El almacén de la imagen: erotismo en la obra de Saudek

Una de las cosas que más sorprendente de la fotografía es su capacidad de transmitir un mensaje en tan solo un instante, la manera en la que el mensaje visual es registrado en la mente humana de manera incluso inconsciente. Sin duda alguna, la belleza de la fotografía radica en la oportunidad que brinda de entender ideas, conceptos y generar sensaciones con tan solo observarla.

Blue angels, 1993
Jan Saudek, Blue angels.

 La primera vez que vi el trabajo de Jan Saudek, en un libro que llegó a mis manos, me pareció que era algo realmente crudo y grotesco, pues todas las fotografías mostraban temas inapropiados, contenidos que transgredían el orden y la norma establecida, aquello que es socialmente aceptado. En cuanto cerré el libro olvidé la relación entre el nombre del fotógrafo con las imágenes, pero no la relación entre las imágenes y las sensaciones que me provocaron. Meses más tarde volví al trabajo de Saudek y las sensaciones que tuve al observar su fotografía volvieron a ser las mismas en una especie de deja vú. Confusión, morbo y fascinación: sensaciones contradictorias que se unían en un coctel emocional indescriptible. La transgresión en el tema de sus fotografías es algo tan inusual y extravagante que termina emanando belleza y convirtiéndose visual y sensitivamente en algo sublime.

 Jan Saudek (1935) es un fotógrafo checoslovaco, nacido en Praga, ahora Republica Checa, que se caracteriza por crear escenas en las que se involucra el erotismo de un modo que cae en lo vulgar y, sin duda alguna, es lo grotesco. Saudek estudió en la escuela de fotografía Industrial de Praga de 1950 a 1952. A partir de ese año comenzó a ser aprendiz de fotógrafo y trabajó en una tienda de impresión fotográfica hasta 1983. Al mismo tiempo siguió experimentando con la fotografía siendo influenciado, según comenta, por el catálogo de la exposición Family of man curada por el fotógrafo Edward Steichen, en el MOMA (Museum o Modern Art, NY). Durante este periodo, Saudek fue fotógrafo freelance y en  1990 el Ministerio de Cultura de Francia lo nombró caballero de las Artes y las Letras.

 En la fotografía se puede encontrar a dos tipos de fotógrafos: los que buscan la escena y capturan el tiempo y el espacio en una o varias imágenes y los que crean escenas en las que la realidad y la imaginación logran fusionarse. Saudek es de esos fotógrafos que crean su obra a través de la teatralización, el uso de fondos y personajes, es decir, a través de la puesta en escena.

 En el trabajo de Jan Saudek puede verse la transgresión en cuanto a lo erótico. En este sentido esta transgresión a lo que es permisible en lo erótico resulta espantoso e indecente, pues como George Bataille afirma, en el tabú en principio no se impone la inteligencia, sino la sensibilidad y bajo el impacto de la emoción negativa debemos obedecer a la prohibición. Se puede decir entonces que la prohibición existe con el objetivo de quitar el carácter más animal al ser humano, para imponer la inteligencia y la razón sobre las sensaciones y sobre aquello que es irracional. La fotografía de Saudek transgrede o sobrepasa esa línea, en la que muestra un erotismo más cerca de lo animal en el que las expresiones denotan muchas veces miedo y en el que las posturas expresan agresión.

Jan Saudek, The kiss.
Jan Saudek, The kiss.

 Jan Saudek suele mostrar mujeres voluptuosas, desnudas que se encuentran en posiciones eróticas; la mayoría de ellas no encaja en el modelo de belleza femenina impuesto por los medios del siglo XX. El espacio en el que se desarrollan las escenas es normalmente privado, en el que las paredes y las telas sobrepuestas forman un atrezzo ideal para mostrarse al desnudo. Así pues, se puede ver una fotografía que lleva por nombre “The kiss”, en la que se muestra a una pareja dándose sexo oral, besándose y mas que besándose comiéndose, devorándose hasta que sus cuerpos se vuelven uno solo formando una figura en la que se ven cuerpos al desnudo: músculos y piel que remiten al mundo sensorial y tangible que puede ser transgredido por medio del acto sexual. No sólo eso, la fotografía en sepia refuerza la idea erótica dejando escapar un ápice de tela de color rojo.

 Aparecen mujeres amamantando a otras mujeres, a hombres viejos, a las hijas que a pesar de ser adultas siguen necesitando de la leche materna. El cuerpo se vuelve el eje principal de la obra de este fotógrafo, y el erotismo cobra forma a través de su contemplación. El erotismo de los cuerpos, menciona George Bataille, tiene de todas maneras algo pesado, algo siniestro. Queda entonces observar que la transgresión sobre el cuerpo transformado en objeto erótico puede generar repulsión y rechazo, sobre todo cuando hasta las pasiones más bajas, las actitudes más naturales y primitivas y el mundo de las sensaciones queda por encima de la razón.

Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, The fly
Jan Saudek, The fly
Jean Saudek, The slavic girl with her father
Jan Saudek, The slavic girl with her father

La poesía armada hasta los dientes: Subcomandante Marcos

 

 “Pobrecitos de nosotros, tan pequeños y con toda la revolución por hacer”.

– Subcomandante Marcos (Instrucciones para tenerse lastima).

Y si  viajamos a  la  Selva Lacandona, nos metemos entre las  filas  de las  guacamayas  rojas, saludamos a dos que tres monos araña, jugamos a las  miradas  con los  jaguares y, luego les preguntamos por  Marcos, Galeano o Rafael –según se  lleven con él– seguramente nos  harán cruzar unas  cuantas  laderas,  virar  en  repetidas ocasiones  por las mesetas,  levantar unos  cuantos cientos  de  piedras,  rodear  algunos fusiles,  escarbar  en  el tabaco  de  la pipa, y mirar por  debajo  del pasamontañas.

 El  Ejército  Zapatista de Liberación Nacional (EZLN)  se  formó el  17 de  noviembre  de 1983  en  las  montañas del  sureste  mexicano, sin embargo, el hoy Subcomandante Galeano –antes Marcos– fue conocido globalmente  desde  su aparición aquel amanecer del 1º de  enero de 1994, cuando se  dio  a conocer  el EZLN.

Subcomandante-Marcos Marcos es el ícono actual del guerrillero latinoamericano, tras doce días de combate, la figura del  Subcomandante emergió como humo,  como  el  fantasma  necesario para  que el EZLN se  pudiera afianzar, para  que  se  balanceara a través  del  teje  y maneje de los  medios  de comunicación,  con su  humor mordaz, el  vocero, el  distractor, el  delegado  cero,  el sub o la botarga, tal y como se nombró así  mismo el día de  su último discurso  como Marcos: Entre  la luz  y la  sombra.

El 21 de Febrero de 1994  la revista Proceso publicó  una  entrevista  hecha  a Marcos por Vicente Leñero –quien por cierto, en paz  descanse– que  comienza con una  cita  del  Sub:

 

 

“Lo aposté todo a la montaña; estoy viviendo de prestado y por eso escribo como loco; si no les gustan mis cartas, me vale madre”

 El sub le  ha  escrito  cartas a un sin fin de  personajes como  Luis Villoro, la inolvidable  Carta a  Magdalena, a Joaquín Sabina, a Eduardo Galeano, a los  diarios,  al Movimiento  Ciudadano por la Paz 5 de junio, en resumen, a  los pueblos  del mundo; cuando se  levantó,  no sólo  levantó  las  armas, levantó su pluma y su inteligencia, siendo  la pluma su más  feroz, filosa y efectiva arma.

“Sáquese despacio ese amor que le duele al respirar. Sacúdalo un poco para que despierte. Lávelo con cuidado, que no quede ni una sola impureza. Limpio y oloroso proceda a doblarlo tantas veces como sea necesario para tener el tamaño de la uña del dedo gordo del pie derecho. Espere el paso de una hormiga, ser noble y generoso, y pásele la pesada carga.

Ella lo llevará a guardar en alguna profunda caverna. Hecho esto, vaya y rellene, por enésima vez, la pipa de tabaco frente al mar de oriente. El olvido llegará conforme se termine el tabaco y el mar se acerque a usted. Si quiere recuperar ese amor que ahora olvida, basta escribir una larga carta hablando de viajes desconocidos, hidras, molinos de viento, oficinas y otros monstruos igualmente terribles. A vuelta de correo tendrá su amor tal y como lo envió, acaso con un poco de polvo y sueño en la cubierta…”

 – Subcomandante Marcos (Instrucciones para olvidar y recordar)

 Por otra parte es admirado y respetado  por  intelectuales como Noam Chomsky, Régis Debray(quién lo considera el mejor escritor latinoamericano), Rigoberta Menchú, en su momentos Paz y Monsiváis, Zack de la Rocha; fue  entrevistado  por  figuras de la literatura y el periodismo de la talla de Gabriel García Márquez, Juan Gelman, Vicente Leñero, Julio Sherer García, entre muchos  otros.

“El manejo del lenguaje que hacen ellos, la descripción de la realidad, de su realidad, de su mundo, tiene mucho de elementos poéticos. Eso como que removió la trayectoria cultural normal o tradicional que traía yo en literatura y empezó a producir esa mezcla que asomó en los comunicados del EZLN del 94.”

–Juan Gelman.

 El 9  de febrero  de 1995 el  gobierno mexicano dio a conocer que  la  identidad del  Subcomandante Marcos era  la de Rafael  Sebastián Guillén Vicente quién  es oriundo  de Tampico Madero, Tamaulipas, y  nació  el 19 de  junio de 1957. Fue  alumno  de  la  Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma  de México (UNAM) e  impartió  clases  de  diseño en la Universidad Autónoma Metropolitana(UAM) plantel  Xochimilco.

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 El  28  de  agosto  del mismo  año Lourdes Valderrama,  una  exalumna de Rafael le  entregó a Vicente Leñero –cómo  lo  vamos a  extrañar– la  famosa  foto  en  la  que  está  pintando  caracolitos, esto  según  un reportaje  especial  que se  publicó  tras  la muerte  del periodista. El profesor de Diseño para  la  Comunicación Gráfica,  lector  empedernido de Louis Althusser, Marx, Mao, Foucault  entre  otros, se  convertiria  en el  guerrillero poeta que hoy  conocemos.

I

Constrúyase un cielo más bien cóncavo. Píntese de verde o de café, colores terrestres y hermosos. Salpíquese de nubes a discreción. Cuelgue con cuidado una luna llena en occidente, digamos a tres cuartas sobre el horizonte respectivo. Sobre oriente inicie, lentamente, el ascenso de un sol brillante y poderoso. Reúna hombres y mujeres, hábleles despacio y con cariño, ellos empezarán a andar por sí solos. Contemple con amor el mar. Descanse el séptimo día.

II

Reúna los silencios necesarios. Fórjelos con sol y mar y lluvia y polvo y noche. Con paciencia vaya afilando uno de sus extremos. Elija un traje marrón y un pañuelo rojo. Espere el amanecer y, con la lluvia por irse, marche a la gran ciudad. Al verlo, los tiranos huirán aterrorizados, atropellándose unos a otros. Pero… ¡no se detenga!… la lucha apenas se inicia.

– Subcomandante Marcos (Instrucciones para  cambiar el mundo).

 Rafael, Marcos, Galeano, es  un poeta de estirpe, una paradoja, la  distracción poética, la ironía de  la pluma zapatista, el personaje que  se nos  hizo  humo, pero que  nos  ha  dejado muchas  palabras  como  armas. Vale  la  pena escucharlo, ahora  que  es  muy  fácil decir  revolución, ahora  que todos  son poetas “revolucionarios”.

Instrucciones para despedirse

“No mire hacia atrás. Suele bastar con eso…”

 Te interesa  leer  los  poemas publicados por  la revista Rebeldía, que escribió entre 1984-1989, pásale por aquí.

Vicente Leñero (1933-2014) : Genialidad del periodismo y la literatura mexicana


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Crédito:Excélsior.

Jalisciense, gran representante de las letras mexicanas, mostró su capacidad periodística de muchas formas, dueño de inigualables facetas; su nombre bajo la mirada del luto nacional: Vicente Leñero, hombre de principios y paradojas que se enraízan en un emblema social que logró transformar el entendimiento de la literatura mexicana; falleció el día 3 de diciembre a causa de cáncer pulmonar. Afable al arte y a la vida en toda la extensión y al sentido crítico de la vida, Leñero compenetró en cada rincón de la singularidad mexicana.

 Ingeniero civil por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y fiel seguidor de las letras, encontró su vocación bajo el camino de la escritura; fue su más sincera pasión a través del tiempo. Su reconocimiento no sólo quedó entre voces, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México en literatura y lingüística en el año 2001 le perteneció al gran poseedor del talento que corrompía detalles entre palabra y palabra.

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Crédito:El Universal.

 El repertorio que generó abarca la peculiaridad  y el detalle tan magistral que lo caracterizaba. Su primera obra fue publicada en el año de 1959 con el título que invita a descubrir el trabajo tan exquisito que realiza: “La polvareda”; posteriormente  le procede una novela que tiene un gran alcance para expresar el significado psicológico del autor, con un título abrumador y penetrante “La voz adolorida” (1961) es su segundo escrito. 1963, año que pertenece a la década de cambio de patrones de vida; presenta el libro “Los albañiles” que con gran ahínco implícito, logra tener el Premio Biblioteca Breve, con una historia que muestra la narrativa tan excelente que poseía.Misma década, misma sintonía, así publica “El garabato” en 1967.

 El teatro también fue uno de los temas donde presentó su gran aporte, a través de la construcción de guiones. Obras como Los albañiles, Los hijos de Sánchez, fueron títulos que bombardearon la década de 1970.  1980, y el México entre sombras se presentaba en cada rincón del país; Leñero  publica una serie de libros de índole documental que reflejan el anacronismo de esos años.  Su trayectoria, no quedó en ese aspecto, si era multidisciplinario, lo mostró aún más, cuando realizó en el año 2003 el guión para la película tan controversial “El crimen del padre Amaro”. Proceso y Excélsior fueron algunos de los medios para los cuales enriqueció la labor periodística; ese sentido crítico y perspicaz sobresalía en cada columna.

“No me gusta que las historias se acaben, ni en el cine, ni en la literatura, ni en la vida. Siempre tiene que haber más posibilidades,más caminos,más respuestas”

-Vicente Leñero.

 81 años cumplidos y Vicente Leñero abandona el mundo de los terrenales, pero su espíritu de letras se queda en cada uno de los que ha podido leer su obras tan  inigualables. Su homenaje será mañana a las 12:00 hrs en el Palacio de Bellas Artes. Así como el mencionó, la historia no se acaba.

 

 

Layout: Gloomyland, la sonrisa de un recuerdo de infancia

Gloomyland

Se acerca vertiginosamente la Navidad y es inevitable pensar en el árbol adornado con luces, esferas, listones y todo tipo de figuritas eclécticas; en los regalos y los alimentos que se comparten en familia, los cuales pueden volverse memorables por ser horrendos o placenteros, o tal vez en los niños que están a nuestro alrededor y que nos hacen recordar al niño que fuimos, lleno de expectativas por los obsequios que recibiríamos. Este mismo efecto de añoranza es el que se vive con Gloomyland.

Gloomyland nace de la mente de Tania, quien se niega a dejar morir su niña interior y la nutre a diario creando personajes que alegren a la gente y sobre todo que les recuerde su niñez o a sus mejores amigos…

Cerdito by Gloomyland

 Un ejercito de pequeñas figuritas desplegadas en una mesa de bazar sorprende con sus caritas tiernas, ojitos de un color sólido y brillante, estambres en una gama clara si se trata de animalitos o de un verde muy brillante si son cactus que están sembrados en una diminuta maceta de plástico.

Es un mundo donde todo puede hacerse de estambre, con el objetivo de hacerte sonreír y recordar tu niñez…

 Por más de dos años Tania Labastida Mendoza ha creado estas figuritas que teje de manera artesanal y aunque el tiempo y las circunstancias le han permitido desarrollarse profesionalmente como marca independiente obteniendo un ingreso, también ha trabajado muy duro para llegar a donde está.

Colección de perritos by Gloomyland

 Tania estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño, lo que anteriormente se conocía como Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; incursionó en la fotografía, serigrafía, huecograbado y litografía pero su afición por todo lo relacionado con el art toy la llevó a experimentar con el crochet, técnica de tejido que aprendió de su abuelita, gracias a lo cual, y yendo más allá de lo convencional, es que comenzó a crear los personajes de Gloomyland.

Admiro a Twinkie Chan y a muchos ilustradores, creo que en el fondo soy una ilustradora de closet o me gustaría serlo; ahorita mis favoritos son Cars & Telephones…

 Su proceso creativo surge a partir de una idea, la cual visualiza con los colores, la plasma en papel para después pensar en los materiales que va ha necesitar. La parte más divertida comenta, es llevar a cabo el prototipo, ya que experimenta con las puntadas que utilizará al tejer, las cuales usará para cubrir la estructura previamente planeada.

Cactus by Gloomyland

Nunca, al menos que yo recuerde queda a la primera, así que a destejer y tejer hasta que vaya agarrando la forma que quiero y después a anotarlo para tener el patrón y que las piezas subsecuentes sean lo más parecidas ya que al ser hechas a mano siempre quedan diferentes…

 Tania encontró en los bazares de diseño y arte una plataforma para darse a conocer, ha participado en bastantes donde ha vendido muchos personajes de Gloomyland; sin embargo, nota que lamentablemente no todos los expositores promueven productos originales, ni siquiera productos hechos en México, sino importados de China, lo cual deja mucho que desear de los organizadores que están detrás de los bazares donde participan.

Unicornio by Gloomyland

 Glomyland de Tania Labastida estará presente en Liebre Libre Bazar los días 19, 20 y 21 de diciembre, ubicado en Bolívar No. 8,  a unos metros de la estación Allende de la línea 2 del metro (color azul), en el Centro Histórico de la Ciudad de México, si tienes vacaciones o no piensas salir de la ciudad es una buena oportunidad para conocerla y llevarte un amigurumi

 

Especial Ghibli: El Mundo Secreto de Arrietty

En el 2010, el Studio Ghibli nos impactó de nueva cuenta con una gran producción, esta vez tampoco bajo la dirección de Hayao Miyazaki. Basada en la novela de fantasía “Los Incurtores” de Mary Norton, el estudio llevó a cabo la realización de la cinta El Mundo Secreto de Arrietty (Karigurashi no Arietty, 2010) bajo la dirección de, en ese entonces novato, Hiromasa Yonebayashi y cuya labor con esta película le otorgó un lugar importante en el estudio, recientemente terminó su segunda obra, la cual aún no ha llegado a nuestro país.

 La película trata sobre un muchacho enfermizo de nombre Shaw que visita la casa de una tía en el campo con la esperanza de mejorar su salud y prepararse para una operación a la que será sometido pronto. En su estancia, Shaw descubre que la casa es habitada por pequeñas personas que se dedican a tomar prestados varios artículos de los humanos para sobrevivir. Una de ellas es Arrietty, una valiente chica que tras ser vista por Shaw entabla una amistad con él que lo llevará a conocer las maravillas de su mundo, y a ella, le mostrará que algunos humanos son peligrosos, pero algunos son confiables.

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 Hiromasa logró un producto de gran calidad que se convirtió en un gran éxito de taquilla, además del record de ser el director más joven en la historia del estudio. Hayao Miyazaki estuvo muy al pendiente de la producción de la película, de hecho el guion es de su autoría, y permitió que la realización se adaptara al nuevo talento que estaba naciendo.  En esta ocasión la música estuvo a cargo de la compositora francesa Cecile Corbel, cuyo trabajo es verdaderamente memorable al entregar piezas musicales llenas de fantasía y un poco de misterio a la vez. Esta compositora, como dato adicional, se dijo fanática del Studio Ghibli e incluso confesó haberse inspirado en varias películas de Miyazaki y Takahata para las canciones.

 El éxito fue tal que la película logró superar a Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) en varias regiones y recaudó un aproximado de 110 millones de dólares, representando casi cinco veces el dinero invertido en su creación. No es de extrañar esto, ya que la película es hermosa en todos los sentidos. Desde su animación perfecta hasta sus paisajes tan bien elaborados que nos transportan de un pequeño pero bello jardín oriental desde la perspectiva humana hasta toda una jungla desde la vista de los diminutos.

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 Si aún no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una de las cintas de Ghibli más disfrutables en todos los sectores del público y una cinta obligada para los amantes de la magia y las historias donde enaltecen el valor de la amistad. Arrietty, una pequeña gigante del mundo de la animación.

https://www.youtube.com/watch?v=Vp2nb9Vq0yY

Del futurismo a lo inaudito: Space Age Pop, música de 1960

 


No es género nuevo, tampoco vislumbra el matiz de la antigüedad. Es una mezcla distinta, que al escucharla, parece relacionar muchos géneros musicales que sólo te llevan a la siguiente pregunta: ¿Qué tipo de música es? ¿de qué género se trata? Y así es como nos trasladamos a la época de 1960 con un conjunto de percusiones y sonidos que se oían desde un elevador de las tiendas departamentales hasta en las fiestas de aquéllos días, se trata de Space Age Pop; relacionado con tipos de música actuales como el lounge, algunos hasta le han relacionado con el A go go.

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Crédito:Portada LP de Harry Breuer & his Quintet

 Llena de matices de jazz, funk, samba, bossanova y hasta con influencia de las big band al estilo Tommy Dorsey, esa música tan exótica transformó a toda una época donde los cócteles se convirtieron en reuniones cotidianas, donde se encontraban todos los asistentes en un rato ameno lleno de un espíritu de música, que sólo invocaba a bailar con pasos cortos. Peinados voluptuosos, la onda retro del momento, accesorios que daban cuenta del impacto de sus detalles… época que brilló tanto por sus espectaculares sonidos. Futurista y underground, así se presentaba su compostura.

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Crédito: Portada de LP
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Crédito: Juan García Esquivel

 Por muy bizarro que resultará el sonido, penetró en la cinematografía de los años setenta. ¿Quién no recuerda las películas de Mauricio Garcés? Un ejemplo es que las cintas que protagonizó este actor mexicano, se llenaban de melodías que quedan grabadas en la mente y pasan de un simple tarareo, a buscar de qué tipo de música se está hablando, así como de sus exponentes más célebres. En este caso, Juan García Esquivel, funge como el arreglista mexicano más notable de esta época musical. Su singularidad impactó en todos los ámbitos de la cultura y logró adentrarse en los lugares más rimbombantes del país. Esto llevó consigo una constante y precipitada transformación, ya que se pasó de ser música aclamada por la mayoría y 40 años después, su desaparición histórica parece contrarrestar su importancia.

 Dentro de su legado, hay un tipificación de géneros, entre los que destacan el Jet set pop y música de cóctel. Sus precursores conjuntan una serie de tipos derivados del jazz, es por eso que Les Baxter dio suma importancia al Space Age Pop para desplegar de mejor forma el sonido tan particular de esa música que no era ni jazz ni lounge, pero que sin duda, logró posicionarse como de lo que más se escuchaba de 1960 a 1975 aproximadamente.

 A partir de su peculiaridad, se posicionó como requerimiento para el séptimo arte de esa década tan cargada de cultura; desde el minimalismo hasta lo retro. No es un presagio, decir que ha revivido de una u otra forma a partir del siglo XXI. Un  piano bar en cada esquina –contexto 1960–, uno de diez deambula en la soledad de la Ciudad de México. De una u otra forma, su inherencia al espectáculo refirma su exquisitez.

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Crédito: Club de 1960,tipificación.

 Un timbal, un delicado eco de piano  y el sonido misterioso de una trompeta deambula la resonancia sensual del Space Age Pop. Sir Julian, Jean Pierre Mirouze, Guy Warren, Arthur Lyman, entre otros, son miembros de una identidad que engalanaba a todo el boom de la década donde todo se mezclaba. Su legado podría decirse que es tan fino, que no sólo forma parte de una cultura como tal; conjunta las características de una moda que se formó desde Estados Unidos hasta el sitio más complejo de Europa.

 Así que si cruzas por un lugar donde la tonada permanece en tu mente por mucho tiempo, además de vislumbrar matices de percusiones; ya sabrás de qué música se trata. El repertorio es extenso, aunque en estos tiempos es difícil encontrar el material tan voluminoso que había, aún hay forma de poder escuchar unas cuántas melodías que te transportarán a la escena retro de 1960-1970. Ese misticismo marcó una época de vanguardia, que estima en su composición todos los géneros más extravagantes, que van desde lo más bohemio y elegante hasta lo más modesto.

 

 

Hoda Afshar: Arte y denuncia

Crédito: HODA AFSHAR

 

En sus inicios, y como ya es sabido, la fotografía significó un parteaguas para la creación de conciencia y movimientos sociales. Dichos movimientos sociales eran provocados por las fotografías mismas que quizá por las acciones dentro de ellas. El carácter de lo real de dichos cuadrados de papel otorgaron un sentido de cambio de percepción individual.

Pero dicho cambio de percepción no sólo se quedó a nivel abstracto, sino en una utilización de tecnología mucho más avanzada para capturar y cristalizar los momentos. Ya lo había expuesto alguna vez en una publicación anterior, que la fotografía ha llegado a un punto casi (no digo igual, porque sé muy bien que son cosas diferentes) similar al de la pintura, pues en esta época es muy común y casi necesario (en ciertas ocasiones) el retoque digital. Mismos retoques que también se realizaban en sus principios pero la técnica era mucho más complicada y no cualquiera los puede hacer. Hoy, con la nueva tecnología, cualquier persona puede editar su propia fotografía con apps, o software especializados.

Crédito: HODA AFSHAR

Hoda Afshar realiza su trabajo con el fotomontaje y la distorsión de la fotografía digitalmente. Su trabajo llamado “Under Western Eyes” tiene como premicia dar el mensaje de cómo se ve a la mujer en el medio oriente.

Su inspiración como es visto, es Andy Warhol, ya que Hoda manifiesta que el estilo “comercial” de este artista intentó “aplanar” la complejidad del sujeto y reducirlo a un producto de consumo.  Así pues, expresa en su sitio web “Entonces, usándolo en mi trabajo, mi intención enfatizar sobre la reducita interpretación sobre la identidad de la mujer musulmana en el oeste”

Crédito: HODA AFSHAR

La objetivación del velo en el trabajo de Afshar refleja muy bien lo que ha manifestado Under Western Eyes en su pagina web. La intención de la fotografía distorsionada crea un nuevo significado a una protesta que, a diferencia de las primeras fotografías protestantes, podría quedar “fuera” pues la realidad que presenta no es la de la foto sino que es una realidad significante a una realidad más abstracta.

Es decir, quizá si tomáramos las primeras pautas para definir a la fotografía como ventana de la realidad, este trabajo quedaría mucho muy lejos de lo que se consideraría real, pero debido a un contexto las fotografías resignifican la no realidad física, material, documental para así convertirse en una fotografía con carácter real, con realidad sí, pero conceptual, abstracta cuya raíz es un sentido social.

Crédito: HODA AFSHAR

Entonces, el trabajo de esta artista combina tanto el simbolismo occidental con el suyo propio otorgando una fusión-denuncia cultural.

Enero 2015: Klaxons en México

Enero 2015 será la fecha del regreso a México de Klaxons, la agrupación inglesa de new rave conformada por Jamie Reynolds, James Righton, Simon Taylor-Davis y Steffan Halperin. Los lugares en donde se llevarán a cabo sus conciertos serán la Ciudad de México,(Lunario del Auditorio Nacional), Guadalajara (Teatro Estudio Cavaret) y Monterrey (Escena), los días 29, 30 y 31, respectivamente.

 Durante siete años de carrera, Klaxons ha sacado a la luz tres materiales discográficos: Myths of the Near Future (2007), Surfing The Void (2010) y por último Love Frequency (2014), disco lanzado el pasado 16 de julio, y objeto actual de promoción.

 Los boletos se encuentran a la venta desde el 10 de octubre, mediante Ticketmaster. También podrás adquirirlos en las taquillas el día del evento.


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De Puerto Rico a México: Cultura Profética regresa en diciembre

El reggae puertorriqueño volverá a pisar tierras mexicanas durante la primera semana de diciembre, y es que Cultura Profética anunció la programación de tres fechas que se distribuirán entre Monterrey, Nuevo León (Arena Santa Lucía); Guadalajara, Jalisco (Concha Acústica) y la Ciudad de México (Pepsi Center), los días 5, 6 y 7, respectivamente.

 La banda conformada por Willy Rodríguez (bajo y voz), Boris Bilbraut (batería y voz), Omar Silva (guitarra y bajo), Eliut González (guitarras), Juanqui Sulsona (piano y teclados), Egui Santiago (órgano y teclados), y un gran séquito de músicos y coristas, llegará a México en medio de un ambiente de levantamiento social, cuando justamente ellos hacen uso de la música como un instrumento mediante el que pueden expresar las inquietudes que surgen acerca del entorno en el que se desarrollan.

 Después de materiales como Canción de Alerta (1998), Diario (2002) y La Dulzura (2010), el regreso de Cultura Profética está marcado por el lanzamiento de un nuevo sencillo llamado “Saca, Prende y Sorprende”, que será presentado de manera oficial a los fanáticos mexicanos.

 Los boletos ya están disponibles en Ticketmaster.

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Horarios Trópico 2014

“Darle la vuelta a algo”, ese es el significado de la palabra “trópico”, que Archipiélago, 8016 y Pegaso transportaron hacia ese “darle la vuelta a aquella franja que cruza por un puerto paradisiaco que se encuentra a tan sólo unas horas de la ciudad de México” –es decir, Acapulco–, por medio de un festival que tendrá como epicentro a la música, y que además incluirá diseño, moda, proyectos artesanales, entre muchos otros elementos.

 Estamos a unas horas de que comience el Festival Trópico 2014 que se realizará los próximos 5, 6 y 7 de diciembre en Acapulco, Guerrero. Les dejamos los horarios y actividades para que no pierdan detalle de todo lo que habrá.

 Para más información acerca de costos, transporte y lineup, accede a la página oficial del festival.

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PROGRAMA A

 

 

“La noche caníbal” Luis Jorge Boone

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Luis Jorge Boone, nació en Monclova Coahuila en 1977 y es de aquellos llamados “Escritores del desierto”; ciertamente, en el libro de cuentos el desierto se lee, se siente como alguna suerte de fantasma que habita y pasea en su tejido, como también se siente la poesía, y es que ambos hermosos portentos son irrenunciables.

 La inclinación a la poesía es clara, y me atrevo a arrojar la teoría de que una haya dado origen a la otra, de que el desierto haya generado en el escritor la necesidad de la poesía aún sin él saberlo, siendo aún pequeño, y es que Coahuila en ésta región es un lugar sin libros suficientes, éste es un autor de nacimiento, de búsqueda, de origen, sin artificios…

Ha escrito los libros de poesía: Legión (2003), Galería de armas rotas (2004), Traducción a lengua extraña (2007, Premio Nacional de Poesía Joven Elías Nandino) y Novela (2008, Premio Nacional de Poesía Joven Francisco Cervantes).

Siendo La noche del caníbal el primer libro de cuentos que el autor escribió, y con el que obtuvo el premio nacional de cuento Inés Arredondo 2005 y lo forman:

  • Siempre habrá alguien detrás de ti
  • El invierno en Devonshire
  • laberintos circulares
  • Oblivion
  • Telarañas
  • Mandrágula
  • La noche caníbal.

 En todos los cuentos lo humano es perfectamente visible y no sólo abordado en lo superficial, ciertamente parece hablarnos de una necesidad de entender al humano y de una sensibilidad interesante para traerlo al frente. También son interesantes las historias que entretejen la realidad corriente con una otra, submundos, encrucijadas, fantasmas, miedos…

 Da gusto pues, tener posibilidad de leer algo no sólo con característica de calidad sino con alma y profundidad. Hay que leer a Boone, sin duda alguna es un libro que no hay que perderse, lo hallan en “Letras mexicanas” en el Fondo de cultura económica.

Festival de jazz de Polanco 6 y 7 de Diciembre: Edición Otoño-Invierno


Para los amantes del jazz y de todos aquellos que disfrutan de un evento al aire libre, este 6 y 7 de Diciembre en el Teatro Ángela Peralta se presentará la edición Otoño-Invierno del Festival de Jazz de Polanco. Con la participación de músicos de talla internacional, esta muestra sigue la línea de la familia Schwarz; vislumbra un elenco desde el jazz en su renombre clásico hasta lo que aclama la vanguardia.

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 Desde el año 2013, dicho festival  se hace con la intención de recobrar  el legado histórico del jazz en nuestro país, por lo cual ha sido un evento que desde su creación atrajo un sinfín de personas que gustosas de deleitarse con el jazz, asistieron a los dos días en que dura este homenaje hacia la semblanza de la música que ha patrocinado un sinfín de géneros musicales.

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Teatro Ángela Peralta. Festival de jazz de Polanco,2013.

 A su inicio, el festival tuvo gran aceptación y ahora la sigue teniendo, además de tener un amplio público que está atento de las fechas constantemente. Eddie Schwarz –productor de esta idea– trata de dar el espacio necesario a los artistas independientes, que si bien tienen talento, en muchos de los casos no son conocidos por la opinión pública. En ese sentido, el Festival de Jazz de Polanco también apoya a artistas nacionales que están incursando a este tipo de música.Con un horario de 16:00 a 21:00 horas, este fin de semana se llenará de luces el teatro Ángela Peralta.

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Edición 2013 , Festival de jazz de Polanco.

 El día sábado 16 de diciembre se contará con la participación de los siguientes artistas:

  • Daniel Perri
  • Eduardo Piastro Quartet
  • Calacas Jazz Band
  • Fran Domínguez Smooth Jazz Project
  • Gerry López Quartet

 Programación del domingo 7 de diciembre:

  • Rotem Sivan Trío

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    Festival de jazz de Polanco, 2013.
  • Rodrigo Castelán Bass Master
  • Yael Guy
  • Alex Mercado
  • Los Betos Guitar Trío
  • Víctor Patrón y su Quinto Grado Jazz Fusion

Los boletos los puedes adquirir en la taquilla del Teatro Ángela Peralta en un horario de 12:00 a 16:00 horas ,el costo es de $150.00.

 

 

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

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Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

24Hrs o 10 Al Milán

Tiene un tiempo que no piso el Teatro Milán (admito que exagero pues tal vez la lejanía no sobrepase al mes y medio), lo cual me consternó al enterarme de un maravilloso plan que se ejecutará este diciembre 17, por primera vez en México, The 24 Hour Plays.

 Hace dos décadas más o menos, en la ciudad de Nueva York se inició este concepto teatral que reúne a dramaturgos, directores y actores para generar una serie de 6 puestas en escena sobre un tiempo límite de 24 horas. La mecánica es digna odisea cronometrada: todos los involucrados (que hasta entonces no se conocen) se dan cita a las 11 pm del día anterior al estreno, tras la pequeña convivencia solo los dramaturgos quedan, realizan los textos y asignan elencos. A las 7 am vuelven los directores para leer las obras y comenzar el montaje de cada una, con actores ensayando en tiempo récord y creativos frenéticos en la construcción escenográfica de cada una.

 Tras la faena, a las 9 pm en punto se presentarán por única vez los productos obtenidos del ambicioso plan. Se antoja simplemente imperdible, así que no queda más que apartar la fecha y correr por los boletos.

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 Pero The 24 Hrs. Plays significa más que uno de los mejores experimentos aplicables a la escena teatral mexicana contemporánea, es también un cierre exquisito para las operaciones del recinto re-inaugurado el pasado marzo, que sin duda se ha enmarcado en un tiempo sumamente corto –además de heroico- como exponente esencial de la cartelera.

 A partir de dicha afirmación, junto a la gran satisfacción que me ha dejado el ver puestas como Aquí y ahora, Perhaps, Perhaps, Quizás o Godspell, he decidido proponer varias puestas que merecen ser montadas en nuestro país, en un recinto tan bello como eficiente, que no podrían encontrarse mejor acogidas en otro lugar. Llamémosle: Top 10 de obras a considerar para el Milán y su hermano Foro Lucerna:

10.- COMPANY

Tras ver Godspell sólo pude imaginarme otro musical al momento que se pudiera realizar con tal calidad y proximidad. Company no sólo es uno de los sellos distintivos de la carrera de Stephen Sondheim, es una obra perfecta para hacerle justicia al autor en nuestro país, sobre un escenario tan íntimo como ideal para hablarnos de las relaciones humanas y su complejidad llegada la edad adulta. Seamos honestos ¿A quién no le agradaría la idea de ver a un actor como Mauricio Salas derrumbando en aplausos el lugar tras una rendición de Being Alive?

9.-MENDOZA

Una temporada más de esta fantástica adaptación de Macbeth, producción de Los Colochos Teatro no le caería nada mal al Foro Lucerna. La fenomenal visión de Juan Carrillo y Antonio Zúñiga  sobre el mundo Shakesperiano adaptado al México revolucionario encontraría una guarida excelente en el foro del inmueble. Dejando huella como una de las más poderosas adaptaciones mexicanas de los últimos años que lejos de extinguir su éxito solo se aviva más.

8.-LA OBRA DEL BEBÉ

Este 2014 Edward Albee renació en la sala del Foro Chapultepec con ¿Quién teme a Virginia Woolf?, obra fuerte, controversial e icónica.  En esta entrega el autor retoma el modelo de confrontación de una pareja joven frente a una madura para cuestionar la realidad en un terreno de juego delimitado por las necesidades y las esperanzas de la inocencia.  ¡Que comience el festín psicológico!

7.- INCENDIOS

No hay mucho más por decir de un montaje que enmarca tanto la mejor realización dramatúrgica de Wajdi Mouawad, como la mejor dirección de Hugo Arrevillaga y la actuación que consolidó a Karina Gidi como una de las mejores actrices que México puede presumir tener en la actualidad. Un lugar como el Foro Lucerna es el indicado para desplegar la fuerza dramática de la obra junto a la alta sensibilidad que genera. Además de el pretexto perfecto para vender pañuelos desechables en la taquilla.

 6.-HEATHERS

Otro musical que luciría tremendamente bien sobre el escenario del Milán. Esta adaptación de la famosa cinta estelarizada por Winona Ryder tuvo una exitosa temporada Off-Broadway este año. Una producción divertida, cruda, satírica  y con una  tremendamente contemporánea historia acerca de las presiones sociales de la adolescencia. ¿Quién podría resistirse a la oscura abuela de Mean Girls en un soundtrack inolvidable?

https://www.youtube.com/watch?v=p2NIc-mluQM

5.-EX, EL PASADO NO ES LO QUE ERA

La más reciente producción de Puño De Tierra tiene todos los elementos para ganarse un lugar en la marquesina del Milán: elenco, texto, dirección y la certeza de poder conquistar mediante su cómica dramaturgia a cualquiera que se deje envolver en esta búsqueda de la identidad a través de los escombros del pasado. Una obra que cierra el 2014 con una temporada muy breve, pero que aquí merece brillar y apoderarse.

4.- LOS HIJOS DEL PROFETA

Imaginen este panorama: una familia de ascendencia libanesa, viven en una serie de catastróficas desdichas desde el primer día que sus ancestros pisaron América, hasta ahora la lista suma una lesión física que desarticulará un sueño profesional y la muerte del padre. Irónicamente, son parientes lejanos del escritor Khalil Gibran, autor del famoso libro de inspiración y superación personal “El profeta”. En este escenario, el dramaturgo Stephen Karam propone analizar las bases del sufrir humano ¿Porqué, para qué y cómo es que realmente logramos apoderarnos del sufrimiento? Pese a sonar tremendamente densa, esta es una tragicomedia deliciosa que por supuesto adopta forma campeadora al imprimir  la crítica social con franqueza. ¿Alguien dijo Alfonso Cárcamo para director?

3.-LOS ÚLTIMOS 5 AÑOS

Dos vidas que se unieron durante 5 años cuentan sus historias al mismo tiempo, una en orden cronológico, la otra no. Él es novelista, ella actriz, los dos pensaron que el amor duraría, pero no fue así, en realidad tal vez sólo fue un concepto que hicieron grande por media década, sin más ni más. Andrés Zuno + Majo Pérez como protagonistas, sumen una dirección como la de Lorena Maza y la magia flotará por sí misma.

2.- EL JUEGO QUE TODOS JUGAMOS

Por medio de un poco ortodoxa compañía teatral ficticia, Alejandro Jodorowsky parodia y critica con precisión en su obra las formas múltiples de comportamiento en los seres humanos según se den las circunstancias. Atina a recordar a la audiencia que la verdadera solución al cambio se genera por la acción social que comienza en cada individuo. Bien montada, en el Foro Lucerna estaría dando apertura plena a un diálogo de confrontación mutua para el bien común. Este sencillo detalle la volvería fantástica en la desquiciante realidad socio-política de nuestra nación.

1.- CRISTALES ROTOS

Haber presenciado a  los dueños del inmueble, Pablo Perroni y Mariana Garza, ejecutando impecables trabajos actorales bajo la guía de Hugo Arrevillaga en Aquí y ahora, provoca una necesidad absoluta de querer ver a la pareja de nuevo en el escenario a como de lugar.

Propongo un reto escrito por Arthur Miller. Cristales Rotos es la  historia de un matrimonio judío enfrentando una extraña enfermedad de la esposa que la tiene paralizada de repente de la cintura hacia abajo. Situada en los años 30’s, es una ventana que expone los efectos de la segunda guerra mundial sobre los miembros de la sociedad a los que atacó principalmente, así como las repercusiones que derivaron en sus vidas y comportamiento.

He aquí las propuestas, empero de si alguna es escuchada solo debemos esperar enormes títulos provenientes de la cartelera del magistral recinto en el año venidero. ¡Larga vida al Teatro Milán!

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NYFCC Awards 2014, o de posibles predicciones a los Premios Oscar 2015

Luego de la consumación de distintos festivales cinematográficos a lo largo y ancho del mundo, y durante todo el año, los últimos meses de éste se resumen a una especie de trance reflexivo que arroja como resultado el anuncio de la posible agrupación de cintas contendientes a la estatuilla de oro en sus numerosas categorías. Los premios Oscar: de dudosas tendencias, entendido cada vez menos como un galardón de prestigio, pero sin duda alguna una de las condecoraciones más afamadas.

 La lista definitiva —acordada por la propia Academia estadounidense, conformada por cerca de seis mil miembros entre actores, directores, productores, cinematógrafos y demás figuras de la industria— se da a conocer de manera pública en una ceremonia especial, para posteriormente llevar a cabo la respectiva premiación, evento magno de Hollywood, desarrollada en el marco de la popularmente conocida «Temporada de premios».

 Recientemente tuvo lugar la edición 2014 de la entrega de los New York Film Critics Circle (NYFCC, por sus siglas en inglés), ceremonia a cargo de la asociación estadounidense, fundada en 1935, que, debido a su proximidad a la mencionada ceremonia de los premios Oscar —a llevarse a cabo en la segunda mitad del mes de febrero de 2015—, y puesto que se desarrolló en el mismo país norteamericano, los resultados de dicha entrega aparecen como predicciones muy acertadas para la ceremonia de los Oscar.

En resumen:

 La ambiciosa Boyhood —distribuida en español como Momentos de una vida, cuyo rodaje se extendió por cerca de doce años, fue la acreedora al galardón a Mejor Película, al igual que su director, Richard Linklater, artífice de la trilogía compuesta por Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), fue premiado como Mejor Director.

Ethan Hawke participó de manera muy activa en todo el trabajo que implicó Boyhood, cinta de la que también es actor, interpretando el papel del padre del protagonista. La dupla Hawke-Linklater resulta infalible luego de la trilogía de mencionada anteriormente, con Ethan en el rol masculino principal.

 El premio a Mejor Actriz fue para Marion Cotillard por su participación en dos cintas: The Immigrant, largometraje en el que actúa junto a Joaquin Phoenix, y Two Days, One Night, producción belga de 2014, parte de la selección de Cannes y cinta incluida en la 57 Muestra Internacional de la Cineteca. Por su parte Timothy Spall como protagonista de la biopic del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, fue galardonado como Mejor Actor.

 Ida, la sobresaliente cinta polaca dirigida por Pawel Pawlikowski, presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y también parte de la más reciente Muestra de la Cineteca, recibió el reconocimiento como Mejor Película Extranjera.

 La carismática cinta protagonizada por los curiosos juguetes de tez amarilla, The Lego Movie, fue premiada como Mejor Película Animada; mientras que el estéticamente intachable estilo del cine de Wes Anderson se hizo del premio de Mejor Guión por la cinta The Grand Budapest Hotel.

 Todos los anteriores son títulos ya conocidos, vistos por millones y aún en circulación para disfrute de otros tantos; los actores son figuras consolidadas, e incluso queridas por el público seguidor. Luego de la complaciente edición de 2014 a cargo del Círculo de Críticos Neoyorkino no queda más que aguardar la pasividad del fin de año en espera de las noticias que traiga consigo el inicio de 2015 en cuanto a materia cinematográfica se refiera. Pongámonos cómodos y vayamos preparando las palomitas.

“Cuentos mágicos y del intramundo” Jodorowsky

 

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Alejandro Jodorowsky Prullansky (Iquique, Chile 17 de Febrero de 1929) es más de lo que en la actualidad se espera de un artista. Como escritor ha abarcado novela, dramaturgia, poesía, ensayo, cuento y guión, también es director de teatro y cine, conductor, actor, mimo, escultor, pintor, escenógrafo, ilustrador, historietista, dibujante, tarotista, psicoterapeuta y creador de la psicomagia.

 Fueron sus padres: Jaime Jodorowsky Groismann y Sara Felicidad Prullansky Arcavi. De sus primeros años y de relación con estos se desprende la historia de infancia, que con algunas adaptaciones propias del género, hemos visto en “Memorias de un niño bombero” en Tres cuentos mágicos (para niños mutantes), Siruela, 2009; que también incluye “Loie del cielo” y “La increíble Mosca humana”, la habíamos conocido antes en el libro: La danza de la realidad, memorias, Siruela, 2001 de la que se desprende la película: “La danza de la realidad” (La Danse de la réalité, Francia-Chile, 2013).

 He de decir que me entró una suerte de decepción cuando leí “Cuentos mágicos y del intramundo” siendo sobretodo un best sellar. Encontré la repetición de anteriores textos de Jodorowsky de los libros antes mencionados; en uno tal cual y en otro modificado por amplitud, disminuído, dicho sea de paso. Al final del libro hay microrrelatos, varios que hemos encontrado en las tan aclamadas fábulas pánicas,  Textos e imágenes extremadamente valiosos y que ahora en internet son objeto de culto. Al respecto de ellas, Jodorowsky ciertamente dijo que al principio las temáticas eran un tanto agrestes, fueron modificándose a medida que él también se modificaba, por eso en ellas se encuentra la transición del alumno al maestro, siendo éste Jodorowsky, Que como Jehová crea un mundo y luego se interna en él como Jesucristo, como el maestro, el transmisor.

 Yo que, dicho sea también de paso, crecí desde niño con sus fábulas pánicas, y que desde los cuatro años tengo una profunda relación con ellas por mi madre, tornándose en mi “libro infantil” más recurrido, y habiendo recorrido parte de la extensísima obra de un creador fuera de éste mundo, por pensamiento, obra y acto, argumento que no hay necesidad de recurrir al libro, y que desde luego lo mejor para conocer su interior, serán “La danza de la realidad” y las irreemplazables fábulas pánicas, que ofrecen desde un lugar mejor posicionado, más amplio y vasto, la obra del portentoso creador.

fábulas pánicas

Especial Ghibli: Ponyo

Regresando a las historias infantiles, Hayao Miyazaki decidió recurrir a un relato que escribió basándose en un serie de leyendas orientales, experiencias vividas en sus últimos viajes y quizá el punto clave, el cuento clásico de Hans Christian Andersen, La Sirenita; sin embargo, he de aclarar que su siguiente película no fue una adaptación de este cuento como erróneamente se pudiera pensar debido a su traducción en nuestro país. Más bien es una historia original basada en diversos elementos a modo de homenaje e incluso, ¿Por qué no decirlo?, de fanfiction.

 El Secreto de la Sirenita, título en México, o su traducción literal, Ponyo en el Acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) es el nombre de este proyecto. La película es una de las que más distribución ha recibido del Studio Ghibli y es una de las pocas que disfrutó de una temporada en salas de cine mexicanas. Así mismo, la cinta recibió apoyo de distribución de forma más directa por parte de la empresa Disney e incluso ostenta el nombre de John Lasseter como uno de sus productores.

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 La película nos cuenta la historia de Sosuke, un niño que vive solo con su madre en una casa junto al mar, en un acantilado. Su padre es marinero y constantemente está de viaje, por lo que la vida de Sosuke se encuentra dividida en ese sentido. Su rutina cambia cuando encuentra un extraño pez con cara de niña que habla y gusta de los alimentos humanos. Rápidamente se entabla una tierna amistad entre el niño y su nueva mascota, siendo esta bautizada con el nombre de Ponyo. Lo que Sosuke no sabe, es que Ponyo es en realidad hija de Fujimoto, un hombre con poderes mágicos que vive en el mar y que está decidido a evitar que su hija conviva con el mundo de los humanos y se pierda el equilibrio de la naturaleza, dando así inicio a una gran aventura para ambos, sobre todo para Ponyo, quien cada vez se enamora más de los humanos y de hecho, comienza a convertirse en uno.

 La historia es interesante aunque no es tan profunda como otras obras de Miyazaki, de hecho es muy sencilla y más siendo un producto hecho para niños. Sin embargo la película es ampliamente disfrutable, la imaginación de su director desborda en intensas secuencias donde olas convertidas en enormes peces golpean las costas y en otras escenas. El diseño de personajes y el diseño de arte son extraordinarios, así como la música de nueva cuenta compuesta por Joe Hisaishi. Como punto adicional, la canción principal de la película sin duda es de las más pegajosas jamás escuchadas y el que la escuche terminará cantándola el resto del día sin siquiera darse cuenta.

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 Esta producción nos habla de nueva cuenta de la importancia de mantener el medio ambiente, pero además le da un giro a este concepto cuando choca con otra lección: seguir nuestros sueños. Es interesante pensar en la contradicción que implica querer lograr nuestras metas (en este caso de una niña) y que el hacerlo tenga como consecuencia una gran catástrofe que afecta a todo el mundo. Es en este momento cuando nos enteramos que Ponyo es un cuento para niños, pero también tiene lecciones importantes para los adultos. ¿Una historia simple? Claro que si… tal vez… mejor ustedes decidan eso. Los invito a verla y dar su propio juicio, eso sí les aseguro, pasarán un rato muy agradable como con todo lo que Miyazaki ha logrado hasta ahora.

¿Quién dijo que el rock y la literatura no se pueden llevar?

México ha sido un país que ha albergado infinidad de sucesos sociales, entre ellos el movimiento del 68 y el terremoto del 85, y es justo en este periodo donde en el libro de Juan Villoro, Tiempo transcurrido, se desarrollan 18 crónicas imaginarias de lo que pasó en esos años.

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 Este libro da pie a un grupo de músicos, Diego Herrera y Alfonso André, de Caifanes; Javier Calderón, productor y músico independiente y Federico Fong, de La Barranca y a su autor para realizar un espectáculo titulado Mientras nos dure el veinte.

 Este evento marca cuatro viñetas de la contracultura mexicana, “Madona de Guadalupe”, en donde una joven mezcla la sensualidad con el catolicismo; “El punk del pedregal”, un joven millonario descubre que lo más chic está en el deterioro; “La merienda del Papa”, un militante político envenena a Juan Pablo II y “Glitter en la colonia Lindavista”, defensores de la alteridad sexual descubren el riesgo de pintarse las uñas de negro.

 

Foto de: chopo.unam.mx
Foto de: chopo.unam.mx

Este proyecto comenzó en el Vive Latino de este año, sin embargo, tanto músicos como el escritor Villoro se dieron cuenta de que era necesario ofrecer más cuentos de alto volumen, es por eso que ahora el Museo del Chopo será testigo de ello.

La cita es este próximo jueves 4 y viernes 5 de diciembre a las 20:00 horas, en el Foro del Dinosaurio, del mismo museo. El costo general es de $250

*Estudiantes, maestros, INAPAM y UNAM $ 200

Cambiar

*

Don del fuego acércate más,

digamos que era hora de volver

Don del agua

digamos que era hora de gritar

digamos que escribo por la voluntad de la tribu,

las puertas del lenguaje .

Digamos que las puertas,

¡ah! Las puertas.

Las puertas se están quemando.

*

La inversa de Kant es sólo una forma de ver la materia :

Jamás trates a las cosas como si fueran personas.

Lo sé, yo también quiero irme.

Pero por aquí dejé unas ganas de verte.

*

a Sam

La luna es un ojo de gato colgado del cielo. Henrry Miller le calibra los pezones a Allen Ginsberg , el santo, el que aúuuuuuulla que el sexo es pura estética, una pasión útil, un tiburón que me extraña .

*

Sueño a los niños entre los espacios de la ciudad

Saner y Siqueiros grafitean el Palacio Nacional

mientras Guillermo Tell y William Burroughs juegan tiro al blanco

en la colonia Roma, Burroughs ha perdido la partida

Perdió a su esposa.

Jack Kerouac y Dean Moriarty se burlan mientras piden limosna,

mis expectativas de cambiar siguen intactas,

por fin Frida Kahlo ha despreciado a Diego,

colgó a su panzón en un cuadro viejo.

Ella avanza y su corazón de acuarela le grita:

“¿a dónde vas? él se ha quedado tus alas”.

*

Borges juega canicas con el Aleph y nosotros hemos decidido vivir de la incertidumbre.

La mugre en las paredes habla de la dignidad con la que los niños están jugando

a la revolución sin soldados

los niños van intentar la rebelión de las palmas abiertas,

una mano que toma otra mano que toma tu mano.

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*

Ha explotado el saludo de los espejos:

Yo soy otro tú

Tú eres otro yo

*

El chavo se ha ido de la vecindad:

π

π

π

π

π
π

*

Mario Santiago Papasquiaro fuma mota con Diógenes en periférico mientras recuerdan la leyes de Atahualpa: No mientas

No robes

No seas ocioso

*

Un niño porta un crucifijo del Che y

 pienso que olvidar es inútil,

aquí tengo 43 razones para cambiar.

Ciclo de Cine: Primera Guerra Mundial 1914-2014

El Ciclo de Cine: Primera Guerra Mundial 1914-2014 que se está llevando a cabo en el Museo Nacional  de Historia del Castillo de Chapultepec está a punto de terminar, es por eso que si  aún no has ido tienes hasta el 13 de diciembre para ver el último filme Johnny cogió su fusil.

event-poster-3331287 Esta película, dirigida por Dalton Trumbo, en 1971, retrata la posición antibelicista de un soldado que pierde todas sus extremidades en una explosión durante la Primera Guerra Mundial y que finalmente trata de comunicar los horrores de la guerra.

 En esta conmemoración del centenario de la Gran guerra otros filmes que formaron parte del ciclo fueron Dr. Zhivago, La Gran Ilusión, Sin Novedad en el Frente y Gallipoli.

 Las últimas proyecciones de llevarán a cabo el próximo 6 y 13 de diciembre a las 12:00 horas en la sala de Historia  del Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec (Bosque de Chapultepec, Primera Sección). Entrada libre *Cupo limitado a 100 asistentes.

 

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Carnaval Bahidorá 2015

Poco a poco hemos visto que el próximo año estará lleno de eventos que nos harán bailar, cantar y querer cada vez más, y a ello se le suma el Carnaval Bahidorá que se llevará a cabo los próximos 21 y 22 de febrero en Las Estacas, Morelos.x

 Bahidorá es una puesta colectiva que se dedica a explorar territorios desconocidos para vivir una experiencia mágica dentro de un entorno natural y fantástico. En compañía de músicos, artistas multimedia, arquitectos, escenografías, actividades de sustentabilidad, ofertas gastronómicas, talleres, cursos y más, los asistentes y colaboradores podrán desenvolverse de manera creativa durante todo el evento.

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Para esta edición, Bahidorá trae más actividades y servicios que permitirán que la experiencia sea inolvidable. Un nuevo escenario, una lista diversa de músicos, así como nuevas secciones del parque para descubrir aquellos espacios que la naturaleza tiene listos para todos. Lo que le da un plus increíble es que ahora el 85% de los asistentes podrá acampar y así disfrutar por completo esta experiencia sin salir de Las Estacas.

Las Estacas es un parque acuático que pertenece a la reserva ecológica estatal de Sierra de Montenegro, sitio paradisíaco donde brota el río Yautepec, con agua cristalina de un asombroso color. El lugar perfecto para esta gran puesta en escena.

Para más información y compra de boletos, consulta aquí

II Festival Luces de Invierno en la Ciudad de México

El año está por terminar y para darle la bienvenida, del 1 al 21 de diciembre, se  llevará acabo el II Festival Luces de Invierno, organizado por CONACULTA, que viene acompañado de más de mil artistas que realizarán más de 500 actividades en las 103 sedes que estarán en varios estados de la República y en la Ciudad, al igual que transmisiones en vivo de actividades internacionales para que todos los mexicanos disfruten del espectáculo.

 Dentro de las actividades más destacadas está el homenaje a Michael Nyman, musicólogo británico, que se realizará en el Palacio de Bellas Artes el primero de diciembre con un concierto de la Orquesta Carlos Chávez, en donde se estrenará mundialmente la Sinfonía Número 2, Distinto Amanecer.

 Entre las diferentes sedes se encontrarán el CENART, Biblioteca de México, Biblioteca Vasconcelos, Centro de Cultura Digital, Museo Nacional de Culturas Populares, Castillo de Chapultepec, Auditorio Nacional, Antiguo Colegio de San Ildefonso y la Fonoteca Nacional.

 Los estados que participarán en las transmisiones en vivo serán Durango, Oaxaca, Aguascalientes, Baja California Sur, Campeche, San Luis Potosí y Zacatecas.

En este segundo Festival habrá eventos para niños, danza, cine, literatura, música y teatro. Entre ellas destacan El Cascanueces, dirigido por la Compañía Nacional de Danza en el Auditorio Nacional, Regina Orozco con un “Concierto de Navidad” en el Castillo de Chapultepec, proyecciones de El Mago de Oz, Meet Me in St. Louis, La historia sin fin, entre muchos más.

Para consultar las eventos, horarios, locaciones y más información da click aquí

 

Madre Coraje y sus Hijos al estilo revolucionario

Si eres amante del teatro y aún no has ido a ver Madre Coraje y sus Hijos de Bertolt Brecht, aún tienes una semana para asistir al Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario y disfrutar de una magnifica puesta en escena.

Foto de: jornada.unam.mx
Foto de: jornada.unam.mx

Bajo la dirección de Iona Weissberg y Aline De la Cruz, la famosa obra berlinesa de 1949 llega a México para retratar una época llena de conflictos sociales: la Revolución Mexicana. En esta versión, “Madre Coraje” cría y mantiene a sus tres hijos dentro de un régimen priista que, aunque no lo parezca, le ayuda, pues de otra manera no podría llevar a cabo su negocio.

 El elenco artístico está conformado por Alejandra Ley, Rodrigo Murray, Artús Chávez, Eugenio Bartilotti, Alondra Hidalgo, Emmanuel Cortés, Lorena Martínez, Alberto Carlos López, Larissa Urbina, Joana Camacho y Omar Saavedra.

 Para la musicalización, a partir de las partituras de Paul Dessau se compusieron corridos, rancheras y chotises, entre otros.

 Recuerda que tienes hasta el 7 de diciembre para poder asistir al CCU (Insurgentes Sur 3000) en los siguientes horarios: jueves, viernes y sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas.

Madre Coraje
 El costo, de viernes, sábado y domingo es de $150 *50% de descuento a estudiantes con credencial vigente, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS Jueves de teatro: $30 al público en general sin ningún tipo de credencial.

Cada vez más cerca: Vive Latino 2015

¡La espera por fin terminó! Hoy, 28 de noviembre, salen a la venta los boletos para la XVI edición del Vive Latino que se llevará a cabo el próximo 13, 14 y 15 de marzo en la Ciudad de México.

¿Qué nos espera?CartelB

El cartel de este año viene cargado de poder y entre las muchas bandas que estarán presentes se encuentran Babasonicos, Interpol, La Lupita, NOFX, The Specials, Brandon Flowers, Apocalyptica, Nortec Collective, Enjambre, Molotov, Aterciopelados, Caifanes, Jorge Drexler, Dave Matthews Band y Mastodon.

 Recuerda que al igual que en ediciones anteriores se contará con dos grandes escenarios (el del Foro Sol y la cancha Jesús Martínez Palillo) así como dos carpas: Carpa Gozadero y Carpa Ambulante.

 De igual forma no olvides que estará presente el Tianguis Cultural del Chopo, disqueras independientes, stands de ONG’s, áreas culturales y de entretenimiento, y el no menos importante mercado gastronómico.

Para que no pierdas la oportunidad de ir, consigue tus boletos lo antes posible. Checa los precios aquí y compra el que más te convenga.

Aquí una recuento del Vive Latino de este año.

La  poesía armada  hasta los  dientes: Roque Dalton

“¿Para qué debe servir
la poesía revolucionaria?

¿Para hacer poetas
o para hacer la revolución?”

— Roque Dalton

quijotedaltonQué hay de los poetas que toman la pluma, cortan cartucho y  disparan cual fusil,  como dice Karloz Atl: “el poeta es un revolver en medio del dolor mundo”.  Hay mucha poesía lejos del mantel y la  academia. Roque  Dalton  García  fue  uno  de  ellos, crítico irreductible, sarcástico, irreverente y prolífico; creía  que la  poesía  era  el pan de  todos, pero no esa poesía que se esconde detrás del papel, Roque era  partidario de  la militancia activa, miembro de la llamada  Generación comprometida  de El Salvador; su pensamiento  anti dogmático lo distinguía, dio vida a la  poesía y  la poesía le dio vida.

 ¿Por  qué  hablar de Roque? Porque la literatura  se  vuelve, en muchos  casos, un terreno  de  discursos  fatuos, oportunistas, pedantes y no  comprometidos. Roque  fue uno de  esos  poetas que  hizo de la  poesía  un método de  denuncia, misma que respaldó siempre con su accionar; fue la  voz de los que no tenían voz,  hizo  honor a los  tiempos  remotos, en los  que  el  chamán, el  huey tlatoani, el jefe  la  tribu e incluso el  sacerdote, ostentaban  la  palabra, con ella  dirigían, educaban, transmitían y guiaban a  sus  comunidades.

 

“Poesía
Perdóname por haberte  ayudado a comprender
que  no  estás hecha sólo de  palabras”

— Roque Dalton (Arte poética 1974)

 Pero ¿quién fue Roque Dalton? Haré  un  breve  esbozo  biográfico.

 Roque Dalton nació  el 14 de  mayo de  1935 en San Salvador, El Salvador. Estudió  jurisprudencia durante once meses en la Universidad de Chile 1953 y  1954 se  incorporaría a la Universidad de El  Salvador. Para 1955 Dalton colaboraba con el periódico El Independiente y era  activista  estudiantil. En 1956 publica sus primeros poemas en la revista Hoja (Amigos de la Cultura), y en el Diario Latino de San Salvador, año en el que también funda el Círculo Literario Universitario, movimiento literario integrado por Otto René Castillo (poeta guatemalteco exiliado en El Salvador), Roque Dalton, Roberto Armijo, José Roberto Cea, Manlio Argueta y Tirso Canales (años después se les conocería  como la Generación comprometida).

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“El hecho es que los policías y los Guardias

siempre vieron al pueblo de allá para acá

y las balas sólo caminaban de allá para acá.

Que lo piensen mucho

que ellos mismos decidan si es demasiado tarde

para buscar la orilla del pueblo

y disparar desde allí

codo a codo junto a nosotros”.

— Los policias y los guardia, Roque Dalton

 

 Además  de ser periodista, como escritor se  desenvolvió  en  géneros  como el  ensayo  y  la  novela,  sin embargo, su  increíble  capacidad quedó  plasmada  en su  obra  poética, Benedetti y Cortázar fueron algunos autores  que  subrayaran su  valía como poeta. Su pensamiento político era  el de un comunista  comprometido (no dogmático), militante; Roque  hizo de la participación política  y la poesía  una sola  cosa, motivo por  el cuál fue perseguido y encarcelado en su país.

“Hablar con Roque era  como  vivir más  intensamente, era como  vivir por dos”

Julio Cortazar.

En 1961, el   Directorio  cívico-militar llegó a el Salvador y por  otro  lado Roque  Dalton se  dirigiría  al  exilio, recorrió el mundo,  viajó a la entonces Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), Corea del Norte, Vietnam, lugares en los que afianzó  su  postura  política. Vivió algún tiempo en Checoslovaquia, en La Habana y en México; siendo éste último el lugar en  donde cursó algunas materias de Antropología  y  Etnología  en  la Universidad Nacional Autónoma de México.(UNAM), además de conocer a poetas  como Efraín Huerta.

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 En 1969 ganó el premio de Casa de las Américas de La  Habana por  su  obra: Taberna y otros lugares. En el ocaso de 1973 regresó al pulgarcito de América (título no oficial de El Salvador acuñado por Gabriela Mistral) con el seudónimo de Julio Delfos Marín.

 Se  integró  al Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP), cruzó las  montañas con la guerrilla hasta que, el 10 de mayo de 1975 muriera  asesinado por sus mismos compañeros. Aún no hay nada claro sobre  su asesinato, se  desconoce  en qué  lugar están sus  restos, en algunas  versiones se  le acusa de espía y de  formar  parte de la  Central Intelligence Agency  (CIA) lo cual es mentira— en   otras  lo  tildan de agente cubano  e incluso, de mujeriego  y borracho. Lo cierto es que Roque es el poeta  más reconocido de El Salvador. El imperdonable comprometido.

Los  hijos de los días,Eduardo Galeano, pp 156
Los hijos de los días,Eduardo Galeano, pp 156

 En  Los  hijos de los  días, Eduardo Galeano, le  dedica el  pasaje del 10 de  mayo, por otra parte la canción el Unicornio de  Silvio Rodríguez está dedicada a Roque, según un texto publicado por Silvio en 1982.

Todo empezó por un amigo muy querido que tuve, un salvadoreño llamado Roque Dalton, quien además de haber sido un magnífico poeta fue un gran revolucionario, compromiso que le hizo perder la vida cuando era combatiente clandestino”

—Silvio Rodríguez, Abril del 82 (Otras Inquisiciones, «La página de las Preguntas y las Conjeturas»).

 Como Roque, creo en la poesía, en la vida, en el amor y el amor a las  palabras, porque son el  re-descubrimiento del mundo, la re-creación, la re-apropiación de las dimensiones, son la posibilidad de concebir mil o mil millones de universos habitables, van de lo macroscópico a lo microscópico, de  lo subrepticio a  lo  supraterrenal, de la poesía al unicornio, del unicornio a la  revolución.

 “Y que mis venas no terminan en mí
sino en la sangre unánime
de los que luchan por la vida,
el amor,
las cosas,
el paisaje y el pan,
la poesía de todos”.

— Roque Dalton.

¿Te  interesa leer su poesía? pásale  por aquí

Sweatshop: moda barata de la muerte

Muchas veces, al observar la etiqueta de la sudadera que acabas de comprar en Forever 21 o cualquier tienda de ropa cuya marca sea reconocida a nivel mundial, además de las instrucciones de cuidado y la talla, encontramos el “Made in Vietnam”, “Made in Camboya” o cualquier país asiático que quizá ni nos pase por la mente que existe. Pero ¿alguna vez haz pensado quién estuvo detrás de la máquina de coser que hizo cada una de las costuras de esa sudadera tan padre que traes puesta? O, ya yéndonos muy al extremo, ¿cuánto ganó por ello? ¿cuántas horas trabajó? ¿le pagaron siquiera? Es bastante conocido que en los países de economía periférica (subdesarrollados) las condiciones laborales sean precarias y los salarios estén por debajo de las necesidades básicas del trabajador, sobre todo en industrias como la textil. Sin embargo, el tema se presta a una reflexión más allá de estas condiciones.

 En abril del presente año, el periódico noruego Aftenposten creó un reality show donde tres blogueros de moda de ese mismo país Anniken Jørgensen, Frida Ottesen y Jens Ludvig Hambro Dysand— viajarían al sudeste asiático por un mes, específicamente a Camboya, para conocer las condiciones laborales de quienes se encargan de coser la ropa que cada temporada está en los aparadores de tiendas como H&M. De este reallity salió una serie de 5 capítulos, titulada Sweatshop dead cheap fashion, los cuales, a modo de documental, muestran las condiciones laborales y de vida de los trabajadores. Los jóvenes tendrán que conocer las condiciones por ellos mismos, es decir, tendrán que sentarse por 12 horas frente a una máquina de coser y vivir con el equivalente a 3 dólares diarios para pagar el alquiler, la comida y la vestimenta. Cabe señalar que Sweatshop es una expresión inglesa utilizada para señalar a los talleres de explotación laboral (maquilas) que normalmente presentan condiciones precarias y salarios de miseria en los países tercermundistas, sobre todo asiáticos.

 Es muy importante señalar tres cosas de dicho documental. La primera sería el hecho de que estos tres jóvenes, provenientes de un país de primer mundo, pertenecen a la clase que tiene la capacidad de gastar hasta 600 euros al mes sólo en ropa. Ludvig, al principio del documental señala que compra mucha ropa y al final suele no usarla. Así que, desde aquí, podemos explicarnos en qué contexto se está desarrollando dicho documental y qué pretende reflejar en quien lo vea. La segunda cosa que llama la atención al mirar Sweatshop es el choque cultural entre el primer mundo y el tercero. Pensar Noruega y Camboya en un mismo plano parece difícil, sin embargo, en este caso podemos observar cómo se reconoce la otredad de los habitantes de Camboya conforme los jóvenes van conociendo sus condiciones de vida y la manera en que sobreviven. Y en un tercer plano, la forma en que los jóvenes visitantes tratan de entender la manera de vivir de quienes trabajan en las maquilas: dormir en un departamento de 50 dólares al mes con un sueldo de 3 dólares al día y comprar comida y enseres con ese salario. No debemos olvidar el hecho de que ellos se acercan a conocer las historias de algunos de los trabajadores y eso les impacta mucho, hasta el punto de remover las fibras más sensibles de su conciencia y sus corazones.

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 Este documental también señala las demandas reales de los trabajadores de la industria textil en Camboya. La lucha que actualmente llevan a cabo gira en torno a percibir un mejor salario: 160 dólares, lo cual les permitiría mejorar sus condiciones de vida, por ejemplo acceder a una mejor alimentación para no morir por no poder satisfacer las necesidades más básicas. Sin embargo esta lucha se ha visto truncada por amenazas de muerte y represión pero aún así persiste.

 Sweatshop intenta hacer conciencia respecto a nuestros hábitos de consumo. Actualmente es muy común ver que algunas empresas independientes tratan de fomentar un consumo de moda “sustentable”. Incluso empresas importantes de moda han puesto atención en el modo de producción de sus prendas y qué tanto afecta al medio ambiente. Sin embargo se presta muy poca atención a quienes se encargan de unir cada una de las piezas de una blusa, una chamarra. Se cuestiona muy poco el hecho de que quizás el valor de un solo abrigo de esos podría cubrir el gasto mensual de una familia de trabajadores de la industria textil.

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 Pensando nuevamente en las preguntas formuladas al principio de esta nota, Sweatshop hace mucho hincapié en este asunto. Es normal que a los jóvenes participantes del reallity les impacte mucho la pesada jornada laboral que a veces los trabajadores la completan incluso sin haber comido. Y es que la reproducción del capital va más allá de las condiciones de explotación: las conciencias también son explotadas a favor del mismo sin importar la clase social.

Qué terrible que la belleza del mundo se incendie de repente

1Encontrar-te
“Me encontraste mientras te buscaba”

Los amorosos callan. 
El amor es el silencio más fino, 
el más tembloroso, el más insoportable. 
Los amorosos buscan, 
los amorosos son los que abandonan, 
son los que cambian, los que olvidan. 

Su corazón les dice que nunca han de encontrar, 
no encuentran, buscan. 
Los amorosos andan como locos 
porque están solos, solos, solos, 
entregándose, dándose a cada rato, 
llorando porque no salvan al amor. 

2Complementos
“Encontrando-te”
Les preocupa el amor. Los amorosos
viven al día, no pueden hacer más, no saben.
Siempre se están yendo,
siempre, hacia alguna parte.
Esperan,
no esperan nada, pero esperan.Saben que nunca han de encontrar.
El amor es la prórroga perpetua,
siempre el paso siguiente, el otro, el otro.
Los amorosos son los insaciables,
los que siempre -¡que bueno!- han de estar solos.
Los amorosos son la hidra del cuento.

"Nos separa la nada"
“Nos separa la nada”
Tienen serpientes en lugar de brazos.
Las venas del cuello se les hinchan
también como serpientes para asfixiarlos.
Los amorosos no pueden dormir
porque si se duermen se los comen los gusanos.
En la oscuridad abren los ojos
y les cae en ellos el espanto.
Encuentran alacranes bajo la sábana
y su cama flota como sobre un lago.Los amorosos son locos, sólo locos,
sin Dios y sin diablo.
Los amorosos salen de sus cuevas
temblorosos, hambrientos,
a cazar fantasmas.
Se ríen de las gentes que lo saben todo,
de las que aman a perpetuidad, verídicamente,
de las que creen en el amor
como una lámpara de inagotable aceite.

Los amorosos juegan a coger el agua,
a tatuar el humo, a no irse.
Juegan el largo, el triste juego del amor.
Nadie ha de resignarse.
Dicen que nadie ha de resignarse.
Los amorosos se avergüenzan de toda conformación.
Vacíos, pero vacíos de una a otra costilla,
la muerte les fermenta detrás de los ojos,
y ellos caminan, lloran hasta la madrugada
en que trenes y gallos se despiden dolorosamente.

"Terrible"
“Terrible”

Les llega a veces un olor a tierra recién nacida, 
a mujeres que duermen con la mano en el sexo, 
complacidas, 
a arroyos de agua tierna y a cocinas. 
Los amorosos se ponen a cantar entre labios 
una canción no aprendida, 
y se van llorando, llorando, 
la hermosa vida.

— Los amorosos, Jaime Sabines

¿Acaso hay predador más peligroso que el humano?

Hace unos días recordé algunas animaciones que he tenido la oportunidad de ver, y pensando precisamente en una de ellas —que fue la que más me ha gustado hasta ahora, tanto en contenido como visualmente— me pregunté: ¿acaso hay predador más peligroso que el humano? La animación de la que hablo se llama “MAN” y es de Steve Cutts, un ilustrador y animador que radica principalmente en Londres.

 Man de Steve Cutts“MAN” es la animación más popular de Cutts y, aunque es aparentemente “simple”, genera en tres minutos toda una reflexión acerca de cómo hemos hecho una serie de destrozos al planeta, contaminando y aniquilando todo a nuestro paso, lo que a consecuencia nos está matando a nosotros mismos. A eso, sumado el consumo de FastFood y productos cada vez más procesados, que a su vez generan enfermedades que hace unos años ni siquiera existían. En sí, el mensaje es claro y demoledor: la inminente amenaza que somos para nosotros mismos.

 Steve Cutts también realiza ilustraciones, pinturas e incluso esculturas, que tienen como constante el cómo coexistimos con el medio ambiente, los animales y, por supuesto, entre nosotros.

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 Otros títulos de animación, son “In The Fall” y “How Will You Die?”, la primera trata sobre si realmente estamos viviendo nuestras vidas o sólo estamos sentados frente a un escritorio llenos de preocupaciones, frustraciones y carentes de anhelos viendo nuestra vida pasar cuando está a punto de concluir; la segunda trata de cómo elegimos morir de un ataque al corazón o un derrame cerebral por el puro gusto de fumar o beber, mientras vivimos una “buena vida” clase mediera estándar, mientras que al otro lado del mundo la gente muere por hambre, por falta de medicamentos o por VIH debido a la falta de dinero para poder comprar un preservativo, esos que son tan sencillos de conseguir aquí.

 En ocasiones, Steve Cutts hace uso de personajes icónicos como Mickey Mouse y Roger Rabbit, todo con el fin de satirizar y criticar el entorno de manera constante sobre todo a la sociedad norteamericana—, con el fin de concientizar a la gente de la forma en que las grandes corporaciones han hecho lo que han querido con nosotros con el fin de enriquecerse a costa de lo que sea.

Seis poetas revolucionarios de América Latina: Luchadores sociales


Poetas que hablaron para el mundo y para sí mismos, soñadores que alardearon de las letras para escapar de la mezquindad del sistema político, que inundaron las huellas de una dramática y controversial aventura que los llevó a navegar sobre los objetivos que ayudaban a vislumbrar la libertad como situación de urgencia del individuo. Banderas y símbolos patrios  que en su momento no les permitieron desenvolverse en su forma o en su juicio, ya que buscaban incansablemente otra situación social a partir de una palabra que parecía darles temor a muchos: Revolución.

 Los mártires que son  los esclavos de lo usual la clase alta, que se entiende como las personas que tienen más poder en el control del aparato gubernamental, los perseguían (y lo siguen haciendo actualmente) hasta el cansancio, con la finalidad de que no quedará rastro de su emblema. ¿Cuál era el hecho por el que eran ultrajados y exiliados? Simplemente porque iban de un lado que no era bien visto, porque ellos eran los grandes luchadores que denunciaban al opresor de diversas formas.

1.Jose Martí (1853-1895)

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“Dos patrias tengo yo: Cuba y la noche.

¿O son una las dos? No bien retira

su majestad el sol, con largos velos

y un clavel en la mano, silenciosa

Cuba cual viuda triste me aparece.”

— Fragmento de dos patrias.

 De nacionalidad cubana, luchó incansablemente por la independencia de su país. La palabra revolución formó parte de su gran itinerario, por lo cual en su revista “Patria libre” daba cuenta de los tiempos tan difíciles por los que pasaba Cuba. Perseguido y acechado por el Estado, fue presa de un encarcelamiento que duró seis años, aunque eso no fue impedimento para que la escritura le acompañase en ese tiempo que fue un calvario. Fue deportado a España y su arduo trabajo intelectual se representó en varias obras, en la cual destaca “La república española ante la revolución cubana”. Víctima del exilio, su viaje se postergó por toda América Latina. Camarada que se oponía a los lineamientos del mandato burgués.

2.César Vallejo (1892-1938)

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“Y, entre mi, digo:

ésta es mi inmensidad en bruto, a cántaros

éste es mi grato peso,

que me buscará abajo para pájaro

éste es mi brazo

que por su cuenta rehusó ser ala,

éstas son mis sagradas escrituras,

éstos mis alarmados campeñones.”

— Fragmento de epístola a los transeúntes.

 Perú su país natal, formó parte del gran sentimentalismo de este poeta. Preocupado por el bienestar social, dedicó gran parte de su obra a la gran encrucijada entre la vida y la muerte; el sufrimiento del hombre fue uno de los grandes temores que le acechaban, muestra de ello son “Los heraldos negros” que vislumbran la necesidad de una rebeldía interna en el hombre. En 1920 se le acusa injustamente y es llevado a prisión durante tres meses y medio.

3.Pablo Neruda (1904-1973)

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“AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano.

Cuando sujeto al corazón la espada,

cuando aguanto en el alma la gotera,

cuando por las ventanas

un nuevo día tuyo me penetra,

soy y estoy en la luz que me produce,

vivo en la sombra que me determina.”

— Fragmento de América, no invoco tu nombre en vano

 A pesar de las múltiples limitantes que sufrió por parte de su familia para dedicarse la poesía, el chileno no abandonó ese espíritu cautivador que lo hacia aferrarse a una nueva perspectiva de vida. Formó parte del cuerpo gubernamental de su propio país, sin embargo, detalles como la lectura sobre un fundamento de nombre “Yo acuso” que hizo delante del Senado le valió una detención arbitraria, por lo cual sale de su nación en 1949. Militante del Partido Comunista y ferviente acompañante de Salvador Allende.

4.José Revueltas (1914-1976)

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“Yo, que tengo una juventud llena de voces,

de relámpagos, de arterias vivas,

que acostado en mis músculos, atento a cómo corre y llora mi sangre,

a como se agolpan mis angustias

como mares amargos

o como espesas losas de desvelo,

oigo que se juntan todos los gritos

cual un bosque de estrechos corazones apretados;

oigo lo que decimos todavía hoy.”

— Fragmento de canto irrevocable.

 Originario de México, provenía de una familia intelectual duranguense que mostraba una preocupación constante por la lucha social. Fue miembro del Partido Comunista Mexicano, víctima de innumerables encarcelamientos, Revueltas siguió desempeñando el papel de un gran activista social que defendía a capa y espada los intereses de la clase menos privilegiada. Su gran aporte le mereció el Premio Nacional de Literatura en 1943. Lecumberri y las Islas Marías fueron lugares donde tuvo que callar mientras se le encarceló de una manera muy ruin, mientras que se le privaba de su actividad libertaria.

 5.Roque Dalton(1935-1975)

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“Cuando yo muera,

sólo recordarán mi júbilo matutino y palpable,

mi bandera sin derecho a cansarse,

la concreta verdad que repartí desde el fuego,

el puño que hice unánime

con el clamor de piedra que eligió la esperanza.”

— Fragmento de hora de la ceniza.

 Proveniente de una familia de origen norteamericano, Dalton manifestó su inconformidad hacia el contexto social que veía en el Salvador. Fue parte de los jóvenes revolucionarios de América Latina, además formó parte del Partido Comunista Salvadoreño en 1958.También fue víctima del acoso por  parte del gobierno, lo que originó una serie de encarcelamientos que no tenían las bases para respaldar el porqué de dichas detenciones. Después de dejar el Partido Comunista, forma parte en 1973 del Ejército Revolucionario del Pueblo. Fue asesinado por miembros de la guerrilla.

6.Otto René Castillo (1936-1967)

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“En mi país,

la libertad no es sólo

un delicado viento del alma,

sino también un coraje de piel.

En cada milímetro

de su llanura infinita

está tu nombre escrito:

libertad.

En las manos torturadas.

En los ojos,

abiertos al asombro

del luto.”

— Fragmento de la libertad.

 Activista de origen guatemalteco que se rebeló en contra de los principios opresores de un país que estaba constantemente en llamas. Fue parte de guerrilla “Fuerzas armadas rebeldes”. Trabajó arduamente con los campesinos y fue parte primordial de la lucha armada de Guatemala. Torturado vilmente por el Estado y a mandato del coronel Carlos Arana Osorio, muere en 1967.

 Personajes que no dudaron ni un segundo en clamar esperanza por naciones que sufrían de ultrajes hacia la vida. Sus poemas dieron el aliento suficiente para que muchos despertaran y oyeran de una manera diferente el canto de las aves en días de oscuridad que parecían infinitos. Gracias a sus letras, la voz hispanoamericana ha sido prolongada a través del grito ensordecedor que pide rebeldía y justicia para quiénes no tienen voz ni voto en un sistema que encarcela a los más conscientes.

Especial Ghibli: Cuentos de Terramar

Como mencioné en la nota anterior, la realización de la cinta El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) fue causa de muchos conflictos para Hayao Miyazaki, incluida una pelea con su hijo. Y es que por hacer esa película, el maestro tuvo que renunciar a un proyecto que se suponía iba a dirigir pronto, mismo que fue tomado por Goro Miyazaki, el hijo en cuestión. Miyazaki padre vio con malos ojos que un proyecto de tal magnitud le fuera encomendado a alguien que no tenía experiencia en la animación y cuya labor actual era la de dirigir el museo Ghibli en Japón, tenía sus dudas con respecto a esta decisión aunque el involucrado fuera de su misma sangre.

 A pesar de la negativa, sus colaboradores productores le dieron la oportunidad a Goro y fue así como nació la cinta Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006), basada en el primer volumen de las novelas escritas por la estadounidense Ursula K. Le Guin, misma que ya había negado el proyecto a otros directores (por lo mismo, este proyecto era muy importante). La historia trata sobre la travesía del príncipe Arren, un joven que huye de su hogar tras haber atacado a su padre el rey. En su camino conoce al archimago Gavilán, quien le brinda su apoyo en su camino, y eventualmente a Theru, una joven con quien establece una relación al principio hostil, pero luego de gran amistad. Juntos deben luchar contra el malvado Lord Cob (O Lord Araña, como fue traducido en nuestro país), en un mundo donde la magia y las criaturas legendarias son una realidad, siendo los dragones los más mencionados en la cinta.

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 Con un equipo de producción de primera, una banda sonora grandiosa hecha por Tamiya Terashima en donde se recurre a instrumentos medievales como la ocarina y la gaita, una de las canciones más recordadas y queridas del estudio y un director con nuevas ideas (y con el nombre de Miyazaki como plus), la película prometía mucho, de hecho en su semana de estreno fue la más taquillera, no obstante, su aceptación en otros sentidos no fueron demasiado espectaculares.

 Para empezar, la escritora del libro llegó a comentar que no consideraba que fuera una adaptación fiel a su obra, de hecho y aunque elogió la película y su aspecto gráfico, negó que esa fuera su historia, lo cual denotaba cierto nivel de decepción. Hayao, por su parte, también tuvo sus reservas ante el resultado. Nadie negaba que Goro había hecho una buena película, un proyecto que se notaba hecho con el corazón, con una animación impecable y unos escenarios más que bellos, de hecho están en la lista de los más hermosos de la filmografía del estudio. Sin embargo, todos coincidían en que a pesar de ello, algo había faltado.

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Probablemente se debía a la inexperiencia de Goro, tal vez a que muchas partes del libro fueron cortadas y otras quedaron sin explicarse y confundieron a la audiencia, o tal vez la inevitable comparación del padre al hijo fue causa de enormes expectativas que no quedaron satisfechas. La película no está mal, de hecho es muy buena, tiene unas secuencias de acción fascinantes y debo decir que incluso un toque de horror gótico que ya desearían producciones de alto presupuesto. Es maravilloso ver el estilo anime en una historia que parece llevarse a cabo en Inglaterra. Efectivamente no es una película que tenga todo ese sello encantador de Ghibli, pero tampoco es una que pueda ser descartada.

 Es una cinta muy aceptable, verdaderamente buena y un excelente primer intento para un director novato. Aunque pudiera ser que no había mucha experiencia, se nota que el talento de su padre está ahí presente. Goro Miyazaki se ha convertido actualmente en una de las más grandes esperanzas del Studio Ghibli, y al ver sus dos obras actuales puedo decirles que la empresa de su padre está en muy buenas manos.

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

CÁMARA
Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

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La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

Impresiones francesas sobre las cafeterías

LA NOUVEAUTÉ

Après avoir pris connaissance du cycle de production du café au Mexique, tu pourras maintenant savoir où aller te prendre un cappuccino, et l’histoire de ces endroits. Les cafés étaient le centre d’accueil des intellectuels. Tel Sartre et autres philosophes du début du XXème siècle, les cafés étaient le centre de débats, catalyseurs de passions. Ils permettaient de discuter -sous condition d’être discret- de politique, alors sous censure durant la dictature du général Porfirio Díaz.

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Le Café de Tacuba, dans le Centro Historico fondé il y a une centaine d’années (dixit le site officiel)

 L’avantage au Mexique, du moins à México City, est qu’un quartier regroupe une multitude de petits cafés. Contrairement à l’emprise du géant Starbucks en France, tu auras plus de choix et à meilleur prix. Tu pourras déguster ton café, cappuccino, macchiato, doble expresso à chaque pâté de maison – ou presque. Particulièrement à la Condesa, la Roma et Coyoacan les cafés foisonnent. Des cafés plus grands aux plus petits, bio ou pas, avec ou sans pâtisserie, à la mexicaine, française ou italienne, ouvert dans l’après-midi ou jusque tard dans la nuit, il y en a pour tous les besoins. 

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Une incitation proposée par le café La Procedencia: un client venu à vélo gagne un café!

 Je mentionnerai : le café Cielito Querido, qui m’a définitivement marqué l’esprit. Chaine de café mexicaine créée en 2011, on en trouve un peu partout à l’échelle nationale. Son concept se décline par un menu de boissons typiquement mexicain : cafe de olla,  cafe con cajeta o rompope, chocolate con chile…etc. Et, pour la déco : des proverbes mexicains écrits partout le long des murs, du comptoir, sur les produits qui se lisent comme des jeux de mots et font un doux rappel à l’enfance. J’ai adoré demandé à mes amis mexicains la signification de ces proverbes et les écouté me raconter leurs histoires de grands-parents, qui eux-mêmes leurs avaient appris ces expressions. Enfin, un café qui se défend au niveau des prix, de la déco, de la qualité et même de la quantité ; en plus de cela c’est mexicain et uniquement implanté au pays : je prends !

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Jeux de mots et proverbes au Cielito Querido: miettes d’amour (cf serviette en papier) et plus !

 Tu trouveras aussi les cafés-librairies. Ils regroupent, dans un même bâtiment : café, bibliothèque, scène pour des petits concerts et autres improvisations. Il fait bon s’y lover les soirs de pluie, réchauffée par l’ambiance douce et la quantité de livres qui garnit les étagères. Autres points positifs : les horaires étendues, de 21h30 à 23h30 pour la fermeture en semaine et la généralisation du wifi gratuit ! Là, on peut créer un vrai espace de détente. Pendant que tu savoureras ton café parfumé à la cajeta, qui est un sirop de lait caramélisé, je me fonderai dans un des fauteuils du café de mon quartier.

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L’intérieur cosy, joliment décoré d’un café du quartier de la Roma