Un refugio para la vida misma

Los seres humanos preferimos reservar nuestros lados más oscuros al convivir con el resto de la sociedad. Realmente nadie es cien por ciento transparente, pues tememos que al serlo en primera instancia podamos alejar a aquellos con los que hemos buscado o querido relacionarnos. Quizás, alejarnos hasta de nosotros mismos.

 Foro Shakespeare presenta El Refugio, de Mario Rendón, dirigida por Enrique Aguilar, los sábados. La historia plantea un mundo futurista atrapado en las percepciones del pasado, dónde la sociedad ve limitadas sus opciones de libertad. Se guarda todo para poder sobrevivir, en especial la comida. Sin dejar a un lado la constante amenaza de la naturaleza por desatar un acto imprevisto que acabe con la vida de cualquiera que se exponga a la intemperie en un momento de contención, cualquiera que no esté dentro de un refugio.

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 Dentro del panorama antes descrito, un matrimonio invita a sus amigos a celebrar el cumpleaños del anfitrión. La pareja que ostenta la celebración, junto a una de las invitadas, son heterosexuales; la tercera pareja es homosexual y no es esta la única diferenciación: son los únicos que tienen hijos.  Cuando las cosas se complican, esta reunión comenzará a tener momentos de alta tensión y desenmascaramientos que denotaran los verdaderos colores en cada uno de los asistentes, haciendo de esta una fiesta de cumpleaños inolvidable.

 Bajo la dirección de Aguilar, los personajes sostienen cada postura, promesa y deseo con firmeza uno frente al otro, logrando una buena contraposición al hablar de temas que se rodean, buscan evadir y atan. Sin embargo no es una propuesta homogénea, comienza hundida en la exposición del texto, sin focos aparentes.

 Hasta la mitad de la puesta uno podría decidir que pese al buen trazo coreográfico, el ritmo que la dirección plantea hará de esta una obra detestable, más logra dar un giro de 180 grados enteramente grato. Aguilar señala el conflicto dentro de la trama haciéndolo rugir con fuerza, hace explotar el sentido del texto para aprovecha a su equipo actoral, sin embargo esto aparece muy tarde, sin haber más ganchos previos, lo cual no limita llegar a conectar con la audiencia pero sí a distraerla o desequilibrarla.

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 El texto de Rendón marca un listado de ausencias en la forma cotidiana dónde la gente ya no muere y por eso busca un refugio para existir, irónico es que cuando el sistema ha creado un modelo de vida prácticamente eterna, la exposición a la rebelión natural sea capaz de eliminar a la sociedad. Mordaz en sus posiciones dramáticas, hay una buena intención dentro del texto al idealizar que en el mundo que ofrece un cese al sufrimiento la búsqueda de la muerte se torne intrínseca y protocolaria.

 Junto a esto, la dramaturgia hila un discurso político bien aplicado, vigente; empero, la posición sobra al encontrar que hay muchos otros textos contemporáneos que caminan bajo la misma línea. Además que no pasaría absolutamente nada si fuese omitido, ya que el análisis central acerca de cómo uno cuida lo que quiere, sin darle importancia a destruir para sobrevivir o al egoísmo consciente ya es bastante interesante para trabajar.

 Si bien el resto del elenco  parece comprender el sentido de la propuesta hasta su tercer acto, son Rodrigo Magaña y  Ximena Larrañaga quienes destacan para lograr encarnar a una esposa celosa de no poder tener un hijo por vía natural y a un marido homosexual, padre de familia, harto de dar explicaciones sobre su manifestada paternidad.

 Vale la pena acercarse a El Refugio, sí, totalmente. Este montaje busca ir más lejos de lograr  hablar de equidad y tolerancia, sino de humanidad en todos sus aspectos probables. Siendo gracias a sus aciertos impactante y devastadora al grado de cuestionar eficientemente a su público sin acorralarlo. Sin duda necesita pulirse, pero vaya, ¿Qué humano no?

Nueva Película de Dragon Ball Z


Si algo es cierto en el mundo del anime, es sin lugar a dudas que la obra de Akira Toriyama: Dragon Ball, es una de las creaciones más grandes y famosas jamás creadas en este género. Su éxito ha trascendido los años al grado de contar con una serie animada que aunque dejó de transmitirse hace tiempo, se niega a morir. Unas cuantas películas animadas, videojuegos, crossovers e incluso un par de películas en live action (bastante desafortunadas, debo decir). Pero… ¿algún día veremos el final definitivo de este concepto? Tal vez, pero Goku y compañía parecen no querer retirarse al menos por ahora.

 Ya se había hablado del rumor sobre una segunda película animada de Dragon Ball Z luego de la cinta La Batalla de los Dioses el año pasado. Finalmente es un hecho que una secuela fue creada, esta vez bajo el título de Dragon Ball: Fukkatsu no F, cuyo significado es La Resurrección de F. Esta película, como el título lo menciona, abordará el regreso del maligno Freezer.

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 Se suponía que la película llegaría a México este año, para el mes de abril si somos exactos. No obstante, recientemente se ha dicho que esta fecha cambió, ya que el estreno de abril será solamente en Japón. La cinta que es distribuida por 20th Century Fox sufrió un retraso indefinido que afectará a toda América Latina. Según rumores, el estreno en Argentina podría darse en octubre, pero se ignora si esto podrá ser en los otros países.

 Entre los rumores sobre este cambio, se dice que es una decisión de la distribuidora para no arriesgar la taquilla de la película ante monstruos como Avengers 2 la quinta parte de Rápidos y Furiosos. Pero anímense, ya que por lo menos podemos disfrutar el tráiler oficial de la cinta que acaba de ser revelado.

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Roguemos a las esferas del dragón que en un futuro no muy lejano podamos disfrutar de esta nueva aventura.

De: Disertaciones infantiles de Sir Brenda Mítchelle (Literatura infantil y juvenil)


Me he replanteado lo de la literatura infantil y juvenil porque de recién tomaba una clase del género con una escritora de título bien ganado y surgió el debate de los temas prohibidos, del mejor modo de abordarlos. El lenguaje que debe ser usado… Es extraño, sigue siendo a estos tiempos un problema por muy que nos preciemos de sociedad elevada abordar temas “complejos” con la bandera de “los niños son diferentes ahora, están muy evolucionados y hay que hablarles con la verdad”.

 Luego pienso en la prodigiosa fortuna que tuve de recibir textos que marcaron de muchos modos (Todos profundos) mi infancia. Enfrentado a una familia de escasas ganas literarias, de aquellas, se sabe, más de televisión, Tuve acceso a la biblioteca de mi abuelo, casi para mi solo porque tenía sólo que compartirla con mi madre (Maravillosa mujer de mente abierta y lectora ávida). Cuando era más chiquita ella me los leía, hasta que pude hacerlo yo. Entonces niño raro yo, hacía también elecciones extrañas ya después, de tal suerte que a los ocho había ya leído ya a Poe y a Lovecraft, y tenía una colección de Andersen, Perrault y los Grimm, era amante de la Mitología Griega y de Jodorowsky. Y no juzgaba. Los leía porque me gustaban auténticamente y no por recomendaciones ensuciadas, que es una característica también infantil. Es difícil timar a un niño por muy que se piense lo contrario.

 El asunto es la formación, la mitología es hermosa y cruel en sí misma, las fábulas de Jodorowsky no necesitan ser descritas, y los álbumes ilustrados que me llegaron un poquito después fueron: “En la oscuridad” que hasta la fecha recuerdo tremendamente: es una historia que narra la vida en primera persona de una niña abandonada por la madre (acá el temor tan presente en la infancia, del abandono) que a partir de ese momento se enfrenta a un vivir sola, sin el amparo y el refugio que ofrece el núcleo, se convierte en automático en una niña de la calle y todo lo que viene después es el aterrador mundo desde los ojos de alguien aún sin las herramientas para, de algún modo, traducirlo. (El sexo, la prostitución, el homicidio, el clasicismo, las drogas) y las ilustraciones poderosísimas, simbólicas.

En la oscuridad

 

O “El Zurcidor del tiempo” qué joya para un niño, qué librito metafísico…

El zurcidor del tiempo

 O ya en la pubertad “El llano en llamas”, “Pedro Páramo”, “El pozo de la soledad” (Prohibido muchos años en algún tiempo) o “El lobo estepario”; estoy siendo específico, con ciertos libros, pero los hubo muchos, significativos todos, y entonces, pienso, y pienso que de no haber tenido la fortuna de acceder a ellos. No hubiera elegido escribir un periodiquito a los ocho que vendía a mi madre por 2 pesos en lugar de jugar, o mi preferencia a pintar, o escribir cuentitos, o no hubiera participado en un concurso a los seis años, ni participado en mi primera exposición colectiva de pintura a los ocho, ni hubiera pasado los peores y mejores tiempos de mi vida con un libro en el brazo. Hubiera sido, tal vez, muy seguramente, otro.

 Pero esa es la cosa, la elección. la formación crítica que se fomenta en los niños, cuestionarlos. Hablarles con la verdad será siempre la mejor cosa. Pienso en los libros para niños y jóvenes que hablan de la violación como un modo de prevención, de la muerte, de los temas que por supuesto les atañen. De la mano con los que los hacen soñar, porque lo uno no se pelea de modo alguno con lo otro. Porque privar a los niños de la verdad es de algún modo engañarlos, hacer niñas princesas, y fomentar lecturas que sólo los entretienen crean niños que serán adultos con pocas herramientas de análisis sin visión propia., carentes de argumentos, porque la verdad es personal.

 Hace poco, gracias a esta escritora descubrí una novela para jóvenes que se llama “nada” y me parece un libro por demás brillante, existencialista, precioso, que toca los temas más fuertes en la búsqueda del significado, simbólico, de lenguaje sencillo, poderoso.  Pienso en lo que oferta puesto en manos de un joven, en cómo me hubiera gustado haberlo leído a los trece, En las puertas que abre la literatura, y recuerdo a Hesse y lo que decía de los grandes misterios develados a través de las puertas del arte.

 Pienso en las puertas abiertas y en una sociedad incluyente de seres humanos forjados en la verdad y en el arte desde niños…

 Y pienso…

Ya nos alcanzaron las despedidas para un verdadero adiós

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Llueve y tú dices es como si las nubes
lloraran.
 Luego te cubres la boca y apresuras 
el paso. ¿Como si esas nubes escuálidas lloraran? 
Imposible. Pero entonces, ¿de dónde esa rabia, 
esa desesperación que nos ha de llevar a todos al diablo?  Roberto Bolaño

A veces quiero decirles, pero otras no. Es imposible para mí escribir sobre algo que no es real, creo que jamás escribiré fábulas, ni cuentos para niños. Por eso a veces les cuanto de qué humor anda mi emoción, pero me serena la razón y guardo en la más profundo del disco duro los escritos que describen mis últimas andanzas.

 Dejé de fumar nicotina hace ocho meses, ¿pueden creerlo? Yo no.

 Lo que antes parecía sencillo, hoy es una tormenta en cuestión de privacidad. Me siento perseguida, acusada y señalada. Los complejos familiares morales, no deberían ser una regla a cumplir. No puedo dejar que el pensamiento de un padre celoso se convierta en la norma que rija mi manera de sobrellevar los temores y los demonios.

 Dicen que cuando te drogas es porque están tratando de evadir algo, o una pista sintomática de que algo no está en orden. Puede ser verdad, o no.

 Él y yo por fin terminamos de decir adiós. Lo que comenzó como un proyecto fructífero para ambos: la despedida; al fin se culminó.

 Las despedidas por fin nos alcanzaron para un adiós.

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 Siempre pensé que cuando rompiéramos se caerían pedazos de Ana por aquí y allá, que se derramaría la aurora de mis ojos, que me sentiría miserable y todo sería terrible. Pero no, me quedé esperando a que pasara, pero no. Y se siente bien sonreír al escribirlo.

 A veces imagino cómo serán sus días, pero desisto al momento y me alejo de su recuerdo. Canto y bailo frente al espejo; contemplo mi cara, mi cuerpo tatuado, me miro bonita y pienso sólo en mí. Sonrío y sigo.

Los 20 son una segunda adolescencia


Cuando tenía 13 años recuerdo que vivía triste y angustiada por mil cosas. Que si el que me gustaba no me pelaba, que si me sentía fea, que si mis papás no me dejaban hacer nada, etcétera. Sin embargo, esa época de poner jeta para todo y estar incómoda con mi cuerpo creí haberla superado. Pero no. Actualmente estoy como a los 13. Los 13 reloaded, casi 10 años después. Y no sólo yo, muchos de mis amigos y amigas que están por terminar la licenciatura también están retornando –sin querer queriendo- a esa época, cuando My Chemical Romance estaba en el top y comprábamos la revista Grita. Siento que ambas edades son comparables por el hecho de que las sensaciones son las mismas que cuando eras un adolescente bebé frente a muchas cosas que están por cruzarse en nuestras vidas a partir de ahora. Y se pondrá peor.

         Supongo que estar en los 20 y que tu sentir evoque a la adolescencia (la primera) no es una cuestión de chavoruquez o algo por el estilo. Simplemente, el sentirse bien chavo aunque tengas 22, 23 años frente a las cosas, es muestra de la negación de la realidad, de negarnos a vivir en ella. Esto es porque sabemos a lo que nos atenemos. Evidentemente ya no es como antes que no sabías si tu acné vulgar iba a dejarte el rostro marcado o no, sino que ahora sí sabes lo que viene y te resistes a aceptarlo. No estoy hablando de que no crecimos, sino de que crecimos y estamos en un limbo entre querer crecer y no, ¿me explico?

         Esta terrible sensación puede llegar a moverte el suelo de una forma en que no esperabas. Hay varios ejemplos de ello, pero entre los que mejor ilustran esta situación están la pareja y los estudios. Es decir, tienes una relación digamos larga, estable y medianamente decente y de pronto algo dentro de tu pequeño y alcohólico ser empieza a dudar al respecto y entonces decides terminar porque empiezas a pensar que ya es mucho tiempo y el tren ya se te fue (o todavía no llega). El segundo ejemplo es cuando estás por terminar una carrera profesional que en un principio te gustaba y de pronto deja de hacerlo y sólo estás ahí porque ya te faltan pocos créditos. Por otro lado, estás a nada de que se te acaben los privilegios de ser estudiante (seguro médico, becas, biblioteca..), pero ya no quieres serlo porque estás llegando al límite del hartazgo, incluso si lograste superar la fase de odiar tu carrera. O de plano abandonas y te metes a un taller de algo súper hippie que no te dejará nada bueno al final, todo por no poder con la responsabilidad que conlleva concluir las cosas que empiezas. Es una situación desagradable porque te encuentras en la delgada línea entre ser un adulto responsable y exitoso (en cualquier rubro en el que te desempeñes), o ser un frito de veintitantos que no sabe ni lo que quiere aún

         Vivir con tus papás es algo comodísimo, pero imaginarte a los 30 viviendo aún con ellos puede ser una gran tortura porque sabes que te encuentras en un eterno círculo vicioso entre la hueva, el hartazgo y las ganas de salir de eso. Todo al mismo tiempo. Estás muy chavo para hacerte responsable pero también ya estás viejo como para no hacerlo.

         Son diversas las situaciones que te hacen sentir como todo un puberto que no puede hablarle a la chava que le gusta, o como una puberta que sufre sin porque no le han crecido los senos. Pero creo que deberíamos estar tranquilos, ya que el segundo piso está padre. Justamente esa condición de joven puede tener miles de ventajas si lo vemos detenidamente, sin embargo, de las crisis nadie se salva. Ni en la primera ni en la segunda adolescencia.

Abuelito Dime Tu: Heidi Regresa


Si son lo suficientemente viejos, o siguieron el especial del estudio Ghibli que llevé a cabo anteriormente, les será familiar una serie de anime de los años 70 que fue un gran éxito en nuestro país: Heidi, la niña de los Alpes, basada en la novela de Johanna Spyri. Esta caricatura nos relataba las aventuras de una pequeña niña que vive con su abuelo en las montañas, su mejor amigo es un pastor de nombre Pedro y su más grande alegría es pasear por los campos acompañada de su abuelo, Pedro y las cabras que cuidan; hasta que un día es obligada a vivir en la gran ciudad lejos de sus amados Alpes.

 Actualmente pudiera parecer un concepto clásico, tirándole a lo obsoleto debido a su trama infantil y tierna que el anime actual parece haber dejado en muchos aspectos, sin embargo los conocedores de esta serie sabrán que era un programa de gran calidad en animación (para la época) y en narrativa que fácilmente pudo cautivar los corazones de miles (si, hubo niñas que fueron bautizadas bajo el nombre de Heidi cuando esta serie apareció). Pero…  ¿se trata solo de un lejano recuerdo de algo que ya murió?, el canal ZDF de Alemania no lo cree.

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 Recientemente se dio a conocer que la serie gozará de un remake hecho enteramente en animación 3D o CGI. Lo curioso de esta noticia no es tanto que se hará una nueva versión de la historia (ya hay muchas versiones), sino que literalmente será una reinvención de este anime, en su momento dirigido por el maestro Isao Takahata, respetando los personajes, su diseño y probablemente hasta la trama de cada capítulo.

 La fecha de estreno será el 6 de abril de este año, sin embargo se ignora si este nuevo programa vendrá a México en algún momento. Como se puede ver en el tráiler, la serie pinta como un decente remake aunque la animación y el arte son muy básicos; quizá falta de presupuesto, quizá es el estilo que quisieron darle para conservar un poco ese estilo clásico que caracterizaba al programa. ¿Emocionados por el regreso de la pequeña Heidi? ¿O creen acaso que este remake es innecesario?

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Guía: Lo que debes saber de FICUNAM 2015

 

Podríamos narrar su historia de vida en retrospectiva y encontrar constantes que se han erigido como rasgos característicos del festival, cualidades que de a poco han conformado la personalidad de uno de los encuentros cinematográficos más formales y propositivos que podamos encontrar en el cuadrante.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) es tan joven como arriesgado. En más de una ocasión ha sido descalificado por lo poco incluyente de los títulos que comprenden su programación, aunque más bien podría asumirse como evasión a la condescendencia, apelando así a la audacia del intelecto de su público, dirigiéndose a un cúmulo de espectadores que sabe capaces, competentes.

Realizadores de cosmovisiones relativamente familiarizadas con la nuestra, de origen estadounidense y francés, hasta artífices de idiosincrasias y discursos —cinematográficos, sociales, políticos— sumamente lejanos a nuestras realidades, de nacionalidades francesa, tailandesa, lituana, japonesa, kazaja y belga, han sido motivo de retrospectivas, programas especiales y su obra, objeto de profundo estudio analítico en las distintas jornadas de actividades de FICUNAM.

La riqueza de dicha pluralidad es atribuida a la directora, Eva Sangiorgi (Italia), quien también ejerce como programadora, secundada por Roger Koza (Argentina) y Sébastien Blayac (Francia). Estos tres individuos, con presencia en festivales de cine de distintas partes del mundo, poseen un extenso panorama del quehacer cinematográfico mundial que, en conjunto, alcanzan notables resultados, mismos que año con año logran la solidez en la oferta del citado certamen.

2015 es el año en que FICUNAM alcanza su primer lustro de vida y, como tal, amerita una celebración en grande. A continuación te precisamos los pormenores de lo que debes saber.

¿Cuándo?

Los días de vida del Festival en la ciudad correrán del 26 de febrero y hasta el 7 de marzo.

¿Dónde?

La lista de sedes incrementa año con año. Las salas de cabecera son las cinco ubicadas en el Centro Cultural Universitario (Miguel Covarrubias, Juan Ruiz de Alarcón, Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis), aunque fácilmente podrás encontrar algún spot que mejor te acomode, de acuerdo al punto de la ciudad en que te encuentres.

FICUNAM tendrá proyecciones en el Auditorio IFAL, Centro de Cultura Digital, Cine Tonalá, Casa del Lago, Cinematógrafo del Chopo, Casa del Cine, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional, en las cuatro Fábricas de Artes y Oficios (FAROs) —Oriente, Milpa alta, Tláhuac e Indios Verdes—, así como algunas funciones especiales en espacios como el estacionamiento 4 del CCU (Autocinema), el Auditorio del Museo de Antropología, el Museo de Numismática Nacional y Plaza Loreto, en el centro de la ciudad.

Proyecciones

Durante esta quinta edición se exhibirán 137 títulos, de los cuales 4 son estrenos mundiales, 7 estrenos internacionales, 47 estrenos latinoamericanos, 45 estrenos mexicanos y 10 estrenos en la ciudad de México.

Secciones de Competencia

Competencia internacional: Se integra por directores relevantes de la cinematografía mundial. Compiten desde afianzados autores hasta cineastas en ascenso. Podrás encontrar títulos de origen brasileño, alemán, kazajo y uno representante de México.

Ahora México: Exhibe el trabajo de calidad de origen mexicano. Se proyectan estrenos mundiales de cine independiente nacional, por tanto, es un escaparate de las nuevas tendencias cinematográficas gestadas en el país.

Aciertos. Encuentro de Escuelas de Cine: Como su nombre lo indica, es un espacio dedicado a la muestra del trabajo de estudiantes de cine de Iberoamérica. Se dan cita producciones tanto de escuelas del interior del país (Universidad de Guadalajara, CCC), hasta piezas de Brasil (Universidade Federal Fluminense), Portugal (Escola Superior de Teatro e Cinema) y Argentina (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Secciones Fuera de Competencia

Manifiesto Contemporáneo: Dedicado al trabajo de los grandes artífices activos de la cinematografía mundial. En esta ocasión se reúnen producciones de Francia, Portugal y Filipinas, entre otras coproducciones.

El Porvenir: Es un espacio dedicado a los autores en formación que, con su trabajo, construyen el “cine del futuro”. Es en donde se proyectan las apuestas más ambiciosas del Festival. Para 2015 se enlistan largometrajes de orígenes alemán, estadounidense, argentino y francés, entre otras coproducciones.

 

Retrospectivas

Sin duda una de las cartas fuertes y más atinadas del Festival a cada una de sus ediciones. En esta ocasión se tendrán cuatro, en torno a cinco realizadores.

Sergei Loznitsa: De origen ucraniano, se formó en las ciencias exactas (Matempaticas y Ciencias) antes de estudiar Cine de manera formal. Principalmente enfocado a la corriente documental y con apenas un par de largometrajes. La retrospectiva contará con 17 títulos y el realizador estará presente en diversas funciones para conversar con el público.

Raymonde Carasco y Régis Hébraud: Ella, historiadora y filósofa; él, fotógrafo y editor. Su obra destaca por el hecho de que ambos realizadores, de origen francés, llegaron a México en busca de aquel atractivo que Eisenstein y Antonin Artaud habían encontrado aquí. Dicha indagación se aterrizó dentro de un enfoque 100% antropológico, culminando en un testimonio gráfico que documenta el modo de vida, rituales y tradiciones de la cultura tarahumara. La retrospectiva contará con 19 títulos y Régis Hébraud estará presente en algunas funciones.

Carlos Mayolo: De origen colombiano, de Caliwood. Sumamente aclamado en su país aunque difícilmente reconocido fuera del mismo. Su filmografía, de corte documental, empodera la marginación social latinoamericana como motivo de curiosidad y asombro dignos de llenar las pantallas de cine de países europeos, acuñando así el término «pronomiseria». La retrospectiva contará con 10 títulos y Luis Ospina, también de origen colombiano y quien dirigiera varias películas al lado de Mayolo, estará presente en el Festival.

Ali Khamraev: Uzbeko, y citado como uno de los grandes sobrevivientes de la Nueva Ola de Cine Soviético. Su trabajo fue filmado, principalmente, en la década de los sesenta. Desde entonces y hasta ahora, ha incursionado en la comedia romántica, el melodrama, el drama realista y el político. La retrospectiva contará con ocho títulos y con la presencia del citado director.

En el marco de la quinta edición de FICUNAM habrá también funciones especiales, un programa especial de cortometrajes para niños, conferencias magistrales, mesas de discusión y presentaciones de libros.

La oferta de actividades es amplia, y realmente dista mucho de lo que puedas hallar en otro lugar. Año con año, FICUNAM refrenda su status de osadía y vanguardia al traer a la ciudad una curaduría de títulos auténticamente inéditos, con nula distribución en el país, logrando así la apertura de brechas y creación de puentes de oportunidad que más tarde comienzan a verse reflejados en la creciente pluralidad de los espacios alternativos de exhibición cinematográfica.

Sin más que la evidente y calurosa invitación a atender la cita fílmica de la Universidad, te dejamos con el cineminuto oficial.

| Para más información consulta el sitio oficial, o descarga la aplicación oficial del Festival, disponible en tiendas digitales

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Especial Laika: Los Boxtrolls


Llegamos al final de este brevísimo especial, y lo hago hablando de una cinta que en su momento pasé por alto su respectivo review debido a causas de fuerza mayor. Se trata de la cinta, actualmente nominada al premio Oscar en la categoría de mejor cinta animada, Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014). Esta película es amada por muchos y no tan aceptada por otros, hay quien dice que se trata del trabajo más flojo de Laika y quizá lo es en el sentido de que cuenta con una historia más sobria, tiene menos elementos de crítica social y elementos surrealistas para centrarse en una suerte de cuento infantil cuyo única función es entretener. No obstante, debo decir que me incluyo en la lista de los que disfrutaron ampliamente la película y personalmente esta es la que más disfruté y con esto no digo que sea la mejor película del estudio, simplemente son gustos diversos.

La película nos habla de un pueblo que es aterrorizado por un grupo de criaturas que se esconden en las alcantarillas y que usan cajas de todas formas, tipos y tamaños como vestimenta. Estos entes son famosos por robar cosas a los humanos, siendo un bebé el tesoro más valioso del que se tiene noticia y el motivo por el que todos odian a estos monstruos al grado de crear un grupo especial para cazarlos y eliminarlos. Todo mundo cree muerto al bebé raptado, sin embargo ignoran que el niño en realidad fue adoptado por estos seres y criado como uno de los suyos. Los años pasan y llega el momento en que Huevo (el niño) debe salir al mundo, descubriendo cuan similar es ese mundo con su persona y el lado bueno de los humanos; aunque por desgracia, también el malo.

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La historia podría recordarnos la historia de Rudyard Kipling, El Libro de la Selva, y la premisa podría ser sencilla, sin embargo se trata de una película muy bien lograda con una historia sencilla pero contada de forma muy adecuada. Tiene una carga emocional e incluso secuencias de acción que cumplen con creces, pero es el trabajo de animación el que destaca en este trabajo. La animación stop motion es una de las mas tardadas y complicadas de hacer, y esta película se luce en este estilo. Desde secuencias donde vemos a los personajes cayendo por una pendiente con una fluidez impresionante, hasta las expresiones totalmente bien logradas, esta película es una delicia para aquellos que gustan de analizar el trabajo detrás del entretenimiento.

Si tienen la oportunidad de ver la película en inglés, cabe destacar el extraordinario trabajo del actor Ben Kingsley interpretando al villano de la historia. La voz de este gran señor le da un toque de elegancia y carisma que aunado con la malignidad que le da al personaje resulta irresistible. La película fue dirigida por Graham Annable y Anthony Stacchi y está basada en la novela de Alan Snow llamada “Here Be Monsters!”.

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Como mencioné antes, es una película incomprendida e incluso minimizada en comparación con los dos titanes que la precedieron. Se trata de una propuesta más sencilla, pero sin duda hecha con cariño. El único detalle que no me parece sobresaliente, de hecho algo incomodo, es el diseño de algunos personajes (igual que con ParaNorman). El personaje de Huevo, por ejemplo, tiene un hermoso diseño cuando es un bebé y cuando crece mantiene cierto encanto, de hecho es uno de los personajes cuyo trabajo de expresión me gustó más, no obstante hay algunos cuadros donde su rostro me parece extraño, incluso deforme.

Pasando eso, considero a Los Boxtrolls como una película ampliamente recomendable, perfecta para el entretenimiento familiar y muy disfrutable si se quiere ver una excelente animación o simplemente disfrutar un cuento. No indaga mas allá de lo que ofrece como ocurrió con las dos cintas anteriores de Laika, pero es una gran opción en animación, e incluso puedo decir que no me molestaría que fuera la gran ganadora del Academy Award este año (aunque honestamente dudo que lo sea.)

De teatro: Sepia de Luis Santillán.

 

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Comedia romántica sobre las burbujas, el jabón neutro, las fotos que con el paso del tiempo se vuelven color sepia, sobre la incómoda condición de amar en los tiempos donde trece gotas de limón ya no son tan amargas…

 

Fui a ver Sepia hace un par de días, me he quedado con una sensación extraña. El texto es bueno, es fiel al dramaturgo que lo crea, y a la creación que el texto hace a la inversa. Poético. Un poema en escena. Un personaje entrado en conflicto, pero de esos ricos. Ricos en sentido quiero decir. En potencia.

Este es un teatro un tanto distinto del que el creador acostumbra, la tendencia a llevar a las actrices a límites interesantes que se evidencía en otras puestas como: “Volupta” (El pole dance) “Malintzin” (En que la acción narrativa y los cantos se hacen a pesar de y con corsettes apretadísimos) o tal vez Lizzie Borden (En que la plástica requiere mucho movimiento) en Sepia no se hacen grandes requerimientos de histrionismo o de fisicalidad, Es más bien algo íntimo, sin mucho movimiento, propicia la cercanía al público desde otro ángulo. Desde el diálogo.

El teatro de Santillán (dramatúrgicamente) apuesta por  la reflexión, los sentimientos femeninos , la magia y también ahora se hace ver la apelación a ella, porque uno acaba, sí, preguntándose del artificio, por ejemplo,  de cómo prende y apaga las velas aquellas de que se vale en escena (que cuando tengan a bien ir, verán) no sujetas a un mecanismo. El asunto aquí es convocar. Pero una vela se rueda y uno se da cuenta de que el asunto no era así por la cara que pone la actriz, otra choca con una de ellas cuando tiene que andar hacia atrás.

Luego Sorginak que es el nombre de la compañía tiene relación con las brujas en escena, pienso en esto porque me resulta interesante el hecho: Marcela Lecuona y Lorena del Castillo son algo más cercano a princesas. Yo que de corriente no tengo problema alguno con la belleza femenina, por no considerarme una de ellas, tampoco tengo problema en reconocerla cuando la veo. Pude apreciar en todo el esplendor el modo en que sus ojos claros se iluminan y el realce que les entregan las luces, ciertamente se miran muy bien en brassiere, por supuesto que son mujeres bellas y quien no lo reconozca estará mintiendo. Son actrices, las dos egresadas del CEA. A mí no me tomen a mal nada, es la escuela de actuación de la televisora más importante de América Latina después de todo.

Uno pudiera pretender que la belleza eclipsa lo que acontece en el recinto, pero algo pasa luego, los plásticos caen. Falta de conciencia en escena. Diálogos que se tropiezan. Que se enciman. Miradas incómodas. Es extraño, porque la química que genera ser amigas fuera de la ficción debiera impedir esto, pero parecen lejanas entre ellas. A excepción de un único momento en que  hacen un juego juntas viendo hacia una pantalla, los diálogos aquí, en esta pequeña parte se naturalizan, ellas se relajan y se acomodan, pero se difumina casi de inmediato. En otro momento en que se relacionan con el público, bajan ambas. El espacio es pequeño y uno las tiene muy cerca, hacen preguntas, bien formuladas pienso, antes de que nuevamente venga el tropiezo.

Hay una dislocación constante. Una incomodidad muy presente de ambas, de algún extraño modo parece poder leerse el discurso mental que sostienen ocupado en algo fuera. Entonces los diálogos salen sueltos, arrojados, abandonados a su suerte (que termina no siendo tanta) a tropezarse contra las cosas con las que ellas se tropezarán también luego. También es un asunto de dirección esto. Se miran desamparadas. Poco dueñas.Tal vez si no se puede convivir con lo que debiera ayudar sería mejor erradicarlo para no meter a las actrices en problemas. Quizá fui en un día malo.

Hay que apostar por el teatro mexicano, teniendo en cuenta la dificultad que ofrece ser montado y luego mantenerse en cartelera. Es bien cierto que el director se mantiene vigente a veces sin la ayuda de los apoyos que otros esperan para poder montar (Luis tiene la pasión, la garra y el arrojo que ya otros quisieran para un domingo) y eso es de un alto valor teniendo en cuenta el estado de cosas en que nos encontramos. (Gracias Peña Nieto) Santillán es dramaturgo y director del denominado “Teatro culto”, esta es una apuesta: incorporar actrices formadas para la televisión y no para el teatro. Está rompiendo una línea. Hay que ofrecer un aplauso a las actrices, porque apuestan por el teatro por amor al teatro (bajo el resultado que se sirva) Habla de ganas auténticas del hacer.

Sepia está en el foro: Así que pasen cinco años, hay que llegar antes porque las funciones (para las que hay que hacer reservación) se llenan por lo regular antes del día y hay gente que ha quedado fuera. Los  lugares en que la gente llega se respetan, quien recibe tiene un maravilloso trato y no hay necesidad de pelear nada. Es un recinto que entrega intimidad y cercanía en el corazón de la Condesa. Tampoco llegar es difícil y para esperar, si se hiciera necesario hay restaurantes muy cerca. Las funciones son a las 8:30 y es a cooperación voluntaria.

 

Foro: Así que pasen cinco años. Cacahuamilpa 24 Col. Hipódromo Condesa.

Funciones: 8:30

Cooperación voluntaria

Cupo limitado: reservaciones al: 6390242

Ambas actrices tienen un blog por cierto: Mimosas para desayunar. Iniciado por Marcela Lecuona que es carismática hasta decir basta. No dejen de leerlo, que el blog es bueno y es un interesante modo de saber algo más de las actrices que serán vistas en escena.

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¿Qué esperamos?

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Gyula Halász.

Acércate como lo intentaste hacer, ámame como pretendiste hacerlo en tus sueños, domina tu corazón como has logrado conmover el mío, sedúceme a través de tus pensamientos y ademanes, hipnotízame más de la cuenta con la voz tan varonil y seductora que posees, desprende tu miedo; si lo haces, te desharás de la cadena a la cual tanto te aferraste.

 Háblame de tus pesares, de tus desaventuras y también de tus alegrías; quiero escucharte para siempre amor mío. Cuando pienses sobre el infortunio que te corroe, te abrazaré plácidamente sin que las palabras tengan que aparecer, mis manos formarán el ángulo perfecto para consolarte cada día…¡Cariño, no temas!

 Sorprendámonos juntos, anhelemos e silencio, caminemos sin prisa, veamos hacia el horizonte, plantemos semillas de ilusión, cosechemos los mejores frutos de la esperanza, imaginemos un instante de nuestra vida juntos, transgredamos nuestras desavenencias, compongamos la melodía más inusual ( a esa que no estás acostumbrado) , plasmemos nuestro sentir con la piedra angular del sentimiento, auguremos momentos solemnes bajo el árbol que crece bajo la sombra de nuestra indecisión, utilicemos el deseo que nos envuelve por transformar nuestra individualidad, consigamos ornamentos para nuestro sitio predilecto, dejémonos llevar; yo te siento cerca, creamos de nuevo en la nobleza del humano, construyamos el inicio de lo que tanto deseamos, prometamos que esto no es un acto de vanagloria; es un suceso de reconocimiento, hagamos de lado los eufemismos.

 No juremos en vano, no pretendamos, no radicalicemos…sólo amémonos, ya no en silencio, ahora ya no basta que las miradas y las acciones jueguen y deletreen la  partida, ahora busquemos la forma para hacernos partícipes de nuestra andanza tan bohemia como tu sonrisa cuando me susurra firmemente lo que sientes. ¿De qué sirve ser tan testarudos? No simplifiques, esto es real, no necesito decírtelo, creo que lo sabes, no finjas vivir en el exilio, estás presente en cada instante. Sé que deletreas la perfidia de tu ser, pero no quieras ser víctima de tu propio engaño.

 De la casualidad y la decisión surge el réquiem de un perpetrado suceso, de lo inamovible se desprende lo incongruente y de lo falso no se puede vivir…la falsedad no forma parte de lo que nos une, de lo que nos dinamiza, de lo que nos enamora cada día más. Entonces,  así como me amas en silencio, sé que lo harás a luz del día y ya no te quedarás quieto en la noche, pensando en la sombra de mi propio ente. Las estrellas nos pertenecen, así como la infinidad de girasoles que me encargaré de plantar en nuestro jardín. Es tiempo, es ahora, no mañana…amémonos íntegramente.

Charles Bukowski bebe un pulque


El sueño apendeja, la cafeína no tanto, sangra un verbo  inactivo  sobre los enunciados  que circulan, debo  escribir  para  activar la  mezcalina  heredada, conservo la esperanza  de que beberé  mezcal dentro  de un vaso de  cristal  verde con un gusano en el fondo.

Charles  Bukowski  me invitó a una pulcata  brava desde la que  le gusta observar  Cálidas nalgas,  pidió  un curado de  3 horas 16 minutos y 30 segundos,  de corazón   se llena la vista, el vaso se  llena de  pulque, la pulquería se  llena de  gente y  la  gente se  llena  de nada, pero.

¿ Te llenaste  Bukowski con la puta que se llevó tus poemas?

¿Te llenaste cuándo  saliste a morir  y   tus imitadores  tomaron el  barco en el  naufragio de los días  que  corren como  caballos  salvajes  por las  montañas?

O la vida se  trata  de un trago  y una larguísima nota de  rechazo en estos tiempos de  escupirlo todo, en tanto o  mientras  tanto, el amor se  revuelca como un perro en el infierno, con mujeres y música de  cañerías.

Te  miré  rascarte  los sobacos  mientras observabas  al  cabrón junto  a la  barra  al que  lo que más  le  gusta  es  rascarse los huevos.  Entonces  escribiste una nota:

“Se busca  una mujer,  que  sea una maquina de  follar y  que  toque  el piano borracha”

Dulce viejo indecente, tengo que decirte que todos  queremos atravesar el fuego, que  todos  estamos  a solas con todo el mundo, que todos abrazamos  a  la  oscuridad  y   en secreto tenemos  un pájaro  azul.

Mira , Heinrich, Henry, Karl, Charles  o simplemente  Bukowski, el  realismo sucio del mundo se  incendia  como  la vieja Biblioteca pública  de Los Angeles. Termina tu curado, no  digas  nada, no  respondas, si no  te  sale  ardiendo,no lo hagas, sé  que  dirás:

No lo  intentes

Ne essayez pas

 Don´t  try.

 

 

Grandes Héroes Gana el Oscar


La ceremonia de los Academy Awards usualmente está llena de sorpresas. Ganadores inesperados, nominaciones olvidadas, elementos del espectáculo, invitados especiales y mucho más. El pasado domingo 22 de febrero se llevó a cabo la 87 entrega de los premios Oscar donde la cinta Birdman o la Inesperada Virtud de la Ignorancia (Birdman, 2014) fue la gran vencedora llevándose los codiciados premios para los mexicanos Alejandro Gonzales Iñarritu y Emmanuel Lubezki por mejor dirección y fotografía, respectivamente.

Este resultado fue una verdadera sorpresa ya que la cinta favorita para ganar la estatuilla era Boy Hood: Momentos de una Vida (Boy Hood, 2014), pero el día de ayer comprobamos una vez más que aunque el Oscar diste de ser un premio a veces influenciado por aspectos económicos y hasta políticos, puede ser impredecible e ocasiones. La otra sorpresa de la noche para los amantes de animación fue la victoria de la cinta Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014) de Disney. Efectivamente, la dupla de Marvel y el estudio del ratón fue la gran vencedora en esta categoría.

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Contrario a lo que prácticamente todos pensaban, Cómo Entrenar a tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014) no resultó triunfador y por lo visto Hipo y Chimuelo deberán esperar a la tercera película de la saga para probar suerte nuevamente. Recordaremos que la cinta Grandes Héroes nos cuenta la historia de Hiro Hamada, un muchacho prodigio en la robótica que tras la muerte de su hermano decide investigar lo ocurrido y así vengarlo con la ayuda de un equipo de nuevos héroes, de los cuales destaca el robot Baymax.

Aunque la película es fabulosa en términos de animación y diseño, no es algo a lo que Disney no nos tenga ya acostumbrados ni es su obra más grande (aunque si es buena película), por lo mismo pocos esperaban este resultado que nos asombró a todos y seguramente molestará a algunos. Cabe mencionar que el estudio también se llevó el premio de mejor cortometraje animado por la cinta Festín (Feast, 2014) que nos relata las travesuras de un perro glotón y su perspectiva ante la situación sentimental de su amo… otro resultado que dejó inconformes a algunos por las mismas razones.

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Sea como sea, ese fue el resultado y cada quien tendrá su opinión al respecto. Me gustaría citar una frase del actor Sean Penn, quien entregó el premio a mejor película, en la cual dijo que “Sólo una película puede ganar, pero todas trascenderán”, y aunque es algo que dijo para las 8 nominadas principales, también puede aplicarse  a la categoría de animación. Este año tuvimos fuertes candidatas en la terna, además de las dos películas antes mencionadas hubo nominaciones para Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014), Song of the Sea (Song fo the Sea, 2014) y El Cuento de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2014). Eso sin olvidar a las grandes olvidadas de la academia La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life).

¿Están de acuerdo con el resultado de este año en los premios más famosos del cine?, ¿Listos para este nuevo año donde seguramente veremos a la animación en todo su esplendor, incluyendo la animación mexicana? ¡Que comience la nueva contienda!

Festival NRMAL 2015: Sexta edición


La vanguardia se hace presente el festival Nrmal desde su creación. Sin embargo, en este año  la proyección va más allá de la misma huella que éste impuso desde el principio; la promesa por crear otra perspectiva de contenido presenta un gran alcance de trascendencia. En esta sexta presentación, diversos proyectos musicales harán su aparición desde Sudamérica hasta países del viejo continente. Proyectos que van desde lo emergente hasta lo conocido, como es el caso de Bocafloja, Porter hasta lo más novedoso como es Future Islands. 

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 En esta edición se contará con la gran creatividad de festivales que participarán en conjunto con NRMAL 2015, entre los que se encuentran : All My Friends, Neutral, Epicentro, Hermoso Ruido, Bananada, Festival Miloes De Festa, Liverpool Psych Fest y Visions Festival. Sábado 28 de Febrero y Domingo 01 de Marzo serán los días en los que más de 40 artistas destacados harán su aparición en esas dos sesiones.

SHOW

 El showcase que promueve el Austin Psych Fest tiene como principio crear una expresión musical distinta a la que se acostumbra; aquí la distancia no representa el límite. Con la participación de Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo, la variedad crece de sobremanera. Además, también la vinculación entre formación, encuentro y red se hará presente para transformar un tipo de aldea digital por medio de la formación de un circuito musical; el nombre de éste programa es NODO; con éste se buscar crear un proceso de creación por medio de una interacción distinta.

 El sabor gastronómico no faltará, Comilona es una plataforma que buscará el talento culinario del escenario del pop-up. Un concurso que traerá a grandes expertos en la materia como es el caso de Martín Vargas y Javier Plascencia. El ingenio llegará al platillo más suculento y exorbitante a la vez.

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 Sexta edición, misma sintonía de creatividad, pero que innova constantemente.NRMAL 2015 trae consigo un repertorio que atrapa al público desde el primer momento. Dentro del Line up se encuentran algunos artistas como:

Sábado 28 de Febrero:

  • Phantogram
  • Mouse on Mars
  • The Black Angels
  • Machinedrum
  • El ultimo vecino
  • Bocafloja
  • Congelador
  • Malos modales

Domingo 1 de Marzo:

  • Swans
  • Future Islands
  • Tops
  • Alive
  • Meridian Brothers
  • Baby Hitler
  • Grindi Manberg

Para consultar precios y mayor información sobre NRMAL 2015, dar clic en la página oficial.

https://www.youtube.com/watch?v=Gdv9dP-6Jmw

Especial LAIKA: ParaNorman

Luego de su éxito con la cinta de Coraline, el estudio Laika decidió seguir el camino de las historias de ultratumba orientadas al público infantil. De ese modo los directores Chris Butler y Sam Fell trajeron la nueva aventura de stop motion ParaNorman (ParaNorman, 2012), una interesante historia sobre un niño con la habilidad de ver fantasmas que se ve envuelto junto a todo su pueblo en una terrible maldición que incluye zombies, brujas y una venganza.

 ParaNorman_posterEsta película fue ovacionada por la crítica y tuvo un muy aceptable éxito en taquilla. La calidad de su animación, así como de cada aspecto artístico resultó impresionante, siendo la primera película del género en utilizar la famosa impresora 3D para la elaboración de ciertos elementos de la cinta. Este elemento podría convertirse en un parte aguas y un nuevo y más barato camino para este tipo de animación, ya que no solo ahorrará trabajo artesanal, sino que los modelos tridimensionales podrían quedar más parecidos a los diseños en 2D con los que se empieza a trabajar en la pre producción.

 Según informes, la historia de esta película fue  trabajada durante casi 10 años y fue inspirada en elementos como los misterios del personaje Scooby Doo, pero buscando siempre un lado lógico a una aventura sobrenatural. La historia es quizá una de las más maduras e incluso arriesgadas de las películas de este tipo, lo cual garantizó un sector mucho más amplio de público al cual podría gustarle. En un simple cuento de horror para niños tenemos guiños a verdaderas vivencias de terror de la humanidad, siendo la inquisición y la quema de brujas de Salem las principales.

 Llevando la enseñanza de no juzgar a nada ni a nadie sin conocerlo antes, esta película es por demás un excelente trabajo de animación, aunque para muchos no logró el nivel de su predecesora. Pero esto no significa que sea una mala película, sino todo lo contrario, es una muy buena película que ganó muchos premios y recibió varias nominaciones. Quizá un detalle que personalmente habría cambiado yo es el diseño de algunos personajes, los cuales no me parecen demasiado agradables a la vista. Pero bueno, en gustos se rompen géneros.

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 Esta idea de respetar a las personas y aceptar lo que son llevó a la cinta a tomar una decisión sumamente arriesgada y que de hecho fue fundamental para que un sector del público la rechazara. Esta decisión fue la de incluir a un personaje homosexual en la cinta, aspecto del cual no nos damos cuenta en la mayor parte de la película y de hecho ayuda a lograr un muy divertido chiste casi al final de la misma, pero que a la vez es entendible el sentimiento incómodo que generó en algunos. Los mismos productores aceptaron que este hecho pudiera provocar que los padres tuvieran que responder preguntas fuertes a sus hijos y hablarles de un tema que si bien ahora es aceptado, en ese entonces aún no lo era tanto. Sin embargo, también es lógica esta inclusión considerando que se trata de demostrar varios tipos de aceptación en la vida real y no tanto orientada a los fantasmas y monstruos.

 ParaNorman es una película muy bien hecha, aunque efectivamente no es para todo público. Los amantes de la animación, el público con mente abierta a muchos aspectos de la sociedad que no todos toleran y aquellos que no sean demasiado sensibles a historias crudas, amarán la película. Creo estar en lo cierto al decir que habrá más gente que la disfrute a los que la desprecien, pero si es algo que ustedes, espectadores, deben considerar. Sea cual sea su opinión, y sin tomar partido en ninguna de las opiniones, la verdad es que esta película es una joya de la animación y un muy serio precedente para futuros proyectos de este género.

Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Zelda: Del videojuego a la serie de televisión

Como es bien sabido, el cine y la televisión son sólo algunos de los medios en los que la animación puede aportar algo. Muchos de los jóvenes talentos que se acercan a las escuelas de animación tienen una palabra dominando sus sentidos y emociones: Videojuegos. Un juego de video es un arte en todo su esplendor, no sólo debe contener una serie de elementos matemáticos, de programación y de física, sino que además se debe crear un universo de animación en personajes, props y escenarios que representan el enorme reto de la interactividad.

 Uno de los juegos más populares a nivel internacional es “The Legend of Zelda”, el cual nos relata las aventuras de Link, un joven que debe enfrentarse a una serie de peligros, monstruos y calabozos, por lo general con el objetivo de rescatar a la princesa Zelda de las garras del malvado Ganondorf. Es un juego que ha tenido diversas versiones para prácticamente todas las consolas de Nintendo, tiene un enorme número de fans y su fama ha trascendido al grado que incluso se han hecho conciertos de los temas principales de esta saga con versión de orquesta.

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 Podría catalogarse como un juego de culto, sin embargo es un juego que hasta ahora no ha podido dar, como otros títulos, el salto a la pantalla grande (y muchos fanáticos lo agradecen, ya que consideran que podrían arruinar la historia). Pues bien, ese salto aún tendrá que esperar, ya que Link y sus amigos sí disfrutarán finalmente de una adaptación fuera de los juegos, pero no en cine, sino en televisión.

 El canal Netflix anunció recientemente que ha adquirido los tan codiciados derechos para hacer una serie basada en este videojuego. Aún se ignora quién podría dirigir dicha adaptación, o quienes serían los actores encargados de encarnar a los queridos personajes. No se ha adelantado tampoco en cuál de los tantos títulos de la saga estaría basada la serie, aunque la mayoría cree que será basada en el juego “Ocarina of Time”, que fuera quizás el juego que tuvo mayor impacto hace años cuando salió para el nintendo 64.

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 Lo único que se ha adelantado de este proyecto es que será una serie live action, pasará por Netflix (lo que puede no ser demasiado bueno para los que no gozan de este servicio) y que su nivel de calidad pretende ser equiparable a la serie épica creada por Geoge R.R.Martin, Game of Thrones, pero de un nivel mucho más familiar. Al tratarse de un juego con tantas historias alternas, un juego relativamente largo y la capacidad que tiene para contar una gran aventura, puede que la decisión de hacerla una serie y no una película haya sido acertada. ¿Emocionados, fanáticos de los videojuegos?

Rescatando al unicornio azul

Es gracioso cómo no tener inspiración para escribir nada te lleve a escribir sobre ello. Ahora mismo estoy escribiendo de cómo nada de lo que me rodea me inspira a escribir una buena nota. Miro a mi alrededor y, como pequeño objeto de inspiración encuentro a mi gata sentada, medio dormida en el regulador de energía que está junto a mi computadora, porque es un sitio caliente y además vibra un poco. Pero más allá de ello, nada. Ni siquiera el mal de amores que he venido cargando desde hace casi dos semanas me provoca la sensación de plasmar sentimientos en papel. Hay gente triste que escribe grandes obras, pero también gente triste que no es capaz de encontrar nada que sirva de punto de partida a la creación.

 Todos los que comunicamos nuestros sentimientos a través de la escritura, la música, la pintura o cualquier arte hemos padecido de crisis como estas. El mismo Silvio la padeció y, a partir de ahí, creó una de las mejores metáforas que he escuchado. Me gustaría ser así. Encontrar inspiración y crear metáforas hermosas en las cosas que me rodean. Pero también pienso que las personas comunes deberían desarrollar esa capacidad. En realidad existe, pero hay algo que no deja que aflore. Estoy empezando a suponer que la insensibilidad se ha normalizado en mí, en nosotros.

 ¿En qué momento dejamos de ver a nuestro alrededor y contemplar aunque sea las hojas de un árbol? Puede sonar absolutamente cursi y trillado, sin embargo, considero que en tiempos como estos las personas vamos caminando por la vida como zombis. Zombis que se despiertan, toman café, van al trabajo que odian, o estudian algo que no les llena el espíritu, se atoran horas en el tráfico, en el transporte público, pelean, abusan…

       Es difícil encontrar una persona que logre sensibilizarse en los detalles mínimos que servirían de escapatoria a esta realidad tan dura y quizás absurda, a mi ver. Pareciera que nosotros mismos nos tapamos los ojos y negamos esa riqueza que probablemente esté presente hasta en la hoja seca que acabo de pisar. No observamos ni escuchamos y, lo peor, estamos conscientes de ello. Considero de vital importancia, de vez en cuando, reflexionar frente a las formas en que las personas reproducimos nuestra vida. Es decir, creo que esa reproducción debería ir más allá del ámbito económico y social. Supongo que el espíritu debería también alimentarse de alguna forma, para dejar de caminar por la vida como seres insensibles que no pueden ni siquiera crear un ambiente agradable para sí mismo dentro de tantas cosas negativas que parecen rodearnos en tiempos como este.

         Sin embargo, yo seguiré tratando de observar más y escuchar más, para así tratar de crear, por ejemplo, un escrito que vaya más allá de la crítica o la queja hacia mis momentos de crisis de la inspiración.

[Poesía]: Voluntades

Si yo fuera un violín en tus manos,
no me importaría ser un violín triste,
siempre que me tocaras con esa habilidad tuya
de arrancar gemidos obscenos.
Que no sólo rasgaras mis cuerdas:
también carne y voluntad.

Quiero vivir siempre dependiente de tu amor,
porque eres mi única manera de relación con el mundo.
Pero, a pesar de la liviandad con que hablo de tu esmegma,
no me des palabras para volar a alturas ilusorias
si no podré siquiera, de un paño abandonado junto al retrete,
respirar el olor tus genitales.

¿No ves que cuanto más me alejas
más te amo? ¿Qué entre más ridículos seamos,
pero juntos, es mejor?

Ay, me digo poeta para decir sandeces;
para comer golosamente, hincado,
de tu mano que sabe premiar mis desorganizaciones…

Pongan una esponja impregnada de tu sudor en mi boca,
un ofrecimiento de licores rosados
junto a la cama de clavos donde habremos de yacer.

Seré, desde ahora y hasta que alguien me asesine por envidia,
tu muñeca sexual de plástico…

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Ilustración por: Pedro Sosa

Nacido en el burdel: la zona roja desde la perspectiva de Zana Briski

No es ningún secreto que la prostitución es el oficio más antiguo del mundo y también de los más marginados, al igual que peligroso. Muchos hombres y mujeres terminan por diversas circunstancias laborando en este rubro.

 En casi todos los países existe algo denominado Zona Roja: un sector donde se concentran comercios dedicados a la prostitución. Diversos han sido los reportajes o documentales que se han hecho acerca de estos lugares o las personas que se dedican a la industria del sexo, pero siempre es difícil que la gente se abra ante una cámara, más si se dedican a una actividad tan mal vista y aún ilegal en algunos países.

 Hablemos específicamente de Sonagachi, una Zona Roja ubicada en Calcuta, India. Se sabe abiertamente que es un área de venta de licor (ilegal, por supuesto) y sexoservidoras que adoptan el oficio generación tras generación. La mayoría de ellas son el sustento de familias numerosas que viven en condiciones insalubres y carentes de servicios básicos; pero nada de esto es visible a simple vista. Precisamente el documental Born Into  Brothels  (Nacido en los burdeles) logra entrar a lo más recóndito de Calcuta.

Born Into Brothels

 Zana Briski fotógrafa y documentalista de origen inglés  fue la encargada de realizar este documental, pero al ser foránea no la tenía fácil al tratar de adentrarse en Sonagachi así que la mejor forma que encontró para acercarse fue a través de los niños que nacieron allí y no conocen otra forma de vida que no sea la del burdel.

 No hay mejor forma de entender el entorno de alguien que verlo a través de sus ojos, o eso afirma Briski. Así fue como decidió enseñarles fotografía durante dos años a un grupo de niños de la Zona Roja. Se les proporciono todo el material como cámaras y película, tenían clases donde se les enseñó a encuadrar, a generar una composición y técnicas básicas de fotografía análoga.

Born Into Brothels

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 A lo largo de esos dos años, aparte de recopilar el testimonio verbal y fotográfico de los niños y sus familias,  Briski intento por todos los medios que los chicos tuvieran una mejor calidad de vida empezando por lograr que los aceptaran en las escuelas, pues desgraciadamente al ser procedentes de Sonagachi carecen de cualquier derecho.

 Además montó algunas exposiciones con el trabajo realizado y el dinero recaudado fue para las familias de los niños incluso logró que uno de ellos viajara a Ámsterdam para un seminario de fotografía, así de algún modo les dio la esperanza de un futuro más alentador y la posibilidad de no tener que volver al burdel.

 Born Into Brothels fue galardonado con diversos premios como el Oscar a mejor documental, en 2005, Sundance: premio otorgado por el público 2004 y National Board of Review por mejor documental 2004.

 Al término de la filmación y pese al esfuerzo de Briski por brindarles un mejor futuro a los niños, la mayoría de los que fue aceptado en escuelas regreso por voluntad propia a Calcuta y algunos otros sus padres los llevaron de vuelta y eventualmente se dedicaron a la prostitución o venta de licor.

Born Into Brothels

Born Into Brothels Subtitulado

 

El almacén de la imagen: la crítica social de Ricardo Modi

El año pasado el fotógrafo morelense Ricardo Modi inauguró su exposición Las tres Miradas, en la que intentaba mostrar la manera en la que la fotografía se compone de la mirada del fotógrafo, la mirada del retratado que se presta a una teatralización para representar una realidad sin tiempo, y la mirada del espectador que se apropia de la imagen al momento de ver la fotografía y de interpretarla desde su experiencia. Sin duda alguna, el trabajo de Modi se caracteriza por mostrar escenas ficticias cargadas de simbolismo, de espacios en los que la figura femenina siempre destaca, haciendo expresión de la belleza física y emocional de las mujeres. Las mujeres que Ricardo Modi retrata son féminas que expresan sentimientos a través de la mirada, de los gestos, del movimiento del cuerpo casi siempre delicado y sutil.

Arriba. Fotografía de Muray usada para el suplemento de Vogue en noviembre de 2012. Abajo. Ricardo Modi, Frida, 2014.
Arriba. Fotografía de Muray usada para el suplemento de Vogue en noviembre de 2012. Abajo. Ricardo Modi, Frida, 2014.

 Sin embargo, en esta ocasión apostó por más y sacó a la luz una serie, todavía sin nombre, de ocho imágenes en las que hace crítica social con el medio que mejor domina: la fotografía. Esta serie sigue la línea conceptual de “Si mi país tuviera mirada”, en la que muestra imágenes que, en palabras de Miguel Ángel Izquierdo, Subsecretario de Educación Media superior de Morelos, “[…]corresponden a esa voluntad de Modi por expresar su perspectiva del México contemporáneo, con su dolor y llanto, esta vez mediante mujeres jóvenes.” La nueva serie muestra a algunos íconos femeninos que han sido importantes en la historia y que forman parte de nuestra identidad nacional: Frida Kahlo, Josefa Ortiz de Domínguez, Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos, la emperatriz Carlota, la virgen de Guadalupe, María Félix y una adelita. Es interesante observar que los íconos que selecciona Modi son personajes femeninos muy fuertes que la historia ha exaltado y con las cuales se ha definido un arquetipo de la mujer mexicana luchona, esa que deja de lado a la madre abnegada y a la mujer sumisa.

 Ricardo Modi inició la serie con la fotografía del personaje de Frida Kahlo. La idea nace a partir de la emblemática fotografía icónica que el fotógrafo húngaro Nickolas Muray haría de Kahlo en 1939 y que sería usada por primera vez en la portada de un suplemento de la revista Vogue México “Frida Kahlo. Las apariencias engañan” en noviembre del 2012. Frida Kahlo es una figura emblemática en nuestro país, no sólo por haber sido esposa del muralista mexicano Diego Rivera, sino por su pintura en la que retrata su propia realidad, así como por la historia personal que constantemente impregna en su obra. La figura de Frida inspira a Ricardo Modi, no tanto por su obra en sí, sino por su pensamiento, por la forma en la que ella ve y entiende la vida. Modi se identifica con el pensamiento de Frida cuando se trata de describir y de incluir su trabajo a un género fotográfico.  Frida Kahlo alguna vez mencionó No sé si mis pinturas son o no surrealistas, pero de lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser”. Por su parte, Ricardo Modi afirma que se identifica con Frida porque a ella “La catalogaban como una surrealista cuando ella mencionaba que no lo era. A mí me pasa lo mismo que a ella. Siempre me he sentido con mucha empatía con la forma en la que ella pensaba, entonces esta foto fue una especie de autorretrato”. La Frida Kahlo que Modi retrata se adapta a la cultura de nuestra época, deja de lado el vestido tehuano y se pone una chaqueta de piel con estoperoles, un collar de picos y unas botas rojas al más puro estilo punk. Las rosas y el cabello trenzado es lo único que todavía queda de esa Frida que exaltaba lo mexicano en los años cuarenta del siglo pasado.

Ricardo Modi, Virgen de Guadalupe, 2014.
Ricardo Modi, Virgen de Guadalupe, 2014.

 En esa misma serie llamó mucho mi atención la fotografía de la Virgen de Guadalupe por dos razones principales: la primera de ella por la carga simbólica de la figura materna que la Virgen de Guadalupe representa para el pueblo mexicano. La historiadora Alicia Meyer menciona que “Para los habitantes de Nueva España, la Virgen resultó ser símbolo de luz que ilumina, que revela la verdad, manifiesta la pureza y cohesiona en su maternidad simbólica”.[1] En este sentido, Ricardo elige una figura femenina con una presencia fuerte en la cultura mexicana. La Virgen de Guadalupe, menciona Octavio Paz en El laberinto de la soledad, es madre cuyo principal objetivo es velar a los desamparados.

 La segunda razón es que la Virgen de Guadalupe de Ricardo Modi tiene poco de maternal, pues está desnuda, su figura ha sido expuesta y su cuerpo, al mismo tiempo que sus secretos, queda al descubierto. Sin embargo, esta virgen, a pesar de estar desnuda, se muestra fuerte, imponente, sin miedo a dejar de lado su parte espiritual para enseñar su parte más carnal y humana, por ello sigue rezando. Las rosas rojas aluden a la pasión y su santidad queda transgredida desde el momento en el que las flores nacen de su sexo. Al mismo tiempo, la aureola nos recuerda que la Virgen de Guadalupe sigue siendo una santa, sigue siendo un personaje iluminado. Modi habla de esta fotografía en términos de composición y menciona: “Cuando tomé la fotografía yo quería que estuviera completamente equilibrada, por eso ahí la aureola amarilla. Sin ella la atención se dirige más hacia la parte de abajo”.

Ricardo Modi, Sor Juana, 2014.
Ricardo Modi, Sor Juana, 2014.

 Sor Juana Inés de la Cruz deja atrás su pluma y la remplaza por un mangual, así como también deja su poesía barroca para aparecer como sadomasoquista. En la figura de Sor Juana, así como en la de la Virgen vemos una fuerte crítica a las instituciones religiosas. “En esta fotografía quería arriesgarme un poquito más y que fuera más controversial. Quería jugar con esta cuestión de la religión que básicamente es como una especie de máscara. Quería tomarla desde un lado más íntimo, verlo todo como un juego, como estas parejas sadomasoquistas que juegan al sumiso y al dominante.”

 Así, Ricardo Modi juega con la figura de las mujeres más representativas de la historia mexicana, en un intento de apropiarse de ellas, traerlas al presente y crear cierta actitud rebelde en ellas. El fotógrafo revive al fantasma de cada una de ellas y les muestra el presente quebradizo y doloroso de un México del cual ellas formaron parte y por el cual probablemente no sentirían aprecio. Josefa Ortiz de Domínguez regresa de la conspiración insurgente de la primera década del siglo XIX para encontrarse con un México ensangrentado, accidentado, políticamente corrupto y sufre por las penas que nos azotan a los mexicanos. La Adelita se trenza el cabello, se desnuda y desenfunda sus pistolas tatuadas porque está lista para irse a hacer la revolución virtual, en su caballo de juguete que lanza luces de colores por los ojos. La Adelita es la nueva revolucionaria de las redes sociales, pertenece a esa gran masa de mexicanos que tienen sólo la facha de revolucionarios, pero que solo se quejan y no hacen nada: activistas de Twitter. Ricardo Modi, reflexiona en torno a la política, la sociedad y la cultura de nuestros tiempos y hace esta serie con un tono irónico, pues su visión sobre el presente queda cada vez más nublada por un cúmulo de ideales que se presentan en una especie de sinsentido.

Ricardo Modi, Josefa Ortiz, 2014.
Ricardo Modi, Josefa Ortiz, 2014.
Ricardo Modi, Adelita, 2014.
Ricardo Modi, Adelita, 2014.

 

[1] Alicia Meyer, “Flor de primavera mexicana. La virgen de Guadalupe en los sermones novohispános”, pag. 177

[Poesía]: Extraños

soledadesTú y yo,
los dos,
los extraños.
Tú la extraña, yo te extraño.
Nos preguntamos sí ¿Ha sido todo?
¿El mundo es de otra forma y no  es de nuestro modo?
Nos miramos de la manera más cruel. Extrañándonos. Aunque estemos ahí. A un costado del otro, Paseándonos juntos o separados. ¿Por qué te extraño, yo el extraño, que nunca antes extrañó?
A ti , a la extraña , que nunca extraña al extraño que la extraña.
Y es que extrañarte es sentir la dulce agonía de la ausencia de nada.
Él y tú me chingaron.
Como la noche al día La luz me quitaron.
Él: el tiempo
Tú: mi vida.
Y qué es la vida sino olvidarte.
Y qué es la muerte sino quererte.

Especial Laika: Coraline y la Puerta Secreta

Celebrando el anuncio de la primera película de animación stop motion en México, en esta ocasión comenzaré con un muy pequeño especial acerca de un estudio estadounidense que aunque no cuenta con una gran cantidad de películas hechas, sus productos poseen con una enorme calidad al grado de que han sido de los pocos estudios (quizá el único) que cada película que hace es nominada a toda clase de premios. Este estudio ha ganado fama por su habilidad en animación stop motion con tres películas que comparten un tema, el horror dirigido a niños.10891629_800

 Hablo del estudio Laika, propiedad de Phil Knight y la empresa Nike. Este estudio se dio a conocer oficialmente y a nivel internacional en el 2009 tras el estreno de su ópera prima, Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009) del director Henry Selick, aquel que ya mostrara ser un titán en la animación de este estilo tras dirigir cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) y Jim y el Durazno Gigante (James and the Giant Peach, 1996). La película de Coraline está basada en la novela de Neil Gaiman, publicada en el 2002 y fue un éxito a nivel taquilla y critica.

 La cinta nos cuenta la historia de Coraline (No, no es Caroline), una niña que vive enojada y aburrida de su existencia rutinaria. La relación con su madre es tensa y las cosas empeoran cuando su familia decide mudarse a una vieja casa que ha sido dividida en departamentos que son habitados por excéntricos vecinos. Un día, Coraline descubre una puerta extraña que la lleva a un mundo paralelo al suyo, una especie de mundo del espejo donde cada persona de su mundo está reflejada ahí, pero siendo totalmente diferente a lo que es realmente. Como característica de este mundo, todos sus habitantes tienen ojos de botón. En ese lugar, Coraline conoce a su Otra Madre, quien parece tener siempre tiempo para ella y un carácter mucho mas agradable y divertido que su madre real. Coraline queda fascinada con este universo al grado de querer regresar una y otra vez, sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que descubra que nada es lo que parece y que un oscuro y aterrador secreto se esconde detrás de la puerta.

 La película resulta ser una propuesta más que interesante, con una animación impecable, un diseño de producción sin igual y una banda sonora peculiar, aunque totalmente cumplidora. El mensaje que da es importante para todos aquellos que no aprecian lo que tienen y que fácilmente pueden sucumbir a aquello que parezca ser perfecto en un mundo donde no todo lo que brilla es oro. Así mismo, la película es una opción familiar y dirigida a niños, pero sorpresivamente tiene el suficiente nivel de suspenso y horror para complacer a los amantes del género. Es una película que puede ser disfrutada por todos, incluso es considerada de culto por un sector del público, sin embargo esta característica puede ser un punto negativo para aquellos niños que sean muy asustadizos.

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 Además de eso, la película podría tranquilamente catalogarse como cine de arte, con un manejo de situaciones donde el surrealismo domina casi todo. A veces puede ser confusa, muy extraña para algunos espectadores. Aquellos que no disfruten de este tipo de historias mejor absténgase de verla, pero al menos los invito a ver algunas escenas y descubrir que visualmente esta película es una maravilla. Fue la primera película del que se ha vuelto un titán de la animación. Una obra maestra en todo su esplendor, aunque como dije, para un público muy específico. Los invito a verla y dar su propia opinión. Háganlo y créanme, no volverán a ver los muñecos con ojos de botón con algo adorable.

 

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Impresiones francesas sobre: el nopal

LA TRADITIONNELLE

Une découverte a été de goûter une salade de nopal. Installée au restaurant, dans une cantina aux tables larges et partagées avec les autres clients, j’ai pu découvrir ces tranches vertes couleur poivron  en accompagnement de mon tacos.  En effet, dans un tacos on peut mettre de tout : du riz, des pommes de terre, de la viande, des haricots…et ce dérivé du cactus, le nopal. Originaire du centre aride du Mexique, le nopal s’étend en forme de palettes larges et épineuses au bas du cactus, qui peut mesurer jusqu’à 3 mètres de hauteur. Les fleurs de la plante sont également comestibles, appelées tuna. Afin de consommer le nopal, il faut lui retirer ses petites épines en coupant au ras de la palette, ce que j’ai pu constater en démonstration live au marché.

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Le nopal et ses fruits, le tuna. Les palettes de nopal une fois coupées du cactus.

 On peut le cuisiner frais en salade avec du fromage panela de lait de vache, grillé et recouvert d’haricots et fromage frais, cuit avec des œufs : les possibilités sont larges. Dans mon expérience, j’ai souvent goûté le nopal cuit coupé en fines tranches agrémenté de fromage et d’oignons, en accompagnement à un plat de viande. Le nopal est consommé régulièrement par tous les mexicains, et de fait représente une part importante de l’agriculture: il est cultivé dans 18 des 31 etats qui composent le Mexique.

nopal asado ensaladaUne salade de nopal fraîche: fromage panela, nopal grillé avec ses dés de tomates 

 Elevé au niveau de symbole, le nopal est utilisé dans le drapeau mexicain. Y figure l’aigle, symbole d’une divinité pré-hispanique posé sur une ribambelle  de petits nopals en fleurs. Le nopal représente ce qu’il y a de plus mexicains. De fait, il est utilisé comme proverbe:  « ser más mexicano que el nopal» soit, ‘plus mexicain qu’un nopal’, ce qui définit une personne comme 100% mexicaine.

De New Jersey a México: Senses Fail en El Plaza Condesa

Senses-Fail-méxico-2015Ya solo faltan unos días para que Senses Fail, la banda de post-hardcore llegue a México desde New Jersey. El próximo 20 de febrero, el Plaza Condesa será testigo de un concierto cargado de energía y ruido que estremecerán a más de uno.

 El último disco de la banda, Renacer, fue lanzado en 2013 y en él se aprecian algunos giros que la agrupación da a su sonido, claro está, sin olvidar su característico sonido post-hardcore.

 Para escuchar Mi amor, The Path, y algunas otras canciones de su nuevo álbum no te puedes perder este concierto. Además se contará con la presencia de bandas como Joliette, Aurum, Sputnik y Days Of Struggle.

 Senses Fail ha participado en varios festivales como Warped Tour y Taste Of Chaos Tour, y realizado giras con Saosin, The Sleeping, The Used y 30 Seconds to Mars, por mencionar algunos.

 Los boletos están a la venta a través de Ticketmaster y en las taquillas de Plaza Condesa. Recuerda, la cita es el 20 de febrero a las 20:00 horas

WhoMadeWho vuelve a México

Con 12 años de carrera artística WhoMadeWho, el trío danés, regresa a México para presentarse el 12 de marzo en SALA, después de su visita el año pasado a Trópico y hace tres al Corona Capital. WMW estará presentando su más reciente material titulado Dreams.

WhoMadeWho-2014-300x235  Dreams es el quinto álbum de la agrupación y en él decidieron probar el pop experimental, dejando atrás el cuidado en el sonido, más no en la calidad. Si lo tuyo es el Electro Indie y los sonidos electrodisco no te puedes perder la oportunidad de disfrutar a WhoMadeWho en su primer show en solitario en nuestro país.

 Los boletos están disponibles en Ticketmaster y en las taquillas de SALA, los precios van de $450 a $600 sin cargos.

Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Mascotas y Sabandijas: la primer película mexicana de stop motion

44242_1La industria de la animación en México está avanzando a pasos agigantados. Tan sólo este año 2015 tenemos diversos proyectos hechos por talento mexicano que pronto podremos disfrutar en cine. Desde producciones en 2D, 3D e incluso Motion Capture, nuestro país ya ha experimentado prácticamente con todos los tipos de animación; tan sólo faltaba un estilo en el cual no se había tomado el reto de elaborar un largometraje (porque cortometrajes si hay muchos), el Stop Motion. Finalmente podemos decir que esta parte del mundo se ha atrevido a todo (mientras no se invente alguna otra técnica).

 La prometedora empresa poblana Cerberus Studio se encuentra en este momento trabajando en un proyecto que se ha dado a conocer como la primera película stop motion en México. El nombre del proyecto es Mascotas y Sabandijas y será dirigida por Oscar Aragón. La cinta se encuentra finalizando el proceso de pre-producción y pronto iniciará la parte más difícil, la producción. Recientemente se ha lanzado una convocatoria para los animadores especializados en esta técnica, lo que significa que están listos para empezar a desarrollarla.

 Aragón se ha dicho muy emocionada ante la perspectiva que la industria de animación en México está ofreciendo, además de que señaló que este proyecto que ahora tiene entre manos es un reto muy grande, un proceso de animación muy complejo, pero que tiene plena confianza en el talento mexicano. Dijo que en este país de ha hecho muy buen stop motion y que ya era tiempo de que se intentara un proyecto de este tipo con un guión que tardó tres años en desarrollarse. Es un proyecto que ya lleva algún tiempo en desarrollo, pero resulta emocionante pensar que sigue en marcha y que en un futuro no muy lejano ya tendremos la primera película stop motion, el cual debemos tener la confianza de que sea tan bueno como el trabajo hecho en los estudios Aardman y Laika o en las producciones de directores como Henry Selick y Tim Burton.

 La cinta tratará temas importantes como el bullying y dará el mensaje de que sin importar como sea uno (una sabandija, por ejemplo), siempre podemos ser especiales y destacar. La grandeza se puede encontrar siempre que tengamos la determinación y el coraje de buscarnos a nosotros mismos. Así mismo, la película contará con las voces de Vanessa Bauche y Miguel Pizarro entre otros.

 El proyecto  está contemplado para estrenarse a finales del 2017 debido a la gran calidad y cuidado que pretenden darle. Quizá ahora suene como algo muy distante, pero un proyecto que se toma su tiempo tiene ese plus de que será algo muy bien hecho. ¿Emocionados ante este nuevo horizonte en la industria del cine animado en México?