NY77: El año más frío en el infierno (Segunda parte: Punk)

En esta segunda parte, revisaremos a uno de los movimientos más importantes de la década de los setenta y de la segunda mitad del siglo XX, no sólo por la repercusión en la historia de la música rock’n’roll, sino porque le dio voz a toda una generación en diversas partes del mundo, destacando al Reino Unido y por supuesto, a Nueva York.

 El nacimiento del punk en Nueva York (¡Sostengo firmemente que el punk nació en Nueva York!) es un reflejo de lo paupérrima que podía ser la vida en la gran metrópoli. Las crudas letras y las melodías basadas en 3 acordes, llegaron a ser la bandera que ondeó en 1977, anunciando la muerte del movimiento hippie y con él, el virtuosismo instrumental de los ídolos musicales.

“Flower power won’t stop fascist power” Black Mask

 La cultura del Do It Yourself (DIY) pronto se abrió paso como la rabia furiosa, infectando a paso veloz a los jóvenes que vieron la puerta cerrada en sus narices, esparciendo su idea por todo el mundo. Si no te han dado la oportunidad, ¡Tómala tú!

La, mi, sol. Ahora haz una banda
La, mi, sol. Ahora haz una banda

 La cultura del DIY también invadió la forma de hacer música, la era de grupos pioneros en la escena alternativa como The Velvet Underground e Iggy Pop & The Stooges había mostrado el mapa del campo de batalla, después de eso nada podía ser igual, nada debía ser igual.

 Las letras de grupos como Television, New York Dolls, Patti Smith, Ramones, Blondie, Dead Boys y The Dictators, ofrecen un testimonio vivo de lo mucho que se alejaban de lo “convencional”, incluyendo dentro de sus temáticas al abuso de drogas, la situación de calle y la falta de pertenencia a una clase social, al sexo (en especial al transgénero), al arte continuo y la poesía maldita. 

 Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos, cantaba Patti Smith; desafiando la estética de la mujer en su tiempo, convirtiéndose en una especie de ser andrógino.

“Dentro de mil años ya no habrá hombres ni mujeres, solo personas”  Mark Renton, Trainspotting (1996)

 Es obvio que la música estaba dando un paso adelante en cuanto al contenido, las letras, la forma de ver el mundo y el futuro que éste ofrecía. El movimiento neoyorquino inspiró en gran medida a la gran oleada punk inglesa, grupos como Sex Pistols, The Clash y The Damned fueron directa o indirectamente influenciados por las bandas neoyorquinas.

CBGB’s OMFUG

EL CBGB’s (Country, Bluegrass and Blues) OMFUG (Other Music For Uplifting Gormandizers) fue el hogar para una generación huérfana, el gran foro que en verdad escuchó las nuevas propuestas, el lugar que vio crecer a tantas bandas y que recibió a miles de fanáticos. Muchos dicen que el punk ha muerto, no sé si esto sea verdad pero lo que si sé es que hoy este lugar está cerrado, pese a la historia y al gran legado que dejó en la música.

CBGB (1973-2006)
CBGB (1973-2006)

 El año pasado se rindió un tributo al mítico bar y al dueño de éste (Hilly Kristal) con la película titulada “CBGB”, que narra las dificultades de empezar desde cero con una idea que no parecía muy prometedora como es la de instalar un bar con música en vivo.

 Las bandas que comenzaron amaron inmediatamente el lugar, pues lo consideraban un sitio ideal para soportar a la naciente escena, las visitas usuales de famosos artistas y fanáticos, lo convirtió en el bar underground por excelencia, estatus que conservó hasta su cierre en 2006.

 Con el cierre del CBGB’s, resulta imposible evitar sentirse nostálgico y un poco sentimental por una era en la que todo era más difícil que hoy; una era en la que la destrucción era realmente creativa y en la que la simplicidad jugaba un papel fundamental en la forma de expresarse.

 La ciudad de Nueva York ya no es la misma que en 1977, hoy la ciudad ha pasado a otra fase, hoy el glamour y el derroche se apoderaron de la ciudad. La ciudad sigue sin dormir, pero las paredes se encuentran más vacías que antes.

RAMONES
RAMONES

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Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

Originally posted 2014-09-08 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Discodeine: psicodelia para bailar.

Por:  Lalo Cruz 

@Lalo_Croix 

Desde finales de la década de los 80, Francia se ha caracterizado por sus aportaciones en la escena electrónica , partiendo con Laurent Garnier, Daft Punk, Cassius o Justice, por mencionar algunos. Discodeine se une estos creadores proponiendo un sonido fresco para sacarle brillo a la pista de baile.

discodeine

El dúo conformado por los productores Pentile (Benjamín Morando) y Pilooski (Cédric Marszewski), iniciaron su proyecto gracias a su gusto mutuo por la música y las películas de ciencia ficción en el 2007. Cuatro años después lanzaron  su primer álbum  de larga duración donde se incluyeron temas con Jarvis Cocker, Baxter Dury y Matías Aguayo.

Este año regresan con “Aydin”, tema en el que colabora Kevin Parker de Tame Impala con su singular voz. La canción se caracteriza por tener  beats relajantes y cuerdas al estilo árabe,  sin olvidar un poderoso bajeo que acompaña sus tenues notas de piano. Su EP ya está a la venta y también incluye los remixes de Jeremy Greenspan, Timothy J. Fairplay  y Para One.

Aunque no existe el nombre ni la fecha de lanzamiento de su próximo material, Aydin se muestra como una fuerte carta de presentación. Ahora solo queda esperar  las sorpresas que tienen para este año las mentes bizarras de Discodeine.

Originally posted 2013-07-29 07:00:13. Republished by Blog Post Promoter

El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación:

 

 

Originally posted 2013-12-12 19:55:32. Republished by Blog Post Promoter

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Originally posted 2014-11-14 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

Poesía: significado y retrospectiva

Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio.
— Federico García Lorca

La poesía, es, por tomar definición, una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra y hay qué aclarar que no necesariamente reposa en el verso.

Precisiones:

  • Según los griegos puede haber tres tipos de poesía: Lírica, dramática y narrativa.
  • Antiguamente en Grecia el concepto abarcaba a la narrativa actual.
  • El término “poiesis” significaba “hacer” en un sentido técnico y en realidad, se refería a trabajos artesanales de todo tipo.
  • El creador, el artesano, hacedor, legislador, poeta, autor etcétera era llamado “poietés” el generador de algo que antes del paso por  su mano creadora era inexistente. En literatura entonces, era el arte creativo que utilizaba el lenguaje.

Es menester decir, que la poesía  no era creada para ser leída, sino representada.

Al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta.
— Platón

En la República, Platón establece tres tipos de “poesía”: Poesía imitativa, no imitativa y épica. El teatro es poesía imitativa, lo propio era no imitativo y lo restante: Poesía épica. En la Grecia antigua todo se componía en verso.

 Pasa algo interesante con Platón y es que siendo él peta, consideraba también a la poesía como la forma más elevada del arte, es en este libro (La República) que postula la necesidad del destierro de los poetas de una metrópoli moderna; aparentemente y dados los antecedentes, no se refería a todos los poetas, sino a los practicantes de la mimesis fantastiké, las apariencias, los encargados de reproducir fantasías, los hacedores, de la ficción, de lo fantástico.

 Lo que hay que recordar es que Platón consideraba que ésta realidad era una copia de las ideas, por tanto, éste tipo específico de poeta, era un ejecutante de la copia de una copia. Estas personas, luego, no son filósofos sino meros ejecutantes con posibilidades de persuadir al pueblo a seguir sus teorías no instruídas.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.
—  Octavio Paz

 La poesía se consideraba como una realidad espiritual más allá del arte,  la calidad de lo poético trasciende a la lengua y al lenguaje. De acuerdo con la Poética de Aristóteles, es el género en que el autor expresa sentimientos y visiones personales.

 La poesía actual se se relaciona con su capacidad de síntesis y de asociación y para ésto, se vale de la metáfora, que es diferente de la imagen, que se acerca a la nueva realidad mediante significados que refieren un sentido estricto y a la vez uno distinto, a diferencia de la metáfora que es la correlación entre dos símiles, según muchos una clara muestra de inteligencia y sensibilidad puras.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.
— Octavio Paz

 El lenguaje escrito en forma de poesía fue encontrado en el Antiguo Egipto en jeroglíficos, 25 años antes de Cristo. Son cantos de labor y religiosos. El poema de Gilgamesh, fue escrito con caracteres cuneiformes y sobre tablas de arcilla, 2000 años antes de Cristo. La Iliada y la odisea de ocho siglos antes de la era Cristin, Los veda del hinduísmo del siglo iii a.C.

 La poesía de Roma se basó en Grecia. La primera obra maestra de la literatura latina es “La Eneida” de Virgilio,también valdrán Propercio, Ovidio y Cátulo.

Si la poesía no nace espontáneamente como la hoja de un árbol, es mejor que no nazca de ningún modo.
— John Keats.

 Alguien hace poco me recordaba la cita de un libro para jóvenes poetas, y era justo lo que arriba se menciona, que no hay que angustiarse para escribir poesía por lo que no se conoce del mundo, todo lo del mundo se lleva dentro, un grano de arena, la sal del mar, el viento, es cuestión de encontrarlo y permitirlo salir.

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Originally posted 2014-11-24 09:00:26. Republished by Blog Post Promoter

“Cuentos mágicos y del intramundo” Jodorowsky

 

cuentos mágicos

Alejandro Jodorowsky Prullansky (Iquique, Chile 17 de Febrero de 1929) es más de lo que en la actualidad se espera de un artista. Como escritor ha abarcado novela, dramaturgia, poesía, ensayo, cuento y guión, también es director de teatro y cine, conductor, actor, mimo, escultor, pintor, escenógrafo, ilustrador, historietista, dibujante, tarotista, psicoterapeuta y creador de la psicomagia.

 Fueron sus padres: Jaime Jodorowsky Groismann y Sara Felicidad Prullansky Arcavi. De sus primeros años y de relación con estos se desprende la historia de infancia, que con algunas adaptaciones propias del género, hemos visto en “Memorias de un niño bombero” en Tres cuentos mágicos (para niños mutantes), Siruela, 2009; que también incluye “Loie del cielo” y “La increíble Mosca humana”, la habíamos conocido antes en el libro: La danza de la realidad, memorias, Siruela, 2001 de la que se desprende la película: “La danza de la realidad” (La Danse de la réalité, Francia-Chile, 2013).

 He de decir que me entró una suerte de decepción cuando leí “Cuentos mágicos y del intramundo” siendo sobretodo un best sellar. Encontré la repetición de anteriores textos de Jodorowsky de los libros antes mencionados; en uno tal cual y en otro modificado por amplitud, disminuído, dicho sea de paso. Al final del libro hay microrrelatos, varios que hemos encontrado en las tan aclamadas fábulas pánicas,  Textos e imágenes extremadamente valiosos y que ahora en internet son objeto de culto. Al respecto de ellas, Jodorowsky ciertamente dijo que al principio las temáticas eran un tanto agrestes, fueron modificándose a medida que él también se modificaba, por eso en ellas se encuentra la transición del alumno al maestro, siendo éste Jodorowsky, Que como Jehová crea un mundo y luego se interna en él como Jesucristo, como el maestro, el transmisor.

 Yo que, dicho sea también de paso, crecí desde niño con sus fábulas pánicas, y que desde los cuatro años tengo una profunda relación con ellas por mi madre, tornándose en mi “libro infantil” más recurrido, y habiendo recorrido parte de la extensísima obra de un creador fuera de éste mundo, por pensamiento, obra y acto, argumento que no hay necesidad de recurrir al libro, y que desde luego lo mejor para conocer su interior, serán “La danza de la realidad” y las irreemplazables fábulas pánicas, que ofrecen desde un lugar mejor posicionado, más amplio y vasto, la obra del portentoso creador.

fábulas pánicas

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Rogelio Sosa

Ciudad de México, México

 

Rogelio Sosa

 

Compositor y artista sonoro mexicano que ha editado en los influyentes sellos Sub Rosa, Important y Mode Records, y cuyas presentaciones en vivo surgen de la improvisación y colaboraciones con otros artistas. Actualmente es director de Aural, el festival de música experimental por excelencia en México.

 

http://youtu.be/KsKbo9AOMFg

 

 

Con información de: festivalnrmal.net

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Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

keith & tex

El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

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La ultima carta de Betania Lopez

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El pasado 21 de febrero por fin salió a la luz “La Ultima Carta”, nuevo álbum de la chilena Betania López; en el cual, con un sonido fresco y alegre, la cantante chilena nos cuenta historias de la vida cotidiana.

 Este álbum cuenta con una base ska y rocksteady, pero con una sutil mezcla de pop y sonidos latinoamericanos, que dan como resultado una mezcla muy agradable para el oído que a cualquier seguidor del ska le gustará. Pero sobre todo para aquellas personas que no están familiarizadas con este ritmo, les resultara un disco muy digerible y fácil de escuchar

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 Betania López incursionó en el ska en el 2010 cuando saco un pequeño E.P. titulado “En las calles de mi tierra”, si bien desde algunos años antes ya estaba dentro de la música, su sonido estaba más enfocado hacia el reggae y el hip-hop.

 Aquí está la opción musical de este fin de semana, esta vez Betania López directamente desde Chile con una propuesta musical bastante interesante y esperemos que ahora que está promocionando su disco, no se olvide de México y realice algunas presentación en tierra azteca para poderla disfrutar al máximo.

Originally posted 2014-03-21 06:57:34. Republished by Blog Post Promoter

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Originally posted 2014-03-25 15:41:05. Republished by Blog Post Promoter

El laberinto de la soledad: Semejanza y olvido


Somos la copia de lo moderno, fungimos como los portavoces de lo que nos ha dejado de pertenecer, nos identificamos con un quebrantamiento de nuestros anhelos y hemos crecido con el consuelo de ideales ajenos a nosotros. ¿Qué es lo que realmente nos motiva a ser? Porque pretendemos ser alguien, y ése imperativo transmite ideas y retos ante la vida, pero esos objetivos no nos pertenecen , desde el momento en que hacemos todo con opacidad y mediocridad.

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Crédito:Tumblr.

“A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: La de nuestra conciencia.”

 Ese sentido de identidad, de confrontación consigo mismo,nace del cuestionamiento de nuestra vida, del ritmo al que estamos sujetos día a día. La transmisión de ideas, objetivos y cumplimientos se lleva bajo una tutela externa, que ni siquiera nos corresponde a nosotros mismos como personas reflexivas y críticas. El fin de asimilar –el dónde, el ahora y por qué– corresponde a cada uno de nosotros, el fin es corroborar nuestra identidad que tanto buscamos al pasar de los años.

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Crédito:Tumblr.

 Entre lo vintage, lo retro y demás tendencias, olvidamos el trasfondo de nuestro abandono como sociedad mexicana. ¿Cuál es el muro que nos impide tener una autonomía simple y certera? El muro es la imitación. El modelo de la semejanza, rompe con los límites, enmascara una incongruencia colectiva y filosófica también. Y, no es que la semejanza sea un enemigo acteal, sino se trata de vincular la manera de adopción con el conocimiento de nuestras raíces y orígenes. Somos el pueblo que olvida y que deambula, que encuentra su asiento más cómodo y pertinente en la actualidad, porque una nación que relega su creación, supone un estado vegetativo e inerte.

 Tanto que tememos a la muerte, y pareciese que estamos cobrando un estado de confort y de aislamiento ante los sueños que no son arrebatados día a día. La muerte parece vencernos y sale airosa de cualquier problema ante la vida, así es el mexicano, olvida su propio oxígeno, su vida misma.

 Disimulamos nuestro miedo, nuestra renuencia a lo indomable, renunciamos a lo inaudito. ¿No se supone que la historia la historia la construimos nosotros? Somos el principio del tabique, y a la vez pertenecemos a la obra construida. La fortaleza de esta, se ve enriquecida en nuestra transparencia y solidaridad con las raíces de nacimiento, con ese vínculo cautivo y potencial ante la vida y el sueño.

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Crédito:Tumblr.

 El principio de la semejanza, nace debajo del de soledad. El laberinto de la soledad, sombrío quieto y desorbitante, que envuelve la agonía con la magia de los días, se muestran las máscaras y parece, que ya todo lo hemos visto, y cuando alguien  se quita el antifaz, queda expuesta su desnudez y no aceptamos ese hecho. Entonces, ¿Preferimos vivir en la mentira? La historia lo ha demostrado y nos gusta vivir en las tinieblas, donde nadie nos vea, porque si nos reconocen bajo nuestra autonomía, parece ser que tendremos que vivir en el exilio para siempre.

 Los excesos y escapes, parecen ser la combinación perfecta para olvidar la pena de lidiar con el olvido de un pueblo que clama lucha y reivindicación y no sólo dependencia. La sumisión hacia otro estilo de vida, nos lleva a la perdición misma de nuestra cultura; déjame de ser para volvernos parte de –contradicción fuerte y real–.

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Crédito:Tumblr.

“Oscilamos entre la entrega y la reserva, entre el grito y el silencio, entre la fiesta y el velorio, sin entregarnos jamás. Nuestra impasibilidad recubre la vida con la máscara de la muerte; nuestro grito desgarra esa máscara y sube al cielo hasta distenderse, romperse y caer como derrota y silencio.Por ambos caminos el mexicano se cierra al mundo: A la vida y a la muerte.”

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Crédito:Tumblr.

 Estamos muertos en vida, somos testigos de nuestra masacre y lo seguimos permitiendo desde que se nos impongan estereotipos que sólo degradan la imagen del ser humano. Se nos unen tabúes, prejuicios y juicios de valor, que no nos permiten tener un objetivo claro sobre lo que somos como mexicanos, no como vínculo entre naciones.

 Somos la descendencia de un pueblo aguerrido, que luchó hasta el último momento con un sinfín de impedimentos por querer quebrar el mundo de hostilidad.

Originally posted 2014-10-02 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Con tus ochenta mejores amigas ¡Para qué quieres enemigas!

“No te quiero alarmar, pero algo siniestro está ocurriendo aquí”

Angela Lansbury (como Jessica Fletcher en Murder She Wrote)

En el interior de la cabina de un radio teatro, la simpática, poco ortodoxa, gruñona  y anciana conductora Agatha Freud, transmitirá la narración del thriller psicológico “Las ochenta mejores amigas”, de un tal Juan Carlos Cuéllar. Para realizar dicha labor se requieren de dos actrices que lleven los personajes principales de la historia, así  que las divas Olga de Moctezuma y Holly Estuardo, ejecutarán esta historia llena de intriga, suspenso y comicidad involuntaria.

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 El Foro Shakespeare ofrece una opción de divertimento única en su Teatrino los días sábado, la comicidad, el drama y también el cabaret se funden en Las ochenta mejores amigas de Juan Carlos Cuéllar. Puesta en escena dirigida por el propio Cuéllar, un texto más para el catálogo de obras ejecutadas con miembros del programa de Teatro Penitenciario.

 Explorando el frívolo mundo de la “alta sociedad”, el autor parte de un estilo influenciado por la literatura de Agatha Christie junto a la experiencia narrativa televisiva en Murder She Wrote (La reportera del crimen) para hablarnos de la traición que conllevan las falsas amistades, las mentes criminales, además de la venganza como método expiatorio. Una ha traicionado a la otra, creyéndola tan inocente como boba para nunca actuar en reversa, sin embargo, la amiga herida ha centrado su dolor en construir una telaraña exacta
para acechar a su presa, por consiguiente atacar sin piedad como una viuda negra.

 Un montaje construido sin mayor pretensión que divertir a la audiencia a través de la exposición de personajes que llevan al límite de la comedia sobre un drama que debería generar tensión. La dirección llama a sus “divas” para ser representadas por hombres, logrando entonces un ambiente queer bastante efectivo, que lejos de caricaturizar al travestismo conecta irónicamente los clichés de la homosexualidad con el público, mofándose de las pretensiones actorales en vez de un sector social.

 Cuando los actores disfrutan su trabajo es notorio, aquí Javier Cruz e Israel Rodríguez se presentan al ruedo con el reto de hacer reír, saliendo en hombros con orejas y rabo. Dos actores que sin duda evolucionan cada vez más, debido la efectividad del ya mencionado programa de Teatro Penitenciario al introducir a más gente en el oficio actoral de manera íntegra, con un constante acompañamiento en su formación en suma al interés personal de pulir cada vez más su trabajo.

 Las actuaciones de Cruz y Rodríguez se disfrutan plenamente, vemos a dos hombres -toscos, rudos- convertirse en unas auténticas divas que lucen coquetas y elegantes en todo momento. Acompañados de la siempre grata Itari Marta, provocando los desahogues cómicos constantes, haciendo una viejecita memorable por sus deficiencias, ocurrencias  y actitudes.

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 No hay pastelazo, aquí el texto tiene inteligencia, así mismo se coordina de lleno a la iluminación sugerida para recrear los momentos necesarios en la trama. Recalco, los actores disfrutan tanto su labor que hasta los accidentes que puedan tener se sienten francos, tanto así que se gozan ampliamente, destacando a la existencia de una producción inteligente que controla todos los aspectos y las tablas de los intérpretes. Se agradece en pleno.

 Hay muchos aspectos interesantes para este texto. Primordialmente, funciona del todo como una comedia, sí, pero de trabajarse en lleno hacia el aspecto dramático ¡También funcionaría! Estamos frente a un arma de doble filo que podría evolucionar drásticamente a un producto aún más complejo. Sólo es necesario encontrar esa visión en la batuta direccional, tal vez la respuesta esté en este mismo montaje, en forma de actriz.

 Las envidias y los individualismos se arrojan como elementos de la cotidianidad, pudiendo perderse entre las carcajadas producidas por los trazos, la esencia sale a flote dejando tanto la correcta transmisión de la historia, como la experiencia cómica -con los tonos de cabaret- que la acercan al público teniendo como vía la ejemplificación de aspectos actuales. No encontrará algo tan efectivo en este ramo en otro lugar de la cartelera teatral actual, salvo que se trate de La Reinas Chulas en el Teatro- Bar El Vicio, que aquí encuentran una muy digna y sana competencia.

 Un montaje ideal para abandonar el estrés, relajarse, emitiendo risotadas honestas ante un trabajo muy bien ejecutado.

Originally posted 2014-10-21 20:54:46. Republished by Blog Post Promoter

De: Georges Polti. Situaciones dramáticas

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La razón de la repetición constante en películas, novelas y teatro de situaciones es  resultado de lo escaso de las situaciones dramaticas humanas y formulas preestablecidas, termina en que nos preguntamos si nuestros afanes de complejidad en la gama humana quedan en eso, en pretensiones.
 Traemos pues, 19 de las 36 situaciones dramáticas de Polti, de Gozzi (1720-1806) en principio de cuentas, dramaturgo que aseveraba, toda la posibilidad se reducía a 36 situaciones dramáticas, en literatura, teatro, y en la vida claro. 36 tramas posibles. La lista aquella se perdió y Goethe, a quien sabemos por el Fausto trató de descifrarlas, aparentemente sin buenos frutos tiempo después.
 Es entonces que Polti, tras cansados análisis de la literatura clásica, inventaría las escasas situaciones, es de la mezcla de estas de donde todo procede, entonces nos explicamos de este modo el ligero dejo de familiaridad entre todo lo que vemos y leemos.

 01 SUPLICA (Elementos: uno que persigue; uno que suplica; una autoridad de dudosas decisiones).

 02 RESCATE. (Elementos: uno que amenaza; un desdichado; uno que rescata.

 03 EL CRIMEN PERSEGUIDO POR VENGANZA (No por la autoridad) (Elementos: un criminal y uno que toma venganza de él).

 04 VENGANZA DE PARIENTES SOBRE PARIENTES (Elementos: pariente culpable; pariente vengador; recuerdo de la víctima, pariente de ambos.

 05 PERSECUCIÓN (Elementos: el que huye y quien lo persigue para castigarlo).

 06 DESASTRE ((Elementos: un poderoso que conquista y uno victorioso) (Casos como el “Enrique VI” y “Ricardo II”, de Shakespeare. Y, fuera de autoridades y reyes, casos de grandes hombres caídos en desgracia, traicionados, sumidos en el desastre, tales como Colón, de Lesseps -Vizconde Fernando María de Lesseps, constructor del Canal Suez e iniciador de la construcción del Canal Panamá; condenado junto con su hijo a multa y prisión y caído en desgracia después de sus dos grandes obras, una terminada y otra iniciada y respaldada por él-; dentro de este rubro o clasificación: “Desastre”, caben los accidentes marinos, aéreos o terrestres; un ciclón, un terremoto, Etc.; y así, Polti cita en este rubro la obra “Tierra de Espanto”, de Lorde y Morel, 1907, en la que se describe una catástrofe de la Naturaleza. Como se ve, este rubro y muchos otros, abarcan demasiados sucesos, y así es fácil reducir todo a 36 y dramáticas. Porque podría diferenciarse el desastre de un reino o de un hombre del desastre de un fenómeno de la Naturaleza, y llamar al primero desastre y al segundo catástrofe, y entonces ya serían 37 situaciones y no 36. Como se observa, la calificación es un tanto convencional y elástica).

 07 VICTIMAS DE LA CRUELDAD O LA DESGRACIA. (Elementos: un desdichado, un amo una desgracia) (Casos: el inocente víctima de la intriga o la ambición, o de la intriga ambiciosa; el inocente despojado precisamente por quienes tenían el deber de protegerlo y cuidarlo; el poderoso que es desposeído y arruinado; el favorito que de pronto se ve desterrado y olvidado; el dedicado a quien se quita su última esperanza, Etc.)

 08 REBELIÓN (Elementos: el tirano y el conspirador). (Casos: La conspiración de un solo individuo; la conspiración de varios; la rebelión de uno que arrastra a otros; la rebelión de muchos, simultáneamente).

 09 EMPRESAS ATREVIDAS (Elementos: un líder audaz y valiente; un objetivo; un adversario). (Casos: la preparación para la guerra, una guerra difícil; la guerra misma; uno de los combates de la guerra; expediciones peligrosas; empresa difícil y atrevida para apoderarse de la mujer amada, Etc.)

 10 SECUESTRO. (Elementos: el raptor; el raptado o raptada; la autoridad o policía). (Casos: el rapto de una mujer a la fuerza, de una mujer que no ama a su raptor, el rapto de una mujer que si ama a su raptor y consiente en ser reptada; la liberación de una mujer raptada sin dar muerte a su raptor; el caso anterior pero con la muerte del raptor; rescate de un amigo cautivo o secuestrado; rescate de un niño secuestrado; el rescate de un alma que se encuentra en el error religioso).

 11 ENIGMA (Elementos: el problema a resolver, el investigador o interrogador y el policía o autoridad. (Casos: búsqueda de una persona que tiene que ser encontrada bajo pena de muerte si no se la halla; un problema difícil que tiene que ser resuelto bajo pena de muerte si no lo resuelve el enviado a resolverlo; el mismo caso en el que el problema es propuesto por una mujer ambiciosa; todas las novelas policíacas en general, ya que todas llevan como elemento primordial un enigma).

 12 LOGRO O CONSECUCIÓN (Elementos: uno que pide y su adversario que niega, para que surja el conflicto; o bien, un árbitro más o menos arbitrario dado su poder y las partes oponentes a ese arbitro). (Caos: esfuerzos por lograr un objetivo por medio de la fuerza; el caso anterior, pero por medios persuasivos; la elocuencia frente a la severidad de un árbitro, de una persona que tiene que resolver el caso, derrotado por esa elocuencia de su oponente).

 13 ENEMISTAD DE PARIENTES (Elementos: un pariente malévolo, villano; un pariente odiado por ese pariente y al que éste odia también). (Casos: odio entre hermanos; un solo hermano odiado por todos los hermanos suyos; odio entre parientes por intereses; odio entre padre e hijo; odio de la hija por su padre; odio del abuelo; por el nieto; odio del padrastro por el hijastro; odio de la madrastra por la hijastra; odio que llega al infanticidio).

 14 RIVALIDAD ENTRE PARIENTES (Elementos: El rubro anterior se refiere principalmente al ODIO entre parientes. Este rubro se relaciona esencialmente con la RIVALIDAD entre parientes). (Elementos: el pariente preferido, consentido, querido; el pariente rechazado, eliminado, el objetivo a conseguir). (Casos: rivalidad maliciosa o malévola de un hermano por un pariente; rivalidad malévola o maliciosa de dos hermanos por otro pariente; rivalidad entre dos hermanos con adulterio por parte de uno de ellos; rivalidades entre hermanas; rivalidad entre padre e hijo por una mujer soltera; el caso anterior pero por una mujer casada; rivalidad entre padre e hijo por la esposa del padre, de la que está enamorado el hijo; rivalidad entre madre e hija; rivalidad entre primos; rivalidad entre amigos muy íntimos, no parientes). (Ignoramos por qué incluye Polti esta última rivalidad, que no se refiere a parientes. Volvemos a la “elasticidad” de esta clasificación, pero creemos que es necesario y hasta útil que el escritor la conozca).

 15 ADULTERIO HOMICIDA. (Elementos: los dos adúlteros; el esposo o la esposa traicionados). (Casos: asesinato del esposo por el amante de su mujer; asesinato de un amante que se confía -caso Sansón y Dalila; asesinato de la esposa por su propio amante).

 16 LOCURA (Elementos: el loco o la loca y su víctima o víctimas. (Casos: un pariente asesinado por el loco durante uno de sus ataques de locura; un amante asesinado durante el ataque de locura del desequilibrado mental; asesinato o graves lesiones de una persona a la que el loco no odia; la desdicha que cae sobre el infeliz loco…; … una persona solo por el miedo de heredar la locura de su padre o madre -como en L’Etau, “El Torno” de André Sardou, 1909).

 17 IMPRUDENCIA FATAL. (Elementos: el imprudente; la víctima de la imprudencia o el objeto u objetivo perdido por imprudencia). (Casos: la imprudencia es la causa de la desdicha del imprudente mismo; la imprudencia es causa del deshonor, de la deshonra del imprudente; la curiosidad es la causa de la desdicha del imprudente; pérdida de la persona amada por imprudencia; la imprudencia como causa de la muerte o deshonra de otros; la imprudencia como causa de muerte de un pariente; la curiosidad imprudente como causa de la muerte de varios parientes;).

 18 CRÍMENES INVOLUNTARIOS DE AMOR (Elementos: el amante o enamorada y el que hace una sorpresiva e inesperada revelación, intensamente trágica o dramática). (Casos: descubrimiento súbito e inesperado, intensamente trágico y patético, que se le hace a una persona al revelarle que, sin saberlo, se ha casado con su propia madre; descubrimiento de que una persona se ha casado con su propia hermana; descubrimiento de que un hombre tiene como amante a su hermana; el mismo caso anterior, en el que el crimen que se comete ha sido villanamente planeado por una tercera persona; el sujeto que está a punto de tomar como amante a su propia hermana; el sujeto que se encuentra a punto de violar a una muchacha sin saber que es su hija; el sujeto que se encuentra a punto de cometer adulterio, sin saberlo).

 19 ASESINATO DE UN PARIENTE NO RECONOCIDO (Elementos: (El asesino y la victima no reconocida). (Casos: el sujeto esta a punto de asesinar a su propia hija sin saber que lo es, por el supuesto mandato de una falsa divinidad u oráculo, o instigado por un perverso; asesinatos políticos por necesidad; asesinatos por rivalidades en amores; asesinato por odio que profesa el enamorado o amante por la hija a la que no ha reconocido; el sujeto está a punto de asesinar a su hijo sin saber que lo es; a punto de asesinar a su propio hijo al que no ha reconocido, pero impulsado por instigaciones maquiavélicas; asesinato de parientes no reconocidos; a punto de asesinar a un hermano no reconocido por el asesino; asesinato de una madre no reconocida; un padre es asesinado por su hijo que no lo reconoce o que no lo conoce, pero debido instigaciones o intrigas maquiavélicas; un abuelo asesinado por su nieto que no lo reconoce, por venganza y siendo instigado por un villano o perverso que desea la muerte de ese abuelo y no quiere matarlo él mismo para no comprometerse; asesinato involuntario; un padrastro asesinado involuntariamente; asesinato involuntario de la mujer amada; a punto de asesinar al enamorado no reconocido. “El Monstruo Azul”, de Gozzi) fracaso para rescatar a un hijo no reconocido).

 No deja de resultar intrigante me parece, uno no se aguanta las ganas de desmitificar, de la ofensa que resulta sabernos tan básicos, tan escasos, la sensación de volver a las pocas letras del alfabeto que nos componen la gama del lenguaje. A saber si se hará en el próximo tiempo.

Originally posted 2014-10-17 13:07:42. Republished by Blog Post Promoter

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Originally posted 2014-10-07 11:19:35. Republished by Blog Post Promoter

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

Los globos de UNELEFANTE

 

Explosión Bristol

Todos los días hay algo que celebrar (o alguien a quien celebrar) y a veces se vuelve imposible encontrar un regalo fuera de lo ordinario que se pueda adaptar según sea la ocasión. De las muchas cosas que se pueden tener en mente, un globo no es precisamente de las más comunes, pero una vez que se conoce a UNELEFANTE será totalmente distinto.

Limoncello

Con todo un concepto detrás, esta fábrica de globos gigantes crea otro significado del detalle con la intención de “producir obsequios con la intención de reinventar emociones y celebrar la espontaneidad”, dándole a cada globo una personalidad distinta que toma su inspiración de las cosas que menos se puedan imaginar: un merengue, una obra de arte de Claude Monet, una canción de los Beatles o de la Pantera Rosa; cada uno está hecho principalmente de látex inflado con helio y detalles de motas de papel de diversos colores hechos a mano.

Sabios de Luá

Los colores usados en cada globo cuentan una historia distinta y se pueden escoger por colección o por color, además se pueden personalizar con una tarjeta y escoger de su selección de confitería y destilados haciendo toda una experiencia para los sentidos. Todos los productos son hechos artesanalmente en San Pedro Garza García, Nuevo León combinando técnicas artesanales y actuales con un claro concepto de la individualidad y la pasión por su trabajo hacen a este “taller” único en su tipo.

Cherry Blossom

Cada globo es enviado en una caja gigante y únicamente hacen pedidos por internet en su sitio web.

 

Originally posted 2013-01-11 22:30:02. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

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Germán Saez: Talento fotográfico natural

Por: Sus

@SusBouvier  

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, -talento- se define como la capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación. Es precisamente este sustantivo  el que destaca a Germán Saez, diseñador web y fotógrafo argentino. Su historia en el mundo de la internet comenzó en los años noventa, cuando cursó la carrera en diseño en imagen y video, misma que, en ese entonces, se limitaba a la creación audiovisual. Esta situación llevó a Germán, interesado desde años anteriores en el diseño de sitios web a ser autodidacta. Por hobby, en 1998, decidió aplicar sus conocimientos en la realización de su primer sitio, el cual fue dedicado a Gustavo Cerati, músico del cual Saez fue seguidor desde su adolescencia. En 1999, en un hecho curioso y singular, la pagina es del agrado de Gustavo, a tal grado de contratarlo para diseñar la pagina oficial del músico que prevalece hasta estos días, cerati.com

Paralelamente a su actividad como diseñador web en cerati.com y en Cuatro Cabezas (productora argentina de televisión independiente) Saez se dedicó a fotografiar a Cerati en sus presentaciones en vivo como solista. Esta actividad que también realizó como pasatiempo, se elevó al plano profesional en 2007, al convertirse en el encargado de documentar visualmente la gira Me Verás Volver del rencuentro de Soda Stereo así como el sitio oficial. Este trabajo quedaría plasmado en un DVD y en un libro del mismo nombre.

Desde este hecho tan importante, Saez tomó la fotografía como una actividad profesional, al colaborar para periódicos y revistas Argentinas como   Clarín, La Nación, Rolling Stone, D-Mode, Remix, Soy Rock, Gente, Ácido Surtido, Suite Intima y Terrorismo Gráfico, por mencionar algunos. En su portafolio se pueden encontrar fotografías de músicos como Muse, Placebo, Interpol y. R.E.M. En el mismo, también se expone el gusto de Saez por los retratos, la fotografía erótica y la fotografía urbana. Influenciado por fotógrafos como Anton Corbjin y Peter Lindbergh, Saez demuestra una predilección por la geometría, al darle armonía a sus composiciones. De 2009 al 2012, expuso parte de trabajo en su propia publicación, Sheltermag; en donde cuenta con la participación de colegas como Aneta Kowalczyk, Nora Lezano y Sthefania Fumo.

 

Actualmente, Germán Saez, de 39 años, regresa a su profesión inicial al realizar videoclips de músicos argentinos, sin dejar de lado el diseño y la fotografia. Para conocer mas del trabajo de Germán Saez, visita: http://germansaez.com/

Originally posted 2012-09-11 17:11:45. Republished by Blog Post Promoter

El secreto lenguaje del gesto

Hay un lenguaje que es universal, que se transmite clara y espontáneamente. La expresión corporal son palabras mudas que sin más explicaciones demuestran al instante lo que sentimos y lo que pensamos; ésta reflexión y la exploración del cuerpo humano llevó a Jennifer Crupi a alentar el gesto, amplificando su fuerza al construir varias series de joyería mecánica que se definen como piezas esculturales que incentivan al lenguaje corporal y a la comunicación no verbal.

jennifer cupi

jennifer cupi

Originaria de Inglaterra, Jennifer tiene una larga e interesante trayectoria en la que ha elaborado todo tipo de accesorios en los que las acciones toman un protagonismo que se detiene en el tiempo dando un resultado transgresor, creativo y muy noble recordándonos que una acción dice más que mil palabras.

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

jennifer crupi

Originally posted 2013-02-02 11:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

 

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

 

 

Originally posted 2012-11-16 18:02:24. Republished by Blog Post Promoter

Exposición doble: Goya y Demián Flores

Por Miriam Martínez

@coopmi

Desde el pasado 17 de octubre, Francisco de Goya y Demián Flores comparten un mismo techo, a través de sus obras, en el Museo de la Ciudad de México. La muestra Los Desastros Colaterales está compuesta por los más de 80 grabados elaborados por Goya de la serie “Los desastres de la guerra” y los 82 del oaxaqueño Demián Flores. La muestra expresa a través de su iconografía el tema de la violencia y los horrores de la guerra.

A través de sus grabados, Demián Flores elabora un espejo de nuestro tiempo. Su inclinación por Goya nació al descubrir cómo sus grabados se parecen mucho a la cotidianeidad, pues él percibe en sus imágenes una gran esencia de lo que día a día nos proveen los medios de comunicación. La serie “Los desastres de la guerra” de Goya contiene una visión contemporánea en la que incluye un poco de su imaginación en temas relevantes como el heroísmo, la brutalidad, el hambre, la desesperación, la destrucción y sobre todo la muerte.

El trabajo de Flores es una especie de paráfrasis que parte de una misma reflexión, a partir de estructuras que tienen que ver con el territorio, la  y la identidad. También hablan sobre la realidad , vista desde el cúmulo de yuxtaposiciones que construyen este país: referentes prehispánicos, coloniales, los procesos relacionados con la identidad.

Demián Flores aclara que estas piezas no buscan respuestas. “El arte hace preguntas, no da respuestas. Busco reflexionar porque para mí el arte está dentro de la categoría del pensamiento, así que esta exposición no pretende dar una conclusión, sólo tiende preguntas que se generan a partir de planteamientos de representación o dispositivos que puedan desprender de la memoria colectiva […] en este sentido el arte es un filtro de la realidad. Un proceso de comunicación que contiene un diálogo con el otro, con el espectador. Es como nosotros nos acercamos a una problemática y utilizamos diferentes medios de representación para abrir esas preguntas sin llegar a un sentido panfletario”, añade.

La muestra, bajo la curaduría de Lluvia Sepúlveda, profundiza en el tema de la violencia y la crueldad, los cuales han preocupado constantemente al ser humano en todos los tiempos y las civilizaciones. La exhibición saldrá de gira el próximo año por los estados de México, Oaxaca y Coahuila.

Museo de la Ciudad de México

Pino Suárez 30, Centro Histórico

Martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas

Costo: $24.00. Miércoles entrada libre

 

Con información del periódico Crónica y la Secretaría de Cultura del DF.

Originally posted 2012-10-24 18:00:47. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: Jóvenes directores con futuro

Por: Jesús Herrera

 

El cortometraje es el primer paso de un novel director en el largo camino del quehacer cinematográfico. En ellos, los jóvenes directores tienen la oportunidad de lograr un acercamiento a la realización de un film sin la necesidad de contar con un gran presupuesto para ello.

Son numerosos los cortometrajes que se realizan año tras año alrededor del mundo, sin embargo, a pesar de su gran calidad, muchos de ellos quedan en el olvido debido a la nula o escasa difusión y los pocos espacios de exhibición para tales trabajos. Por ello, Chulavista hace un recuento de algunos directores que tienen un gran futuro en el cine. Aquí sus trabajos:

Edgar Nito

Es egresado del CCC, su cortometraje Y Volveré (2010) ha sido ganador en numerosos festivales, los más importantes: SITGES, GIFF, LEBU y Screamfest L.A.

Shaun Escayg

Es egresado de la School Of Communication Arts, nación en Trinidad y Tobago, se ha dedicado, principalmente, a la animación y efectos especiales. Entre varios trabajos destacan Transformers 3 y su cortometraje Fish (2012), con el cual fue semifinalista del Your Film Festival de YouTube.

David Muñoz

Es estudiante del CUEC, su cortometraje Salvador (2011) fue uno de los seleccionados para el Tercer Rally Universitario del GIFF

Originally posted 2012-08-22 16:00:53. Republished by Blog Post Promoter

Conoce al Colectivo Durango

Por Jesús Herrera

“La necedad de crear. El arte tiene un detonador de rebelión que es lo que empuja al artista a crear”.

Avelina Lésper

Patricia Aguirre, Yanira Bustamante, Carlos Cárdenas, Alejandra Díaz, Ricardo Fernández, Ricardo Luján, Edgar Mendoza, Óscar Mendoza, César Muñoz, Omar Ortiz, Manuel Piñón, Jorge Ortega, José Luis Ramírez, Antonio Ruiz, Carlos Cárdenas, Cristina Sandor y Ricardo Salcido forman el Colectivo Durango. Un grupo de artistas sobresalientes que se han ganado un lugar dentro de la plástica mundial.

El Colectivo Durango está constituido por lenguajes heterogéneos, a diferencia de otras agrupaciones del mismo tipo que buscan trabajar en torno a un concepto plástico, tendencia o propuesta, situación que ha orillado al colectivo a darle prioridad a asuntos de interés general sobre los particulares. Es así como el Colectivo Durango desarrolla una propuesta integral donde el trabajo, la calidad y la continuidad en el mismo constituyen la estructura que mantiene unida la iniciativa de impulsar, promover, difundir, proteger, dignificar y desarrollar las artes plásticas y visuales de Durango.

Con distinta formación académica  la mayoría de los miembros del colectivo Durango han obtenido reconocimiento local, haciéndose acreedores de becas y estímulos de organismos como el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (FOECA) y del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA), enriqueciendo con sus proyectos el acervo  de las artes plásticas y visuales de Durango.

Puedes checar más obras e información sobre el Colectivo Durango en su página oficial.

Originally posted 2012-10-19 16:00:28. Republished by Blog Post Promoter

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Originally posted 2015-01-19 12:45:44. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

Originally posted 2014-04-21 02:35:05. Republished by Blog Post Promoter

¿Por qué lo naco es chido?

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Naco es chido”. ¿Qué piensas cuando oyes esa frase?, ¿en Botellita de Jerez y su guacarock?, ¿en adornos de popote en las fiestas de cualquier colonia popular?, ¿en la Virgencita y San Juditas hechos de lentejuela y bordados en una bolsa de mercado?, ¿en reggaeton y chacas?, ¿en Los Temerarios?, ¿en que el lugar de la casa donde duerme tu perro sea la azotea?

De gustos culposos y osos

Los tiernos gustos culposos…hablando de ellos, me permito compartirles una experiencia muy personal. Cuando tenía 10 años, mis papás me regalaron el álbum “Amor Prohibido”, de Selena. Esto porque desde chiquita me gustaban sus canciones, la película y todo eso. Fue así como desde entonces, lo único que sonaba en mi discman era ese CD. Sin embargo, tiempo después fueron llegando a mis oídos otras cosas, por ejemplo el rock, que si bien siempre había estado presente por herencia de mi abuelo, fue en la adolescencia que quise adoptar su estética, tanto en la música que oía, como en la ropa que vestía y, claramente, en la actitud. Y una de las características de mi “nueva actitud” era despreciar toda la música que no fuera rock o metal o cosas así, y dentro de todo esto, se encontraba Selena, ya que sólo en La Z, o en los barrios feos donde nadie sabe de música, se escuchaba a la reina del Tex-Mex. Y eso, para mi mala suerte, era naco.

 Y, ¿qué tiene que ver mi desafortunado rompimiento con Selena con el título del presente artículo? Simple: no podemos negar que dentro de lo que llamamos naco, corriente, de mal gusto, existe un goce estético que, de algún modo, nos hace sentir bien, nos gusta, no pone chidos. Y eso era lo que yo sentía cuando escuchaba a Selena y veía su película.

 Pero, ¿qué es ser naco? Según lo que nos dice internet, naco se refiere a un individuo con gustos toscos en su manera de vestir, hablar y comportarse, así como también, deriva de ‘totonaco’, haciendo alusión al indio, ignorante, sucio, de piel morena, etc., así mismo repulsivo para la gente blanca y limpia. Finalmente, sabemos que es una palabra con connotación negativa, y tiene su raíz en el mal gusto.

 Eso me recuerda, por ejemplo, a viajar en metro o pesero, comer pescuecitos de pollo rostizado con salsa Valentina, comprar piratería, escuchar a Los Bukis, ver las películas del Santo, beber “aguas locas”, meterse al mar en ropa interior y/o una camiseta blanca que de tan vieja se ve transparente y usar maquillaje en exceso en el caso de las mujeres. No nos atrevamos a negar que todos, al menos una sola vez en nuestra vida, hemos hecho algunas de estas cosas, y nos hemos sentido chido, pero a la vez con culpa, porque qué oso…

Entre más corriente, más ambiente

No hablemos sólo de gustos musicales o de maneras de vestir, porque está claro que lo naco puede ser expresado de mil y una formas, y la frase de arriba engloba a varias de ellas.

 Por ejemplo, celebrar nuestro cumpleaños en una pulquería de mala muerte en el Centro Histórico, ir al sonidero y bailar hasta sacarle brillo a la pista, embriagarse con Tonayan y terminar hasta las manitas en las “trajas” (trajineras de Xochimilco); traer salsas y cumbias en el iPod, cuya lista de reproducción lleva por nombre “para las fiestas”, pero que con mucho gusto te echas en el trayecto de la casa a la escuela. Queramos o no, lo naco prende, pone contento y desata a los demonios más interiorizados de la persona en cuestión.

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Saliendo del clóset de la naquez

Pero, ¿por qué es tan catastrófico que tu mamá guarde el centro de mesa de la fiesta de XV años de tu prima? En parte tiene que ver con la poca cultura y eurudición que tienen los nacos, ¿no? Y simplemente, tomando en cuenta mi episodio con Selena y el rock, damos cuenta de esto: la “gente normal” no soporta a los nacos porque los nacos no saben ni de música, ni de moda, ni de ambiente, ni de nada. ¡EXACTO!

 Y, por otro lado, la televisión mexicana se ha encargado de fortalecer esta postura hacia lo naco, con programas como La Hora Pico o María de Todos los Ángeles, donde de manera exagerada, se hiperboliza esta tendencia a ridiculizar a quienes llamamos nacos. Sin embargo, no voy a negar que todos esos programas me han arrancado una que otra carcajada de aquellas, y sí, en la actualidad y tomando en cuenta el sector en el que me desenvuelvo (la Universidad) resulta más naco que nada ver estos programas, pero ni modo.

 Para finalizar, creo que lo naco merece que se le quite esa connotación negativa, y la única manera de hacerlo es saliendo del clóset. Sí, saliendo del clóset, porque estoy casi segura de que el grueso de los eruditos que leerán esta modestísima nota, tienen dentro de sus gustos más privados esa canción de Daddy Yankee, ese par de zapatos feos y ese capítulo del Chavo del 8 que los hace sentir bien chidos.

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Originally posted 2014-09-05 14:53:36. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

Originally posted 2015-02-25 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

Tarantino y el Western

 

Quentin Tarantino ha construido una reputación que le coloca aparte, como a muchos otros directores, de la montaña de contenido audiovisual producido en Hollywood.

El audaz realizador se ha preocupado por contar historias clásicas en formatos novedosos. Sus personajes, simples y definidos aunque no por eso unidimensionales, suelen entrelazarse en historias contadas a través de cronologías alternativas a la lineal.

Si Pulp Fiction y Jackie Brown tienen influencias más marcadas del cine de mafiosos, Kill Bill e Inglourious Basterds se acercan más al western por sus temáticas recurrentes como la venganza, los llaneros solitarios y los duelos a muerte. Sin duda, el género interesa e inspira al director originario de California.

Sin embargo, Tarantino nunca se había lanzado a realizar un western cuyo marco escénico de hecho fuese el viejo oeste de aquel ex Estados Unidos conquistado y domesticado sólo a medias. Hasta ahora.

Django Unchained, su más reciente producción a estrenarse mundialmente a finales de diciembre, es un homenaje al género del spaghetti western, que dominó las pantallas en el vecino país del norte durante los años sesenta y setenta del siglo pasado. Eran películas situadas en el viejo oeste y producidas mayoritariamente por italianos.

La cinta de Tarantino lleva el nombre de una de las películas más emblemáticas de la era del spaghetti western (Django, 1966), la cual a su vez inició un frenesí de westerns con el mismo nombre pero con historias y personajes distintos.

Con un elenco estelar que incluye actores como Jamie Foxx, Christopher Waltz, Leonardo Di Caprio y Samuel L. Jackson entre otros, la historia gira alrededor de un esclavo negro (Foxx) recién adquirido y contratado por un cazarecompensas (Waltz) para eliminar por venganza a una pandilla de matones a cambio de su libertad definitiva.

Tarantino ha declarado que quería hacer una película sobre un tema fundamental en la historia de Estados Unidos como la lucha por la libertad de los afroamericanos, pero quería mantenerlo en un marco relajado como el que permite el spaghetti western.

La nueva entrega del carismático cineasta seguramente despertará fuertes aficiones y desprecios. El estilo de Tarantino no siempre gusta y su gusto por la hipérbole visual y la violencia gráfica no es para todos los estómagos. Quizá la única garantía al entrar a la sala de cine a ver un film de Tarantino sea que la película proyectada sin duda será un trabajo con mucho oficio y reflejará preocupación por la construcción de universos detallados y excéntricos personajes.

Trailer de Django Unchained:

Originally posted 2012-11-30 18:00:05. Republished by Blog Post Promoter

Dos puntos

Sedúceme con tus comas, con tus caricias espaciadas, tu aliento respirable y tus atrevimientos continuos; colócame el punto y coma para cambiar las caricias por largos besos y frases susurradas boca a boca. Haz un punto y seguido para desatarte de mí y contemplar mi desnudez sobre tu cama, ahora interrumpe con guiones para soltar un halago sobre mí cuerpo y su huella en el tuyo —recorrer con la mirada el talle y el hundimiento en la cintura, el ascenso en la cadera la larga prolongación de las piernas rematadas por un pie que no resistes besar—. Embísteme sin mí rechazo y tortúrame con la altivez de tu deseo arrastrándome muy lejos (al borde del abismo entre paréntesis y sin comas por favor), ahora desenvaina tus puntos suspensivos… —maldito trío de puntos— ese espacio sin nombre no se alcanza.

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Fotografía tomada de elmanifiestodeversos.wordpress.com

 Un punto y aparte para calmar el temblor de mi cuerpo y sonreírte al tiempo que me das a beber del vino espumoso en una copa. Borro mis interrogaciones. Toda una antesala para retomar tus comas y regalarme la humedad de tu boca y la suavidad de tu respiración en mis orejas, cuello, nuca, hombros. Atacaría con puntos y comas nuevamente para buscar con tu dedo un clítoris congestionado. Pasar tu lengua entre esos labios escondidos y saborear mis secreciones —robármelas entre guiones— y atizar de nuevo en mi centro ardiente ocupándolo, sosteniendo el ascenso ¡inminente! con signos de exclamación, la eyaculación inevitable.., hasta acabar con los puntos suspensivos y vaciarte todo en mí y desplomarte extenuado, aliviado y amoroso en mi cuerpo complacido.

Erotismo
Fotografía tomada de http://psiqueviva.com

 De nuevo un punto y aparte para dormir sobre mi pecho y poner punto final al entrecomillado “acto” que en este caso es un hecho amoroso sin ningún viso de actuación.Si estoy equivocada, felicito tu dominio de la puntuación. Punto final.

– Dos Puntos, Mónica Lavín

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Fotografía tomada de photoshowroom-mx.blogspot.com

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Batimóvil: El documental

 

Por: Dann

@Gibbsteak

 

Han sido 8 películas, 2 series y  6 animadas las que ha tenido Batman; y por si fuera poco, también ha tenido participación en La Liga de la Justicia. Ahora con el regreso del hombre protector de Ciudad Gótica, ha salido un documental del auto que todos (o casi todos) quisieran tener. Batimóvil: El documental.

Con entrevista con directores de algunas cintas de Batman como Christopher Nolan, Joel Schumacher y Tim Burton, así como con actores que han representado al Caballero de la Noche como Adam West y Christian Bale, el documental muestra que el auto creado en los años 30, es un símbolo de poder y justicia, así cimo un arma sobre ruedas. El documental fue presentado en el Comic-Con (la convención más grande de cómics y artes populares) como homenaje a este gran símbolo que llaman “Justicia sobre ruedas”.

 

 

Originally posted 2012-08-13 10:30:29. Republished by Blog Post Promoter

Mucho limón y mucha azúcar

Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas

“¡Que cursi!” pensé, apenas había visto la imagen gráfica oficial de esta nueva reposición de Crímenes Del Corazón. “¡De por sí el título es muy rosa!”, sí, ese era yo realizando prejuicios sobre una de las verdaderas imperdibles de esta temporada, yo pecador, me arrepiento profundamente.

 Afortunado es quien pudo ver la primera versión de esta obra, en ese entonces bajo la dirección de la leyenda Héctor Mendoza, actuada por las maestras Margarita Sanz, Julieta Egurrola, Margarita Isabel y Christian Bach. Ahora lo será quien la vea en su temporada en el Teatro Helénico.

Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas
Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas

 Hoy es cumpleaños de Lenny Magrath, entre los pormenores: su hermana menor Babe irá a la cárcel por un supuesto crimen que acaba de cometer y del cual ella misma se ha declarado culpable, su hermana Meg (que se ha dedicado a su carrera como cantante en Hollywood los últimos años) viene en camino para enterarse de lo sucedido; La prima Chick es una molestia que se avergüenza de sus parientes y hace presencia solo por aparentar ser quien lleva el honor de en la familia, además el viejo abuelo está agonizante en el hospital, para cerrar, la propia Lenny atraviesa (gracias a su cumpleaños en gran parte) por una crisis existencial.

 Más o menos esta es la entrada a la historia de estas tres hermanas, quienes se reunirán por azares del destino a exorcizar viejos demonios. Beth Henley escribió la puesta en los 70’s (época en la que se ambienta la obra), fue un hit instantáneo, incluso nominado al Tony, pues el guion es una joya, donde la autora no solo sabe guiar directo a la sensibilidad la trama, sino que aprovecha para efectuar una comedia fastuosa en un melodrama intenso.

 Henley propone tres personajes que son tan iguales como diferentes (como buenas hermanas al fin) y las confronta para tratar de encontrar el alma y la autenticidad en cada una de ellas en un punto de quiebre general para esta familia, que precisamente nunca ha tenido un buen manejo de los puntos de quiebre. Al tiempo que presenta simbolismos geniales (que se explican solos con el pasar de la trama) en cada personaje para exteriorizar sus pensamientos y sentimientos reales.

 Por su parte, la dirección de Enrique Singer transporta a sus protagonistas a un plano dónde cada una podría ser muy egoísta, pero al mismo tiempo necesita urgentemente de alguien que la escuche, lo cual crea una empatía automática con los espectadores sin duda alguna. Desde el primer momento delimita a los personajes con exactitud para entender los modos y formas distintivos que nos hagan identificar la psicología de los personajes, más allá de lo que sus acciones hablan.

Consulte cartelera
Consulte cartelera

 Y a pesar de que la trama sí podría ser muy pesada, el estilo de escritura la hace fresca, esto junto al excelente ritmo que lleva la obra (sin perder el hilo jamás o el timing entre actores) hace que en verdad las dos horas de duración se pasen volando sin darse cuenta.

 Singer expone a su talento sobre una escenografía que conceptualiza una vieja casa, con azulejos desgastados y todo, un diseño tan agradable como dinámico por parte de  Erika Krayer, que despide una sensación de derrumbe y calidez al mismo tiempo. Se le suma una justa iluminación de Víctor Zapatero, un vestuario bastante ad hoc con la época a revivir diseñado por Amanda Cárcamo, además de una muy buena musicalización de Alejandro Gicomán, que entra exacta a las necesidades que los elementos escénicos piden.

 El elemento clave sería el reparto que es el sueño de  cualquier director: Marina de Tavira, Irene Azuela, Ilse Salas, Martin Altomaro, Jana Raluy y Pedro de Tavira Egurrola. ¿Por qué es un sueño? ¡Porque es un cast perfectamente equilibrado! Todos actores con una preparación basta y trabajos previos que hablan por sí solos de la calidad de la que cada uno está hecho, en general un marco de actuaciones convincentes, francas, que se van tornando en conmovedoras y  necesarias. Definitivamente no hay alguien más sobresaliente que otro, son en verdad una delicia: La poderosa inocencia que transmite Salas, la inevitable compasión que crea De Tavira, el carisma y naturalidad de Azuela, la irritabilidad instantánea que imprime Raluy, en fin, la lista de detalles actorales a percibir sigue y sigue.

 El discurso que propone la puesta  en general, acerca de la importancia de los lazos familiares y el estar presentes siempre para nuestros seres queridos, si bien sí puede ser muy rosa, viene directo del corazón, por ende su franqueza logra enternecer y en verdad afectar para reflexionar. Es bastante importante esta obra, puesto que es el tipo de puesta que cualquiera puede ver y salir con una buena cara al día a día, ideal para ver en familia, amigos, solos, el efecto es el mismo, una sensación de bienestar. Definitivamente imperdible.

Originally posted 2014-03-05 09:44:30. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

Verano Peligroso

Ciudad de México, México

 

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Pop caribeño de manufactura indie y twee por parte de EsaMiPau! y Jacinto Di Yeah! Su EP debut, Culpable, es una colección de música tropicalizada pero que narran oscuras historias de amor en tiempos de guerra.

 

 

Con información de: festivalnrmal.net

Originally posted 2013-03-17 18:40:07. Republished by Blog Post Promoter

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

crédito: MoMA & Tadanori Yokoo
Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

Originally posted 2014-12-31 13:58:58. Republished by Blog Post Promoter

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Originally posted 2014-11-07 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

Originally posted 2012-10-30 18:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Holy Other en el arranque del Mutek

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Este lunes en la noche arrancó el MUTEK.MX con el concierto de Holy Other en el Centro Cultural Estela de Luz.

A las 20:00 horas el lugar lucía repleto. Tras una breve demora, el productor inglés saltó al escenario sin mayor preámbulo que un anuncio en el que pedía al público no tomar fotografías ni grabar video.

El británico subió a tocar sin cubrirse la cara, como suele hacerlo. Como pasos de mastodonte, los primeros bajos comenzaron a sonar. Poco a poco se iban incorporando las capas de música una sobre la otra hasta llenar el lugar, cuya acústica lució.

Con el oficio de un maestro titiritero controlaba los sonidos que iban y venían y rebotaban en el recinto abierto. Cuerdas, vientos, voces pronunciando palabras a medias. Movía las manos con destreza por su secuenciador y lanzaba sonidos que parecían omnipresentes.

Los visuales que acompañaban la música eran discretos y se vieron opacados por los juegos de luz del joven monumento, inaugurado a principios de año. Parte del público permaneció sentado y una parte se puso de pie. Los barandales del monumento, al igual que las gradas, terminaron por llenarse.

Al terminar su set, el tímido músico bajó del escenario y desapareció sin hacer un gesto ni una seña.

Por respeto a la petición del artista, se publica una fotografía del escenario unos instantes previos al inicio del concierto.

mutek12

Pueden escuchar la música de Holy Other en su perfil en SoundCloud 

Originally posted 2012-10-02 10:10:01. Republished by Blog Post Promoter

Desenfreno Iracundo

infame

por Gerardo Gerry Méneses

Ahí me tenías, corriendo como estúpido, partido en dos.

No sé si fue la peor mañana de mi vida.

No, realmente fue una asquerosa mañana,

pero no la peor.

La peor ni siquiera tiene que ver contigo,

sino con la muerte.

En todo lo horrible siempre está la muerte:

la de mi amigo que piloteaba cerca de Morelia

(aquel maldito día en que perdieron el control de la avioneta ¡sólo eran cuatro niños!);

la de mi abuela por culpa del cáncer que la diluyó;

la del más querido de mis tíos

quien no sobrevivió a un hospital infectado de neoliberalismo;

la muerte de suicidas con gesto de arrepentimiento;

la del beatle sorprendido en lo furioso de una noche estúpida.

La de mi banda de rock.

 En mi vida eso fue horrendo

                                                    y permanece,

                                                                             porque saber de la muerte es enfermar de agonía.

Así esa mañana, en que corría como demente,

sin otro rumbo que un renacimiento salvaje, triste.

A fuerza de morir en vida me volví otro.

Yo no toleraba los fines de semana,

de lunes a viernes trabajar sin descanso

hasta ser sorprendido por el sueño

era tolerable, aunque se tratara de esas noches

en que nada de lo que leía tenía caso.

Sin embargo, sábados y domingos eran morir mil veces.

Beber, berrear, extrañar, no soportar el cuerpo

ni el vacío. Y nadie hablaba de posmodernidad

pero punzaba el alma su agonía.

Yo despertaba en lugares extraños

con extrañas personas

que me dejaban sentir su extraña compasión,

hasta enredarme de negra necedad en las botellas…

Así que la mañana trágica en que te dejé de sentir

en que te vi deseosa de otro deseo

en que evaporaste lo que creí mi felicidad,

salí corriendo como desesperado

huyendo como maleante

desangrado de sexo y soledad

componiendo canciones que nunca comprendiste;

y decidí matarme

lanzándome al abismo

en que ahora vivo.

el que no puede

Ilustración: Emilio Valencia / El que no puede

Texto que podrán encontrar en:

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/5to

Originally posted 2014-06-16 23:39:35. Republished by Blog Post Promoter

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

Originally posted 2014-10-20 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Películas prohibidas

La semana pasada escribí acerca de unos cuantos libros que han sido censurados a lo largo la historia y alguno que otro sigue siendo vetado hasta nuestros días. Por su parte, las películas también se han visto afectadas por esta práctica. Es apropiado decir que, como el ejemplo de la nota anterior, en Cinema Paradiso el padre del pueblo se encargaba de ver las películas antes que el resto del público para eliminar las escenas obscenas.

 Esto es porque la iglesia tuvo una gran influencia en diversos aspectos. La iglesia no sólo estaba conjugada con el gobierno sino que los monjes, hace mucho tiempo, se encargaban de escribir los libros una y otra vez para mandarse a otros monasterios. Para los hombres que deseaban conocer más cosas del mundo, tenían que volverse religiosos con tal de llegar a esa información, puesto que no estaba abierta para todo el público.

Pintura de un escribano

 En fin.  La primer película de la que hablaré es La Brújula Dorada que salió en el 2007 inspirada en la saga de His Dark Materials que se publicó en 1997 por Philip Pulman. Aunque tuviera muy buena animación no salió una segunda parte porque el Vaticano consideró que el film hacía que le público tuviera una “idea equivocada de la iglesia”. Afortunadamente no vetaron los libros y son accesibles en cualquier país hasta ahora, por lo que si desean saber el final de la historia conviene que lo consigan.

 La segunda película es una de mis favoritas. El Ciempiés Humano 2 fue temporalmente prohibida en Australia por ser tan explícita, violenta y con escenas de sexo tan grotescas. La verdad es que el encanto de esta obra es el hecho de que parece un film de terror de los años treinta por ser blanco y negro, en contraste con la rudeza de la historia. 

 El ciempiés humano es la historia de un doctor experto en la separación de siameses que tenía el deseo de juntar tres personas como si fuera un ciempiés para crear una nueva forma de vida. Entonces encuentra a sus víctimas, quienes viven como la nueva mascota del doctor. La historia tiene sus errores, pero la actuación del villano es increíble. La segunda parte es de un pobre y trastornado hombre que desea hacer la misma criatura, pero no es doctor, por lo tanto no usa anestesia para su plan.

 Otra buena película de miedo que entró en esta lista fue La Masacre de Texas. Su versión original, estrenada en 1974, no fue bien recibida en Alemania y prohibida temporalmente en Islandia y Noruega por la violencia de las escenas.

 Incluso se prohibió a Los juegos del hambre en Vietnam por ser violenta, algo que se ve como un paseo de preescolar comparada con la película más vetada: A Serbian Film creada en el 2010 por Srđan Spasojević.

Pero la ganadora de todas es Cannibal Holocaust. Prohibida en Islandia, Nueva Zelanda, Noruega, Bután, Grecia, Irán, Islandia, Kuwait, Moroco, Noruega, Filipinas, Singapur, Sudáfrica, Sir Lanka, Suecia, Turquía, entre otros. Al parecer esta película lanzada en 1979 por Ruggero Deodato tiene escenas de fuerte maltrato animal y violencia. Por lo tanto tiene tantas prohibiciones.

 No he encontrado una película prohibida en México, por lo cual pueden buscar cualquiera de la lista en internet y verlas bajo su propio riesgo. Si saben de alguna que aquí no se pueda ver, háganmelo saber en los comentarios y hasta la próxima. 

Originally posted 2014-08-21 12:55:44. Republished by Blog Post Promoter

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Originally posted 2014-10-31 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

Únete al 2do Aniversario de la Revista Literaria Infame

¿QUIÉNES SOMOS?

Somos un grupo de jóvenes interesados en PROMOVER la literatura y las artes visuales. Consideramos que leer genera y crea “seres pensantes” con capacidad de elección, por lo que nos preocupa la poca o nula difusión de dicho hábito. El proyecto surge de esta necesidad principalmente.

 Por ello, decidimos crear un espacio para las letras, destinado a toda persona que escribe;  así como a los diferentes tipos de lectores y artistas que deseen participar con sus obras.

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 ¿Por qué Infame?

 Acorde a la definición del Diccionario de la Real Academia Española, la palabra significa [1]que carece de honra, crédito y estimación. Muy malo y vil en su especie.” es decir, estar en contra de, que se opone a las reglas o bien a lo establecido.

 Nosotros asumimos dicho significado y vamos, principalmente, en contra de la falta de interés por la lectura en nuestro país, así como la falta de cultura que asedia al mismo.

 Descubrir y promocionar nuevos talentos; creemos que toda persona tiene un “escritor de clóset” donde todos vivimos, sentimos, reímos, lloramos y tenemos una y mil historias que no han sido contadas; el que la gente publique sus ideas y sentimientos plasmados en tinta y papel, es una manera sutil de no sólo acercarla a la lectura sino una manera de que puedan descubrir de que son capaces y tal vez verse reflejados en  los grandes escritores, y sentir la grata sensación de ver su nombre publicado.

 De igual forma, con las áreas visuales o gráficas: fotografía, ilustraciones, pintura, dibujos. Como otras maneras de expresión, de la cuales, mucha gente practica.

 [1] Diccionario de la Real Academia Española. (s. f.). Recuperado el 30 de marzo de 2013. De  http://lema.rae.es/drae/?val=infame

 A lo largo de nuestra vida hemos publicado siete números; (cinco de ellos de forma impresa y todos en digital a través de Issuu) cada uno de ellos con una temática diferente, desde: “Amor y otras perversiones”, “Soledad”, “Locura”, “Irá”, “Tiempo” y “Lucidez Onírica”.

 *AÑO 1. NÚMERO 1. BIMESTRAL

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/1er

 *AÑO 1. NÚMERO 2. TRIMESTRAL

 “Amor y otras perversiones…”

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/2do

 *AÑO 1. NÚMERO 3. TRIMESTRAL

 Soledad: “Encantos y Desencantos en un séquito decadente…”

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/3ro

 *AÑO 1. NÚMERO 4. TRIMESTRAL (EDICIÓN ESPECIAL/DOS PORTADAS)

 Locura: “Infortunio de una mente retorcida…”

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/4to  / http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/4toportadaespecial

 *AÑO 2. NÚMERO 5. CUATRIMESTRAL

 Caída Libre: “Desenfreno Iracundo…”

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/5to

 *AÑO 2. NÚMERO 6. CUATRIMESTRAL

 Tiempo: “Transición Inexorable…”

http://issuu.com/revistaliterariainfame/docs/6to_tiempo_transici__n_inexorable

 Es por ello que para celebrar nuestro 2do año de vida estaremos festejando en el Faro de Oriente, esté sábado 10 de mayo al mediodía (entrada libre) en compañía de proyectos amigos como: Chulavista Art House, Chulavista Store, Coma Suspensivos (Revista Digital) y Trinchera Radio.

 Además de contar con música en vivo:

Lundem

Olimpo

Furlafa

 Como podrán ver será un evento que no pueden perderse, todo el esfuerzo es en agradecimiento a nuestros lectores. Nada de esto sería posible sin su ayuda; así como de todos los amigos que en el camino vamos haciendo. Los esperamos…

Cartel_Faro

 

Originally posted 2014-05-08 17:35:26. Republished by Blog Post Promoter

MEMORIA: instalación visual y sonora

 

Este jueves 15 de noviembre será inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación visual y sonora Memoria, de Daniel Hidalgo Valdés.

Se trata de una pieza interactiva que permite al espectador emitir sonidos que generan una representación visual lumínica. Estos sonidos y su respectiva representación gráfica sufren los efectos de la reverberación al grado en que se reducen a ecos y estelas del sonido original.

La obra pretende hacer un paralelismo entre entre la memoria humana y la reverberación, desde la perspectiva de que ambos conceptos son evocaciones del pasado que con el tiempo se ven distorsionadas y reducidas, de manera que el resultado final es sólo un vestigio del hecho original. En palabras del autor, es “una metáfora sonora de la memoria humana, algoritmos que generan una pieza cuya organización es equivalente a los procesos de la memoria del ser humano”.

La idea es que el espectador sea testigo de la forma en que ambos, recuerdos y reverberación, se degradan hasta transformarse en silencio y olvido.

Daniel Hidalgo Valdés es miembro de la Sociedad Nacional de Creadores de Arte y ha trabajado como compositor y productor de música y sonido en películas y series mexicanas como 2033 y Los Minondo.

El evento comenzará a partir de de las 19:00 horas en el recinto, ubicado en Paseo de la Reforma.

 

Originally posted 2012-11-14 18:00:52. Republished by Blog Post Promoter

Melbourne Ska Orchestra: una Big Band desde la tierra de los canguros

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El 2003 fue el año que vio nacer a una de las bandas más espectaculares de la escena ska de Australia tanto en el aspecto musical como en el número de integrantes. Formada por miembros de diversas bandas australianas -músicos de la más alta calidad- y liderada por Nicky Bomba, Melbourne Ska Orchestra es una auténtica big band en todo la expresión de la palabra, su alineación está compuesta por 30 músicos.

No sería sino hasta una década después que esta banda australiana alcanzaría el reconocimiento que se merece. En 2013 salió a la luz su disco titulado Melbourne Ska Orchestra, el cual ha sido considerado entre los mejores álbumes del 2013.

Este álbum homónimo es uno de esos discos que desde el principio hasta el final provocan que te muevas, un álbum donde cada uno de los diferentes temas te harán gozar con ritmos que van desde el más potente ska (con una sección de vientos de más de 20 integrantes) hasta sonidos más lentos, ideales para disfrutar en compañía de alguna chica o chico (según sea el caso).

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Pues será cuestión de seguirle los pasos a esta enorme banda y esperar que en este 2014 nos sigan deleitando con más joyitas como esta, y ¿por qué no? Igual y en una de esas alguien después de leer esta nota se anima a traerlos a nuestro país, al fin la esperanza es lo último que muere.

Originally posted 2014-01-08 16:08:36. Republished by Blog Post Promoter