Todo lo humano me es ajeno

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 TODO LO HUMANO ME ES AJENO

 

Sus charlas,

sus miedos,

sus rituales de apareamiento,

los santos de que son presa sin argumentos

El vaivén de palabras repetidas, hechas, recortadas,

hilvanadas, sucias, desgastadas,

sus construcciones, sus murallas…

                                                         no las entiendo

Lo humano y la cadena y el matrimonio, la oficina, la mortaja y la caja

en que girones de piel por egoísmo guardan.

para no dar su carne inservible a los perros,

 a las fieras, a los que se quedan

para alimentarlos, para del hambre pretender salvarlos

desde un ojo lejano los veo.

Les temo.

No les entiendo

la renuncia a la libertad

por la piel del árbol muerto el trueque de su libertad

 

 

Lauri García Dueñas y el tiempo como texto indescifrable

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El tiempo es un texto indescifrable

Lauri García Dueñas, Literal, México, 2012.

La temporalidad implica ciclos, reconocimiento, conteos, límites, categorías y rupturas; a su vez suele manifestarse en nuestra vida como un deseo de olvido y sanación, es un espacio en el que se hará todo y tiene la facultad de convertirse en un plazo para dejarlo. Este poema de múltiples cantos, logra la deconstrucción de la Ciudad de México (“sin ti bellas artes sería un tugurio”), es un estar y no estar continuo, la fragmentación de las nostalgias citadinas como vértigo erótico en la escritura de Lauri García Dueñas.

“…cuatro años fumándome al distrito federal comiéndome al distrito federal cogiéndome al distrito federal”

 

 

 Lauri llegó al Distrito Federal en 2006 y desde entonces se comenzó a escribir en su cabeza El tiempo es un texto indescifrable, en papel durante 2009 y se materializó en 2012; surge como ensayo del tiempo, la vida trepidante y otras veces abotargada que encontró en México, amor y desamor continuos, el libro es un tipo de ofrenda de parte de Lauri hacia la ciudad que la ha acogido y asfixiado al mismo tiempo.

       “…lloro porque el amor está de rodillas y alguien tiene que matarlo

pobrecito el amor

pobrecito” 

 

 

 La Ciudad de México y su soledad como escenario, ciudad mosaico, casi un monstruoso poema visual que se mueve a la velocidad de la luz, Lauri supo ver y traducir la poética defeña en cardúmenes de palabras con el tiempo como hilo conductor, el frenesí de la urbe hecho 52 poemas o un poema con 52 caras, como la depuración del mal de amores, “todo lo que nos pasó ya pasó que triste”, la protesta multitudinaria “ el tiempo es este grito colectivo que hará sangrar los tímpanos de quienes no quieran oírnos”, la soledad “un cigoto de frío vive en mi corazón” entre otras.

 Lo curioso con El tiempo es un texto indescifrable es que es un libro capaz de marcarnos el ritmo de lectura al prescindir de la puntuación, las palabras logran rebelarse y dirigir al lector, esto hace aún más rica la polisemia del poema, entonces, Lauri logra hacer del tiempo ,un grito sostenido en una progresión infinita de matices fractales.

 

“…descansaré a mi alma agrietada de años y le gritaré a la humanidad que todo ha valido la pena”

 

El tiempo es un texto indescifrable pertenece a la serie Limón Partido  de la colección de poesía de la Editorial Literal, es una  pieza digna de  leerse y  para  redescubrir  a esta  ciudad  entre  sus  ruinas y su velocidad, para hacer  del tiempo un texto, un vagón del metro o un “monje tibetano transbordando” luego también hacer del  texto,  el  alma,  y del alma  un indescifrable  pájaro  color fucsia.

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Lauri García Dueñas

 Lauri García Dueñas es oriunda de San Salvador, El Salvador. Nació en 1980. Es escritora y periodista, actualmente vive en México D.F. e imparte clases en la Universidad del Claustro de Sor Juana (UCSJ), se graduó como Maestra en Comunicación y Cultura por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

 Ha publicado los poemarios La primavera se amotina (2005)Sucias palabras de amor (2008), fue ganadora del Premio Interamericano de Poesía de Navachiste, Jóvenes Creadores de 2009 por Del mar es el ahogo (Editorial Praxis, 2011) y, El tiempo es un texto indescifrable (Editorial Literal,2012). También ha incursionado en el libro objeto con: Hombre mar y Mujer en el mar (2008)el desierto es verdeun error espectacular atravesado por avenidas e hipopótamos líquidos y Saigón. En cuanto a investigación periodística: Tribus Urbanas en El Salvador (El Faro,2011) y El asesinato de Roque Dalton Mapa de un largo silencio (Aura, 2012).

 También actualiza el blog laurigarcialuciernaga.blogspot.mx en el que puedes encontrar más sobre su vida y obra.

 

 

 

JOURS DE PAPIER: La sensual vida de Tania y Esteban

La vida en pareja suele ser algo complejo, que requiere mucha paciencia, amor y humor. Justamente Jours de Papier refleja esto.

 Se trata de una tira cómica completamente anecdótica de la vida en pareja de Tanía Camacho una dibujante, ilustradora y animadora y Esteban Martínez un programador, nutriólogo y chef; otros personajes recurrentes son su gatita Tita de 7 años que, como ellos mismos la describen, se la pasa echando la hueva, además de un peluche, el Señor Rodríguez que tiene personalidad propia y le gusta tocar a Esteban de formas inapropiadas.

 El humor de Jours de Papier es simple, y ha sido clave de su éxito pues los fans de esta tira se sienten identificados.

 Esta ingeniosa tira surge cuando Tania y Esteban tenían un diario en el que escribían pequeños detalles, vivencias y dibujos que a la pareja le acontecían, éste no era privado así que a uno de sus conocidos le pareció tan bueno que les sugirió que lo dieran a conocer a través de Facebook y así se ha convertido desde 2012 en una de las webcomics mexicanas más populares, entre jóvenes y no tan jóvenes, de ahí el nombre Días de Papel porque en un principio, efectivamente, la tira era en papel, por motivos de inmediatez es que todo lo hacen ahora de manera digital.

 Otra de las claves de su éxito ha sido la constancia como ellos mismos lo dicen, estar publicando de forma asidua; ahora incluso cuentan con el apoyo del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Por otra parte, cuentan con una tienda en línea, en donde pueden encontrar libros, pins, playeras, y hasta un juego de mesa.

Jours de Papier es de esos placeres simples que te harán reír y podrás pasar horas leyendo.

Ve mas tiras aquí.  o entra a la tienda en línea aquí,

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

Mar Océano

 

1

 

La tierra es la pecera de los dioses.

Todo lo que existe es, fue o será agua.

Océano: Borbotón de lágrimas y mar.

Cangrejos: Los humanos.

De mar a mar, el mal de amar.

El mar es la cóncava infancia del cielo,

vertedero del corazón hecho roca.

Roca y deseo.

El deseo es salinidad:   bebe más, debes beber más para incrementar la sed.

Sed-deseo, erosión a cuentagotas, palpitar de la arena por las olas que se van.

 

 

2

 

La luna ríe mientras Poseidón se hace un castillo de arena

Hay ruido en la playa y arena

arena, fragmentos de tiempo, latas de cerveza y pequeñas conchas.

arena, errores acumulados, condones usados y pequeñas conchas,

arena, mujeres desnudas, fuego petrificado, colillas de cigarro y pequeñas conchas.

Las olas golpean.

El castillo cae.

Poseidón sentencia:

 

Arena eres

y en arena te convertirás.

 

 

3

 

a Valeria

La musa medusa se pregunta :

¿De qué sirve nadar con alguien si no te electrifica la sangre?

Si no dibuja el agua hasta que el mar explote en caracoles. Los caracoles salieron del agua y con ellos el infinito, y con el infinito el sonido del mar que choca contra las rocas, espirales caracoles y desde entonces ballenas, la primera lengua fue el cetáceo, la más fina literatura pertenece a los delfines. Los delfines que chocan con los hambrientos tiburones y su poesía maldita. No canten sirenas, aquí no hay que explicar nada, sólo hay caos y cardumen. El   pulpo le pide calma a sus tres corazones en soledad, silencio, calma y silencio que aquí no desembocan los peces.

 

 

4

 

 El futuro es una boya en la que descansa un piquero de patas azules, el puerto al que no se arriba nunca. Naufragio el presente y salvación de mantarraya. Pasado de labios de coral, besos de arrecife. El mar es una mujer que se moja. Del abismal, el grito, el tsunami que no dijo nada, pero las gaviotas que no paran de hablar, ojos bahía,   mujeres marea, olas frotándose en el clitoral.

 

 

 

“Miles de mujeres”, el nuevo video de Álvaro Díaz

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El pasado 22 de diciembre Álvaro Díaz, el rapero boricua que desde el año pasado ha estado pegando duro en México y Puerto Rico respectivamente, estrenó su último video el cual corresponde al tema “Miles de mujeres”. Este tema, a dúo con el reggaetonero Randy Nota y producido por Young Martino, lo hemos podido escuchar desde hace unos meses en su cuenta oficial de SoundCloud, sitio donde se encuentran todas las rolas de Alvarito

 “Miles de mujeres” es uno de los temas más cursis y melosos dentro de las rolas de Álvaro, ya que su concepto es un poco más gangsta, sin embargo, este tema inspira a más de uno a dedicarlo. El video, dirigido por Edward “Shoury” Santana, está presentado a modo de film, donde el protagonista es Álvaro y una chica que aparece como su pareja. Al estilo de Pulp Fiction, los dos asaltan una cafetería y una tienda de autoservicio, mientras Randy y otra mujer los esperan en un auto

 Del trap, twerking y las groupies que siempre aparecen en los temas de Álvaro, con “Miles de mujeres” cambia un poco este concepto al hacer una “versión” de Bonnie y Clyde, la cual se ve reflejada a través del video, mismo que hasta el día de hoy lleva más de 21 000 reproducciones en YouTube.

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Especiales Navideños Animados: Parte 4

El canal de televisión de paga para niños, Cartoon Network, fue famoso durante bastante tiempo por los especiales de navidad que presentaba en épocas decembrinas. En dichos maratones contaba con algunas películas festivas, así como de capítulos navideños de sus series, las famosas Cartoon Cartoons. Desgraciadamente estos especiales ya difícilmente se encuentran en la programación del canal, sin embargo los que tuvimos la dicha de verlos los recordamos con cariño y nos queda claro porque esa etapa es considerada por muchos como la época de oro del canal.

 Dos de esas series eran el inigualable Johnny Bravo (Johnny Bravo, 1997); y de las mentes que nos trajeron maravillas como El Laboratorio de Dexter (Dexter´s Laboratory, 1995)y Las Chicas Súper Poderosas (The Powerpuff Girls, 1998), llegó una interesante propuesta de caricatura llamada Mansión Foster para Amigos Imaginarios (Foster´s Home for Imaginary Friends, 2004). La primera de estas caricaturas nos contaba las desventuras de un hombre atlético y bien parecido que a pesar de sus esfuerzos por ser atractivo para las mujeres terminaba siendo rechazado y hasta golpeado brutalmente por ellas debido a su carácter en ocasiones machista y a su no tan abundante inteligencia. La segunda caricatura trataba de Mac, un niño que tras haber creado a Blu, su amigo imaginario, lo lleva a una casa especial (una especie de asilo) donde estos amigos eran recibidos y atendidos; logrando así una colección de curiosos personajes que se volvían también colegas del muchacho.

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 Elegí estas dos series porque a pesar de que todos los Cartoon Cartoons tuvieron su especial de navidad, estas dos creo que tuvieron algo extra que aportar. En el caso de Johnny Bravo, el capítulo hace homenaje al cantico navideño “La Noche Antes de Navidad”, narrado enteramente en rimas nos relata la forma en que Johnny accidentalmente hiere a Santa Claus cuando lo confunde con un ladrón que intenta entrar a su hogar, y como castigo, debe tomar su lugar. Sí, es una premisa que ya habíamos visto en otros especiales, sin embargo no es la historia, sino la ejecución la que vale la pena destacar en este especial.

 El humor de la serie era exagerado y a veces crudo, digamos que una suerte de humor negro donde el personaje era torturado de mil maneras por miembros del supuesto “sexo débil”. En este especial es muy peculiar que ese elemento vital en el show (las mujeres) prácticamente no aparezca, al menos no como nos tenían acostumbrado. Aquí se destaca el amor a las mujeres pero desde el lado familiar, el lado navideño. Johnny muestra un gran amor por su madre al tratar de protegerla e incluso querer darle un gran obsequio de navidad. Pero no piensen que el humor s sacrificado por el lado tierno, hay mucho humor picaresco en este episodio. Cosas como un Santa gruñón hasta una esposa que se enfada con su marido por recibir un regalo equivocado (una prenda femenina destinada a alguien que no es ella) hacen de la noche buena de Johnny Bravo una opción muy divertida y agradable para ver.

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 En el caso de Mansión Foster la trama gira en la desilusión de Mac cuando su fe en Santa Claus comienza a desaparecer. Tras las burlas de su hermano mayor y otra serie de eventos que ponen en tela de juicio la existencia del gordito bonachón, el niño entra en crisis. Una escena muy destacable es cuando Mac, rezando, le pide a Santa que le dé una señal de su existencia; para ello, le dice que por esa ocasión su regalo consista en ropa interior (lo que nadie quiere recibir). Aquí me parece un gran referente a cuando la gente hace penitencia o renuncia a algo que desea con el motivo de su fe, en este caso reflejada en un niño que con tal de seguir creyendo, renuncia a sus juguetes.

968full-foster's-home-for-imaginary-friends-screenshot Además, es interesante pensar que un niño que vive en un mundo donde los amigos imaginarios realmente existen, que puede verlos, oírlos y tocarlos, pierda la fe en algo. Aquí nos demuestra una fase del ser humano donde a pesar de vivir siempre rodeado de magia, comienza a dejar de creer en ella. Quizá un guiño a la monotonía, quizá una crítica al ser humano de que no ve lo que tiene enfrente de su nariz, quizá sólo una historia navideña más. Sin embargo, el capítulo es en serio divertido y hasta conmovedor, y nos demuestra una de las más grandes lecciones navideñas, las cosas existen cuando nosotros hacemos que existan con nuestros sueños

 Si les es posible ver estos y más especiales de Cartoon Network, háganlo. Son episodios hechos para todo público y todas las edades. Un canal que en verdad se tomaba en serio la época decembrina y siempre buscaba satisfacer, mediante sus series originales, las expectativas de su público. Los invito a buscarlos y disfrutarlos, son una grandiosa opción que no los dejará decepcionados.

La reestructuración de los nuevos géneros cinematográficos

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Conforme fui creciendo, casi involuntariamente he tenido una visión malinchista hacia el cine mexicano, no porque genuinamente crea en ello sino gracias a los comentarios negativos y a la aversión de la escena mexicana del cine por una afinidad de gente a mi alrededor.

 Lamentablemente ha llegado a ser cierto, el cine mexicano carece de una imagen atractiva para muchos, debido a la constante tosquedad, vulgaridad y desfachatez que aparecen en él. A veces me pregunto si la falta no la tuvieron los mismos artistas contemporáneos (1982-2002) sino la generación mexicana educada por medio de una formación católica acostumbradas a un cine mas amable. Pero el arte es una reproducción de la realidad y la época de oro mexicano fue solamente una repetición cómica de la pobreza mexicana con figuras jocosas que hacían olvidar las penas que la misma audiencia vivía al momento de ver aquellas películas.

 En aquella época, el cine mexicano repetía la situación de pobreza e injusticias. Aun así, el publico tenia una gran variedad fílmica a escoger en los matinés y salas de cine gracias a los dramas y comedias con personalidades tales como Marga López o Mario Moreno Cantinflas. Se podía dar el lujo de ver otros géneros sin herir el mercado nacional.

 Con la llegada del nuevo milenio (Nueva era del cine mexicano) cineastas decidieron relatar la realidad mexicana sin tapujos. Registrando escenarios que se asemejaban a la situación critica de la delincuencia y criminalidad que embargaba la sociedad. Los mexicanos se evitaron ver el cine mexicano y prefirieron consumir el cine americano, al evitar escenas sexuales explícitas, lenguaje obsceno o situaciones violentas gráficas. Gracias al éxito de mexicanos en el extranjero, llegó a las escuelas de cine una nueva camada de estudiantes mexicanos que pronto harían que proliferarían el cáncer del cine mexicano.

 Al imitar géneros europeos, estudiantes trabajan el genero contemplativo donde la forma es la materia principal para contar una historia, dejando de lado al guion que fuera el cimiento de la obra cinematográfica. El cine mexicano deja de financiarse por los grandes estudios y comienza a financiarse por los mismos autores con la escasa ayuda del IMCINE o FIDECINE. Durante el 2013 el IMCINE solo otorga 9% y 20% en fondos para proyectos mexicanos los porcentajes se basan en las 1283 solicitudes para la producción de cortometrajes, de los cuales solo se llegaron a financiar 161 de ellos. De las 179 solicitudes para los largometrajes, solo 23 proyectos se llegaron a financiar. 249 millones espectadores asistieron a las salas nacionales en 2013, de los cuales 30.1 millones vieron películas mexicanas.

 Estas cifras alarmantes solo deben de concientizarnos, la audiencia mexicana no toma enserio el trabajo de los nuevos cineastas a causa de ciertos proyectos pretenciosos. No hay que confundir la simpleza con el arte contemporáneo. Debemos de tomar en serio el arte de hacer cine y dejar de utilizar la cámara como un recurso sino como una herramienta para la elaboración de nuevos esquemas. El cine mexicano debe de tener una reestructuración. Los maestros deben de empezar a enseñar a los estudiantes a tomar géneros del pasado, y así invitar a los estudiantes a formar una voz propia, y tomarse en serio el arte de registrar con el fin de contar historias que inspiren a una audiencia mexicana que necesita de un cambio social.

 La era digital nos alcanzó pero no hay que olvidar que debemos de hacer valer el tiempo que se dedica para hacer cine. Hay que tener una responsabilidad en el campo cinematográfico, y filmar dignamente con valor y respeto a este arte.

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Black Veil Brides llega a México otra vez

¡Ya era hora! Black Veil Brides regresa a México el próximo 19 de abril en el Pepsi Center WTC, así que BVB ARMY prepárense para disfrutar de una noche llena de música que hará a más de uno mover la cabeza.

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 En esta ocasión escucharemos su último álbum, Black Veil Brides IV, que fue lanzado el pasado 27 de octubre y del cual se desprenden dos éxitos: Heart Of Fire y Goodbye Agony.

Los boletos ya están a la venta en sistema Ticketmaster y con ello el nuevo disco, que se entregará el día del concierto en las mesas de canje. La sorpresa de todo esto es que 100 discos incluirán un cupón dorado que se podrá cambiar por un Meet and greet con BVB después del evento.

Aquí los costos:
Sección A-$620 + cargos por servicio
Sección B-$370 + cargos por servicio
Sección C-$570 + cargos por servicio
Sección D-$470 + cargos por servicio
VIP-$900 + cargos por servicio (incluye poster edición limitada)

Compra tus boletos aquí

Recuerda, la cita es el 19 de abril a las 20:00 horas en Pepsi Center WTC (Dakota S/N, Colonia Nápoles)

 

 

 

 

Mark Lovejoy y la representación abstracta en el arte

crédito: Mark Lovejoy

Una de las cosas más ingeniosas del ser humano es la creación de herramientas o utensilios que le permitan una vida más fácil. Sin embargo, y a pesar de los años, el método de creación se ha relacionado con la invención y la inteligencia. Y, en efecto, esto resulta en lo que muchos llamamos arte, moda o diseño.

 Todo comienza en la cabeza. La idea, la abstracción. La materialización, como ya lo he escrito en artículos anteriores, de esta abstracción resulta ser la pintura, la fotografía o una colección completa. Basta con sólo observar qué es lo que han hecho los humanos para vivir como vivimos actualmente.

 Mujeres, hombres todos en un mismo canal de comunicación. Diferentes códigos y lenguas, pero las ideas son comunes. Cuando se trata de una abstracción no importa de dónde vienes o quién eres (esto en un mundo utópico e ideal, pues existen aún prejuicios étnicos o raciales que impiden la formación de productos artísticos, de moda u otros en general) lo importante es qué presentas y cómo expones tu idea al mundo.

Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy

 Sería muy optimista pensar que las posibilidades de un artista para presentar su obra son incalculables, sin embargo, y pienso que gracias a la capacidad tecnológica, los artistas contemporáneos de todo el mundo son conocidos gracias a microblogs, medios especializados digitales y toda aquella gama de posibilidades electrónicas que se han perfeccionado en la última década.

 Y es justo lo que Mark Lovejoy hace en su estudio. Este artista proveniente de Texas se encarga de crear e inventar nuevas formas de llevar una idea abstracta a lo material o al exterior del cuerpo humano, de la mente. Su técnica: usar resina, aceite, cera y pintura para mezclarlos y realizar combinaciones que significan algo más que figuras o ideas explicitas como un animal o un cuerpo humano.

Crédito: Mark Lovejoy

 Las representaciones de este artista plástico tienen la característica de crear con los colores múltiples sensaciones, además que estas no son pinturas, sino fotografías de las mezclas que realiza. A su vez, el periodista James Cartwright, en su sitio web (que podrás ver aquí) ha mencionado que el trabajo de Lovejoy es un híbrido en el terreno de lo digital y plástico. Las fotografías sufren mínimas modificaciones digitales para darle efecto y sentido a lo que busca Jovejoy.

 A su vez, el artista texano declaró en el portal web del periodista londinense sobre su trabajo: “These are not photographs of paintings – no paintings exist. These images are of something as fleeting as any street scene or sunset the photographic record is all that remains . . .”

 Sin duda, las representaciones de Lovejoy permiten que sus ideas abstractas sean tan abiertas que el significado en sí de la obra no sea sólo horizontal. Cada persona lee diferente lo que está presentado, hay diferentes emociones, sentimientos y percepciones cuando se ve una obra de Mark Lovejoy.

Crédito: Mark Lovejoy

Para conocer más de la obra de este autor y adquirir alguna de sus obras, pincha aquí. 

De Broadway a México: Los Locos Addams

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Definitivamente no te puedes perder las últimas presentaciones de Los Locos Addams, el exitoso musical de Broadway estrenado en 2010, cuya adaptación en México produce Tina Galindo y Claudio Carrera.

 Con las actuaciones de Susana Zabaleta y Jesús Ochoa en los papeles de Morticia y Homero, y otros 30 actores en escena se revivirá esta aclamada historia que es conocida por chicos y grandes. La música y letras son de Andrew Lippa y el libreto de Marshall Brickman y Rick Elice.

 Tienes hasta el 18 de enero para poder disfrutar de este magnífico evento en compañía de tu familia, ¿dónde?, en el Teatro Insurgentes (Insurgentes Sur #1587), compra tus boletos aquí.

Ambulante en Vive Latino 2015

Hace unas semanas se dio a conocer el cartel completo del festival Vive Latino para su edición número 16, próxima a llevarse a cabo en 2015. Decenas de bandas distribuidas en los tres días de duración de este evento, del 13 al 15 de marzo.

 Sin embargo, aunque el hecho de que se reúnan proyectos nacionales e internacionales es, como tal, la meta primordial y el objeto de la realización de un evento de esta magnitud, se convierte también en motivo de congregación de distintos círculos y disciplinas que convergen en la misma línea temática: la música.

 Ejemplo de ello es el trabajo en conjunto que Vive Latino ha desarrollado con Ambulante, evento cinematográfico enfocado de lleno a la difusión de material documental, cuyas proyecciones circulan a lo largo de distintas sedes en todo el país durante meses. Ambulante hace una parada especial dentro de un espacio que poco a poco se ha ido incrementando y consolidado durante su participación activa en el marco de este Festival.

 La llamada Carpa Ambulante es considerada ya parte de la tradición del Vive Latino, y ofrece una distinguida lista de títulos particularmente dirigidos a los amantes del mundo de la música, público asiduo que también ha forjado en sus proyecciones dentro y fuera de los días que dura el festival. A continuación te presentamos la selección que esta gira de documentales ha destinado para proyectarse en los tres días del Vive Latino:

 

20 000 Days on Earth (20 000 días en la Tierra)

Dir.: Iain Forsythy y Jane Pollard

Es una producción de 2014 que retrata un poco de la vida cotidiana del músico australiano e ícono contemporáneo Nick Cave. Es etiquetado como docu-drama puesto que, pese a tratarse de un documental, se combina con una ficción cuya particularidad es que fluye sin guion alguno, por lo que el producto final resulta poco más provocador al crear del propio Cave un personaje en sí mismo. Se muestran parte de sus procesos creativos y hay apariciones de figuras importantes en la vida del artista, como Kylie Minogue, quien fuera pareja del también actor.

 

A Band Called Death (Una banda llamada Death)

Dir.: Jeff Howlett y Mark Covino

En uno de los pósters que promociona este documental, se lee: “Before there was punk, there was a band called Death” (“antes de que hubiera punk, hubo una banda llamada Death”). Situado en la década de 1970, narra la historia de una banda llamada así, Death, conformada por tres hermanos adolescentes que lograron grabar un single y hacer algunas presentaciones, pero debido al auge de la música disco en aquella época, su proyecto padeció el (des)atino de adelantarse a su tiempo, y se disolvió antes de lograr grabar un álbum. Death recibe hasta ahora la atención y reconocimiento que no le fueron concedidos antes, y es nombrada como la verdadera banda pionera del género.

 

Björk: Biophilia Live (Björk: Biophilia en vivo)

Dir.: Peter Strickland y Nick Fenton

En poco más de hora y media de duración se registra uno de los recitales que tuvo lugar en Londres y que fue parte del tour que trajo consigo la última entrega discográfica de Björk llamada precisamente, Biophilia, en 2011. Queda de manifiesto la sublime esencia de la descomunal artista islandesa, y hace al público parte de la atmósfera que crea sobre el escenario, con estrafalarios vestuarios, armioniosos juegos de luces y aquella inconfundible voz de fondo.

 

The Devil and Daniel Johnston (El diablo y Daniel Johnston)

Dir.: Jeff Feuerzeig

La vida de Daniel Johnston, artista maníaco-depresivo, parece destinada a las caídas y los tropiezos. Esto, a la par de su padecimiento de bipolaridad, es en gran parte responsable del talento que el estadounidense ha desarrollado desde joven, participando activamente en el cine y la música, además del dibujo. Un retrato de Johnston que muestra cómo la locura puede ser perfecta compañera de la lucidez creativa. Una suerte de alterego, tal y como lo sugiere el propio título de este documental, en circulación desde 2005.

 

 Everything Will Change (Todo va a cambiar)

Dir.: Justin Mitchell

¿Quién no habrá escuchado aquella memorable canción llamada Such Great Heights? Parte del álbum Give Up, de The Postal Service y firmado bajo el sello discográfico Sub Pop. Pese a la popularidad adquirida, esa fue la primer y única placa que materializó el grupo integrado por Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie), Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis. La mayoría de sus nuevos fans nunca pudieron verlos en vivo por lo que, para celebrar la primera década de vida del mencionado álbum, la disquera lanzó una versión extendida y la banda se reunió para salir de gira alrededor del mundo. Este documental muestra entrevistas íntimas y material de archivo tras bambalinas.

 

For Those About to Rock: The Story of Rodrigo and Gabriela

Dir.: Alejandro Franco

Este documental, dirigido por uno de los periodistas musicales actuales más reconocidos, cuenta el ascenso del dúo de músicos independientes. Es la historia de Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, mexicanos que a temprana edad decidieron tomar el riesgo de perseguir sus sueños y vivir haciendo lo que más aman: música. Un inspirador y extenso viaje que les ha llevado a tocar desde en hoteles y restaurantes, hasta en algunos de los escenarios y festivales más importantes del mundo.

 

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky (¿Es feliz el hombre que es alto?: una conversación animada con Noam Chomsky)

Dir.: Michel Gondry

“Un filme, un documental, una conversación”. La más reciente producción de Michel Gondry presenta una serie de entrevistas con el lingüista y filósofo Noam Chomsky. Es un documental animado que, con la ayuda de alucinantes y coloridos dibujos —creados por el propio realizador francés—, construye un retrato de Chomsky como profesor eminente y como hombre común. Una conversación hasta cierto punto compleja, donde la creatividad y la imaginación sirven para suavizar el rigor intelectual.

 

Last Days Here (Últimos días aquí)

Dir.: Don Argott y Demian Fenton

Bobby Liebling lleva 36 años definiendo qué es el hardrock a través de su banda Pentagram. Momentos de autodestrucción, conflictos entre sus miembros e infructíferos acuerdos con disqueras parecen haber condenado a la banda a la oscuridad musical. Después de pasar décadas escondido en el sótano de sus padres, por fin la música de Bobby es descubierta por la escena underground del heavy metal. Con la ayuda de Sean “Pellet” Pelletier, su amigo y manager, Bobby lucha por vencer a sus demonios.

 

Living Stars

Dir.: Mariano Cohn y Gastón Duprat

En Buenos Aires, Argentina, se documenta a decenas de personas reales, de todas las edades e identificadas con su nombre y profesión, bailando en espacios cotidianos de la ciudad sudamericana. Los dos realizadores de esta producción viajaron con su cámara al hogar de diversas personas, y les pidieron que escogieran una canción y la bailaran durante el tiempo que durara. Secretarias, administradores, instructores de judo, dentistas, estudiantes y niños bailan frente a la cámara, dando como resultado un documental poco convencional y sin diálogos.

 

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados)

Dir.: Florian Habicht

Estrenado en México en el marco de la pasada edición del Festival de Cine de Guanajuato, el documental de la banda liderada por Jarvis Cocker cuenta la historia detrás de una de las presentaciones de la agrupación que tuvo lugar en Sheffield, en 2012. Este lugar que, junto con la banda es “uno mismo”, según el propio Cocker. En este material audiovisual se incluyen entrevistas a los fans en espera del mencionado recital, además de pequeños gestos que precisan con dedicación la esencia PULP.

 

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

Dir.: Francesc Relea

La historia da incio junto al mar y continúa en un viaje sigue a los dos artistas, cómplices y amigos, a la par de Dos pájaron contraatacan (un tipo de “secuela” de la gira Dos pájaros de un tiro, que tuviera lugar previamente, en 2007), gira que desarrollaron en conjunto ambos artistas, en 2012. “Serrat es el símbolo. Viaja por América Latina desde hace 45 años. Además de la huella que dejó en su exilio mexicano, en Argentina y Chile sigue vivo el recuerdo de su compromiso contra los regímenes militares (…) Sabina es el cuate: el amigo, el colega, el cómplice para los mexicanos”

 

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Supermensch: la leyenda de Shep Gordon)

Dir.: Mike Myers.

Mike Myers aborda la carrera de un íntimo conocedor de Hollywood, el talent manager Shep Gordon. Tras aparecerse y adentrarse en el mundo del entretenimiento, Gordon hace amistad con Janis Joplin, Jim Morrison y Jimi Hendrix, y fue manager de Alice Cooper, Blondie, Luther Vandross, Teddy Pendergrass y Pink Floyd… por nueve días. El documental acecha la transformación de dicho personaje desde su época de hedonismo en la década de los 60, hasta el practicante religioso que se ha convertido ahora.

 

We Don’t Care About Music Anyway (De cualquier forma la música no nos interesa)

Dir.: Cédric Dupire y Gaspard Kuentz

Desde un  tornamesas, pasando por innovación musical desde una laptop y a través del robo o sampleo de música clásica, la escena avant-garde musical de Tokio confronta música y ruido, sonido e imagen, realidad y representación, documental y ficción. Esta producción muestra cómo más allá de la música y de su interpretación, el futuro y modo de existir de una ciudad, y de su sociedad en sí, está en su movimiento.

Ambulante, que en ediciones anteriores del Vive Latino ha agasajado a sus consumidores visuales con joyas como Blur: No Distance Left To Run y The Libertines: There Are No Innocent Bystanders en 2012, The Chemical Brothers: Don’t Think y Searching for Sugar Man en 2013, y Peaches Does Herself y The Punk Singer, deja altas expectativas tras revelar su selección para 2015. Ya, que llegue marzo.

 

| Para más información, consulta:

Ambulante

Vive Latino

Amor así

Mi pensamiento ha adquirido las dimensiones
del espanto y el castigo: es ya unas tijeras
que podan mis mínimas capacidades,
ya una silla eléctrica que se activa si vuelvo a pensar en ti.
(¿Y el corazón? ¡Una bomba de tiempo…!)

Hay días últimamente
en que me siento a la orilla de mí mismo
sólo para esperar verte pasar;
en los que el aire, por mí enrarecido, apaga las pocas señales
que me atrevo a encender buscando tu atención.
Hay noches de plomo. Que aplastan…

Quiero ir a donde tú vayas,
seguirte como un perro babeante, pero cariñoso,
que retoce dando vueltas a tus pies
buscando tu mínima caricia.

Y porque te amo a sangre fría…
Salgo de mí, voy en tu persecución
como una alondra queriendo disparar al cazador.
Pero no pretendo asesinarte;
sino sólo hacerte un poco de daño,
por comprobar que existes.

De: Sangre en la comisura de tus labios (Teatro)

 

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Sangre en la comisura de los labios apuesta por los espacios alternativos y toca a la azotea del círculo teatral albergarla. En lo personal tengo preferencia por el riesgo que trae consigo el apartarse de la comodidad que conceden la cámara negra, y la butaquería; ahora que el riesgo no es total puesto que sucede dentro de un recinto teatral, y aún no deja de agradecerse, porque uno llega a otra realidad, a otra dimensión en que la posibilidad se entrega desde la carga del espacio. La obra, por cierto, inaugura el espacio de “El círculo Teatral”, denominado: Teatro de azotea. Bien por ellos.

 Uno transita de una realidad a otra a medida que se suben unas escaleras y se llega a un descanso, otras escaleras y un cuarto con una puerta de madera desvencijada, adentro, el olor a alcohol es fortísimo, el olor aquel que llena las fosas nasales invita de un modo muy efectivo a sentir de otro modo el espacio, a tratar de interpretarlo, traducirlo, acostumbrarse a él. Ubicar las botellas de las que procede, como si algo hubiera ya pasado ahí antes, algo que no vimos. Que refuerza la expectativa.

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 Un hombre sale de bañarse, se acicala, se viste, parece que espera que algo llegue, o tal vez que  teme el arribo, al cabo de un rato efectivamente llega alguien más y  lo que se presencia es una carga, un suceso condenado a repetirse, cosas que salieron mal, decisiones erradas, un estancamiento. La metáfora de Arturo Honorio  (dramaturgia y dirección) funciona aún teniendo en cuenta que es una fórmula  ya muy  hecha y probada en teatro. Lo de la repetición del suceso, digo…

 Las actuaciones: Monicca Gómez, Damián Cordero* y Jaime López* (*Alternando).  Los actores apuestan por la naturalidad (suficiente), la actriz llora bien eso sí, por si tenían pendiente. La asistencia de dirección y de producción va a cargo de Gerardo Vázquez (topo) a quien no le dudamos un segundo la eficiencia ya antes bien comprobada, se respetan los códigos de ficción y el rompimiento resulta efectivo, efectivamente rompe y concede un descanso de tanto lo mismo dicho de modos distintos y en posiciones diferentes y cada vez más arriesgadas.

 La obra vale la pena, vale la pena presenciar el riesgo, la apuesta. Es cooperación voluntaria, y Honorio por cierto, es becario del programa de estímulo a la creación y desarrollo artístico de Tamaulipas. Hay que tener en cuenta, si se hace el arribo en automóvil, no  olvidar el pago del parquímetro, para no tener que lidiar con la araña y pagos innecesarios (aunque el parquímetro ya lo sea en sí mismo). El círculo teatral tiene una cafetería en que tranquilamente se puede esperar el inicio de función  con café o comida y está bastante bien ubicado. La  selección de puestas de “El círculo…” es altamente efectiva y uno no sale arrepentido de la asistencia.

No se la pierdan…

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El fotoperiodista y la invasión de la realidad

El trabajo de un fotoperiodista consiste en estar en el lugar y momento correcto, donde fortuitamente se es parte de un instante significativo al registrar una situación clave en la historia. Si bien podemos nombrar varios ejemplos donde la casualidad y el ingenio de los fotógrafos han servido para capturar las imágenes más memorables, no está de más el preguntarnos sobre aquella delgada línea que éstos cruzan al fotografiar tales sucesos, donde se invade la privacidad entre la entidad y su contexto.

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Masacre en el centro comercial de Westgate. Fotografía tomada por Tyler Hicks, para The New York Times, en Nairobi Kenya.

 En una situación tan delicada donde los actores se encuentran en el momento más vulnerable de sus vidas y se toma la decisión de exponerlos al escrutinio publico, el fotógrafo toma la decisión de no intervenir mientras el suceso transcurre. ¿Es acaso el no intervenir considerado una falta? ¿Cómo te separas de ti mismo para llegar a cumplir este importante trabajo? Es uno de las labores más difíciles; cubriendo guerras ajenas y luchando por causas perdidas. El fotoperiodismo nos ha brindado fotografías memorables que nos han transportado a los lugares más sorprendentes sin olvidar lo más trascendental, ellas han hecho que nos invadan recónditas emociones, al poder identificarnos con situaciones las cuales culturalmente seria imposible el poder experimentar, son las emociones humanas como la desesperanza, la indignación o el sufrimiento, las cuales nos hacen conectarnos con personajes tan opuestos a nosotros.

Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.
Víctimas del crimen organizado. Fotografía tomada en Saltillo Coahuila por el mexicano Christopher Vanegas, ganador en World Press Photo 2014.

 El fotoperiodista siente una gran obligación al cubrir eventos fundamentales, es con su cámara con la que hará publica la historia en desarrollo. La arbitrariedad de la situación no recae en si el fotógrafo interviene o no para evitar que algún acto atroz siga en marcha, todo depende del cristal donde se mira. Lo que el fotoperiodista padece es una identificación con los sujetos que viven tales circunstancias, al experimentar las inmoralidades que ellos coexisten. Las mismas injusticias lo llaman a que formen parte de ellas y se unan en una batalla por la búsqueda de los derechos humanos. Sin embargo, hay que rescatar la imparcialidad en el cual el fotoperiodista debe de regirse. La objetividad ayudará a que con las imágenes se creen historias, las cuales el espectador descifrara e interpretará según las opiniones y objeciones personales. Es así como no hay ningún desperfecto en el ejercicio, solo cabe destacar el ingenio visual el cual nos hará ser participes culturales gracias a la valiente labor periodística, un impulso en la defensa de la verdad al exponer la divergencia social y cultural actual.

Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Víctimas del colapso de fábrica de prendas. Fotografía tomada por Taslima Akhter en Dhaka, Bangladesh.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.
Chicos albinos ciegos. Fotografía tomada por Brent Stirton.

Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Panic! At The Disco viene a promocionar su nuevo álbum

Dentro de las muchas bandas anunciadas para el próximo año no podía faltar Panic! At The Disco, la agrupación estadounidense que pisará nuevamente tierras aztecas el 28 de febrero del 2015, promocionando su más reciente material Too Weird To Live, Too Rare To Die.

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Este álbum ha debutado en la Billboard 200, después de vender 85000 en la primera semana, así que no puedes perderte esta presentación que se llevará a cabo en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

Aún tienes tiempo para comprar tus boletos, que van de $350 a $800 y disfrutar de los éxitos como I Write Sins Not Tragedies, Nine In The Afternoon, The Ballad of Mona Lisa, entre otros.

La última vez que vino Panic! At The Disco fue en enero de este año, en la primera edición del Indio Alter Rock Fest, que se llevó a cabo en la Arena Ciudad de México. En esa ocasión compartió escenario con Fall Out Boy, New Politics, Bosnian Rainbows, entre otros, pero esta vez será diferente, será un concierto exclusivo para disfrutar del sonido tan característico de esta banda.

Recuerda, la cita es el 28 de febrero de 2015 a las 20:00 horas en el Pepsi Center (Dakota S/N, Colonia Nápoles), para comprar tus boletos da click aquí

 

Electro Daisy Carnival: 12 horas de pura música

Captura-de-pantalla-2014-03-18-a-las-13.45.30-640x339Si contamos la cantidad de eventos musicales planeados para el próximo año a estas alturas ya nos hacen falta dedos, pero no importa, porque a esa larga lista se suma EDC México, sí, por segunda vez llega Electric Daisy Carvinal a nuestro país, el cual se llevará a cabo el 28 de febrero y 1 de marzo en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Entre los artistas invitados se encuentran Annie Mac, Climbers, Datsik, David Guetta, Goshfather & Jinco, Gta, Lemarroy, MCD & Castaneda, Moon Boots, Orjan Nilsen, Rickber Serrano, Sasha, Tiësto, entre muchos más. Para que no pierdas ningún detalle del evento entra aquí.

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Compra tus boletos aquí, las entradas ya están en fase 4. No pierdas la oportunidad de ir y disfrutar de este magnifico evento en compañía de tus amigos. Dos días llenos de música, baile y mucha buena vibra.

Recuerda, EDC será el 28 de febrero y 1 de marzo en el Autódromo Hermanos Rodríguez (Viaducto Piedad y Río Churubusco s/n) a las 14:00 horas.

 

Y para que te animes, aquí una probadita de cómo estuvo EDC este año.

 

Aún tienes oportunidad de ir: Obsesión Infinita

Si aún no te has dado la oportunidad de ir, te quedan unos días para ver una de las exposiciones más polémicas que ha llegado a México, Obsesión Infinita de la artista Yayoi Kusama.

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Recuerda que tienes hasta el 18 de enero para disfrutar de la primera muestra retrospectiva que llega a América Latina y perderte en un mundo lleno de lunares y colores.

Con más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013 que incluyen pinturas, esculturas, videos, intalaciones y trabajos en papel, se presenta la trayectoria artística de Kusama que va del ámbito privado a la esfera pública.

No lo olvides, la cita es el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51) de martes a domingo de  10:00 a 18:00 horas.

La poesía armada hasta los dientes: Miguel Hernández

 

 

 

“No, no hay cárcel para el hombre.

No podrán atarme, no.

Este mundo de cadenas

me es pequeño y exterior…

…Libre soy. Siénteme libre.

Sólo por amor”.

— Miguel Hernández (Antes del  odio)

 

 

Las  montañas de Orihuela, la  yunta de  cabras, el  pasto, el amor, la muerte  y la  vida  son los  ingredientes que nutrieron  al niño pobre que  escribía sobre el lomo del  ganado, aquel de la casa  pintada y nunca vacía, el hombre  con  oficio de  poeta que durante la  Guerra  Civil  Española y el  fango de  las  trincheras del  bando  republicano, afiló su  pluma, un personaje que quiso arrancarse de cuajo el  corazón en  cada  palabra, el hombre  que  se  llama barro, la  muerte  enamorada,  aunque Miguel lo  llamen.

 

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En el centro de la parte superior, Miguel Hernández en la escuela Ave María.

Miguel  Hernández  Gilabert o simplemente  Miguel Hernández  nació el 30 de octubre de 1910 en  Orihuela, Alicante. Proveniente de una  familia  con  recursos  limitados, estudió la primaria  en la  escuela  para  pobres anexa al Colegio de Santo Domingo, Ave María. Su papá era un pastor  de  cabras,  así  conoció el valor del trabajo desde muy niño, motivo por  el cual tuvo  que  abandonar  sus  estudios en  diversas  ocasiones.

 Su  acercamiento a  la poesía sucedió de  manera  temprana, acompañado por José Ramón Marín Gutiérrez  mejor  conocido  como Ramon Sijé -quién fue  su  gran  amigo- Miguel cultivó sus  inquietudes literarias y políticas a su lado, se  esforzó en ser autodidacta con los libros que conseguía en la biblioteca del Círculo de Bellas Artes, orientado por el clérigo Luis Almarcha,  descubre a  autores  como  Cervantes, Lope, Calderón, Góngora, Paul Valery, Garcilaso y Antonio Machado. Sijé, quien fue estudiante de derecho en la universidad de Murcia, resultó  fundamental  dentro  de  la  vida  y  obra  de  Miguel Hernández, orientó  su  lectura hacia los clásicos y la poesía religiosa, también lo alientó  a desarrollar su habilidad creadora que,  para  entonces,  veía  la luz  sobre  papel  destraza,  mientras  las  cabras  pastaban en  la  montaña.

“No quiero morir -dormir-,
no quiero dormir muriendo
en la sagrada tierra estéril…
¡Yo quiero morir viviendo!”

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Miguel Hernández

 Para inicios de la década de 1930, Hernández publica algunos poemas en el semanario El Pueblo de Orihuela y el diario El Día de Alicante.  Pronto su nombre hizo eco en  revistas y diarios locales. En el amanecer de  esa  década, viaja por  primera vez  a Madrid  donde ya  es  conocido  el mote de “cabrero-poeta”; el impacto de la  capital mezclado  con sus  influencias  literarias  y su infancia dan como  producto  a su  pirmer  obra, Perito en lunas (1933). Un  crisol  de  una poética épica-mística como  muestra  inexorable  de  un estilo, la  capacidad de  agencia  del  poeta, había  llegado  para  quedarse.

“Pero al fin podré vencerte,
ave y rayo secular,
corazón, que de la muerte
nadie ha de hacerme dudar.
Sigue, pues, sigue cuchillo,
volando, hiriendo. Algún día
se pondrá el tiempo amarillo
sobre mi fotografía”.

Después  de su  auto-afirmación,  regresó  a Madrid para  conocer a Josefina  Manresa – quien sería  su mujer-, más  tarde publicó El  rayo  que  no  cesa (1936) , obra  que  aún mantenía  los  rasgos  de métrica, misticismo  y  formalidad que  hasta  entonces eran distintivos de Hernández, posteriormente conoció a  Pablo Neruda y  Vicente Alexaindre quienes  influirían de  manera definitiva  en su  estilo, le  abrieron  el campo del verso  libre  y el surrealismo, se alejó de  sus  creencias  religiosas, desde  entonces,  se vio a si mismo como  poeta del  y para el pueblo.

España  pasaba  entonces  una  inestabilidad  política  y efervescencia social importante. La  Guerra  Civil  estaba en puerta,  Ramón Sijé  había  muerto  en 1935 y Miguel  le dedicó una elegía  que se distinguría  de  la  poesía de  su  tiempo en El rayo  que  no cesa.

“No perdono a la muerte enamorada,
no perdono a la vida desatenta,
no perdono a la tierra ni a la nada…
…Quiero escarbar la tierra con los dientes…
…Quiero minar la tierra hasta encontrarte
y besarte la noble calavera
y desamordazarte y regresarte.” 

Al  estallar  la  guerra, Miguel  tomaría  partido  en el  bando  republicano,  el 18 de septiembre de 1936 se  alistó en el 5º regimiento, se  alejó del Hedonismo académico que practicaban Rafael Alberti y Luis Cernuda, por eso se  fue  a combatir, a ver  caer  a su compañeros  y amigos, sin embargo,  más  tarde  fue  designado Comisario de Cultura del Batallón de El Campesino. En  esta  época  su  poesía se  volvió  una llama de  denuncia, que se  plasmó en sus obras Vientos del pueblo (1937) y El hombre acecha (1939). Hernández  recibió  invitaciones para  simpatizar con los  franquistas, y alcanzar  el  indulto, a lo que  siempre  respondió: “Como  si Miguel Hernández  fuera  una  puta  barata”.

“Cantando espero a la muerte,
que hay ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas”.

El 9 de marzo de 1937 logra escapar durante la  guerra a Orihuela para casarse con Josefina Manresa. En diciembre de ese año nace Manuel Ramón su primer hijo que muere a los pocos meses, a  él está dedicado el poema Hijo de la luz y de la sombra, para enero de 1939 nace Manuel Miguel su segundo hijo,  a quien dedicó las famosas Nanas de la cebolla.

“Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma”.

 

Ese  año   transcurrió  para  Miguel entre arrestos   y libertad momentánea, un detrimento  en su  estado de  salud  y  carencias  económicas. La cárcel le quitó el  aliento de  a poco, las prisiones de Madrid, Ocaña y Alicante, lo resguardan  hasta  que una tuberculosis pulmonar aguda atacó ambos pulmones,  se intento un traslado al Sanatorio Penitenciario de Porta Coeli  pero se  fue  imposible. Neruda  intentó  abogar  por  él, sin embargo  tampoco  tuvo  éxito. El 28 de marzo de 1942 a los treinta y un años de edad Miguel Hernández  cerró los  ojos y se  fue  como  llegó,
con sus  tres  heridas.

“Llegó con tres heridas: 
la del amor, 
la de la muerte, 
la de la vida.”

 

¿Te  interesa  leer  más sobre él y su poesía ?  Pásale por acá.

Programa Vacacional UNAMuseográfico

Si hay algo que verdaderamente disfrutamos quienes nos quedamos en la ciudad durante los períodos vacacionales, es la vida casi surreal que dejan tras de sí los desertores de la rutina urbana. Disminución de tránsito, calles vacías, lugares esperando ser visitados, y una quietud que logra que incluso le tomemos cariño al transporte público; todo esto al menos por casi tres semanas, hasta que la apabullante realidad llega a romper la burbuja.

 Y será un cliché decir que “la ciudad nunca duerme”, pero es cierto, y en una tan diversa como es la nuestra, no hay duda alguna de que encontraremos una muy nutrida lista de cosas por hacer.

 En lo que a nosotros respecta, la causa cultural, proponemos la visita de cinco recintos —todos ellos parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)— con más de una decena de exposiciones y actividades, que permanecerán en funcionamiento durante el periodo vacacional de invierno para deleite de los asistentes.

 Cabe mencionar que además de la amplia oferta cultural, habrá un periodo de entrada libre a dichos museos (del 16 de diciembre al 6 de enero). El Antiguo Colegio de San Ildefonso será el único que mantendrá su tarifa habitual.

Dirección: Sullivan 43, Col. San Rafael

 Ubicado en la zona centro de la ciudad, abre sus puertas para la visita de En hombros de gigantes, muestra dividida en dos secciones que se exhibe con un tipo de montaje que se retoma de Lina Bo Bardi, destacada arquitecta italo-brasileña. Consiste en cubos de concreto que soportan, a través de vidrio, las obras de arte de quince autores mexicanos y estadounidenses de creciente popularidad en los últimos años: Julieta Aguinaco, Alfredo Echeverría Ripstein, Taka Fernández, Alex Hubbard, Mathieu Malouf, Tania Pérez Córdova, Ricardo Rendón, San Gil, Melanie Smith, Juan Tessi, Fabiola Torres, Germán Venegas, Luis Alfonso Villalobos, Boris Viskin y Beatriz Zamora.

 

Dirección: Justo Sierra 16, Col. Centro

 En este recinto de invaluable valor histórico suele ser común encontrar más de una exposición presentada dentro de las múltiples salas ubicadas en sus tres pisos destinados al público. Actualmente podemos encontrar, además de su acervo mural siempre disponible para los visitantes, la obra del artista inglés Michael Landy, y los soviéticos Ilya y Emilia.

 Santos vivientes, por Michael Landy, se trata de una muestra en la que, literalmente, el arte cobra vida. El conjunto de ejemplares que se muestran al público consiste en esculturas inspiradas en obras de santos renacentistas, elaboradas con material de desecho y destinadas a la interacción lúdica con el espectador.

 Por otra parte, Angelología: utopía y ángeles, es una exposición poco más reflexiva que toma la figura aquella de los seres alados como contraste a la materialidad de nuestro mundo, como entes de creatividad y subjetividad, como guía y motivo de aspiración a un estado de elevación individual y colectiva. Las piezas de la instalación son ejemplares de pintura, fotografía, maquetas y arte-objeto, entre otros.

 

Dirección: Insurgentes 3000

 Caracterizado por la suma versatilidad de las exposiciones que cobija, el MUAC ofrece un abanico de seis opciones para sus visitantes en este periodo vacacional.

 De ida y vuelta. Lance Wyman: íconos urbanos muestra una colección de la obra del diseñador estadounidense como arquetipo del posicionamiento de la cultura visual en nuestros días. Ejemplifica con bocetos y fotografías la manera en que su propuesta artística ha permeado en el entorno social y cultural para convertirse en referente capaz de emitir un mensaje descifrado bajo un lenguaje totalmente propio.

 La exposición Teoría del color resulta del desenlace de una investigación acerca de la producción de arte contemporáneo durante los últimos 10 años, en la que artistas de diversas edades y nacionalidades —Sudáfrica, Alemania, Estados Unidos, México, Venezuela, Bélgica, Francia, Perú, Argentina, Brasil y España— ahondan en el tema del racismo.

 Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, así, nombrada cual línea de canción de Calle 13, se trata de un montaje de ejemplares multidisciplinarios como escultura, video y pintura, que encapsulan el periodo actual de la actividad artística de creadores jóvenes, nacidos después de 1985. Se pretende mostrar la manera en que los artífices contemporáneos, cada cual en su entorno y realidad particulares, plasman en su obra cierta carga crítica hacia el México en el que vivimos hoy.

 Otras opciones para visitar dentro del MUAC son Pola Weiss. La TV te ve, Circulacionismo. Hito Steyerl y El derrumbe de la estatua. Hacia una crítica del arte público (1952-2014).

 

Dirección: Ricardo Flores Magón no. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco

Este espacio cultural ofrece actualmente cinco exposiciones:

 El Museo de sitio Tlatelolco recorre la historia del lugar narrada a través de cerca de 400 piezas halladas en lo que fue la ciudad prehispánica de México-Tlatelolco. Con ellas interactúan elementos gráficos, audio y videos, así como propuestas del tipo de instalaciones artísticas, espacios para la experimentación científica y elementos tecnológicos que enriquecerán la visita.

 El Memorial del 68 es un espacio simbólico que se destina a la reflexión del público sobre los sucesos vividos durante el verano de aquel año en nuestro país. Conceptos como injusticia, protesta, violencia y los derechos humanos son temáticas que nos llevan a la construcción de la memoria colectiva sobre la historia reciente México.

 Hacia los márgenes. Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposiciónes una exposición temporal que muestra imágenes capturadas por este retratista que siguen la línea temática de la propaganda política vista desde el enfoque de la corrupción, los fraudes, la ilegalidad y la violencia social durante las décadas de los 40 y 50.

 También puedes visitar Colección Stavenhagen Sietedecatorce: proyectos del programa de estudios curatoriales de la UNAM.

CCU-TLATELOLCO

 

Dirección: Dr. Atl no. 37, Col. Santa María la Ribera

 Parte de una de las colonias más entrañables de la parte norte de la ciudad, el Museo del Chopo suele ser anfitrión de eventos musicales, cinematográficos y multidisciplinarios durante todos los días del año. En esta ocasión prepara para su público la exhibición de cinco muestras distintas:

 Transcripciones parte de la obra de Salvador Elizondo, escritor mexicano que supo insertar en su literatura el cine, la fotografía y las artes visuales, dejando atrás los convencionalismos del gremio durante el siglo XX. Esta exposición reúne el trabajo de artistas mexicanos que cuestionan el lenguaje a través de su manifestación en la escritura y tiene como objetivo mostrar las maneras en que los artistas contemporáneos se han aproximado al quehacer de la escritura.

 Obra de la mexicana Georgina Bringas, Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra sostiene la hipótesis de que todo se encuentra en movimiento constante, por lo que el arte debe continuar moviéndose de la misma manera, en el plano temporal y en el espacial.  y Horror en el trópico.

 En la instalación Colaboraciones forzadas, el artista Santiago Merino presenta una intervención en la ubicada dentro del propio edificio que alberga el museo. Consiste en un monocromo hecho con vinil reflejante ubicado de manera esratégica de manera que los visitantes puedan observar, reflejada, la arquitectura original del inmueble.

 También puedes visitar Correrías sin prisa. Las nuevas aventuras de Lázlo Lózla y La Banda Sin Fin y Horror en el Trópico

 

 Sur, centro y norte. De entrada libre y con baja afluencia. Ahora sí no habrá pretextos que justifiquen el no darse una escapada a checar estas exposiciones que reúnen ejemplares de artistas de todo tipo, mucho de ellos montados en México por primera vez . Te recomendamos consultar los horarios, fechas y actividades de cada uno de los Museos.

[Galería] División Minúscula + Tungas en El Plaza Condesa

 

Fotografías por: Roberto Palma

15 diciembre 2014

Aldo Camalle | Tungas
Aldo Camalle | Tungas
Efrén Barón | División Minúscula
Efrén Barón | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Sold Out | División Minúscula
Sold Out | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Blake | División Minúscula
Blake | División Minúscula
Luis Espinosa | Tungas
Luis Espinosa | Tungas
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Tungas
Tungas
Manolin Ávila | Tungas
Manolin Ávila | Tungas
Negri Revueltas | Tungas
Negri Revueltas | Tungas
Daniel Rojas | Tungas
Daniel Rojas | Tungas

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Ricci Pérez | División Minúscula
Ricci Pérez | División Minúscula
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Soundcheck División Minúscula
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Kiko Blake | División Minúscula

Arch Enemy en México

Arch-Enemy-México-2015El próximo año nos trae muchas sorpresas y eventos increíbles, entre ellos la visita de una de las principales bandas de deathmetal melódico, Arch Enemy, que viene a promocionar su nuevo álbum War Eternal en compañía de su nueva vocalista Alissa White-Gluz, ex vocalista de The Agonist.

 War Eternal es el décimo álbum de la banda, el cual fue lanzado el pasado 9 de junio y para esta gira por Latinoamérica la agrupación pisará, aparte de México, Colombia, Chile, Brasil, Argentina y Ecuador.

 En su paso por tierras mexicanas, Arch Enemy, viene acompañado de Dark Tranquillity, banda originaria de Suecia que actualmente promociona Construct, uno de sus mejores discos hasta la fecha.

La cita es el proximo 30 de enero de 2015 en el Salón José Cuervo (Lago Andromaco #17 esq. Moliere). El costo es general $600 y VIP $700 Compra tus boletos aquí

 

 

Dos puntos

Sedúceme con tus comas, con tus caricias espaciadas, tu aliento respirable y tus atrevimientos continuos; colócame el punto y coma para cambiar las caricias por largos besos y frases susurradas boca a boca. Haz un punto y seguido para desatarte de mí y contemplar mi desnudez sobre tu cama, ahora interrumpe con guiones para soltar un halago sobre mí cuerpo y su huella en el tuyo —recorrer con la mirada el talle y el hundimiento en la cintura, el ascenso en la cadera la larga prolongación de las piernas rematadas por un pie que no resistes besar—. Embísteme sin mí rechazo y tortúrame con la altivez de tu deseo arrastrándome muy lejos (al borde del abismo entre paréntesis y sin comas por favor), ahora desenvaina tus puntos suspensivos… —maldito trío de puntos— ese espacio sin nombre no se alcanza.

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Fotografía tomada de elmanifiestodeversos.wordpress.com

 Un punto y aparte para calmar el temblor de mi cuerpo y sonreírte al tiempo que me das a beber del vino espumoso en una copa. Borro mis interrogaciones. Toda una antesala para retomar tus comas y regalarme la humedad de tu boca y la suavidad de tu respiración en mis orejas, cuello, nuca, hombros. Atacaría con puntos y comas nuevamente para buscar con tu dedo un clítoris congestionado. Pasar tu lengua entre esos labios escondidos y saborear mis secreciones —robármelas entre guiones— y atizar de nuevo en mi centro ardiente ocupándolo, sosteniendo el ascenso ¡inminente! con signos de exclamación, la eyaculación inevitable.., hasta acabar con los puntos suspensivos y vaciarte todo en mí y desplomarte extenuado, aliviado y amoroso en mi cuerpo complacido.

Erotismo
Fotografía tomada de http://psiqueviva.com

 De nuevo un punto y aparte para dormir sobre mi pecho y poner punto final al entrecomillado “acto” que en este caso es un hecho amoroso sin ningún viso de actuación.Si estoy equivocada, felicito tu dominio de la puntuación. Punto final.

– Dos Puntos, Mónica Lavín

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Fotografía tomada de photoshowroom-mx.blogspot.com

Sonrisa tatuada: Tateeth

tatuajesinsolitos-bajaMarcar la piel ha pasado a otro término, lo de hoy son los tateeh, o mejor dicho tatuajes dentales, sí, tatuajes dentales que han venido a volver locos a los dentistas y cualquier aficionado con la limpieza bucal. Pero relájate, tus bellas piezas dentales no sufrirán ningún daño, al contrario, el furor por estar a la moda promete dejar tu esmalte intacto a cambio de una buena cantidad de dinero.

 Aunque no lo creas esta moda ya tiene sus añitos, de hecho comenzó en Japón con unas chicas que adornaban sus dientes con el mismo diseño de su manicura, sin embargo, no tardo tiempo en llegar a Inglaterra y Estados Unidos, en donde lleva más de diez años.

dental tatoos 1 Entre los diseños más demandados se encuentran las caras de Amy Winehouse, David Beckham, Tiger Woods y la reina Elizabeth, aunque también se aprecian caricaturas, dibujos animados, caras de ex presidentes, imágenes de Jesucristo o siglas.

 Y si eres de aquellos curiosos que quieren experimentar esta no tan nueva forma artística de tatuajes es importante que sepas lo siguiente: hay dos tipos de tatuajes para los dientes, temporales y permanentes, ambos seguros para no dañar el esmalte de cualquiera sea el diente que elijas.

 Los temporales, como su nombre lo indica son de quita y pon. La imagen se imprime en finas laminas que se adhieren al diente con resina biocompatible, la cual permite que dure días e incluso semanas.

 Los permanentes tienen diferentes duraciones, depende el material sobre el que se haga, por ejemplo, si es sobre una carrilla dura de 10 a 15 años, si es sobre una funda, traerás el chistecito unos 20 años. Esto siempre y cuando el proceso de impresión y colocación sea adecuado, ya que así no tendrás el pendiente de la humedad de la boca o qué pasará si te cepillas muy fuerte. Para que esto dure tanto tiempo la funda o carrilla se debe hornear a más de 200 grados.

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 Y bueno, la pregunta obligada es… ¿cuánto cuesta? Como seguramente ya imaginaste, estos lujos no se los pueden dar todos, pero si te pones a ahorrar podrás pagar un temporal desde 150 euros, o un permanente que va desde 50 a 150 euros, dependiendo el material que se utilice, implante, funda o carrilla.

Otras modas dentales

Recuerda que la moda dental es antigua, y que mientras más caro mejor. Por ello no podemos pasar por alto los Grills Dentales, sí, esas placas de plata u oro con diamantes o cualquier piedra preciosa que se atraviese en el camino de su dueño. Y claro también los piercings bucales, que bueno… nada que ver pero también entran en esta categoría.

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Con mis garras una vela (poesía Sir Brenda Mítchelle)

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Estoy caminando en el desierto

Piso sangre, cráneos, cuerpos

Danzo desnuda entre las dunas del desierto

forjadas con los huesos de nuestros muertos

¿Dónde hay luz? Una estera

Escucho el llanto del Dios Tláloc a lo lejos

Se crean ríos, se forman lagos

Océanos y mares de sangre y llanto

árboles gruesos de venas rojas crecen

sus raíces no dan tregua, se adhieren a la tierra

entre un viento carmesí iracundos se mecen

y entregan frutos azufrosos

tuve la visión de un mundo en llamas

en que Huitzilopochtli gobernaba

de monstruos que rezan a santos amorfos

De ojos inyectados, henchidos, rojos

se arrastran, reptan, entre ellos se comen

Gobiernan sierpes, lobos, leones

Sudo, me remuevo, me parece que despierto

Elevo los brazos a aquello que los humanos llaman cielo

cobijo con mis garras la luz de una vela

y pido por nosotros

          ruego por la paz

una luz

una escalera…

 

Especiales Navideños Animados: Parte 3

Seguiremos este especial navideño hablando de dos series que comparten muchas diferencias entre sí pero también ciertas similitudes importantes. Ambas series cuentan los problemas “habituales” de la típica familia americana, una de ellas en situaciones donde la irreverencia es primordial, la otra maravillándonos con una civilización muy avanzada para la época en la que se encuentran.

 De la familia de Hannah Barbera tenemos a Los Picapiedra (The Flintstones, 1960), la familia de cavernícolas cuyas aventuras radican en el encanto de la monotonía de un mundo prehistórico, brillantemente retratado y adaptado como la vida en la actualidad donde hay beneficios como luz eléctrica, automóviles y televisión. La otra, una familia normal con un padre inepto, una madre excesivamente dedicada, un niño problema, una hija intelectual y una bebé superdotada que se enfrentan a un mundo americano donde la estupidez y las situaciones chuscas son abundantes. Del creador Matt Groening, Los Simpsons (The Simpsons, 1989).

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 En el caso de este segundo programa, hemos tenido diversos especiales de noche de brujas y de navidad, sin embargo quisiera hablar del primero de todos y a mi parecer, uno de los mejores. El nombre del capítulo es “Los Simpsons se Asan ante un Fuego Lento”, haciendo referencia a un cántico navideño. En este episodio especial vemos a Homero, el padre, quien tras verse en problemas económicos y dándose cuenta de que no podrá darle una navidad llena de obsequios y color a su familia entra en desesperación.

 Este problema lleva al ingenuo hombre a buscar otros empleos que le dejen algo más de ingresos para pasar las fiestas. Sin embargo, todos estos trabajos resultan poco afortunados terminando en situaciones muy graciosas para el espectador. Una vez que parece que no hay otro camino, Homero decide arriesgarlo todo y apostar el poco dinero que tiene en las carreras de perros, logrando así un resultado inesperado, pero no por eso negativo. Este episodio no sólo demuestra todo el humorismo de la serie en sus mejores tiempos, sino que además muestra ese lado tierno de la navidad en donde lo menos material y comercial puede ser lo más hermoso de la navidad.

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 En el caso de los Picapiedra, también tenemos varios especiales de navidad y de igual forma hablaré del primero en salir al aire. Este capítulo nos cuenta la historia de Pedro Picapiedra, quien junto a su esposa Vilma y sus amigos Pablo y Betty, preparan una fiesta navideña de caridad para los niños necesitados. Las cosas se complican cuando Pedro y Pablo descubren al verdadero Santa Claus lastimado cerca de donde ellos viven.

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 Al no ver otra opción, Santa les pide a sus anfitriones que lo sustituyan esa noche en repartir regalos por el mundo, tarea que ellos aceptan de inmediato. De ese modo da inicio la gran aventura que los lleva por todo el mundo e incluso a una espectacular visita al taller del Polo Norte, sin embargo el reto será cumplir con esta misión sin descuidar el otro compromiso que tenían para esa navidad. Se trata de un especial muy bien elaborado, con mucho mensaje y lleno de la magia navideña.

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 He aquí otras dos opciones para ver en estas fiestas, ambas garantizan sonrisas al por mayor e historias que harán que hasta el más frío sienta simpatía por la época. Dos especiales que no pueden perderse.

Desnudo del ser y del alma: Francesca Woodman


Mezcla de seriedad, penumbra que dialoga entre el matiz blanco y grisáceo, contornos de un cuerpo desolado con la perdida de fuerza en su estado físico, caras con el apetito vacío; entes que se deletrean en cada toma, parpadeo de luz que sólo alcanza delimitar el contenido, escenarios ofuscados. La cámara de Francesca Woodman, sabía bien que el individuo se encuentra condenado bajo sus propios titubeos y angustias, él es su único enemigo en la tierra. Temores que desembocan en un auxilio en tinieblas, en un mundo del blanco y negro.

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 Woodman (1958-1981), mujer norteamericana que se enfrentó a la rigidez de los críticos de arte. Llena de una chispa caótica y un trabajo diferente, la llevó a ser víctima por un lapso de tiempo de la depresión, que la sumergió en la angustia y en la reflexión misma, paradójicamente. Cuerpo, mente y alma encajaban como el artefacto idóneo de escena, la mujer formaba parte del icono protagonista de la toma. Los tres elementos son parte del desenvolvimiento en cada ruta trazada, sin embargo, también pueden representar el infierno, ya que atraen emociones de ansiedad; mismas que se vuelven los compañeros de los miedos del ser humano. ¿Por qué retratar el cuerpo? ¿Por qué una mujer? La fémina se acompleja más rápido, pierde su sintonía cuando empieza a involucrarse con un sentido de fatiga ante su ser y su pensar como parte social.

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 1979 fue el año en que las ilusiones por salir del contexto se hacían más prominentes. Esperanzas que terminaron en un tumulto desolador, ya que el rechazo se hizo presente en la gran comarca del arte: Nueva York. Todo se nubló para la fotógrafa y el descontento perforó aún más su estado anímico. Lugares fríos, melancólicos y espectrales como traídos de ultratumba, pertenecían al portafolio de la norteamericana que pasó un tiempo en Europa, siendo la sede principal Roma. Roma cubierta de arte y de membrete de propaganda, también desconoció el trabajo fotográfico de Woodman. Parecía que el desnudo no formaba parte del acierto del público, mucho menos con la composición a la que ataba su obra; era la misma desnudez del alma y del cuerpo, se unían para delimitar el miedo y la frustración hacia la esencia misma. Y como el hombre siempre ha sido partícipe de la mentira y el engaño, en cuanto se trata de un aspecto que se sume a la sinceridad a la vida, se indigna, huye y discrimina; tal fue el caso de esta artista.

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 Colorado, su lugar natal, quedó retirado de su lente, para poder alcanzar una serie de experiencias que harían de la mujer, su admiración más grande. Su trabajo es muestra de la belleza y demagogia encerrada en el sexo femenino. Lejos de encontrarse a sí misma, la mujer es la presa más fácil de actos superfluos, que la reivindican como un objeto. Francesca iría más allá de eso; el desnudo como vía para descubrir la gran aflicción del “sexo débil” –a mención de lo que se ha tratado de hacer ver a la mujer–.

 Vuelta a un cuerpo para retratar de varias maneras la vaciedad de los pensamientos que al considerarlos insensatos, se sumergen en el viento del olvido. Entes que dominan la mente y que no permiten el libre tránsito del juicio. Escondes y tratas de aparentar, hay que desnudarse para descubrir de que estamos hechos –tanto de materia como de sentimientos–. El espectro es el pánico, horror para encontrar lo que tanto se niega y el segundo es el dolor, éste es el gran abismo.

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 “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo.Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente.”
– Francesca Woodman.

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 Uno de sus primeros trabajos, fue “Autorretrato con trece” (1972). Oculta su cara, mientras que sus misterios y realidades de la vida le acompañaban para reflejar al humano bajo sus sentidos más nauseabundos. Ese pavor hacia la franqueza, sólo desemboca en el acto de traicionar el “ser” del mismo hombre. Un trabajo sensato desde el principio. Mundo de cobardía que Francesca delineó perfectamente desde que inició sus estudios en Rhode Island School of Design. En poco tiempo, logró recorrer la yuxtaposición entre cuerpo y alma a través de fotografías que mostraban la necesidad por descubrir que había más allá de lo tangible que tanto persigue el hombre.

 El cuerpo femenino fue su estandarte para poder dar cuenta de la opresión que radica entre lo que no acepta la sociedad; núcleo que se llena de aspectos de doble moral que singularizan la memoria fotográfica de Francesca Woodman. En vida no pudo ser partícipe del reconocimiento hacia lo que sembró, sin embargo, después de un suicidio que ganó la vida de la gran artista; su legado se observó desde otra perspectiva y cinco años después, en el Wellesley College Museum se presentó parte de su obra. Woodman es otro claro ejemplo de que muchos artistas no son ni siquiera nombrados cuando poseen vida, sino hasta que se reflexiona que la muerte fue el único escape que les quedaba para salir de una prisión tan hostil.

siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

CCU-TLATELOLCO

 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Circulacionismo en el MUAC

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Traída desde Alemania llega Hito Steyerl, la artista que presenta su exposición monográfica en el MUAC titulada Circulacionismo, la cual consta de tres de sus recientes piezas: Adorno’s Grey, Museum as Battlefield y Liquidity Inc., en las que se plantea la reconfiguración entre la imagen, historia, política y documental, que caracterizan su obra desde los años 90.

 A través de la videoinstalación y reflexión, la artista propone una manera de analizar la manera en que son producidas y consumidas las imágenes en el televisor, cine y arte contemporáneo.

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  Su trabajo incluye imágenes apropiadas o de baja calidad para permitir el cuestionamiento sobre la relación que existe entre documental, realidad y representación.

 La cita es en la sala 8 del  MUAC (Insurgentes Sur 3000). Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00 y jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas hasta el 1 de marzo de 2015

 Jueves a sábado $40 público general *50% con credencial vigente a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS

Miércoles y domingo %20 público general *NO APLICA DESCUENTO 2X1.

Impresiones francesas sobre: El Mezcal

LA TRADITIONNELLE

Les premières soirées aidant, j’ai vite découvert les alcools locaux. Une espèce de plante en particulier a attiré mon attention : l’agave, qui permet la fabrication de la tequila, du pulque, mais aussi du mezcal.

 Première rencontre, premier choc : une dégustation à Oaxaca, lieu de fabrication par excellence dans un bar à l’intérieur sombre et boisé. Des petits verres de shot, accompagnés de tranches d’orange saupoudrées de rouge. L’odeur est forte, mes amis arrivés au bord à peine une heure avant déjà bien heureux. La raison ? Un shot qui se boit pur, pas si petit que ça et que l’on savoure avec ces tranches de fruits parfumés au chili piquín. Assez digeste, il a le mérite de se boire vite et les verres s’enchainent.

 Autre épisode : lors d’un voyage à Puerto Escondido, une ville côtière Pacifique, lors d’un arrêt au bord de la route. Une épicerie, quelques endroits pour manger des quesadillas et autres plats à base de grandes tortillas et puis, sur la table une bouteille à la couleur transparente et un petit gusano dedans. Original ! L’idée de mettre une petite chenille dans une bouteille de mezcal était de la différencier à l’export dans des pays étrangers des bouteilles de tequila. Je n’ai pas goûté à cette occasion, mais je me lancerai peut-être au prochain voyage.

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Une bouteille de mezcal jeune et de production artisanale.

 Venons-en à la dégustation. Le goût est fort, brûlant par le degré d’alcool (45). Une odeur particulière se dégage qui a, pour moi, un léger air d’essence. Malgré tout, l’odeur de l’agave est là, plus concentrée que la tequila. De plus, la combinaison avec le doux piquant du chile et des fruits en fait une bonne dégustation. Il existe différents types et qualités de mezcal. Un critère est la quantité d’agave qui a servi à sa fabrication : 100% de maguey, qui est une plante appartenant à l’espèce de l’agave, ou entre 80% et au-delà. La principale région productrice est à et autour de Oaxaca. Des labels, tel la « Dénomination d’origine » certifient son authenticité. Le mezcal se distingue par le type d’agave qui ont servi à sa production, ainsi que par son âge : jeune à moins de deux mois se dit blanco, de deux mois à un an il sera reposado et au-delà añejo. Le mezcal prend une couleur doré avec l’âge.

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Les piñas: des agaves avec les feuilles en moins.

 Le processus de fabrication comprend plusieurs étapes. Extrait de l’agave, il faut laisser l’arbre mûrir entre 6 à 12 ans avant la récolte. L’agave est appelé « jima », et le cultivateur le « jimador ». Ensuite, les feuilles sont coupées et est conservé le cœur, la piña (ananas, de par sa forme). Ces piñas sont cuites à la vapeur à 55e, pendant 24h à 50h. Elles sont traditionnellement cuites dans de grandes fosses creusées dans le sol, couverte des feuilles d’agave, fibres de palmier et terre. Une fois cuite, la piña est mise à refroidir. Elle sera ensuite distillée à deux reprises.

 La distillation de l’agave a commencé avec l’arrivée des Conquistadors, le procédé était alors jusque-là inconnu. C’est devenu une boisson qui se déguste, pur ou mélangée en cocktail: j’ai pu testé avec de la glace pilée, du jus de mandarine, et soupçon de chile: délicieux. Le mezcal est bu par les jeunes comme par les plus âgés. Comme le dit le proverbe nationalement connu: “A todo bien mezcal, a todo mal, también” soit “Si tout va bien, on boit du mezcal, et si ça ne va pas, on en boit aussi”.