El origen viene de las auroras boreales

 “La ciencia ha progresado hasta el punto de que las únicas preguntas atinadas que nos quedan son las ridículas. Las preguntas sensatas se han pensado, formulado y respondido hace tiempo”. 

ISAAC ASIMOV

Nunca he sido seguidor o asiduo del teatro infantil. Detesto aquellos espectáculos que vulgarmente son llamados “cuentos” y que se presentan en matinés de fin de semana en teatros pequeños y sin más publicidad que un cuadrito en la cartelera del periódico impreso (inserte aquí el que más le cuadre: Blancanieves con o sin enanos, cualquier versión del Mago de OZ o su remix favorito de Caperucita Roja).

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 Honestamente hasta el momento muy pocos artistas eran para mí capaces de crear una obra de este tipo sin tratar a los niños como pequeños seres sin raciocinio, Haydeé Boetto, Micaela Gramajo, Sofía Álvarez o la fallecida Perla Szuchmacher por ejemplo. Al día me topo con una vuelta refrescante al panorama, en el Foro Shakespeare, Asimov de Hiram Molina.

 Con un tenor futurista, la historia ubica al mundo como lo conocemos hundido en un invierno eterno, el sol no es más que una ideología vana y extinta, las tormentas de nieve son el pan de cada día, el frío cala hasta los huesos y las auroras boreales ya no son más que fantasía. En este paraje camina Imani, una joven inventora, diseñadora y constructora tecnológica junto a su pequeña hija Abba. La quietud del blanco perpetuo se interrumpe el día que Abba, en su caminata para conseguir leña que produzca un fuego, se topa con Asimov, un niño que no  recuerda de dónde vino o cómo llegó ahí, lo único que recuerda son 3 leyes, las leyes de la robótica.

 El teatro infantil debe de ser simple, digerible, con un lenguaje animado y agradable, pendiente de respuesta, interactivo y sobre todo tener una base sólida. Asimov cumple satisfactoriamente las necesidades básicas del género al entregar una puesta con ritmo constante y calidad dramatúrgica que invita a los espectadores a analizar los ideales sociales, valores familiares, conciencia ecológica y de paso hacer una crítica al pensamiento consumista postmoderno que eleva a necesidad vital a la inteligencia artificial para asegurar la existencia plena.

-“¿QUÉ ES UN DÍA SOLEADO EN LA PLAYA?”

Ante la incertidumbre y desolación de un futuro que no ve más que el ocaso de la compañía misma, Hiram Molina escribe un texto lleno de imágenes poéticas que se transforman en  un entrañable reflejo de la perspectiva inocente a la complejidad de los sistemas sociales. Cada línea busca captar la atención del niño que verá la obra, por supuesto, pero avanza para afectar aún más a los acompañantes adultos y les pide nunca dejar de enseñar a los niños a crear, creer y amar.

 La dirección de Molina y Anabel Domínguez genera cuadros de atracción visual importante, entre proyecciones de buena calidad, iluminación acertada y sonidos orgánicos (sin perder su contexto de tiempo y espacio), construyen un sensorial que se recibe de forma grata y evoluciona con la interacción.FOTO6_ASIMOV_

 Estos directores entienden a los niños, se preocupan por hacerlos sentir parte de la obra y que cada acción sea entendible al cien por ciento. Para contar la historia, los directores dotan de voz a las marionetas que serán Asimov y Abba, una fantástica elección que aparte de cautivar con la belleza de los títeres elaborados en Kuruma Ningyo (técnica de construcción japonesa que permite controlar al cien y con movimiento más libre a la marioneta) por Edwin Salas, integran agilidad y fuerza al trazo diseñado para cambiar de foco sin perder el hilo o ritmo.

 Molina y Domínguez se desplazan en camuflaje por el escenario con gran cautela, delicadamente se mueven para dar vida a los títeres que controlan y proyectar un resultado fascinante, algo que solo se puede comparar con la belleza coreográfica de Adiós Carlota, por poner un ejemplo de un símil mexicano dados los elementos base.

 Se acompañan de un único “humano” que es la madre de los personajes encarnada por Violeta Isfel, una actriz que no deja de sorprenderme con su versatilidad. Violeta conoce a los niños, sabe en qué tono y forma dirigírseles  consiguiendo empatía pero sin perder credibilidad actoral o dejar a un lado la psicología de su rol: una madre que debe de procurar a su hija en una circunstancia impredecible y que ahora ha decidido hacerlo por alguien más también, aun cuando en realidad no sabe mucho de ese alguien.

 En esta historia uno pasa por los zapatos de cada personaje, estacionándonos detenidamente en Asimov para permitirnos conocer su pensamiento, permearnos de la debilidad interior al descubrirse solo aun estando en compañía, podemos apreciar a un frágil individuo enfrentándose a en una corta edad a cuestiones existencialistas inexplicables para su corta trayectoria. Empero de la situación, tiene una conexión a este mundo igualmente inentendible: las auroras boreales (sí, esas que según la historia ya no existen). Todos, pese a la adversidad tenemos un sentido y dirección en la vidaFOTO5_ASIMOV_

 Con Abba uno asimila la dificultad de tener que abrir el ya tan desquebrajado mundo en el que vive a alguien al que agradece su presencia, pero en cierta medida preocupa por la atención que pueda restarle de la única persona con la que ha compartido su existir. Es una niña pequeña claro, pero ¿Cuántos nos hemos sentido de la misma forma aun siendo adultos ante la amenaza de lo nuevo y desconocido?

 La obra es enteramente disfrutable, enternecedora y amigable para chicos y grandes. Sin duda una viva muestra de que el teatro mexicano infantil inteligente existe y combate la adversidad de la cartelera. Si tiene pequeños en casa o cercanos permítase inducirlos a este teatro de calidad que necesita ser pilar para crear una cultura teatral desde temprano, además de permitirse usted mismo de disfrutar como ellos lo hacen.

Amén del homenaje a Isaac Asimov.

Originally posted 2014-07-31 22:38:34. Republished by Blog Post Promoter

La anatomía del verso, por la poeta Nelly Sachs

 

Por Alfonso Meza

 

Antes de ser escuchado, el latido ya abrió los ojos. El sistema circulatorio echa a andar su maquinaria antes que cualquier otro en el cuerpo del hombre, reclama su sitio. Cada uno de los senderos sanguíneos se distribuye a lo largo de músculos, tendones, huesos y abismos del ser para abastecer de movimiento el continente que habita. Sin ese minúsculo aleteo, la mujer tampoco sería posible.

Una poeta no es distinta a un hombre. El corazón de cada uno se angustia y se regocija entre 70 y 80 veces por minuto. Se trata de un vaivén desobediente, involuntario. Poco a poco, las contracciones bombean luz hasta los ojos de la niña. Sabemos el sexo porque sus padres ya han pensado el nombre: Nelly. Es hija de un acaudalado judío; corre el año de 1891. Nelly Sachs respira en Berlín.

Los vasos sanguíneos han madurado hasta alcanzar los 97 kilómetros de longitud.

Sachs tiene 17 años.  Las líneas de su mano ahora se confunden con los renglones de sus primeros versos. Su educación ha sido estricta y minuciosa. Múnich y Berlín se han encargado de propagar sus letras gracias a diversas publicaciones impresas.

Tal como sucede con la desastros-a-rmonía del encuentro y la fuga, la sangre cambia  de sitio por las calles y avenidas del interior humano. A esta imagen y semejanza, también emigra la tinta del pensamiento a la hoja en blanco.

Nelly

 

Con el estallido de la Segunda Guerra mundial, Nelly y su madre huyen a Estocolmo, auxiliadas por la escritora Selma Lagerlof. Allí se establecen hasta el último día de la poeta. Pero no continuemos, aún no es tiempo de invocar a la muerte cuando es temprano en la historia.

En 1947, sale al mundo el poemario En las moradas de la muerte, una de las obras más representativas en el trabajo de la literata. En este libro, Sachs rindió un merecido homenaje lírico a todos “sus hermanos y hermanas desaparecidos durante los exterminios nazis”, de acuerdo con sus propias palabras.

Para entonces, la adolescente se ha transformado en una mujer de convicciones firmes y un pulso a prueba de catástrofes, pero no del olvido. Vendrían más tarde otras guerras, otras víctimas, otros libros, más poemas: Eclipse estelar (1949), Y nadie sabe más (1957), Huida y metamorfosis (1959), todos reunidos en la antología titulada Más allá del polvo (1961).

Se equivocan: el corazón no está del lado izquierdo. La mentira anda en una silla de ruedas hasta que alguien la tira por la escalera. Ubicado entre los pulmones, direrccionado un poco hacia la izquierda, el músculo orquesta los altos y bajos de la circulación. Los hombres que nacen con el corazón desordenado, es decir, mirando en dirección opuesta a la izquierda, padecen una malformación genética denominada situs inversus,

Sachs fue una escritora de corazón invertido –permítase aquí una licencia poética-. A cada latido, una catarata de palabras le subía por los ojos hasta tocar el mundo. El placer y el drama de la realidad la acompañaron toda su vida. En 1970, el 12 de mayo para ser justos, los latidos dejaron su oleaje para otro instante.

Cada vez que llevamos una concha de mar a la oreja, no es la voz del mar lo que escuchamos, es el eco de nuestra sangre fluyendo en el oído. Visto de tan dulce manera, preguntemos, ¿cuántos latidos se necesitan para llegar al mar? Nelly (aún) tiene la respuesta:

“Aquí
donde naufragué en sal,
aquí en el mar
con sus azules niños de pecho,
que se nutren
posesos de luna
en el ama del alma…”

 

 

 

Originally posted 2013-12-19 15:18:01. Republished by Blog Post Promoter

Primeros avances de “Song of the Sea”

 Los amantes de la animación extranjera, y en general de la buena animación, estarán contentos ante esta noticia. La empresa de animación irlandesa Cartoon Saloon, famosa por la película El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009), de la cual hablaremos próximamente, ha dado a conocer el poster y tráiler de su nueva producción. El título de la misma será Song of the Sea.

 La cinta contará la historia de Ben y su pequeña hermana Saorise, quienes deberán emprender un viaje fantástico por el mar en un mundo lleno de magia y leyendas con el fin de volver a su hogar. Como podemos ver en el tráiler, el diseño de personajes y la calidad de animación es realmente agradable a la vista y después de la cinta que la antecede podemos tener expectativas enormes ante este nuevo proyecto.

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 Según se ha mencionado, el talento de Kells se repetirá en esta producción, siendo el mismo director Tomm Moore, el mismo estudio (como ya dijimos) e incluso se ha confirmado la participación del actor Brendan Gleeson dando voz a un personaje de nuevo para este equipo. Si bien no se trata de un estudio muy famoso o no tenga un gran número de cintas en su haber, la calidad de sus productos nos hace olvidar el concepto de cantidad.

 Es interesante ver ese estilo “bonito” de dibujos que nos remontan a los libros de cuentos infantiles en historias que aunque van orientadas a los niños, tienen mucho más mensaje y una profundidad destacable que incluso los adultos podemos disfrutar (¿por qué no? ) y por supuesto, nos permite soñar.

songofthesea2

 Aún no se ha confirmado la fecha exacta del estreno, de hecho ni siquiera se ha dicho si llegará a nuestro país, pero cruzemos los dedos para que así sea. Aunque sea en formato casero. Song of the Sea (Song of the Sea, 2014), una nueva y muy prometedora película que sin duda bien valdrá la pena esperar (o buscar para ver).

http://www.youtube.com/watch?v=t0Ejpl3QFuU

Originally posted 2014-06-25 23:21:43. Republished by Blog Post Promoter

De lo tóxico y la familia en convergencia indefinida

“La gente te inspira o te desangra, elige sabiamente”

HANS F. HANSEN

Una mujer, esposa y madre de familia, ha sido víctima de una especie de ataque terrorista suscitado dentro de un autobús; no se sabe con certeza que ha pasado pero ella siente cómo su cuerpo ha recibido el impacto de una toxina que la va deteriorando tras haber notado a un individuo de piel oscura sospechoso a bordo de la unidad móvil en la que viajaba; mientras quita de ella cualquier voluntad para seguir adelante. Sus hijos han vuelto a casa luego del suceso, su esposo toma de su mano a cada instante. El camino comienza para afrontar los hechos o sumirse en el traumatismo.

 Foro Lucerna abre su siempre cálida puerta a Tóxico, de Greg MacArthur, dirigida por Hugo Arrevillaga Serrano, para permitir la exploración de una historia que se construye a través de la percepción individual sobre un suceso posible a resolverse en terrorismo, histeria, paranoia racial, esquizofrenia o sencillos infortunios sumados en la realidad de una familia chocando ante la vulnerabilidad.

 Aplicable a una sociedad actual que se trabaja dentro y a partir de la incertidumbre en todos los aspectos que la componen, la aparición de esta pieza resulta valiosa para dar un espejo  la desesperación colectiva que pueda mostrar la crudeza de la propagación de la negatividad.

 El relato de McArthur devela  los límites de la percepción psicológica hacia lo que acontece en el mundo exterior, partiendo del quiebre del pilar del modelo familiar tradicional. Al deshabilitar y deteriorar a la madre la familia, esta última entra en una reacción natural de protegerle, sin embargo ¿Qué aspectos aborda la posición natural cuando el esquema de avance se estanca iniciando el retroceso?

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 La dramaturgia amplía el reto de la percepción de la realidad hacia la necesidad de resolver los verdaderos valores que conforman al estado egoísta en el ser humano, cómo este se logra diferenciar de la asimilación, del  avance. Al presentar al cuadro de personajes que acompañarán a la mujer sobre  las asperezas del momento, el autor brinda a cada uno la individualidad dentro de un círculo que aparentemente debe ser homogéneo. El conflicto existe, pero más que reunirse para tratarlo habrá quien, sin darse cuenta, se envuelva con él o busque  la puerta de salida para respirar.

 Valorando íntegramente el discurso del dramaturgo, Humberto Pérez Mortera traduce el texto con cuidado de hacer totalmente asimilable el lenguaje sin perder el contexto de los traumatismos sociales producidos tras aparatosos incidentes terroristas en el mundo, de entre los cuales destacan notablemente como influencias, la caída del World Trade Center en EUA y los atentados del 11-M.

 Trasladando la necesidad del autor por tratar la propagación de los sentimientos tóxicos entre las personas, Hugo Arrevillaga acerca a la obra dentro de un tono realista que apunta con precisión las palabras clave para entender no solo las cualidades y psicología de los elementos a juego, sino también aquello que no se está diciendo.

 Lo último descrito se alcanza en primera vía mediante la  idealización del espacio. La dirección toma el concepto de la mesa familiar como eje para narrar las formas en la que cada integrante de conduce. Este código bellamente planeado y coreografiado aporta las imágenes más crudas  igual que potentes de la puesta a partir de la simpleza resolutiva en escenografía (de Auda Caraza y Atenea Sánchez) para lucir el acompañamiento de la palabra.

 Es aquí donde uno comprende la importancia que conlleva el legado de Arrevillaga, el director no solo se aleja una vez más de la línea melodramática para presentar un concepto mayormente crudo, de una factura difícil al espectador pues no conlleva amabilidad para tratar las dificultades eventuales de la historia (Aquí y ahora, Antes Te Gustaba La Lluvia, Clausura Del Amor). Esta capacidad de dar vida a los textos que maneja de una forma estética, orgánica, honesta y directa es la verdadera característica que podría hacer a alguien aseverar que la manufactura viene de Hugo Arrevillaga, no su complicidad a autores específicos.

 A nivel de iluminación la obra destaca por generar espacios definidos y con sustancia a través de movimientos claros y ligeros, que avanzan junto al buen ritmo planeado, amalgamando la circularidad que la puesta alcanza en sí misma.

 Dentro de el cuerpo actoral, Gabriela Murray logra un trabajo muy bien construído para externar la rabia, desesperación, molestia e incertidumbre que Elena, la madre afectada, sufre. La interpretación captura la fragilidad necesaria como autodefensa incrementando a la par el dañino sistema de creencias que la va convenciendo de estar envenenada. Aquí hay una mujer afectada y este es solo el primer cuadro. Uno puede convertirse en su propio veneno, Murray proyecta con suma posición dicha sentencia.

 Para dar soporte a la actriz, Víctor Huggo Martín edifica al personaje del esposo como un punto de inflexión en medio del caos. El desenvolvimiento del actor permite apreciar la auténtica destrucción mental que provoca estar en contacto con una problemática de manera directa. María Gelia Crespo apoya a la trama con 3 actuaciones fuertes y de sustento valioso. Ana González Bello da una grata actuación, mientras que Andrés Torres Orozco simplemente transporta a su personaje en Sedientos de obra, he aquí el único detalle de dirección-cast.

 Tóxico representa una de las propuestas más valiosas de la cartelera actual. Un llamado a la fuerza interior y a la individualidad aceptada dentro de un núcleo compartido, asegurando desde la taquilla su valor monetario.

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Originally posted 2015-04-01 08:50:50. Republished by Blog Post Promoter

Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Originally posted 2014-08-18 10:27:11. Republished by Blog Post Promoter

DE: Reencuentro con los libros ( I )

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Los libros nos han acompañado a lo largo de años de historia humana, prácticamente no existe casa en que no habite por lo menos uno, son los grandes amigos, los grandes maestros, los llenos de las palabras de los muertos, los que nos hablan, los fieles compañeros. Empecemos, por definir: del latín liber, libri, membrana o corteza de árbol: Un libro es un conjunto de hojas de papel, pergamino, madera, etcétera, que se rellena con datos, de la índole que fuere con el fin de preservación de un registro, unido por un costado, protegido con tapas, y puede tratar, de esencialmente cualquier tema.

 Según la UNESCO, un libro, para serlo, ha de poseer como mínimo 49 páginas o más, esto es, 25 hojas; de modo que si el compilado tiene menos  de la cantidad citada, hablamos de “algo” que ha de ser llamado folleto; este  último entonces, tiene una extensión de tres (5 páginas) y de hasta 24 hojas. Se le da el nombre también a una vasta obra que requiere, para ser publicada, de varios tomos, que son unidades independientes, aunque también se le conoce como tal a cada una de las partes de una misma obra, como en el caso de la Biblia, aunque todas estén publicadas dentro de un mismo libro.  A éstos últimos tiempos, un libro también es el compilado en soporte digital, “libro digital”  ( 1971, 1981 sale el primero) y los que pueden ser sólo escuchados gracias a una grabación previa “Audiolibros”. Éstas son sus partes:

  • Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente
  • Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro
  • Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
  • Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro
  • Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título
  • Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca
  • Portada: se indican los datos del libro
  • Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
  • Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro
  • Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro
  • Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados
  • Cita
  • Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
  • Paratexto
  • Epígrafe
  • Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra
  • índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etcétera
  • Prefacio
  • Preámbulo
  • Presentación
  • Capítulo
  • Bibliografía
  • Colofón
  • Epílogo
  • Bibliografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra

 Los orígenes de esta maravilla, parten de las manifestaciones pictóricas de quienes nos anteceden, son estas pinturas rupestres el registro impreso más antiguo. En las edades media y antigua, reinaba entre la población el analfabetismo, para reproducir libros se requerían hombres que copiaran a mano, los ejemplares por tanto y por los materiales de que los pergaminos estaban hechos (pieles de animales) eran costosísimos, escasos y se mantenían además resguardados bajo custodia en las grandes bibliotecas (Alejandría, Bizancio) y por algunos particulares.

 El mundo de los libros es increíble, y el reencuentro con ellos es necesario, nombrarlos, como conocer al cuerpo humano y todo lo que nos crea y antecede, por reencuentro, por restauración.

Originally posted 2014-09-05 09:09:39. Republished by Blog Post Promoter

La mejor foto en vista aérea de Manhattan

Nueva York es una ciudad muy pintoresca causa sentimientos que uno a veces no sé explica porqué. En especial Manhattan, una isla que no nos quita esa emoción al recordar en películas, en fotos, e incluso, en canciones.

El fotógrafo Sergey Semenov  ganó el primer lugar en la categoría amateur de los Premios Internacionales de Fotografía Panorámica Epson.

Semenov trabaja para AirPano, viajando por el mundo para crear estas fotos panorámicas aéreas 3D en alta resolución.

Si quieren ver más trabajos de Semenov visiten su sitio web

Originally posted 2013-01-14 18:23:41. Republished by Blog Post Promoter

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Originally posted 2014-12-10 10:08:45. Republished by Blog Post Promoter

MACHINA: The body as an interface

 Por: Knuxx

@knuxxvomica

 

No es suficiente con vivir a través de la tecnología, es hora de usarla para transformarnos a nosotros mismos y entenderla como filosofía y n solo eso, sino comprenderla también como una extensión del cuerpo. MACHINA logra romper con todos los estándares, al crear un mundo donde la tecnología portable deje de ser una novedad y se convierta en una necesidad de la vida diaria.

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¿Imaginas una chamarra que tenga incorporado un software para mezclar música? Irreal, pero cierto. MACHINA, no tiene límites. Su intención es redefinir el concepto del uso de la ropa como simples prendas, al convertirlas en herramientas que complementen al ser humano al incluir en ellas tecnologías que no repercutan al medio ambiente e involucrar también causas de concientizacion ligadas al activismo cibernético, que ellos mismos denominan (h)ac(k)tivism.

El diseño de estas prendas es una parte muy importante, ya que tiene que buscar la adecuación entre el uso intuitivo y la experiencia en el uso de cada una. Tal es el caso de la MIDI JACKET V.01, por ejemplo, la cual cuenta con dos sensores, un scratch y un keypad + joystick cada uno con funciones independientes que trabajan en conjunto para controlar el volumen de la música, agregarle efectos, controlar la velocidad de la canción entre otras características.

La primer colección llamada: The Body As An Interface, está enfocada al menswear. Esta línea cuenta con t-shirts que incluyen tecnología en tintas y textiles (cambian de color al contacto con la luz solar), chamarras con tecnología electrónica  y jeans que ya están haciendo ruido en todo el mundo.

La convicción firme sobre los principios de creación e innovación de un grupo de creativos anónimos de todo el mundo que trabajan bajo el sello de una marca mexicana revolucionaria no descansarán hasta hacer que la ropa se convierta en un exoesqueleto y permitirnos expandir nuestras capacidades físicas para después llegar a integrar componentes biológicos al hacer que una prenda ya no sea parte externa del cuerpo.

Por ahora MACHINA trabaja en la elaboración de una mochila para ciclistas con leds que actúan como intermitentes y direccionales en la creación de su siguiente colección y el estreno de su pop-up shop en Common People Concept Store; la cual es, hasta ahora, el único punto de venta física o bien, comprar a través de su tienda online en su página web.

 

Más información:

www.machina.cc 

http://twitter.com/M_A_C_H_I_N_A

Originally posted 2012-08-22 10:30:07. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: Nocturna

Cuando los aspirantes a estudiar carreras que tengan que ver con animación comienzan a buscar opciones para comenzar su travesía en este medio, y de paso se interesan en expandir sus horizontes y probar suerte en otros países, seguramente en algún momento se encontrarán con la propuesta de un país que conocemos bien: España. Hay quien dice que existen muy buenas escuelas y una gran industria de animación en la madre patria, y aunque personalmente no he tenido la oportunidad de constatarlo, me ha quedado claro que este país es capaz de producir grandes proyectos de enorme calidad como el que a continuación cito.

 nocturnaNocturna (Nocturna, 2007) es una producción española-francesa dirigida por Adriá García y Víctor Maldonado que nos cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que tiene un enorme miedo a la oscuridad. Todas las noches, antes de dormir, este niño se acomoda cerca de una ventana y contempla una distante estrella que él ha adoptado como suya; al mirarla, sus temores desaparecen al sentirse acompañado y protegido. Desafortunadamente y para su sorpresa, una noche la estrella simplemente desaparece, obligándolo a indagar al respecto. Su investigación lo llevará a conocer una verdad oculta, el grupo secreto de Nocturna encargado de hacer que las noches sean como deben serlo.

 Desde extraños seres que producen el rocío matutino, empleados que se ocupan de los sonidos nocturnos, otros que se ocupan de los sueños; cada aspecto de la noche es reflejado como una compleja producción industrial. El niño conoce entonces al Pastor de Gatos, un ser encargado de reunir a los gatos para que maúllen a la luna, y es así como su amistad nace y pronto termina siendo ayudado por él. El niño y el pastor buscarán en los confines de Nocturna para resolver el enigma de las estrellas desaparecidas (porque cada vez desaparecen más y más) envolviéndose en una fascinante pero peligrosa aventura.

 La animación 2D es elegante y encantadora, ejecutada con verdadera maestría y con una paleta de colores fríos y oscuros que en verdad nos sitúa en el ambiente apropiado para la historia. La música cumple con crear una atmósfera mágica y en general el trabajo de audio es sorprendente. Es curioso cómo las voces españolas (que a veces no son del total agrado del mexicano) están muy bien ejecutadas dándole a cada personaje su propia identidad e incluso les dan clase. Es maravilloso ver cómo se ha creado un mundo que combina la fantasía y la magia con una organización como cualquier otra, una verdadera muestra de ingenio adulto y espíritu infantil trabajando en armonía.

Credit: FILMAX / Album

Estamos acostumbrados a la animación americana y oriental, a veces llegamos a olvidar que hay joyas en otras partes del mundo y es un completo placer encontrarse con estas más que agradables sorpresas. Nocturna es una película dirigida a los niños, pero ejecutada con tal maestría y amor que llega al corazón de los más grandes.  No es difícil de encontrar a la venta o incluso por internet, así que si tienen la oportunidad de verla, háganlo y descubran porque el continente europeo se ha ganado su lugar en el mundo de la industria animada.

Originally posted 2015-01-22 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

V Motion Project: la música del movimiento

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El Reactable fue un esfuerzo vanguardista por crear una interfaz de creación musical sensible a la luz y el movimiento. Este artefacto, desarrollado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, sorprendió al demostrar su capacidad y funcionamiento, una verdadera fusión entre la investigación científica y la creación artística.

En el mundo post-Kinect de XBOX, el V Motion Project lleva las cosas al siguiente nivel. Patrocinado por la bebida energética V, esta interfaz de reciente lanzamiento es una producción de Assembly, un colectivo dedicado a combinar el arte y la ciencia. Se trata de una plataforma para crear música a partir del movimiento del cuerpo humano. El baile, tradicionalmente una reacción al sonido, puede ser ahora provocador del sonido.

Los creadores produjeron un video para ejemplificar el funcionamiento de su invento. La idea, aseguran, era dejar claro que el aparato realmente funciona y cómo lo hace. Con una plataforma visual que permite seleccionar y controlar samples y efectos e imágenes generadas en tiempo real, este proyecto representa un nuevo listón en los avances tecnológicos en cuanto a música se refiere.

A decir verdad, cualquier cosa que se pueda escribir sobre él se queda corta frente a la experiencia producida por verlo en acción:

Originally posted 2012-10-29 20:00:37. Republished by Blog Post Promoter

Madre Coraje y sus Hijos al estilo revolucionario

Si eres amante del teatro y aún no has ido a ver Madre Coraje y sus Hijos de Bertolt Brecht, aún tienes una semana para asistir al Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario y disfrutar de una magnifica puesta en escena.

Foto de: jornada.unam.mx
Foto de: jornada.unam.mx

Bajo la dirección de Iona Weissberg y Aline De la Cruz, la famosa obra berlinesa de 1949 llega a México para retratar una época llena de conflictos sociales: la Revolución Mexicana. En esta versión, “Madre Coraje” cría y mantiene a sus tres hijos dentro de un régimen priista que, aunque no lo parezca, le ayuda, pues de otra manera no podría llevar a cabo su negocio.

 El elenco artístico está conformado por Alejandra Ley, Rodrigo Murray, Artús Chávez, Eugenio Bartilotti, Alondra Hidalgo, Emmanuel Cortés, Lorena Martínez, Alberto Carlos López, Larissa Urbina, Joana Camacho y Omar Saavedra.

 Para la musicalización, a partir de las partituras de Paul Dessau se compusieron corridos, rancheras y chotises, entre otros.

 Recuerda que tienes hasta el 7 de diciembre para poder asistir al CCU (Insurgentes Sur 3000) en los siguientes horarios: jueves, viernes y sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas.

Madre Coraje
 El costo, de viernes, sábado y domingo es de $150 *50% de descuento a estudiantes con credencial vigente, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS Jueves de teatro: $30 al público en general sin ningún tipo de credencial.

Originally posted 2014-11-28 12:41:56. Republished by Blog Post Promoter

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

Originally posted 2014-09-01 12:38:29. Republished by Blog Post Promoter

Ingmar Bergman TV: Regresa el cine de Bergman a la Cineteca Nacional

El cine muchas veces se puede entender por muchos por hacer cine a la pantalla grande, desestimando en gran parte a las producciones en la pantalla chica (la televisión).

 Ingmar Bergman, el muy reconocido director sueco,  ganó mucho prestigio por cintas como El manantial de la doncella (1960), En el umbral de la vida (1958),  Fresas salvajes (1957), Persona (1966), etc. Además de hacer cine a la pantalla grande incursionó  en la pantalla chica haciendo series y películas.

Fanny & Alexander
Fanny & Alexander

 La Cineteca Nacional trae una propuesta bastante diferente a la usual con el ciclo Ingmar Bergman TV, proyectando series y películas para la televisión, realizadas por el renombrado director, en las que destacan Fanny y Alexander, Escenas de un matrimonio, El rito, Documental sobre Farö, entre otras.

 Si bien, hay títulos como Fanny y Alexander, junto a Escenas de un matrimonio, ambas siendo series televisivas que fueron adaptadas a largometraje, la proyección de los capítulos serán de uno por exhibición de 5 y 6 capítulos, respectivamente.

Scener ur ett äktenskap (1974) Filmografinr: 1974/12
Escenas de un matrimonio

 Ingmar Bergman TV estará en proyección del 18 de marzo al 6 de abril de 2014.

 Más información en http://www.cinetecanacional.net/

Originally posted 2014-03-19 01:16:52. Republished by Blog Post Promoter

Chalán, pionera en la exhibición online

Hoy miércoles 21 de noviembre, Chalán se convertirá en el primer largometraje mexicano estrenado por internet. Su transmisión será gratuita vía streaming a través de NuFlick.com, un sitio mexicano especializado en distribución de cine bajo demanda en Internet enfocada en cine mexicano, independiente, alternativo y festivales. La función será a las 20 hrs. Para ingresar, sólo se pide registrase en el servicio, instalar el software y entrar al sitio en la hora anunciada para disfrutar la película.

El director del film es Jorge Michel Grau, conocido por su ópera prima Somos lo que hay, primer cinta mexicana a la que se le hace un remake hollywoodense. El guión es de Edgar San Juan, quien retrata el día a día de Alan -chofer y asistente de un diputado federal-  cuya existencia consiste en aguantar la ira y prepotencia de su superior; sortear el menosprecio de los escoltas y sobre todo, limpiar todo rastro de las travesuras del diputado.

La producción de esta película resultó una de las ganadores de la Primera Convocatoria de Apoyo a la Producción de Largometraje Telefilm Digital “Ficción 22”, impulsada por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y Canal 22.

Para registrarte y ver la película puedes dar clic aquí. También puedes visitar el sitio oficial de Chalán y encontrar diversos archivos descargables, como un póster, una playera, un stencil, entre otros.

Aquí el trailer.

Originally posted 2012-11-21 18:21:28. Republished by Blog Post Promoter

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

Originally posted 2014-08-18 10:32:37. Republished by Blog Post Promoter

Toy Story desde la música

Por Jésus Herrera

En estos últimos días se ha especulado mucho acerca de los rumores del posible estreno de Toy Story 4 y la noticia ha estado en boca de todos ¿Pero por qué es tan importante Toy Story? La historia de Woody, Buzz y sus amigos fue la primera película animada realizada en su totalidad por computadora, recaudó millones de dólares y entre otras cosas, ganó tres premios Oscar, dos de ellos fueron para Randy Newman (el creador de la banda sonora).

Eso lleva a pensar en lo importante que fue la música para el filme. Toy Story es, tal vez, la película animada más importante en la historia de la cinematografía mundial, aún así dos de los más importantes premios que ganó fueron para su música

Es por eso que en Chulavista se hizo un recuento de la música de esta cinta, que muestra las interpretaciones más “interesantes”:

You’ve got a friend in me / Randy Newman & Lyle Lovett

You’ve got a friend in me / Alex Pelzer

Strange things / En árabe

http://www.youtube.com/watch?v=2hI3GztSU4A

Cambios extraños / Ricardo Munguía

Cuando alguien me amaba/Capri Christal

I will go sailing no more / Julia Henning

Yo soy tu amigo fiel / Alex Sintek y Danna Paola (¡Crucifíquenlos!)

Originally posted 2012-07-24 11:05:35. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor del norte: la orquesta (parte 2)

Una de las cosas más característica de una orquesta es el Director. Ustedes saben, el que está enfrente de todos moviendo las manos como un loco. Su trabajo es coordinar todos los instrumentos para que puedan tocar apropiadamente una canción.

 He aquí un nuevo ejemplo de Bugs Bunny haciendose pasar por Leopold Stokowski, un famoso director de orquesta británico. Con el cual podemos darnos una idea de lo que hablaremos hoy.

 No es fácil es este trabajo. Tomen como ejemplo una plática entre amigos; cuando dos hablan al mismo tiempo uno pierde la concentración por saber qué es lo que dicen. En la música es más o menos lo mismo. Mientras tocas el violín, el compañero de la tuba te está reventando los tímpanos atrás de ti. El director se encarga de que todos suenen igual, marcar el ritmo y ordenar el sentimiento o fuerza que deben de tener los músicos al tocar.

 Sobre el movimiento de las manos que hace un director de orquesta, va siempre por tiempos. A dos tiempos con canciones simples, a tres tiempos (un, dos tres… un, dos, tres), a cuatro tiempos como los vals o a tiempo vivo donde depende todo del director. Y más que un músico, el director es el que interpreta la música en el papel, ayudado por los músicos le da la intensidad a la música para evocar sentimientos.

 Es irónico que para interpretar música todo dependa de una persona que se comunica en silencio. Y el público podrá ver diferentes movimientos: algunos bruscos, otros suaves, amplios, mesurados, etc. Pero la realidad es que hay un poco del alma de cada director en sus propios movimientos.

 Para todos comprender lo que dice el director de orquesta como tal, existe un término denominado Tempo. El tempo es el movimiento en el aire que se ejecuta para determinar el tiempo en que debe ser tocada una pieza. Los movimientos más comunes son:

  •  Allegroes el tiempo más rápido.
  • Adagioun tiempo lento y majestuoso.
  • Andanteun paso tranquilo y vivaz.

 Todos los términos musicales usualmente están expresados en italiano, y esto es porque la Ópera como tal nació en Italia. Pero de eso hablaremos después.

 Por último haré una aclaración importante. No porque exista un director de orquesta significa que son obligatorios. En la publicación pasada se veía a André Rieu tocar y ser quien dirigía al mismo tiempo. Eso es porque en la orquesta de tipo barroco se estilaba a que no hubiera nadie de guía. Él combina esa idea con la del director de orquesta tradicional para poder darle un toque más íntimo a sus conciertos.

 Esta parte de los maestros de orquesta me gusta mucho porque uno siempre bromea en serlo cuando vemos músicos. Ahora cuando esa persona esté lanzando sus manos al aire tendrán la certeza de que no está tratando de perder la peluca. Espero que este tema les haya gustado, veremos más sobre esto la otra semana y para cualquier duda no olviden que mi Twitter es @alixreyna y hablamos a la otra.

Originally posted 2014-06-06 00:42:59. Republished by Blog Post Promoter

Stephen Malkmus después de Pavement

Por Dann

@gibbsteak

 

Stephen Malkmus, músico californiano además de tener su proyecto solista –Stephen Malkmus- ha estado con bandas como The Jicks, Silver Jews, The Crust Brothers y con la que probablemente sea la más popular de todas, Pavement. Esta última banda impulsó el tan controversial género “indie” en los 90; aunque, desafortunadamente, tuvo su ruptura casi definitiva en 1999. No obstante, Pavement, “la banda de rock más fina de los 90” (nombrada así por Robert Christgau, uno de los críticos de música de más trayectoria) volvió a reunirse en 2010 con su alineación original para tocar unos cuantos conciertos en Nueva York.

Actualmente Stephen Malkmus vive en Berlín y hace poco deleitó a un pequeño público en el Museo Lüdwig en Köln, Alemania al tocar canciones de su proyecto. Chulavista Art House deja unos cuantos videos para que puedas escuchar más:

 

 

 

Originally posted 2012-08-20 16:00:30. Republished by Blog Post Promoter

Solar Year

Montreal, Canadá

 

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Este dúo muestra una nueva cara audiovisual a la intensidad lenta de ese electro que se mezcla con hip hop y R&B. Cercanos a Grimes, Solar Year acaba de editar un nuevo sencillo que acaba de ser escogido por The Guardian como el track de la semana.

 

 

 

Con información de: festivalnrmal.net

 

 

 

Originally posted 2013-03-16 21:30:09. Republished by Blog Post Promoter

Ozzy Osbourne regresa a México

11084243_10153265077097318_258984718900687844_nDespúes de un largo tiempo, los dioses de la música nos han escuchado, Ozzy Osbourne regresa a México el próximo 20 de agosto para presentarse en la Arena Ciudad de México en compañía de Black Label Society.

 En esta ocasión estará presentando Memoirs of a madman, su más reciente producción, la cual es una compilación realizada en octubre del 2014 que incluye  algunos de sus éxitos más importantes en su carrera como solista.

 Memoirs of a madman, CD-DVD, contiene canciones como: Crazy Train, Mama, I’m Coming Home, I Don´t Wanna Stop y No More Tears. En el DVD están los videos Lightning Strikes, Breaking all the Rules, Mr. Tinkertrain, I Don’t Want to Change the World, Let It Die, entre muchos otros.

  Zignia Live dio a conocer que la banda norteamericana de heavy metal, Black Label Society, liderada por “El Rey Vikingo de la Guitarra”, Zakk Wylde, compartirá escenario con el Principe de las Tinieblas, en la que será su tercera presentación en nuestro país.

Los boletos salen a la venta este 25 de marzo a través de Super Boletos, con precios que van de $425 a $1,825. No olviden que también se presentará en la Arena Monterrey el 18 de agosto.

Originally posted 2015-04-01 15:33:26. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Originally posted 2014-09-10 09:00:15. Republished by Blog Post Promoter

NY77: El año más frío en el infierno (Primera parte: Hip Hop)

NY77: The coolest year in hell (o NY77: El año más frío en el infierno, en su traducción al castellano) es un documental dirigido por Henry Corra que recoge los testimonios directos e indirectos de los testigos y sobrevivientes de un año lleno de convulsiones y, sin duda, de un gran año para la música y las artes. Las voces de figuras como Gloria Gaynor, Al Goldstein, Hilly Kristal y Tommy Ramone, entre otros, logran que este documental sea una fiel testificación del boom cultural en Nueva York dentro de esta etapa tan peculiar.

 Hoy la ciudad de Nueva York es mundialmente conocida como la ciudad que nunca duerme, la gran manzana; ciudad cosmopolita de luces eternas, capital de los centros financieros más apabullantes, hogar de artistas y diseñadores de alta alcurnia, lugar donde conviven la opulencia y la pobreza.

 Si alguna vez escucharon a alguien decir la típica frase que se encuentra arraigada en el ideario popular mexicano “Estados Unidos no tiene cultura alguna”, es probable que ese alguien no haya oído de la cultura del consumo y Nueva York está en el centro, al menos hoy.

 ¿Siempre fue así?

 Tal vez. Pero también hubo un año que parecía ser el impulso de la destrucción creativa. En realidad el término no es mío, es un término que ha aparecido en distintos tipos de literatura desde Bakunin quien sostiene que “la pasión por la destrucción es una pasión creadora” hasta Joseph Schumpeter quien subraya a la creación destructiva como un elemento esencial de la dinámica capitalista. En fin, dejemos la anarquía y la esquizofrenia a los brokers de Wall Street.

 En el año de 1977, Nueva York parecía ser una Constantinopla moderna en caída libre. La tormenta perfecta se gestaba desde la psicosis colectiva que provocaban los homicidios perpetrados por el asesino serial llamado “El hijo de Sam”, las ondas de calor, la inminente bancarrota financiera, el apagón de 24 horas; la suciedad y la furia.

Sin luces,  sin comida,  pero con toneladas de licor.
Sin luces,
sin comida,
pero con toneladas de licor

 The Bronx, Manhattan, Queens, Brooklyn, Harlem, los conocidos distritos de Nueva York aparecieron dentro de la caótica gran manzana como un territorio fértil para jóvenes que buscaban una identidad y para quienes vieron a las oportunidades pasar de largo; hablaré de dos movimientos culturales especialmente icónicos para el último tercio del siglo XX en Estados Unidos: el hip-hop y el punk.

 El apagón

En la noche del 13 de julio de 1977 la ciudad de Nueva York sufrió un memorable apagón que comenzó en el Bronx siguiendo por Manhattan, Queens, Brooklyn y Staten Island, la ciudad comenzó a volverse loca, los actos vandálicos asediaron la ciudad entera; cristales rotos, balazos, incendios y enfrentamientos con la policía.

¡Apagón!
¡Apagón!

“Los comunards quemaron el Museo Louvre: el acto artístico más radical del siglo XIX…”-King Mob.

 Sin intentar defender alguna u otra posición con respecto al vandalismo, el apagón fue testigo de la peor cara de Nueva York, aunque también mostró una ventaja para los DJ’s en ascenso; la explosión cultural del hip hop fue en gran medida avivada por el robo masivo de equipos de audio, muchos de los cuales se encontraban inalcanzables para gente que se hallaba haciendo música en esos momentos: los llamados sound system. Los sound system se encontraban en un campo de batalla continuo, las peleas entre DJ’s se hallaban en medio de la escena hip hop; el que tenía mejor equipo ganaba las contiendas, fama y reputación. A veces el fin justifica los medios, depende de qué fin y de qué medios, por supuesto.

Incendio tras apagón.
Incendio tras apagón.

 La necesidad de pertenecer conjunta con la marginación, se vuelven una semilla, que bien dirigida, puede llevar consigo grandes cambios que resultan en un fenómeno—millonario en estos días—como el hip hop. La gente (sobre todo del Bronx), sólo contaba con la música para combatir con los grandes males que toda gran ciudad sufre. Un ejemplo de esto es el de  Afrika Bambatta & The Zulu Nation, conocido como “el padrino del Hip Hop”, quién a través de la música, trató de integrar a chicos con problemas de pandillas y adicciones con el fin de canalizar el talento de los barrios marginales convirtiéndolo en expresiones artísticas.

 La música, el baile y el graffiti, conformaron la triada perfecta para la cultura hip hop. El DJ, el break dance y el arte callejero tuvieron un auge sin precedentes en el sur del Bronx, surgiendo como una alternativa a la emergente escena punk y a la música disco, que estaba ganando terreno en la escena musical neoyorquina y con ella, la revolución sexual, un fruto directo de la década de los sesenta.

Originally posted 2014-08-05 01:16:37. Republished by Blog Post Promoter

Necesario rescatar el paisaje sonoro: Manuel Rocha

Más allá de composiciones musicales, el sonido es una materia prima que permite generar ambientes y paisajes que, según Manuel Rocha, investigador en arte sonoro, “en este momento constituyen un patrimonio artístico que hay que conservar”.

Si lo que el artista sonoro busca es dejar de ser “compositor de notitas”, debe salirse de su estudio y encontrar en el sonido un medio para recrear el paisaje, por ejemplo, pensar cómo sonaría la respiración de la tierra o de los árboles, explicó Rocha.

Algunos artistas sonoros como Manuel Rocha, Roberto Morales y Walter Schmidt formaron parte del elenco del concierto mediante el cual se presentó el libro Variación de Voltaje: alteraciones a la historia de la música electrónica mexicana del periodista y crítico musical, Carlos Prieto.

Intrumentos musicales acústicos, computadoras y sintetizadores se conjuntan para crear paisajes. Foto: Catalina Lara.

Durante este evento se combinaron instrumentos como el arpa y las maracas con computadoras, sintetizadores y consolas para crear piezas que llevaron al público a experimentar desde una convivencia con la naturaleza hasta sumergirlo en una atmósfera de profunda oscuridad y desolación, todo esto mediante el sonido.

Entre una presentación y otra, Prieto realizó una pequeña entrevista a los artistas invitados, quienes dieron su particular punto de vista respecto a la creación sonora y su relación con la sociedad moderna por medio de la tecnología, recurso que “obliga al artista a cambiar su forma de trabajo”, dijo el autor del libro.

Al respecto, Roberto Morales, pionero de la aplicación de la inteligencia artificial en la música mexicana, explicó que la tecnología “ha hecho que se abandone la seguridad que daban las partituras de que una obra iba a quedar bien desde antes de tocarla por primera vez”.

Por su parte, Walter Schmidt, líder del grupo musical Decibel, hizo referencia a la influencia de la literatura en la creación sonora, la cual “se usa como pretexto para crear piezas. Desde los años 70 hemos seguido la tendencia de recrear las atmósferas de los libros, es algo que se ha usado en la música progresiva desde hace muchos años”, apuntó.

A lo largo del evento, el cual tuvo lugar en el auditorio Divino Narciso de la Universidad del Claustro de Sor Juana, Carlos Prieto agradeció a quienes hicieron posible la realización de Variación de Voltaje, las palabras de gratitud fueron extensivas al público que lo acompañó.

Con la presentación de esta enciclopedia de música electrónica y electroacústica dio inicio Aural, foro dedicado al sonido que forma parte del Festival de México (FMX) y que concluirá el 19 de mayo con el concierto Nicho Aural.

Roberto Morales, pionero de la aplicación de la inteligencia artificial en la música mexicana. Foto: Catalina Lara.

 

Originally posted 2013-05-16 17:07:45. Republished by Blog Post Promoter

POETUITEROS: LOS POETAS DE TWITTER

No cabe duda que la tecnología crece a pasos agigantados y siempre hay que mantenerse a la vanguardia, aunque, en algunos aspectos, los métodos tienen que permanecer. Por ejemplo: el escultor sigue utilizando su martillo y cincel, el pintor sus pinceles, pero el poeta ha comenzado a buscar y renovar su pluma y su hoja por un archivo y varios otros lo han cambiado por 140 caracteres.

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¿Poetas en Twitter? El espacio virtual para nuevos poetas, para muchos una burla, para otros un lugar donde escribir bellas frases. Algunos afirman que las tonterías cursis escritas en Twitter son una ofensa y que no pueden ser consideradas poesía, pero para muchos otros, que gustan de escribir, han encontrado su lugar ideal en este mundo virtual, desde frases de amor hasta pensamientos profundos que se deben analizar con bastante detenimiento.

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Aquellos que hacen poesía en Twitter son conocidos como poetuiteros. Muchos cuestionan el uso de esta herramienta (en algunos blogs se habla de ser solo un truco para conquistar), para otros hacer poetuits es la forma de expresar sus sentimientos y emociones comprimiéndolas en una pequeña frase. Algunos hacen burla de los poetuiteros, llamándolos “princesos” otros admiran sus creaciones y les dan follow, retweet e incluso marcan los tweets como favoritos.

Hace varios años los poetas esperaban años he incluso décadas para que sus versos fueran leídos, ahora con la ayuda de Twitter, las creaciones de éstos son leídas apenas unos pocos segundos después de dar clic en twittear. Muchos agradecen esa facilidad y utilizan sus cuentas de Twitter para mostrar sus más bellas frases como @SinUsuario_, @norespiro_, @PsicoVersos entre muchos otros (si gustas de leer frases bonitas, románticas o simplemente buscas una linda frase para dedicar).

Al final del día, siempre es interesante leer frases lindas, románticas y reflexivas que entre muchas otras, alimenten el alma y la imaginación.

Originally posted 2013-09-24 15:39:14. Republished by Blog Post Promoter

Prosolve, obra de arte anti smog

Parece un panal, pero es un hospital. Llama la atención la textura de la pared construida a base de hoyitos irregulares, la cual está sobrepuesta a un muro blanco, tan ordinario como cualquier otro; sin embargo, lo más interesante de esta construcción no es su semejanza al hogar de las abejas, ni sus propiedades decorativas que convierten un recinto poco agradable en una fachada atractiva, sino que tiene un valor agregado, pues este diseño limpia el smog y mantiene al edificio libre de contaminantes.

Fachada del Hospital Doctor Manuel Gea González.
Foto: Reforma.

Esta imagen corresponde al Hospital Doctor Manuel Gea González, cuya construcción, encomendada por la Secretaría de Salud a la empresa ICA, emplea el material Prosolve, el cual convierte el smog en sales no tóxicas e impide su paso a este edificio que, por sus futuras funciones, deberá permanecer sanitizado.

El prosolve es un material plástico de origen alemán, el cual tiene un recubrimiento de dióxido de titanio que al entrar en contacto con la radiación solar, los rayos ultravioleta y el smog, genera una reacción química que produce sales, mismas que se limpian de la superficie con la lluvia, según declaró Josué Hoil, Gerente de Proyecto en ICA, para el diario Reforma.

Además de limpiar el smog, este material protege al edificio de la luz y reduce las radiaciones solares, lo cual permite ahorrar energía porque el espacio concentra menos calor y, por ende, se puede minimizar el uso de aire acondicionado, detalló Holi.

Sin embargo, el prosolve tiene una particularidad estética, pues su forma es similar a la de un panal que, al ser montado en una fachada, logra un efecto visual llamativo capaz de embellecer espacios y volver agradable un sitio que tiende a ser deprimente, tal como es un hospital.

Panel de Prosolve.

Cada panal de prosolve se compone por cinco partes y el hospital cuenta con un patrón armado por 500 bloques elaborados con un total de 2 mil 500 piezas para cubrir alrededor de 10 metros cuadrados. El panel utilizado para el muro del edificio tardó 45 días en construirse.

El Hospital Doctor Manuel Gea González ya puede ubicarse en las vialidades de Tlalpan y San Fernando, al sur de la Ciudad de México; sin embargo, la obra, iniciada en junio de 2011, aún está inconclusa y se estima su término en noviembre de 2013. El presupuesto para este proyecto fue de mil 200 millones de pesos.

El mérito de este edificio está en su contribución al cuidado del ambiente y de la salud de los pacientes del hospital, sin embargo, es notable el efecto estético que ofrece este panel geométrico a muros simples; obras como esta permiten darse cuenta de que el velar por una mejor calidad del aire es un arte indirecto.

Originally posted 2013-07-29 17:27:10. Republished by Blog Post Promoter

Les Adieux

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Les Adieux.

He pensado incontables ocasiones acerca de las despedidas.
De tanto escudriñar llegué a una conclusión;
Ellas con su manto son idénticas a la naturaleza.
Habitan entre nubladas estepas, otras empapadas con frialdad ártica, llana y raquítica envuelven la irrepetible despedida,
las hay teñidas de color desierto, áridas y mudas,
incluso llegan a ser coléricos discursos donde lo incineramos todo,
sin embargo para otros se contemplan como alboradas,
siendo solemnes ceremonias de proporciones primaverales,
semejantes a brotes de Nardos, incesantes bríos multiplicados incansablemente durante el día y la noche.

 Yo,
las he vivido en todos sus aromas existentes,
han sido compañeras maltrechas,
otras frutos inconclusos,
algunas más coléricas que otras salpicaron mí pasado,
escupiendo una voz tempestivamente grotesca hirieron al remanente que nos queda y al cual llamamos recuerdo,  yo, tú  y algunos otros llevamos la memoria entre puñales.

Parecíamos inseparables ellas conmigo, yo con ellas,
hasta que reconocí ésas que alimentan al alma y no al remordimiento,
son ellas las ceremonias desbordadas  entre tonalidades de Abril semejantes a semillas ya germinadas.

Reconozco que:
Acerca de las inconclusas y sus tormentos,
Son ellas como un choque en el rompeolas, trance repetitivo vaivén nutrido de un frenesí doliente entre rocas.
Que con cada golpe viene una erosión irreparable.
voy plomizo ante tanta andanza y desencanto,
intento esconderme de ellas;
ya sea detrás de un inquieto arbusto, detrás de todo un continente,
sin duda,
ellas,
las despedidas siempre me encuentran y pienso:
–Todo son lecciones pues un río no canta sin su eco, yo de día/noche siempre camino con mi sombra; y aquel desolado eco de montaña no es mudo pues alimenta a todas las Araucanias, a las floridas Retamas sin llegar a olvidar al espinoso Cardo–

Así me ha sucedido,
Todos los cantos de Ceremonias me han encontrado,
me perforan,
me llegan,
me acusan,
me habitan,
las acepto y conservo en mi rincón Pardo
Al ellas desenterrarme nace una sonrisa llena de pureza, voy en plenitud despierta de todos mis sentidos,
¡destellantes!
apuntando siempre al azul cielo.
Tales ceremonias me transforman,
son la sal del océano,
el fruto del árbol,
la sangre en la herida.
Para mis ojos, somos inseparables.
Las despedidas alimento que permite seguir caminando,observando…
Meditabundo voy,
Pareciese que mi vida por momentos sólo se convierte en desprendimientos,
Ser un testigo vivencial de mi propio  desmembramiento,
tan parecida a la naturaleza misma con ojos de estruendo al observarnos,
Ella madre creadora atestiguando nuestros  lánguidos y cíclicos infortunios pues quien a muletas se traslada lleva aquel punzante peso de la herencia.
Por largos lapsos así pareciese nos embarcamos, navegamos sin mástil ni direcciones.
Confirmo que no solo de dolor se habla, existen tantas glorias pasajeras e ínfimos frutos de felicidad, aprendamos pues que:
–Ningún llanto es eterno y el desprendimiento es el síntoma vital de la naturaleza–
Ella, se fortalece en silencio,
¡lo mismo comienzo a practicar yo!
que en tantas ocasiones
he callado, tantas otras enardecí como tormenta,
sigo aprendiendo el arte de vivir, mi deseo es conquistar mí propia cumbre
Aun me falta toda otra vida para lograrlo
ya que mi montaña es tan escarpada como la cordillera andina.
Agradezco que viva esta ceremonia, este adiós pasajero, pues sin él jamás nos hubiésemos encontrado, mil gracias al inamovible pasado, a mis muertos y a los que renacieron.
Allí donde esté mi vuelo también tendrán un nido en el cual reposar apaciblemente.
Me llevo su fortaleza y su comunión,
Toda mi gratitud
Todas mi sonrisas… todos mis silencios para ustedes.

 

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Ilustraciones por: Diáfana & Niña Arbol

Originally posted 2015-03-19 11:21:02. Republished by Blog Post Promoter

Viernes de Remixes: Arctic Monkeys

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Rompiendo un poco con lo habitual, en éste Lunes de remixes decidimos probar algo diferente para celebrar el lanzamiento del track más nuevo de Arctic Monkeys: “2013“.

Los resultados al remezclar una muy buena canción de rock generalmente son inesperados y no siempre garantizan resultados sorprendentes, pero con “505” del disco “Favourite Worst Nightmare” nos llevamos un muy buen sabor de boca: sin muchas complicaciones y con arreglos precisos tenemos como resultado un remix que no le pide mucho a la versión original, conservando el estilo de la banda. Un muy buen acompañamiento a su nuevo sencillo que seguramente no podrán dejar de escuchar. ¡Disfruten¡

Originally posted 2013-07-23 17:04:41. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo Revólver, muestra fotográfica en el Futurama

El rollo dañado forma una textura estelar sobre la imagen  donde se vislumbra a un muchacho ascender sobre una rampa en su bicicleta, el fondo negro y el flash apuntando hacia la superficie lo hacen parecer como si hubiera alcanzado la luna.

Ésta y otras escenas capturadas son parte de la exposición  fotográfica  que Colectivo Revólver presenta en el Centro de la Juventud, Arte y Cultura,  Futurama, ubicado en la colonia Lindavista.

Inaugurada el pasado primero de Junio, la muestra está conformada por el trabajo de siete fotógrafos de distintas disciplinas, desde un geógrafo,  arquitecto, restaurador y hasta estudiantes de fotografía profesional. Todos ellos trabajaron no sólo en las fotografías sino en la curaduría y el montaje.

La galería nos presenta un recorrido por las distintas caras de nuestro México contemporáneo en más de 30 fotografías: los pasajes bucólicos de la sierra, la vida citadina, el oficio de pescador en contraste con la policía en de la umbría ciudad, peleas callejeras, rostros cansados, jóvenes divirtiéndose, retratos de la gente de nuestro tiempo y globos de cantoya jugando a ser estrellas sobre el firmamento.

En palabras de uno de los integrantes, Claudio Valle, la exposición busca mostrar cuestiones sociales llenas de sensibilidad.

Esta primera exposición de Colectivo Revólver nos devela el gran talento que puede tener un grupo de jóvenes fotógrafos cuando su meta es disparar para dar en el blanco de la sensibilidad del momento y demostrar que si se pone atención, hay grandes historias en lo que pudiera parecer cotidiano.

Ascenso por Gabriela Trejo
Ascenso por Gabriela Trejo

Originally posted 2013-06-11 12:32:09. Republished by Blog Post Promoter

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Originally posted 2014-10-20 09:00:58. Republished by Blog Post Promoter

Review: Se Levanta el Viento

Ok, ok, ya nos hemos retrasado con el recuento de animación mexicana y aún falta para llegar a la animación japonesa. Pero la verdad es que las noticias no esperan a nadie y los acontecimientos siguen llegando. Hace poco se llevó a cabo la entrega de los Oscares y mencionábamos que la ganadora, Frozen, tuvo a una digna rival a vencer. Esta película es nada menos que la última obra del famoso director japonés, Hayao Miyazaki. El título, The Wind Rises, o en español, Se Levanta el Viento.

 Finalmente la espera terminó y la película ha sido mostrada en algunas salas de nuestro país. Gracias al festival internacional de cine de la UNAM, este servidor tuvo la oportunidad y el gozo de verla. En otra ocasión indagaré en el legado de Miyazaki y el Estudio Ghibli, pero para los conocedores de este artista saben que cuando se habla del buen Hayao, se habla de buen cine. La cinta es simplemente magnífica.

THE WIND RISES. © 2013 Nibariki - GNDHDDTK

 Ciertamente no es algo para todo público, puede haber algunos sectores que no gusten de este tipo de narración o del tema que toca la cinta. Se trata de la historia de Jiro Horikoshi, diseñador de aviones que vivió en la época de la gran depresión de Japón, por los tiempos del levantamiento Nazi e Alemania. Mucha polémica ha generado esta historia ya que el trabajo de Jiro fue usado para fines bélicos, uno de los hechos más representativos fue el bombardeo a Pearl Harbor.

 No obstante resulta fascinante como el tema de la guerra queda tratado al mínimo, sólo lo necesario. La película no es bélica, sino que es una historia de la determinación humana, el trabajo para lograr nuestros sueños y el valor de la amistad y el amor. Al tratarse de Ghibli ni siquiera vale la pena buscar errores en la animación o el arte de la cinta, todo siempre resulta impecable. Las metáforas, la estética y ese mundo de sueños que solo Miyazaki nos puede dar termina convirtiéndose en una película sin más, extraordinaria.

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 El primer tercio pudiera tornarse un poco pesado y lento para algunos, pero eventualmente la historia nos atrapa y nos cautiva. Personalmente, esta cinta me dejó una sensación de gran placer y melancolía por pensar que podría ser el último trabajo de este genio. No es fácil verla hoy día por cuestiones de distribución, pero si les es posible encontrarla, admírenla y prepárense para un viaje lleno de emociones e imaginación. Un agasajo a los sentidos, Se Levanta el Viento, una película que te hace volar. A continuación, el trailer de la película.

 

Originally posted 2014-03-20 00:51:00. Republished by Blog Post Promoter

Abrir ventanas en el espíritu

Catarsis, plenitud alcanzable con la transformación interior. Permite liberar ataduras, remover emociones encontradas, equilibrar. Cuando en el teatro se logra esto a través de una obra poderosa tanto en texto como en dirección, escenografía, iluminación, vestuario, musicalización, etc., el público lo recibe con el corazón, porque  encuentra la magia que posee la experiencia teatral y deja una parte de sí en el producto generado a manera de intercambio con los responsables. Hacer teatro debe ser un ritual solemne, donde se honre a la vida desde cualquier arista posible, comunicando un mensaje íntegro, sólido. No importa el género elegido para contar la historia, sino que la historia misma sea contada con efectividad.

 Harwan es estudiante de teatro, está a punto de presentar la tesis con la que se graduará, para terminarla debe entrevistarse con el autor que lo ha inspirado a formularse la cuestión de la necesidad del teatro en el mundo actual. A pesar de tener la cita pactada desde hace meses, los planes han cambiado y le han ofrecido una residencia artística, pero para ella necesita el título, por lo tanto entrevistar al autor, entregar la tesis así como argumentar su defensa en un tiempo menor al que tenía planeado. Harwan deberá alcanzar al artista en Rusia, país donde se encuentra montando su nueva puesta, deberá realizar un viaje para descubrir si está listo para dedicar su vida al teatro, encontrando lo que había olvidado de si mismo en el camino.

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“Las grandes obras de arte guardan un secreto”

 Hugo Arrevillaga toma dos textos de su autor de cabecera, Wajdi Mouawad, para cruzarlos en una sola historia. Solos y Sueños se funden en Ventanas. El resultado es una dramaturgia que suma la ambición de enmarcar al arte como respuesta a la identidad humana de Mouawad, sobre la delicada y vertiginosa técnica de Arrevillaga a la perfección. Esta fantástica obra teatral toma forma en la Caja Negra del Centro Universitario de Teatro.

 Dentro del discurso propone viajar hacia el ser, enfrentarse a la realidad en una aventura que lleva el tiempo medido, sabiendo que aquello que se busca es precisamente lo que no se va a encontrar, además de que se pueden perder muchas cosas en el trayecto, de las cuales uno nunca está consciente pero que ahí están, aferradas. Empero, existe un peligro más grande al decidir no actuar: volverse común. La esencia de Mouawad parte la narrativa desde un lugar común para explotar al máximo la idea de los nexos que guarda todo autor con su obra. Por medio de la belleza de las palabras en poesía absoluta y equilibrio, transporta un problema a un mundo amplio y complejo.

 Casi se puede tocar la sensibilidad que produce hablar de las decisiones que tomamos en la vida, en esperanza de alcanzar aquello que nos proponemos, desear a través de las órdenes mientras intentamos sostenernos frente al mundo. Aquí la meta es el autoconocimiento mediante la vía teatral, como un espacio para expiar, nutrir o perdonar. El mensaje del autor original orilla a transformar todos los sentimientos que aparecen durante toda la puesta en un factor común, del cual forman parte y a la vez generan: la vida.

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“Nadie puede ser tu amor y tu jaula al mismo tiempo”

 La dirección sujeta esta visión sobre un desfile de imágenes tan ambicioso como efectivo, en el que cada elemento que aparece brilla y justifica su existencia. El ritmo es persistente, aprovecha en muchos momentos la sabiduría de la inmovilidad, combinada en un trazo que refleja una batalla contra el dolor de saberse incompleto. Puede ir de la fuerza a la suavidad tanto en el diálogo como las acciones con entera ligereza, pues hay una constante en la construcción: franqueza y amor, sólo así se puede hablar de la pérdida para comenzar de nuevo. Amén de la genialidad encerrada en los giros de tuerca de la trama.

 Esta es una obra hecha para todo el público, pero en especial para aquellos que se quieren dedicar, se están preparando o son ya gente de teatro, a cualquier nivel. Si bien la base de Mouawad convoca a no renunciar a los sueños por más incoherencia que puedan tener (sino luchar por darles forma y que lleven un cauce correcto) al unirse con el sentido de Arrevillaga el mensaje es claro para decirnos que la única forma en la que las metas se alcanzan es con la ayuda de otro, porque los seres humanos tenemos la necesidad de ser gregarios para poder sorprendernos constantemente y no ahogarnos en la monotonía.

 El director convoca a 14 actores -estudiantes en la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM–  para darles la oportunidad de formar un mismo personaje, dividido en todas las formas con las que se concibe, un ser que se refleja de manera constante pero no puede reconocerse en ese reflejo, tan solo percibe un espectro de color que logra entender que posee un alma. Así, Tania Sofía Álvarez Núñez, Iván Caldera, Eduardo Carranza, Elena Del Río, Liliana Durazo, Xóchitl Galindres, Kevin M. García Gallardo, Alejandro Guerrero S, David Illescas, Daniela Luque, Geovanna Moo Caamal, Arantza Muñoz Montemayor, Eduardo Orozco y Nicolasa Ortiz Monasterio entregan un trabajo de calidad y firmeza que deja ganas de seguir presenciando más de estos jóvenes, verlos brillar en más y más puestas gracias a la muestra de talento y dedicación que ejecutan.

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“La existencia se fue, me abandonó”

 Arrevillaga deja una lección a estos alumnos como a todo creador teatral en general: el teatro tiene el poder de tocar para dejar algo en la audiencia, expresar críticamente los aspectos sociales de repercusión contemporánea. Contar historias desde un espacio escénico no es tan solo un ejercicio de entretenimiento, es la posibilidad de formar mejores personas a través de la narración, apartados de la cuestión moral, más bien cultural, o bien simplemente estar ahí con las palabras precisas para quien necesita contactar con su humanidad tan perdida en una sociedad de avaricia entre tecnologías reemplazantes. Ahí está la belleza de esta profesión, a la cual más que lealtad o respeto hay que darle orgullo y forma de ventana.

 Pero sobre todo, concluye como un acto de demanda social pertinente y muy justo. Algo que desgraciadamente necesitamos con desesperación en estos tiempos violentos que enfrentamos en México es reconocer y actuar por un cambio. No son 43 normalistas desaparecidos, ni tampoco las más de 700 muertas de Juárez o las víctimas sin justicia resuelta del caso de la guardería ABC, es la de existencia impunidad ante los delitos que existen sumada a la incompetencia para su esclarecimiento. Cuando el sistema reacciona en contra de aquellos para los que debería trabajar, es momento de alzar la voz, contagiar la rabia y mostrar una oposición efectiva, sostenida en hechos, no en simbolismos. De nueva cuenta el teatro es una respuesta que demuestra como el arte nunca será ajeno al terreno en el que se manifiesta.

 Ventanas es sencillamente uno de los trabajos más enternecedores y válidos de la cartelera mexicana. El método para identificar la autenticidad y la pertenencia. La oportunidad de entender como el teatro cambia la vida. 

“El arte es una ventana en medio de un muro”

Originally posted 2014-11-03 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

Como ser “una hija de tu madre”

En México, el 10 de mayo fecha instaurada en 1922 para celebrar a las Madres, es considerada la segunda festividad más importante del año después de Navidad, y no es para menos, ya que la figura materna es un pilar de la nación en la que vivimos.

Desde la época prehispánica, Coatlicue ha sido la patrona de la vida, una deidad mexica que da vida a los dioses, un símbolo de la fertilidad y fuerza, con serpientes por faldas y garras por pies y manos. Una danza entre la vida y la muerte. Tras la conquista, la Virgen de Guadalupe  hizo su aparición en el culto católico mexicano, llenando de fervor a una nación creyente entera, mediante un relato que aún enuncia las palabras de la figura al indígena San Juan Diego:

“No estoy yo aquí que soy tu madre”

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 En el caso de la pintura, autores como José Clemente Orozco, en  su mural “La maternidad”, expresa no solo los inicios del muralista, sino una remembranza directa a Boticelli sin exaltar lo divino, no evoca a una deidad, sino a la condición que nombra a una mujer en el acto de tener un hijo. Junto a sus contemporáneos, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, buscaron exaltar el esfuerzo, posición y lucha de llevar ésta profesión 24 horas diarias hasta el fin de la existencia, sin tener que esperar absolutamente nada a cambio.

 Vaya, somos un país dónde incluso existe un Monumento a la madre, espacio escultórico con los fines ya sabidos de enaltecer la cultura matriarcal y exaltar la posición femenina dentro de una sociedad machista, en la cual  se aspira a imprimir el respeto por la máxima fémina.

 Baileys cree que el mundo es un lugar mejor cuando la mujer brilla dando lo mejor de sí misma y en esta ocasión crea el movimiento #HIJADEMIMADRE, para que este 10 de mayo las mujeres mexicanas celebren en quien se han convertido hoy, agradeciendo y rindiendo tributo a su mamá.

 ¿Directo? ¿Hilarante? ¿Atrevido? El nombre del movimiento tiene una razón de ser: la relevancia del papel de las madres es tal, que en México además de ser el miembro de la familia más celebrado, el concepto madre ha trascendido barreras lingüísticas, integrándose al argot cotidiano de maneras insospechadas que pueden ir de halagos a insultos con sólo unos cuantos cambios de entonación.

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 #HIJADEMIMADRE es un movimiento que gira en torno a una de Las más comunes frases coloquiales que si bien se puede interpretar de muchas maneras ahora adquiere un nuevo significado que genera orgullo entre las mujeres con actitud.

 Unirse al movimiento es sencillo: sólo hay que compartir imágenes y mensajes en redes sociales a través del hashtag #HIJADEMIMADRE, reconociendo públicamente el por qué eres una hija de tu madre. A partir de hoy, decir “soy una #hijademimadre”, es demostrar con orgullo la enorme gratitud que sentimos por mamá.

 Este movimiento #HIJADEMIMADRE nos permitirá conectar con las mujeres y transmitir este mensaje de orgullo y celebración de una manera creativa, cautivadora y emocional. Donde Baileys será parte de la celebración del vínculo entre madre e hija este 10 de mayo.

 ¡Se una hija de tu madre!



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Originally posted 2014-05-01 02:09:19. Republished by Blog Post Promoter

White Ninja

Monterrey, México

 

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Sounds Like Cocoon Fever tiene que ser uno de los discos más extraños editados aquí o en el mundo, por ser un funk fantasmal con guiños al glo-fi y a la esquizofrenia del pop. En vivo aterrizan del espacio sideral y se tornan igual o peor de fascinantes y elásticos.

 

 

 

Con información de: festivalnrmal.net

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HISTORIA DE LA CHINA POBLANA

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Fajilla de raso de algodón, con su blusa dorada de puntos de cruz, de colores o de hilos preciosos, con su rebozo siempre cruzado sobre el pecho, falda no tan larga y bordada, y una belleza encantadora. Esto era lo que caracterizaba a la “china poblana”.

 ¿Pero que es lo verídico en todo esto? ¿China o Poblana? Una historia que sin duda muchos poblanos la cuentan a su manera, en realidad otras personas no saben la historia de este hermoso personaje que forma parte de la historia de Puebla de los Ángeles.

Lo cierto es que esta peculiar figura sus raíces son hindúes. La “chinita” se llamaba Mirra y había nacido princesa en las remotas tierras del Gran Mogol o Mogor, o sea la India. Así que aunque todos le decían “china” cariñosamente, porque así se usaba entonces decirle a la servidumbre femenina y joven, Mirra no era china sino indostana o india.

Se cuenta que cuando tenía ocho años, Mirra fue secuestrada por unos piratas portugueses, sería en Portugal donde cambiarían su nombre a Catarina y posteriormente sería vendida a un comerciante que la trajo a México, por Acapulco.

tumblr_m12gpy8bpg1qe3ybbo1_500Cuando llego a Puebla, un matrimonio poblano no tenía hijos y compraron a la chinita para adoptarla como hija, aunque siguió siendo esclava. Así, quedó en casa de los Sosa entre ahijada y sierva. Mirra era bellísima, aprendió con sus padres adoptivos a hablar el español, a cocinar y a hacer labores de aguja, pero se negó a aprender a leer y a escribir.

 Catarina se hizo muy popular por su belleza y manera muy peculiar de vestir, a la usanza hindú. Cuando salía a la calle siempre llevaba un manto que le cubría la cabeza y parte de la cara y doblándolo de mil formas distintas, como el sari de las mujeres en la India. Desde esta época, Catarina gozó de la piadosa estimación de buena parte de la sociedad poblana y contó con el apoyo de la prestigiada Compañía de Jesús así como con la de otros clérigos.

Don Miguel Sosa murió en diciembre de 1624 y en su testamento dio la libertad a Catarina quien se quedó, propiamente, en la calle. La recogió el clérigo Pedro Suárez y vivió en la pobreza haciendo vida ascética y siempre vestida con su indumentaria de saya, manto y toca.

Catrina vivió 82 años y murió el 5 de enero de 1688. La muchedumbre asistió a su entierro, actualmente hay un monumento a la “china poblana” en Puebla.

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Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

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Con sabor del norte: Los videojuegos, un nuevo escape artístico

La primera publicación siempre es la más emocionante porque pone las cosas en la mesa. Aquí me presento: mi nombre es Alix Benazir Reyna Flores, una orgullosa Tamaulipeca que gracias a las coincidencias que se visten de destino, escribe hoy aquí.

 Yo no sé muchas cosas, por eso tengo curiosidad en investigar lo que sea. No lo sé, es un tic que siempre he tenido. Y hoy quiero hablarte de algo muy curioso que le ha pasado al arte de un tiempo para acá.

 Tal vez en tu infancia fuiste un niño o niña que tuvo un Nintendo 64 en su casa y tenías pocos videjuegos. Seguramente en algún momento te dejaron de llamar la atención, sino, me alegro por ti porque sabes de lo que voy a hablar.

Portada de MARIO KART para Nintendo 64

 Al pensar en arte, los videojuegos no son algo que te viene a la mente. Yo te diría que lo pensaras dos veces. Los videojuegos se han estado convirtiendo en una fuga para todos esos guionistas, dibujantes y músicos por todo el mundo. La razón de esto es muy simple: encontrar espacio donde puedas hacer arte y que te paguen bien por ello es casi imposible. Casi nadie piensa en utilizar el arte en un videojuego porque no es una idea usual.

 Mi ejemplo favorito es Ken Levine, un guionista que trató suerte en Los Ángeles y no lo logró. Sin embargo se hizo desarrollador de videojuegos y ha creado la saga de BIOSHOCK, considerada una obra maestra por muchos. Levine no sólo rescató música de los veintes, treintas y cincuentas, sino que cambió éxitos de todos los tiempos a una versión de antaño. Las ciudades que te presenta son visualmente increíbles a la vez que provoca melancolía y terror. Busca cualquier soundtrack de BIOSHOCK y te aseguro que mínimo bajarás una canción.

En cuanto a historia yo considero que The Last of Us tiene una mejor narrativa que muchas películas. La verdad es que muchos cineastas quisieran la oportunidad de desarrollar videojuegos porque los llamados gamers no sólo conocen la historia sino que se comprometen con ella hasta el final.

Panorama de THE LAST OF US.

 En campo visual los diseñadores tienen un lienzo en blanco para trabajar. Aunque la historia sea burda, hay quienes sólo juegan para ver el detalle del trabajo, como me pasó a mí con de Alice Madness Returns y su País de las Maravillas.

ALICE MADNESS RETURNS en la ciudad acuática

 No es casualidad que la Orquesta de Londres toquen canciones de la Leyenda de Zelda, ni que muchos pianistas toquen temas de Final Fantasy. Existe todo un mundo artístico dentro de los videojuegos al que todavía le falta crecer. Ojalá si eres un artista le pongas atención y lo intentes, te da más libertades creativas de las que crees.

 Para cualquier tema artístico que desees saber, sólo dime. Mi cuenta es @alixreyna para lo que se te ofrezca, seguramente yo al principio tampoco sepa pero tengo el extraño y maravilloso don de explicar cosas muy complejas en ejemplos muy simples y entretenidos.

 Tas este breve panorama, espero que mi saborsito norteño te guste y sigamos platicando seguido.

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Estación Delay estrena primer temporada

El camino de una banda es abrupto, es difícil, mas no imposible, algunas bandas le ha costado bastante ubicarse dentro de la escena musical, sin embargo, la satisfacción de recorrer la sendera del rock siempre marca a la banda, dándole personalidad e incluso historias que contar, cantar y tocar.

Bienvenidos a Estación Delay, disfruten de nuestra estadía, siéntanse a gusto, bienvenidos a un lugar donde podrán platicarnos de su trayecto, de lo acontecido en el camino y sobre todo hacer lo que más les gusta: tocar su música.

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Pónganse cómodos y disfruten de la estadía musical todos los jueves a partir de las 19 horas por medio de www.chulavista.mx a través de Radio Chulavista.

Programa conducido por Leon Del Real y Viko Zarate

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Superman: human after all

En numerosas ocasiones, encontramos gente a quienes no les gusta Superman porque parece un ser demasiado extraordinario que todo lo puede, además de ser un máximo icónico del paradigma del bien. Sus únicas debilidades son la kryptonita y la magia, su pinta de boy scout azul y su copete, le dan un aspecto un tanto ñoño. Sin embargo, Kal-El en Krypton, Clark Kent en la tierra, y mejor conocido como Superman, es un personaje cuya compleja dualidad han sabido explotar en los cómics para mostrar las debilidades humanas.

El primer caso, y uno de los mejores logrados, es Lex Luthor: El Hombre de Acero. En 5 números publicados en el 2005, la historia de Brian Azarrello, ilustrada por Lee Bermejo, se centra en Lex Luthor explicando el porqué de su odio hacia Superman. Para Luthor, Superman es amenaza por ser extraterrestre, sus poderes lo ponen por encima de la humanidad y en cualquier momento podría volverse loco y matar a todos. Además de que su aparición representó, una muestra del retraso humano, pues la tecnología y fuerzas del kryptoniano demeritan los esfuerzos ancestrales de la humanidad.

Al final Luthor vence a Superman, no de forma física sino moral. El monstruo es Superman y Luthor sólo busca la independencia del hombre ante un protector que nunca pidió.

Lex Luthor: El hombre de acero

En 1986, en dos números escritos por Alan Moore (creador de Watchmen y V de venganza), y dibujados por Kurt Swan, nos presenta un escenario tras la muerte de Superman en ¿Qué le pasó al hombre del mañana? (Superman 423 y Accion comics 583). La historia es contada por Louis Lane después del suceso; sin duda es un cómic muy oscuro, Bizarro se suicida por su personalidad contradictoria, varios amigos de Superman son asesinados, Brainiac posesiona al cadáver Lex Luthor y Superman tiene miedo de morir.

Su búsqueda del bien mayoritario lo lleva, por primera vez, a matar a alguien rompiendo su juramento. Herido por esto, decide renunciar a sus poderes para aceptar una aparente muerte como ser humano.

Previamente, en 1985, a cargo del mismo Moore, en colaboración con Dave Gibbons, se publicó Para el hombre que lo tenía todo (Superman anual 11). Kal-El vive en Krypton, llega a casa por la noche después de un día de trabajo, está a punto de ver a su esposa y a su hijo, pero al abrir la puerta descubre que es una fiesta sorpresa por su cumpleaños, sí, es feliz, pero todo es un simple sueño provocado por una planta parasitaria, Black Mercy.

Si bien, esto es culpa de Mongul, enemigo del hombre de acero, lo importante es que se conocen los anhelos más profundos de Kal-El, pero en su alucinación, Krypton se ha corrompido, hay una crisis política, su prima Kara yace en el hospital, y comienza a dudar de su vida “perfecta” hasta que, en una escena donde, con lágrimas en los ojos, le dice a su hijo, “No creo que seas real”, despertando enfurecido, en busca de venganza.

Dicho evento es retomado en el episodio homónimo de la serie animada La liga de la justicia ilimitada, en 2004.

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En uno de los casos más recientes, y próximo a ser estrenado en este mes, Injustice: Entre nosotros hay dioses es una serie escrita por Tom Taylor. Con motivo del videojuego homónimo, esta historia nos presenta un mundo alternativo donde Superman se vuelve un dictador. Todo comienza en una etapa feliz de Kal-El, Louis Lane está embarazada y todo parece ir bien. Pero el Guasón, con el gas del Espantapájaros, lo engaña haciéndole creer que Louis es Doomsday. Superman mata a Louis y a su hijo, mientras el Guasón destruye Metrópolis. Lleno de rabia y dolor, Kal-El mata al payaso y decide instaurar la paz en el mundo a cualquier precio. Incluso pierde su amistad con Batman.

Hay muchos casos que se podrían mencionar, sin embargo estos han sido los más emblemáticos porque van hacia los extremos del hombre de acero, desde sus anhelos más preciados hasta sus arrebatos de ira cuando las cosas no salen bien.

En Máscaras de la ficción (2002), Román Gubern describe con suma precisión la razón de la popularidad del personaje: “La dualidad Clark Kent-Superman, con un personaje tímido, frustrado y con gafas, y su triunfal alter ego volador, propone una apariencia gris como máscara de una personalidad fascinante, sugiriendo así al lector aquejado de complejos de inferioridad cuán poco conocen los demás su auténtica y deslumbrante personalidad real, aunque oculta.”

Kal-El siempre será quien todo lo puede, pero su educación con seres humanos, y los valores que sus padres le transmiten con la tecnología kryptoniana, le hacen entrar en una compleja moralidad. Simplemente, Superman es humano, porque fue un personaje creado por humanos, Jerry Siegel y Joe Shuster, y para humanos.

Originally posted 2013-06-12 18:36:03. Republished by Blog Post Promoter

Isabelle Manhes, desafiando las pasarelas

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Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.

Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.

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Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.

 

No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:

 

#Bahidoritos

https://twitter.com/Doritos_MX

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Originally posted 2014-02-06 16:55:32. Republished by Blog Post Promoter

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Originally posted 2015-02-09 12:43:33. Republished by Blog Post Promoter

Nickelodeon y Cartoon Network: patrocinadores oficiales de las mejores infancias

Desde donde mi mente alcanza a recordar, las caricaturas que más me han gustado y que recuerdo perfectamente, incluso algunos diálogos de ellas, pertenecen a estas dos cadenas. Y no sólo yo, amigos y amigas de mi edad lo recuerdan perfectamente. Ya sea en el Canal 5 o en televisión de paga, todos disfrutamos por años de las caricaturas de Nick y Cartoon. Desafortunadamente, en la actualidad la calidad de su programación ha disminuido de una manera imperdonable. De caricaturas de la talla de The wild Thornberrys, a un triste, aburrido y sin sentido Sam & Kat, Nickelodeon ha dejado de ser un canal respetable. Lo mismo Cartoon y su Ben 10: todo mal.

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 No obstante, no estoy aquí para resaltar las carencias que actualmente inundan a estos dos canales, todo lo contrario: ¿por qué Nick y Cartoon se encargaron de hacer infancias felices a todos nosotros, los actualmente mayores de 20 años? Yo creo que el humor que se manejaba en las caricaturas que nosotros veíamos era un humor extraño. No puedo explicarlo con palabras, pero caricaturas como Coraje el perro cobarde o Aaahh!!! Monstruos, daban como cosita al verlas.  ¿Quién no recuerda esas escenas tan bizarras de Coraje? como cuando Don Justo se convierte en mariposa. Es rarísimo. O Krumm coleccionando uñas de pies humanas en un cofre.

 La Vaca y el Pollito, sin duda era de esas caricaturas que bien no podrían figurar en el género infantil por su contenido ácido e irreverente, pero que nos mataba de risa. Con el simple hecho de que una vaca y un pollo aparecieran como hermanos enfrentando situaciones adversas y graciosas era suficiente, además de esa alegoría al diablo con Trasero Rojo… ¡que belleza!

 Otra característica de una infancia feliz producto de las caricaturas de hace más de diez años, era cuando querías ser como los personajes de las mismas. Por ejemplo, cuando yo veía Rocket Power me entró el deseo de aprender a andar en patineta y patines. Cada que veía un capítulo deseaba vivir en la playa, surfear y pasarla así de padre como en Costa del Océano o patinar en Pueblo Loco, donde por cierto el dueño tenía rastas y era súper relajado. Por otro lado, de Hey Arnold! lo que más nos gustaba a muchos era su cuarto y las cosas tan cool que tenía, como su despertador. Era padrísimo que siempre estaba rodeado de amigos jugando baseball en la calle, además de que era el chico más honesto del vecindario, el cual era parecido a algún suburbio de Nueva York, y todos recurrían a él cuando tenían problemas. Helga era la mejor: era la niña abusiva del grupo y estaba enamorada en secreto de Arnold. Cómo olvidar el altar de él que tenía en su armario o cuando se quedó atrapada en su habitación el día que perdió su diario y cayó en manos de Arnold y Gerald.

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 Creo que he olvidado mencionar a Las Chicas Superpoderosas, quienes fueron las heroínas de muchas niñas de mi edad, y  a Johnny Bravo, cuya historia salía en esas pequeñas cápsulas que se llamaban Biografía Toon, donde también pudimos ver las biografías de Pikachu y Tablón, de Ed, Edd y Eddy. También se me estaban olvidando los Rugrats, cuyos primeros capítulos siempre van a estar entre mis favoritos, ya no tanto su última versión, la de los Rugrats Crecidos. Aunque pareciera que crecimos a la par.

 Creo que podría hacer una lista larguísima de por qué las caricaturas de Nick y Cartoon marcaron la vida de muchos desde la década antepasada. Una mezcla entre humor negro e inocencia era lo que los productores de dichas caricaturas intentaron plasmar por años y que, afortunadamente, muchos de nosotros a veces reproducimos, ¿o me equivoco? Qué gloriosos y felices tiempos.

Originally posted 2015-01-15 15:50:45. Republished by Blog Post Promoter

“Miles de mujeres”, el nuevo video de Álvaro Díaz

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El pasado 22 de diciembre Álvaro Díaz, el rapero boricua que desde el año pasado ha estado pegando duro en México y Puerto Rico respectivamente, estrenó su último video el cual corresponde al tema “Miles de mujeres”. Este tema, a dúo con el reggaetonero Randy Nota y producido por Young Martino, lo hemos podido escuchar desde hace unos meses en su cuenta oficial de SoundCloud, sitio donde se encuentran todas las rolas de Alvarito

 “Miles de mujeres” es uno de los temas más cursis y melosos dentro de las rolas de Álvaro, ya que su concepto es un poco más gangsta, sin embargo, este tema inspira a más de uno a dedicarlo. El video, dirigido por Edward “Shoury” Santana, está presentado a modo de film, donde el protagonista es Álvaro y una chica que aparece como su pareja. Al estilo de Pulp Fiction, los dos asaltan una cafetería y una tienda de autoservicio, mientras Randy y otra mujer los esperan en un auto

 Del trap, twerking y las groupies que siempre aparecen en los temas de Álvaro, con “Miles de mujeres” cambia un poco este concepto al hacer una “versión” de Bonnie y Clyde, la cual se ve reflejada a través del video, mismo que hasta el día de hoy lleva más de 21 000 reproducciones en YouTube.

Originally posted 2014-12-26 12:36:39. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

DRAMATURGIA DE BATALLAS PERDIDAS

 “Si fuera un copo de nieve, por lo menos tu y mamá se detendrían a ver mi caída”

“Si fuera un copo de nieve, por lo menos tu y mamá se detendrían a ver mi caída”

 

 

 Tendríamos que reconsiderar y reivindicar las posturas por demás necesarias del arte. La dramaturgia tiene ya varias batallas perdidas ante la indiferencia de un público consumidor, es un oficio por demás olvidado y con  “por demás” nos referimos a: por muchos ni siquiera conocido, y eso que es antiquísimo. Es este el modo de vida de algunos de los talentosos artistas dedicados al teatro. Según la Real Academia Española: la dramaturgia es la Concepción escénica para la representación de un texto dramático. Es, en realidad, siguiendo modos tradicionales, de donde surge la concepción primera: El dar a luz al fenómeno dramático, el lugar en que los demonios convergen y susurran al oído del dramaturgo la historia, el fin, el pacto. El lugar en que todo nace. Después el texto se someterá a otros hierros, que por hoy no abordaremos.

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 Es necesario a la par reconsiderar a sus hacedores. Luis Santillán es un dramaturgo mexicano conocido sólo entre los creadores de teatro y alguno que otro fugado de la sociedad, y es aquí donde la vergüenza debiera amodorrarse. Son ellos, los hacedores, los que debieran ganar terreno en el fenómeno social y no actrices de Telenovelas ni los productores de televisoras, son batallas perdidas, sin moralismos.

 Los dramaturgos viven, no del mejor modo, de colarse por los resquicios del arte a partir del escrito. Santillán es ganador del Premio: Primer Concurso de Dramaturgia Pasión por el Teatro UAM-Xochimilco 2004- con la obra La historia ridícula del oso polar que se quedo encerrado en el baño del restaurante, el mismo año fue Finalista del Cuarto Concurso Palabra de Teatro con la obra Reflejos, entre otros premios.

 Tal vez lo más atípico de Luis Santillán será que tiene un lado femenino por demás desarrollado, que es en realidad, el mismo que lo ha llevado a escribir textos sólo con, y para, personajes femeninos. Es, incluso, a la vista un personaje femenino por sí mismo. Nos habla todo su ser a través del estilo, de una sensibilidad portentosa para entender y descifrar, por ejemplo, lados humanos de personajes de la historia que hasta hoy han sido deshumanizados sólo para ser colocados en extremos artificiosos. Léase: Malintzin (mención honorífica del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera, 2008) o Juana de Arco en Abdicación; lo mismo delinea con precisión problemas de disfuncionalidad que terminan en la fractura del hilo de la vida de una niña Autopsia a un copo de nieve (Premio nacional de dramaturgia INBA- Baja California 2005) que como funámbulo va por el hilo de una vida que se desmorona y como un sino, dejará tras ella el vacío Polvo de hadas (finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo).

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 Luis Santillán no es sólo un dramaturgo escribiendo problemáticas que aquejan a la sociedad hoy día; es capaz de hallar lados humanos sensitivos que fungen de hilo conductor entre las emociones humanas del espectador-lector y las de los personajes. Vale la pena prestar los sentidos a los resultados finales de su dramaturgia y a la dramaturgia en sí misma de un personaje fresco, innovador y sensible al servicio del arte.

 Puedes conocer su  dramaturgia en la obra De batallas perdidas  a estrenarse en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico, del 30 de Junio al 10 de septiembre del 2014, miércoles 20:30. Hrs. $ 150

Puedes consultar sus obras en:

http://espanol.dramaturgiamexicana.com/index.php/profile/574-luis-santillan

Originally posted 2014-07-21 11:05:27. Republished by Blog Post Promoter

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Originally posted 2014-08-28 14:41:43. Republished by Blog Post Promoter

El Diosero

“Y ya tenemos ante nosotros al nuevo dios que ha brotado de sus manos mágicas. Es más basto éste que el anterior, pero menos hermoso. El lacandón lo eleva hasta la altura de sus ojos y lo contempla unos instantes; parece estar muy engreído con su creación.”

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No me atrevería a afirmar y decir que son pocas las veces en que se trabajan las letras de maneras tan profundas y, sobre todo tan mexicanas.Puede mencionarles algunos autores mexicanos que han sobresalido y marcado la literatura tanto en México como en América.

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Por ejemplo: Juan Rulfo, el mejor narrador que se nos ha ofrecido, tanto así, que se asegura que al escucharlo, parecía que se estaba leyendo uno de sus relatos; Octavio Paz, un “mexicanólogo” distinguido por la precisión de sus letras y su irrefutable erudición; Alfonso Reyes, uno de los intelectuales fundadores junto con José Vasconcelos del Ateneo de la Juventud, responsable de grandísimas labores en la difusión cultural; Fernández de Lizardi, escritor y periodista considerado el iniciador de la novela en América; Jaime Sabines, que sin lugar a duda es uno de los mejores poetas del siglo XX; Rosario Castellanos, Edmundo O’Gorman, Alí Chumacero, Carlos Monsiváis, Daniel Cosío Villegas, Francisco Rojas González…

 Éste último, gran escritor, cuentista y etnólogo galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 1944. Entre sus múltiples obras –“La negra Angustias”, etcétera- la más pasional y aguda lleva por nombre El Diosero.

 El Diosero está conformado por 12 cuentos (“Hículi Hualula”, “Las vacas de Quiviquinta”, “La triste historia del pascola Cenobio”, por nombrar algunos) en los cuales se aprecia el remarcable ejercicio antropológico sobre aspectos sociales, políticos, religiosos -o quizá mágicos- dentro de ciertas poblaciones indígenas en nuestro país.

 Durante la lectura, se descubre el inquietante y complejo mundo de los otomíes, yoremes, huicholes, chinantecos, mazahuas; recorriendo grandes y pequeñas regiones, desde San Marcos Yólox, hasta Bataconcica, Tezompan o Nequetejé.

 La creación de escenas y detalles ligados a las raíces indígenas más puras y sinceras proporcionan una excelente forma para conocer y valorar culturas que se extienden desde el norte al sur.

 El gran problema al enfrentarnos a este tipo de lectura, atañe prejuicios y falta de conocimiento por nuestra parte. Sentimos que no pertenecemos ni tenemos algo que ver con aquellos indígenas que de alguna u otra forma, han participado en la historia y han moldeado el presente de nuestra tierra.

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 Anteriormente mencioné el descubrimiento de un mundo complejo. A decir verdad, más que complejo, bien podría ser desconocido.

 En uno de los cuentos, Rojas González escribe en la voz de un indígena huichol: “Nos es más fácil nosotros comprender el mundo de ustedes, que a los hombres de la ciudad conocer el sencillo cerebro de nosotros”. El autor nos permite entrever las dificultades que atraviesan los foráneos para introducirse al mundo indígena pero, ¿no será acaso que las dificultades se las ponen ellos mismos, los hombres de ciudad, justificando su egoísmo en la supuesta civilización?

 El Diosero es uno de los pocos libros que representan una fiel observación e investigación, inmersa de historia, fantasía y cultura mexicana. Los relatos presentan tramas que bien podrían ser situaciones reales, lo cual refleja que el autor conocía y abundaba bien sobre el tema.

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Siempre di nunca: Magallanes en el MACG

 

El diseñador Alejandro Magallanes en una sútil e irónica crítica, con la que desarrolla su primer exposición individual, utiliza un conjunto de recursos didácticos que aparentan ser tan básicos, infantiles, incluso burdos al emplear en relativa apariencia un “lenguaje infantil” con el fin de involucrar al expectador y forzarlo en cierto modo a emplear su “elemental” imaginación que le permita cuestionar sus propias formas de apreciación de lo cotidiano y de lenguaje, hasta incluso sonreir con obviedades que quizá cualquier niño curioso sería capaz de no pasar por alto.

En efecto, para quien disponga de un momento para disfrutar de fotografías, videos e instalaciones con algunos matices de exagerada simpleza, podrán evaluar el resultado creativo del autor e incluso la sátira en ocasiones poética que emplea en los títulos de su obras.

Integrada por una amable explicación del deshago infantil, Magallanes exhibe con videos caseros a niños que golpean piñatas, fotografías que ilustran una sátira lírica en sus títulos e incluso el nombre de una de ellas queda a consideración de lo que resulte al observador.  Enseguida, emplea una colección de siluetas con las que redefine el uso de ciertos enunciados y sustantivos comunes. Su última instalación como aderezo final, incluye una ligera y reflexiva comicidad sobre un “ajeno visitante” que no se encuentra físicamente dentro de la exposición

La entrada no tiene costo , salvo el permiso para tomar fotografías que es de $10. Siempre di nunca estará en exposición desde el 1ro. de junio hasta el 2 de Septiembre en el Museo de Arte Carrillo Gil.

Más información en: http://www.museodeartecarrillogil.com/

 

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Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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Vampire Slayer

Mexicali, México

 

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El tecladista de Maniquí Lazer explora su lado de psicodelia y vudú con esta impresión monumental de ambient y ruido post mundo. Su reciente grabación, Psychic Hex, explora los estados alterados de la noche.

 

 

 

Con información de: festivalnrmal.net

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