“Llamadas de Ámsterdam” Juan Villoro

Leí yo  “Llamadas de Ámsterdam” por ganas francas de tener la firma de Villoro en un libro escrito por él, es infantilismo claro, y de corriente no me fascina que me rayonéen los libros manos ajenas por muy sus creadores que sean. En todo caso no llevaba ningún otro libro de su autoría y no llevaba tampoco mucho dinero para el acto. De modo que terminé comprando un libro en el bienamado recinto del INBA porque Almadía tuvo a bien llevarlos y compré “Llamadas de Ámsterdam” que se ajustaba al presupuesto del momento.

Juan Jesús colocó la tarjeta en el teléfono y marcó el número de Nuria. Escuchó su voz en la contestadora, el tono fresco y optimista con que la conoció, aunque en el fondo sólo conocemos optimistas, ¿quién anuncia sus miserias desde el primer encuentro? No dejó mensaje.

 Narra un fragmento en la vida de Juan Jesús, de su historia con Nuria, básicamente los retazos de ésta. Propiamente una historia de desamor y desencuentros, justo como el la cataloga. En la red las reseñas que hablan de ella, la alaban de muchos modos.

 Si bien se hace evidente el oficio de escritor, está presente, que Villoro es considerado un intelectual del tiempo que nos aqueja, ésta novela en particular me suena a trabajo por encargo o falto de inspiración o de compromiso. El estilo se le nota, pero hay algo en la historia que no cuaja, que la idea es buena se me pasa por la cabeza porque lo he oído de alguien y no lo creo tan cierto. A mi me cae bien Villoro pero no pretendo que me quiera. De modo que con total libertad puedo decir que mejor se ahorren la novela.

 Aunque si piensan en no seguir el consejo, les dejo la liga en que se encuentra el escrito, publicado primero en España y luego por Almadía, que es una editorialaza eso sí.

 

Review: Bob Esponja, un héroe fuera del agua

Han pasado más de 10 años desde que Bob Esponja, uno de los personajes más populares de Nickelodeon, llegara a los cines en su primera película. Este fin de semana el simpático personaje ha regresado a la gran pantalla con una nueva aventura. La pregunta aquí es si este personaje sigue robando el corazón de miles tras varios años de estar al aire, la respuesta es un rotundo sí. Ciertamente la serie ha perdido el encanto para muchos, sin embargo la película de la que hablaré hoy vino a demostrar que los habitantes de Fondo de Bikini aún tienen algo que dar.

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 Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua (The SpongeBob Movie: Sponge Out of Water, 2015) es una cinta que rescata lo mejor de esta caricatura y sabe aprovecharlo con lo que la actualidad ofrece. La historia se centra (para variar) en la codiciada fórmula secreta de las Cangreburguer que tras desaparecer misteriosamente provoca un caos en el fondo del mar. Un escenario post apocalíptico, seguramente parodiando cintas como Mad Max (Mad Max, 1979), y un misterio que apunta a Bob Esponja Pantalones Cuadrados como el culpable de aquel cataclismo. Es de ese modo como Bob y sus amigos emprenden la travesía de buscar la fórmula en una historia que nos lleva desde viajes en el tiempo hasta el acercamiento al “extraño” mundo de los humanos.

 En primer lugar destaca el trabajo de arte y animación, el cual es sencillamente sublime. Secuencias de animación 2D genialmente elaboradas, escenarios muy bien diseñados y un trabajo de animación 3D que no pierde calidad en ningún momento. Cabe mencionar también el esplendido trabajo de sincronizar a personajes en CGI con escenarios y personas Live Action, en verdad el espectador olvida que está viendo seres creados por computadora y no tarda en aceptar que todo puede ocurrir en un mismo universo.

 El humor que muestra la película es el esperado, situaciones que rayan en lo absurdo y a veces infantil, pero no por eso volviéndose un fracaso. Es una película que los pequeños adorarán y los adultos disfrutarán mucho. No es necesario ser un seguidor de la serie para entender y disfrutar la cinta, sin embargo debo enfatizar en que aquellos que nunca han encontrado gusto por esta caricatura definitivamente la detestarán. Hay quien dice que la película volvió a la calidad de la serie cuando inició, y debo decir que es cierto aunque con el plus de la animación más evolucionada.

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 Otro punto a favor de la cinta es la actuación de Antonio Banderas, que funge como un villano genérico pero muy funcional en la película. Es evidente que este actor disfrutó y se divirtió en el proceso de producción, y eso se agradece ante el resultado final. Quizá el único punto a mejorar que encontré en la película es el exceso de elementos, es decir, es una película que tiene mundos en destrucción, universos paralelos, viajes en el tiempo, súper héroes y animaciones abstractas que podrían causarle un dolor de cabeza a algunos. Si son capaces de aceptar y querer gozar de todo lo que esta película les ofrece, les aseguro que tendrán una experiencia muy agradable con una cinta que sin llegar a volverse un clásico, cumple con la tarea de entretener, sacar más de una carcajada y dejar más que satisfechos a los seguidores de la esponja.

Vista al Futuro: Película de los Supersonicos

Como bien sabemos, los famosos reboots o reinvenciones de los clásicos animados ha estado de moda desde hace varios años. Personajes como Scooby Doo, El Osos Yogui, Los Picapiedra y Don Gato han dado el salto a la pantalla grande y a las nuevas generaciones, algunas con mayor éxito que otras, pero indudablemente siempre nos produce curiosidad ver como enaltecieron o arruinaron las caricaturas que muchos veíamos de pequeños… o seguimos viendo.

 Hace algún tiempo se habló de una adaptación Live Action de la popular serie de Hannah Barbera, Los Supersonicos (The Jetsons, 1962), misma que recientemente ha sido desmentida por Deadline, quien informó que se ha confirmado la realización de una película basada en esta caricatura, sin embargo, se ha llegado a la decisión de que la cinta sea animada.

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 La película será adaptada por Warner Bros y escrita por Matt Lieberman. El director y la trama de la cinta aún son desconocidos, aunque algunos opinan que podría respetarse a quien estuviera considerado para dirigir la versión en acción real, Kanye West.  Tampoco se ha confirmado si la adaptación continuará con la animación 2D que caracterizaba a la serie o si se hará una versión en 3D como sucederá con los personajes de Charlie Brown y Popeye próximamente.

 Recordemos que ya existe una película animada sobre estos personajes hecha en 2D y con un ligero uso del CGI (que en esa época era casi irreal para los espectadores) y que la serie en cuestión tuvo una duración total de 4 años dividida en 4 temporadas. Una de las creaciones más populares de Hannah Barbera, ya veremos si esta nueva película le hace justicia y logra el gran reto, gustar a las nuevas generaciones acostumbradas a otro tipo de caricaturas.

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¿Qué?

¿Qué ha sido de la nieve?

¿Qué de mi literario encierro?

Y el empedrado de aquel Pueblo

El lejano recuerdo de la rosa de la montaña

¿El rumor del río?

Y mis pies desnudos, helados

como rojos pececitos.

Inundados…

El jadeo en el cielo abierto

Enmarcado amor en los peñascos del tiempo

Y el eco

Y la certidumbre de un eterno

El lejano aullido

El temor a la embestida de un toro ficticio

Esperar la nieve

Esperar que pase la tormenta

Esperar, siempre esperar, esperarte

Y también lo aquello y lo incierto

Y lo falso y lo inexistente

Y lo efímero y lo que nos pervierte

Y  vienen de ti, emergen, de ti vienen

Repito: los adjetivos que nos pervierten

Porque lo mío es decirte los ojos niños

es decir el sol y los trinos

y alimentar a mis demonios

de tu carne y de tu sino…

 

 

Alesana regresa a México en marzo

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Después de tanto esperar, Alesana, la banda de post-hardcore de Carolina del Norte, regresa a tierra Azteca el próximo 14 de marzo en SALA (Puebla #186 esq. Insurgentes). El año pasado la agrupación lanzó un EP titulado Decade, con motivo de sus 10 años como grupo, así que es muy probable que lo escuchemos en su visita.

Las canciones Nevermore y Double or Nothing ya fueron lanzadas, puedes escucharlas en YouTube, así como el resto, 6 tracks que contiene este EP. Y si te preguntas qué pasó con la canción Fatima Rusalka, no te preocupes, será incluida en la siguiente producción de larga duración.

Los boletos ya están disponibles en Ticketmaster, así como en las taquillas de SALA. Los precios van de 380 a 800, sin cargos. Corre por los tuyos y no te pierdas la oportunidad de ver a esta banda.
https://www.youtube.com/watch?v=8CfFgnZ0XKY

El tiempo entre costuras

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Cuando vemos series o películas, usualmente son recomendadas de boca en boca o por qué a lo mejor vimos algún promo en internet o en la TV. Así fue como conocí “El Tiempo Entre Costuras”, un amigo me la recomendó.

 “El Tiempo Entre Costuras” es una mini serie española de 17 capítulos la cual es una adaptación de la novela homónima del mismo nombre de la escritora María Dueñas. La novela salió en 2009 y en 2012 se convirtió en un Bestseller no solo a nivel nacional sino también mundial, de ahí que saltara a la televisión en 2013 gracias a Cadena 3.

 Está serie trata de una costurera de origen madrileño llamada Sira que en un principio siguiendo al supuesto amor de su vida sale de España poco antes de la Guerra Civil Española y comienza una nueva vida en Marruecos, en un comienzo pareciera de tintes románticos el contenido, pero no se dejen engañar conforme avanza la historia se ve todas las tragedias de las que es víctima Sira y cómo, por azares del destino, termina con el corazón roto, sin poder regresar a España debido a la guerra, fundando un taller de costura en Tetuán (capital del protectorado español en Marruecos), teniendo a cuestas cargos de robo de los cuales ella no tenía ni idea, vendiendo armas de forma clandestina para poder subsistir por mencionar algunas situaciones de las que Sira será participe hasta antes de La Segunda Guerra Mundial.

El Tiempo Entre Costuras

El Tiempo Entre Costuras A la par de sus desventuras mientras zurce vestido tras vestido conocerá a personas sumamente importantes las cuales la harán parte de una red de ciudadanos encubiertos que impedirá a toda costa que España forme alianza con Alemania pues no resistiría otra guerra.

 “El Tiempo Entre Costuras” ha sido nominada a los premios británicos C21 International Drama Awards y galardonada en los Premios FyMTI (Festival y Mercado de Televisión Internacional) celebrados en la ciudad de Buenos Aires, Argentina y no es para menos pues no solo los actores son excelentes sino también la ambientación; que va desde España de los años 30, España post-guerra, Marruecos e incluso Portugal (pues en algún momento la protagonista debe viajar allá). Aunado a ello, la vestimenta de los personajes, siempre a la última moda según la época, incluyendo maletas de marcas como Louis Vuitton y los exquisitos vestidos confeccionados por Sira que intentan imitar a los grandes diseñadores como Coco Chanel.

 “El Tiempo Entre Costuras” se puede ver a través de Youtube o Netflix y creo que es una buena opción a considerar cuando se disponga de tiempo libre pues es una serie histórica que tiene; drama, moda, acción, intriga y romance.

 

Nao ninshiki: ¿Quieres ser un cíborg?

Hace unas semanas atrás, por calamidades que ya están escritas en la palma de mi mano (las cuales, por desgracia, ninguna bruja quiere enseñarme a leer), visité un hospital y digamos que, ahora sé porque es uno de los lugares más desagradables que existen.

 Gradualmente, y con el paso del tiempo infinitamente más largo dentro de estos edificios, es inevitable entrar en preocupaciones de índole espiritual, reflexivo, psicológico y hasta ficcional… como lamentar no haber nacido en el 3000 d. C. y solucionar los problemas de salud con un simple reseteo y un contrato en el que se lea: Este documento establece su autorización para el formateo de su corazón y cerebro electrónicos, después del cual, usted podrá seguir viviendo normalmente. Cualquier posible daño o pérdida colateral es bajo su pleno consentimiento. Firme aquí.

 Quizás, convertirse en un cíborg (un organismo parte humano, parte máquina) ayudaría a eliminar muchos males humanos, enfermedades por ahora incurables, incluso la eliminación de defectos y debilidades arrastradas por miles de milenios como la vulnerabilidad del hombre al clima o a los accidentes… qué decir de la evolución de los hospitales a modernas boutiques de prótesis, chips y trueque de células madre.

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 Pero ¿debí usar la palabra ficcional para el ejemplo? ¿de verdad implica la absolución de mi empacho de hospital y de enfermedad, el convertirme en un ciborg? Para algunos, es sólo cuestión de tiempo que estos nuevos seres sean más que una realidad, uno de ellos es el más grande defensor y pionero en investigaciones de vinculación humano robot que habita el planeta, Kevin Warwick.

 El Capitan Cyborg, así bautizado por The Register (portal londinense de noticias sobre tecnología y ciencia), ha iniciado un plan para enlazar exitosamente los organismos humanos con los mecanismos electrónicos y cibernéticos, y para ello, él ha apostado la cosa más admirable para su misión: experimentar con su propio cuerpo.

 El profesor en cibernética y robótica por la Reading University de Londres, tiene entre sus diversos e importantes reconocimientos el ser considerado una de las personas más influyentes en el curso de la humanidad, debido a los hallazgos y resultados de sus experimentos, enlistado junto a personajes como Galileo, Einstein, Curie, Nobel, Oppenheimer y Rotblat… así que ya puedes imaginar la talla de lo que a continuación te contaré.

Gallery_Image_6608 Su nombre es Proyecto Cyborg y su objetivo es responder qué sucedería si el hombre se fucionara con un ordenador. En 1998, a las 4:00 pm, en algún lugar de Gran Bretaña, un chip transmisor fue incrustado en el antebrazo de Warwick. Después de la cirugía, el científico podía controlar remotamente puertas y otros dispositivos gracias a este chip en su organismo.

 El éxito de este experimento radica en la excelente aceptación del cuerpo por aditamentos sintéticos dentro de él. Cuatro años después la segunda parte del proyecto (Project Cyborg 2.0) fue realizada nuevamente en el brazo del profesor Warwick, pero esta vez, el implante probaría la fructífera comunicación entre un ordenador y el sistema nervioso del hombre.

 El resultado: el Capítán Cyborg logró controlar una prótesis de brazo y una silla de ruedas con los impulsos recibidos y enviados al ordenador desde su brazo y viceversa. Otros datos recogidos en esta prueba fue la comunicación entre dos sistemas nerviosos de manera puramente electrónica a través de Internet (para lo cual un dispositivo similar fue injertado en la esposa de Kevin Warwick).

  Estos dos hechos probados hace 12 años, dan cuenta de lo palpable que es un futuro cercano lleno de estas interacciones cada vez más profundas. Y es a partir de estos sucesos que el camino se torna mucho más complejo.

 La tecnología siempre ha contado con dos caras de su realidad: una tan oscura que nunca se prevee el alcance negativo de su mala o inadecuada implementación; y una tan clara y brillante que nos enamora y nos rendimos ante las mieles que nos vierte en los labios.

 La bioética junto con los distintos cuestionamientos sobre la implementación y prejuicios de una posible sociedad cíborg o humanos cibernéticos, aterriza e intenta protegernos de la cara negativa de este paso evolutivo. Una aterradora pero factible idea de sometimiento, de un control interno y a distancia que superaría los terroríficos sueños de Orwell y Huxley, donde la vigilancia y coacción cuarten la libertad de los seres humanos desde los cuerpos.

 La Corporación VeriChip, subsidiaria de Applied Digital Solutions, ( compañía estadounidense) vende desde el año 2001 implantes con información del portador así como un localizador GPS. Es de suponer que esto es con el consentimiento del usuario, firmando un acuerdo como el que imaginé anteriormente; sin embargo, el asunto va más allá.

 Es inevitable no imaginar un escenario prematrix o post apocalíptico cuando estudios (especulativos, es importante aclarar) de Francisco Varela y Humberto Maturana, biólogos chilenos autores de la teoría de la autopoiesis (concepto que dicta que todo ser vivo es autónomo y capaz de producir sus propios componentes para preservar sus relaciones internas) respecto a la inteligencia sintética como los organismos cíborg, estos últimos declarados como homeostáticos (capaces de conservar estables las condiciones internas en diferentes ambientes) con la capacidad de adaptarse para sobrevivir.

 Lo anterior puede ser el mayor conflicto entre ambas partes, pues de existir divergencia de decisiones o intuiciones entre la parte humana y sintética, una desconexión u obligada conexión puede tener consecuencias inesperadas. Esto se discute después de que algunos robots modernos han desarrollado una inteligencia superior, tal como ocurrió en el año de 1999, cuando Warwick hizo el primer robot que aprendía en Internet cómo moverse en un entorno y luego le enseñó a otro robot a comportarse de la misma manera. El nuevo programa del segundo robot no fue hecho por un humano, sino por otro robot que se basó en lo que él, por sí mismo, había aprendido.

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  Otra cosa que me parece importante mencionar es el hecho simple y humano (al parecer, pues no hay otra explicación) de la discriminación por cualquier causa. Me refiero al posible costo de tales “productos”. Evidentemente, no todos podrán beneficiarse de estos implantes u órganos cibernéticos, lo que segregará quizás ya de forma irreparable y definitiva a la humanidad, ya no en pobres y ricos, sino en cíborgs y humanos simples.

sterlac 2 A pesar de estos aspectos para nada insignificantes, en la actualidad existen manifestaciones en apoyo a una evolución humana, a la consagración del hombre con la máquina. Nombres como Sterlac, un artista único y genial desde mi punto de vista, que empecinado en ser un cíborg, crea performance con brazos biónicos, orejas cibernéticas incrustadas en su antebrazo o exoesqueletos manejados por músculos de su cuerpo, con lo que busca promover la nueva era del hombre.

4701a9_863e53d641dd8be38d7f51b65dd94f14.jpg_srz_300_180_85_22_0.50_1.20_0.00_jpg_srz Hoy en día ya existe la primera institución cíborg en el mundo. Se trata de la Cyborg Foundation, creada por la bailarina y coreógrafa Moon Ribas, quién se ha implantado sensores sísmicos en las orejas; y Neil Harbisson, primer cíborg reconocido, artista y activista que tiene añadida una antena diseñada por él mismo, con la cual puede escuchar los colores, ver rayos ultravioleta y recibir Neil-Harbisson-Cyborgcualquier interacción desde otro dispositivo directamente a su cabeza. Ambos, alientan a las personas a ser cíborgs y promueven los derechos y legislaciones para ello.

 Sería útil también, echar un vistazo a las muchas películas, cuentos, novelas, fotografías y esculturas sobre todo tipo de implicaciones que acarrea el juego de ser Dios. Robots y cíborgs inundan nuestro imaginario colectivo, hoy y desde hace mucho tiempo. Tenemos desde la hermosa historia de identidad y búsqueda interior, divertida y ligera cinta coreana I’m a Cyborg, But That’s OK,  o el anime de culto Gosth in the Shell que aborda el tema de manera profunda; hasta los tristes desenlaces de Frankenstein y  el poema El Golem, del gran Borges.

 Lo primordial, al final y en mi opinión, recae en la adaptación, comprensión y equidad de la coexistencia en el planeta, cosa que el hombre, tanto en sus épocas doradas y oscuras, tanto en sus estratos bajos y altos, nunca ha conseguido, y de ahí que resulten tan factibles los peligros que traen consigo desear ser o crear una raza superior… porque de eso estamos hablando, de la llegada de un mejor ser humano.

 Quizás, el precio de ser humano es enfermar y tener hospitales, tener limitantes y cuidarlas hasta la muerte, sin segundas oportunidades, sin poder ver las ondas radiales viajando en el viento o sentir la sensación de destrozar una roca con la palma de una mano biónica… ¡Pero a quién quiero engañar!, yo quiero ser un cíborg. ¿Tú?

La gran enfermedad

¿Qué le está pasando a mi país? Está convulsionando y botando espuma por la boca.

 Todos los días al despertar, lo primero que hago es leer las noticias en mi celular. Es un hábito que no me gusta, pero que siento necesario. De antemano ya sé que serán malas noticias porque a diario pasa algo malo, más malo que el día anterior y mientras el día avanza va empeorando. Pareciera que día a día nos volvemos más resistentes al virus, a la enfermedad cuyas causas son: la indiferencia, la desigualdad y la violencia. Los síntomas a veces son inexistentes. Pueden pasar años y cuando menos se espera, la enfermedad ataca cada centímetro del cuerpo, invade los órganos vitales de nuestro país.

 Somos enfermos terminales de la desigualdad social más grave, no del mundo, sino de entre los tipos más agresivos. Nadie es compatible con nuestro tipo de sangre y quienes sí lo son, nos han dado las espalda dejándonos agonizar y prolongar más nuestro sufrimiento. La violencia pareciera ser el factor que nos hace inmunes y resistentes a la posible cura de este padecimiento que provoca miedo y una maldita parálisis que nos tira a la cama durante días, meses o a veces años. No existe vacuna.

 Nos han dicho que día con día la gran enfermedad podría empeorar, nos podría llevar al límite. La muerte nos acecha a diario de la manera más cruel. Es como si todas las muertes que suceden en el día fueran pequeños derrames cerebrales que nos dejan en estado vegetativo. Vivos pero muertos por dentro.

 Somos como aquél fumador con enfisema que sigue fumando dos cajetillas al día, como aquél alcohólico con cirrosis que bebe hasta quedar deshidratado y con vómitos.

 Nuestra sociedad está enferma. Enferma del “esto no me afecta a mí, que se chinguen los demás”, enferma de “el que no tranza no avanza”, enferma del “te violaron por puta”…

 Entre más agonizamos, más nos hemos aferrado a seguir en este mundo. Nos hemos acostumbrado a sufrir. Es por eso que recibir malas noticias día a día se ha normalizado y nos ha deshumanizado. Un humano no vive estando muerto al mismo tiempo.

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Impresiones francesas sobre: los Pueblos Mágicos

LA TRADITIONNELLE

Qu’est-ce qu’un pueblo mágico ?

 Ce nom ne regroupe pas un, sinon quatre-vingts quatre villages à travers tout le Mexique. Qu’est-ce qui s’y cache ? Créé par le ministère du tourisme, cette appellation veut mettre au-devant de la scène des sites qui en valent la peine, et qui sont parsemés sur le territoire. La politique vise à promouvoir ces villes  pour leurs qualités culturelles et historiques. Outre d’être pourvu de nombreux monuments; être le théâtre de grands évènements historiques ou de légendes est également un critère de choix. Par la suite, le programme sera d’ailleurs imité dans d’autres pays du continent, comme en Colombie, au Pérou et en Equateur.

 Parmi ces villes, j’ai eu l’occasion de visiter Taxco célébrée pour ses mines d’argent et son artisanat à base…d’argent. L’origine du nom ‘Taxco’ est un héritage du peuple Tlahuicas, alors installés dans le centre du Mexique. La signification du nom ‘Tachco’, en langue nahuatl est « lieux du jeux de pelote ». La conquête des espagnols au début du XVIème siècle engendra l’exploitation des ressources des mines d’argent dans la région.  

taxco - templo de santa prisca 03 vue terasse touchedVue depuis une terasse: le Templo de Santa Prisca et la ville de Taxco, à ses pieds

 Niché dans les collines, elle s’est construite à flanc de montagne. On voit, depuis les ruelles le temple de Santa Prisca qui surplombe la vue. Construite à l’époque du baroque, dans la première moitié  du XVIIIème siècle sa façade extérieure parcourue de mille sculptures, qu’elles soient dans le portail ou s’élancent jusqu’au sommet impressionne autant que les murs couverts de stucs à l’intérieur. D’ailleurs, ce style qui tend à être chargé est représentatif du style churrigueresco au sein de l’époque baroque, du nom de la famille d’architecte Churriguera.

taxco - templo de santa prisca 03 interieur touchedUn détail de stylle churrigueresco dans le temple de Santa Prisca

 Petite ville, j’en ai fait un tour rapide avec un aller-retour à la capitale dans la même journée. De la place principale, nous avions fait un crochet par les ruelles adjacentes remplis de vendeurs de bijoux fabriqués de l’argent, les prix étant décroissant au fur et à mesure que l’on s’éloignait du centre. Du plus fantaisiste au plus classique, l’argent se déclinait en collier, bague, bracelet…etc. Avec, sur le chemin d’autres stands de souvenirs plus classiques tels des sacs et vêtements. 

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La cathédrale San Cristóbal

 Dans un style différent, j’ai également pu visiter la ville de San Cristobal de las Casas, adhérente du programme en 2003. Située dans le Chiapas, une région au sud du Mexique faisant frontière avec le Guatemala et ayant le plus grand nombre de personne d’origine indigène. La région regroupe aussi plusieurs hauts lieux de la culture préhispanique, comme les restes de pyramides et villes antique : par exemple, le site de Palenque. La ville de San Cristobal de las Casas a été fondée par les espagnols en 1528. Elle a été capitale régionale et demeure à ce jour la capitale culturelle.

san cristobal de las casas - calle touchedUne rue pavée proche du centre

 La ville m’a surpris par sa taille basse, en hauteur. Les bâtiments avaient deux étages maximum, ce qui donnait un ensemble uniformément blanc coloré par des céramiques, des détails sur les portes, la décoration rouge des murs. La ville était créée selon un plan carré, vestige des conquêtes espagnoles. Dans le centre, clairement marquée par la cathédrale de San Cristobal lumineuse avec son jaune pâle domine la place et son kiosque, ainsi que l’hôtel de ville. Tout autour, de presque-identique petites rues pavées se partagent l’espace, alternant restaurants, discrets hôtels, cafés. J’ai souvent eu la surprise de découvrir des cours intérieurs, élaborées comme des patios avec une fontaine au centre et un cloître de petites colonnes qui délimitent le pourtour. Une de mes gourmandises a été de goûter le chocolat, fabriqué à partir de fèves récoltées dans la région. Le programme de Pueblo Mágico se poursuit, répondant aux demandes de villes réparties dans le pays. L’initiative venant d’un principe de partage de la culture, il faudra que les politiques sachent garder un équilibre entre le nouveaux flux de visiteurs et les populations locales, sujet après tout du voyage des touristes. N’ayant visité que très peu des quatre-vingts quatre villages, il m’en reste beaucoup à découvrir.

Dreamworks en apuros

Con una nominación al Oscar y una victoria en los Globos de Oro, cualquier pensaría que la empresa Dreamworks Animation está en su mejor momento; no obstante, nada está más alejado de la realidad puesto que recientemente se dio a conocer una inquietante noticia. Resulta que el estudio pasa por una crisis económica tras el poco existo en taquilla de varias de sus más recientes producciones. Esta situación ha sido la causa del despido de aproximadamente 500 empleados de diversos departamentos, así como la inesperada decisión de que varios estrenos programados de dicho estudio sufrirán retrasos para poder ser vistos en la pantalla grande.

 Entre estas alteraciones de calendarios, que les impedirán llevar a cabo sus planes de estrenar tres películas por año, tenemos casos como el de Kung Fu Panda 3, que ahora tendrá que esperar hasta marzo del 2016 para darse a conocer; la cinta Trolls igual esperará hasta el 2016. El 2017 recibirá a las películas Baby Boss y The Croods 2; y por desgracia tendremos que esperar hasta el 2018 para las películas Larrikis y la tan anhelada How To Train your Dragon 3.

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 Ante estos cambios, el estudio se dispone a estrenar únicamente dos películas al año. La cantidad de producciones no resulta ser una gran tragedia, recordemos que es el número de cintas que el Marvel Cinematic Universe estrena anualmente y les ha funcionado muy bien. Aquí el conflicto para los fanáticos del estudio es precisamente la espera para ver estas películas, sin mencionar que estas fechas son exclusivamente para Estados Unidos, lo que abre la posibilidad de que a nuestro país tarden aún más en llegar.

 Los únicos proyectos que no se han visto demasiado afectados con la cinta Home, que aún mantiene su fecha de estreno para el 27 de marzo, y por otro lado la cinta B.O.O., que si tendrá que reagendarse pero aún no se ha dado a conocer que tanto le afectará. Esta situación es lamentable y preocupante, ya que hace menos de un año recordarán que el Studio Ghibli comenzó a pasar por una situación similar, ¿será acaso que la industria de la animación está por pasar tiempos difíciles? Esperemos que no.

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El futuro de la comunidad hispana

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La mitad de los 40 millones de inmigrantes que han llegado a los Estados Unidos desde 1965 son hispanos. Aunque la cifra siga continuando, esto no significa que la comunidad hispana gane fuerza o importancia entre la sociedad americana sino que sus países de origen no logran satisfacer las necesidades básicas de sus habitantes.

 Gracias a precarias situaciones, miles de migrantes viajan a los estados unidos en busca de una mejor vida, esta nueva esperanza solo viene a base de grandes peligros y denigraciones en un trayecto donde se pone en riesgo la vida e integridad de ellos. Pero el mayor reto que se enfrentan estos migrantes sucede solo y cuando se cruza la frontera. Ahí se pone a prueba varios modos de supervivencia como poder permanecer invisibles al llevar una vida normal y luchar contra la barrera del idioma.

 El sueño americano se ve violentado cuando los migrantes se enfrentan a varias formas de ultraje al realizar trabajos manuales mal remunerados. Aunque varios estudios demuestren que estos empleos no dañan la economía americana. Los mas afectados son los americanos con baja escolaridad, los cuales “piensan” que los labores con pago mínimo son robados por hispanos, sin embargo estos terminan ganado solo 67 centavos de dólar sobre el dólar ganado por un hombre blanco.

 Se vive con una falsa esperanza de poder llegar a una amnistía, frustrada por republicanos que creen que permitiéndola, se llegaría a terminar la esencia americana. Sin darse cuenta que el espíritu americano solo se logro a base migrantes de todo el mundo, logrando así lo que es Estados Unidos; un país multicultural.

Por amor al teatro

Yo no creía en el Microteatro. Seré honesto, fui una vez en sus primeras temporadas a un ciclo llamado Por tus vecinos y me dije “Esto no es para ti”. No creía en la propuesta, no vi calidad en lo que se representaba. Así que me alejé.

 Sin embargo he vuelto a esa casa ubicada en Buenavista para ser presente de la que es quizás la temporada más fuerte en la historia de este concepto en México: Por amor. Y he de confesar que me ha atrapado por completo; no solo puedo asegurar que es una experiencia de una valía palpable, sino que es tan poderosa en varios niveles que resulta apabullante.

 Bastan solo 15 minutos, tres obras lograron capturar una postura diferente del amor en emotivas puestas que constataban su solidez y autenticidad. ¿Quién puede describir factiblemente el amor de una manera sencilla y acertada en tan solo 15 minutos? ¡No nos da la vida!, describir al amor sería una tesis interminable sobre la condición humana. Aquí, la cercanía a ese producto deja en shock al más resistente.

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 En la sala 6, una mancuerna exquisita entre director y dramaturgo convocan a la que podría firmar como la mejor obra de la temporada: ¿Qué pasó?, de Juan Carlos Araujo, dirigida por Andrés Tena. Araujo nos adentra en una relación marital asimilada en la forma del hogar que pretende ser, sin embargo, esta es una casa que se resquebraja, a la que hay que entrar con un casco para evitar ser golpeado por un pedazo de la estructura dañada.

 Bajo esta metáfora deliciosamente representada en una escenografía a cargo de Salvador Núñez, el texto del dramaturgo avanza en medio de ataques y resoluciones íntimas que forman una ventana a la desilusión, una auténtica devaluación del sentimiento más fuerte que pueda sentir una pareja que se ama. El director transporta ese poderoso discurso a un plano que se divide en interiorizaciones,  deteniendo por un momento el derrumbe, en búsqueda de que para evitar la autodestrucción las partes de la bomba acuerden desmantelarse mutuamente.

 Sosa, Beto Torres, Rosendo Gázpel y una fantástica Luz María Meza (prácticamente perfecta en su interpretación, empatía y tono) esperan dentro de esa habitación, para averiguar ¿Qué pasó?

 Captura-de-pantalla-2015-01-21-a-las-19.43.16Ahora, en la sala 10 aguarda una de las obras más impactantes que este escritor ha tenido oportunidad de ver en su vida. Las Paridoras, de Karla Rico e Iván Tula, traen a la escena la historia de un mundo futurista, sistematizado, donde la maternidad se ve reducida a un oficio que destaja la forma materna y resume su labor a parir productos.

 Un encuentro entre una vieja paridora ante una novata –que tiene una idea completamente diferente del trabajo que desempeñará el resto de sus días– se convierte en un discurso poético transgresor, profundo, tan denso como desgarrador sobre el amor que debe conllevar el dar la vida.

 La dureza del texto es proyectada por el propio Tula dentro de un espacio sombrío, tétrico. Aquí no hay esperanzas, la soledad se consume en las comisuras de los labios resecos de esas mujeres cuya labor es ser cargadas de futuros ciudadanos que solo sobrevivirán de ser funcionales. Tula lleva a su audiencia al rincón más oscuro y opresor de la concepción. Amén del genial trabajo de maquillaje por Ángel Caballero.

 Finalmente, la sala 13. Solo se puede resumir en poesía lo que Eduardo Catañeda arma en Breve elogio sobre la arritmia, de Daniel H. Gómez. La historia de un viejo marinero y una niña enferma del corazón. Ambos recluidos dentro de las paredes de un hospital, convergen en la idea del mundo externo, para él un bello recuerdo, para ella la posibilidad del mañana.

 Castañeda narra por medio de un trazo coreográfico, que se funde en bellas proyecciones animadas, un relato solemne, que busca la redención por medio de la esperanza. Gratamente representado por Bárbara Riquelme y Mario Alberto Monroy, este montaje puede visualizarse como un corazón danzante sobre las olas del mar, flotando hacia una inmensidad indescifrable. Apasionada.

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 Esto es lo que uno halla en Microteatro. Hágase un favor y corra a gozar de estos imperdibles trabajos, hasta Febrero 22.

Llega a México el Indie-folk de Conor Oberst

flyer-oberst-mexico-2015Si después del Corona Capital del año pasado te quedaste con ganas de oír más del Indie-folk de Conor Oberst, no te preocupes, este viernes 30 de enero se estará presentando en el Plaza Condesa a las 21:00 horas, en compañía de Dawes, la banda de American folk-rock.

 El cantautor originario de Nebraska, nombrado como el mejor compositor de la década, y líder de Bright Eyes, regresa a la Ciudad de México para seguir promocionando su trabajo como solista.

Compra tus boletos aquí y escucha su más reciente producción, Upside Down Mountain, su sexto álbum que fue lanzado en mayo del año pasado, ya que seguramente estaremos escuchando alguna de las canciones incluidas en este material.

 

Sólo falta una semana: Never Shout Never en México

B31-5BVIgAARaNSAmantes de Never Shout Never ¡ATENCIÓN! Si aún no tienen sus boletos para este concierto, ¿qué están esperando? El próximo viernes 30 de enero se estará llevando la presentación de la banda estadounidense liderada por Christopher Drew en el Pepsi Center WTC, en punto de las 21:00 horas.

 NSN, regresa por tercera vez a nuestro país y en esta ocasión podremos escuchar algunas canciones de su más reciente producción.

 Recycled Youth, álbum que saldrá a la venta en unos meses, es el sexto material de esta banda de Indie Rock, el cual está cargado de sonidos melódicos que gustarán a más de uno.

 Compra tus boletos aquí y ve a disfrutar.

https://www.youtube.com/watch?v=QYMOu6tpW3M

Soñar más allá de la guerra

Los buenos líderes deben ser primero buenos sirvientes.

Robert Greenleaf

Una reina huye del gobierno de su esposo en búsqueda de renacer, encontrarse, con el anhelo de acariciar la frontera para saberse de sí misma. Al llegar ahí por fin podrá hablarse con indulgencia, lavará su pasado y comenzará de nuevo para ser libre con nada más que su propia persona, con fuerza para lograrlo. Sin embargo en el camino del desierto no podrá andar sola. Por ello su fiel sirvienta la lleva, disfrazada de una vendedora de reliquias de la guerra va tirando de una cama móvil, sobre la cual la soberana camuflada pretende soñar que no está huyendo. Hasta que un sicario pretenda su muerte con el fin de cobrarse la paga de manos del rey, ahí el verdadero viaje comenzará.

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 Por una breve temporada, “Para soñar que no estamos huyendo”, escrita y dirigida por Ana Francis Mor se presenta en el Teatro Benito Juárez. Ana Francis nos introduce a un espacio casi como un limbo, donde Madre Coraje (Bertolt Bretch), La Reina Margarita (Ricardo III, Shakespeare), Jasmine (Blue Jasmine, Woody Allen) y  Las Reinas Chulas se sentaron frente a una botella de mezcal para tratar de generar un discurso sobre la virtud del género femenino a pesar de las vicisitudes de  la vida diaria.

 Aquí la autora presenta a una poeta inmersa dentro amor del creador, tratando de explicarse el sufrimiento que le representa a Dios tener que ver su creación, más aún, convivir con ella. La realidad humana es absurda, los puestos de la sociedad ambiguos; empero, la obediencia femenina persiste como un tratado de esperanza para la cotidianidad. Un interesante y valioso análisis sobre la redención utópica, lo poco común que resulta culpar cuando se entienden los motivos del otro.

 El texto de Mor es fiel a sus raíces. La demanda feminista busca orígenes en bases literarias clásicas para crear personajes sólidos, de psicologías  complejas y ambiciones francas. Estos seres idealizan entornos de prosperidad, pero dejan entrever que en el fondo son presas del costumbrismo, por lo cual ahora están dentro de una zona de confort automático, prensil.

 La trama diseña un viaje en el que la mercader ocultará mediante transacciones –de posesiones aparentemente banales– los pedazos resquebrajados de todos los que han pasado por las batallas contra uno mismo en el desierto. Aquí se apuntan vibrantes imágenes que desenvuelven el clamor dramatúrgico por exponer a una sociedad que se queja de las fallas de un sistema al cual le da miedo cuestionarlas y resolverlas.

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“¿QUÉ ACASO NI A LA MUERTE LE IMPORTA ESTAR RODEADA DE MIERDA?”

 Se pretende lograr una dirección que sea tan entrañable y divertida sin salir del violento drama que representa. Cuida un trazo bastante bello que luce diversas aristas de la narrativa (lo cual sugiere una reposición futura en un escenario tipo arena) al tiempo que se da permiso de delimitar una gama de tonos que exploten la polaridad de su texto.

 Sin embargo, hay una necesidad por subrayar la vigencia de la historia que llega a provocar la caída del ritmo en momentos, escasos, pero que alejan de la perfección. Es entendible porque al final de cuentas la directora quiere conservar (en las oportunidades que tiene) la interacción del cabaret a la que tiene acostumbrado a su público, pero aquí dicho elemento sobra al tener un material escrito tan redondo como explicativo, que no necesita mayores indicaciones.

 La obra produce un desconsuelo impactante. El ver a una mujer que ondea la falsa bandera de la paz, resumida a un plástico blanco, que no puede exigirla por medio del camino árido, un recordatorio directo para cada espectador de su condición ciudadana, humana pues.

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 Amanda Schmelz, Marisol Gasé y Antonio Cerezo protagonizan la historia. Schmelz proyecta a esa deliciosa reina sumida en la depresión de su posición, la de no entender quién es pero desesperada por huir de sí misma, sujeta a la arrogancia monárquica que debe de sellar sus acciones y sentencias para no dejar salir la fragilidad que la consume. La actriz despliega un trabajo tan franco como elegante, conduciéndose cínicamente inquebrantable, hasta el derrumbe auténtico capaz de convencer a su público del dolor generado al saberse acabado.

 Pero  Schmelz no se queda sola, Marisol Gasé demuestra en esta puesta que ostenta el oficio de la actuación con todas sus letras, en mayúsculas, negritas y subrayado. Lejos de su área de trabajo usual, teje un personaje que va agigantándose para envolver en la verdadera mirada de la historia que hay que seguir para comprender la situación contextual. El talento innegable se traduce en disciplina, perseverancia. Gasé delimita el imaginario para sumarlo al discurso transgresor que debe atender, lo imprime honestamente en una grata exposición, dejando un excelente efecto de veracidad.

 Coronando al montaje, la musicalización en vivo de Leika Mochán resulta plenamente acertada. La manera en que su desgarradora y caótica composición sonora señala cada transición en la que aparece es orgánica. La clave es entender desde el corazón el sentimiento y traducirlo efectivamente, Leika  halla el dolor y lo traduce por ritmos sensibles, propios del realismo mágico.

 ¿Es esta una invitación a abrir los ojos? no, quizás más bien una sacudida para despertar. Que el sueño siga siendo tal, ya sea perfecto o tormentoso, no equiparable a la realidad, con el único fin de que esta última algún día pueda ser mejor, tal vez al cruzar la frontera.

Guardianes de Oz: el proyecto de Ánima y Gutiérrez

Hace algún tiempo tuvimos la oportunidad de hablar de El Libro de la Vida (Book of Life, 2014), película producida por Guillermo del Toro y dirigida por Jorge R. Gutiérrez, así mismo, se había hablado del rumor de que este director mexicano tenía un proyecto con Ánima Estudios del cual se darían a conocer más datos próximamente. El día ha llegado, y es que el proyecto en cuestión no sólo ya salió a la luz, sino que está casi terminado y tiene ya su fecha de estreno programada para proyectarse en salas mexicanas.

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 El nombre de la cinta es Guardianes de Oz (Wicked Flying Monkeys, 2014) y como he mencionado, parte de una idea original de Gutiérrez, además de diseño de personajes de este mismo artista. La trama seguirá las aventuras de Ozzy, un mono volador que no se siente feliz con servir a la malvada bruja que todos conocemos del cuento clásico El Mago de Oz. Esta infelicidad lo llevará a rebelarse ante su poder y emprender una gran aventura en busca de los legendarios guardianes para derrotar a la hechicera.

 Cabe mencionar que este es el primer largometraje hecho enteramente en animación 3D por parte del estudio, que si bien ya había tenido experiencia en este tipo de animación con Gaturro (Gaturro, 2010), esta cinta es la primera de este estilo que ellos hacen solos. Según palabras del propio vicepresidente del estudio, José García de Letona, la animación 3D es el medio ideal para contar esta historia tan ambiciosa y se dijo muy satisfecho con los resultados.

 La cinta será distribuida por Videocine, es dirigida por Alberto Mar (conocido por llevar a cabo la película de Don Gato) y contará con las voces de personalidades como Susana Zavaleta, Raúl Araiza y Jorge “El Burro” Van Rankin. El estreno en todo el país está programado para el próximo 10 de abril. Dos talentos mexicanos se vuelven a unir: el estudio más prolífico actualmente de animación mexicana y el nominado al Golden GlobeJorge Gutiérrez (aunque esta vez no se sabe que del Toro haya intervenido en este proyecto) son un motivo muy poderoso para ir a ver esta cinta que ha generado enormes expectativas.

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Elocuencia

En un zapato tuyo quisiera vivir,
minúsculo y ebrio de amor,
como una abeja histérica que sólo sabría decir tu nombre,
como un mosquito succionador de tu sangre…
En él cruzaría el océano remando tenazmente
hasta el borde de la desarticulación de mis brazos,
hasta la tierra en que encuentre la estatua erguida de tu cuerpo,
símbolo del poder y la fornicación violenta.

¿Por qué te amo tan bárbaramente
que quisiera que fueras un virus
para llevarte siempre dentro de mí,
manteniéndome enfermo, delirante de fiebres?
Llevarte como un cuchillo
que se clavara más y más en mi vientre con cada suspiro
para recordarme la ley ineludible del amor.

Pero ningún poema es suficiente
para decirte lo que sólo podría decirte
lamiendo tus testículos sudados…

No otra manera de ser. O soy de ti
¡o me extermino!

¡Que caiga una lluvia de fuego sobre toda bondad,
que un agujero negro engulla todo el universo
si nunca te vuelvo a ver…!

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Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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FrnkIero and The Cellabration por primera vez en México

1505617_10152895280363350_7162786734500033954_nMe gustaría saber ¿cuántos amantes de My Chemical Romance andan por acá? Saben por qué, porque este Día de San Valentín, Frank Iero, el ex guitarrista de esta ex banda (también), pisará por primera vez nuestro querido México, promocionando su primer material discográfico Stomachaches, el cual fue lanzado el pasado agosto.

 De forma más privada, Frnk Iero and The Cellabration se presentará en SALA, para dar inicio a la gira que seguirá por Estado Unidos y Canadá, y a su vez, para dar un tour como headliner.

 Después de la pasada visita de Gerard Way, estoy segura que muchos no se querrán perder la oportunidad de ver a este músico, uno de los consentidos de la extinta banda MCR.

 Los primeros temas lanzados son Weighted y Joyriding, si aún no los escuchas ya están disponibles en YouTube, así que échales un ojo; o mejor aún, escucha el álbum completo para que te termines de convencer de ir a este concierto.

 Stomachaches fue creado completamente por Iero, en el que participaron Jarrod Alexander, en la batería y Gerard Way, ex miembros de MCR. Un disco con sonidos punk, característicos de este artista, en donde además canta y nos muestra su voz rasposa y profunda.

Recuerda, la cita es el próximo 14 de febrero a las 21:00 horas en SALA (Puebla #186 esq. Insurgentes). No olvides comprar tus boletos aquí y ve a disfrutar.

 

Las puertas de Amaranta

 

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Todas estas puertas

Amaranta Caballero Prado, Fondo Editorial Tierra Adentro, México, 2008.

 

Debo decir que uno de los libros de poesía que más he disfrutado en los últimos meses es Todas estas puertas, de la escritora guanajuatense radicada en Tijuana, Amaranta Caballero Prado. El libro es un viaje autobiográfico de fractura y reencuentro, por el que puede uno transitar descubriéndose al descubrir a Amaranta.

 La introspección a la que se llega es, por momentos, como estar en la película El Angel exterminador de Luis Buñuel (sin burguesía claro), ilustra el abandono y la soledad se vuelve absoluta:

“Hay muchas cosas por emprender, soñar, escribir, dibujar, crear.

Hay vida inmersa en cada movimiento de ojos, cada letra.

Hay rigurosamente para cada quien una actividad siempre sublime.

Afuera hoy hay todo eso:

Yo no creo nada.

 

Esta casa no abre por dentro”

 Cada puerta o espacio por el que la escritora nos guía, resulta una soledad irresistible “Tengo un aquí no hay nadie, junto a la espalda”, un amor que es más bien esperanza “¿Tú me amas verdad? Es lo único que importa”, una necesidad insaciable “ enfermedad dónde nunca nada es suficiente”.

 La vida puede leerse con los pasos que dimos por distintos lugares en los que la memoria atrapó sonidos, colores y sabores que, en determinado momento, nuestro cuerpo amó con profunda sinestesia “yemas voyeur” sentimiento táctil, casi visible al leer a Amaranta ¿Cuántos lugares realmente habitamos? ¿Sólo exteriores? O bien, estamos encerrados en nuestro cuerpo como casa, palacio, templo o cuchitril, con edificaciones emocinales, sus candados y puertas de recuerdos, en las que la toma de decisiones es cruzar o no cruzar umbrales, quedarse con el dolor o salir.

“Un día tuvimos que saltar: salir del agua: salir del aire: salir de tierra: salir”.

 Todo el dolor, los recuerdos, la riqueza en el lenguaje de Amaranta, la semántica del ir de la infancia, al amor y matrimonio, todo en la misma cárcel, en el mismo estuche, cada experiencia es una habitación, cada puerta por la que podemos cruzar y ver que todo son ancias por vivir “Excesivamente. Sí quiero saber más”, después de leer Todas estas puertas, excesivamente quiero leer más.

Foto  tomada de Tierra Adentro
Amaranta Caballero Prado Foto tomada de Tierra Adentro

 Amaranta Caballero Prado nació en Guanajuato en 1973. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico y una maestría en Estudios Socioculturales. Además de Todas estas puertas, ha publicado Libro del Aire (Editorial De la Esquina, 2011),Okupas (Letras de Pasto Verde, 2009),  Entre las líneas de las manos (en el libro Tres tristes tigras, Conaculta, 2005), Bravísimas Bravérrimas. Aforismos (Editorial De la Esquina, 2005). Participó en el Laboratorio Fronterizo de Escritores/Writing Lab on the Border (2006), participó en el Festival de Poesía Latinoamericana LATINALE 2007 con sede en Berlín. Recibió la beca del FONCA para escritores en 2007. En 2014 participó en el Festival Subterráneo de Poesía: Los lenguajes alienígenas.  Ama la música y ama dibujar.

  ¿Quieres  saber  más  sobre  ella? Visita  su  blog  amarantacaballero.blogspot.mx

 

Animación Universal: Nocturna

Cuando los aspirantes a estudiar carreras que tengan que ver con animación comienzan a buscar opciones para comenzar su travesía en este medio, y de paso se interesan en expandir sus horizontes y probar suerte en otros países, seguramente en algún momento se encontrarán con la propuesta de un país que conocemos bien: España. Hay quien dice que existen muy buenas escuelas y una gran industria de animación en la madre patria, y aunque personalmente no he tenido la oportunidad de constatarlo, me ha quedado claro que este país es capaz de producir grandes proyectos de enorme calidad como el que a continuación cito.

 nocturnaNocturna (Nocturna, 2007) es una producción española-francesa dirigida por Adriá García y Víctor Maldonado que nos cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que tiene un enorme miedo a la oscuridad. Todas las noches, antes de dormir, este niño se acomoda cerca de una ventana y contempla una distante estrella que él ha adoptado como suya; al mirarla, sus temores desaparecen al sentirse acompañado y protegido. Desafortunadamente y para su sorpresa, una noche la estrella simplemente desaparece, obligándolo a indagar al respecto. Su investigación lo llevará a conocer una verdad oculta, el grupo secreto de Nocturna encargado de hacer que las noches sean como deben serlo.

 Desde extraños seres que producen el rocío matutino, empleados que se ocupan de los sonidos nocturnos, otros que se ocupan de los sueños; cada aspecto de la noche es reflejado como una compleja producción industrial. El niño conoce entonces al Pastor de Gatos, un ser encargado de reunir a los gatos para que maúllen a la luna, y es así como su amistad nace y pronto termina siendo ayudado por él. El niño y el pastor buscarán en los confines de Nocturna para resolver el enigma de las estrellas desaparecidas (porque cada vez desaparecen más y más) envolviéndose en una fascinante pero peligrosa aventura.

 La animación 2D es elegante y encantadora, ejecutada con verdadera maestría y con una paleta de colores fríos y oscuros que en verdad nos sitúa en el ambiente apropiado para la historia. La música cumple con crear una atmósfera mágica y en general el trabajo de audio es sorprendente. Es curioso cómo las voces españolas (que a veces no son del total agrado del mexicano) están muy bien ejecutadas dándole a cada personaje su propia identidad e incluso les dan clase. Es maravilloso ver cómo se ha creado un mundo que combina la fantasía y la magia con una organización como cualquier otra, una verdadera muestra de ingenio adulto y espíritu infantil trabajando en armonía.

Credit: FILMAX / Album

Estamos acostumbrados a la animación americana y oriental, a veces llegamos a olvidar que hay joyas en otras partes del mundo y es un completo placer encontrarse con estas más que agradables sorpresas. Nocturna es una película dirigida a los niños, pero ejecutada con tal maestría y amor que llega al corazón de los más grandes.  No es difícil de encontrar a la venta o incluso por internet, así que si tienen la oportunidad de verla, háganlo y descubran porque el continente europeo se ha ganado su lugar en el mundo de la industria animada.

Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

Vuelves

I
En este sofoco estoy atrapada
Tus miradas que callas
Irrumpen mi alma
Te busco en cada hombre
Incierto desasosiego
Condenados estamos
En el cruel silencio
II
Mi vieja amiga, mi melancolía
Aquella que espera, fiel marea
Aguas inquietas, acostumbradas
Ahógame, en tu mar dulce tormento
Miénteme, embustera
Pégame, con tu fuerza
Llévame dentro, hasta que duela
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Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

Regresa Limp Bizkit

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Si está confirmado en Twitter es porque es verdad, Limp Bizkit, la banda de Jacksonville regresa a México el próximo 26 de marzo tras su presentación en el Hell & Heaven del año pasado.

Los cantantes de My Generation, se presentarán en el Pepsi Center WTC, la preventa de boletos comienza el próximo  23 de enero y a partir del 26 del mismo es para público en general.

Aquí los precios

General A $690 + cargos

Balcón C $990  + cargos

Balcón D $690  + cargos

VIP $2,000  + cargos
https://www.youtube.com/watch?v=I6UqUbwX6s4

 

 

Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

#Oh10 : Ambulante 2015

El pasado lunes 19 de enero, luego de una conferencia de prensa, se dio a conocer la programación completa de la próxima edición de Ambulante, la conocida gira de documentales.

 La imagen de este año, por demás minimalista en colores naranja, blanco y negro, está acompañada de la leyenda #Oh10, esto con intención de aludir al asombro, la temática elegida como hilo conductor para el cúmulo de producciones previstas a proyectarse en varias sedes de distintos estados del interior de la república, además del primer circuito destinado a recintos ubicados en el DF.

 Celebrando su décima edición en este 2015, Ambulante reúne 140 títulos —78 largometrajes y 62 cortometrajes—, provenientes de 27 países, que estarán divididos en las distintas secciones propias del festín fílmico.

 

  • Reflector

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Son películas que han sido aclamadas por audiencia y críticos a su paso por diferentes festivales de todo el mundo, lo que las vuelve más atractivas y de interés general. Entre su selección se encuentran Jodorowsky’s Dune (dir. Frank Pavich), documental sobre la película que el realizador chileno nunca terminó; The Salt of the Earth (dir. Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado), presentada en el 12º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y nominada al premio Oscar como Mejor documental, además de Is the man who is tall happy?: An animated conversation with Noam Chomsky, último trabajo de Michel Gondry.

 

  • Pulsos


Sección que agrupa lo más reciente de la producción documental en México. En esta ocasión se incluyen, entre otros, El Palacio (dir. Nicolás Pereda) presentado en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su edición de 2014, además de Ausencias (dir. Tatiana Huezo), de la joven realizadora salvadoreña que sería reconocida con el Ariel a Mejor Largometraje Documental por El lugar más pequeño, su ópera prima.

 

  • Observatorio


Resulta un abanico de nuevas perspectivas al conjuntar documentales de vanguardia de distintos rincones del mundo. En esta edición estará compuesta por trabajos de Polonia, Suecia, Estados Unidos, Dinamarca, Finlandia, Países Bajos, Bélgica y Chile.

 

  • Dictator’s Cut


Se enfoca en temáticas como los derechos humanos, la libertad de expresión y distintas problemáticas vinculadas a la censura. Incluye un documental mexicano, una producción sudamericana presentada en colaboración con DocsDF, además de Citizenfour (dir. Laura Poitras), pieza también nominada a Mejor documental para la próxima entrega de los premios Oscar. Además, Demonstration / Manifestación (dir. Victor Kossakovsky), será la película inaugural de la gira en la Ciudad de México.

 

  • Injerto


Se trata de 4 programas diferentes: Proyecciones, Arquitecturas, Ópticas y Ánimos.
Cada uno de ellos se conforma de distintos cortometrajes que, en conjunto, implican «un diálogo entre el arte contemporáneo y el cine». Se incluyen producciones del Reino Unido, Bélgica, Alemania, México y Estados Unidos.

 

  • Sonidero


Quizá de las secciones más queridas por lo digerible de su contenido. Conjunta producciones relacionadas con el entorno musical. #Oh15 incluye documentales de Björk, Pulp, Daniel Johnston, Juan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, entre otros.

 

  • Ambulantito


Son producciones —en su mayoría animaciones— destinadas al público infantil y adolescente. El típico “para jóvenes y no tan jóvenes” que incluye a quienes no somos tan pequeños pero sí entusiastas de este tipo de trabajos. Se divide en tres programas de distinta temática, además de incluir The Dam Keeper (El guardián de la presa, dir. Robert Kondo, Dice Tsutsumi), producción estadounidense de 2013 nominada en los premios Oscar como Mejor Cortometraje Animado.

 

  • Enfoque


Dividido en seis programas —Ritual y Cine-trance, Mirar lo invisible, Autoetnografías, El Sexto Sentido, Umbrales Sensoriales, y El tren de las Experiencias—, enlista documentales relacionados con la etnografía y la antropología.

 

  • Retrospectiva


Este año, Ambulante destaca el trabajo de Agnès Varda mediante una retrospectiva a su obra fílmica. Cineasta clave de la llamada Nueva Ola Francesa (Nouvelle Vague) que ha experimentado con todo tipo de géneros, convirtiendo el quehacer cinematográfico en un trabajo artesanal. Esta retrospectiva, a la que bien vale la pena echarle un ojo, se conformará de diez programas distintos.

 

  • Imperdibles


Tal cual. Eventos especiales que incluyen lanchas en el Bosque de Chapultepec, rodadas en bici, funciones al aire libre o danza. Ciclos y maratones, mesas redondas y clases magistrales. Proyecciones de documentales ya conocidos y consentidos del público —Pina (dir. Wim Wenders), Searching for Sugar Man (dir. Malik Bendjelloul), Exit through the gift shop (dir. Banksy), entre otros—. Intervenciones de arte urbano y talleres. El cine interrelacionado con distintas disciplinas para lograr un ambiente más incluyente.

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 Ambulante estará activo en el Distrito Federal desde el 29 de enero y hasta el 12 de febrero, en una larguísima lista de sedes divididas en cuatro circuitos que abarcan a lo largo y ancho la ciudad para, posteriormente, continuar con la gira que llegará a Guerrero, Morelos y Puebla en febrero; Veracruz, Zacatecas, Coahuila y Michoacán en marzo; y Chiapas, Jalisco, Baja California y Oaxaca en abril; además de las paradas especiales con piezas de su programación como parte del Festival Vive Latino y Cumbre Tajín.

 Estamos a poquitos días del inicio del primer festival de cine de 2015 y no puedes dejar pasar la oportunidad de deleitarte con su amplia oferta de contenido audiovisual. Te dejamos con el tráiler de Ambulante, Gira de Documentales 2015.

Para más información, puedes consultar el sitio oficial del Festival.

Feminismo: El eufemismo de la actualidad

1394132506_744595_1394213801_album_normal-1El feminismo se convertido en una tema de conversación pero sin dejar de ser un eufemismo social. ¿Por qué es que llega a ser un tema tan agresivo y brusco? Solo llega a ofender a los que mas han dañado a nuestro género. Los hombres llegan a tomarse tan personal este término, siendo ellos los que intentan denigrar nuestros derecho fundamentales. En Living History (Simon & Schuster, 2003), Hillary Clinton relata el momento que visita Romania en 1996. En este viaje se encuentra con la devastadora crisis infantil de Sida. Todo comenzó como ella lo cuenta, cuando Ceaussescu prohibió el control natal. El gobierno contrato doctores cuyo trabajo era revisar las mujeres cada mes y asegurarse que no hayan interrumpido su embarazo. Los doctores obligaban a las mujeres a desvestirse frente a ellos y muchas veces hasta humillándolas. Todo empeoró cuando los bancos de sangre rumanos se infectaron a causa del sida, enfermando a miles de niños. Todas las mujeres hemos experimentado alguna clase de violencia a lo largo de nuestras vidas. Hemos sido tratadas con alguna clase de ofensa entre las cuales destacan la privación de algún derecho básico o maltrato físico y/o verbal.

Lo que nunca se dice es que las mujeres debemos ser más ambiciosas y enfocadas porque nunca tuvimos la oportunidad. Tuvimos que luchar por votar, para trabajar fuera de nuestras casas, por trabajar en un lugar de trabajo libre de acoso sexual, para ir a la universidad de nuestra elección, y también nos tuvimos que probar a nosotras mismas una y otra vez para recibir un poco de consideración.
– Roxane Gay

 En un país como México donde se celebran las osadías hacia las personas y modos de vivir, no es de extrañarse que en una actualidad tan avanzada aín sigamos lidiando con problemas tercermundistas de violencia de género y el consentimiento del curso de tales hechos. El problema reside en seguir permitiendo la dominación masculina sobre un género violentado y humillado.

 Aunque hayamos sido capaces de reducir varias transgresiones y estemos informados sobre el feminismo, varias mujeres siguen sufriendo de algún tipo de abuso día con día. Nos debemos de sentir ofendidas como mujeres y personas, al sentir cada ataque hacia la mujer como nuestro, por que cada mujer es una extensión de nosotras. Sin importar de nuestros antecedentes seguimos en una lucha contra el sexismo. Desde la mutilación genital en Egipto, violencia domestica en Afganistán o abusos sexuales en tierras de nadie en Chiapas, la solución no es el desprendernos nuestros semejantes, sino buscar una cierta independencia creando un pensamiento resolutivo al educar a las jóvenes y alentar a las mujeres a denunciar cualquier tipo de falta. Aumentando la sanciones judiciales hacia los criminales que atentan con percutir la entidad femenina y creando una cultura equitativa para hombres y mujeres. Hay que reconocer que ciertas actitudes misóginas son el problema de la sociedad y evidenciarlos para que los jóvenes sepan que no es normal el humillar o burlarse de una mujer por sus elecciones de sexualidad, vestimenta o modos de vida. No queda más que seguir luchando por los derechos que nos merecemos y por jamás quedarnos calladas cuando queramos ser escuchadas.

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

The Kooks vuelve a México: 21 de abril en el Pepsi Center

Tras un show increíble en el Corona Capital, The Kooks regresa a la Ciudad de México el próximo 21 de abril para promocionar su más reciente disco Listen, que se estrenó el pasado 1 de septiembre y del cual se desprende Down, canción que salió a la luz el 20 de abril del 2014.

Para ver a este grupo de británicos la cita es en el Pepsi Center WTC (Dakota S/N, Colonia Nápoles) a las 20:30 horas, los boletos ya están disponibles en sistema Ticketmaster, cómpralos aquí.

En su paso por tierras mexicanas, The Kooks también se presentará en Teatro Estudio Cavaret de Guadalajara el 22 de abril, así que no hay pretextos para perderte de este evento que te hará vibrar.

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Un loquerón con Galatzia

10482189_805061196231239_6279623182729910224_nHola shiquitos, por si no sabían Galatzia se estará presentando el próximo 7 de febrero en el Distrito Federal, en Sala (Puebla #186 esq. Insurgentes) con un show audiovisual que será presentado por primera vez en la ciudad.

 Galatzia empezó el año con muchas presentaciones alrededor de la República, es por eso que antes del Vive Latino, no puedes perder la oportunidad de verla únicamente a ella y disfrutar de sus éxitos como “Tashas y Perico”, “Mi cuerpo es touchscreen”, “Pijamada Lésbica Espacial”, entre otros de sus hits, así como sorpresas de su nuevo material discográfico.

 Su nuevo hit, “Matraca sí” ya está disponible en AppStore, así que para que te lo vayas aprendiendo échale un ojo. Los boletos ya están disponibles aquí, recuerda la cita es el 7 de febrero a las 20:00 horas en Sala.

 

 

Disaster Rock Fest 2015

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¡Ahora sí! Amantes de la escena punk rock independiente de nuestro país, prepárense porque el Disaster Rock Fest 2015 llega el próximo 21 de febrero a la Ciudad de México para traer de vuelta a bandas como Finde, Delux, Tolidos, Elli Noise, entre otros.

Este evento se llevará a cabo en La Sala (Puebla #186 esq. Insurgentes)  a las 15:30 horas, después de que había sido pensado únicamente para Guadalajara y Monterrey. No pierdas la oportunidad de ver a estas bandas mexicanas que son un vinculo entre el pasado y presente de la escena musical en México.