes cineastas, pero el hecho de ser un cineasta joven no abre las puertas de todo el mundo, eso se consigue perseverando y sin perder de vista el objetivo de ser un buen cineasta y producir cosas que renueven el mundo del séptimo arte.

cine

Nuevos y jóvenes cineastas están comenzando una generación que busca crear cortos, películas, largometrajes etc. Y posicionar al cine mexicano como uno de los mejores, un ejemplo de estos nuevos cineastas es Hiram Roberto Estupiñan y Luis enrique Gámez.

Estos dos jóvenes cineastas han creado muchos cortometrajes, han participado en múltiples concurso y se han dedicado abrirse paso por el mundo del séptimo arte. Comentaron que para ellos “no hay gloria sin sacrificio” y en efecto no la hay, ellos comenzaron a producir pequeños cortos desde hace aproximadamente 3 años. El año pasado participaron como extras en la película 5 de mayo la batalla y actualmente están trabajando en pre-producción de la película El lado oscuro de la montaña del directo Hugo Vivar.

Hiram Roberto Estupiñan y Luis Enrique Gámez sugieren a todos aquellos que quieren hacer cine o hacen cine, “buscar por todos los medios producir sus ideas, no importa el equipo importa el contenido y principalmente hacer las cosas por amor al arte, la parte monetaria llegara a su tiempo”. Aquí está el corto del proyecto en el que están trabajando (El lado oscuro de la montaña)

ovni en Puebla.

Originally posted 2013-06-24 17:56:44. Republished by Blog Post Promoter

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Tengo la sensación

Es por eso que todavía cierro los ojos

para pronunciar tres veces las letras delgadas que forman su nombre

con la sensación de que…

cuando deje entrar un poco de luz

otra vez Juan esté enfrente de mi cuerpo,

atravesado en el aire…

O cuando sólo finjo dormir

y me acuesto para recordar la forma en que lo hacía,

para que cuando mis párpados se junten con la piel,

al asomarse, los ojos que tengo,

vean a Juan con la cara tan cerca de la mía como la ponía entonces

y vuelva a sentir en la piel su respiración pedregosa,

y vuelva a sentirlo mi piel tan encima, tan encima

y tan cerca que se me entierre entre los riñones

y entre el hígado.

Pero todo esto es sólo algo que puedo solamente seguir esperando.

Como espero el fin.

Porque la verdad es que…

aunque se hiciera posible…

aunque Juan encontrara la forma de salir de entre la tierra,

aunque una para salir desde el tártaro,

aunque burlara a Hades,

aunque otra para atravesar a nado el Aqueronte,

y hallara una moneda para pagar a Caronte

el viaje de su regreso,

aunque abrirse una grieta de entre mis recuerdos

y lograra hacerse llegar hasta ésta realidad donde nos encontramos

y desde los hilos de mi rencor lo lograra…

lo encontrara, llegara

Aunque aprendiera…

Aunque pudiera…

…Yo ya no puedo sentir nada

Originally posted 2014-08-18 10:33:39. Republished by Blog Post Promoter

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No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

Originally posted 2014-12-16 12:21:24. Republished by Blog Post Promoter

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Nai Ninshiki : Cao Hui; ¿Cómo mira Dios?

La mayoría de nosotros, quizás en algún letargo nocturno de luna caliente, en algún momento intoxicado de vida y sol, o en un apuro asfixiante deseamos con todo el ánimo posible ¡Quisiera ser Dios! Con tal poder, las primeras opciones de cualquiera serían destruir lo que nos estorba, conseguir lo que nos falta. Pocos, quizás menos que pocos, se detendrían a meditar qué se siente ser Dios, cómo mira un Dios.

Te presento a Cao Hui, chino de nacimiento y Dios por elección. Él opina que los artistas realmente quieren jugar a ser Todopoderosos más que cualquier otra cosa, y que ninguno se detendrá ante nada para construir una verdad que valide su existencia.

Hui crea esculturas hiperrealistas y es fácil entender su elección, ya que, pretendiendo ser Creador, la realidad no le basta; sus ojos humanos no alcanzan para ver todo lo existente, desde su más íntimo núcleo, ese origen de las cosas, pero cuando Cao es Dios, su visión es divina…

Y entonces, en este artístico juego, los objetos cotidianos, como un saco o un sofá; animales y humanos; hasta esculturas como El David de Miguel Ángel son despedazados, desarmados, exhibidos, atravesados por la mirada de iluminado y exteriorizan lo interno de los cuerpos de estos seres.

Visceras y órganos al estilo Gore hacen apreciar en su obra el muy evidente mensaje sobre la superioridad de lo interno a lo externo, de una compresión partiendo del interior, y que ciertamente es en esta profundidad, (grotesca, viscosa, irreal y por ende perturbadora) donde se encuentra lo vivo, lo invisible, lo humano rozante con lo divino, lo impactante, lo esencial… lo mortal.

Entendamos mejor el juego de Cao Hui, y qué mejor forma de hacerlo que la propia voz de este artista:

“De esta manera, la relación entre el interior y el exterior de todo parece poseer una lógica perfecta, y se puede interpretar con el conocimiento establecido. Con el fin de engañar a los demás, se explica con teoría tras teoría, pero todo termina en risas y en ocasiones hasta nos divertimos nosotros mismos ante Dios que ríe.”

Cao Hui ha logrado, con su vasta obra comenzada por el año de 1994, despertar el interés por su hiperrealidad, convirtiéndola en una mirada superior que no se limita a un mero asombro, ni a la insípida sensación de la exponencializada realidad, la que en los últimos años abarrotan las salas de museos en todo el orbe. Él no busca reconocimiento, él sólo quiere ser los ojos de Dios y divertirse viendo las entrañas de todo lo inventado.

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Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro

Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.

La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.

RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque —menciona— “le gustan las chicas con rasgos latinos”.

Es pasante de la carrera de sociología y lleva seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.

Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.

Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.

El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.

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